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Del 11 de agosto al 27 de octubre se presentará en La Teatrería el montaje El inicio de todo, escrito y dirigido por Valeria González, con las actuaciones de Axel Arenas, Fran Cuenya, Paco Pizaña, Kariam Castro, Samantha Torreskelly y Oka Giner.

Previo a su estreno, su creadora comparte: “Es una propuesta que cuestiona al espectador sobre ¿qué significa ser el alma gemela de una persona? Y si ser alma gemela de alguien requiere forzosamente un vínculo de pareja. El público se va a encontrar con personajes que se hacen preguntas muy profundas sobre su vida y como todo parte de su falta de conocimiento personal”.

“La primera vez que presentamos esta propuesta fue en diciembre del año pasado, tuvimos buenos comentarios, sobre todo del texto, porque aunque yo misma la escribí, a todos los involucrados nos ha hecho abordar la historia desde otro punto. Además se agregaron músicos en escena, quienes reaccionan a la obra y nos ayudan transicionar entre escena y escena, ya que no es una obra cronológica, son escenas alternadas que retratan la vida de estos dos a lo largo de 15 años”, refiere.

“Estamos creando una ambientación del aeropuerto, porque todo el tiempo se hace alusión a los aviones, a irse, a no estar en el lugar que no queremos estar, entonces vamos a encontrar pasaportes, la pantalla de salida, las llamadas, etc.”, añade.

En escena, conoceremos a Fernando y Paulina, quienes son mejores amigos. No hay nadie en el mundo que los complemente mejor que el uno al otro, incluso han dicho que son “almas gemelas”, pero ¿significa que deben estar juntos?

De acuerdo con la dramaturga, la obra tuvo su origen durante el confinamiento, impulsada por sus propios cuestionamientos durante esta etapa, donde la cercanía con la muerte la hizo reflexionar sobre su conformidad acerca de sus planes, preguntándose si estaba o no contenta con lo que había hecho hasta ahora.

“Yo me preguntaba qué me faltaba por hacer, porque la muerte ya sea cercana o no, siempre nos lleva a pensar que nosotros podemos ser los siguientes, no por atraerlo, sino porque la vida es muy corta, se acaba luego luego y pensaba ¿estoy bien?, ¿estoy contenta con lo que he hecho a lo largo de mi vida o me iría con cuestiones pendientes?”, afirma.

“También reflexioné sobre mi forma de relacionarme con los demás, si lo hacía de forma sana o conflictiva, y si estoy aferrada a encontrar a mi alma gemela y qué significa encontrarla”, argumenta.

Y agrega: “Yo siempre he tenido un mejor amigo, lo considero a él mi alma gemela, pero me molesta que me digan que tengo que estar con él en pareja, entonces uní todos esos discursos y escribí la obra”.

Finalmente, González asegura que uno de los puntos interesantes de esta producción, es la incorporación de talentos emergentes, creativos y que no rebasan los 30 años, elementos que representan la posibilidad de descubrir nuevas formas de crear sin el estigma de la falta de experiencia.

“Uno de los puntos más importantes aquí es que todo el equipo creativo está conformado por menores de 30 años, somos gente que está tratando de aportar un granito de arena al cambio social, a partir del arte, porque es muy fácil que la gente se identifique en escena y reflexione sobre su felicidad hoy en día”, concluye.

No te pierdas esta propuesta con funciones todos los jueves hasta el 27 de octubre en La Teatrería, para conocer precios y horarios, aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Zeineth Odriozola

Aspiraciones fallidas, mal de amores, enfermedades, vejez y pérdida de estabilidad económica son algunos de los temas que aborda Los Humanos, propuesta escrita por Stephen Karam, que estrenó en nuestro país dirigida por Diego del Río, protagonizada por Concepción Márquez, José del Río, Pilar Flores del Valle, Luz Aldán, Paulette Hernández y Nacho Tahhan.

El montaje narra una cena navideña de una familia tradicional mexicana, donde los padres acuden al nuevo departamento de la hija menor, que se ha mudado con su novio, junto con la otra hija y la abuela paterna, cuya salud se ha ido deteriorando a causa de la demencia senil. Ahí somos testigos de distintas charlas, que van desde lo más banal hasta situaciones profundas que nos trastocan y de las que nadie es indiferente.

Aquí te contamos 5 datos curiosos sobre este montaje que se presenta los martes en el Foro Shakespeare:

1.Stephen Karam. Es un dramaturgo estadounidense que proviene de una familia libanés-estadounidense de fe maronita, situación que se ve reflejada en sus obras. Destacó desde muy joven en la dramaturgia, ganado en 3 ocasiones el Festival Nacional de Jóvenes Dramaturgo.

2. Sus creaciones. Su carrera como dramaturgo se consolidó cuando dos de sus textos resultaron finalistas al premio Pulitzer de Drama (uno de los siete premios estadounidenses que se otorgan anualmente por Letras, Drama y Música) Sons of the Prophet (Hijos del Profeta) en 2012 y The Humans (Los Humanos) en 2016.

3. Los Humanos. El texto fue escrito a solicitud de Roundabout Theatre y se estrenó en 2014. Dos años después llegó a Broadway. La versión original del drama se centra en una familia que se reúne el Día de Acción de Gracias, donde el padre y la hija mayor fueron marcados por la tragedia del 11/09. Ganó el premio Tony 2016 en la categoría de Mejor obra.

4. El estilo. Karam se ha caracterizado por ser un autor que plantea historias con personajes inmensamente honestos, que van desde la comedia negra, pasando por el drama, hasta situaciones profundas y dolorosas con gran maestría.

5. De las tablas a la pantalla grande. La obra tiene su propia versión cinematográfica, y Karam se encargó de dirigir y escribir el guión de la cinta que estrenó en 2021 y contó con las actuaciones estelares de Richard Jenkins , Jayne Houdyshell , Amy Schumer , Beanie Feldstein , Steven Yeun y June Squibb.

No te pierdas esta propuesta que nos invita a reflexionar sobre nuestros miedos como humanidad, hasta el 27 de septiembre, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

NOTAS RELACIONADAS:

• Diego del Río dirige la tragicomedia familiar LOS HUMANOS de Stephen Karam

A través de las redes sociales de la Asociación Nacional de Actores, este jueves 11 de agosto se dio a conocer la noticia de la muerte del reconocido intérprete, famoso por su fructífera trayectoria en teatro, televisión y cine.

En Cartelera de Teatro lamentamos esta pérdida para los espectáculos del país y ofrecemos nuestras condolencias a sus familiares. Hasta el momento se desconocen las causas de su muerte. Sin embargo, el legado que ha dejado en la escena nacional será recordado con gran emotividad.

Ojeda nació en La Paz, Baja California Sur, un 4 de noviembre de 1940, estudió actuación en el Instituto de Bellas Artes y comenzó su carrera en teatro, entre sus obras están se encuentran Mamá por siempre, El ligue, El gran teatro del mundo, A puerta cerrada, El enganche y Pedro Páramo, por mencionar algunas.

Con el tiempo, tuvo su mayor exposición en el mundo del cine, donde filmó alrededor de 291 películas, entre ellas: Las Poquianchis (1976), La pasión según Berenice (1976), Romancing the Stone (1984) y Salón México (1996).

Además de destacar en los largometrajes, su paso por la televisión marcó a muchas generaciones que lo recordarán como el icónico villano que fue, apareciendo en más de 40 producciones, como Santa (1978), El derecho de nacer (1982), El vuelo del águila (1994-1995) y su último proyecto, Corazón guerrero.

Su trabajo constante lo llevó a ganar diversos premios en cine, televisión y teatro, entre ellos el Ariel, presea que entrega la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, así como El Heraldo de México, un Califa de Oro, entre otros.

Descanse en paz Manuel Ojeda.

Con información del financiero.com

La noche de ayer, se llevó a cabo en el Teatro Aldama, la función de prensa de Mentidrags de Manuel López Velarde, con un elenco integrado por Rogelio Suárez, Fher Soberanes, Iker Madrid y Regina Voce.

Al recinto acudieron un gran número de drag queens como Letal, Paper Cut, Deborah La Grande e Iris XC, por mencionar algunas, así como la cantante María León, Faisy, Guana, Anhí Allue, Aitza Terán, Pahola Escalera, Jimena Cornejo, Brenda Santabalbina, Manuel Balbi y Majo Pérez, entre otros.

Al finalizar el musical, el director del montaje señaló el gusto y el agradecimiento de poder presentar una nueva versión del montaje, de la mano de talentos creativos que ayudaron a su construcción y dedicó la  función a toda la comunidad LGBTTTIQ+, en especial a la comunidad drag del país y del mundo, reconociendo su forma de expresión artística y su lucha a favor de la inclusión.

“Tenemos que recordar que las piedras que se lanzaron hace muchísimos años, para que nosotros podamos celebrar el pride hoy, estuvieron encabezadas por dragas y por lo que hoy conocemos como mujeres trans, hombro con hombro, con hombres gays, mujeres lesbianas, intersexuales, bisexuales, todo el acrónimo LGBTIQ…”, compartió.

Por su parte, los productores Alejandro Gou y Ari Borovoy se sumaron al reconocimiento de Velarde y expresaron su orgullo de esta nueva etapa del musical, reconociendo las interpretaciones de los protagonistas, así como de todo el equipo creativo que participó en su construcción.

No te pierdas Mentridrgas con funciones los miércoles y jueves en el Teatro Aldama, para conocer precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Uno de los foros más populares al sur de la ciudad es Teatro La Capilla, dirigido por Boris Shoemann, donde podrás encontrar un sinfín de propuestas que van desde el drama, pasando por la comedia, hasta las opciones más experimentales, que nos acercan a los creadores jóvenes y en algunos casos, poco conocidos en nuestro país.

Otra de las opciones que nos brinda este recinto cultural son los talleres especializados en distintas disciplinas de las artes escénicas, así como convocatorias, laboratorios de creación, además es posible adquirir algunos de los textos inéditos de la compañía Los Endebles.

Si andas por el sur de la ciudad, aquí te damos algunas recomendaciones para que planees tu próxima visita teatral y disfrutes de la oferta que te ofrece La Capilla:

1. Rebelión. Roberto Mosqueda escribe, dirige y actúa esta pieza que aborda temas tan profundos como el ego humano. Con toques distópicos y ciencia ficción, el autor invita al público a ser parte de la historia de un par de personajes que viven en un futuro lejano, al que cada día parecemos acercarnos más. Se presenta sólo este 13 y 14 de agosto.

2. La peor señora del mundo. LabTeatro Niñ@ trae para los pequeños espectadores, su propia versión del cuento de Hinojosa, apoyada por la técnica de clown y simbolismo, con el fin de que los infantes pasen un momento de diversión y reflexión sobre lo que está sucediendo en escena. Ofrece funciones los domingos hasta el 25 de septiembre.

3. La ira de Narciso. Este monólogo protagonizado por Cristian Magaloni, se ha vuelto una de las propuestas consentidas de este recinto, nos presenta una historia que nos sumerge entre el suspenso y lo absurdo, tal como el propio mito de Narciso. Se presenta martes y miércoles hasta el 31 de agosto.

4. Diane. Proyecto Granguiñol Psicotrónico trae a escena basada en Diane Arbus, una fotógrafa controversial que se esforzó toda la vida por mantenerse a salvo de la depresión que la llevó al suicidio a los 47 años. Teatro de máscaras, danza y teatro de papel son los elementos que componen este montaje que ofrecerá temporada los lunes, del 22 de agosto al 12 de septiembre.

5. Felipa y Memo tienen una relación. Roberto Cavazos traduce y dirige esta comedia romántica inmersa en el mundo de las redes sociales, una suerte de Romeo y Julieta en la era del Internet, en donde somos testigos de todo lo que sucede alrededor de esta joven pareja, fotos, videos, declaraciones de amor, anécdotas, selfies y más. Se presentará los domingos del 28 de agosto al 16 de octubre.

Así que no lo pienses más y date una vuelta por La Capilla, y dicho sea de paso, disfruta de un rico café o un helado y una grata caminata por el centro de Coyoacán.  Consulta su programación, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Teatro La Capilla

Desde el pasado 4 de agosto y hasta el 18 de septiembre, el Teatro El Galeón Abraham Oceransky, ofrece funciones de Cleopatra y Antonio, un montaje integrado por mujeres en totalidad, que juega y honra la tradición isabelina, para presentar una visión femenina y actual de la narraturgia de William Shakespeare.

Muchos son los aciertos que envuelven a esta historia, si aún no has tenido oportunidad de verla, a continuación te cuento  3 razones que la convierten en una propuesta obligada para ver.

1.Las actuaciones. En esta versión del montaje, el elenco es integrado por Carmen Mastache, Natalia Alanís, Guillermina Campuzano, Ana Graham, Alissa Reyes, Leticia Pedrajo, Mariano Ruiz, Aleyda Gallardo, Ana Sofía López, Alejandra Marín, Lucy Escandón y Carolina Contreras. Juntas, ofrecen una interpretación contemporánea de gran relevancia, a través de la palabra. Aquí, es interesante observar su forma de desplazarse en el escenario, brindando dinamismo a la historia y construyendo cuadros potentes e íntimos.

2.El vestuario. Las prendas utilizadas en esta producción son cruciales para marcar la personalidad y jerarquía de cada personaje. Aquí, Julia Reyes utiliza la rigidez y soltura de cada tela, por lo que podrás ver la sensualidad de una Cleopatra alejada de su habitual arquetipo, a través de vestidos hechos de telas ligeras con colores vibrantes, así como la fuerza y la experiencia militar de un Antonio, por medio de materiales como el del cuero en tonalidades oscuras.

3.La dirección. Esta adaptación tiene su origen en una profunda investigación doctoral que Olivia Barrera realizó, proceso en el que se encontró con un amplio acervo documental que la inspiró a abordar el gran clásico del dramaturgo inglés, a partir de la construcción de un universo femenino y místico, con una Cleopatra más en contacto con la tragedia que la invade.

Ahora conoces algunas de las principales razones que hacen de esta obra, una producción ideal para ver este fin de semana, para conocer más información, haz clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La falta de conocimiento acerca de las enfermedades mentales y el estigma que existe a su alrededor en México es una realidad, sin embargo, existen propuestas escénicas que ponen el tema sobre la mesa, sin tapujos y con información certera que confronta a la audiencia con su propia experiencia.

Tal es el caso del unipersonal D’mente, escrito y dirigido por el actor Ari Telch, quien a través de su experiencia personal, genera un vínculo con el espectador por medio de un reflejo contundente, ya que muy pocas personas, están exentas de dichos padecimientos, por la simple razón de ser seres humanos.

Por ser una obra obligada para ver, a continuación te contamos 3 razones para ver este existoso monólogo que se presenta los lunes en el Foro Shakespeare:

1.Ari Telch. Aquí, El reconocido intérprete hace gala de su dominio escénico, utilizando una comedia basada en un humor negro y muy ácido. En escena,  el actor recrea diversos personajes que ejemplifican los peores escenarios a los que una enfermedad no tratada, puede llegar, pero hablando con una honestidad brutal que se agradece.

2. La Dramaturgia. Telch escribió este texto junto con el director de escena, Alfonso Cárcamo, juntos desarrollaron un monólogo que, desde el momento en que arranca, no suelta al espectador, gracias al dinamismo y las constantes intervenciones que el intérprete tiene con el público, utilizando diferentes objetos que favorecen el discurso.

3. El planteamiento. Como ya lo mencionaba, esta propuesta señala los estigmas que un padecimiento de este tipo, generan en las personas que desconocen del tema por completo. En este sentido, la obra, de forma ágil y divertida, expone la ignorancia y permite saber que en la vida se presentan momentos complicados con los que a veces es difícil lidiar. Sin embargo, invita a no quedarse estancado y acudir con especialistas en la salud mental, aprender de nosotros mismos, así como ayudar oportunamente a quienes atraviesen por algo similar.

Ahora conoces 3 razones para ver este montaje, empieza con teatro la semana y diviértete con una propuesta necesaria, consigue tus boletos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

El pasado 13 de agosto, el maestro Luis de Tavira estrenó en el Foro La Gruta el monólogo La última cinta de Krapp, que ofrece una mirada íntima al texto autobiográfico de Samuel Beckett, bajo la dirección de Sandra Félix.

Al finalizar la función, Félix expresó la alegría de poder trabajar nuevamente con quien fuera su maestro en su formación actoral, durante la juventud, señalando su admiración y el orgullo de su equipo de trabajo en esta propuesta.

Por su parte, Antonio Zúñiga Chaparro, director genral del Centro Cultural Helénico, señaló: “Lo que hemos visto trastoca el corazón y profundamente el alma, el equipo que participó en esta residencia es para  nosotros, inconmensurable, en toda su potencia artística. Sandra es mi maestra y amiga, hemos hecho algunas obras y pues el maestro es como de muchos y muchas, el maestro”.

Este monólogo, escrito en 1958, plantea la necesidad que como seres humanos tenemos de explicar nuestro presente con acontecimientos que nos marcaron en el pasado y cuestiona si tiene algún sentido hacerlo.

Sobre el escenario, Tavira interpreta a un hombre mayor, Krapp, que suele grabar sus vivencias en un magnetófono y cuando llega su cumpleaños número 69, en la soledad de una habitación, siente la necesidad de escuchar una vieja grabación que hizo cuando tenía 39 años. Tras una búsqueda en sus cintas, escucha tres de ellas que contienen momentos decisivos en su existencia, dentro de la juventud, la adultez y la vejez.

La última cinta de Krapp, se presenta del 13 de agosto al 11 de septiembre, en el recinto ubicado en Av. Revolución 1500, para conocer precios y horarios, aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Esta mañana se llevó a cabo la conferencia de prensa de Lagunilla, mi barrio, la nueva producción encabezada por los productores Alejandro Gou  y Claudio Carrea, la cual estrenará el 2 de septiembre en el Centro Cultural Teatro 2.

Esta adaptación para teatro de la película mexicana de 1980, que fuera protagonizada por Manolo Fábregas y Lucha Villa, bajo la dirección de Raúl Araiza, sube a las tablas con la dirección y adaptación de Ariel Miramontes y Daniel Chávez.

Mientras que, el elenco está integrado por personalidades conocidas de la pantalla chica como: Laura León “Tesorito”, Ariel Miramontes “Albertano”, Maribel Guardia, Freddy y German Ortega “Los Mascabrothers”, Daniel Bisogno, Lisardo, Violeta Isfel y Alma Cero.

Sobre el montaje, Ariel Miramontes, señaló: “Gracias Gou porque ya habías confiado en mí antes y estar de regreso ahora con este ensamble tan bonito, me hace sentir muy contento, porque veo gente muy talentosa y que además, estás de buen ver”.

Y agregó: “La película se hizo famosa por manejar un humor blanco y familiar. Me siento muy entusiasmado porque se trata de una obra diferente a las comedias musicales en México, hay canciones de Molotov, de Ov7, en fin, quisimos resaltar el folclore de la ciudad y su gente”.

Por su parte, los hermanos Ortega, afirmaron: “El público no va a ver un Tenorio cómico en escena y que el humor abordado, es para personas de amplio criterio que quieran reírse de personajes políticamente incorrectos“.

En este sentido, Gou aseguró que la intención de esta propuesta no es ofrecer vulgaridad que lastime los oídos de la gente, enfatizando el homenaje que buscan ofrecer a los intérpretes nacionales del pasado.

Al respecto, el actor Daniel Bisogno mencionó: “Lo que nos a salvado en un país como este, es el humor y la gente que viene sabe a lo que viene”.

Finalmente, las actrices Maribel Guardia, Laura León y Violeta Isfel se mostraron entusiasmadas de presentar una obra romántica, con temas actuales y personajes diversos, al interior de un barrio tan emblemático para los mexicanos.

Lagunilla, mi barrio ofrecerá funciones de viernes a domingo, del 2 de septiembre al 30 de octubre en el Centro Cultural Teatro 2, ubicado en Av. Cuauhtémoc 119 altos esq. Puebla, Col. Roma, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Esta tarde se llevó a cabo la conferencia de prensa de Jauría, puesta en escena escrita por Jordi Casanovas, a partir del juicio realizado a La Manada en España, que estrena en nuestro país, bajo la dirección de Angélica Rogel (Hamlet, Corazón gordito).

En esta adaptación, el elenco está integrado por los jóvenes actores Ana Sofía Gatica, Eduardo Tanús, Antonio Peña, Daniel Bretón, Roberto Beck, Rodrigo Virago y David Calderón León, quienes ofrecerán temporada del 5 de septiembre al 16 de enero en el Foro Lucerna.

Al respecto, Rogel expresó: “Es teatro documental porque todo está construido a partir del juicio de La Manada en España, mismo que logró la modificación del código penal español. Esta propuesta cuestiona qué es lo que entendemos por una violación y cómo a la chica qué pasó por esto, se le revictimizó y se le volvió a culpar, entonces señala lo que es una violación”, señaló.

Y agregó: “Trabajamos con el documento, con el caso, fue un trabajo grupal, Jordi escribió toda la obra a partir de lo que dijeron los agresores y muestra una postura al respecto, esto está sesgado, porque yo creo que sí son violadores y él también dice que son violadores, debemos acabar con el pacto patriarcal que normaliza estas conductas”.

Por su parte, Ana Sofía Gatica mencionó el gran reto que ha representado para ella el abordar un texto tan violento con un elenco integrado mayoritariamente por hombres. Sin embargo, aseguró que: “este montaje busca poner todas las problemáticas que propician la normalización de una cultura de la violación, derivadas de estructuras de poder, a partir de un sistema machista“.

Agrega: “Hacer esta obra ha sido todo un reto, porque me ha confrontado como actriz y cómo mujer, siento que es un tema en el que no se quiere profundizar. Yo he aprendido a vivir con un velo sobre la cara e ignorar ciertas cosas, pero ahora la víctima soy yo y el ponerme en los zapatos de esta chica, ha sido entender todas las formas en las que una se puede ver envuelta en una agresión”, mencionó.

En este sentido, el actor Daniel Bretón expresó: “Tanto hombres como mujeres perpetúanos esta problemática, es una obra que no da respuestas, nos enfrenta a una realidad qué pasa todos los días en cualquier lugar del mundo, como elenco no estamos libres de pecado, yo me he cuestionado hasta dónde yo he replicado ciertas acciones”.

El resto del elenco coincidió en que un montaje como éste, señala todas las conductas machistas, de abuso, que se han perpetuado de generación en generación, donde la pornografía juega un papel muy importante en falsa idea de lo que representa el placer sexual.

Jauría ofrecerá temporada del 5 de septiembre al 16 de enero con funciones los lunes en el Foro Lucerna del Teatro Milán, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Del 1 al 9 de octubre llega al Teatro Centenario Coyoacán, la puesta en escena El diván rojo, escrita por el fallecido, Fernando Gaitán, creador de la famosa telenovela, Yo soy Betty, la fea.

Esta propuesta, se presenta bajo la dirección de Víctor Quesada y protagonizada por los actores colombianos Lorna Cepeda, Julio César Herrera y Natalia Ramírez, reconocidos a nivel mundial por su participación en la popular telenovela, quienes ofrecerán funciones en la Ciudad de México y algunas ciudades del interior de la República.

Durante la presentación a medios, Ramírez expresó: “Es importante entender lo qué significa México para nosotros, tenemos un intercambio cultural muy importante, es el momento de retribuir y poder reforzar ese aporte cultural”.

“Esta obra es un homenaje a Fernando Gaitán, es la primera que escribió. Cuando falleció, sus hijas me preguntaron si podía hacer la producción nuevamente y no lo pensé dos veces, porque es una comedia romántica muy divertida y ágil”, señaló.

Y agregó: “El sexo tiene muchos mitos y tabúes y es hora de romperlos, ha sido divertido montarla, Fernando tuvo oportunidad de verla girando en Latinoamérica y ver los puntos de reflexión de las parejas en cada país”.

Sobre la trama, la actriz aseguró que es un montaje necesario por su vigencia, en donde su personaje, invita a cuestionar las formas tradicionales en que se construyen las relaciones de pareja.

La comedia muestra a un prestigioso sexólogo, el doctor Luis Mario Dávila (Herrera) que debe emplear a fondo todos sus conocimientos y estrategias cuando atiende en su consultorio a Carla Santamaría (Cepeda), una obsesiva de los hombres y el sexo, que busca el camino que la lleve a amar a un solo hombre. Una interesante misión que tiene un sinfín de matices.

Sobre su paso por la famosa telenovela, Ramírez externó que la recuerda con mucho amor y aseguró continuar siendo fan, por el resto de su vida: “Betty fue hecha en estudio, prácticamente se construyó con uñitas, siento que su éxito se debe a que es una historia universal, que aunque pasen décadas, seguirá siendo vigente”, mencionó.

“Sí hay una película de Betty, yo la haré, no sé cuánto me voy a demorar, pero lo haré. Me tomo 15 años convencer a Fernando de llevar la historia de la novela a teatro, así que, definitivamente está en mis planes”, confesó.

Y añadió: “Antes de Betty, llevaba 20 de carrera como actriz, pero disfruto ser más productora. El diván rojo es un proyecto de esos posteriores, verán actores que reconocerán de la novela, pero mi objetivo es que los separen de sus famosos personajes”.

En esta propuesta, la actriz señaló que ella tiene la posibilidad de cantar, actividad que la llevó a representar a Colombia en el Festival de la OTI. “Me gusta exponer esa parte de mi arte que me encanta muchísimo y me trae tantos buenos recuerdos”, concluyó.

El diván rojo ofrecerá funciones a partir del 1 de octubre en el Teatro Centenario Coyoacán, ubicado en Avenida Centenario 159, Colonia Del Carmen, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Tras 20 años de su primera presentación en nuestro país, Cirque du Soleil de la mano de Ocesa, anunciaron el estreno de KOOZA, un sorprendente espectáculo que regresa a los orígenes de Cirque, que estrena temporada en noviembre en la Ciudad de México.

Durante la presentación a medios, la productora Julieta González, compartió: “Después de 4 años de ausencia, nuestra última presentación fue Luzia, vamos a volver a tener la oportunidad de ver el circo en su más pura esencia, como sólo Cirque du Soleil lo sabe hacer, con este espectáculo llamado KOOZA, que estrenó en 2007”.

Agregó: “Yo personalmente tuve la oportunidad de estar en aquel estreno memorioso en Montreal, y me pareció uno de los shows más arriesgados que Cirque du Soleil nos ha entregado a lo largo de todos estos años”.

Mientras que Jennifer Lécuyer, directora artística de KOOZA, externó: “Bienvenidos al mundo de Cirque du Soleil, es un honor estar con ustedes el día de hoy. Ocesa permitió que Cirque entrará en México en 2002 y creó una fabulosa historia de amor entre Cirque y el público mexicano”.

Agregó: “Tenemos el privilegio de traer a KOOZA a México, celebrando 15 años de Kooza, esperamos poder seguir presentando estos shows. Es la primera vez que Kooza visita México y estamos muy ansiosos de qué vean el espectáculo”.

El espectáculo comenzará presentaciones el 14 de octubre en Guadalajara y llegará a la capital el 18 de noviembre para instalarse en la Gran Carpa Soleil, ubicada en Av. Vasco de Quiroga # 2000 en Santa Fe, donde ofrecerá funciones de lunes a domingo, descansando los martes. La venta comenzará a partir del 23 de agosto para el público en general.

Sobre el espectáculo

El nombre KOOZA está inspirado en la palabra sánscrita “koza”, que significa “caja”, “cofre” o “tesoro”, y fue elegido debido a uno de los conceptos subyacentes de la producción: la idea de un “circo en una caja”. En este sentido, el escritor y director del programa, David Shiner, explica: “KOOZA trata sobre la conexión humana y el mundo de la dualidad; lo bueno y lo malo”.

El show está conformado por impresionantes actos de acrobacia de alto nivel. En este sentido, Lécuyer apunta: “Hemos establecido dos cuerdas para el uso del funambulismo, la rueda de la muerte y la báscula. Esto que se hace en la parte superior es algo muy desafiante, sin embargo, KOOZA lo hace ciudad tras ciudad. Esto se mezcla con una bella y muy conmovedora historia, acerca de un personaje llamado El inocente que pasa a lo largo de diferentes escenarios y El Tramposo, que trae muchas cosas dentro de el, mezclado con acrobacias de alto nivel“.

Añade: “Cirque du Soleil no sería lo mismo si no tuviéramos los actos de payasos, tenemos la alegría de presentar esto en el relazamiento que se realizará, vamos a presentar dos actos, una vez que se presente en la Ciudad de México“.

Por último,  Julieta González, puntualizó: “Como promotora ejecutiva de estas próximas presentaciones, me siento muy afortunada de que tengamos la suerte de tener este show en particular. No les miento y no exagero, cuando les digo que es uno de los shows que te mantienen al borde de la silla, es super cirquero, y es por eso que decimos poner Cirque en su estado más puro, porque nos parece que es la vuelta a los orígenes, pero traído a la modernidad. Estamos seguros de que vamos a soprender a todo el público con este maravilloso espectáculo”.

Se trata de un espectáculo que nos ofrece un retorno conceptual a los inicios que dieron origen al propio Cirque du Soleil, donde el público podrá apreciar actos sobrehumanos de contorsión, audaces actos de equilibrio que desafían todas las leyes de gravedad, todo ello envuelto en una atmósfera como si se tratase de un sueño.

KOOZA se estrenó en abril de 2007 en Montreal y desde entonces se ha presentado en más de 66 ciudades, 22 países y cuatro continentes, ahora llega a nuestro país para mostrarnos una vez más la magia del circo e invitarnos a soñar con mundos oníricos, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Escenario Ocesa

Esta mañana se llevó a cabo la conferencia de prensa de Las devoradoras de un ardiente helado, farsa musical escrita por Antonio González Caballero en 1972, dirigida en esta ocasión, por Emmanuel Márquez Peralta, con un elenco integrado por Jorge Zárate, Misha Arias de la Cantolla, Omar Esquinca Sánchez y Ángel Enciso. 

A partir del 25 de agosto y hasta el  2 de octubre, podrás ser testigo de un montaje que viaja a las entrañas de la dinámica familiar en México, a través de una historia basada en la sátira, dentro de un universo drag, donde conoceremos la relación tóxica entre Circe, esposa de Diego, quien es hijo de Isadora, juntos visitan una nevería llamada Las Walkirias; un lugar donde queda al descubierto la decadencia del modelo de familia, así como la imposibilidad de relación entre géneros.

Al respecto, el director expresó que es la primera vez que una obra de González Caballero llega al Instituto Nacional de Bellas Artes,  y al contar con 40 años de experiencia haciendo teatro para niños y jóvenes, considera que por la importancia del planteamiento,  este debería ser un montaje dirigido hacia los adolescentes.

“Es una obra que yo quiero mucho por la temática y por ser teatro mexicano, es la tercera obra que dirijo del mismo autor, esta en particular, la disfruto mucho porque pone en el centro esa cuestión de la masculinidad y la feminidad”, señaló.

Peralta asegura que una de las principales virtudes de la historia, es que ejemplifica, a detalle, todos aquellos patrones de comportamiento dañinos, que se han perpetuado por años, donde las relaciones de poder al interior del seno familiar entre hombres y mujeres, se convierten en un círculo vicioso del cual es casi imposible salir.

“Me parece que el hecho de que los personajes femeninos fueran interpretados por hombres permitía una cuestión teatral de alejamiento, esto me ayudó a llevar más lejos la farsa y se me hacía un tanto obligatorio actualmente, porque siento que todos nos encontramos jugando este juego”, argumentó.

Por su parte, el actor Jorge Zárate, compartió: “Creemos que es muy pertinente para todo el contexto social que impera en el mundo, diría yo, considerando esta lucha de equidad y de diversidad que se está dando, porque rompe paradigmas genéricos. Yo no conocía el texto y ahora que tengo la oportunidad de interpretarlo, considero que Caballero era un adelantado a su época”.

Finalmente, el resto del elenco coincidió en que este montaje es necesario, porque el autor confronta al espectador de forma contundente con su historia de vida, por medio de un humor negro que incomoda y genera muchas preguntas, con personajes drag que ponen sobre la mesa aún más cuestionamientos y fortalece el discurso.

No te pierdas esta producción, con funciones de jueves a domingo en el Teatro Julio Castillo, para más información, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

En agosto, dos de las producciones más aplaudidas por el público, se despiden, Dos locas de remate y Defendiendo al cavernícola, montajes que se han caracterizado por abordar, con humor, la compleja relación entre familiares.

Si aún no has disfrutado de estas historias, esta es la oportunidad de adentrarte en sus temáticas, identificarte y reír con la dramaturgia de Ramón Paso y Rob Becker, con las interpretaciones de Susana Zabaleta, Gabriela de la Garza y Poncho Vera.

A lo largo de la temporada de Dos locas de remate, bajo la dirección de Manuel González Gil, hubo funciones agotadas con anticipación, ¿por qué?, la razón es simple, cómo no reír a carcajadas al ver sobre el escenario el inesperado reencuentro de dos hermanas que después de un largo tiempo alejadas, vuelven a convivir bajo el mismo techo, dando pie a diversos momentos de confrontación.

Esta propuesta estaba titulada originalmente como El reencuentro, tuvo su estreno en Madrid en febrero de 2018 y pronto llegó a los escenarios de países como Costa Rica, República Dominicana y Argentina, y ahora es presentada en México por primera vez.

En la historia, Zabaleta interpreta a una mujer fiel a su vida, entregada al arte y gustos refinados, incapaz de tolerar el desorden dentro de su lujoso departamento, rehuye a cualquier evento nostálgico y no tiene el mínimo tacto para expresar lo que piensa. Por su parte, de la Garza encarna a una mujer caída en desgracia, viuda y en bancarrota. Aparentemente, una persona totalmente distinta a su hermana, aunque tal vez, son más parecidas de lo que creen.

Defendiendo al cavernícola, monólogo dirigido por Jaime Matarredona, ofrece una visión del juego de roles que se ha establecido en la sociedad entre hombres y mujeres, a lo largo del tiempo, patrones de comportamiento que se reproducen desde la familia.

El texto de Becker, ha sido representado por más de 8 millones de personas en 45 países, esta comedia es un acercamiento al juego de roles que se establecen en la sociedad entre hombres y mujeres, y que se reproducen desde la familia.

Se trata de una historia contada desde un punto de vista masculino, en esta ocasión por Poncho Vera, quien reflexiona sobre la forma de crianza, así como el amor incondicional hacia los hijos, un vínculo inquebrantable y único.

Ahora ya lo sabes, no te pierdas ambas producciones y déjate sorprender por su vigencia y humor.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Dos locas de remate

Teatro El Milagro presenta el montaje Una niña es una cosa a medio formar del dramaturgo Eimar McBride, traducida por al español por Annie Ryan y Pía Laborde Noguez, quien interpreta este monólogo, bajo la dirección de Juan Miranda.

Sobre la premisa, la actriz comparte: ”Este proyecto muestra la historia de una niña que desde su nacimiento, y a través de su infancia y adolescencia, se confronta con la fragmentación de su identidad a causa del mundo violento que la rodea, ella creció con una madre muy religiosa y un hermano que sufre una enfermedad mental”.

“El texto aborda una vida sexual turbulenta y reflexiones acerca de las construcciones sociales predeterminadas, sobre la feminidad y la omnipresencia de la violencia masculina”, señala.

“Ha sido un proceso muy difícil, lo considero el reto más grande en mi carrera y creo que es el reflejo de la lucha de muchas mujeres, tanto en Latinoamérica como en el resto del mundo, porque la complejidad de la forma en que la obra aborda los temas que las mujeres vivimos dentro de un contexto de vulnerabilidad, me parece muy puntual”, añade.

La actriz asegura que trabajar con Juan Miranda, ha sido un privilegio, ya que los une una profunda amistad y una química escénica que disfrutan.

“Este es el primer proyecto que hacemos juntos y desde entonces hemos seguido trabajando juntos, fue un proceso muy exquisito por la seguridad y la confianza mutua, él aborda este texto tan complejo, con un lenguaje tan experimental y un ritmo muy único”, puntualiza.

Sobre los escenarios en donde se desarrolla la acción, Pía comenta: ” Originalmente la obra se desarrolla en la Irlanda rural, pero nosotros sí queríamos contextualizar y mostrar un México muy exquisito, sin realmente ubicar un lugar preciso, porque creo que es importante mantener la idea de que nunca se especifica donde suceden las cosas, entonces nuestra adaptación tiene eso también”.

Y agrega: “Solo sabemos que la protagonista viene de un lugar rural para vivir en la ciudad, para estudiar la universidad, consideramos que la historia es demasiado universal como para plasmarla en un lugar en particular”.

De acuerdo con la intérprete, la escenografía es una estructura de metal con frágiles hilares que fueron pintados a mano, lo que permite crear distintos espacios dentro de la pieza, partiendo del imaginario de la niña, con una iluminación en color azul y verde.

“Estoy muy emocionada de presentar esta historia en El Milagro, después de una temporada muy exitosa en el Museo Tamayo hace tres años, además agradezco el equipo de este proyecto, porque es el primero de mi compañía, se llama Dolores, fundada en Inglaterra, donde la intención es crear proyectos que inciten a un intercambio cultural”, concluye.

Disfruta esta propuesta con funciones en el recinto ubicado en Milán 24, para conocer precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB El Milagro

En esta ocasión la comedia de situación con historias protagonizadas por mujeres, se impone en la cartelera, mostrando que el público femenino es el más asiduo al teatro.

Estas son las 5 obras más buscadas por nuestros lectores durante agosto:

5. Maduras, solteras y desesperadas. Cuatro experimentadas actrices cuentan la historia de tres amigas solteronas que comparten departamento al más puro estilo “millenial”.  Cada cierto tiempo, la casera intenta agregar un nuevo inquilino, sin embargo, valiéndose de artimañas, estas mujeres maduras logran deshacerse de él, hasta que el nuevo roomie resulta ser todo un galán, y cada una buscará ligarlo a su manera. Se presenta en el Teatro Rafael Solana.

4. Como quieras, perro ámame. La música, el ingenio y la verdad de esta historia hacen de esta puesta en escena, escrita por Diego de Erice, una de las obras consentidas de la cartelera. Durante varias temporadas hemos visto a diversos actores que encarnan a Samantha y Max, que sin saberlo coinciden en un restaurante en donde ambos fueron plantados por sus citas. Se mantiene en temporada con funciones en el Teatro Renacimiento.

3. Dos locas de remate. La dupla conformada por Susana Zabaleta y Gabriela de la Garza ha conquistado al público con sus hilarantes e irreverentes momentos en escena, para contarnos la historia de dos hermanas que después de estar separadas por más de veinte años, las circunstancias las hacen reunirse y volver a conectar. La obra se despide este fin de semana del Nuevo Teatro Libanés.

2. Dos Más Dos. Esta divertida comedia que se adentra en la vida de las parejas swinger, cuenta con un amplio elenco que incluye a Mauricio Islas, Sabine Moussier, Plutarco Haza, Gicela Sehedi, Alejandro Ávila, quienes noche a noche consiguen sacar carcajadas, y poner a reflexionar a todos los presentes sobre sus situaciones de pareja, así como sus deseos y por qué no, invita a ponerle un poco de sazón en la intimidad. Continúa en temporada en el Teatro Royal Pedregal.

1. Busco al hombre de mi vida, marido ya tuve. Dirigida al público femenino, esta obra explora los problemas de pareja y su separación desde la perspectiva de la mujer. A través del humor, tres amigas cuentan sus momentos más desafortunados en el amor en una especie de confesión entre la audiencia femenina. Se presenta en el Teatro Xola.

Recuerda que este listado cambia mes con mes, así que mantente al pendiente de nuestro sitio y corre a comprar tus boletos con los mejores descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía CMV y Producción

La noche de ayer se llevó a cabo en el Teatro Helénico la función de prensa de Indecente, de Paula Vogel, la nueva producción dirigida por Cristian Magaloni, con un elenco integrado por Alberto Lomnitz, Elizabeth Guindi, Ana Guzmán Quintero, Majo Pérez, Roberto Beck, Jorge Lan y Federico Di Lorenzo.

Al término de la presentación, el director expresó la felicidad que sentía por finalmente llevar esta historia a escena, después de un largo periodo de espera, además aseguró que esto no hubiera sido posible sin la participación del fallecido productor teatral Eloy Hernández, así como de la actriz y productora Ana Kupfer.

En esta función, el padrino invitado fue el actor y cantante Beny Ibarra, quién se mostró muy conmovido por la historia y en especial por la dirección de Magaloni. Ibarra celebró las interpretaciones en escena, reconociendo también el trabajo de Leo Soqui, Cecilia Becerra y Rodrigo Garibay, los músicos que acompañan el drama.

“Si hicieron este trabajo después de esperar tanto tiempo, es porque sabían que querían ser parte de esta joya que es la obra y que les iba a enseñar como actores y como personas un mensaje muy especial, y no sólo para los que tuvimos el privilegio de sentarnos en la butaca”, compartió.

“¡Están divinos todos! Esto es realmente una pieza muy emocionante, siento que todos nos quedamos conmovidos, creo que es nuestra responsabilidad cultural, emocional y artística el recomendar esta propuesta”, enfatizó.

El intérprete confesó que al crecer dentro de los teatros, junto con su hermano, desde que tenían uso de razón, fue el elemento principal para agradecer este montaje, sentirlo pertinente y verlo como una carta de amor al teatro.

“Se siente el amor en todas las partes del escenario, yo sigo muy conmovido, qué gran trabajo de dirección, hermano, qué padre, qué genial, es de una elegancia todo lo que vimos aquí”, concluyó.

En la historia se hace un homenaje al teatro, donde seguiremos el viaje de un montaje durante varias décadas y veremos cómo esta obra es interpretada por diversos actores durante estos años, con una historia de amor sublime entre dos mujeres que viven una pasión tan intensa como el significado que un actor da al teatro.

No te pierdas Indecente, con funciones de jueves a domingo en el recinto ubicado en Av. Revolución 1500, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Francisco Gabilondo Soler “Cri-Cri”, el inolvidable Grillito Cantor, ha sido reconocido como el máximo exponente de música y literatura infantil de habla hispana, ya que desde 1934 sus composiciones han acompañado a muchas generaciones que conservan su legado en el corazón.

Si tú fuiste uno de esos niños que al escuchar una canción de Cri Cri, recuerda con emotividad la infancia y reconoce la importancia de ofrecer un contenido entrañable y cultural para los más pequeños, entonces esta producción es ideal para continuar con el legado educativo que Soler considero de vital importancia en las edades más tempranas.

A continuación te cuento 3 razones para ver Descubriendo a Cri Cri todos los domingos de agosto en el Teatro Hidalgo:

1. Mario Iván Martínez. Cuando escuchamos este nombre, todos sabemos que es sinónimo de garantía, el reconocido intérprete ha dedicado gran parte de su carrera a presentar espectáculos de calidad para los niños y quizá, no tan niños. Y es que, cómo no maravillarse con la magia que logra generar sobre las tablas, para transportarnos hacia lugares insólitos y momentos de profundidad nostálgica , a través de su histrionismo y amor que solo él sabe dar al teatro.

2. La pertinencia de Cri Cri en los niños de hoy. Como ya lo mencionaba, este montaje toca las fibras más sensibles del corazón, por la riqueza de las letras del autor y las tonadas musicales que nos han acompañado toda la vida. Sin embargo, es impactante el encontrarse en la sala con abuelitas, mamás y papás que buscan enseñar a sus niños mensajes  y valores que jamás pasarán de moda, además de generar recuerdos en familia que con el paso de los años, sin duda, todos atesorarán.

3. Los personajes que acompañan la historia. Es imposible hablar de Cri Cri sin mencionar a una muñeca fea, los cochinitos dormilones, la negrita Cucurumbé, el clásico ratón vaquero o a la enternecedora abuelita, protagonista de la canción El ropero. En escena, Mario Iván interactúa con todos ellos y algunos personajes más del vasto universo del compositor utilizando de títeres que propician una experiencia más artesanal e íntima.

Ahora conoces tres razones más para redescubrir el importante legado que Francisco Gabilondo Soler dejó a los niños de todo el mundo, no esperes más y busca tus boletos con descuento, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Algunas propuestas teatrales generan en el espectador un vínculo inmediato, gracias a las interpretaciones, la escenografía utilizada y las historias que narran, por lo que su permanencia en las marquesinas de la ciudad no es casualidad.

Monólogos, comedias y suspenso son algunos de los géneros que engloban este listado. Si aún no has visto estas puestas o quizá, te falta alguna por ver, a continuación te cuento que podrás esperar en cada una de ellas y porque tienes que verlas.

La historia de Gazapo. Aquí encontrarás una premisa de amor, por medio del uso de rimas, poesía y la improvisación, donde se hace referencia a las situaciones cotidianas al interior de una relación. Etapas como el noviazgo, el matrimonio y la soltería son representadas por Francisco Suárez, mejor conocido como el “Mago Frank”, quien provoca en los asistentes una reflexión sobre la vida en pareja.

La dama de negro. Rafael Perrín presenta el clásico de Susan Hill y Stephen Mallatrat en una versión que ha conectado con el público mexicano durante más de 26 años. Las personas que acuden a la función son víctimas de una extraña mujer que tiene controlado a un pueblo lejano por medio de una terrible maldición. Sin embargo, sus apariciones se hacen realidad en este montaje en el momento menos esperado.

12 Princesas en pugna. En esta comedia, Quecho Muñoz muestra a las princesas características de Disney, quienes son convocadas por Cenicienta para contarles que se está quedando en la miseria, ya que el felices para siempre no siempre es lo que parece, pretexto perfecto para que todas las presentes, expresen lo complejo que es vivir bajo los estereotipos del famoso universo del ratón.

Penelogías. Aquí la dramaturgia de Miguel Valles es representada por Pedro Márquez, Edwin Castán y Tony Cruz, hombres de distintas edades que platican, a través del humor, la experiencia de vivir con pene. El montaje muestra tres puntos de vista de esa parte íntima, mezclando investigaciones científicas con explicaciones, quizá, no tan serias.

Como quieras, perro ámame. En esta propuesta, Diego de Erice ofrece una comedia musical, donde el romance es el tema principal a través de 25 canciones clásicas de intérpretes como Yuri, Ricardo Montaner y Armando Manzanero. En escena, una mujer que vive en sus 40 está divorciada y muy inconforme por cómo el amor la ha tratado, por lo que decide escribir un libro en el cual compara a los hombres con perros.

Ahora conoces algunas de las propuestas más longevas en cartelera, se parte del gran número de personas que ha reído con sus discursos y descubre por qué han durado tanto tiempo vigentes.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

Ayer por la tarde se llevó a cabo en el Teatro Milán la presentación a prensa de Abismo, thriller escrito por Jennifer Haley, bajo la dirección de Miguel Septién, con un elenco integrado por Pablo Perroni, Verónica Bravo, Sergio Zurita, José Ramón Berganza y Leo Danse Alós.

En escena se muestra una realidad virtual distópica, donde la tecnología ha brindado la posibilidad de experimentar experiencias y sensaciones tan reales como en la vida, pero al interior de un universo creado por un hombre que ofrece a sus huéspedes cualquier posibilidad para sentir placer.

Al finalizar la función, Septién expresó: “Creemos que si bien, es un texto extremadamente fuerte, creemos también que es extremadamente relevante hablar sobre esto, porque es un futuro que prácticamente ya estamos pisando”.

Sobre la actuación de Leo, la niña que protagoniza este relato, Perroni, mencionó: “Desde que leímos el texto, dijimos quién va a ser esa niña, tuvimos el asesoramiento y acompañamiento de una psicóloga, especialista en niños, ella leyó la obra, tuvimos sesiones con la mamá de Leo, luego con la niña y luego con las dos. Además, Leo, aparte de ser una niña extremadamente talentosa, es increíblemente madura e inteligente”.

Y agregó: “Si no estás hablando con los niños de esta edad, de este tema, algo estás haciendo mal, porque el acceso a internet es muy sencillo y ellos están muy expuestos hoy en día, esta es una obra de teatro y no plantea dejar ninguna moraleja, simplemente poner el tema sobre la mesa”, concluyó.

El director y el intérprete coincidieron en que como público, cuando vemos a una niña en escena, impacta mucho, pero también se está consciente de que no va a pasar nada explícito, por lo que el juego mental en el espectador es el ingrediente principal de esta historia.

Abismo se presenta de viernes a domingo, en el recinto ubicado en Lucerna 64, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Desde Argentina llegó a nuestro país Los Monstruos, un montaje lleno de humor negro, que cuenta con grandes interpretaciones y con un mensaje que estamos seguros nos hará reflexionar, cuestionar y dejará a más de uno paralizado ante lo que sucede en escena.

Se trata de una obra que, sin pretensiones ni exageraciones, aborda de forma original e inteligente las relaciones entre padres e hijos, pasando por situaciones muy amorosas hasta las más desgarradoras, esas que ningún padre o madre quisiera que sus hijos llegarán a experimentar.

Aquí te damos 3 razones para que no te pierdas esta historia protagonizada por Álex de la Madrid y Anahí Allué:

1. El autor. Escrito y dirigido por Emiliano Dionisi, nos relata un musical oscuro e intenso, conformado por pequeños monólogos entre los actores quienes conviven en un mundo paralelo y en otras intercambian parlamentos, mostrando las complejidades a las que se enfrentan los padres y madres hoy en día, cuestionando hasta dónde nuestros miedos, carencias y sueños, se han transmitido a los hijos. Desde su estreno en Argentina, la obra ha sido acreedora de siete premios Hugo, destacando el Hugo de Oro al Mejor Musical de la Temporada 2015-2016. Además de obtener cuatro premios ACE y cuatro premios Florencio Sánchez.

2. Las actuaciones. Anahí Allué, cuenta con más de 30 años en las artes escénicas, ha participado en innumerables puestas ya sea como actriz o directora, y eso se nota en este montaje, donde interpreta a la típica mamá “leona”, que está dispuesta a todo con tal de proteger a su cachorra, logrando destacar su fuerza interpretativa, tanto en los diálogos como en las melodías, y contenida en los momentos en que toca el turno a su co protagonista. Y es aquí donde el público se va de espaldas, gracias a la impresionante actuación de Álex de la Madrid, que con tan sólo unos cuantos números musicales, hace un despliegue vocal que deja atónitos a los ahí presentes. De la Madrid, personifica a un padre que debe hacerse cargo al 100% de su hijo, cuya mayor preocupación es que pueda defenderse por sí solo ante cualquier adversidad.

3. La banda. Edgar Ibarra (teclado), Pablo A. Yescas (bajo), Diego Galindo (guitarra) y Moni del Valle (batería) son los músicos que acompañan en todo momento a esta historia, cuyos acordes logran cautivar a la audiencia desde su inicio, y se convierten en un personaje más en escena. Los ritmos son los encargados de dar el tono a cada escena y hacernos transitar por cada momento, desde el más ameno, hasta el más vívido y emotivo donde descubrimos aquellos monstruos internos que todos llevamos dentro.

Los Monstruos se presenta todos los martes hasta el 20 de diciembre en el Foro Lucerna, ubicado en Lucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Reyes

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Hoy en día, los pequeños pueden disfrutar de una variada programación que los invita a imaginar y adentrarse en mundos mágicos llenos de aventuras, pegajosas melodías, atuendos llenos de color y divertidos personajes conforman los elementos que las puestas infantiles ofrecen a los pequeños espectadores y que alumbran las marquesinas capitalinas.

Estas 5 obras se ubican como las más buscadas por nuestros seguidores, así que si estás planeando tu próxima visita al teatro en compañía de la familia, estos montajes son una gran opción.

1.Las aventuras de Frida. Inspirada en una de las mayores exponentes del arte en nuestro país, este musical busca acercar a los pequeños a la obra y vida de Frida Kahlo. En escena, la pequeña Frida viajará a un mundo lleno de color en compañía Chang, Xolo y Granizo, para buscar su diario que ha sido robado por la malvada bruja Nahualli. La obra ofrece funciones los sábados y domingos en el Nuevo Teatro Silvia Pinal.

2. El hámster del presidente. Con gran ingenio, esta divertida historia busca sembrar en los infantes la semilla de la participación ciudadana, así como la importancia de conocer nuestros derechos, para no caer en las injusticias. A través de la historia de Genaro III, un hámster gruñón que se escapa del palacio, cansado de ser el secretario particular del presidente. A partir de ese momento, el país se verá en vuelto en el caos y los niños fraguarán un plan para encontrar al peludito. Se presenta los sábados y domingos en el Teatro Helénico.

3. Descubriendo a Cri Cri. En esta propuesta, Mario Iván Martínez nos invita a recorrer el mundo creado por el Grillito Cantor, a través de cuentos e icónicas melodías como La muñeca fea, El ratón vaquero o El ropero, los espectadores viajarán a su infancia y crearán nuevos recuerdos en familia, donde todos saldrán cantando, ¿Quién es el que anda aquí? ¡Es Cri-Cri! ¡Es Cri-Cri! Ofrece funciones los domingos en el Teatro Hidalgo.

4. Quién le teme al lobo feroz. Quién no conoce la clásica historia de Caperucita, ahora se nos presenta en versión musical que será la delicia de chicos y grandes. En la trama la inocente Caperucita descubrirá las mejores cualidades de los animalitos del bosque, incluso del malvado lobo feroz. Se presenta los sábados y domingos en el Nuevo Teatro Libanés.

5. El Mago de Oz, el musical. Esta propuesta invita a viajar a chicos y grandes al mágico mundo de Oz, y vivir una gran aventura en compañía de Dorothy y su mascota, Totó y los singulares e inadaptados personajes que se une irán en el camino y juntos vencerán los obstáculos para llegar a Ciudad Esmeralda y conocer la gran mago. Ofrece funciones los sábados en el Teatro Tepeyac.

Conoce la cartelera infantil, dando clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz y Cartelera de Teatro

Hogar (La mudanza), es una obra de teatro escrita por Vicente Leñero, adaptada por Julio Gamboa, bajo la dirección de Iván Bronstein, encabezado por las actuaciones de Mayra Rojas, Anna Cepinska, Emilio López Luna y Samuel González, quienes ofrecen funciones los sábados en Marke Teatro. 

Sobre el montaje, Mayra Rojas comparte: “Esta obra es uno de mis mejores trabajos a nivel actoral, es una historia original del maestro Vicente Leñero. Es una trama compleja que, a pesar de haber sido escrita en 1970, refleja muy bien las relaciones de pareja, hoy en día”.

“Muchos nos vemos involucrados en relaciones complicadas, estas relaciones que son difíciles de terminar por tener una codependencia emocional y eso es lo que muestra esta obra, cualquier persona que la vaya a ver se va a identificar, porque de una u otra manera, todos los seres humanos hemos tenido relaciones difíciles, ya sea en el rol de víctima o victimario”, señala.

Y agrega: “Es una obra de teatro con un tema un poco rasposo, por lo que la adaptación lleva un poco de comedia, para aligerar la premisa. Tiene todos los elementos para que la gente que vaya a pasarla bien y que se ría un rato de la situación”.

De acuerdo con la actriz, la relación profesional que comparte con Bronstein desde hace muchos años, fue la razón principal para aceptar la invitación de ser parte, ya que, además, confiesa que el texto la atrapó de inmediato.

“El montaje muestra el momento en el que esta pareja se está cambiando de casa a un espacio vacío, ellos no cuentan con el suficiente dinero para cambiarse a un lugar mejor que en el que estaban, sino al contrario, la crisis financiera por la que atraviesan, derivada de la pandemia, los obliga a buscar un lugar mucho más sencillo”, explica.

“Puedo presumir que tengo una memoria fotográfica bien entrenada, pero yo me preguntaba, por qué me costaba tanto trabajo aprenderme el texto y era porque, sin duda, me veía reflejada y era como sentirme un poco expuesta, ya que también he vivido relaciones similares o momentos muy parecidos”, confiesa.

“No es una obra fácil y la gente sale muy contenta de la función, sale conmovida, empatiza con alguno de los personajes porque son uno, otro u el otro y se sienten reflejados en automático”, añade.

Rojas señala que la iluminación es pieza clave para transitar por distintos momentos importantes que viven los personajes, en donde se abren para decir lo que sienten, donde hay reclamos y exigencias de años atrás. Además, comparte que, a pesar de no hacer comedia con frecuencia, es un género en el que se siente sumamente cómoda y el cual disfruta siempre.

“A mí la comedia me encanta, al actor que le cueste mucho la comida, es por el miedo de hacer el ridículo y la comedia entre más seria sea, más divertida es, yo no he hecho mucha a lo largo de mi carrera. Sin embargo, para mí representa una catarsis que me invita a reírme de mi misma, siempre”, argumenta.

“Los pocos momentos que tengo de comedia se dan de manera orgánica, por la situación o el trabajo corporal que yo puedo llevar a escena, provocando la risa en el espectador. Estamos en un momento en el que todos necesitamos un poco de diversión, así que es una buena excusa para disfrutar y relajarse”, puntualiza.

En palabras de la intérprete, después del estreno, la afluencia del público ha ido creciendo, a pesar de que, como productores, no tienen la situación económica para hacer espectaculares, ni comprar espacios, ya que confían plenamente en la recomendación de boca en boca.

“Las personas que he visto después de la función, me han dado las gracias y sus impresiones acerca del tema. Así que, sin duda, confronta de manera emocional y eso para mí es muy gratificante, porque quiere decir que nuestro trabajo dejó algo en la gente que paga un boleto para ir a vernos”, concluyó.

Esta propuesta se presenta con funciones los sábados en el recinto ubicado en Coahuila 150, para mayor información, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Producción

La reconocida directora de orquesta Alondra de la Parra y Gabriela Muñoz, mejor conocida como “Chula the clown”, se presentarán con el espectáculo The Silence of Sound, el próximo 6 de septiembre en el Palacio de Bellas Artes.

Si bien la propuesta se estrenó en el Festival Paax en el Caribe, el público mexicano ahora podrá apreciar esta súper producción que no sólo llegará a la Ciudad de México, sino que realizará una gira por distintas ciudades como Guadalajara, San Luis Potosí y Monterrey.

Sobre cómo se originó este espectáculo, Gabriela Muñoz comparte: “(la colaboración) surgió a partir de que Alondra, hace muchos años, fue a verme al Teatro Milán en la Ciudad de México, donde yo me estaba presentando con Limbo. Al terminar el show me esperó, platicamos y me dijo, oye tengo una idea, quiero hacer un espectáculo, algo que introduzca secciones de la orquesta”

Agrega: “Ella es de las que donde pone el ojo, sabe perfecto lo que quiere, a la semana me buscó y nos sentamos a platicar. Siempre me ha inspirado mucho su acercamiento a la dirección de orquesta, como llena de vitalidad el escenario, a los músicos y a la música. Poco a poco fuimos moldeando la historia que al final, nos damos cuenta que la historia misma nos está moldeando a las dos”.

The Silence of sound es un espectáculo que no tiene género, ya que fusiona diversos elementos como el clown, la música clásica, el video y el mapping, que de acuerdo a sus creadores, busca apelar a la emoción y a los sentimientos.

En este sentido, Muñoz indica: “Las dos tratamos de apelar a la emoción y al sentimiento. De alguna manera, nuestros universos se fusionan así, que, al final es una viaje o una invitación a sentir, más que tener que interpretar las escenas y las cosas, y que se vuelva algo muy intelectual, es un viaje sensorial, de emociones, de la vida, de abrir a través de la música y el arte virtual, la posibilidad de imaginar”.

Añade: “Eso es lo que es precioso, que la música sí va de la mano con el lenguaje del payaso que propone un universo onírico, lúdico, de imagen, de traducción de la palabra a la imagen”.

Esta será la primera vez que la reconocida clown mexicana comparta escenario con más de 70 personas en escena, a quien hemos visto en obras como Limbo, Perhaps, Perhaps. Sin embargo, confiesa que resultó una nueva experiencia que le dejó un gran sabor de boca.

“Yo siempre he disfrutado trabajar mucho sola, debo reconocerlo, pero ahora ya me gustó que haya 70 personas más conmigo. Al inicio fue extraño entender en dónde acomodarme, la música, el ecosistema de una orquesta, saber cómo entrar y al final, siento que yo soy parte de ese ecosistema, somos todos contando esta historia”.

Añade: “No soy únicamente yo, es el video, es Alondra, es la música, son todos los músicos, los instrumentos, la iluminación, es un todo que estamos juntos que estamos contando nuestra historia”.

La propuesta cuenta con una amplio equipo creativo internacional formado en su mayoría por talentosas mujeres, si bien la creadoras nunca buscaron que el equipo incluyera a tantas mujeres.

Al respecto, Muñoz señala: “Alondra y yo lo hemos platicado, en ningún momento dijimos, tiene que ser un grupo de puras colaboradoras, simplemente se dio así y nos da mucha alegría”.

Agrega: “Dentro de estos 6 años y desde el momento en que se plantó la semilla a la fecha, fue uno de los temas que más tomó tiempo, encontrar el equipo ideal para nosotros. Tuvimos muchos colaboradores, acercamientos a gente increíble y al final realmente terminas uniendo las piezas necesarias para crear al equipo perfecto”.

De acuerdo con la creadora, el arte visual que conforma la puesta es un elemento importantísimo dentro la obra, y que gracias al ingenio y capacidad del Estudio 9 ojos, a cargo de los artistas catalanes, Mariona Omedes y Carlos Mora, podremos ver un gran resultado en escena.

“El arte multimedia y videos son hecho por unos artistas que son lo máximo, Mariona Omedes y Carlos Mora, no únicamente son unos artistazos, sino que entendieron perfecto lo que queríamos comunicar, entendieron perfecto la manera de Alondra de narrar de una manera musical con la imagen”.

Añade: “Eso era importantísimo, porque eso pudo haber sido o una catástrofe o algo sensacional. Por fortuna fue algo sensacional, de que todo fluyera de esa manera, en donde ellos pudieron entender cómo mover el video, cómo acompañarme sin comerme, cómo estar con la música sin necesariamente ser coreografiado, sino que también se sintiera como un elemento más vivo”.

The Silence of sound cuenta la historia del desdoblamiento de un director de orquesta y todo lo que le sucede durante una función, con la intervención de un payaso como el narrador, pero no lo hace con su voz, sino con sus gestos, quienes nos llevarán a través de un mundo onírico que nos invita a viajar por bellas imágenes multimedia, acompañado por música en vivo a cargo de la Orquesta Sinfónica de Minería, quienes interpretarán clásicas melodías de Debussy, Stravinsky, Bartók, Prokofiev, entre otros.

No te pierdas esta increíble producción a cargo de dos exponentes del arte de nuestro país, este 6 de septiembre en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Óscar Turco, David Ruano

La compañía Marionetas de la Esquina estrenó el pasado fin de semana, La Tempestad, una adaptación al clásico del cisne de Avon, dirigida por Lourdes Pérez-Gay con las actuaciones de Amaranta Leyva, Jonathan Dai, Yenisel Crespo Alarcón, Emiliano Leyva y Rodrigo Flores López, que ofrecen funciones los sábados y domingos en el Centro Cultural La Titería.

La creadora escénica, Amaranta Leyva fue la encargada de realizar esta adaptación que toca temas como la venganza, el poder, las relaciones familiares, con un pequeño giro de tuerca con el fin de acercar la dramaturgia shakesperiana a cualquier tipo de público.

Sobre el proceso que la llevó a seleccionar este texto, Leyva explica: “Todo partió de un trabajo que hice dentro de un grupo de niños, donde tenía un taller, leímos Sueño de una noche de verano, Romeo y Julieta, y La tempestad. Ellos eligieron Romeo y Julieta para hacer su propia versión y la presentaron en La Titería, pero, a mí me llamó la atención de La Tempestad es que era una historia que a ellos le dicen mucho, porque ellos lo relacionan mucho con series, libros y juegos de video, este personaje de Próspero, les suena mucho”.

Agrega: “Quise partir de un asunto dentro de Shakespeare, que es conocido para ellos, obviamente está la magia, y es donde está el primer nivel de análisis; y el segundo, porque estos niveles me los iban dando ellos, (se preguntaban) por qué tantos hombres y solo una hija, a la que le dicen con quién debe casarse, cuando debe dormirse,etc., eso les enojó mucho. Para mí se volvió una historia controvertida y fue como empecé a trabajar la adaptación, ahora Próspero es una mamá, una mujer a la que la desterraron de Milán, y regresa a vengarse”.

La Tempestad, uno de las últimos textos escritos por el máximo exponente de las letras inglesas, está conformada por elementos trágicos y cómicos, a diferencia de otras de sus obras, ésta no termina con un baño de sangre o un matrimonio, su enfoque está en la interacción entre el hombre y la naturaleza.

Por lo que llevarla a escena, no fue una tarea sencilla, y se vuelve un reto encomiable para todo aquel que se atreva, tal es el caso de Leyva, quien apunta: “El reto fue ir descartando escenas, situaciones, personajes y quedarme con la esencia, el poder, el perdón, la relación madre-hija, todo lo de la magia, la isla y Próspero”.

Añade: “Consideré que era más importante mantener estas tres líneas dramáticas, estos temas que tanto les movieron a los niños”.

Para la elaboración de los títeres que vemos en escena, la también actriz y directora, señala: “Fue un proceso largo y complicado, porque al darle prioridad a Próspero y su isla, la pregunta fue cómo y con quienes habitamos esta isla. Probamos diferentes técnicas, diferentes plásticas y entendimos hacia el final que la isla misma era un teatrino y un títere”.

Agrega: “Escogimos una manera de títere que nunca habíamos hecho, quitamos la parte realista y dejamos de lado el teatro explicativo, y nos fuimos más por las imágenes y la metáfora. Los títeres son una parte del títere construido y la otra se complementa con la misma isla”.

En la trama, Próspero regresa a su ciudad natal para vengarse, sin embargo, se enfrenta al dilema de perdonar a aquellos que le hicieron daño, situación que no pasó desapercibida entre los niños durante los talleres que realizó la autora.

En este sentido, Leyva comparte: “El asunto que más les tocó fue, ¿por qué perdona, después de todo lo que le hicieron? Este asunto del poder y la venganza, atreverse a perdonar, es un asunto que me tocó mucho. Ahí salió el tema de que, quizá el grado máximo de sabiduría es el perdón”.

Agrega: “Yo creo que los niños entienden muy bien. Aproveché la familiaridad de Próspero con ellos para de ahí partir a estas complejidades humanas que muestra Shakespeare (…) Creo que los niños saben más de lo que pensamos ahora de estas estructuras”.

Si bien la obra está clasificada para niños de 9 años en adelante, Leyva apunta que durante el estreno, acudieron pequeñitos de menor rango, quienes se mantuvieron atentos en todo momento a lo que sucedía en escena.

“Los niños nunca van a dejar de sorprenderme, yo la clasifiqué de 9 años en adelante, la recepción fue buena. Es un montaje en el que tratamos de no ilustrar a los personajes, sino de ir a sus profundidades oscuras y positivas”.

Finalmente, la autora puntualiza que se trata de un montaje propositivo, que deja de lado el miedo de acercarse a los clásicos e invita a todo el público a acercarse a la obra de Shakespeare, a través de este montaje.

“Lo hicimos con mucho amor, suena cursi, todo fue trabajado desde la visión con todos estos niños con los que trabajé”.

La Tempestad se presenta sábados y domingos hasta en el Centro Cultural La Titería, ubicado en Vicente Guerrero 7, Col. del Carmen, Del. Coyoacán, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía La Titería

Desde el pasado 13 de agosto, el Foro La Gruta presenta el monólogo La última cinta de Krapp, montaje que marca el regreso a los escenarios del reconocido intérprete Luis de Tavira, quien ofrece una mirada íntima al texto autobiográfico de Samuel Beckett, bajo la dirección de Sandra Félix.

En escena, se plantea la necesidad que, como seres humanos tenemos, de explicar nuestro presente, a partir de los acontecimientos que nos marcaron en el pasado, y cuestiona si tiene algún sentido hacerlo.

Por ser una obra, que te mantendrá al filo de la butaca por su discurso, a continuación te cuento 3 razones para verla.

Luis de Tavira. El dramaturgo, director de teatro, ensayista y pedagogo mexicano, se ha caracterizado por su amplio espectro interpretativo y la potencia reflexiva de las historias que lleva a escena, y esta no es la excepción. En esta ocasión, Tavira interpreta a un hombre mayor, Krapp, que suele grabar sus vivencias en un magnetófono y cuando llega su cumpleaños número 69, escucha tres de ellas que contienen momentos decisivos en su existencia, dentro de la juventud, la adultez y la vejez.

La ambientación. Toda la acción ocurre al interior de una desolada habitación con un amplio escritorio frente al espectador, con tan solo un par de lámparas y algunos precarios elementos más, que permiten una inmersión hacia la decrepitud de la existencia, su soledad y las ganas de encontrar respuestas ante el último ocaso de la vida.

La premisa. Este monólogo tuvo su origen en el año 1958 y desde entonces, plantea la necesidad que como individuos tenemos de explicar nuestra realidad a corto plazo, a partir de los recuerdos, derivados de experiencias contundentes por la carga placentera que tuvieron o, por el contrario, quizá por la carga anímica que representaron. Sin embargo, la obra cuestiona si el transitar constantemente por la fantasía del ayer, permite un bálsamo ante la incertidumbre del presente.

Ahora conoces 3 razones para ver La última cinta de Krapp, no te la pierdas con funciones los sábados y los domingos, hasta el 11 de septiembre, en el recinto ubicado en Av. Revolución 1500, para conocer precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Materia Prima, propuesta experimental creada, interpretada y dirigida por Olinda Larralde Ortiz, llega al Teatro El Granero para ofrecer una experiencia sensorial a partir de la migración, fenómeno que permite una mayor comprensión de la propia identidad y la posibilidad de una nueva visión del mundo.

Tras su estreno en el Centro Cultural del Bosque, la autora comparte:“Estamos muy agradecidos de poder concluir este proyecto que nos tomó 10 años el poder poner en escena, mismo que se ha escrito y reescrito muchas veces y con un equipo casi íntegro desde entonces”.

“A raíz de este proyecto, salieron muchos otros, como traducciones, publicación de libros, festivales, para después realizar una obra con 63 funciones, una gira, en fin, todo eso tuvo su origen a partir de este proyecto que nació de mis propias inquietudes”, señala.

“Esta obra es muy distinta, porque tiene muchos elementos curiosos que no ves todos los días, es principalmente una experiencia para el público que, a veces, nos gusta llamar extranjería, porque está escrita en holandés y español, entonces ambas lenguas se entrelazan a lo largo de toda la obra, hay actores de aquel país y de México”, añade.

De acuerdo con la dramaturga, las reflexiones planteadas en escena son interpretadas a partir de estos lenguajes tan distintos, donde son utilizados subtítulos integrados al dispositivo escénico para que sea más sencillo seguir el relato.

“Yo la veo como una experiencia sensorial, a partir de la reflexión sobre el idioma y la identidad. Nuestro propósito es generar reflexiones sobre las identificaciones que provocan las palabras, primero como sonidos y después como conceptos en el cuerpo, más allá del contexto histórico”, argumenta.

“Por ejemplo, cuando se aprende un idioma, imagina que aprendes una palabra para decir mesa, y es partir de la nueva palabra aprendida que se representa una nueva posibilidad de volver a conocer la relación entre el sonido, el significado y cómo resuena en el cuerpo y también, cómo resuena en otros conceptos aprendidos desde que nacimos en las distintas sociedades”, plantea.

Y agrega: “El aprender un nuevo idioma permite reflexionar sobre la concepción de quienes somos nosotros mismos y nuestra visión del mundo. Quizá el público, al ver el montaje, pueda empezar a cuestionarse, quiénes somos y quizá en el mejor de los casos, como creamos la realidad que percibimos”. 

En la trama se muestra a una mujer que se fue a Holanda, donde se encuentra que hay un idioma extraño en la voz de su amado, con la esperanza de comprenderlo, comienza a aprender el idioma. Sin embargo, se encuentra con diversas dificultades e inflexibilidades a su alrededor, esto la hace darse cuenta de que tiene que tomar una decisión y hacerse responsable de su nueva realidad.

“Hay unos vestuarios maravillosos creados por Brisa Alonso, que pasan más allá de la caracterización de los personajes y sus nacionalidades, porque nos ayudan a transitar hacia un espectro más onírico, más interior, porque la idea es que el público se sienta dentro de la mente de la protagonista y su proceso de deconstrucción para volverse a formar”, comenta.

“Brisa Alonso tiene un contacto muy estrecho con algunas comunidades indígenas y con ellos trabaja toda la parte textil, desde los colores, los símbolos, en fin, esos vestuarios son muy ricos y dicen muchísimo”, refiere.

“Sobre el escenario, la música corre a cargo de Tomás Barreiro, acompañado de un saxofonista en escena, ya sea Fede Hülsz o Ernesto Hevia, Iván Ontiveros, quien es coreógrafo y asesor en movimiento, nos estuvo ayudando mucho a encontrar los lenguajes que están presentes también en el cuerpo y qué idiomas se desprenden de cada sociedad”, expresa.

“Todas estas disciplinas están bien entrelazadas en la obra y guían al público en este mundo sensorial, donde además hay partes cómicas que se presentan en esta extranjería, así como temas sociales incómodos y de género. Ojalá podamos cumplir con el objetivo de ofrecer un espacio para virar de otra forma, un poco más distinta, para agrandar los límites de quienes creemos que somos y así dar cabida a una inteligencia superior”, concluye.

Materia prima se presenta de miércoles a domingos en el recinto ubicado en Paseo de la Reforma s/n , para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

Desde el pasado 25 de agosto y hasta el 29 de septiembre, el Foro Shakespeare alberga El ángel de Varsovia, una historia que rinde tributo a Irena Sendler, conocida como El Ángel del Gueto de Varsovia, quien durante la Segunda Guerra Mundial, arriesgó su propia vida al organizar el rescate de unos 2500 niños judíos.

En esta ocasión, la dramaturgia de Tomás Urtusástegui, es llevada a escena por Carlos Rangel, con la interpretación de Fanny Sarfati, quien ofrece una actuación desgarradora de la vida de la célebre enfermera y trabajadora social.

Si aún no has visto esta propuesta, a continuación te cuento 5 datos curiosos sobre la historia.

La razón que tuvo Sendler para rescatar niños. De acuerdo con la enfermera, la razón principal que la hizo rescatar a los pequeños fue la crianza de la que gozó en su infancia, pues aseguró que fue enseñada a ayudar al prójimo sin mirar su religión o su nacionalidad, por lo que ver el trágico destino que enfrentarían los menores, se convirtió en su principal motor para salvarlos.

Irenea no solo impidió la muerte de niños durante la guerra.  Cuando Alemania invadió el país en 1939, Irena era enfermera en el Departamento de Bienestar Social de Varsovia, el cual manejaba los comedores comunitarios de la ciudad, allí trabajó incansablemente para aliviar el sufrimiento de miles de personas tanto judías como católicas. Gracias a ella, estos comedores no solo proporcionaban comida para huérfanos, ancianos y pobres, sino que sumaron la entrega de ropa, medicinas y dinero.

El modo en que el ángel de Varsovia rescataba a los pequeños. A lo largo de un año y medio, consiguió rescatar a más de 2.500 niños por distintos caminos, en un principio comenzó a sacarlos en ambulancias como víctimas de tifus, pero pronto se valió de todo tipo de subterfugios que sirvieran para esconderlos: bolsas de arpillera, cestos de basura, cajas de herramientas, cargamentos de mercaderías, bolsas de papas, e incluso ataúdes.

El registro de las identidades. Con la ilusión de que algún día los menores pudieran regresar con sus familias, Sendler ideó un archivo en el que registraba los nombres de los niños y sus nuevas identidades. Al finalizar la guerra, Irena le entregó las notas al Doctor Adolfo Berman, el primer presidente del Comité de salvamento de los judíos sobrevivientes. Sin embargo, la mayor parte de las familias de los niños había muerto en los campos de concentración nazis.

La atroz tortura que sufrió. Fue solo cuestión de tiempo para que los nazis supieran de sus actividades. El 20 de octubre de 1943, fue detenida por la Gestapo y llevada a la infame prisión de Pawiak donde fue brutalmente torturada y aunque era la única que sabía los nombres y las direcciones de las familias que albergaban a los niños judíos, soportó la fractura de sus pies y piernas, así como interminables actos de vejación. Tiempo después fue rescatada y continuó trabajando con una identidad falsa.

Ahora conoces algunos de los datos que enriquecen este montaje, no te lo pierdas con funciones todos los jueves, en el recinto ubicado en Zamora 7, para mayor información, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro.

Devastada por sentirse relegada por su triunfadora hija Gypsy Rose Lee, Mamá Rose se instala al centro del escenario y, tras un silencio, lanza un grito de batalla: “¡Aquí estoy, chicos. Aquí estoy, mundo. Aquí está Rose!”. Tras eso, durante casi cinco minutos la madre más famosa del teatro musical canta un discurso de frustración y anhelo que remata en la promesa de que todo aquello que no pudo o no supo tener para ella, ahora sí lo tendrá. Es su turno, le toca a ella, nos lo ha advertido: “¡Desde ahora, hasta siempre, ésta vez me aplauden a mí”. Y remata contundente: “todo se tiñe de rosa ahora por mí, para mí… ¡para mí!”.

Al concluir, una cálida ovación la premia. El público que presencia la escena final de Gypsy aplaude a rabiar el soliloquio cantado de la protagonista. Desde las butacas más de uno grita “¡Bravo, Silvia!”. No, no gritan “¡Bravo, Rose!”, gritan “¡Bravo, Silvia!”, pues aunque están dentro de la convención del teatro y saben que en ese momento es Rose quien agradece conmovida los aplausos imaginarios, también saben que la actriz que acaba de interpretar una de las canciones más poderosas de la historia del teatro musical es una diva de nuestro teatro es Silvia Pinal.

Egresada de las primeras generaciones de la Escuela Nacional de Teatro, destacada alumna de figuras fundamentales de nuestra cultura como Xavier Villaurrutia y Salvador Novo, Silvia Pinal, quien a sus 91 años de edad es objeto de un Homenaje Nacional, es una artista cuyas raíces teatrales no la han soltado hasta nuestros días. Actriz, cantante, bailarina y productora: genuina vedette a la que no le bastó su fama como actriz de la época de oro del Cine Nacional o su celebridad como protagonista y productora telenovelas de Televisa: ella siempre volvió al teatro. O más bien, nunca se fue. Siempre ha estado ahí, sobre el escenario.

Sus primeras experiencias teatrales fueron en obras como Fausto y Margarita de Gerald Savory, La loca de Chaillot de Jean Giraudoux y Un cuarto para vivir de Graham Greene. Desde muy joven colaboró con Manolo Fábregas, integrando la Compañía del Teatro Ideal, en obras como Celos del aire de José López Rubio e Historia de una escalera de Antonio Buero Vallejo y Celos del aire.

En todas ellas mereció elogios y comentarios de la crítica. Por ejemplo, así se expresó Armando de María y Campos al verla en Celos del aire, en 1950: “Silvia Pinal, en la plenitud de su primaveral belleza […] entendió y expresó con claridad la complejidad psicológica de su personaje.”

Cinco años después, ya era una estrella del cine nacional gracias a su participación en filmes como El rey del barrio, El portero, Un rincón cerca del cielo y Un extraño en la escalera. El director de esta cinta, Tulio Demicheli, la dirigió en la pieza de Eugene O’Neill, Anna Christie y su retorno fue celebrado así por el crítico Rafael Solana: “Ya la Pinal puede decir que ha alcanzado el rango de las actrices, y que su nombre puede inscribirse, en la historia de nuestro teatro, al final de una lista en la que están la Fábregas, Dora Vila, las Martínez, doña Prudencia, la Montoya, Virginia Manzano, Isabela Corona y María Douglas”.

El estatus de estrella de Silvia Pinal le permitió lograr, a sus 26 años de edad, una innovación dentro del teatro mexicano y, en sí, de América Latina. La producción de la primera comedia musical en México, Ring, ring, llama el amor, cuyo original, Bells are ringing, fue un éxito en Broadway gracias a la simpatía de Judy Holliday.

Hoy en día podemos ver algunos videos de Holliday y de otras actrices que la han protagonizado como Faith Prince y Kelly O’Hara y vaya que se antoja ver alguno de Silvia Pinal cantando y bailando al ritmo de la partitura de Jule Styne, Betty Comdem y Adolp Green, entonando clásicos como “The party is over” y “I’m going back”.

Fue dirigida por Don Luis de Llano Palmer, quien desde entonces llevaría a escena otros importantes musicales. En el siguiente proyecto teatral dirigido por De Llano y protagonizado por Pinal, Sube y baja para dos de William Gibson, también participó como actor Ernesto Alonso. Ellos tres serían en los próximos años figuras fundamentales de la televisión mexicana.

En la década de los sesenta, mientras en la Universidad y en Casa del Lago sucedían las vanguardias teatrales propuestas por Alexandro Jodorowsky, Héctor Mendoza y Juan José Gurrola en la Universidad y en los Teatros del Seguro Social se retomaban los clásicos griegos e ingleses, Silvia Pinal se consolidaba como primera figura en el circuito comercial, en obras como Cualquier miércoles de Muriel Resnik, con la cual se inauguró el Teatro Manolo Fábregas.

Y su segunda comedia musical, Irma la dulce, un musical francés compuesto por Marguerite Monnot -autora de varios éxitos de Edith Piaf- y Alexandre Breffort que en ninguna de sus versiones ha logrado un reconocimiento justo. Fue dirigida por Enrique Rambal y su compañero de escena fue Julio Alemán.

En contrapunto, es en estos años cuando Silvia Pinal se consolida como actriz cinematográfica; para muchos, la mejor de México. Bastan tres películas para afirmarlo. Y basta un nombre para confirmarlo: Luis Buñuel. Entre 1961 y 1964, la actriz interpretó a Viridiana, a La Valkiria y a El Diablo y, con ellos, pasó a la inmortalidad del cine universal, al olimpo de la actuación de cualquier época.

También en los sesenta lo mismo se presentó en la inauguración del Teatro Jiménez Rueda acompañando a Salvador Novo en la lectura de sus Diálogos que debutó en el Teatro Blanquita con un espectáculo en el que cantaba, bailaba y entretenía a la audiencia. Si bien el concepto de vedette ha tenido variados significados en nuestro país, en esos años la auténtica vedette en México era ella.

Los años setenta fueron tal vez los más prolíficos de la trayectoria teatral de Silvia Pinal. Al contrario de lo que probablemente muchos pensaban y deseaban -y es esta la principal crítica a la actriz dentro del teatro: que no haya escenificado personajes más cercanos a los que logró en el cine con Buñuel-, la actriz y empresaria optó por continuar con comedias musicales importadas.

Así, en septiembre de 1973, bajo la dirección de José Luis Ibañez -quien hasta entonces había destacado como director del teatro de vanguardia universitario- en el Teatro de los Insurgentes estrenó Mame, el encantador musical compuesto por Jerry Herman a partir de la novela Tía Mame de Patrick Dennis y de la obra de teatro homónima. La versión original fue protagonizada por la legendaria Angela Lansbury y, fue tal su impacto, que hasta hoy no ha tenido una reposición importante. Canciones pegajosas y divertidas como “Hoy es hoy”, “Hoy es nuestra navidad” y “Yo soy la juventud”, así como la balada “Porque pronto ha de volver” fueron interpretadas por Pinal a lo largo de 17 años en los que la obra tuvo diversas temporadas y giras. En 1985 se presentaba en los Televiteatros cuando sucedió el temblor que los derrumbó al igual que a muchos edificios y estructuras del entonces Distrito Federal.

En enero de 1986, cuatro meses después de la tragedia, retomó temporada en otro recinto. En el libro Así pasan… efemérides teatrales 1900-2000, Luis Mario Moncada apunta: “Se interpreta como un acto de gran entereza y carácter el reestreno de la comedia musical Mame, estelarizada por Silvia Pinal, que el día 7 inicia temporada en el Teatro Manolo Fábregas. Cabe recordar que la totalidad de la producción de esta obra se perdió en septiembre del año anterior cuando un terremoto devastó los televiteatros de la colonia Roma, donde la obra realizaba una exitosa temporada”.

Se trata del éxito teatral más importante de la actriz, quien aprovechó para lucir al máximo sus dotes de cantante y bailarina, además de una espléndida belleza madura. Junto a ella formaron parte del elenco Evangelina Elizondo, María Rivas, Virma González, Aida Pierce, Guillermo Murray, Gustavo Rojo, además de los niños Cristian Castro y Alejandra Guzmán.

También en los setentas puso en escena Annie es un tiro de Irving Berlin, cuyo original, Annie get your gun, es uno de los musicales más apreciados de Nueva York, pues fue originado por la diva Ethel Merman en los años cuarenta. Al igual que Mame, la versión mexicana de la partitura de Annie es un tiro fue grabada en LP y actualmente algunas canciones pueden escucharse gracias a Youtube. Por ello, aunque no es fácil, tampoco es imposible lograr escuchar a Silvia cantando piezas del Broadway más tradicional como “Que siga la función”, “Me perdí en su mirar” y “Cualquier cosa que hagas tú”. También José Luis Ibañez fue el director de esta obra.

Mientras que bajo la dirección de Manolo Fábregas tuvo otro éxito con El año próximo a la misma hora de Bernard Slade, acompañada de Héctor Bonilla, a finales de los setenta tuvo un encuentro poco afortunado con el dramaturgo, director y docente Héctor Mendoza, en la adaptación teatral que él y Carlos Solórzano realizaron de la novela rusa Anna Karenina de León Tolstói, presentada dentro del proyecto Teatros de la Nación, en los foros del IMSS.

Igualmente controvertido, ya en los ochenta, fue el montaje de La señorita de Tacna de Mario Vargas Llosa que, bajo la dirección de Ibáñez, protagonizó en el Teatro Hidalgo, acompañada de Adriana Roel y Sergio Klainer.

Cabe mencionar que es a mitad de esta década cuando Silvia Pinal inicia el que sería su proyecto más importante dentro de la televisión y con el cual es plenamente identificada por las nuevas generaciones: Mujer, casos de la vida real, programa que tuvo 21 años de transmisiones semanales y que hoy en día sigue siendo repetido en uno u otro canal de la tv abierta o de paga. Y, en el teatro, logró su proyecto más personal: su propio foro.

El Teatro Silvia Pinal se inauguró en abril de 1989 con la escenificación de Cena de matrimonios de Alfonso Paso, dirigida y protagonizada por Jorge Ortiz de Pinedo. Musicales como A chorus line, Cats, Cantando bajo la lluvia y Evita, además de obras como Señor Butterfly.

A principios de los noventa, Silvia regresó a la obras de gran formato, nuevamente bajo la dirección de José Luis Ibáñez y acompañada de María Teresa Rivas, en la comedia Leticia y Amoricia de Peter Schaffer, con el cual inauguró su otro foro, el Teatro Diego Rivera. Y tuvo una intensa actividad como productora teatral, con La jaula de las locas, cuyo montaje fue ampliamente elogiado por la calidad de sus intérpretes -en particular, el
protagonista, Javier Díaz Dueñas– y tuvo una larga temporada.

En 1994, Silvia Pinal produjo y estelarizó otra comedia musical icónica: ¡Qué tal, Dolly! también de Jerry Herman. Acompañada por Ignacio López Tarso, Silvia Pinal cantaba y bailaba, a los 63 años de edad, los vibrantes números musicales que hicieron de esta obra una de las más representativas del género: “Y nos vestimos como para Nueva York”, “El desfile sin mí no va”, “Adiós, muchachito” y, por supuesto, el célebre número que da título a la obra.

Cuatro años después, en 1998, Silvia Pinal cerró con broche de oro su ciclo en la comedia musical al producir y protagonizar Gypsy de Jule Styne y Stephen Sondheim. Considerado por muchos “el musical perfecto”, realmente fue la elección perfecta.

Si bien Mame, Annie y Dolly son personajes muy importantes, lo cierto es que Mamá Rose se halla en otro nivel con respecto a los personajes de comedia musical. Su complejidad en texto y partitura es notable y la hace un personaje demandante, idóneo para primeras actrices del género. A los 67 años de edad, sin saberlo y quererlo, la Pinal puso punto final a su trayectoria como estrella del teatro musical asumiendo ese personaje, bajo la dirección de Enrique Pineda y acompañada en escena por una estrella de la música pop-rock: Alejandra Guzmán, su hija, quien interpretaba a la diva del burlesque Gypsy Rose Lee. Curiosamente, en ese año se estrenó La Bella y la Bestia, el musical que inauguró en nuestro país una nueva forma de producir este tipo de obras.

Ya en el nuevo milenio, ya sin el teatro con su nombre, Silvia Pinal interpretó a Matea, la protagonista de la comedia de Rafael Solana, Debiera haber obispas, bajo la producción de Rubén Lara. Ésta obra pudo disfrutarse al interior de la República Mexicana, pues fue concebida para presentarla en gira. En ella participaron también Julio Alemán, Gustavo Rojo y Martha Ofelia Galindo.

En 2008, bajo la producción de Morris Gilbert, estelarizó junto a Adriana Roel la comedia de James Kirkwoord Adorables enemigas en el Teatro Diego Rivera, que hacia 2014 cambiaría su nombre al de Nuevo Teatro Silvia Pinal. La obra fue realizada en homenaje a las actrices Carmen Montejo y Marga López, que la habían protagonizado con un éxito avasallante en la década de los noventa.

Aunque fue muy sonado que Juan Torres y Guillermo Wiechers le ofrecieron interpretar El Chofer y la Señora Daisy, Silvia declinó la propuesta. En su lugar, el mismo año que se estrenó la obra de Alfred Uhry, aceptó ser el centro del espléndido reparto del espectáculo basado en el bestseller de Ilene Beckerman Amor, dolor y lo que traía puesto.

A los 81 años de edad, bajo la producción de Claudio Carrera y la dirección de Francisco Franco, Silvia cantaba y bailaba en el Teatro de los Insurgentes junto a Diana Bracho, Susana Zabaleta, Gabriela de la Garza y Mariana Treviño. Es por todos sabido que en este 2022, Silvia Pinal regresó al teatro en un proyecto que fue más célebre por el escándalo que generó y por su dudosa manufactura. Por ello, lo mejor será considerar el montaje producido por Carrera como el último en el que la actriz, cantante, bailarina y empresaria lució como la figura del espectáculo que es.

Una figura anclada siempre al teatro y que, en él, por él y para él, ha hecho y deshecho con tal de darle al público un entretenimiento de calidad. La calidad que solamente una diva -con todos los matices de esa palabra- puede garantizar. La calidad que, a diferencia de Mamá Rose en Gypsy, Silvia Pinal jamás prometió: la cumplió. Y por eso, para ella todo se ha teñido de rosa en todos estos años. Para ella, para ella… y para nosotros al verla.

Por Enrique Saavedra, Fotos: INBAL

Esta mañana en conferencia de prensa, el productor Claudio Carrera dio a conocer al nuevo elenco que se integra a la obra Network, que comienza una nueva temporada este 9 de septiembre en el Teatro de los Insurgentes.

Al respecto, Carrera refirió: “Network ya tiene un nivel que disfrutamos mucho como compañía, tenemos un texto poderoso y actual, lo nuevos integrantes han revitalizado esta obra, es un nuevo universo, una manera compleja de entender una nueva interpretación del protagónico, a través de Jorge“.

Agrega: “Queremos constatar lo importante que es enfrentar el terrorismo en el que vivimos, esta toma de conciencia del mundo es necesaria, porque hemos normalizado la violencia y es fundamental una historia así, hoy”.

Por su parte, Jorge Salinas extrenó: “Estoy en un momento pleno feliz y con salud, tuve la oportunidad de ver a Daniel de una forma formidable, creo que es un actor único”, y aseguró que es un sueño poder estar en los zapatos de Jiménez Cacho y vivir lo que vivió al interpretar este personaje. “Me dio miedo, pero eso te mata o te hace moverte y espero que el movimiento sea hacia el éxito”.

Agrega: “Va a a ver comparaciones, Cacho me dijo, que pantalones tienes de haber aceptado, yo me siento muy honrado y estoy abierto a escuchar críticas. Desafortunadamente no es el gobierno, ni la época, el problema es el ser humano y no hemos evolucionado para bien”.

Mientras que Ximena Rubio apuntó: “Me siento muy afortunada, estoy regresando después de años a actuar, dejé la actuación por situaciones personales. Esto me pareció una oportunidad de regresar a un escenario grande, me gusta el personaje porque me permite tocar distintos espacios del ser humano, ella tiene muchas dimensiones”.

En esta nueva faceta, el actor Jorge Salinas será el encargado de darle vida al personaje de Howard Bale, Ximena Rubio hará lo propio con Diane Christensen, mientras que Luis Miguel Lombana dará vida a Max Schumacher, Franciso Rubio continuá como Frank Hackett y Roberto Cavazos será Nelson Chaney.

Complementan el reparto Diego Jáuregui, Raúl Adalid, Eli Nassau, Itzany Nava, Muriel Hernández, Armando Arrocha, Viridiana Olvera, Dan Cervantes, Michel de León, Ian Hernández, Jacobo Betch, Jatzke Fainsod, Miguel Castro, Dennise de Ramery, Lucio Giménez Cacho, todos ellos bajo la dirección de Francisco Franco-Alba.

Network está basada en la película del mismo nombre escrita por Paddy Chayefsky, protagonizada por Faye Dunaway y Robert Duvall, que se llevó varios premios Oscar en 1977. En 2017, Lee Hall hizo una adaptación para teatro por encargo del National Theatre, que fue dirigida por Ivo Van Hove e interpretada por Bryan Cranston.

Galindo, Carrera y Diego Luna se dieron a la tarea de traer esta impactante historia con la presentación estelar de Daniel Giménez Cacho, Zuria Vega y Arturo Ríos, quienes dieron vida a los personajes principales, que ahora serán encarnados por Salinas, Rubio y Lombana. Asimismo, la obra resultó nominada en mayo, como parte del primer periodo de los Premios del Público Cartelera de Teatro 2023, en la categoría de Mejor Obra.

¿De qué trata?

La obra muestra a Howard Beale, un presentador de noticias de televisión, que tras 25 años, recibe la fatal noticia de que va a ser despedido. Por lo que en su desesperación anuncia, que en su próxima aparición se suicidara en vivo. Esta jugada sube la audiencia de la estación a un nivel nunca antes visto y hace que los ejecutivos le den otra oportunidad con un nuevo programa. Sin embargo, Beale aprovecha este espacio para criticar a las grandes corporaciones , incluso a su propia estación televisiva.

La nueva temporada de Network arrancará presentaciones a partir del 9 de septiembre con funciones de viernes a domingo en el recinto ubicado en Insurgentes Sur 1587, Col. San José Insurgentes, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz y Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro y Mariana Medina

Ayer por la noche, el Palacio de Bellas Artes albergó el merecido homenaje en vida a la primera actriz Silvia Pinal, símbolo de nuestra cultura nacional, al que acudió acompañada por su familia, amigos cercanos y el público, que se ha mantenido fiel a sus más de 70 años de trayectoria.

Al arribar al emblemático recinto, considerado el más importante escenario para exponer los espectáculos vivos en el país, ya se sentía la emoción de todos los asistentes por ver a la gran diva de los escenarios aparecer en su festejo.

Entre los invitados se encontraban actores y actrices de amplia carrera como Igancio López Tarso, Laura Zapata, Eric del Castillo, Martha Ofelia Galindo, Sergio Corona, Norma Lazareno, Blanca Guerra, Arcelia Ramírez, Humberto Zurita, Lucía Méndez, Luz Maria Aguilar, Susana Zabaleta, Alejandro de la Madrid, Itatí Cantoral, Diego Del Río, Gabriela de la Garza, entre muchos más.

El reloj marcaba las 19:00 horas, cuando finalmente Silvia Pinal apareció en uno de los palcos principales, provocando una ovación duradera y llena de júbilo, que evidentemente contagió a la actriz, quien, con innagotables sonrisas, agradeció el amor que los asistentes demostraron durante la velada.

Los aplausos cesaron y otra leyenda del entretenimiento nacional apareció en el escenario, Diana Bracho, quien fue la encargada de conducir el festejo y recordar uno de los grandes éxitos internacionales de la diva, Viridiana, película de 1961 realizada por el director español Luis Buñuel, con quien desarrolló una profunda amistad que la llevaría a convertirse en su musa principal al participar en dos cintas más como El ángel exterminador y Simeón del desierto.

A través de una pantalla gigante, una Pinal más joven apareció para contar anécdotas de su quehacer actoral en esos años, con su característico encanto y sentido del humor, palabras que solo daban cuenta de su grandeza y amor a la actuación.

La noche avanzaba y tocó el turno de Sylvia Pasquel, la hija mayor de la intérprete, de expresar su cariño y admiración en estos años, quien hizo mención de todos los proyectos que su madre realizó en cine, teatro y televisión, “Esta noche es de fiesta y reconocimiento a la gran diva del cine, teatro y televisión, mi madre, Silvia Pinal”, expresó.

Durante el homenaje, actores, actrices, directores y directoras de teatro y cine Óscar Carapia, Alberto Estrella, Francisco Franco-Alba, Roberto D’Amico, Gabriela de la Garza, Angélica Aragón y el crítico Álvaro Cueva dieron lectura a conmovedores mensajes y contaron anécdotas sobre la trayectoria de Pinal.

Tiempo después hizo su aparición otra de las mujeres de esta dinastía, Stephanie Salas, ataviada con una fastuoso y característico vestido rojo, que la Pinal usaría por tantos años,  deleitó a los presentes con el número principal ddel musical, Hello, Dolly!. También participaron Alán Estrada, Fela Domínguez y la icónica Bianca Marroquín, quien salió a escena acompañada por talentosos bailarines pertenecientes a la Compañía Nacional de Teatro  que, sin duda, hizo vibrar a todos los presentes con su personalidad y gracia al bailar.

Al concluir los números musicales, Silvia Pinal apareció sumamente conmovida sobre las tablas en compañía de Sylvia Pasquel, Alejandra Guzmán, Luis Enrique Guzmán, Stephanie Salas, Camila Valero Salas y Michelle Salas, a las que se sumó la presencia de Lucina Jiménez, directora del INBAL, quien fue la encargada de entregarle un reconocimiento en honor a su fructífera trayectoria.

“Querida Silvia, estamos hoy reunidos todos los mundos de las artes posibles, porque tú tejiste esos mundos, porque tú nos convocas, la historia del teatro, del cine y de la televisión está en tu vida”, expresó.

Finalmente, Sylvia Pasquel y Alejandra Guzmán señalaron el ejemplo que la dedicación de la primera actriz hacia su profesión les ha enseñado, así como las virtudes de crianza de las que gozaron y que las hace amarla tanto.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

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Desde el pasado 26 de agosto y hasta el 28 de octubre, el Centro Cultural La Titería, ofrece funciones de Cascada 126, un denominado acto ritual de amor, despedida, liberación y transformación que Gala Gutiérrez recrea en escena, bajo la dirección de Conchi León.

Sobre la propuesta, la autora señala: “Es una historia sobre lo que yo he experimentado en este inmueble Cascada 126, que está ubicado aquí en la Ciudad de México, donde viví mi infancia junto con mi papá, mi mamá, mis hermanos, etc., ellos están muertos hoy día, entonces lo que yo hago es ofrendarles un acto de amor, un acto de agradecimiento y darnos la despedida que no tuvimos”.

“He venido trabajando con este proyecto desde hace 9 años, fecha en la que sucedió esta situación, y a mí me tocaba confrontarlo, hablar de ello y ahora que estoy lista, estoy haciendo esto realidad”, señala.

Y agrega: “En esta propuesta, yo les presento a mi familia en un acto ritual escénico, donde corto todos los lazos que hemos experimentado, los dejo ir, les agradezco amorosa y gentilmente, para seguir adelante en donde quiera que estén y también yo seguir de este lado, de la mejor manera”.

Sobre la llegada de la directora Conchi León a su historia, la actriz menciona que una de las primeras visiones creativas que consultó, fue la de ella, misma que la alentó a continuar explorando a través de su vivencia y deseos.

“Conchi León llega cuando yo empecé a gestar el proyecto, yo siempre supe que quería que ella fuera la directora, porque ella trabaja mucho el ritual, ella conoce perfectamente cómo hacerlo, la contacté, le encantó y me dijo, por supuesto que cuentas conmigo, y trabajar con ella, ha sido un gran regalo”, afirma.

“Ella comprendió mi historia, ofrendo a mis muertos y de alguna manera se integró con ellos, entró a conocerlos para saber de qué se trataba y hacia dónde íbamos, empezó a preparar un terreno muy generoso para todos, no solo para mí, porque no solo soy yo en escena, es decir, físicamente sí, pero ellos me están permitiendo contar esta historia”, argumenta.

“Dentro de toda esta historia dolorosa, hay mucha generosidad, entonces Conchi nos abrió este espacio para estar con flores, agua y vino, para manifestarnos de la mejor manera y sentirnos bien de estar haciendo este ritual”, añade.

En palabras de Gutiérrez, sus difuntos le están permitiendo usar su voz para poder compartir su situación de vida, asegurando que el proceso ha sido muy mágico, entrañable y profundamente sanador.

Sobre la ambientación escénica de la propuesta, la actriz comparte: “El público se va a encontrar con una instalación escénica, porque el monólogo se cuenta a través de ella, en ella hay prendas antiguas, fotos y yo transito a través de ella, el público solo la ve, no entra, porque son ropas muy viejas y fotos de hace más de 40 o 50 años”.

“El montaje es sumamente sencillo, no es ostentoso, porque así es la casa, es una presentación tal cual de los personajes y mi forma de despedirnos”, concluye.

Cascada 126 se presenta los viernes en el recinto ubicado en Vicente Guerrero 7, consulta precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez,  Fotos: Cortesía Producción

Este mes patrio, los recintos teatrales albergarán un abanico de propuestas dirigidas a chicos y grandes, con historias que nos harán reír, llorar, gritar, algunas de ellas buscarán tocar nuestras fibras más sensibles, pero todas ellas encaminadas a hacernos sentir la magia que el teatro sólo nos puede brindar.

Estas son algunas de las obras que arrancarán temporada, y poco a poco veremos más estrenos, porque nuestra cartelera está más viva que nunca.

1.Lagunilla, mi barrio. Esta adaptación para teatro de la película mexicana de 1980 será la encargada de inaugurar la temporada teatral de septiembre. La adaptación corre a cargo de Ariel Miramontes y Daniel Chávez, mientras que elenco incluye a diversas personalidades de la televisión como Laura León “Tesorito”, Ariel Miramontes “Albertano”, Maribel Guardia, Freddy y German Ortega “Los Mascabrothers”, Daniel Bisogno, Lisardo, Violeta Isfel y Alma Cero. Las funciones comenzarán el 2 de septiembre en el Centro Cultural Teatro 2.

2.Los guajolotes salvajes. Esta divertida comedia reúne tres clásicas historias de Chéjov, así como sus personajes más emblemáticos, llega a nuestro país bajo la dirección de Enrique Singer y las actuaciones estelares de Margarita Gralia, Roberto Blandón, Raquel Garza, Beatriz Moreno, Sergio Lozano, y Alexa Martín. A partir del 9 de septiembre en el Teatro López Tarso del Centro Cultural San Ángel Inn.

3.La hora de todos. Esta propuesta escrita por Juan José Arreola subirá a escena al primer actor cybernético para hablarnos de un desconcertante juicio final sobre las injusticias sociales en las que se basa el sueño americano. Cuenta con la dirección de Víctor Weinstock y las actuaciones de Gastón Yanes,Fabián Brun, Federico Tello y Fernanda Albarrán. Arranca temporada el 9 de septiembre en el Nuevo Teatro Libanés.

4.Jauría. Esta potente y desgarradora historia basada en las declaraciones que la denunciante y los acusados realizaron en el juicio de La Manada ocurrido en España en 2016, se escenificará por primera vez en nuestro país, con las actuaciones de jóvenes actores Ana Sofía Gatica, Eduardo Tanús, Antonio Peña, Daniel Bretón, Roberto Beck, Rodrigo Virago y David Calderón León, bajo la dirección de Angélica Rogel. La temporada correrá a partir del 5 de septiembre en el Foro Lucerna.

5.¿Qué tan arriba es arriba? La compañía Hasta la China trae a escena esta propuesta dirigida a niñas y niños que aborda los ciclos de la vida y la muerte, a través de la historia de Pequeña Estrella, su mamá y su abuela, quienes se embarcan en una aventura para entender y admitir los inevitables ciclos de la vida y la muerte. La temporada correrá del 3 de septiembre al 23 de octubre en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque.

6.Familias Monstruosas. Andrés Carreño y Fernanda Tapia unen sus plumas para crear esta entretenida historia infantil que mezcla el cabaret, para hablarnos sobre los distintos tipos de familias, pero desde el universo mágico de una de las fiestas más importantes para nuestra cultura, el Día de Muertos. La obra comenzará sus presentaciones del 17 de septiembre al 23 de octubre en el Teatro del Centro Cultural Helénico.

Esta es sólo una pequeña muestra de lo que podremos ver durante el mes de septiembre, así que mantente al tanto de toda la información, estrenos y más sólo en nuestro sitio.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción y Cartelera de Teatro

En una entrada anterior les revelamos los estrenos que levantarán el telón durante septiembre, y ahora toca el turno de hablar sobre las obras que regresan, desde dramas, clown, infantiles, cabaret y más. Sin duda, la oferta teatral es amplia y promete seguir cautivando nuestros sentidos con inolvidables historias.

Acá te traemos los reestrenos que veremos conforme avance el mes y que no te debes perder:

1. El show debe continuar. Marcos Radosh protagoniza este monólogo que narra los distintos momentos por los que atraviesan los actores previo a dar función y que nos invita a cuestionarnos qué tanto estamos dispuestos a hacer para cumplir nuestros sueños. Las funciones son los sábados en el Teatro La Capilla.

2. Guerra a Clown Play. Esta obra que ha viajado por distintas partes del mundo, regresa para ofrecer dos funciones especiales con las hilarantes actuaciones de Artus Chávez, Nohemí Espinoza y Fernando Córdova, quienes exploran lo irónico y absurdo de la guerra. Se presenta este 4 y 11 de septiembre en el Foro Shakespeare.

3. El payaso de la calle del Relox. Esta propuesta a cargo de Los Estrouberry Clowns nos cuenta la historia del primer payaso cara blanca mexicano, que vivió de 1820 a 1960, conocido como “Don Chole”, y las dificultades que enfrentó para levantar su circo. Ofrecerá temporada del 3 al 11 de septiembre en el Teatro de las Artes del Cenart.

4. Los días de la nieve. Este unipersonal protagonizado por Carmen Vera y dirigido por Kerim Martínez, entre alfileres, tela y pedaleos nos cuenta la historia de una costurera, que está a punto de terminar su último encargo, un vestido color turquesa. Se presenta del 10 de septiembre al 12 de noviembre en el Teatro La Capilla.

5. Tebas Land. Mauricio García Lozano y Manuel Cruz Vivas regresan una vez para contarnos esta tremenda historia sobre un joven que asesinó a su padre y un escritor que quiere contar su versión y tratar de entender cuáles fueron los motivos que lo condujeron a ello. La obra se escenificará Del 19 de septiembre al 12 de diciembre en el Foro La Gruta.

Si no tuviste oportunidad de ver estas propuestas es momento de correr al teatro y comprar tus boletos, te aseguramos que será una increíble experiencia.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro y Cortesía SANAHE

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Arrancamos el mes de septiembre, dando a conocer los nombres de las nuevas producciones que han sido elegidas para el 3° periodo de los Premios del Público Cartelera 2023.

Por su producción y contenido, éstas obras han cautivado a nuestros lectores, ahora nuestro jurado será el encargado de elegir al montaje ganador de este periodo.

Estas son las 4 obras que competirán en septiembre:

Los humanos. Esta propuesta escrita por Stephen Karam, bajo la adaptación de Paula Zelaya Cervantes, retrata una cena de Navidad en familia donde las tensiones del pasado, las preocupaciones de un futuro incierto y los demonios personales de cada integrante salen a flote, al calor de las copas, sin dejar de lado el incomprensible e incondicional amor presente en cualquier núcleo familiar.

Los Monstruos. En esta historia creada por Emiliano Dionisi, conoceremos a Claudio y Sandra, quienes tienen dos hijos pequeños con cualidades especiales, que tienen problemas para relacionarse con sus pares. Es una obra plagada de mucho humor y pinceladas musicales, que aborda las complejidades de ejercer la paternidad en un mundo actual.

Abismo. Aquí, la dramaturgia de Jennifer Haley muestra una realidad virtual distópica, donde la tecnología ha brindado la posibilidad de experimentar experiencias y sensaciones tan reales como en la vida, pero al interior de un universo creado por un hombre que ofrece a sus huéspedes cualquier posibilidad para sentir placer.

Indecente. En esta historia escrita por Paula Vogel, se hace un homenaje al teatro, donde seguiremos el viaje de un montaje durante varias décadas y veremos cómo esta obra es interpretada por diversos actores durante estos años, con una historia de amor sublime entre dos mujeres que viven una pasión tan intensa como el significado que un actor da al teatro.

Para conocer a detalle lo que acontece durante este periodo de nominación, mantente al pendiente de nuestro sitio para conocer qué obra será la ganadora.

Si te gustan las historias con tintes de comedia, romance, historia y bellas melodías de esas que te atrapan desde que se levanta el telón, no te puedes perder Indecente, propuesta que hace un homenaje al teatro y a todos aquellos creadores, dentro y fuera del escenario.

Escrita por Paula Vogel, el montaje está basado en la polémica historia escrita por Sholem Asch, The god of vengeance (El dios de la venganza), donde una compañía arriesga hasta sus vidas con tal de llevarla a los escenarios más importantes del mundo, que desde su estreno en Broadway ha llegado a distintos recintos y ha logrado conquistar a todo aquel que se encuentra en una butaca.

Aquí te presentamos 3 razones por las cuales no puedes dejar de acudir al teatro y presenciar este montaje dirigido magistralmente por Cristian Magaloni, que ofrece funciones de jueves a domingo en el Teatro Helénico:

1. Una celebración al arte teatral. Sin duda, Sholem Asch fue un dramaturgo que se adelantó a su tiempo al plasmar la historia de amor entre dos mujeres judías en pleno auge de la Segunda Guerra Mundial, un momento en que el arte, la libertad y la verdad pendían de un hilo, a pesar de haber sido escrita hace más de 100 años, su temática resuena con mayor vigencia en nuestros días. Otro factor a destacar es el ímpetu y pasión de los actores y actrices que conformaron la primera puesta, quienes jamás tiraron la toalla, pues sabían que estaban contando una gran y hermosa historia, más allá del morbo y escándalo, la obra es, en sí, una celebración al arte de hacer teatro, llena de canciones y bailes que logran contagiar a más de uno.

2. Experiencia y juventud. Esta obra cuenta con un elenco de primera conformado por actores de gran experiencia como Alberto Lomnitz, Elizabeth Guindi, Jorge Lan y Federico Di Lorenzo, así como los talentos jóvenes de Ana Guzmán Quintero, Majo Pérez y Roberto Beck, quienes ya se han probado en escena. Estos actores y actrices nos muestran sus grandes habilidades en escena, pues no sólo actúan, bailan y cantan con gran destreza, para interpretar a los 42 personajes que conforman el montaje, desde un sastre de Varsovia, una afamada actriz en Alemania, un rabino, hasta un dramaturgo estadounidense ganador del premio Nobel.

3. La música. Una parte fundamental de la propuesta es la participación de los músicos en escena. Leo Soqui, Cecilia Becerra y Rodrigo Garibay son los encargados de interpretar no sólo a la banda de Klezmer, sino también a las melodías, que acompañaron a la compañía teatral durante todas sus presentaciones en Europa y Estados Unidos. Gracias a sus interpretaciones, como espectadores, somos capaces de dar aquellos saltos en el tiempo que inundan la trama.

Se trata de una conmovedora historia que estamos seguros atrapará tus sentidos en cada instante, y estára en los escenarios hasta el 2 de octubre en el recinto ubicado al sur de la ciudad, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz

Abismo es un thriller escrito por Jennifer Haley, que se presenta en el Teatro Milán, bajo la dirección de Miguel Septién, con un elenco integrado por Pablo Perroni, Verónica Bravo, Sergio Zurita, José Ramón Berganza y Leo Danse Alós.

La obra se desarrolla dentro de un mundo virtual avanzado, mismo que se ha ido apoderando de la vida real. Dentro de este universo, existe un reino nuevo llamado “El escondite”, lugar que ofrece una experiencia única, ya que los “huéspedes” pueden dar rienda suelta a las fantasías más oscuras, sin las ataduras ni consecuencias presentes en el mundo real.

Si aún no has sido parte de esta experiencia, a continuación te damos 3 razones para ver este montaje que se presenta de viernes a domingo en el Teatro Milán:

1.La historia. En este thriller encontrarás una premisa bastante inquietante, debido a la cercanía del mundo planteado por la dramaturga, donde  el gran acierto es jugar con la mente del espectador, generando todos los posibles escenarios en su cabeza.

2.El debate. La obra es una de esas producciones que, al salir de la función, es imposible no discutir sobre ella, partiendo de profundos cuestionamientos internos. Como ya lo mencionaba, este montaje plantea la posibilidad de dos realidades y los personajes son los encargados de mostrar las dos caras de la moneda, por lo que la reflexión es inevitable, así que prepárate para un buen café o una cena llena de charla con tus acompañantes, más tarde.

3.Leo Danse Alós. La actriz infantil de la historia hace una interpretación contundente en escena, a través de su personaje conoceremos algunas de las situaciones más siniestras al interior del Escondite y a su corta edad, logra mantener la tensión del público en todo momento, elevando el misterio.

Ahora conoces algunas de las razones que hacen de esta producción una propuesta ideal para disfrutar este fin de semana, para conocer más información, da clic, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Del 22 de septiembre al 1 de diciembre podrás disfrutar de Piantao, drama escrito por Enrique Navarro, con las interpretaciones de Luciana González de León y Mario Alberto Monroy que ofrecerá temporada en Teatro La Capilla.

Se trata de la primera pieza teatral del autor, la cual surgió a partir del diplomado de creación literaria Xavier Villaurrutia del INBAL, dentro de una asignatura impartida por la dramaturga Gabriela Román.

En este sentido, Navarro menciona: “Yo era periodista, bueno, (en realidad aún escribo, hacía coberturas de teatro), y esta obra se originó como un texto académico, obedecía más a una asignatura, pero al final me gustó muchísimo. Creo que es una historia que tenía por ahí ya pensada, seguramente de unos 10 años atrás, que no era lo que es ahora, que estaba muy en pañales, pero con la intervención de la maestra Román, fue adquiriendo forma”.

El creador señala que esta inquietud nació a partir de su experiencia profesional en el mundo del entretenimiento, al principio de su carrera, debido a la forma en que abordaba los temas, en específico, durante las entrevistas, un tanto era rígida y estructurada. Sin embargo, confiesa que al dejar de lado, conceptos como la pirámide invertida y el dar a conocer solo la noticia, pudo profundizar de una manera más honesta con el entrevistado.

“En la medida en que comencé a hacerlo de manera más personal, conseguí las mejores entrevistas porque lo hacía a partir de lo que yo sentía, a partir de cada pieza y entre más personal fue, mejores historias comencé a contar. A partir de este proceso, un día pensé, bueno, quizá tengo algo que decir, entonces decidí meterme al INBAL, así que esto fue creciendo, fue creciendo, hasta que hoy es una realidad”, expresa.

“Me interesaba mucho contraponer dos melancolías: la mal llamada melancolía de los artistas, es decir, esta parte en la que se cree que hay que estar un poco tristes o tener un poco de locura, esperar un día gris, tomar café y vino para poder crear algo; y la otra, sí a partir de una melancolía clínica, una depresión diagnóstica”, puntualiza.

Y agrega: “La obra habla de Horacio, quien es un pintor argentino radicado en la Ciudad de México, y su encuentro con Daniela, una fotógrafa mexicana. Esta historia está inspirada en Balada para un loco, que es un tango escrito por el poeta Horacio Arturo Ferrer”.

De acuerdo con Navarro, la inspiración que encontró en este tango, fue al experimentar la profunda sensación de felicidad, así como de tristeza que le brindaba la música, por lo que empezó a imaginar a un pintor que cree que puede curar la tristeza o locura de alguien más, desde su propia felicidad y creación. “Es una historia de amor y de encuentros, donde por más que los protagonistas intentan estar juntos, muchas situaciones los separan”, afirma.

“A Luciana la conozco literal, desde que estábamos en la primaria, íbamos juntos y con el tiempo la vida nos llevó por distintos caminos, ella se fue al de la actuación y yo al del periodismo y fue así que nos volvimos a encontrar de nuevo. Yo cubría mucho entretenimiento y de repente la veía mucho en series de televisión, películas, nos encontrábamos en alfombras rojas y entonces para mí era muy bonito ver su crecimiento”, confiesa.

“Mario fue propuesto por el equipo de producción y me pareció una buena idea, ya había visto su trabajo y lo que más nos emociona es que se trate de un actor mexicano, interpretando a un pintor argentino, es un reto, el acento, el canturreo de la frase argentina, esta onda porteña y algunas insinuaciones al tango, pero sin que sea un espectáculo de baile tal cual”, señala.

“Lo que está buscando Sebastián de Oteysa, el director del montaje es despegarse mucho del cliché tanguero, romper con los rojos y negros, los trajes de tres piezas, las boinas, lo que estamos tratando de representar es una relación contemporánea, utilizando el pretexto del tango, porque la canción que utilizamos está presente en los detalles y la cotidianidad de dos artistas, así que esta mezcla de realidades no cae en el folclore mexicano”, concluye.

Piantao arrancará su temporada el próximo 22 de septiembre, en el recinto ubicado en Madrid 13, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos:Cortesía producción y FB de Navarro

Ayer por la noche se estrenó Jauría, drama escrito por Jordi Casanovas, que se presenta en esta ocasión bajo la dirección de Angélica Rogel, con un elenco integrado por Ana Sofía Gatica, Eduardo Tanús, Antonio Peña, Daniel Bretón, Roberto Beck, Rodrigo Virago y David Calderón León en el Foro Lucerna del Teatro Milán.

Esta propuesta de teatro documental fue creada a partir de fragmentos de las declaraciones de la denunciante y los acusados en el juicio realizado a “La Manada”, por los hechos de violación grupal ocurridos durante los San Fermines, en Pamplona, España en 2016.

Como madrinas invitadas, estuvieron presentes la compositora Vivir Quintana, la activista Olimpia Coral Melo, quien impulsó la creación de la #LeyOlimpia contra el acoso digital en México y la actriz y diputada Ana Francis Mor.

Al finalizar la presentación, el productor Óscar Carnicero declaró: “Yo compré esta obra hace 2 años y la compré porque tengo dos hijas pequeñas, yo asumí la idea de no existir en la producción porque tenía que ser una obra contada por un equipo de mujeres, y con Angélica Rogel no pudo estar en mejores manos”.

Por su parte, la directora comentó: “Esta obra reúne a un elenco amoroso, integrado por gente que confió y permitió abrirnos muchas preguntas que pretendemos también lleguen al público. Quiero agradecer, también, al equipo de creativas porque permitieron que hubiera un diálogo con mucha solidaridad y sororidad, y creo que eso se tiene poco y se agradece mucho a todas”. 

Coral Melo mostró su agradecimiento hacia Ana Sofía Gatica por su interpretación, asegurando que representa una pieza importante al plasmar lo que muchas mujeres han sufrido al ser vulneradas y revictimizadas por el sistema.

“Para mí, el verlos a ustedes, fue ver a mis jueces, al ministerio público y decenas y decenas de historias en este país y el mundo, y que lo hayan hecho teatro con tanta pasión y amor, es un motivo más de lucha, porque mientras unos luchan con su voz como Vivir, en el congreso, con una botella de aerosol o como yo, en las leyes, ustedes lo hacen con arte”, señaló.

Para Ana Francis Mor, la lucha en diferentes trincheras es de vital importancia y se comprometió a continuar trabajando desde su rubro para cambiar el panorama de las injusticias hacia las mujeres.

“Yo hago teatro desde hace casi 30 años, ahora que soy diputada desde hace uno, podía solicitar presidir la Comisión de Cultura o de Igualdad de Género y decidí presidir esta última, porque mis principales problemas con mis compañeros de teatro fueron por ser mujer. Esta es una obra donde se alcanza tantita justicia para que no nos vayamos a nuestras casas pensando que no hay esperanza”, argumentó.

Finalmente, Quintana agregó: “Está muy fuerte la obra, está muy real, pero es un pedacito de lo que está pasando allá afuera, a veces pareciera que no hay esperanza, que no hay justicia, que las cosas no suceden y que no avanzan. Sin embargo, hay muchas personas haciendo cosas maravillosas como esta noche, porque por medio del arte se pueden decir discursos muy importantes para poner atención”, concluyó.

Jauría ofrecerá temporada hasta el 16 de enero con funciones los lunes en el Foro Lucerna del Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro y Mariana Medina

A partir del 13 de octubre,  El Show de Terror de Rocky, musical escrito por Richard O’Brien,  se apoderará del Nuevo Teatro Silvia Pinal, bajo la producción de Jaime Calpe y Rafa Maza, quién también estará a cargo de la dirección escénica y contará con las actuaciones estelares de Beto Torres, Gloria Aura, Moisés Araiza, Juan Fonsalido, Mari Filipini, Ceci Arias, Carla Heftye y como el narrador Gerardo González.

Durante la presentación a medios, ocurrida al interior del Hotel Geneve, Jaime Calpe señaló que se trata de un show necesario, donde el gran mensaje es disfrutar la vida a cada segundo. Además enfatizó que la esencia de la historia tiene muchas aristas, lo que permite colocar diversos temas de relevancia en cada presentación. Calpe también mencionó que esta producción cuenta con la asesoría de la productora Julissa.

Por su parte, Maza, comentó: “Esta historia se presenta en los 70 con Julissa con gran éxito. Esta versión está renovada, el texto se adaptó para brindar una experiencia de calidad de este musical de culto, respetando la esencia de la historia original”.

Agrega: “Julissa fue una adelantada a su época por ser la primera en traer opciones jóvenes a México. Esta propuesta más allá de señalar un tema en específico, es un espacio para que diversas temáticas sucedan y eso es lo que necesitamos. Al final, esta obra nos dice que está bien lo que queremos ser y que no hay que soñar, sino vivir ”.

Para el actor Gerardo González, se trata de un proyecto que lo entusiasma mucho, ya que él fue parte de la versión realizada en 1986, a cargo de Julissa. “Tengo un cariño muy especial por el mensaje que engloba, porque representa todo lo que los seres humanos podemos ser en la sexualidad”, declaró.

Por otro lado, el actor Beto Torres mencionó la emoción que lo invade al representar a un personaje tan icónico como Frank-N-Furter. “Se dice mucho que los personajes te escogen, pasan los ensayos y esto está resultando muy divertido, creo que estaré a la altura del personaje y pasaré el mensaje de vivir con intensidad. Ojalá cada vez más gente esté convencida de que puedes ser lo que sea y que se respete”, enfatizó.

En esta ocasión, la encargada de dar vida a Janet Weiss, será la actriz Gloria Aura, quien regresa con este personaje al teatro, después de 3 años de ausencia. “Yo estoy fascinada de pertenecer a este musical, después de 3 años de ausencia, me pareció que esta oportunidad era ideal, porque me dejó temblando cuando colgué el teléfono al recibir la invitación. Esta historia fue tan atrevida en su momento y sigue teniendo temas de actualidad, temas que bajita la mano si te dejan pensando”, afirmó.

Finalmente, parte del equipo creativo en esta producción, coincidió en que la gente que acuda a la sala, disfrutará de un espectáculo sorprendente, ambientado en un espacio de ciencia ficción al interior de un castillo victoriano, con música psicodélica y nuevos arreglos vocales.

En esta adaptación, la dirección vocal es de Hugo Robles, la dirección musical corre a cargo de Mario Cabuto, con coreografía de Hugo Curcumelis, escenografía hecha por Emilio Zurita, vestuario de Emilio Rebollar, e iluminación por Miguel Pérez Cuesta.

Esta obra rinde tributo a las películas de ciencia ficción y a las películas de terror realizadas entre 1940 y 1970, cuenta la historia de una pareja recién comprometida, quienes quedan atrapados dentro de su vehículo, debido a una fuerte tormenta, por lo que llegan a la casa de un peculiar científico travesti, quien les muestra su más reciente creación, un extraño hombre llamado Rocky.

El Show de Terror de Rocky se estrenará el 13 de octubre con funciones de jueves a domingo en el Nuevo Teatro Silvia Pinal, ubicado en Versalles 27, Col. Juárez, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La Teatrería es uno de los espacios escénicos que, desde su creación, ha conquistado poco a poco el corazón de la Roma, al ofrecer toda una experiencia a todo aquel que acude, pues gracias a su diseño, el lugar cuenta con el restaurante Miranda y el bar Próspero, que impulsan tu visita.

En un inicio el lugar se pensó que sería ideal para albergar espectáculos dirigidos a las primeras infancias, así como talleres, sin embargo, al ver el potencial, sus fundadores Óscar Carnicero y José Manuel López Velarde, fueron más allá y hoy en día podemos ver una rica oferta no sólo para niños, también para adultos. La Sala A con capacidad de 117 butacas, mientras que en la Sala B, 45.

Echa un vistazo con las propuestas que se presentan actualmente, para que te animes a visitarlo, y dicho sea de paso, aprovecha para degustar alguno de sus platillos o consentirte con alguna bebida.

Conejo Blanco, Conejo Rojo. Desde su estreno, esta obra se ha convertido en todo un fenómeno al que se han sumado no sólo personalidades del gremio escénico, locutores, periodistas, músicos y standuperos han subido al escenario para representar esta obra. En esta nueva temporada Anna Ciocchetti, René Franco y Aldo Escalante, entre otros, serán los encargados de interpretar el guión que se mantiene oculto en un sobre sellado, en compañía del público.

La peor señora del mundo. Si bien existen diversas adaptaciones, una de las más significativas es la realizada por la compañía Animista Teatro, la cual lleva más de 10 años en escena, pues con gran energía e ingenio, logran transmitir el mensaje de su autor, apoyado por diversos elementos de utilería y colores llamativos que consiguen atrapar la atención de chicos y grandes.

Malintzin. Esta propuesta explora el personaje histórico de “La Malinche” para ofrecernos la visión de esta mujer maya-mexica y cómo vivió este encuentro entre mexicas y españoles, que no sólo fungió como intérprete, ella les enseñó sobre la cosmovisión, las costumbres, las hazañas y también los temores.

Nostalgia-Me (O una carta con entera sinceridad). Una reciente propuesta a cargo de un grupo de talentosos jóvenes que explora el tema de la depresión y cómo afecta nuestro subconsciente, así como las relaciones de las personas que viven con ella. En la trama, somos testigos de todas aquellas conversaciones que nunca tuvieron lugar y un montón de pensamientos,esos que llegan justo antes de irnos a dormir.

Mi robot interior. Escrita, dirigida y actuada por Yurief Nieves, uno de los músicos escénicos más reconocidos, trae a escena la aventura más reciente del Hombre Bala, donde tendrá buscar la mejor computadora, el robot más avanzado y las aplicaciones más innovadoras y descifrar el algoritmo ideal para para salvar a la humanidad de las enfermedades y que toda la gente pueda vivir sana para siempre.

Como verás, La Teatrería no es sólo un recinto, nos ofrece una experiencia completa, ya sea que vayas en plan familiar, con amigos o amigas, o en pareja, estamos seguros que pasarán un gran momento, consulta otras opciones, dando clic, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Animista Teatro y Cortesía Producción

La noche de ayer, se llevó a cabo en el Nuevo Teatro Libanés, el estreno de La hora de todos, obra experimental escrita por Juan José Arreola, bajo la dirección de Víctor Weinstock, con un elenco integrado por Gastón Yanes, cyborg 1Z4K, Fabián Brun, Federico Tello y Fernanda Albarrán.

En escena se muestra un juguete cómico, donde conoceremos a un peculiar conductor de televisión llamado Harras, quien es interpretado por un 1Z4K, una inteligencia artificial, que por primera vez se presenta como un actor más en un montaje, acompañado de multimedia y sonido envolvente en alta resolución.

Durante el programa, este ente tiene como invitado al magnate Harrison Fish, quien en palabras del director es una especie de ciudadano Kane o de Donald Trump, un empresario americano, blanco, anglosajón y sin escrúpulos que ha hecho mucho daño con sus acciones.

En este sentido, el show pretende exhibir la parte oscura del protagonista, a través de pasajes de su vida, con ayuda de personajes que inesperadamente salen de backstage. En esta especie de juicio final, poco convencional, Harras ejecuta el papel de un verdugo implacable que provoca a Fish asco de sí mismo, llevándolo a una reflexión profunda de las consecuencias de sus actos.

Con todos estos elementos reunidos en el montaje, el público disfrutó, además, de una experiencia inmersiva atípica en el teatro, donde los sentidos fueron estimulados a través de variaciones rítmicas en el sonido, así como un juego de luces que nos adentraban en un futuro tecnológico, donde las posibilidades podrían ser infinitas.

Al término de la presentación, Weinstock expresó su entusiasmo por el proyecto, al igual que el equipo creativo que hace posible esta adaptación.

Cabe destacar que esta obra escrita en 1954, es una de los dos textos para teatro que Arreola escribió en su vida, además de ser la primera en ganar el primer concurso de dramaturgia organizado por el INBA.

La hora de todos se presenta de viernes a domingo hasta el 22 de octubre en el Nuevo Teatro Libanés, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Los humanos, del dramaturgo estadounidense Stephen Karam, se presenta todos los martes en el Foro Shakespeare, bajo la dirección de Diego del Río, con las actuaciones de Concepción Márquez, José del Río, Pilar Flores del Valle, Luz Aldán, Paulette Hernández y Nacho Tahhan.

Se trata de un texto que tardó 7 años en llegar a México, desde que Hernández vio la obra en el extranjero y quedó impactada por el retrato contundente de la humanidad, a través de sus distintos matices y constantes conflictos, mismo que por diversas circunstancias, entre ellas la pandemia, no se pudo montar antes.

Así que, si aún no has sido testigo de las virtudes que engloban esta historia, a continuación te cuento 3 razones para disfrutar la propuesta:

1.Una premisa potente y atemporal. La dramaturgia de Karam retrata las relaciones personales de una manera honesta, todo al interior de un núcleo familiar, donde la costumbre y el amor, no eximen la dificultad de ser honestos en totalidad, con esas personas que te han visto crecer y con las que compartes el mismo ADN, o no.  En este montaje, la acción comienza cuando la hija menor invita a sus padres, abuela y hermana mayor a conocer a su pareja en su nuevo hogar, dando pie a situaciones cotidianas que pueden detonar rencores del pasado y reproches del presente.

2.La dirección. Diego del Río invita a una cena navideña en el corazón de la Ciudad de México, aquí es interesante la naturalidad con que la acción ocurre, ya que el espectador se encuentra inmerso en las charlas, al parecer, superfluas y cotidianas, a través del recorrido escénico que cada intérprete hace para recrear el espacio planteado, un departamento de dos niveles. Sin embargo, estas charlas e interacciones contienen un significado mordaz de la vida en sociedad.

3.La adaptación. Cabe señalar que esta propuesta fue traducida y adaptada por Paula Zelaya Cervantes (245 actos de maldad extraordinaria), donde podrás disfrutar de un lenguaje cercano a nuestra cultura mexicana, donde se muestra un arquetipo popular y cercano de cada personaje, por lo que no será extraño encontrar a tu mamá, tu abuela, tu papá o tus hermanos en este potente reflejo de las relaciones humanas.

Ahora conoces tres razones para no perderte esta propuesta, no esperes más y consigue tus entradas, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La versión libre de Las Tres Hermanas de Antón Chéjov, Villa Dolorosa, tres cumpleaños frustrados, es traída pertinentemente a la actualidad por la dramaturga alemana Rebekka Kricheldorf, en una ácida comedia que aborda, con altas dosis de humor negro, la decadencia de la clase social privilegiada y la búsqueda de su significado en el mundo moderno.

En esta ocasión, la adaptación de Kricheldorf es llevada a escena bajo la dirección de Silvia Ortega Vettoretti, con un elenco integrado por Mahalat Sánchez, Paula Watson, Daniela Zavala, Renata Wimer, José Carriedo, Sheila Flores y Salvador Hurtado, quienes ofrecen funciones de jueves a domingo en la Sala Xavier Villaurrutia hasta el 25 de septiembre.

Sobre el montaje, el actor Salvador Hurtado comparte: “Mi aproximación a este proyecto, y a este texto en particular, fue algo muy entrañable, porque yo ya había trabajado a Chéjov con el maestro Margules, quien fue mi maestro y él lo entendía con una seriedad absoluta. De hecho era la tragedia moderna, pero haciendo énfasis en lo trágico, entonces era todo hacia adentro, con tonos medios y pausas mordaces”.

“Sin embargo, yo siempre pensé que Chéjov tenía mucho sentido del humor y que no era accidental encontrarlo en sus obras. Una vez dirigí un cuento pequeño de él, que se llama El daño que hace el tabaco y lo abordé en tono de comedia y el resultado fue espectacular, porque la parte trágica y patética del personaje principal, se subrayaba y se multiplicaba exponencialmente, gracias a ello”, argumenta.

Y agrega: “Cuando llega a mí este texto, me pasó algo que hace mucho, no me pasaba, al principio dije, bueno, es una buena adaptación de Las tres hermanas, pero antes de terminar el primer acto, solté la carcajada, leyendo el texto y eso es algo que a mí no me pasa muy seguido”.

De acuerdo con el actor José Carriedo, el espectador al entrar a la sala se entrega completamente a la experiencia viva, hecho que lo conmueve profundamente, ya que desde su perspectiva, el texto conserva una pertinencia crucial ante las situaciones que hemos experimentado en sociedad en la actualidad.

“Cuando nos invitaron a este proyecto, además de toda la complejidad de hacer una obra como ésta, el hecho de cuestionarnos si a nosotros no nos importa hacer teatro de este tipo, ¿a quién le va a importar? En este sentido, la respuesta ha sido maravillosa porque todo parece indicar que a la gente es a la que le interesa y busca ver propuestas honestas y bien ejecutadas como ésta, más allá de la buena estrella que cada actor pueda tener”, señala.

“El tema del clasismo es algo muy marcado en esta obra, creo que estamos en un momento en la historia donde la inclusión de tipos físicos, preferencias sexuales e ideologías, son muy importantes para las artes. Me parece que esta obra aborda esta reflexión y retrata todas esas cuestiones que son consideradas privilegios para la sociedad moderna y como se encuentran en un callejón sin salida, las personas que sólo saben vivir de la manera en les han enseñado por años, porque venir de una burbuja complica entender, cuáles son los caminos para salir”, añade.

Por su parte, Renata Wimer comenta: “Los personajes de Chéjov generalmente están buscando la felicidad y casi nunca la encuentran, ése es un poco el terreno en que se mueve este autor. La adaptación está llena de añoranza, al ser una clase burgesa acomodada, y aunque fue escrita en el 1900, gracias a que Chéjov era un genio, vuelves a retomar el tema y la reflexión inmediatamente retrata la realidad que experimentamos”.

“A mí siempre me ha interesado la literatura clásica y cómo se puede revisitar siempre, ya que muestra con contundencia la decadencia humana. Yo nunca he tenido la oportunidad de representar una obra tal cual de él. Sin embargo, Villa Dolorosa me pereció sumamente genial porque se dicen diálogos con muchos matices, que te llevan de la risa catártica a la reflexión más profunda”, concluye.

No te pierdas de esta historia con funciones en el recinto ubicado en Av.  Paseo de la Reforma esq. Campo Marte s/n, consulta horarios y precios, aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Se acerca una de las celebraciones más importantes en nuestro país, el Día de la Independencia, y con ello un puente vacacional que a todos nos brinda unos días de relax en los que podemos hacer cosas que normalmente no podemos por cuestiones laborales o escolares, con esto en mente, te invitamos a planear tu próxima visita al teatro y aprovechar las obras que continúan en temporada.

Estas producciones ofrecerán funciones este 15 y 16 de septiembre para que acudas en familia, amigos, en pareja o en solitario y disfrutes de una gran experiencia teatral, y lo mejor con grandes descuentos.

– Dos Más Dos. Esta divertida comedia que se adentra en la vida de las parejas swinger ofrecerá funciones el jueves 15 y viernes 16 de septiembre en el Teatro Royal Pedregal.

– Indecente. Desde su estreno, esta propuesta ha conquistado el corazón de todo amante al teatro y ofrecerá funciones también el 15 y 16 de septiembre en el Teatro Helénico.

– Como quieras, perro ámame. La música, el ingenio y la verdad de esta historia hacen de esta puesta en escena una de las ofertas ideales para ver este 15 y 16 de septiembre en el Teatro Renacimiento.

– Vive el Terror. Si te gustan las emociones fuertes, no puedes perderte esta terrorífica experiencia inmersiva este 15 y 16 de septiembre en el Teatro Rafael Solana.

– El juego que todos jugamos. Este montaje se ha dado a la tarea de revivir las ideas de Alejandro Jodorowsky, sumado al talento joven, es una apuesta para ver este 15 y 16 de septiembre en el Teatro Wilberto Cantón.

– Q.E.P.D. Hasta que la muerte nos una. Esta comedia negra invita a reírnos de nosotros mismos a través de una historia familiar, por esta semana la obra se presenta el viernes 16 de septiembre en el Teatro Tepeyac.

Consulta la programación que te brindan los diversos espacios teatrales en jueves y viernes, no esperes más y corre a comprar tus boletos para garantizar tu entrada.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz y Cortesía SANAHE 

Ayer se llevó a cabo el estreno a prensa e invitados de la obra,  Los guajolotes salvajes, comedia basada en Vanya y Sonia y Masha y Spike de Christopher Durang, un texto cómico que reúne los clásicos de Chéjov, en el Teatro López Tarso del Centro Cultural San Angél Inn.

Con la adaptación de María Renée Prudencio, bajo la dirección de Enrique Singer,  Margarita Gralia, Roberto Blandón, Raquel Garza, Beatriz Moreno, Sergio Lozano y Alexa Martín, lograron entretener y sacar más de una carcajada a los presentes que disfrutaron el regreso a los escenarios de Gralia.

Al término de la función, el productor Morris Gilbert comentó: “Ha sido una noche muy emotiva y por supuesto hay que decir gracias, porque me consta lo mucho que ha trabajado esta compañía para poder llegar a este estreno. Espero que todos hayan notado todo el amor que le hemos puesto a esta producción, porque es una obra perfectamente justa y necesaria para nuestros tiempos”.

Por su parte, el productor asociado, Claudio Carrera expresó: “Esta obra la imaginamos tantos años atrás y el reto más importante era conseguir un reparto como este y creo que ni en nuestros sueños imaginamos contar con todos los que nos han hecho vibrar esta noche, me siento muy orgulloso y muy agradecido”.

Finalmente, la actriz Margarita Gralia, compartió: “La palabra gracias resume toda esta experiencia, ha sido muy bonito ir de la mano de nuestro director descubriendo y entendiendo esta obra. Considero que esta historia cuenta una relación de amor, amor de hermanos, a tu tierra y a tu casa, eso es el mejor mensaje que podemos dar en este momento”.

Y agregó: “Fueron ensayos pesados y cansados, porque esta obra no es nada fácil y fue un reto, pero con las risas, los aplausos y las emociones pienso que estamos saliendo a flote. Era muy bonito escuchar esos silencios profundos cuando la gente se enganchaba al vernos y creo que eso es el mejor reconocimiento a nuestro trabajo”, concluyó.

El equipo creativo está conformado por Emilio Zurita en el diseño de escenografía, María Vergara en la iluminación, Adriana Pérez Solis en el vestuario, Miguel Jiménez en el diseño sonoro, Maricela Estrada encargada de peinados, Valeria Cinta en la utilería, bajo la producción de Mejor Teatro, Morris Gilbert y Claudio Carrera.

En escena, conocemos a Vania y Sonia, dos hermanos de mediana edad, que viven juntos, desde hace tiempo atrás, hasta que un día aparece su tercera hermana llamada Masha. El reencuentro parece marchar con normalidad, sin embargo, a medida que transcurren las conversaciones, conocemos las acciones que han tomado a lo largo de su vida y su repercusión en su presente, el enojo y rencores del pasado salen a flote, llevando a Masha a tomar la decisión de vender la casa en donde viven sus dos hermanos.

Los guajolotes salvajes se presenta de viernes a domingo en el Teatro López Tarso, ubicado en Av. Revolución esq. Fco. I. Madero, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Mariana Medina

A partir del 8 de octubre, se presenta en el Teatro Fernando Soler, Si te mueres… ¡Te mato!, comedia escrita por Fernando Schmidtt y Christian Ibarzaba, bajo la dirección de Leticia Amezcua, con un elenco integrado por Azela Robinson y Susana Alexander.

Esta mañana, en conferencia de prensa en el Centro Teatral Manolo Fábregas, el productor del montaje, Guillermo Wiechers, señaló: “Hay dos carreras sólidas aquí presentes, estas dos grandes mujeres se juntan para hacer una comedia uruguaya de situación, completamente inédita en México, ha sido todo un éxito en 11 países y estamos seguros de que aquí no será la excepción”. 

Para Alexander, el trabajar con una actriz como Azela Robinson, ha resultado un privilegio, así como un reto, ya que la entrega con la que ella cuenta, la hace exigirse el doble. Sin embargo, aseveró que siempre es un deleite trabajar con actores que sepan hacer su trabajo, donde la improvisación fluye ágilmente por el colmillo y las tablas que ambas comparten.

“Quiero agradecer la infinita confianza que la directora nos ha permitido en todo el proceso, porque nos está dejando jugar e improvisar en el escenario, las dos tenemos un grande colmillo y sabemos hacer nuestro trabajo, me encanta la energía con la que Azela llega a cada ensayo y como termina sudando muchísimo”, afirmó.

“Azela entiende perfectamente el ritmo y solita se arranca, porque la obra se presta para muchas tonterías, la ventaja es que estamos muy parejas, así que la gente va a ver a este par de locas haciendo reír”, argumentó.

Por su parte, Robinson expresó: “Estoy muy honrada con el príncipe de los productores, porque para mí eso es Guillermo, entonces cuando me dijo que era una obra con Susana, dije sí inmediatamente”.

“Regresar después del COVID es como regresar a la vida, pero parece que salimos al revés. El teatro para mí es un lugar para la retroalimentación, como actores el teatro es un templo, donde te haces actor”, señaló.

Y agregó: “La comedia negra es algo que se me da y para ser antagonista tienes que saber de comedia definitivamente, tu obligación como actor es encontrar la variedad siempre, porque entonces no estás entregando un trabajo completo”.

Finalmente, la directora del montaje, aseguró que para ella es un honor compartir el proyecto con ambas actrices, donde la gente podrá disfrutar de un humor ácido, con diversas situaciones políticamente incorrectas.

“Es un honor estar con estas actrices, yo les doy la carretera y ellas se van a la velocidad que quieren, somos tres mujeres al frente del proyecto y creo que ese es un gran acierto, porque la obra mete en una situación extrema a las dos, retratando lo que las mujeres somos capaces de hacer para conservar un empleo”.

“Además de esta ligereza aparente, tiene un trasfondo del desempleo en Latinoamérica después de los 40 años”, concluyó.

En escena, se narra la historia de dos mujeres que tienen a su cuidado a una mujer de origen serbio. Sin embargo, el día de su fallecimiento sus destinos cambian irremediablemente, dando lugar a situaciones catárticas y divertidas.

No te pierdas de esta propuesta con funciones los sábados y los domingos, a partir del 8 de octubre, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Del 14 de septiembre al 28 de diciembre llega a La Teatrería, la nueva temporada de Conejo blanco, Conejo rojo, monólogo experimental escrito por Nassim Soleimanpour en 2010, el cual le ha dado la vuelta al mundo, traduciéndose a más de 20 idiomas.

En esta ocasión, el elenco de esta propuesta es integrado por Anna Ciocchetti, René Franco, Aldo Escalante, Gaby Navarro, Miguel Tercero, Roberto Carlo, Germán Bracco, Daniel Tovar, Apio Quijano, Alejandra Ley, Michelle Vieth, Laura Zapata, Daniela Luján, Ana Valeria Becerril y La Morra Lisa.

Al respecto, Navarro, Carlo, Franco y Escalante comparten en exclusiva sus expectativas y principales miedos ante esta atípica historia.

“Me siento superansiosa, me están sudando las axilas, siento mucha emoción, pero es más ansiedad, la neta, porque no sabes que va a pasar, no hay mucho que podamos revelar, lo único que podría decir es que qué chingón que la persona que está en el escenario no sepa que va a suceder”, afirma Navarro.

“Es interesante para el público, porque al mismo tiempo va descubriendo qué onda con esta obra con el actor en turno y se genera un vínculo entre ellos, ante la duda y la intriga”, añade.

Por su parte, Franco señala: “Yo me siento muy afortunado, porque sí creo que es una propuesta muy padre, yo nunca he trabajado en La Teatrería, es como entrar un poco al mundo de la intelectualidad. Aquí hay prestigio y no es como andar echando relajo con los cuates”.

Y agrega: “Sí reta y sí da miedo porque, esencialmente, sí cuenta con una estructura totalmente ajena a mí. Yo en mi carrera en TV y Stand Up, me puedes dar una hora y media ahí en el escenario y sí te armo un show, pero, en este caso no tengo ni la más remota idea y eso es lo padre, porque ahora soy yo quien se tiene que adaptar al formato y experimentar las consecuencias, también”.

Para Escalante, el hecho de que la obra haya viajado a diversas partes del mundo y que haya contado con la participación de actores de gran prestigio, significa un buen augurio, por lo que en lugar de estar nervioso, asegura sentirse ansioso por que llegue su turno y suceda lo que tenga que ocurrir.

“Yo creo que algo tiene la obra para que haya dado la vuelta al mundo y tanta gente chingona haya querido hacerla. Creo que es un experimento increíble, la sorpresa es la clave para la diversión, donde lo peor que puede pasar es ver a un actor sufrir un ataque de pánico sobre el escenario”.

“Es interesante observar el hecho de, cómo el autor no pudo salir de su país, su obra se ha presentado en tantas ciudades, y si ya van 6 temporadas en México, quiere decir que es un formato que la gente ha disfrutado y los actores que han vivido el proceso, lo aseguran también”, argumenta.

Finalmente, Carlo expresa: “Creo que una es una buena oportunidad de entrar a un espacio muy respetado por el gremio actoral, entonces como dice Rene, algo seguramente hemos hecho bien. Cuando invité a una amiga me dijo, te vas a cagar y yo le dije, ya me cagué, porque al final el escenario siempre tiene esa magia de estar expuesto, donde las posibilidades son infinitas”. 

“Creo que me espera una experiencia brutal, pero si he de confesar que este tipo de propuestas me provocan mucha ansiedad, pero creo que de eso se trata la vida, para poder también evolucionar de una forma humana y también profesionalmente”, concluye.

Disfruta de esta propuesta con funciones todos los miércoles, a partir de este 14 de septiembre y hasta el 28 de diciembre, en el recinto ubicado en Tabasco #152, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Todos los jueves, el Teatro Milán ofrece funciones con las Las Meninas Novohispanas, que durante el mes patrio nos presenta un episodio teniendo a Cortés como protagonista,  bajo el título, Cortés Nuestro Primer Villano, comedia que se ha convertido en un referente para el espectador, que invita a conocer de una forma hilarante y poco convencional, los hechos históricos que han marcado nuestro presente.

Este montaje es una de las diversas propuestas que Luis Huitrón y Hugo Serrano han creado para utilizar a personajes de gran relevancia en el pasado para unir a hechos actuales, virales y desafortunados, pero cargados de humor negro, que provocan una catarsis en el espectador.

En esta ocasión, el elenco está integrado por Huitron, Gina GranB, Christian Escorcia, Diego Llamazares, Norma López, Marvin Ortega, Jean Carlo Santamaría y César Baqueiro, quienes utilizan la figura del conquistador, Cortés, para reflexionar sobre la traición que nuestros antepasados hicieron entre ellos mismos y como al día de hoy continuamos realizando algunos actos de deslealtad.

Al respecto, la actriz Gina GranB, comparte: “La primera vez que yo vi Las Meninas, tenía 17 años y fue por una tarea de la preparatoria y me acuerdo que yo venía de Ixtapaluca a verlas. Al principio, estaba con la idea de que iba a ver algo aburrido, sin embargo, me encontré con un espectáculo muy hermoso del cual después me volví fan y entonces la vi 4 veces más”.

“Ahora soy parte de esta historia y no solo un espectador en las butacas, lo cual aún me cuesta creer, y contar los capítulos de la historia de esta manera, es lo que me fascina de esta propuesta, para mí es todo un honor, porque después de ver el montaje con dos actrices diferentes, interpretando a Alma María, el mismo papel que interpreto, además es un reto”, confiesa.

“Hernán Cortés ya se había presentado en otras temporadas, pero este espectáculo viene renovado y es muy especial porque se cumplen los 501 años de la conquista, entonces la gente se encuentra muchas sorpresas”, argumenta.

De acuerdo con la actriz, el espectáculo comenzó únicamente con el personaje de la Tía Cecilia y María Bárbara, después entró Alma Maria y posteriormente el mozo, ahora el montaje cuenta con un cochero, ama de llaves, mayordomo y paje.

“Es un elenco enorme y abordamos la historia con canciones populares de la vida diaria y la verdad es que la gente se divierte y ríe gran parte de la obra. Al principio pueden parecer demasiados personajes, pero durante el desarrollo de la trama, creo que se justifica muy bien su participación”, asegura.

Uno de los grandes aciertos de la obra, son los vistozos vestuarios que podemos ver en escena. En este sentido, la actriz señala: “Los vestuarios son una cosa muy hermosa, porque desde la ropa interior que llevamos puesta abajo, hasta los sofás y el papel tapiz, es una cosa muy bien pensada. La vestuarista se llama Marina Orozco y pienso que es una crac, porque el vestuario que usa Alma Maria está pintado a mano”.

Agrega: “El saber cómo moverte en el espacio utilizando estos vestuarios, también ha representado un reto interesante, porque los vestidos pesan alrededor de 15 y 20 kilos. En los ensayos se necesita correr la obra más de una vez y cuidar la mano y el abanico, entonces sí fue toda una clase de historia y corporalidad”.

Si bien, la obra se centra en pasajes de la historia, los autores siempre saben darle la vuelta al insertar situaciones actuales, que mantienen al espectador mucho más atento. “Los dramaturgos tienen una manera de hacer que la historia sea actual y dinámica, entonces siempre están al pendiente de lo que se está hablando, por lo que la gente puede esperar muchos guiños a los memes, como espectador no sientes que ya ha pasado una hora y media por el juego escénico que proponen”, argumenta.

Para Gina, la manera en que los creadores abordan los hechos más lamentables de nuestro pasado es muy admirable, y confiesa que durante los ensayos, algunas veces el elenco se pregunta, cómo a la gente le pueden dar risa estás desgracias, pero considera que su pluma es muy inteligente y audaz para hacerlo divertido e ideal para cualquier tipo de persona, sin importar la edad.

“Christian Escorcia y Luis Huitrón con su experiencia cuentan con una lectura de la gente, lo que les permite improvisar, pero para mí es como, no, en qué momento, porque ellos viajan, viajan e improvisan y siempre vuelven a conectar en el punto de nuevo, entonces eso es muy interesante de ver y aprender”, expresa.

“Lo que nos han enseñado en la escuela no tiene nada que ver con lo que realmente pasó, entonces siento que es como un Ventaneando cultural, porque nunca esperabas conocer esos detalles, creo que es una obra para poder despejarte de la vida, la gente sale hecha fan y con ganas de ver los siguientes capítulos”, confiesa.

“Siempre pensamos que los conquistadores fueron los manchados, pero nosotros también lo fuimos entre nosotros mismos, conocer estos hechos abre completamente el panorama”, concluye.

Conoce la vida de este “villano” en el Teatro Milán, hasta el 22 de septiembre, y a partir del 6 de octubre y hasta el 6 de noviembre, disfruta de un nuevo capítulo, titulado Las Meninas Sor Juana, consulta más detalles, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Diego Baqueiro

¿Qué hay en el teatro hoy? Esa pregunta que suele hacerse cualquier espectador a fin de enterarse sobre la oferta actual y decidir qué obra ir a ver,bien puede aplicarse a algo más amplio: es revisar nuestra cartelera de teatro para darnos cuenta qué títulos, qué géneros, qué estilos, qué temas predominan en las propuestas escénicas. Es voltear a ver, además de las diversas formas de producción que se ofrecen, las diversas expresiones de la dramaturgia. Al decir ¿qué hay en el teatro hoy? es preguntarse, antes que otra cosa, por la salud de la mera raíz del drama: el texto.

Tras una pandemia en la que las reglas -y muchos asuntos más- cambiaron, el regreso a las salas de teatro ha permitido que se puedan apreciar nuevamente las distintas propuestas dramáticas: quiénes las están haciendo, cómo lo están haciendo, qué les interesa decir. Y la dramaturgia mexicana de este 2022, que lo mismo viene con la marca del nuevo milenio que con el sello de una crisis de salud y seguridad mundial, tiene mucho qué decir sobre eso y más.

En la cartelera reciente han convivido textos de diferentes formas y fondos. Tan solo en los días recientes se han estrenado propuestas tan diversas como Cascada 126 de Gala Gutiérrez, Diane de Itzel Lara, ¡Violencia! de Valeria Loera y Las visiones de José Emilio Hernández, además del texto de Juan José Arreola, La hora de todos.

Éstas se unen a otras obras que también estrenaron en este año, o bien tuvieron un reestreno o lograron por fin continuar su temporada tras la pandemia: La dulzura de David Olguín, El hámster del presidente de Saúl Enríquez, El Sendebar: la cruzada de un fémina ilustrada de Mariana Hartasánchez, Postales de Martín López Brie, Hombruna de Richard Viqueira, No todas viven en Salem de Jimena Eme Vázquez, Robin fly de Alexia Alexander, Un barquito en la pared de Itzel Villalobos, La exequia de Doña Pompa de Alan Escalona, Sangre y madre de Giannina Ferreyro, A la orilla del mar de Wendy Hernández, Solo en el desierto de Vicente Ferrer, FIERCE/Fiera de César Enríquez y Mirna Moguel y Huellas de manglar de Frida Tovar, entre otros ejemplos que revelan un grato revoltijo de inquietudes en los autores contemporáneos y vigentes de distintas generaciones.

Para entender, a grandes rasgos, lo que esos títulos entrañan en cuanto a sus temáticas, géneros, estilos y fusiones, seis jóvenes autores nos cuentan lo que consideran que estos primeros años del nuevo siglo y, sobre todo, estos dos últimos años de encierro e incertidumbre, han dejado en la dramaturgia mexicana.

Para Ingrid Cebada, de Veracruz, “las temáticas de género, tanto perspectiva como violencia de género, han tenido mayor apertura y visibilidad en estos tiempos”.

La ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido 2017 por su obra Cero, que se estrenó en el Teatro La Capilla bajo su propia dirección, comenta: “No sé si sea un aporte como tal, pero el universo de la violencia y el narcotráfico que vive nuestro país ha sido lo que más se ha visto en estos últimos años. Y eso tiene que ver con el momento en el que vivimos como generación.

La directora del colectivo La Maniobra, con sede en Xalapa, agrega: “también se han permitido temáticas sobre las nuevas fronteras del amor, sobre las nuevas posibilidades de amar y de relacionarnos como personas. Si bien este tipo de temáticas se han tocado a lo largo de toda la vida, hay un poco menos de juicio al momento de escribirlos. Las dramaturgas y dramaturgos jóvenes hemos podido expresarnos con mayor libertad porque no tenemos una carga juiciosa hacia nuestras formas de amar y relacionarnos”.

Y remata: “En cuanto a estilos, todos los límites del teatro y la escena que se han extendido y expandido los límites del canon dramático narrativo que siempre se había jugado, han tenido también mayor apertura y relevancia en estos años”.

Marcelo Treviño, quien ha sido dos veces finalista del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo con sus obras La piel helada de los niños y Abejas en la niebla, apunta: “A nivel temático, esta nueva década todavía está por definirse, pero a nivel global estamos viviendo en una constante evolución: con las redes sociales, con la pandemia, nuestra forma de relacionarnos con el otro y con nosotros mismos es cada vez más compleja. Creo que esto podría impactar en la dramaturgia en la búsqueda de intimidad, de focalizarnos en el conflicto interno, en lo que sucede de la piel para adentro, más que hacer obras con un tono más épico o representativo de nuestro momento histórico. Las obras actuales están buscando sacudirse un poco de la representación global y apuestan por personajes más íntimos, más personales, no tanto alegorías de valores universales”.

El dramaturgo regiomontano, de profesión abogado, agrega: “A nivel estilístico, la dramaturgia mexicana se está volviendo más cruda o más directa y está perdiendo la exploración de la palabra. Creo que está buscando un contenedor más ligero y una carga conceptual más fuerte: que los diálogos sean más simples, que contengan más en menos. La exploración de la palabra ya no es una curiosidad tan presente en mi generación, a diferencia de las del siglo XX, cuyo lenguaje era poético y se enfocaba en lo que construía en el mundo platónico, de los sueños y los valores; ahorita todo es más literal”.

Por su parte, el autor yucateco Janil Uc Tun, ganador del Premio Gerardo Mancebo 2022 con su texto La cascarita, celebra que actualmente “hay más dramaturgias que miran a la periferia y a lo que sucede fuera del centro y esto se está haciendo con recursos que podrían parecer que son propios de la narrativa, de la poesía, la crónica y el ensayo”.

Aunque considera que es complicado analizar lo que sucede en la dramaturgia en estos tiempos, cuando su propia escritura forma parte de ese presente, José Emilio Hernández, merecedor del Premio Gerardo Mancebo 2021 por su farsa Las visiones -que recientemente se estrenó bajo la dirección de Boris Schoemann y la producción de la Compañía Nacional de Teatro-, lanza algunas aproximaciones.

“Que tienen que ver con el movimiento feminista, los feminismos que han cimbrado muchas cosas, entre ellas el quehacer dramático en todas sus formas: en la escena, en la gestión y en el escritorio. A quienes nos dedicamos a la escritura de textos dramáticos obviamente nos ha cimbrado y nos ha hecho reflexionar cómo producimos, qué privilegiamos en los textos, cómo los escribimos. No siento que la dramaturgia haya encabezado ese cimbramiento, pero sí se ha integrado a él. Ahora, al momento de escribir nos hacemos preguntas que antes no nos hacíamos acerca de las estructuras patriarcales y eso nos ha llevado a dialogar e integrarnos a las reflexiones de cómo contamos lo que contamos, qué queremos decir con eso que estamos contando. No soy partidario de pensar que la dramaturgia cuenta historias, pero estoy convencido que en la dramaturgia se dice algo”.

El autor de obras como La ciencia de la despedida y Yo también me llamo Hokusai, agrega: “yo me pregunto cada vez más no solo cómo escribimos, sino cómo observamos teatro y esa observación, ese espectar teatro tiene mucho qué ver con la puesta en escena, sí, pero primero tiene que ver con la disposición de la escritura: si yo escribo un texto de una forma y tiene una puesta en página de una forma, eso está estimulando el propio montaje y está haciendo que los espectadores lo vean de una forma distinta. Creo que estamos hartos de que nos cuenten la misma historia y, sobre todo, hartos de que contemos la misma historia entre nosotros; siento que la misma obra se repite diez veces con distinto lenguaje, con distinto elenco: es la misma historia. Necesitamos decir diferente.”

Con la seguridad que le da el ser el director del Festival de la Joven Dramaturgia, uno de los eventos más importantes en nuestro país para la muestra de las nuevas escrituras teatrales, Imanol Martínez, desde Querétaro, afirma: “Si bien el Festival programa apenas un puñado de jóvenes autores me permite darme cuenta, al igual que las convocatorias en las que he sido jurado, de que las temáticas han ido cambiando, que había una urgencia en cómo se colaba la realidad en los textos; recuerdo las obras que abordaba la situación violenta del país y, al mismo tiempo, me daba cuenta de los procesos detrás de esos textos: son obras no solamente de dramaturgos sino también de directores, actores y gente de teatro que entra en la dramaturgia”.

El dos veces ganador del Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera, ubica a dos dramaturgos fundamentales que permitieron esos cambios: Gerardo Mancebo del Castillo Trejo y, sobre todo, Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio: “Él hizo un replanteamiento del drama en función de su posibilidad narrativa, lo cual revelaba una manera de hacer teatro que tiene ya 2500, pues desde el pasado existe una disposición para narrar en escena”.

Para concluir estos testimonios, la autora de Me sale bien estar triste y No todas viven en Salem, Jimena Eme Vázquez, quien además de autora y directora ejerció durante algunos años el ejercicio de la crítica -y, por qué no decirlo, de la sátira a la misma-, es contundente al declarar sobre los aportes de y para la dramaturgia en estos tiempos en donde aún hay riesgos de salud y seguridad.

“Es difícil decir. La pandemia me ha tenido estos dos años como entre nubes y creo que perdí la certeza del tiempo. Quizá eso también le pasó a la dramaturgia, pero es mera suposición: perder el tiempo. Lo del zoom fue interesante, pero no sé decir si nos aportó algo o solo fue la pared que nos hizo rebotar en otra parte”.

Lo que es cierto es que la dramaturgia mexicana de la actualidad, entre innovaciones, transgresiones, renovaciones y convencionalismos, está lista para celebrar las fiestas patrias pues tiene mucho que decir o, más bien, afortunadamente para los espectadores, bastante qué gritar.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Marisa Garduño y Luis Quiroz 

En el siguiente listado encontrarás las obras más buscadas por nuestros lectores durante la mitad de septiembre, donde aparecen nuevas obras, otras se mantienen y a otras les quedan pocas semanas para concluir su temporada, sin duda, es una gran mezcla que da cuenta de la amplia oferta que hoy en día podemos encontrar en la cartelera capitalina.

Son ustedes, el público, quien hace esta selección, por lo que te invitamos a checar estas propuestas que te invitan a visitar cualquiera de los más de 160 recintos con los que cuenta la CDMX y disfrutar del mes patrio en el teatro.

10. Network. Tras una pausa por la salida de Giménez Cacho, la producción se renovó presentar un nuevo elenco encabezado por Jorge Salinas y Ximena Rubio, quienes son los nuevos encargados de contar esta desafiante historia sobre los medios y el rating en el Teatro de los Insurgentes.

9. Dos Más Dos. Una divertida comedia que se adentra en la vida de las parejas swinger, y aunque ha cambiado su elenco, no ha perdido el toque que ha conquistado el corazón del público mexicano, que acude cada noche al Teatro Royal Pedregal.

8. Te amo, eres perfect@…ahora cambia. Con una llamativa escenografía, cambios de vestuario e iluminación, esta comedia musical, plantea las distintas etapas de las relaciones de pareja, acompañado por pegajosas melodías que resuenan en el Teatro Hidalgo.

7. Los guajolotes salvajes. Esta propuesta hecha al puro estilo de una sitcom, está llena de situaciones cómicas y absurdas, llevando al límite a sus personajes que son representados por un gran elenco que logra cumplir con su cometido cada noche en el Teatro López Tarso.

6. Indecente. Este propuesta que hace un homenaje al teatro, nos adentra en una historia emotiva, amorosa y al mismo tiempo, abrumadora, al desarrollarse en un momento que cambió a la humanidad, tanto el elenco como los músicos en vivo logran atrapar la atención de todo aquel que acude al Teatro Helénico.

5. Aladdín. Gracias a su gran despliegue de efectos especiales, iluminación, su majestuosa escenografía y por supuesto, su espectacular vestuario este musical familiar logra cautivar a chicos y grandes que esperan ver volar la alfombra en cada función en el Teatro Telcel.

4. Busco al hombre de mi vida, marido ya tuve. Con una nueva producción y elenco esta irreverente comedia, narra las visicitudes de tres mujeres que pasaron por una separación amorosa. Si bien, está enfocada en el público femenino, no hay alma que no se sienta identificada con los personajes que suben al escenario del Teatro Xola Julio Prieto.

3. Mentiras, el musical. Ahora toca el turno a uno de los musicales favoritos e icónicos del teatro mexicano, por su comicidad, aunado a su nuevo diseño de vestuario, iluminación y escenografía, que ha dejado boquiabierto a más de uno, con la historia ambientada en la década de los 80, albergada en el también remodelado Teatro Aldama.

2. Siete veces adiós. Un subidón de emociones te esperan en este musical que nos muestra las distintas etapas de las relaciones amorosas, acompañado por una banda y cantantes en vivo, que se ha ganado a la audiencia por su originalidad y frescura mostrada en escena que nos espera cada noche en el Teatro Ramiro Jiménez.

1. Lagunilla, mi barrio. Esta adaptación ha causado un gran revuelo desde su anuncio, y no es para menos, ya que la cinta se volvió un clásico en nuestro país, sin embargo, gracias al carisma de los actores y actrices, el público no ha dudo en ser partícipe de esta historia que se presenta en el Centro Cultural Teatro 2.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Desde el pasado 16 de septiembre y hasta el 18 de noviembre, el Foro Shakespeare ofrece funciones de Amor al cubo, comedia escrita, dirigida e interpretada por Alejandra Martin, en compañía de Julio Bracho y Valentina Penagos.

En escena conoceremos a Iris (Penagos), Gael (Bracho) y Hanna (Martín), quienes mantienen una relación poliamorosa aparentemente funcional. Sin embargo, un mes después de la muerte de su hermano, Gael es incapaz de entrar a la misa donde está su familia recordando la memoria del difunto. Por su parte,  Iris y Hanna encuentran a Gael en el jardín de la iglesia, aferrado a una caja misteriosa que su hermano dejó.

Respecto a su participación en la obra, Julio Bracho comparte: “La última obra que hice fue una que dirigió Enrique Singer con Héctor Bonilla y Bruno Bichir, yo quería algo padre para regresar y justamente este texto habla de temas actuales e importantes, de una manera franca y divertida”, afirma.

Sobre la historia, el actor apunta:“Es una comedia de humor ácido, donde descubres a Gael, que es mi personaje, quien tiene una relación poliamorosa y trae consigo una caja que recibió posterior a la muerte de su hermano, esa caja tiene secretos de estos tres personajes, los cuales se van revelando durante la obra, donde vas viendo el caos, las consecuencias y el desamor, pero de una manera muy divertida y ácida”.

Agrega: “Es una puesta totalmente minimalista, se desarrolla en el jardín, frente a una iglesia, porque los personajes asistieron a la misa de un mes de la muerte del hermano y en el parque convergen junto con sus soledades, deseos y su pasado compartido”.

Al ser cuestionado sobre la pertinencia de vivir una relación poliamorosa hoy en día, el intérprete asegura que si vivir con una persona, ya es bastante complicado, el hacerlo con dos o más sería algo inimaginable para él.

“Yo creo que cada quien, como humanos, tenemos muchas visiones de la vida, así que hay personas que sí pueden manejar una relación de este tipo. Sin embargo, yo no podría, pienso que es demasiada la complejidad lo que engloba las relaciones de pareja”, pero la manera en que el texto aborda el tema a través de lo absurdo, es hilarante, argumenta.

“El humor negro es un género que disfruto mucho, es el que más me gusta, no se hace mucho en México y eso me duele un poco, porque no puedo hacer más de este tipo de proyectos en teatro, estamos como muy definidos a cierto tipo de comedia, pero las comedias de situación y ácidas son garbanzos de a libra, por eso cuando la leí y después al entrevistarme con la directora, dije venga”, confiesa.

Y añade: “En esta obra, la directora también es la actriz, hecho que se complica porque de pronto en escena estas con tres personas, por un lado, ella es tu compañera actriz y por otro es la directora, eso ha sido muy interesante, sumamente rico y muy íntimo. 

De acuerdo con el actor, el Foro Shakespeare tiene su público y espera que las personas que disfrutan su trabajo, acudan a este espacio y celebren las vicisitudes que se viven hoy en día en temas del corazón, a través de la catarsis que provoca la risa.

“Es un texto ideal para este tipo de foro porque no son tantas butacas y la obra se desarrolla también dentro de un escenario íntimo. Aquí no hay grandes escenografías,  los actores tienen que sostener la historia por medio de su interpretación”, aclara.

Finalmente, Bracho expresa: “Pienso que Alejandra es muy talentosa y que tiene una visión superclara de lo que quiere decir con este trabajo y nada mejor que sea por medio de un humor sofisticado y en verdad muy negro, que es muy necesario para reírnos de nosotros mismos, aquí es como venir a terapia o yo así lo veo, porque con la risa llevas la vida de mucho mejor”, concluye.

Amor al cubo se presenta todos los viernes, en el recinto ubicado en Zamora 7, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción y FB/juliobrachocastillo

Este lunes 19 de septiembre tienes una nueva oportunidad de ver The sound of silence, el espectáculo creado por Alondra de la Parra y Gabriela Muñoz “Chula the clown” que ha llegado para conquistar y deleitar la pupila de todo aquel que asiste.

El show que tuvo su estreno en el Festival Paax en la Riviera Maya, se ha presentado en diversos escenarios de nuestro país, con el fin de acercar el arte de ambas mujeres a chicos y grandes.

Aquí te contamos 3 razones por las cuales no puedes perderte este show:

1. Poder femenino. Por primera vez la música y el clown se unen en un impresionante espectáculo que nos invita a sumergirnos en un mundo onírico aderezado con música clásica, bajo la batuta de dos grandes mujeres: la directora de orquesta, Alondra de la Parra y la clown, Gabriela Muñoz, quienes sin proponérselo, integraron un equipo creativo, compuesto en su mayoría por mujeres. Se trata de un show que nació hace muchos años y por fin vio la luz, y en este año todos los mexicanos podremos ser partícipes de su creación.

2. Arte y multimedia. Este espectáculo no sólo conjuga la música y el clown, sus creadoras fueron más allá al fusionar el video y el mapping, con la música en vivo. En escena podemos ver cómo los movimientos del clown se compaginan con el lenguaje musical que, a su vez, van de la mano con el multimedia que vemos de fondo.

3. La música. De la Parra hizo una selección sensacional de música clásica que forma parte de la narración, en donde escucharemos desde las icónicas creaciones de Debussy, Stravinsky hasta Ibarra. Cada melodía nos hace transitar por diversas sensaciones que nos conducen por el día, la noche, la profundidad del mar y la grandeza del cielo.

The sound of silence se presenta este lunes a las 21:00 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.Los boletos van desde los $1,750 a los $300 pesos.

Por Itaí Cruz, Fotos: Oscar Turco

A partir del 23 de septiembre llega  Casa de mascotas, comedia escrita por Micah Shraft, bajo la dirección de Antonio Castro, con un elenco integrado por Alejandro Calva, Mónica Huarte, Ximena Ayala y Tizoc Arroyo con funciones de viernes a domingo en el Foro Lucerna del Teatro Milán.

En esta historia conoceremos a Aaron, Eva, Nicole y Bill, dos parejas que viven en el mismo vecindario y quienes tienen en común una fijación obsesiva con sus mascotas, un Rottweiler y un pequeño Poodle. El caos al interior de estos personajes comienza cuando el perro de Aaron, asesina al pequeño lomo de Nicole, hecho trágico que quizá sea mejor mantener en secreto.

Durante la presentación a medios, Castro expresó: “Lo original de esta propuesta es que vamos descubriendo como es la existencia de estas personas a través de sus perros, animales que se han convertido en su epicentro emocional”.

Por su parte, la actriz Mónica Huarte comentó: “Mi personaje es una mujer muy pragmática, muy fuerte en todos los sentidos, es la que pone las riendas en la relación y justo ahí está el reto, porque nunca me dan este tipo de personajes, entonces estoy muy feliz”.

En este sentido, para el director es interesante que la pareja que interpreta la actriz, junto con Alejandro Calva, haga una inversión de los roles convencionales, ya que en este caso, la proveedora es ella y quien lleva la casa es él.

Por lo que Calva señaló: “Me gusta este juego que plantea el autor, como una pareja se puede construir de distintas maneras y las relaciones de poder no siempre son convencionales, las familias tienen muchas variantes de patriarcados y matriarcados y eso es una lectura muy interesante que el dramaturgo hace de nuestra realidad”.

Además, para el actor resulta profundamente interesante el poder reflexionar sobre cuánta compasión podemos sentir como seres humanos hacia los animales, dejando de lado la empatía entre nosotros mismos.

Mientras que, la actriz Ximena Ayala confesó que ha tenido experiencias gratas y otras no tanto con los perros, pero desde su perspectiva, los animales pueden enseñarnos, a través de su empatía, cómo ser mejores entre nosotros.

Sobre su personaje, señaló que se trata de una mujer que comparte el deseo de ser madre junto con su esposo. Sin embargo, no lo han podido concretar, por lo que su mascota se convierte en el receptor ideal, de todos sus cuidados y desahogos emocionales.

“Yo soy la dulce y encantadora esposa de Bill, para mí los perros sí pueden enseñarnos a ser mejores entre nosotros, yo amo a los perros, tengo una historia interesante y trágica con varios a lo largo de mi vida y en el caso de mi personaje, con sus deseos frustrados de ser madre y con la desaparición de su perro, siente una profunda desesperación”, compartió.

Finalmente, Tizoc Arroyo, quien en la historia personifica a un hombre con educación militar, que busca generar con su perro, una relación de este tipo, expresó: “Estamos en esta aventura felices, ha sido un proceso muy gozoso, ha sido muy placentero y después de la pandemia, como actores, el poder regresar a escena es un privilegio”, concluyó.

No te pierdas esta historia con funciones de viernes a domingo en el recinto ubicado en Lucerna 64, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La hora de todos es una propuesta experimental que llegó al Nuevo Teatro Libanés para ofrecer una historia distinta, donde conoceremos la relación entre Harras, un cyborg 1Z4K y el magnate Harrison Fish, a través de un programa de televisión.

En esta obra también encontrarás una experiencia inmersiva, atípica en el teatro, donde los sentidos son estimulados a través de variaciones rítmicas en el sonido, así como con un juego de luces que plantean un futuro tecnológico.

Si aún no la has visto, acá te cuento 5 datos curiosos sobre ella:

1. Fue la primera obra en recibir el premio de narraturgia del INBA. Esta historia escrita por el escritor, actor y editor mexicano Juan José Arreola Zúñiga en 1954, fue reconocida por la institución en 1955, marcando un precedente para los dramaturgos emergentes del país.

2.La inspiración de la premisa. Cabe destacar que Arreola disfrutaba de los universos donde la tecnología fuera preponderante, al grado de, quizá, una posible sumisión ante ella. Además en esa época estaban de moda los programas de concurso, como La hora del aficionado, referentes que el autor utilizó de inspiración para esta historia.

3. La crítica hacia un sistema. En este sentido, la obra ofrece un recorrido por la primera mitad del siglo XXI en los Estados Unidos, un país que durante esos años, e incluso al día de hoy, se destaca por ser profundamente racista y violento contra las minorías. Sin embargo, se trata de una historia universal que nos incomoda a todos.

4. El robot. Esta es la primera vez que una inteligencia artificial interpreta a un personaje en escena, el 1Z4K ya se había presentado como bailarín en el Centro Cultural España y en la UNAM, lugar en donde Víctor Weinstock, director del montaje, lo conoció por primera vez.

5. El proceso de ensayos. Para lograr que esta entidad fuera autónoma y que no estuviera simplemente programada, el director tuvo que tomar un seminario de 4 meses que le diera las herramientas para comprender el funcionamiento del cyborg y saber qué esperar y qué no.

Esta propuesta se presenta con funciones de viernes a domingo, en el recinto ubicado en Barranca del Muerto, esq. Minerva y 2 de abril, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La noche de ayer se llevó a cabo la presentación a medios de Lagunilla, mi barrio, la adaptación para teatro de la película mexicana de 1980 de Raúl Araiza, que fuera protagonizada por Manolo Fábregas y Lucha Villa.

En esta ocasión, la historia es llevada a escena con la dirección y adaptación de Ariel Miramontes y Daniel Chávez, con un elenco integrado por Laura León “Tesorito”, Ariel Miramontes “Albertano”, Maribel Guardia, Freddy y German Ortega “Los Mascabrothers”, Daniel Bisogno, Lisardo, Violeta Isfel y Alma Cero.

La comedia muestra el caótico, colorido y peligroso barrio de la Ciudad de México, en donde don Abel, un elegante y refinado hombre, tiene la intención de poner un negocio y generar ingresos. Sin embargo, durante el camino se encontrará con diversos personajes que le dejarán claro que las apariencias engañan y que, incluso en los lugares menos esperados, se puede encontrar el amor.

Al término de la función, Claudio Carrera, el productor asociado de la puesta, expresó: “Quiero agradecer el poder hacer posible que esta obra suceda después de 20 años de tratar de que tomara forma, proceso que cobró vida durante la pandemia, ¡y qué vida tomó!”.

Y agregó: “Ariel y Daniel, lograron reinventar la película original y volverla una comedia musical, convertida en fiesta. Hoy celebramos a Manolo Fábregas, a Lucha Villa y a Héctor Suaréz y miren con qué talento, con qué reparto”.

Como madrina invitada, estuvo presente Margarita “La Diosa de la Cumbia”, quien emocionada aseguró que esta propuesta le había recordado algunos de sus mejores años sobre los escenarios de barrios como La Lagunilla.

“Yo quiero un novio como Albertano, porque ya no existen los hombres así, esto es una belleza, la verdad que es una obra muy linda, me remontó a esos años cuando yo empecé con La Sonora Dinamita y venía a La Lagunilla a tocar esas canciones que son inolvidables”, compartió.

Algunas de las personalidades que se dieron cita en el Centro Cultural Teatro 2, fueron: Faisy, Sergio Basañez, Alejandra Barros, Sergio Lozano, el productor Juan Torres, Óscar Carapia, Jimena Cornejo y María Elisa Gallegos, por mencionar algunos.

Lagunilla, mi barrio, ofrece funciones de viernes a domingo, en el recinto ubicado en Av. Cuauhtémoc 119 altos, esq. Puebla, Col. Roma, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Si te gustan las historias fuertes, actuales, de esas que logran remover las entrañas, no te puedes perder, Jauría, montaje documental basado en el conocido juicio de “La Manada”, ocurrido en España, hecho que marcó un antes y un después en la legislación.

Esta propuesta llegó a nuestro país de la mano por un equipo conformado en su mayoría por mujeres, situación que le agrega un plus al cuidado y manejo de la historia, dirigida por Angélica Rogel y producida por Óscar Carnicero.

Desde su estreno, la propuesta ha logrado atraer al público, si aún no la has visto, aquí te damos 3 razones para ver esta obra que se presenta todos los lunes en el Foro Lucerna:

1. Basada en hechos reales. La obra nos habla del abuso sexual, una situación que siempre ha existido, que el sistema legal y la sociedad siempre han minimizado, debido a las creencias heteropatriarcales con las que todos hemos crecido. De forma sutil y coreográfica, el montaje nos lleva por los momentos más dolorosos y fuertes que sufre una joven de 18 años, durante una celebración masiva, cuando es atacada sexualmente por 5 hombres y tras hacer la denuncia, es revictimizada de la forma más atroz por los magistrados, tal como ocurre en cualquier parte del mundo, hecho que la vuelve más cercana al espectador.

2. La dirección. Rogel se ha caracterizado por llevar a escena distintas propuestas que buscan incentivar la reflexión en el espectador y esta no es la excepción. El relato no tiene ningún elemento teatral agregado, lo que vemos son las declaraciones reales dramatizadas de todos los involucrados, es ahí donde la dirección juega un papel fundamental, desde cómo se manejan los actores en el escenario, las pausas, así como el uso de los mínimos recursos escénicos que logran un gran resultado al captar nuestra atención desde el inicio de la trama.

3. Las actuaciones. Eduardo Tanús, Antonio Peña, Daniel Bretón, Roberto Beck, Rodrigo Virago y David Calderón León representan a dos grupos en escena, a los jóvenes sevillanos (los atacantes) y a los abogados, quienes interrogan a la denunciante durante el juicio, desde su aparición en escena es inevitable sentir un desborde de testosterona que logra incomodar e intimidar, mostrando las típicas conductas entre un grupo de “machos dominantes”. Por su parte, Ana Sofía Gatica, quien es la única mujer en el escenario, interpreta de forma contundente a los dos personajes femeninos de toda la puesta: la joven violentada y la fiscal que la defiende, sin sobreactuar, ella consigue meternos en la piel de ambas mujeres.

Sin duda es una obra que pone el dedo en la llaga sobre un tema tan recurrente, no sólo en nuestro país, sino a nivel mundial y que no debería de ocurrir, no obstante consigue sembrar un momento de esperanza, al mostrar que por muy difícil que sea el camino, nunca se deben acallar las voces de las sobrevivientes.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Si lo tuyo son las propuestas experimentales, el Teatro Helénico tiene algo que te encantará, se trata de FIERCE/Fiera, un drama contemporáneo que entrelaza lo documental, lo ficcional, la danza y el arte del voguing para brindar una perspectiva sin estigmas de lo que es vivir con VIH +.

Este espectáculo es escrito, dirigido e interpretado por César Enríquez y Myrna Moguel, acompañados por “Bonita” Emilio Bastré y Omar Lozano sobre el escenario, quienes ofrecen funciones todos los lunes, hasta el 12 de diciembre.

Si aún no has sido testigo de esta premisa, a continuación te cuento 3 razones para hacerlo.

1. La estética voguing. Una virtud de esta propuesta es la atmósfera que recrea sobre la escena independiente de los puntos de encuentro para practicar voguing, estilo de baile contracultural que tomó fuerza en los años 80 en Nueva York por las comunidades queer, gay, trans, negras y latinas, cuyo objetivo era derribar paradigmas, a través de las emblemáticas poses de las modelos que aparecían en la revista Vogue, como crítica a los cánones de belleza occidental, así como los moldes patriarcales, racistas y heterosexuales.
2. La ambientación. En esta ocasión, el escenario del Teatro Helénico se transforma en una pasarela con el público sentado a los costados, ahí veremos desfilar y bailar a los actores, acompañados con luces neón, humo y música electrónica, además, las butacas también son utilizadas como escenografía, donde los intérpretes basan su actuación en la expresión de sus movimientos.
3. La pertinencia. Como ya te contaba, FIERCE/Fiera es un combate contra el odio y las ideas sin fundamento argumentativo, derivadas de la desinformación y la indiferencia, por lo que aquí conocerás algunas de las problemáticas actuales que enfrenta la comunidad VIH positiva, a través de una mujer seropositiva, un bailarín, una drag queen y un adolescente inmerso en las redes sociales como protagonistas.

Ahora conoces algunas razones para lanzarte al Helénico y disfrutar de una propuesta distinta en escena, con funciones los lunes, hasta el 12 de diciembre, para más info, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La actriz Beatriz Moreno celebra 50 años de carrera con La Sombra, drama escrito por Salvador Ignacio, bajo la dirección de Gabriela Lozano y José Montini como compañero de escena, con funciones todos los lunes, a partir del 26 de septiembre y hasta el 17 de octubre en el Teatro de la República.  

Con este montaje, la intérprete asegura que su amor por su profesión creció significativamente después de la pandemia por Covid, lapso en el que lidio con ideas pesimistas, derivadas de un quiebre emocional que no le permitían encontrar la salida, aunado a las secuelas que el virus dejó en ella.

Después de esta experiencia pandémica, ¿cómo vives tu regreso a los escenarios?
Ahora lo vivo con mucho gozo, porque fue tan terrible, son 50 años que me apuntalan, pero cuando llegó la pandemia, de pronto sientes que todo lo que ya hiciste, aunque lo hayas aprendido bien, aunque tengas las herramientas, la pandemia nos enseñó que no, porque a todos nos desmoronó de alguna manera. Entonces te quedas en medio de las cenizas y te preguntas, qué sigue, qué hago, y cuando desgraciadamente, el virus te alcanza, sales no del todo bien, yo por ejemplo siento que mi memoria se vio afectada.

En este sentido, ¿cómo has experimentado este resurgir?
Da mucho miedo y da temor, pero afortunadamente después de dos años, viene el resurgimiento y como intérpretes poder decir, “¡sí nos podemos volver a subir al escenario!, sí puedo volver a hacer el ejercicio de aprenderme una obra y recordar cómo se mueve todo esto”. Fue un proceso largo, difícil y doloroso, pero hoy aquí estamos, con una nueva obra de teatro que se suma a otra que recién estrene, en fin, me siento muy feliz de poder estarlo haciendo y con ello, celebrar mis 50 años de trayectoria, a lado de José Montini, que es un compañero maravilloso y somos grandes amigos desde hace tiempo.

¿Cómo te sientes ahora, con esta historia en tus manos?
Me siento muy contenta, muy feliz, muy plena. Cuando recibí el libreto de parte de Miguel Alonso, el productor, y empecé a leerlo, no pude dejarlo hasta terminar. Tuve que leer de un jalón, y eran las dos de la mañana, entonces yo ya estaba toda bizca en la mañana, pero quería seguir, eso es algo maravilloso que tiene la obra, que está contando una cosa, pero de repente tiene unas vueltas de tuerca que te lleva a otro lugar.

¿Qué se va a encontrar la gente en esta propuesta?
El público va a ver atmósferas maravillosas al interior de la casa de la escritora, que es mi personaje, y lo que yo he visto en cuanto a la escenografía e iluminación, junto con la música, hacen que el texto adquiera fuerza y fluya, creando imágenes muy hermosas y terribles, verán un lugar que te cuenta cosas, de forma velada y misteriosa, es una experiencia que te invita a imaginar.

¿Cómo ha sido la dinámica al interior de este equipo de trabajo?
El equipo que se formó es muy lindo, José, Miguel Alonso, hasta mi hermana está apoyándonos también, en fin, se siente una linda armonía, así que lo único que espero, es que esa obra, también vaya llevando al público a conocer todas esas imágenes y sensaciones que se van generando por medio de este encuentro y desencuentro a cargo de estos personajes, porque nosotros estamos disfrutando mucho el proceso.

Después de tantos años de trabajo, te has convertido en un referente en los espectáculos mexicanos. Sin embargo, ¿Qué te falta por hacer?
Una villana, pero una que pueda existir en la vida real, como por ejemplo disfruto mucho el trabajo que hace Kathy Bates en Misery, esa onda me fascinaría, perversa, por ese tipo de cuestiones o por otras, pero un personaje consistente y retador, eso y un poco más de cine, porque me encanta, yo empecé la carrera de actriz, justo por eso, pero aún creo que me llegará el momento.

¿Consideras que la edad es un obstáculo en esta profesión?
Una de las maravillas que te da esta carrera es que la edad no te limita, porque un personaje puede ser sumamente interesante a los 80 años. Yo si cumplo 100 años y puedo continuar trabajando, lo seguiría haciendo, porque implica que estoy lúcida, que soy autosuficiente o que estoy simplemente viva.

Esta propuesta se presentará todos los lunes en el recinto ubicado en Antonio Caso 48, hasta el 17 de octubre, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB de Beatriz Moreno

A partir de 7 de octubre y hasta el 18 de diciembre, podrás disfrutar del regreso de La hora radio Roma 2, comedia escrita y dirigida por Camilla Brett y Artús Chávez, con parte del elenco original, integrado por Johanna Murillo, Hamlet Ramírez, Ana Gonzáles Bello, Nohemi Espinosa, José Ramón Berganza, y Miguel Santa Rita.

En esta ocasión, se suma al elenco Majo Pérez, José Carlos Illanes y Christopher Aguilasocho, quienes alternarán funciones con el primer elenco, dando vida a diversos personajes y realizando múltiples efectos sonoros, durante la grabación de una radionovela completamente en vivo.

Durante cada función habrá un invitado diferente, mismos que que no sabrán los retos, ni los personajes que les tocará representar en escena. Para esta temporada, la producción ha invitado a cerca de 30 personalidades, entre las que se encuentran: Claudia Álvarez, Michelle Rodríguez, José Luís Rodriguez “El Guana”, Regina Blandón y Martín Altomaro, por mencionar algunos.

En conferencia de prensa, Camilla Brett expresó: “Estamos muy contentos por volver con esta puesta que hicimos hace 7 años, nos entusiasma mucho porque es una comedia muy divertida“.

Por su parte, Artús Chávez señaló: “Radio Roma 2 es una invitación a imaginar que estamos en los años 40, en la época dorada de la radio en México, cuando en los estudios magnánimos del centro se presentaban las grandes estrellas de las radionovelas y los cantantes en vivo, en fin, era una época de glamour y elegancia“.

Agregó: “En escena verán a los actores que se preparan para grabar una radionovela en vivo, el público que está en la sala se sentirá al interior de este estudio de grabación, donde hay mucha comedia de pormedio, a partir de los errores y diversas situaciones que tendrán que sortear para salvar la función”.

Para la actriz Johanna Murillo, este es un proyecto que tiene talento desbordado, porque hay personas que no solamente actúan, sino cantan, hacen malabares, trucos de magia y dicen palabrerías. “Es un equipo que crea esta magia a partir de la colaboración, fue un texto que salió de nuestras improvisaciones, de nuestros talleres hace muchos años, donde todos pusimos un granito de arena, entonces estoy feliz de participar en mi segundo reencuentro del año“, señaló.

Mientras que, Hamlet Ramírez confesó que es una fortuna que los proyectos puedan tener larga vida, ya que aseguró, el salir de una pandemia y ver que el chat nuevamente se reactiva, para él es una gran noticia. “Saber que el equipo de inicio se podía juntar, y ver a los elementos que se acaban de integrar, me hizo creer que era el indicio de una gran oportunidad” aseguró.

Añade: “La ventaja en esta ocasión, es que la gente podrá no nada mas elegir al actor invitado de su preferencia, sino que va a haber una alternancia dentro del montaje, así que vengan a ver esta historia las veces que sean necesarias para pasarla increíble”.

Finalmente, Majo Pérez, una de las actrices que se suma al proyecto, comentó: “Toda la información que ellos tuvieron en las primeras temporadas nos la han pasado, hemos aprendido a usar algunos instrumentos que ellos usaban antes y los nuevos que habrá esta temporada, en fin, es un proceso que estoy disfrutando muchísimo“.

La hora Radio Roma 2 levantará el telón este 7 de octubre en el Teatro Helénico con funciones de viernes a domingo, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

“Tiempos mejores / tiempos peores viví / y estoy aquí. Champagne a veces / otras cervza y anís / y estoy aquí“. Cuando en 1971 Stephen Sondheim buscaba una canción para que Yvonne de Carlo la interpretara en el musical Follies y decidió componer una pieza basada en las vivencias de la actriz, no imaginó que “I’m still here” se convertiría en un himno de vida, resistencia y supervivencia para artistas como la propia de Carlo, la formidable Elaine Stritch y, en nuestra lengua, para Nacha Guevara, la actriz, cantante y bailarina argentina cuyo nombre es, hasta nuestros días, sinónimo de cabaret latinoamericano. Por eso, cuando el espectáculo ¿La ópera… o la Nacha? da comienzo y lo primero que resuenan son los acordes y versos de esa canción, uno sabe que no hay voz más autorizada para darles vida y verdad que la de Tito Vasconcelos.

Es viernes por la noche y, aunque la mitad de la ciudad está colapsada por una lluvia severa, en el nuevo Teatro Varsovia, en la Zona Rosa, ya hay suficientes espectadores dispuestos a disfrutar de la noche junto a Vasconcelos, el actor, director y empresario que desde hace varios años es la figura paterna del cabaret mexicano, género y espacio desde el cual Tito ha criticado, a través de la sátira, al mundo político, religioso y cultural que nos rige. Y, sobre todo, ha luchado por la defensa de los derechos, libertades y placeres de la comunidad LGBTQ+, “la comunidad sopa de letras“, dice él.

En este espectáculo, que ha elegido para retirarse de los escenarios cabareteros, la sátira persiste, pero cede ante la nostalgia: Tito ha decidido hacer un homenaje a la década de los setentas, la época que, en sus propias palabras, “fueron mis años de esplendor“, pues además de descubrir su vocación cabaretera, trabó relaciones personales y profesionales que en los años siguientes le traerían proyectos espléndidos, además de vivir a plenitud la vida en las calles una Zona Rosa muy diferente a la de ahora.

“La década de los setenta fue mi consolidación como artista, entendí qué era lo que quería hacer, aprendí a hacerlo y lo hago desde entonces, mi compromiso social con el grupo al que pertenezco: mi militancia como miembro de la ‘comunidad sopa de letras’, como ente político. En 1978 fue la primera vez que un grupo de homosexuales salimos a la calle y en el 79 fue la primera Marcha del Orgullo Gay y ahí anduve”, evoca en una entrevista previa a la función, aunque varias de las cosas que nos confiesa, las relata más tarde a su público.

Para hablar de todo eso, Tito se centra en dos de sus puntos altos de esa década: conocer el trabajo de Nacha Guevara, quien vino a México huyendo de la censura y persecución de la dictadura argentina, y participar en el mítico montaje de La ópera de los tres centavos, la obra de Kurt Weill y Bertolt Brecht fundamental para entender el teatro cabaret, cuya puesta en escena a cargo de Martha Luna tuvo como valor agregado el ser la primera realizada en el marco del nuevo Sindicato de Actores Independientes -que, liderado por Enrique Lizalde, se creó en oposición a la Asociación Nacional de Actores-.

Así, Tito va presentando una selección de canciones de ésta obra, al tiempo que va contando anécdotas sobre aquellos años, sobre la vida artística y nocturna de entonces. Evoca a sus compañeros de reparto: Enrique Alonso ‘Cachirulo’, Martha Ofelia Galindo -cuya espléndida salud durante la temporada impidió que Tito, quien era su suplente, encarnara a la Sra. Peachum-, Rosenda Monteros -a quien un día descubrió comiendo chiles jalapeños para calentar la voz-, Blanca Sánchez y Gonzalo Vega. “Había leído algunas cosas de Brecht para cabaret y me parecía un teatro bien hecho, pero muy forzado, no era lo que en ese momento yo necesitaba, pero La ópera de los tres centavos me encanta, mientras más la estudié, más me gustó”.

Mientras interpreta canciones de casi un siglo de vida como “Jenny, la pirata”, “La canción de Bárbara”, “La balada de la dependencia sexual”, “La canción de la inutilidad del esfuerzo humano” y “La canción de Salomón”, lanza mordaces comentarios sobre lo que pasa hoy en día en el mundo y en el país, aunque se detiene en un asunto que le importa y mucho: el sexo. “Aprovecho para conversar con el público sobre temas que siguen siendo tabú, como si el sexo fuera vergonzoso. Ya Brecht ponía a cantar a sus personajes hablando sobre la tiranía del sexo, cómo nos movemos a través del instinto sexual y cómo la sexualidad se vuelve predomintante en nuestra vida cotidiana”.

Aunque la obra de Weill y Brecht la hizo a finales de los años setenta, fue escrita en 1928, justo el año en que debutaba Agustín Lara. “Es una época en la que se hacían canciones para las putas: ellas estaban integradas a la sociedad de una manera que no era sorpresiva. Lo malo del trabajo sexual es cuando te obligan a hacerlo y no cuando las personas ejercen el derecho a su cuerpo, pero me entero que nuestro cuerpo le pertenece al estado: a los hombres nos obligaron al servicio militar y a las mujeres a permanecer vírgenes”. Tito hace una pausa de Weill y aprovecha para cantar a Lara, en plena imitación de La Doña María Félix: “yo sé que es imposible que me quieras / que mi amor para tí fue pasajero / y que cambias tus besos por dinero…”.

Años antes de actuar en La ópera, Tito conoció a La Nacha: “Yo conocía algunas grabaciones de ella, pero fue la primera vez que la vi. Trabajó en el Teatro Reforma y fue algo accidental o coincidental: yo iba pasando y alguien en la puerta estaba jalando gente para que entrara a verla, porque nadie la conocía en México. Encontrarla y verla en escena fue una cosa muy reveladora: yo ya había descubierto el cabaret, había comenzado a hacer espectáculos de cabaret en el Café Colón con Los Modernos, que éramos Rodolfo Rodríguez, Daniel Martín, René Campero, Dolores Solana y yo. Y al ver en Nacha que una sola persona, con un cómplice musical, llena el escenario con un discurso potente, dije: eso es lo que yo quiero y puedo hacer. Y lo hice”.

Mientras Guevara interpretó a Eva Duarte de Perón lo mismo en el musical argentino Eva que en el célebre musical de Andrew Lloyd Webber, Evita, Tito interpretó a la emblemática mujer en la obra Eva Perón de Copi, en traducción de Luis Zapata y bajo la dirección de Carlos Téllez. Para evocar todo esto, interpreta “No llores por mí, Argentina“.

De ahí, aprovecha la canción francesa “Mi hombre” para saludar no solo a Nacha, sino a Sarita Montiel, quien cantaba la pieza con lujo de afectación tal, que por supuesto influyó en Vasconcelos: “Sarita Montiel es la mujer más maricona que ha existido sobre la faz de la Tierra”. Tras cantarla, pregunta a las mujeres del público si aún siguen pensando que si un hombre les pega es porque las ama. Hay risas incómodas, algunos gritos de ¡No!, pero sobre todo hay un silencio que confirma que, a sus 71 años de edad, este artista sigue cimbrando con su sátira de lo cotidiano.

“Le agradezco a Nacha el haber aparecido justo en el momento en que yo necesitaba encontrar un formato que me hiciera totalmente independiente. El cabaret tiene que ser una cuestión autogestiva, que no necesita de más infraestructura que la potencia de quien decida hacerlo. El cabaret se puede hacer con millones de pesos o asaltando el baúl de la abuelita. La he visto mucho en escena, me sigue gustando muchas de las cosas que hace y he entendido la manera muy particular que tiene de hacer su trabajo escénico, más enfocado en el café concert: Nacha ensaya mucho, deja poco a la improvisación“.

“Uno oye la grabación de Nacha de Noche de los setentas y puede ver el mismo espectáculo en las ocasiones que lo ha vuelto a hacer y es exacto: tiene un timing perfecto, a través de la repetición, tiene sus tiempos medidos, sabe cuándo va a reír la gente, saber dónde poner el melodrama para conmover. Es una gran maestra del unipersonal cabaretero, me gusta mucho y por eso le hago este homenaje”, en el cual no está solo en escena: lo acompaña el piano y el buen humor de Baldomero Jiménez, “mi Alberto Favero… con más talento que Favero”, el estupendo músico que lo mismo ha acompañado el cabaret de Regina Orozco que el jazz de Verónica Ituarte que el rock de Armando Rosas.

Del amplio repertorio de Guevara, Tito excluye las colaboraciones con Mario Benedetti, por cursis, y se concentra en dos tangos icónicos: “Se dice de mí” -que hizo famosa la diva Tita Merello, a quien Nacha personificó en un musical- y “Cambalache” de Enrique Santos Discépolo, cuya letra sobre crisis y corrupción nacional “parece que la escribieron la semana pasada“. Es ya casi la medianoche. Tito ha convencido a una pareja con un niño de 8 años que quería salirse del foro para correr para alcanzar el último metro, de que no se vaya. Y aunque celebra tener a un espectador tan pequeño que se divierte con lo que cuenta en escena, también sabe que el intento de huída se debe a lo distinta que es la Zona Rosa y, en sí, toda la Ciudad de México, a las de aquellos años setenta.

“Había peñas, café concerts y cabarets. Además, teníamos una vida nocturna maravillosa: recuerdo esa escena al inicio de Los caifanes de Juan Ibañez en la que en una fiesta aburridísima alguien dice que son las 2 de la mañana y que vayan al cabaret El Quid -que era de Ernesto Alonso, en la colonia Roma- a ver el show de Alfonso Arau. ¡A las 3 de la mañana había un show de variedades!. Yo tenía show en el Café Colón a las 2 de la mañana. Nos escatimaron la ciudad nocturna, la policía se volvió de terror, nos robaron la diversión y nos mandaron a dormir temprano. Sí hacen falta esos espacios en los que no necesariamente están las señoras llenas de plumas y lentejuelas -que también está muy bien que haya, pero no es lo único–”.

Y un poco, o un mucho, por eso se retira: “Voy a hacer solo que se me antoje, porque cada vez es más difícil levantar un telón. Me voy a retirar un poco más a la docencia. Este espectáculo es un ejercicio de memoria porque voy a escribir una serie de anécdotas y de historias, cuyo título tentativo es “Breves encuentros y otros no tanto”, porque me he encontrado por segundos con gente que admiro, como en Nueva York que me tropecé con Darío Fó, que es para mí uno de los grandes hacedores de teatro del siglo XX y al cual yo le debo mucho con su obra Misterio Bufo y con su método de El manual mínimo del actor: era un hombre con una inteligencia y brillantez fascinante. Eso fue en los noventa”.

Y regresa a los setenta: “Había un restaurante en Insurgentes y Reforma, que era el Noche y Día, que no cerraba nunca, ahí nos reuníamos toda la fauna de esa zona, porque había muchos teatros y era una zona muy rica culturalmente: ¿en dónde está? ¿a qué me quedo si ya no hay donde puedo trabajar a gusto?”.

El artista reconoce que aunque suyos son los famosos CabareTitos, son espacios para otro tipo de público, no para el que él busca con sus espectáculos. “La demanda nos obligó como empresarios a ofrecer lo que la gente está pidiendo y ahorita lo que los chavos quieren es perreo. Y punto. El primer Cabaretito empezamos con show de cabaret a las 10 de la noche y a las 2 de la mañana. El público empezó a llegar y a demandar otras cosas. Cuando te compran, vende. Eso querían y ni modo: yo no voy en contra del cambio, pero creo que hay que mantener espacios de esa naturaleza, porque ya no hay espacios de diversión para personas mayores de 40 años, aunque muchas de éstas se meten en los antros, no tienen esos espacios de variedades”.

Tito sabe que se acerca no solo el final del espectáculo sino también el voluntario final de su trayectoria sobre los escenarios, y por eso quiere quedarse platicando sobre las mil y un anécdotas que resguarda. Por eso, a la pregunta del maestro Jiménez sobre cómo fue trabajar con la actriz María Rojo, Tito salta de los setenta al inicio de los noventa para hacer el emotivo relato de cómo audicionó para el personaje de Susy en la película Danzón, cómo no obtuvo el papel y cómo una noche la directora María Novaro le llamó para disculparse por no haberlo elegido y le pidió presentarse al día siguiente al rodaje. Y aunque la película fue colmada de elogios y premios internacionales, Tito tuvo su mejor recompensa cuando en París, dos personas le gritaron por el nombre de su entrañable persone: “¡Susy!”. Eran la actriz alemana, musa de Fassbinder, Hanna Schygulla y la artista portuguesa María de Medeiros. La prensa francesa lo nombró “la estrella mexicana Tito Vasconcelos”.

El aplauso a esta anécdota fue sumamente cálido. Por eso, Tito optó por no decir más y entrar de lleno en su última canción. Para cerrar el homenaje a Nacha Guevara, a La ópera de los tres centavos y, por qué no decirlo, a sí mismo -porque vaya que homenajes ha merecido y merece- y a su época mejor, Tito toma asiento y, desde la calma y la autoridad que le confieren todas estas historias que ha contado y estos años que las ha vivido, canta primero sereno y, finalmente, emocionado y feliz: Un ritual que repetimos / sin hacer ningún reproche / en un mundo que inventamso / cuando comienza la noche… ¡Esto es teatro! nos canta Tito Vasconcelos y no queda ninguna duda de que él es el cabaret y que éste que ahí ven hacerlo, es el teatro mismo.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía Producción

El Foro Shakespeare recibirá Aquí todo se sabe, cuatro historias breves que suceden en un mismo espacio, a cargo de Davar Teatro, que ofrecerá temporada los miércoles a partir del 12 de octubre hasta el 14 de diciembre.

Las obras están escritas por Jacobo Levy Parra, Hugo Yofee, Rodolfo Guillén y José Appo, dirigidas por Daniela Parra, con las actuaciones de Erwin Veytia, Paola Izquierdo, Mischa Arias de la Cantolla y Astrid Mariel Romo, quienes interpretarán a distintos personajes en escena.

Durante la presentación a medios, Daniela Parra, directora del montaje, compartió: “Muchas gracias por acompañarnos, yo estoy sumamente emocionada por la posibilidad de dirigir Aquí todo se sabe. Davar Teatro Breve son unos enloquecidos que siempre están haciendo esta dramaturgia corta, escenas que en 15-20 minutos arranca con una historia y la concluyen”.

Agregó: “El gran reto es cómo concatenar estas cuatro escenas que podrían parecer aparentemente inconexas, cómo de alguna manera las situamos. Y lo que sucede aquí, y lo que podrá ver el espectador que nos acompañe, es bajo un principio fundamental todo sucede en un mismo espacio”.

Por su parte, la actriz Paola Izquierdo, externó: “Es la segunda ocasión que me toca estar acá con Davar y es nuevamente una experiencia súper rica y divertida. La vez pasada me tocó hacer 6 personajes, ahora sólo hago uno, pero estoy en las transiciones musicales, y estoy muy entretenida con ese reto y disfrutando a mis compañeras y compañeros en escena”.

Añadió: “En la obra que participo yo es, Meoio Grande (Meoyo Grande), que tiene varios significados, es la inteligencia, el tuétano, el corazón de las cosas. Soy una madre muy delicada, super familiar, súper cariñosa con su hija y con su esposo, muy entregada y devota. Es una historia muy divertida”.

Mientras que el actor, Erwin Veytia mencionó: “Esta es la segunda vez que me invitan a participar (bajo su propia responsabilidad, ya saben cómo soy) es divertidísimo poder estar aquí. En realidad sí me gustaría ser acompañado en nuestro estreno y las funciones, es un trabajo divertido y muy entregado por parte de los dramaturgos y la compañía Davar”.

Agregó: “Creo que es una compañía que tiene su propia voz y que han construido con su propio esfuerzo, ayudarles a poder hacer esto es un privilegio. Como intérprete tener un texto tan provocador y provocativo como los que escriben es muy enriquecedor y es muy divertido aprender de las culturas que tenemos alrededor y que a veces no nos detenemos y observamos”.

La temporada está compuesta por las cuatro obras breves: Meoio Grande (Meoyo Grande) de Jacobo Levy con Paola Izquierdo, Astrid Mariel Romo, Erwin Veytia; Redención de de Jacobo Levy con Misha Arias de la Cantolla y Erwin Veytia; Salvador de de Hugo Yoffe y Rodolfo Guillén con Misha Arias de la Cantolla y Erwin Veytia; y Baby de José Appo con Astrid Mariel Romo, Misha Arias de la Cantolla y Erwin Veytia.

Sobre la fundación

La Fundación Teatral Davar es una institución no lucrativa que nace de la inquietud de un grupo de personas comprometidas con el desarrollo del teatro mexicano de excelencia y la expresión de la diversidad cultural a través de la dramaturgia. Algunos de sus trabajos anteriores son:  In-pulsos (2011), Frag/mentos (2012), Prohibido Desear (2013), Sucedió en Polanco (2015), No tan Kosher (2018) y De Noche los Secretos (2019).

Aquí todo se sabe levantará el telón, el próximo miércoles 12 de octubre en el recinto de Zamora 7, Col. Condesa, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Mariana Medina

Del 20 al 29 de octubre podrás disfrutar del Festival Internacional de Cabaret, en su edición número 19, a través de una amplia oferta que reúne a 12 artistas en escena, diversas compañías invitadas y propuestas para jóvenes audiencias.

Como cada año, este festival es organizado por Las Reinas Chulas Cabaret, Luz Elena Aranda, Cecilia Sotres y Nora Huerta, ofrecerá espectáculos con temáticas de cabaret, sátira política, humor, burlesque y performance, de obras conocidas por el público, así como estrenos que abordan temáticas sociales como la diversidad e inclusión, la salud mental, el placer, acompañadas de altas dosis de crítica política.

Sobre la importancia que tiene la existencia de propuestas cabaret en México, Luz Elena Aranda, directora del festival, mencionó: “Creemos que es necesario seguir desmitificando lo que es el cabaret, todavía mucha gente piensa en mujeres encueradas y algunos espectáculos sí, pero lo que se imaginan es el estereotipo, entonces cuando escuchan cabaret para niños y niñas es peor, razón por la que se necesita seguir difundiendo el género para continuar ampliando la audiencia y consolidar nuevos públicos”.

Por su parte, Cecilia Sotres compartió: “Ya son 19 años de festival, estamos muy contentas. Sin embargo, hay que seguir diciendo la importancia del cabaret en este país, hijo de la carpa y las revistas mexicanas, porque es un género que solo se realiza aquí, se podrán compartir algunos detalles con otros países, pero particularmente el género mexicano, tiene un sentido del humor muy específico”.

Finalmente, Nora Huerta señaló: “Quiero resaltar que son estas personalidades, estos creadores y creadoras escénicas, quienes dan vida a esta fiesta, nuestra sede, el Teatro Bar el Vicio, se ha logrado mantener en esta resistencia para nuevamente abrir nuestra casa y con nuestros propios recursos, llevar a cabo esto”, concluyó.

Esta festividad dará inicio con el montaje Diva Millennial: cabaretearte a cargo de la compañía Parafernalia Teatro, donde participará por primera vez una big band femenil. Además, se festejará todas las nominaciones y premios otorgados a la comunidad cabaretera como símbolo de visibilidad e inclusión del gremio teatral en México.

Posteriormente, se presentarán espectáculos como: La vida no viene sola, Perfume de ser prietas, Transbordador Zel, Cuentos para no dejar de soñar, Afrodita: el orgasmo ya está aquí, Cuarto oscuro, Piensos del lóbulo frontal derecho, Entre Satán y el Charlatán, Barbis Variette y Noches de Reinas. En tanto que, para la clausura, se presentará Kalimán contra la espantosa X de la compañía Las Reinas Chulas.

En esta ocasión, el Festival estará dividido en dos sedes de entrada libre: Teatro del Pueblo y Centro Cultural de España en México; además de dos sedes con boleto pagado, Teatro Benito Juárez y el Teatro Bar El Vicio, recinto que transmitirá su programación actual, vía streaming.

Para conocer más detalles de esta edición, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos:  Cartel oficial y captura de pantalla

A partir del 28 de octubre, subirá a escena un nuevo musical llamado Mimesis, escrito y dirigido por Rafael Trejo Ortega, que aborda temas como la empatía, la inclusión hacia las personas con capacidades diferentes e incita a luchar por los sueños.

El musical cuenta con la participación de 14 actores en escena quienes interpretarán y bailarán las 26 melodías que componen la puesta, protagonizada por Lucía Huacuja, Iker Paredes, Ana Cecilia Anzaldúa, Brenda Romo Mafer, Adrián Pola, Renatta Bagó, Bernardo Figueroa.

En conferencia de prensa, Trejo Ortega explicó: “Mimesis es un proyecto que venimos trabajando desde hace un rato, inició como un proyecto audiovisual, como un cortometraje, y fue evolucionando hasta convertirse en una puesta en escena con esta maravillosa compañía que busca dejar un mensaje en la sociedad”.

Agrega: “Es un proyecto que ha venido evolucionando que habla sobre sueños, es lo más bonito de esto, y con el paso del tiempo se ha convertido en mi sueño y en el sueño de muchas personas”.

La trama muestra a Maya, una chica de Guanajuato que sueña con hacer teatro musical, que es obligada por su madre a trabajar en la Academia de Ballet de su madre. Hasta que un día, durante el Cevantino conoce a Omar, un chico de la CDMX, que le cuenta sobre una convocatoria en la Ciudad de México en la que sólo los mejores podrán ganar un pase para una audición en Broadway. Inspirada por esto, Maya decide emprender el viaje a la capital y poder cumplir su sueño.

También participan como ensamble Diego Terán, Carolina Reyes, Emiliano Saljai, Jorge Mejía, Martha Garibay, Gaby Castillejos, Elian Wigisser, Mariano Bucio, Joshae Cruz, Marianne Salgado, Annabel Sánchez.

El equipo creativo está conformado por la música de Manuel Vargas Mena Escudero y Daniel Lopto, Ruth Robles en la supervisión vocal, Joshae Cruz a cargo de la dirección coreográfica, Martha Garibay en la asistencia de coreografía, José Luis “Jimmy”, Núñez y Edith Ramírez Beltrán en la escenografía, Miguel Jiménez en el diseño de audio, Paola Pimentel en la asistencia de dirección; y finalmente Ariel Viosca Martínez, Benjamín Salas, Alan Sacall y Rafael Trejo en la producción.

“Es una historia que habla de las barreras, incluso sobre las barreras aparentes y personales, y que puede llegar a alguien a cumplir su sueño, a pesar de lo imposible que pueda parecer”, concluyó Trejo.

Mimesis se presentará en MarkeTeatro, ubicado en Coahuila 105, Col. Roma, a partir del 28 de octubre, consulta más información aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Mariana Medina

En El Show debe continuar, Marcos Radosh no sólo se enfrenta por primera vez al reto de interpretar un unipersonal, al estar basada en experiencias personales del autor canadiense Jeff Leard, el actor se lanzó a traducir y adaptar la obra, que ofrece funciones los sábados en Teatro La Capilla.

Radosh ha participado en obras como El Hilador, Las mamás presentan, Pequeñas grandes cosas, y con esta nueva propuesta cumple un sueño que surgió cuando estudiaba en en CasAzul, cuando vio por primera vez a Antón Araiza y Karina Guidi solos frente al escenario, haciendo uso de su voz e interpretación.

En ese sentido, Radosh comparte: “En el 2019, (fue un año muy complicado para mí), estuve desempleado todo el año, ahí empecé a buscar en serio un monólogo, leí muchas cosas, pero nada me llamaba y me acordé de Jeff Leard, (a quien conocí en el Festival Fringe cuando presentamos El Hilador en Canadá en su versión en inglés), me metí a su página para ver qué otras propuestas tenía y cuando vi el título, El show debe continuar, lo leí y dije, esto tiene que ser para mí”.

Agrega: “Lo contacté y me contestó al poco tiempo, es alguien increíblemente talentoso y generoso porque me pasó el texto, y me dijo, es mi biografía, es muy canadiense, pero sí lo quieres adaptar, vas”.

El actor confiesa que mientras realizaba el proceso de adaptación, el texto poco a poco fue tomando no sólo su voz, incluso algunas de las situaciones que él vivió están presenten en el montaje, partiendo desde sus inicios en la actuación.

Al respecto, Radosh señala: “(El texto) Lo traduje, lo adapté y con Enrique Soto, que es el director, y ya hicimos nuestra versión, quedó algo sorprendentemente personal, es su biografía e historias que él conoció, pero se volvió algo muy personal, se sienten mis palabras y hay cosas que me han pasado”.

Agrega: “Cuando estaba empezando fui botarga, hice show infantiles, obras infantiles, o sea, todo lo que tiene que ver con ese mundo, eso lo toca Jeff en esta obra. Dar shows por toda la República, dar funciones en primarias y cómo se comportan los niños, eso me pasó. Es una experiencia muy distinta dar una función profesional en un teatro como La Capilla, a hacer una obra en una escuela, en un patio, en el metro, es muy distinto, pero enriquecedor y lo puedo usar en esta obra”.

El montaje narra las vicisitudes que enfrentan los actores en sus inicios, donde conocemos la historia de Jeff, un actor que busca fama y fortuna, pero termina trabajando en una compañía itinerante cuya meta es lograr tener un “año perfecto”, ofreciendo 86 funciones de Rumpelstiltskin en escuelas primarias a lo largo del país, sopesando obstáculos y retrasos. No obstante, este viaje en carretera lo llevará a entender que hacer teatro, es un regalo para todos aquellos que buscan un momento de entretenimiento y alegría.

“El texto es muy vertiginoso, empieza como un balazo y hasta que no termina la obra, no termina (…) queríamos que siempre fuera entretenida para el público, empezando con comedia y al final con algo agridulce, eso se vuelve inesperado y te transforma, no sólo como intérprete, sino como público”, concluye Marcos Radosh.

La obra se presenta todos los sábados hasta el 29 de octubre en el Teatro La Capilla, ubicado en Madrid 13, Col. Del Carmen, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Marcos Radosh

La dramaturgia de Paula Vogel, bajo la dirección de Cristian Magaloni, con las actuaciones de Alberto Lomnitz, Elizabeth Guindi, Ana Guzmán Quintero, Majo Pérez, Roberto Beck, Jorge Lan y Federico Di Lorenzo, ha sido elegida como la favorita de nuestros lectores durante este periodo.

En esta ocasión, Indecente compitió con propuestas como Los Humanos, Los Monstruos y Abismo, historias con premisas diversas, que cautivaron a nuestra audiencia por la fuerza en sus discursos y sus memorables universos escénicos.

¿Y por qué se convirtió en la favorita?, porque es una de esas historias que disfrutarás de principio a fin, debido a la interpretación de sus actores, la escenografía y todos esos elementos que sorprenden a medida que el relato avanza.

Con esta producción, nuestro público ha quedado cautivado por una premisa que aborda el metateatro para hablar de los actores que han interpretado El Dios de la venganza, desde su creación en Varsovia en 1906, pasando por su presentación en Broadway, hasta sus últimas representaciones en Polonia durante la ocupación alemana.

En este montaje, nuestros asistentes destacan el vestuario, la ambientación escénica y la música en vivo que acompaña esta experiencia, como los elementos que llenan de vida cada función, donde la historia de amor presente entre dos mujeres, no hace más que recordarnos la pasión y la entrega que un actor da al teatro.

Recuerda estar al pendiente de cada periodo en donde seleccionamos 4 obras que son las que compiten para participar en la terna a Mejor Obra en la premiación final, trabajos que sorprenden por la calidad de sus historias, su potencia interpretativa y su correcta ejecución.

Para conocer más detalles de nuestros premios, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

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Susana Alexander, Juan Carlos Colombo, Azela Robinson, Beto Torres, Geraldine Bazán, Moisés Araiza, así como Lucía Huacuja, Iker Paredes, Ana Ceci Anzaldúa, Juan Daniel García Treviño, entre otros, serán los protagonistas de la temporada que están listos para levantar el telón con sus respectivas propuestas que buscan conquistar al público ansioso de nuevas historias.

Sin más preámbulos, acá te contamos sobre los estrenos que nos urge que levanten el telón y que no te puedes perder:

Nosotras lo hacemos mejor. Juan Ríos Cantú dirige este monólogo que aborda temas como la infancia, el primer amor, el matrimonio, la maternidad, la infidelidad, el divorcio, que son narrados desde el punto de vista femenino. Fabiola Campomanes, Geraldine Bazán, Dalilah Polanco serán las actrices que darán vida a este montaje de forma alternada, a partir de este 1 de octubre en el Telón de Asfalto.

Si te mueres… ¡Te Mato! El productor Guillermo Wiechers es el responsable de traer esta irreverente comedia uruguaya a nuestro país, que nos mostrará hasta dónde están dispuestas a llegar dos cuidadoras con tal de no perder su empleo. La obra cuenta con la participación estelar de Azela Robinson y Susana Alexander, quienes arrancan temporada a partir del 8 de octubre en el Teatro Fernando Soler.

El show de terror de Rocky. Bajo la producción de Jaime Calpe y Rafa Maza, este icónico musical que rinde tributo a las películas de ciencia ficción y a las películas de terror realizadas entre 1940 y 1970, será protagonizado por Beto Torres, Gloria Aura, Moisés Araiza, Juan Fonsalido, Mari Filipini, Ceci Arias, Carla Heftye y como el narrador podremos ver a Gerardo González. Llegará al Nuevo Teatro Silvia Pinal, a partir del 13 de octubre.

El corrido del rey Lear. Fernando Bonilla adapta y dirige esta hilarante tragicomedia, basada en el clásico de Shakespeare, sobre un reconocido actor que por azares del destino, crea una improvisada compañía con criminales, a quienes debe enseñar a actuar, con el riesgo de morir en el intento. Contará con las actuaciones de Juan Carlos Colombo, Alejandro Morales, Valentina Sierra, Daniela Arroio, Malcolm Méndez, Miguel Tercero, Miguel Alejandro León, a partir del 18 de octubre en el Teatro Helénico.

Mimesis, un nuevo musical. Rafael Trejo Ortega escribe, dirige y produce este musical que habla sobre la empatía, la inclusión hacia las personas con capacidades diferentes y la lucha por conseguir nuestros sueños, contará con las actuaciones de Lucía Huacuja, Iker Paredes, Ana Ceci Anzaldúa, Brenda Romo Mafer, Adrián Pola, Renatta Bagó, Bernardo Figueroa. Levantará el telón el 28 de octubre en MarkeTeatro.

Musicales, comedias y adaptaciones de clásicos conforman las propuestas de octubre que podremos disfrutar los capitalinos y visitantes de la CDMX. ¿Todas se nos antojan, y a ustedes?

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartel oficial y Cartelera de Teatro

Familias monstruosas es una propuesta de teatro infantil creada e interpretada por Andrés Carreño y Fernanda Tapia, donde conoceremos la importancia de respetar a cualquier tipo de familia, a través de personajes divertidos y quizá, un poco espeluznantes.

En esta historia, también actúan Iván Zambrano, Montserrat Ángeles y Adriana Ocampo, quienes ofrecen funciones los sábados y los domingos hasta el 19 de noviembre  en el teatro principal del Centro Cultural Helénico.

Si aún no has visto este montaje, a continuación te cuento tres razones para hacerlo.

1.  La pertinencia del texto. En la actualidad, se habla mucho de la inclusión y el respeto de las familias diversas. Sin embargo, en países como México, donde los atavismos de generaciones más antiguas, se continúan arrastrando, debido a la falta de educación y estigmas, por lo que Familias monstruosas aborda todas esas dudas que un pequeño podría tener al respecto, con personajes cercanos y canciones que celebran el amor.

2. La premisa. Sobre el escenario conoceremos a Soledad, quien es una niña muy introvertida que espera con gran anhelo el festejo del día de muertos para convivir y por fin tener amigos, pero alguien roba el valioso pan de muerto de la ofrenda y el festejo se suspende. Para calmar a Soledad, sus padres le dicen que las causantes de tal robo son las familias extrañas que han llegado a la escuela, por lo que la pequeña tendrá que descubrir qué tan diferentes son esas familias extrañas que sus padres no toleran y así rescatar la celebración.

3. Los personajes. Las familias que son señaladas en la historia como peligrosas, están compuestas por una pareja de vampiros y su hija Luz Clarita; la Llorona, madre soltera con su hijo el coco; las momias, abuelitas de Frankentrans; y la familia aumentada de Lobos, quienes visibilizan una pequeña parte de la gran diversidad en la composición familiar.

Ahora conoces algunas razones que nutren esta propuesta, así que no lo dudes y diviértete con tus pequeños conociendo personajes entrañables que lo único que celebran es el amor y respeto al interior  y exterior del hogar.

Para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Del 10 al 19 de noviembre, se llevará a cabo la 42 Muestra Nacional de Teatro con  26 puestas en escena y prácticas teatrales, a través de la participación de artistas y agrupaciones provenientes de 16 estados de la república, donde también se mostrarán creaciones escénico-digitales y se desarrollará la Feria del Libro Teatral.

Con el objetivo de desarrollar un encuentro plural en el ámbito de la producción escénica nacional, esta edición busca generar una reflexión sobre el estado actual del teatro mexicano, para ofrecer un mayor panorama de sus contextos, desplazamientos y modos de producción.

En conferencia de prensa, en el Teatro Del Bosque, Julio Castillo, el Coordinador Nacional de Teatro, Leonardo Daniel Miranda Cano, expresó: “Consideramos esta muestra como un paisaje de las teatralidades en México y siendo la muestra el territorio de los teatristas en nuestro país, en ese paisaje faltaba Coahuila, un estado que la muestra no había visitado en 41 emisiones y que en esta ocasión, consideramos es un espacio para fortalecer el diálogo e intercambiar reflexiones que fortalezcan los lazos de la comunidad teatral con su entorno”.

Por su parte, Laura Ramírez Ragado, Subdirectora General del Inabal, compartió: “Tendremos la oportunidad de recorrer y disfrutar todas las maravillas que nos ofrece Coahuila, vamos a descubrir y nos adentraremos en sus distintos escenarios, donde también disfrutaremos de una feria dedicada al libro teatral, misma que tuvo mucho éxito el año pasado y nos entusiasma que el anfitrión cuente con ella”.

Para Ana Sofía García Camil, Secretaria de Cultura del estado de Coahuila, esta celebración es la oportunidad perfecta para mostrar el amplio catálogo cultural con el que cuenta esta región. “Tenemos mucho que decir y mucho que ofrecer, muchas gracias por permitirnos formar parte de esta gran fiesta de las artes escénicas, además quiero agradecer todo el trabajo que la dirección artística ha hecho, porque fueron bastantes las propuestas que recibimos en esta edición, pero ellos también traen una innovación que creo que va a generar un parteaguas a partir de esta muestra”, señaló.

Itandehui Méndez, directora de escena e investigadora, aseguró que venimos de realidades distintas, no solo de cómo se hace el teatro o sobre cómo se viven las prácticas, sino también de los contextos sociales y culturales. “No se trata de mostrar solo la diversidad, también los procesos sociales que estamos viviendo y las diferentes formas de establecer procesos éticos dentro de las prácticas artísticas”, mencionó.

Finalmente, Aristeo Mora de Anda, director de escena, investigador y gestor, declaró: “Como creador, como gestor y como ciudadano, la muestra ha sido una plataforma sumamente importante, no solamente para cruzar mi trabajo con las reflexiones de otros creadores, sino también, como un tipo de engranaje tanto social como político y cultural”, concluyó.

Las actividades de la 42 MNT estarán representadas por artistas y agrupaciones provenientes de Aguascalientes, Baja California, Ciudad de México, Chiapas, Coahuila, Guanajuato, Guerrero, Hidalgo, Jalisco, Oaxaca, Querétaro, San Luis Potosí, Sinaloa, Tamaulipas, Veracruz y Yucatán.

La programación estará integrada por puestas en escena y prácticas teatrales, además de creaciones escénico-digitales, el Encuentro de Reflexión e Intercambio (ERI) y el Laboratorio de proyectos en proceso.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Si eres fan de las comedias inteligentes, de esas que te dejan una profunda reflexión después de una buena carcajada, entonces Los Guajolotes Salvajes, de Christopher Durang, es la opción perfecta para disfrutar este fin de semana, con funciones de viernes a domingo en el Teatro López Tarso.

Esta historia se presenta bajo la dirección de Enrique Singer, con un elenco de actores y actrices de gran trayectoria en los espectáculos mexicanos como Margarita Gralia, Roberto Blandón, Raquel Garza y Beatriz Moreno, además de talentos emergentes como Sergio Lozano y Alexa Martín.

Por ser una propuesta con la que te aseguramos, te divertirás, a continuación te cuentamos 3 razones para no perdértela:

1. La historia. En su versión original, esta obra ha sido acreedora a una gran cantidad de premios, entre ellos, un Tony, debido al humor negro que la envuelve. En escena, conoceremos a los hermanos Vania y Sonia, nombrados así por sus padres en honor a Chéjov, ambos viven en la casa que sus padres les heredaron en Cholula. Sin embargo, Masha, la tercera hermana, llega inesperadamente con su nuevo galán, una prometedora estrella juvenil, abriendo paso a múltiples desencuentros y una que otra verdad incómoda con la que te identificarás.

2. Margarita Gralia. La actriz argentina hace gala de su dominio de la comedia, dando vida a una actriz consagrada, una diva acostumbrada a que el mundo gire alrededor de ella, un personaje entrañable por su soberbia y congruencia. Junto a Sergio Lozano, Gralia se encarga de generar momentos hilarantes, gracias a la diferencia de edad con su nuevo novio y las vicisitudes en las que se ve envuelta, debido a sus deseos de control absoluto, su falta de sensibilidad, su vanidad y miedo a la obsolescencia.

3. Sergio Lozano. En este montaje, Lozano demuestra su gran habilidad a la hora de interpretar humor, y es que sin dudar reirás, de principio a fin, con las ocurrencias que su personaje hace en escena. En la historia él funge como el Adonis que sin ningún esfuerzo es adorado por todos a su alrededor, por lo que siempre tiene deseos de desnudarse y mostrar su belleza. Sin embargo, la inteligencia no es su mayor virtud, así que prepárate para escuchar frases que cualquier joven diría, pero con el humor y encanto de una futura promesa del cine.

Los guajolotes salvajes se presenta de viernes a domingo en el Teatro López Tarso, ubicado en Av. Revolución esq. Fco. I. Madero, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Muchas de las producciones que llegan a Broadway se originan en el West End de Londres, por eso, te contamos sobre algunas obras y musicales que se presentan actualmente en la capital inglesa, y que luego del éxito, serán transferidas al continente americano.

JULIET, Shaftesbury Theatre
Fotos: Johan Persson

Cuando William Shakespeare cuenta por primera vez el final de Romeo y Julieta a su esposa Anne y a un grupo de escuchas, nadie parece estar muy convencido con el fatídico desenlace; entonces ella propone uno diferente: Julieta decide no matarse sino continuar con su vida. De este modo ambos empiezan a reescribir su historia en una aventura que la llevará a París al lado de sus mejores amigas; a veces el final es solo el principio…

Además de reivindicar a uno de los personajes femeninos más conocidos de la literatura, este musical incluye varios de los temas que han marcado a más de una generación en las últimas décadas; canciones de Britney Spears, Backstreet Boys, The Weekend o Katy Perry que comparten una raíz: fueron producidas por Max Martin. Los reconocimientos de este productor incluyen 5 premios Grammy, incluido Productor del año, y Compositor del año de ASCAP, galardonado en 11 ocasiones. El prolífico compositor recientemente ingresado al Songwriters Hall of Fame solo es superado por Paul McCartney y John Lennon con sencillos número 1 en Estados Unidos.

Además de la pegajosa música, esta obra con libreto de David West cuenta con entrañables personajes de soporte, como May (Alex Thomas-Smith/ ahora Joe Foster), una de las mejores amigas de la protagonista, su nana y su ex amor francés, y por supuesto Shakespeare y Anne. De este modo, la obra nos presenta a una joven moderna y empoderada en un musical de rocola tan sólido que pareciera que Martin en realidad no escribió para Britney, sino para
Juliet…

¿Cuándo llega a NY? Está programada para estrenar en noviembre en el Stephen Sondheim Theatre.

BACK TO THE FUTURE, Adelphi Theatre
Fotos: Matt Crockett

Ningún fan de la icónica película de Robert Zemeckis de 1985 debe perderse esta adaptación que lleva la historia de Marty McFly, un joven de secundaria que viaja por accidente 30 años atrás en el tiempo, al escenario.

Aunque conocemos la trama, este musical vale la pena especialmente por la tecnología; desde que se entra al teatro sorprende el escenario (obra de Tim Hatley, ganador del Olivier y Tony), y conforme avanza la camaradería entre Marty (Ben Joyce) y el visionario Dr. Emmet Brown (Roger Bart) en su carrera contra el reloj, más va sorprendiendo gracias a múltiples efectos especiales, y por supuesto, al icónico DeLorean.

También destaca el personaje de Lorraine (Amber Davies), la madre del protagonista, y en el pasado una joven efusiva que, al desconocer que Marty es su hijo, intentará seducirlo…

La música vuelve a ser de Alan Silvestri, quien ahora junto a Glen Ballard crea una partitura que incluye temas originales, además de éxitos de la película como “The Power of Love”, “Johnny B. Goode”, “Earth Angel” y “Back in Time”.

Aunque inicialmente fueron rechazados por múltiples estudios, según lo comparten los propios creadores, Back to the Future sigue siendo un fenómeno que resiste el paso del tiempo. En definitiva, esta obra suma a su legado.

¿Cuándo llega a NY? El estreno está programado para 2023.

LIFE OF PI, Wyndham’s Theatre
Fotos: Johan Persson

Basada en el filme nominado a 11 premios Oscar en 2013, e inspirada en la novela de Yann Martel, esta versión teatral tuvo su estreno mundial en Sheffield en 2019 y ahora se presenta en el West End de Londres.

La historia sigue a Pi (Nuwan Hugh Perera), el joven sobreviviente de un naufragio en medio del Océano Pacífico que intenta relatar su odisea al lado de una cebra, una hiena, un orangután, y un temible tigre de Bengala, llamado Richard Parker.

Además de Pi, en esta historia los animales son importantes protagonistas que aquí son recreados con increíbles títeres diseñados por Nick Barnes y Finn Caldwell. En altamar, Pi y Richard Parker deben aprender a coexistir mientras lidian con un viaje lleno de dificultades físicas y emocionales.

Gracias a una escenografía sencilla pero mágica, que nos traslada continuamente entre un zoológico de India, el océano y un hospital en Ciudad de México; a los impresionantes títeres y a la entrañable actuación del protagonista, esta producción es una de las mayores recomendaciones de la cartelera del West End y una que se llevó 5 premios Olivier, incluido Mejor Obra.

¿Cuándo llega a NY? El estreno de Norteamérica será este diciembre en el American Repertory Theater (A.R.T.) en la universidad de Harvard; más adelante podría anunciarse su llegada a Broadway.

SIX, Vaudeville Theatre
Fotos: Pamela Raith

Pocas cosas pueden ser tan inglesas como ver un musical en el que las seis esposas de Enrique VIII narran su historia, mientras intentan convertirse en las solistas de un grupo musical intentando establecer quién tuvo la peor experiencia al lado del Rey.

Esta obra que tuviera un humilde comienzo en un salón de la universidad de Cambridge – cuando un grupo de estudiantes querían llevar la historia de estos personajes al Edinburgh Festival Fringe- hoy se ha vuelto un fenómeno con sold outs continuos, 5 nominaciones a los Olivier, y en su versión en Broadway, 8 nominaciones al Tony.

Visualmente destacan los vestuarios, concebidos por Gabrielle Slade con base en trajes del siglo 16 pero con un toque modero y brillante.

A través de cada tema musical, las protagonistas van explorando temas como la belleza interior, el abuso, la validación externa, y muy importante: la falta de poder que tenían en su época, por lo que este musical se vuelve un gran medio para empoderar a las mujeres; tanto en el siglo 16, como en el presente.

¿Cuándo llega a NY? La obra estrenó unos días en 2020, luego reabrió el telón del Brooks Atkinson Theatre en septiembre de 2021 (como el primer musical en presentarse en Broadway tras el cierre por pandemia) y desde entonces ha sido un éxito de crítica y taquilla, además de que sumó 8 nominaciones al Tony.

THE LION, THE WITCH AND THE WARDROBE, Gillian Lynne Theatre
Fotos: Brinkhoff-Moegenburg

Esta es una nueva producción del clásico de CS Lewis que nos lleva de nuevo al reino mágico de Narnia para vivir nuevas aventuras al lado de los niños Lucy, Edmund, Susan y Peter Pevensie, quienes son evacuados de Gran Bretaña en tiempos de la Segunda Guerra Mundial.

Una vez en su nuevo hogar, encuentran un guardarropa que sirve como portal a un nuevo mundo: Narnia. Así, los cuatro niños son transportados a un mundo alternativo donde se encuentran a un Fauno parlante, un León inolvidable y una cruel Bruja Blanca. ¿Podrán estos niños salvar a Narnia?

La obra fue adaptada por Sally Cookson para Leeds Playhouse, antes de transferirse al Bridge Theatre. Ahora, esta producción tendrá una temporada limitada en el Gillian Lynne Theatre con Samantha Womack (quien ha protagonizado producciones del West End como The Girl on the Train, South Pacific y Guys and Dolls) como la Bruja Blanca.

¿Cuándo llega a NY? La obra podría anunciar pronto sus planes de transferirse a Nueva York.

Por Mariana Mijares, Fotos: Matt Crockett, Brinkhoff-Moegenburg

Ayer por la tarde, Puño de Tierra en colaboración con Próspero Teatro, presentó su nueva apuesta teatral, El corrido del Rey Lear, una tragicomedia ranchekspiriana que ofrecerá funciones del 18 de octubre al 15 de diciembre en el Teatro del Centro Cultural Helénico.

Al respecto, el director del Centro Cultural Helénico, Antonio Zúñiga expresó: “Esta es una obra escrita y dirigida por Fernando Bonilla, y el debut teatral de Daniel García Treviño, reconocido por su participación en películas como La civil y Ya no estoy aquí, encabezado por Juan Carlos Colombo. Desde el Helénico, estamos muy contentos y agradecidos, esperanzados y divertidos, por ver este espectáculo. Fernando nos platicó de él, y es un homenaje a su padre, Héctor Bonilla, nosotros les damos la bienvenida”.

Por su parte, el productor, Jerónimo Best, señaló: “Agradezco la invitación a colaborar en este montaje, hace 3 años nos mandó este texto Fernando que nos fascinó. Es un texto muy divertido, muy conmovedor, muy desgarrador, como toda buena tragicomedia. Estamos muy contentos de colaborar en este montaje y hacerlo en el Helénico”.

Mientras que, la actriz Valentina Sierra, compartió: “Estamos muy emocionados porque estamos a punto de estrenar. Creo que Próspero y Puño llevan un rato siendo compañías hermanas, y ya nos hacía falta una celebración de este acompañamiento. Además, recordar que Puño está celebrando 10 años y por qué no seguir con la celebración, con este bonito estreno”.

En representación de Fernando Bonilla, Sierra leyó unas palabras: “No saben cuánto lamento no estar allá platicando con ustedes sobre este proyecto tan personal y tan importante para mí, pero ando correteando la chuleta y los llamados no tienen palabra de honor. Lo primero que quisiera decirles es que esta obra no es adaptación del Rey Lear, esta es una pieza original detonada por un ficticio montaje de Lear, aunque, bueno, nada es en realidad original y ya todas las historias se han contado, pero cómo disfrutamos volver a escucharlas“.

“Esta obra habla de México, del teatro, y veladamente de mi padre, es un homenaje y una crítica, se nutre de mi amor y de mi odio, y nos presenta más preguntas que respuestas. De un tiempo para acá, la ficción que más me seduce es la que me pone en entredicho, la que me expone y me incomoda, al mismo tiempo que me divierte y me conmueve, ojalá podamos generar eso mismo en nuestra audiencia“.

La puesta en escena narra la historia de Héctor Balzaretti, quien prepara su próximo y esperadísimo estreno de El Rey Lear, una gran producción que adornará la cartelera nacional. Sin embargo, se encuentra en un momento personal desfavorable, no es capaz de memorizar sus líneas y vive en conflicto con sus compañeros. Además, la relación con su hija se ha deteriorado notablemente. Tras un giro imprevisto de su destino, se ve confrontado por problemáticas que se viven día a día en nuestro país y las circunstancias le obligan a montar la obra con una improvisada compañía de criminales a los que él debe enseñar a actuar, con el riesgo de morir en el intento.

Se trata de un homenaje a Héctor, al teatro, al arte y, al mismo tiempo, es un ácido cuestionamiento sobre el sentido de la creación artística de autoconsumo. También es un retrato sardónico de las absurdas distancias entre las diversas realidades que coexisten en nuestro país.

El elenco está compuesto por el primer actor Juan Carlos Colombo, Alejandro Morales, Juan Daniel García Treviño, Valentina Sierra, Daniela Arroio, Malcolm Méndez, Miguel Tercero y Miguel Alejandro León.

El equipo creativo cuenta con la escenografía e iluminación de Tenzing Ortega y Claudia Aragón; la música y el diseño sonoro de Leo Soqui; y el vestuario de Libertad Mardel.

La obra ofrecerá funciones martes, miércoles y jueves en el Teatro Helénico, ubicado en Av. Revolución 1500, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Mariana Medina

La mejor temporada del año ha llegado y con ella, estrenos sangrientos y escalofriantes ideales para acudir en familia o con alguien de quien reírte, a la hora de los sustos o en los momentos más detallados del relato.

Tal es el caso de Los archivos del terror, espectáculo de cabaret escrito por Fernando Villa y José Ramón Berganza, que tuvo su estreno la noche de ayer en el Foro Lucerna.

En esta propuesta, serás testigo de historias basadas en hechos reales, contadas por un singular archivista, interpretado por Berganza que recrea asesinatos brutales con toques de humor e ironía, y te sumergirás en una escenografía parecida a una película de David Lynch, donde el blue velvet y tonalidades color púrpura dominan la atmósfera brindando una experiencia íntima.

Al finalizar el espectáculo, el productor Sergio Mingramm expresó: “Este proyecto nació hace dos años, en la pandemia, justo cuando empezaban otra vez los teatros y centros de noche, lo hicimos en un cabaret y tuvimos una sensación increíble de contar cuentos a mitad de la noche, en un espacio como ese, entonces así fue que convertimos el Foro Lucerna en cabaret”, concluyó.

Por su parte, Fernando Villa, quién dirige el montaje y además se encarga de amenizar la función interpretando temas clásicos, confesó su entusiasmo de poder brindar una propuesta distinta, al tratarse de historias de terror, además de señalar el gusto de compartir la experiencia con Berganza en escena.

Cabe destacar que en cada función serán contadas diferentes historias, mismas que podrás disfrutar con un buen trago en la mano, ya que el foro se transforma en un auténtico cabaret, con alcohol, mesas alrededor del actor, luces íntimas, música y risa.

Los archivos del horror se presenta con funciones los miércoles en el recinto ubicado en Lucerna 64, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La clase de Daniel Dátola llega desde Argentina al Teatro México, a partir del 30 de octubre, con una historia que aborda con humor la toxicidad masculina, el amor, el engaño, el abandono y los deseos de venganza de sus dos personajes.

En escena, conoceremos a Lalo, interpretado por José Eduardo Derbez, que alternará funciones con Miguel Burra, un hombre introvertido, mandilón, inseguro, fuera de época que acaba de ser abandonado por su esposa después de muchos años de matrimonio y que está dispuesto a todo con tal de volver al ruedo.

Para lograrlo, contrata una clase con Leo, que será interpretado por Leonardo de Lozanne y Alejandro Nones, también alternando funciones. Este personaje es un galán carismático, manipulador y autoproclamado “el rey del ligue”, por lo que decide aprovechar su experiencia dando clases de seducción en su apartamento.

Bajo esta premisa, la comedia pretende adentrarse al universo masculino con altas dosis de humor, a través de personajes dispares, que demuestran que nada está escrito y que el alumno, por lo general, supera al maestro.

En conferencia de prensa, Xavier López, productor de la obra, mencionó: “Mi esposa y yo nos encontramos con una magnífica obra del autor Daniel, quien me hizo el favor de mandarme el guion, y yo venía en un avión, leyendo de la manera más casual y la verdad es que hoja con hoja me empecé a reír, era tal el sonido de mi risa que el tipo que venía a un lado me dijo, qué te pasa, entonces me enamoré de la obra”.

Por su parte, el productor Morris Gilbert, expresó: “Me siento como un intruso porque no es una producción mía, sino de Xavier, nosotros somos una familia que nos vamos encontrando a lo largo de la vida por distintos momentos. Este es un gran teatro y yo quisiera seguir trabajando aquí el resto de la vida, esta es una forma distinta de hacerlo, pero eso me permite estar más relajado, porque se trata de una colaboración y estoy aquí nada más para apoyar a esta compañía que me parece fantástica”. 

Para Leonardo de Lozanne, lo interesante de las dos combinaciones del personaje, es que son muy diferentes, lo que ofrece dos tonos distintos a la historia. Sobre Leo, el actor considera que es un cuate que se quedó estancado en un periodo de su vida, donde se encontraba enganchado y obsesionado por las mujeres, sin considerar que es un estilo de vida complicado, al igual que muy costoso y él ya es una persona mayor, lo que origina diversos cuadros de comedia.

Mientras que Alejandro Nones comentó: “Yo creo que la cuestión con las mujeres, es un poco el caparazón que utiliza este tipo, para esconder que en realidad es un ser muy inseguro y vulnerable. Ha sido una experiencia increíble trabajar con un texto que creo que es maravilloso”.

Sobre la experiencia que la gente disfrutará en cada función, José Eduardo Derbez dijo: “Somos amigos desde hace mucho tiempo, pero no nos había tocado trabajar juntos y pienso que nos vamos a divertir mucho y eso también se transmite a la gente, porque si en escena los actores la pasan bien, eso llega a los que están enfrente. Yo considero que es una historia que habla de algo que todos hemos vivido, que nuestra pareja nos deje, que nos pongan el cuerno o cualquier problema en una relación”.

Finalmente, Miguel Burra comentó: “Siento que Lalo es un personaje que está tomando un riesgo y creo que de ahí proviene la diversión y la comedia, porque habla de un tema que puede ser considerado como pasado de moda, porque ahora es un acto revolucionario tener una pareja estable, entonces este wey se sale del cuadro, él quiere casarse y ahora eso no es un plan para nadie”, concluyó.

La clase se estrenará el próximo 23 de octubre en el Teatro México del Centro Teatral Manolo Fábregas, para luego comenzar a girar por Estados Unidos, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La Llorona se ha convertido en un espectáculo emblemático de esta época del año, donde las tradiciones mexicanas son resaltadas a través de una historia potente, que señala nuestro origen cultural y se adentra en el misterio de una leyenda escalofriante.

En esta ocasión, el montaje regresa a sus raíces de terror, para brindar una experiencia inmersiva, pertinente al ecosistema en el que se desarrolla, con planicies milenarias que han presenciado el desarrollo de nuestro mestizaje.

Sobre esta nueva temporada, el productor Eduardo Ordóñez, señala que la puesta tendrá música de viento prehispánica en vivo, sin ser un musical como hace un año, porque la apuesta fue explotar lo que nuestra cultura ofrece y así dar a conocer nuestro origen a partir de la mezcla de dos culturas.

Eduardo, ¿cuál fue la apuesta este año en el espectáculo?
Como la representación pasada, no queríamos descuidar la parte prehispánica y de nuestras raíces, solo que ahora nos fuimos más por este toque de suspenso y terror, lo cual estamos cuidando muchísimo, también seguimos contando con subtítulos para todos los turistas que vengan, también disfruten sin mayor problema.

¿Cómo es la escenografía en esta ocasión?
A diferencia del año pasado, que fue una escenografía más teatral, este año mandamos a hacer una pirámide de piedra, de 4 x 4 y 18 metros de altura, con una escalinata impresionante, con un primer nivel, donde tenemos danza, a la par con el escenario o en el proscenio, en la parte baja y se ve increíble.

En cuanto al vestuario, ¿qué verá la gente?
Este año es un vestuario completamente nuevo, el tipo de espadas de los españoles no son espadas convencionales, son muy realistas, de metal, porque lo que buscamos, es ofrecer al público una experiencia completamente diferente y queremos hacer que año tras año, el público que ya pagó por un boleto, no pague por ir a ver lo mismo, este año es una cosa totalmente diferente.

¿Cómo fue el proceso de casting?
Nos sentimos muy orgullosos del casting de esta obra, porque nos han representado en México y el extranjero, son personas que han viajado por Japón, China, Estados Unidos, estuvieron en Italia y Francia, representando a nuestra cultura y nuestras danzas prehispánicas. Brianda Barajas está haciendo un muy buen papel protagónico, y Roberto Uscanga, que es un actor español, está haciendo un papel maravilloso.

¿Cómo fue tu encuentro con la leyenda?
Hasta un año atrás, lo único que yo sabía de la Llorona, era yo creo, lo que todos sabemos, una mujer que ahoga a sus hijos y se lamenta por el mundo, porque este personaje es realmente muy conocido ya, entonces cuando recibo la invitación, fue un parteaguas impresionante.

¿Por qué consideras que es una experiencia imperdible en la ciudad?
En este espectáculo, al público le brindamos cultura, amor al arte, y les ofrecemos adentrarse a nuestros orígenes, porque mucha gente no percibe todavía que somos una mezcla de dos culturas y eso es lo que necesitamos, recordar de dónde venimos y qué mejor que con una buena historia de terror y suspenso. Queremos que la gente lo experimente muy rico y se enamore muy padre del lugar.

La Llorona se presenta de viernes a domingo en el Embarcadero de Cuemanco, para conocer más información, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro y póster oficial

Ubicado al sur de la ciudad, el Centro Cultural Helénico este recinto es uno de los más visitados por los amantes de la capital, quienes acuden para disfrutar las distintas opciones teatrales que alberga en sus instalaciones, las cuales están conformadas por el Teatro Helénico, Foro La Gruta, la Capilla Gótica y en años recientes el Foro 4 Espacio Alternativo.

El Centro está dirigido actualmente por el creador Antonio Zúñiga, y desde su creación, este emblemático lugar se ha preocupado por presentar una variada oferta dirigida a todo público, desde el más conocedor, nuevos espectadores y por supuesto, a las pequeñas infancias.

Asimismo, este recinto cuenta actualmente con una sucursal de El Péndulo, librería por demás conocida que ofrece también un servicio de restaurante, donde puedes degustar distintos platillos, cócteles o simplemente tomar un café y charlar, mientras esperas la primera llamada para ver la función.

Estas son algunas propuestas que puedes disfrutar en familia, pareja, amigos y de manera individual que se presentan actualmente:

La Hora Radio Roma 2. Al estilo de las radionovelas de la época de oro, esta comedia nos permite ver qué sucede al interior de una cabina de radio y ser parte de las historias que ahí se cuentan, con todo y las vicisitudes de hacer un programa en vivo.

Tebas Land. Esta historia nos sitúa en una celda como escenario principal, y podemos ver de primera mano la relación que se suscita entre un escritor y un joven recluso aficionado al básquetbol que cumple condena por haber asesinado a su padre.

Drácula. Terror, suspenso y frenesí envuelven esta adaptación del clásico mito del vampiro, que nos deleita con una arriesgada propuesta dancística basada en la novela de Bram Stóker.

Familias Monstruosas. Una entretenida historia infantil que usa el cabaret, para hablarnos sobre los distintos tipos de familias, pero desde el universo mágico de una de las fiestas más importantes para nuestra cultura, el Día de Muertos.

Huellas de Manglar. Otra obra que se centra en el tema de las familias, y que resalta valores como el respeto, la unión, la empatía y la solidaridad, y que nos enseña que el verdadero hogar es en donde la familia se encuentra.

Si vives o andas al sur de la ciudad no dejes pasar la oportunidad de conocer este icónico recinto que nos brinda cultura, historia y tradición.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro y Helénico

La clásica historia de Hannsell y Grettell es llevada a escena por Germán Gastelum, en una adaptación de Irán Israel Chávez, con un elenco integrado por Paola Zerone, Juan Gabriel Gastelum, Mario Santa Ana, Habana Zoe, Sebastián Eliuh, Maggie Lemus, Valentina Matta e Iran Israel, con funciones los sábados en el Nuevo Teatro Libanés. 

En escena, conoceremos a dos pequeños que desobedecen a sus padres y se internan en el bosque, lugar en el que son atrapados por una bruja que los quiere convertir en galletas.

Sobre su participación en esta versión, Germán Gastelum expresa su emoción de presentar una historia actual y divertida, con un elenco infantil comprometido y personajes entrañables que invitan al cuidado personal, la equidad de género y el cuidado al medio ambiente.

Germán, ¿cuál es la historia de esta obra en México y qué se va a encontrar el público en esta versión?
En esta ocasión, me toca ser el director, adaptador y actuó a la bruja. Esta obra cumple alrededor de 25 años de haberse producido por primera vez en el Foro Luis Buñuel, anteriormente se trataba de una versión que utilizaba a adultos personificando a niños, ahora no, es la primera vez que habrá actores niños haciendo los personajes infantiles, Habana Zoe y Sebastián Eliuh, ambos son cantantes y tienen una voz preciosa.

¿Cómo consideras que es la respuesta de la gente?
Después de tantos años, el poder llevar a escena este cuento clásico, y darnos cuenta de cómo lo ha acogido el público ha sido extraordinario, porque desde que se anunció, la gente se emocionó muchísimo y el día del estreno en el Libanés, que es un teatro con alrededor de 600 lugares, no se dio abasto, más de la mitad de los boletos estaban pagados.

¿Cómo es interpretar a una bruja?
La gente cree que es muy fácil el hacer personajes fantásticos porque piensan que es como exagerar, y no, porque la farsa es un género donde más necesitas dedicar tiempo a tu interpretación, porque es muy fácil terminar haciendo una payasada. Tiene que haber mucha verdad en los personajes de la farsa.

¿Qué recursos utilizas para adentrarte al personaje?
Dentro de las técnicas que he estudiado para completar mi carrera de actuación, hay una muy conocida que se llama el Samurái y la Geisha, técnica oriental que habla sobre lo femenino y lo masculino, todos tenemos las dos líneas, unos más y otros menos, entonces en este sentido, las brujas representan una energía masculina en cuerpos femeninos, por eso son muy fuertes.

¿Los niños perciben esta dualidad?
Así es, en algún momento un niño me preguntó, usted es bruja o brujo y yo le dije, pues mira, yo soy bruja y las brujas somos lo que queremos, así que no te preocupes. Ahora sería bruje para que no haya problema.

¿Qué problemáticas actuales aborda el montaje?
Lo que me gusta de esta obra es que justamente señala problemáticas actuales, porque en algún momento menciono en escena, ¿cómo hago para atraer más niños a mi casa? Pues abro una cuenta de Facebook, entonces se les recuerda de este tipo de peligros.

Al ser una obra infantil, ¿los padres se aburren?
Los papás se divierten muchísimo, los niños están entretenidos totalmente, porque es un texto muy inteligente, no los trata como tontos, sino como seres humanos, que están sumergidos en un mundo con peligros y que tienen que aprender a defenderse.

¿Te gusta trabajar con niños?
Es interesante que los dos niños se quedan sobre el escenario, yo he dado clases a niños y a adolescentes, la verdad no es algo que me guste, porque amo tanto lo que hago y me es tan importante que lo tomo muy en serio, entonces yo sí los hago tomar muy en serio lo que para ellos es un juego, que si es un juego pero con responsabilidad. Aquí, lo que hice fue tratarlos como profesionales, ya que salieron de un proceso de audición, claro, sí soy más benévolo, no los presiono ni les grito, más bien me pongo un poco serio sin ser agresivo.

¿Por qué esta obra es la opción ideal?
Porque en esta producción se ofrecen mensajes como la unión familiar, la buena alimentación, no irse con extraños, cuidar la naturaleza, a los animales, también habla sobre la equidad de género, porque al principio los niños están en contra uno del otro, y al final terminan dándose cuenta de que tienen que trabajar en equipo y hasta se piden perdón.

Hannsell y Grettell se presenta los sábados en el Nuevo Teatro Libanés, para conocer más información, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Germán Gastelum

Del 18 de octubre al 15 de diciembre podrás ver El corrido del Rey Lear, obra escrita y dirigida por Fernando Bonilla, con un elenco integrado por Juan Carlos Colombo, Alejandro Morales, Valentina Sierra, Daniela Arroio, Malcolm Méndez, Miguel Tercero, Miguel Alejandro León y, haciendo su debut teatral y Juan Daniel García Treviño, con funciones en el Teatro del Centro Cultural Helénico.

En escena, conoceremos la historia de un primer actor que prepara con emoción su próximo estreno de la tragedia Shakespeariana, El Rey Lear. Sin embargo, los estragos de la edad se han hecho presentes, así que no es capaz de memorizar sus líneas, por lo que vive en conflicto con sus compañeros, sin mencionar la frágil relación con su propia hija.

De acuerdo con Juan Carlos Colombo, el protagonista de esta obra, no se trata de una biografía de Héctor Bonilla, se trata de un hombre que está queriendo montar el texto clásico, desde hace mucho tiempo atrás, pero las cosas no resultan como él quiere, ya que le falla la memoria y se pelea con medio mundo.

Además de los conflictos propios de la vejez y la obsolescencia, ¿qué otros conflictos señala el texto? Lo interesante de la obra, es que mi personaje de repente se ve envuelto en un hecho violento. En este caso, un secuestro, lo que provoca que la historia adquiera otra lectura y da una vuelta de tuerca que genera la representación, sí, del Rey Lear, pero interpretado para los narcos que lo secuestraron, entonces abarca muchísimos tonos, es una tragicomedia, están las cosas ridículas pero también los golpes de realidad.

¿Habías coincidido con tus compañeros de trabajo? Yo realmente no conocía a nadie, a algunos de vista nada más, pero es un grupo muy dinámico que tiene códigos bien establecidos, muy fáciles de entender. Se han pasado volando estos meses de ensayo, ha sido muy interesante, divertido e innovador todo el proceso.

¿Disfrutas el comenzar de cero en una compañía? Creo que siempre me han gustado las aventuras y esta es una muy buena para mí, ya veremos qué dice el público, porque eso sí, si los actores no disfrutan el proceso, dudosamente la gente perciba una buena historia.

¿Cómo es Fernando Bonilla como director? Fernando me parece que es un estupendo director, ya había visto algunas cosas de él, y es un director que me encanta, porque es muy relajado y muy divertido, y también muy riguroso, ya que no me deja pasar una, ni a nadie, y eso es algo que disfruto mucho en el trabajo.

¿Qué pertinencia tiene el discurso de esta obra? Hay que ubicar el conflicto personal del actor que quiere hacer el papel que ha soñado toda su vida, dentro de un contexto social y económico complicado, es una obra donde mucha gente se verá reflejada en la parte cómica como en lo trágico también.

¿Por qué regresar al teatro? Después de venir haciendo cosas para televisión y plataformas digitales, necesitaba regresar a hacer teatro, porque me apasiona, así que cancelé otros proyectos que tenía para poder darle el tiempo que necesita un montaje. Es muy rico pensar que solo tienes una locación y un solo lugar para dejar las cosas, estoy muy contento por eso.

 Con tu destacada trayectoria, ¿qué te falta por hacer? Yo nunca he tenido obsesiones específicas, busco enamorarme de los proyectos, en teatro, si no me enamoro del montaje o de algo importante que contenga, prefiero no hacerlo, me es muy sagrado para mí el escenario. No tengo una sensación de que me faltan hacer cosas, lo que pueda hacer es bienvenido.

¿Por qué invitarías a la gente a acudir a la sala? Porque se van a encontrar con una obra diferente a lo que se acostumbra, con un tinte distinto, donde la diversión está asegurada, por medio de una historia contada desde muchos ángulos, yo creo que puede ser atractiva para todas las personas más allá de sus diferencias.

El corrido del Rey Lear, se presenta con funciones martes, miércoles y jueves, en el Teatro del Centro Cultural Helénico, para conocer más detalles, da clic aquí. 

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Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción 

Sabemos que ir al teatro, no siempre es tan económico, pero a quién no le gusta comprar con descuento, y para esto tenemos a Descuentos Cartelera de Teatro, nuestro sitio especializado, donde podrán adquirir boletos con descuentos que van desde el 50% al 20%.

Además de ofrecerles la información más relevante de lo que sucede en la escena nacional, queremos que ustedes, nuestro público lector, pueda acudir y disfrutar de la amplia oferta teatral con los mejores descuentos para que juntos luchemos contra las butacas vacías.

Fieles a nuestro compromiso, aquí les traemos 6 propuestas que  ya arrancaron su temporada y otras que están a punto de levantar el telón, y que pueden adquirir con promociones exclusivas en nuestro sitio.

Los archivos del horror. Jose Ramón Berganza se convierte en un cuentacuentos para contarnos la historia de una madre caníbal, un payaso asesino y cómo un grupo sectario cometió suicido al ritmo de jazz y degustando una copa de vino.  Se presenta los miércoles en el Foro Lucerna. Adquiere tus boletos a un precio especial, aquí.

La hora Radio Roma 2. Con un gran elenco esta divertida comedia nos invita deleitarnos con un programa de radio en vivo y ser testigos de cómo se hacían las radionovelas en la época de oro de la radio en México desde el Teatro Helénico. Consigue tus entradas con ¡30% de descuento!, aquí.

Si te mueres… ¡Te mato! En esta comedia politicamente incorrecta, Azela Robinson y Susana Alexander interpretan a dos cuidadoras de una anciana serbia de 90 años, cuya vida cambiará el día en que por causas naturales están a punto de perder el trabajo. Funciones los sábados y domingos en el Teatro Fernando Soler. Compra con 20% de descuento, aquí.

¿Por qué será que las queremos tanto? Con la participación de Luis de Alba, Alejandro Suárez, Cesar Bono, Benito Castro y Carlos Bonavides, reconocidos comediantes de la pantalla chica. Esta comedia, con una mirada crítica, muestra cómo se sienten los hombres en la actualidad. Adquiere tus boletos con 20% de descuento, aquí.

Nosotras lo hacemos mejor. Fabiola Campomanes, Geraldine Bazán, Dalilah Polanco, de manera alternada, se plantan en el escenario para contarnos las experiencias amorosas de una psicóloga y a la vez tratar de explicar si los hombres son más mentirosos o si las mujeres no son honestas sobre sus relaciones de pareja. Boletos a precio especial, aquí.

Ernest & Bottom. Una opción para disfrutar en familia sobre el poder incondicional de la amistad, relación que puede surgir en cualquier momento y sin importar la edad, acompañada por música en vivo en el Teatro Milán. Consigue tus entradas con 30% de descuento, aquí.

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Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía PinPoint y Cartelera de Teatro

Los hermanos Vanya, Masha y Sonia se disponen a ir a una fiesta de disfraces a la casa de campo contigua. Masha luce su belleza madura en el disfraz de Blanca Nieves mientras Vanya la acompaña como uno de los 7 enanos. Cuando esperan que Sonia aparezca ataviada como otro de los enanos, ésta hace una entrada triunfal al sonido de la música de Cuna de lobos y enfundada en un vestido de gala que, aunado a un parche en el ojo, la identifican como Catalina Creel, el icónico personaje de las telenovelas mexicanas. Sonia, interpretada por Raquel Garza, lanza a diestra y siniestra las frases célebres de la villana (por ejemplo: “jamás sospeché caminar por mi jardín custodiada por un inspector de policía…”), mientras el público ríe, pues, aunque la telenovela data de 1986, sigue siendo un fuerte referente de nuestra cultura popular.

La escena pertenece a la obra Los guajolotes salvajes que bajo la dirección de Enrique Singer se presenta en el Teatro Ignacio López Tarso del Centro Cultural San Ángel. A pesar del muy mexicano título, se trata de la versión mexicana de Vanya, Sonia, Masha and Spike del veterano dramaturgo norteamericano Christopher Durang, quien retoma el universo cotidiano y asfixiante de las obras mayores del autor ruso Antón Chéjov y presenta una comedia plena de guiños y hondas referencias a La gaviota, Tío Vanya, Las tres hermanas y El jardín de los cerezos que en lugar de criticar la vida de la burguesía rusa, disecciona a la clase alta estadounidense, lo mismo con intelectuales malogrados que con rutilantes estrellas de cine en la misma familia.

Merecedor del Premio Tony a la Mejor Obra de 2012, el texto de Durang -importante comediógrafo de quien en México se han montado Cómo arruinar la vida de sus hijos, Muertos de risa soplando velas en el infierno y, la más conocida, Sor María Ignacio lo explica todo para usted, la cual está publicada en el primer tomo de Teatro Norteamericano de Ediciones El Milagro-, Vanya, Sonia, Masha and Spike es una obra difícil de trasladar a un país como el nuestro, en la que los referentes chejovianos no son de impacto masivo, lo que logra en cada representación es una genuina sorpresa, pues es gracias a la muy inteligente traducción y adaptación que hace la actriz y traductora María Renée Prudencio que la obra se pemite sacar esos ‘ganchitos’ que conectan con el público. Lo que en el original de Durang es una imitación de los manierismos de la legendaria actriz británica Maggie Smith, aquí es una imitación delirante de Catalina Creel -interpretada para la posteridad por María Rubio- y eso es una de las formas en que Prudencio como traductora y Singer como director allanan el entendimiento de las situaciones de la obra para el gran público.

“Están mezcladas las obras de Chéjov, todas están en una especie de combo. Los productores decidieron ponerle un título que fuera más llamativo y que sí tuviera una razón de ser con lo que pasa en escena: en esta casa de campo en la que viven Vanya y Sonia hay guajolotes y ellos se repiten toda la obra que ellos son esos guajolotes salvajes porque son torpes, porque no entienden la vida como deben ser. Y también hay una referencia cómica, porque aquí en lugar de haber una gaviota, hay guajolotes”, explica el director.

Singer confiesa que es la primera vez que trabaja con María Renée y la experiencia ha sido por demás satisfactoria al ver trasladados el espacio escénico, los chistes y los referentes a un contexto mexicano, sin sacrificar por ello la comedia de Durang y la atmósfera chejoviana. Para ello, resulta de vital importancia el trabajo del elenco, en el que Raquel Garza, Beatriz Moreno y Margarita Gralia destacan en sus ácidos retratos satíricos.

Al igual que Los guajolotes salvajes, en la cartelera de teatro se han podido disfrutar otras puestas en escena de dramaturgia norteamericana reciente. Apenas hace un par de semanas estrenó Casa de mascotas -cuyo título en inglés, A dog’s house, es un claro guiño al clásico A Doll’s house, Casa de muñecas– del dramaturgo, guionista y productor Micah Schraft, hasta ahora desconocido en nuestro país y que es escenificado gracias a la traducción de Martha Herrera Lasso González y la dirección de Antonio Castro, bajo la producción de Cacumen Producciones, con las actuaciones de Alejandro Calva, Mónica Huarte, Ximena Ayala y Tizoc Arroyo.

También hasta ahora desconocido en nuestro país era el dramaturgo Stephen Karam, uno de los nombres más brillantes de la escena neoyorquina. Obras suyas como Speech and Debate -cuya versión cinematográfica puede verse en Netflix- y Sons of the Prophet -finalista del Premio Pulitzer- le hicieron ganar un prestigio que se consolidó con The Humans, una excelente pieza que fusiona la comedia familiar con el horror cotidiano. Finalista del Premio Pulitzer de Drama 2016 -y se hubiera alzado con la presea de no haber existido en ese año el fenómeno Hamilton-, y ganadora del Premio Tony a la Mejor Obra del 2016.

Los humanos finalmente llegó a nuestro país en este año -luego de varios intentos por levantar el proyecto- en una traducción y adaptación de Paula Zelaya que traslada un Thanksgiving Day en Chinatown en Nueva York a una Nochebuena en el Barrio Chino de la Ciudad de México. Bajo la dirección de Diego del Río, quien insertó elementos metateatrales y propuso un entorno sumamente intimista, casi voyerista, por fin se pudo conocer en nuestro país esta obra sobre los miedos más profundos arraigados en el ser humano y cómo medio se expresan y medio se ocultan durante las reuniones familiares.

Pilar Flores del Valle resultó una grata sorpresa en el personaje de la madre, el cual le valió a Jane Houdyshell el Tony a la Mejor Actriz de Reparto. Pepe del Río, Luz Aldán, Paulette Hernández y Nacho Tahhán integraron el reparto de este montaje que ojalá regrese al escenario -y ojalá que las otras obras de Karam se traduzcan y escenifiquen-, pues se trata de una de las piezas más relevantes del drama norteamericano del nuevo milenio, al igual que piezas como Agosto de Tracy Letts -que tuvo una malograda versión mexicana-, Duda de John Patrick Shanley -que en 2023 se escenificará por segunda ocasión en nuestro país-, Prueba perfecta de David Auburn -que este año tuvo su segundo montaje en la ciudad de México- y, por supuesto, Indecente de Paula Vogel, cuyo impacto todavía resuena en nuestra Cartelera de Teatro.

En México ya conocemos el trabajo de Vogel, una de las dramaturgas norteamericanas fundamentales de finales del siglo XX y lo que va del XXI. Las puestas en escena de sus obras ¿Cómo aprendí a manejar? -traducida y dirigida por Otto Minera e interpretada por Rebecca Jones y Jesús Ochoa– y Desdémona o la historia de un pañuelo -en traducción de Alfredo Michel, dirigida por Benjamín Caan y actuada por Marina de Tavira y Zaide Silvia Gutiérrez– tuvieron un buen recibimiento de público y crítica. Dirigida originalmente por la ganadora del Tony Rebeca Taichman, Indecente evoca la historia de la obra teatral, El Dios de la venganza de Sholem Asch y los embates que enfrentó a lo largo de su creación, montaje y representaciones. El espectáculo mereció el Tony a la Mejor Obra de 2017.

Enrique Arce fue el traductor del texto de Vogel, dirigido en nuestro país por Cristian Magaloni. El también actor y traductor de otras obras en cartelera como Network -del inglés Lee Hall-, comenta: “La experiencia de traducirla fue gozosa, profunda y divertida, fue un trabajo de amor. La empecé a traducir hace más de dos años y al empezar la pandemia la abandoné. Cuando la productora Ana Kupfer me avisó que se hacía este año, la retomé y fue como encontrarme con un viejo amigo y ver desde otro punto de vista cosas que antes pensabas que estaban bien. La trabajé con la directora original y luego con Magaloni. Es una obra que me habló al corazón y al alma y conecté muy bien con ella”.

Asegura que lo más complejo del proceso de traducción “fue encontrar las diversas formas de habla, pues todo es en español, pero había que ir construyendo la forma de los distintos idiomas que se hablan en la obra”, empezando por el yiddish, la lengua original de El Dios de la Venganza.

Arce celebra el hecho de que en la cartelera haya presencia del teatro extranjero -en este caso, norteamericano- y que se pueda ofrecer al público mediante una traducción y montaje a la altura de los originales. “En México estamos muy permeados del teatro extranjero. Manolo Fábregas decía hace muchos años que en México sólo llega buen teatro, porque solo se hacen los los éxitos de otros países: las obras buenas. Aquí nos llegan obras que están muy probadas, muy trabajadas, para que nosotros podamos interpretarlas. A mí me encantaría que hubiera más teatro mexicano, pero en la Ciudad de México el teatro comercial está tan influenciado por el teatro norteamericano o inglés que es difícil que los autores mexicanos compitan a nivel de cartelera y de público con obras que ya están muy probadas y que nos maleducan”.

Sumado a esto, Enrique Singer considera que “México es un país que le gusta vivir en su zona de confort. Hay otras sociedades a las que le gusta lo nuevo, como la alemana, entonces para los artistas alemanes es muy fácil, porque hay mucho público que busca lo nuevo, pero en México nos gusta conservar. Para el artista es muy frustrante, porque él por definición está buscando nuevas formas, pero tienes un público que le gusta lo conservador. Por eso es importante que instituciones como la Universidad esté buscando nuevas formas y que aquello que tenga éxito permee sobre la sociedad”.

Para Arce, quien también ha traducido musicales y éxitos comerciales, el público también responde a modas: “La gente quiere dejar de escuchar cosas extranjeras y quiere oír cosas sobre sí misma. Hay un despertar cultural en esta ciudad en la que pocas obras extranjeras hablan sobre nuestra experiencia y hay una necesidad de ver obras que hablen de ella. Y para ello hay dramaturgas y dramaturgos mexicanos espectacularmente buenos”.

Singer remata: “Cuando fui director de la Compañía Nacional de Teatro, yo sentía la necesidad de que en la Compañía hubiera más dramaturgia nacional, porque es labor de la Compañía abrirle espacios a los autores nacionales, pero no nos podemos cerrar a la dramaturgia de fuera de México, sea clásica o contemporánea. Conocer hacia dónde está yendo el teatro en otros países nos hace más ricos. Y hay que apoyar la dramaturgia nacional desde las instituciones y favorecer el diálogo entre ambas dramaturgias”.

Y, al final del día, de eso se trata, de que las diversas lenguas -con todo y cuanto expresan- se encuentren sobre el escenario y sigan dando forma a los múltiples teatros que habitan esta ciudad y su infinidad de idiomas.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cartelera de Teatro, Luis Quiroz

Esta mañana en conferencia de prensa, los productores presentaron la nueva temporada de La Obra Que Sale Mal, que en esta ocasión se realizará en el Foro Cultural Chapultepec con funciones de viernes a domingo, a partir del 4 de noviembre y hasta enero de 2023.

Al respecto, el actor Artús Chávez expresó: “Creo que todos podemos decir que hay un antes y un después en nuestras vidas, para con esta obra, no solo de forma individual, sino también como productores, quienes nos han dado la oportunidad de formar una compañía que se convirtió en familia, porque todos los que están detrás de escena, también son los mismos desde el principio”.

Y agregó: “Es muy padre llegar al teatro y encontrarte con amigos, el estar juntos y reírnos en el camerino, tocar la guitarra, hacer chistes, y además del enorme placer que es hacer comedia, porque sentimos de verdad como sale el público. Es un lujo”.

Por su parte, el productor Billy Rovzar declaró: “Es un elenco que tiene que tener mucha pasión, cuando ves una película o una serie sabes que la puedes volver a ver y aquí eso no ocurre, por lo efímero del teatro, nunca vas a volver a ver a este elenco y eso es algo importante de entender, podrán pasar 10 años y quizá se vuelva a montar, pero no con ellos, y ellos son el elenco más impresionante que he visto”.

El elenco que conforma esta temporada, lo integra: Luis Rodríguez “Guana”, Daniel Haddad, Artús Chávez, Ari Albarrán, Iván Carbajal, Juan Carlos Medellín, Majo Pérez, Daniel Bretón, Daniel Ortíz, Ana Sofía Gatica, Alex Gesso, Alondra Hidalgo, Yuriria Del Valle, Ricardo Maza y José Dammert.

Ante el cambio de teatro, esta producción no contó con un nuevo diseño escenográfico o cambios considerables. Sin embargo, al ser una obra tan precisa, donde los accidentes podrían suceder fácilmente, requirió de una planeación y medición milimétrica de cada elemento de la escenografía, trabajo desempeñado por Mario Rodríguez, desde la primera temporada.

Al respecto, el director residente, Jerónimo Best, declaró: “Siempre nos tratamos de acercar lo más posible al escenario para tener el mayor contacto con el público, por eso creo que este espacio es ideal, porque permite que todos tengan una vista óptima desde cualquier butaca, a diferencia de otros teatros, pensamos en traer esta obra aquí, después de su temporada en el Helénico, pero no se había podido hasta ahora ”.

Finalmente, la actriz Ari Albarrán, señaló: “A mí la gente me ha preguntado quién puede venir a la obra y ésta, a diferencia de otras, sí es una a la que puede venir toda la familia, cuando vienen niños lo disfrutamos mucho porque son quienes entran luego, luego en el juego y los adultos se contagian”. 

En la trama un grupo de actores de la Universidad Tecnológica de Tlalpan harán hasta lo imposible por representar la obra, Asesinato en la mansión Haversham, sin embargo, todo termina saliendo mal, haciendo honor a su nombre.

La Obra Que Sale Mal arranca su temporada este 4 de noviembre en el recinto ubicado en Mariano Escobedo 665, Col. Verónica Anzures, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

El reconocido actor Humberto Zurita regresa al teatro con la comedia, ¡Papito Querido! que realizará una gira por el interior de la República y Estados Unidos, comenzando el 14 de octubre en su tierra natal, Durango.

Durante la presentación a medios, el productor Gabriel Varela señaló: “Es una obra tan emblemática, tan entrañable, agradezco profundamente la gran confianza que ha despositado en mí, una gran estrella del teatro, cine y televisión, como es el señor Humberto Zurita, para decidirse regresar al teatro con esta obra de Rodolfo Rodríguez que ha sido un éxito, a través de las décadas. Ahora con este extraordinario reparto regresamos a partir del viernes 14 de en la ciudad de Durango, vamos a hacer una gira por toda la República Mexicana y en los Estados Unidos“.

Por su parte, Héctor Zurita expresó: “Agradezco profundamente que estén con nosotros, sin ustedes nosotros no somos nada, gracias por acompañarnos, empezamos en Durango esta gira“, y presentó al elenco que lo acompañará “Víctor González, Ivonne Zurita, mi sobrina, Aylín Mujica y el señor Luis Gática, seremos compañeros de esta aventura que es ¡Papito Querido!“.

Agrega: “Cuando me junté con Gabriel decidimos buscar algo que de verdad divirtiera a la gente, que nos divirtiera a nosotros y que invitara a la gente a venir al teatro sin temor, pero no sólo eso, que volviera a una realidad alegre, optimista, hay reflexión. Es una obra que tiene su reflexión, habla de la hipocresía de la sociedad, pero básicamente es una comedia hilarante, está escrita maravillosamente bien y permite que te diviertas”.

Mientras que la actriz, Aylín Mujíca indicó: “Muchas gracias por estar aquí, finalmente regresamos a una normalidad en el teatro, hacía muchísima falta, porque nosotros los latinos nos consideramos unas personas alegres y ya era momento de regresar al teatro y qué mejor que con esta obra, donde Humberto está sublime no sólo con su actuación, también en la dirección, me encanta que me dirija, es padrísimo y como mujer está espectacular“.

De igual forma, el actor Víctor González compartió: “Estoy muy contento de esta oportunidad que me dio Gabriel Valera, de participar en esta obra que es mi primera gran experiencia teatral en gira y profesional (…) Hemos estado ensayando durísimo, apasionadamente felices y muy divertidos con esta comedia que es un clásico del teatro mexicano“.

Por último, sobre el arranque de la gira, Zurita puntualizó: “Los actores, ni el arte, desdeña ningún lugar, y es bien recibido en cualquier lugar si está bien hecho, si tiene pasión, si tiene rigor teatral. Yo soy gente de teatro, yo nací en el teatro, no soy de la televisión, le debo a la televisión la popularidad. Para mí es maravilloso poder ver un teatro lleno de personas y yo estar arriba del escenario y poder compartir y comulgar, riéndonos de la vida“.

El concepto original, la dirección y adaptación son de Humberto Zurita, la producción general y escenografía de Gabriel Varela, la coreografía de Edgar Alí, la sonorización de José Luis Lazajaru, el diseño de imagen de Javier de la Rosa, el maquillaje de Concepción Rodríguez, y la producción asociada de Miguel Ángel González.

Se trata de una comedia de enredos en la un papá divorciado debe vestirse de mujer para conocer a los conservadores padres del novio de su hija, ya que de ninguna manera aceptarían que su futura nuera sea hija de padres divorciados.

La gira comenzará el viernes 14 de octubre en Durango, 15 de octubre en Torreón, 16 en Monclova, Coahuila, 18 de octubr en Monterrey, N.L., el 20 de octubre llegará a Puebla, 25 a Aguascalientes, 26 a Guadalajara, 27 a Zacatecas, 29 en Ciudad Acuña, Coahuila, y finalmente el 30 en Piedras Negra, Coahuila.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Vicky López

La noche de ayer se llevó a cabo el estreno de la comedia Si te mueres… ¡Te mato!, de Fernando Schmidtt y Christian Ibarzaba, bajo la dirección de Leticia Amezcua, protagonizada por Azela Robinson y Susana Alexander.

Esta historia narra la compleja situación que enfrentan dos mujeres que tienen a su cuidado a una mujer de origen serbio, quien repentinamente muere, provocando un cambió drástico en sus vidas, donde quizá lo más razonable, sea no llamar a la policía.

Al término de la función, el productor Guillermo Wiechers expresó: “Teníamos unas ganas tremendas de poder estrenar esta obra, este pastel de humor negro, desde que mamá Alexander me manda esta obra, entonces dije, no hay manera de no hacer esto”. 

Y agregó: “Cuando empezamos a platicar sobre el recinto donde tenía que ser, dijo hablale a Manuelito Sánchez Navarro, porque fui felíz en Locos por el té. Si hubo alguién a quién yo sentí en todo momento, y que fue un auxiliar era la señora Fela Fábregas, sé que ella está allá arriba, muy contenta, por tener en escena a estas grandes dos damas a las que tanto quisó”.

Por su parte, Susana Alexander expresó: “La semana pasada tuvimos función y la gente salió muy contenta, entonces estamos más que felices, con todo, porque ha sido muy armónico y nada como la armonía en el teatro”, concluyó.

Mario Iván, Talina Fernández, Victoria Ruffo, Margarita Gralia, Manuel Balbi, Lalo España, Beatriz Moreno, Sergio Bonilla y Leticia Calderón, fueron algunos de los asistentes al estreno.

El equipo creativo es conformado por Rogelio Croda en la escenografía e iluminación; atrezzo de Virginia Camet; escenografía por Juan Trujillo; maquilla y peluquería de JCT Producciones; asesores de lengua serbia Branislav Madic y Natasa Vucic; Martha Espinoza en utiliería y vestuario, Lucía Cerón como asistente de producción y como productora asociada Lila Solana Castillo.

No te pierdas de esta propuesta con funciones los sábados y los domingos, en el recinto ubicado en Velázquez de León 31, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La celebración de Día de Muertos en nuestro país abre un abanico completo de opciones para adentrarse no solo en la tradición, sino también en el terror de la época con propuestas que apuestan por el suspenso, la tragedia y lo misterioso del mundo sobrenatural.

Por esa razón, hoy te quiero platicar sobre una icónica historia de Halloween, su nombre, El exorcista, el clásico de William Friedkin y William Peter Blatty, que fue todo un éxito en 1973 en Estados Unidos y que diera origen a una serie de leyendas urbanas alrededor de la actriz protagonista, Linda Blair.

En esta ocasión, la famosa historia es llevada a escena por Alejandro Herrera, con funciones en el Teatro Rafael Solana, si aún no has visto este montaje, a continuación te doy 3 razones para hacerlo:

1. La escenografía y efectos especiales. Durante la función, te aseguro que vivirás un par de sustos memorables, gracias a los efectos especiales presentes al interior de reconstrucción de la típica casa de la película, donde la tensión va en aumento, al paso de las escenas, y con la ayuda de luces potentes, sonidos de ultratumba, entes sin rostro, rastros de sangre y rayos constantes sacados de la peor tormenta en la que quisieras estar.

2. El elenco. Aquí, Anna Ciochetti, Verónica Jaspeado, Diego de Erice, Ricardo Silva, Alejandro Herrera, Juan Manuel Pernas, Ernesto Álvarez, Adonay Guadarrama, José Alberto Gallardo, Guillermo Jaír , Patricia Larrañaga y Paola Meixueiro, recrean una situación paranormal que los lleva a un límite personal, al mover las fibras de sus creencias religiosas, por lo inexplicable de la situación que presencian, así que prepárate para ver llanto, desesperación, miedo y varias muertes.

3. Función de medianoche. La producción de Eduardo López ofrece un espectáculo ideal para disfrutar los viernes a las 12 de la noche, horario perfecto para entrar en la casa de la exitosa actriz, Chris MacNeil y conocer a su dulce hija Regan, así que contacta a tus amigos y vayan en grupo o consigue un par de acompañantes sensibles al terror y disfruta de su trauma, como sea, de cualquier forma será una experiencia distinta, que recordarás al paso de los días.

No te pierdas de esta clásica historia, con funciones en el recinto ubicado en Miguel Ángel de Quevedo 687, consulta horarios, precios y descuentos, aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

¿Qué pasaría si ponemos en tela de juicio a Shakespeare dentro de la cultura de la cancelación? Este es uno de los planteamientos que expone Mrs. Shakespeare, propuesta que sube a escena con la dirección e idea original de Silvia Ortega Vettoretti y la dramaturgia de Verónica Bujeiro.

La obra plantea una revisión de temas y problemáticas contemporáneas que ponen al centro del escenario la obra William Shakespeare, pero de forma desafiante, disruptiva, crítica y, sobre todo, divertida, que ofrecerá temporada del 4 de noviembre al 10 de diciembre en La Teatrería.

Al respecto, Silvia Ortega Vittoretti explica: “Empecé a darme cuenta de que la lectura que tenemos hoy en día las mujeres de los monólogos femeninos están bajo una mirada distinta, antes y después del feminismo, la manera de leerlos toma una diversidad y profundamente distinta. A partir de eso, dijimos, vamos a problematizarlos, vamos a llevarlos a escena en un ensayo, así surgió el concepto de esta idea”.

Agrega: “Este ensayo está centrado en problematizar estos textos, cómo estos personajes se expresaban en aquel entonces y cómo encajan hoy en unas convenciones teatrales distintas, y desde la mirada de mujeres de hoy en día (…) La llamamos farsa punitiva, es una alegoría. Recurrimos al género de la obra didáctica, donde los personajes representan distintas posturas ideológicas para discutir entre sí, para llegar a una cierta conclusión, pero al mismo tiempo hacerlo divertido”.

Por su parte, Bujeiro señala: “El tema es padrísimo y también impone muchísimo la tradición, son 400 años de una obra que sigue viva en todo el sentido de la palabra, las obras realmente cobran vida a través de las actrices y actores y eso es un gran misterio, por eso es casi una religión. Estoy fascinada con la vida que tienen los personajes femeninos, hoy en día lo que nos pueden decir a las mujeres, es increíble”.

Añade: “Fue muy interesante discutir con Silvia qué temas atravesaban a los personajes para establecer esta discusión que llevaría el juicio en el que están las actrices”.

La propuesta aborda los conflictos de los personajes femeninos de Shakespeare como la posesión del cuerpo de la mujer, el reclamo de poder e igualdad frente al género masculino, el libre albedrío, y en particular el uso del disfraz que hace el autor en algunas de sus comedias en donde las mujeres se hacen pasar por hombres.

Emoé de la Parra, Daniela Zavala y Renata Wimer serán las encargadas de dar vida a tres actrices contemporáneas que son enjuiciadas por Emma Dib (Phillipe Henslowe), que personifica a un protector transhistórico del canon y legado de Shakeskpeare, por interpretar a sus personajes bajo una lupa feminista, situación que podría poner en riesgo la vigencia del autor inmortal.

El equipo creativo cuenta con la traducción de monólogos de William Shakespeare de María Inés Pintado, el diseño de escenografía e iluminación de Félix Arroyo, el diseño de vestuario de Mario Marín Del Río, la composición musical y diseño sonoro de Alberto Rosas, y el diseño coreográfico y corporal de Ulises Martínez, bajo la producción de Daniela Zavala y Caja Negra Producciones.

Con esta propuesta, sus creadoras buscan romper los prejuicios sobre lo masculino y lo femenino, jugando con ideas que visibilizan e integran posturas aparentemente divergentes a través del teatro.

Mrs. Shakespeare comenzará sus presentaciones a partir del 4 de noviembre con funciones de viernes a domingo en La Teatrería, ubicada en Tabasco #152, Colonia Roma Norte, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía RedLab Gestión Cultural

Si te gustan las historias permeadas de humor negro, no te puedes perder Casa de mascotas de Micah Scraft, una propuesta que aborda temas como las relaciones de pareja, las verdades o mentiras a medias, donde todos los personajes terminan siendo víctimas de las circunstancias y que nos invita a reflexionar sobre nuestra brújula moral.

Cacumen Producciones trajo a nuestro país esta propuesta con las actuaciones estelares de Alejandro Calva, Mónica Huarte, Ximena Ayala y Tizoc Arroyo, bajo la dirección de Antonio Castro con funciones de viernes a domingo en el Foro Lucerna.

1. La trama. De forma instantánea, la propuesta de Scraft nos sumerge en el dilema moral que enfrenta una pareja actual, al enterarse que su perro ha matado a otro perro, y que inclusive se lo ha devorado. Para tratar de ocultar el hecho, construyen una serie de mentiras, pero sólo es cuestión de tiempo para que la verdad sea descubierta y los obligue a enfrentar su realidad, no sólo sobre su mascota, sino también sobre su relación.

2. Las actuaciones. Calva y Huarte (Aaron y Eva) interpretan a los dueños de un Rottweiler que jamás fue entrenado, que se enamoraron a través de una app de citas, poco a poco nos demuestran que no se conocen como creían, además tendrán que tomar una terrible decisión. En esta pareja, los roles están un poco invertidos, pues es ella quien lleva las riendas del hogar y la relación. Por su parte,  Arroyo y Ayala (Bill y Nicole) son los nuevos vecinos que desean encontrar a toda costa a su mascota “perdida”, y en esta búsqueda muestran sus carencias y la fragilidad de su relación, misma que ha girado en torno a su pequeño Poodle.

3. El espacio. El diseño de escenografía está cargo de Edyta Rzewuska, mientras que el juego de luces es de Matías Gorlero, quienes logran darle ese toque especial a la trama. La historia de ambas parejas se desarrolla en la sala del departamento de (Aaron y Eva) la decoración minimalista hace que nuestra atención esté siempre fija en las conversaciones que se suscitan en ese pequeño espacio, aunque nunca vemos al lomito en escena, sí podemos apreciar algunos de sus sonidos.

Esta es una obra que navega por la comicidad, tensión, emotividad, y que al final nos deja con un mensaje desgarrador y contundente sobre la falta de comunicación en las parejas y los estragos que esta ocasiona.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Este 18 de octubre, llega la 4ta edición de los Premios Metropolitanos de Teatro – Los Metro al Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, para celebrar a lo más destacado del gremio escénico, en una noche de gala,  bajo la premisa de mostrar el mundo interior de los invitados a partir de su vestimenta.

La Academia Metropolitana de Teatro, conformada por Claudia Romero, Dinora Villegas y Sergio Villegas, se prepara para continuar con su tradicional ceremonia, en un nuevo recinto, donde los retos de logística no se hicieron esperar, al igual que el entusiasmo de mantenerse a flote y homenajear a los creativos que colocan a México como una capital del teatro.

Sergio, ¿cómo te sientes ante la respuesta que ha tenido esta ceremonia? La verdad estamos todos super nerviosos y avasallados porque es un proyecto muy grandote, en donde se conjugan las expectativas, los corazoncitos, los egos, los intereses, las frustraciones y las alegrías de muchísima gente. Es difícil quedar a la altura de todos, pero lo intentamos.

Una vez más, Los Metro llegan a un nuevo recinto, ¿cómo se dio esta decisión? Siempre hemos cambiado de sede, no ha sido una decisión muy consiente, creo que lo hemos hecho porque así las circunstancias nos han obligado. Yo creí que la premiación siempre se llevaría a cabo en el Teatro de la Ciudad, pero no ha coincidido, sobre todo porque es difícil encontrar espacios gubernamentales, en donde podamos anunciar las marcas que pagan el evento.

¿Cómo te has sentido en este teatro? Me siento muy contento. En el caso del Julio Castillo, estamos pagando renta y eso nos permite llevar a cabo el patrocinio, la Secretaría de Cultura se relajó un poco con algunos de los gastos para la renta del espacio, sobre todo, en la cuestión de los ensayos y esa fue su contribución, que no nos costara tanto.

¿Planean que el cambio de espacios se convierta en su sello? Lo que nos gustaría sería, siempre, ocupar teatros distintos para demostrar que la huella del teatro en la Ciudad de México, también es diversa y también sucede en diferentes recintos,  creo que eso nos conviene a todos.

¿Por qué el tema de ser visto, en la forma de vestir? Este año el tema lo desarrollo el Colegio Mexicano de Diseño Escénico, en colaboración con la Asociación de Vestuaristas, quienes propusieron que el tema fuera una frase de Pablo Neruda que dice: “Ser es ser visto”. Este concepto también lo desarrolló Sergio López Vigueras, que es miembro del Colegio de Diseño Escénico. Se trata de un posicionamiento sobre el significado, el cual tiene que ver con las identidades y su visibilidad, preguntando de qué manera podemos llevar la moda a través de cómo queremos que el mundo nos perciba. Queremos jugar a eso, la verdad ha sido un poquito complicado, pero prometo que el próximo año será algo más sencillo, quizá el color amarillo o algo así, para que todo el mundo no se estrese.

¿Qué me puedes adelantar de los números musicales? Como siempre todo está cambiando, entonces aún estamos ajustando ciertas cosas, lo que es un hecho es que Aladdín se va a presentar con un número que incluye 100 personas. El espectáculo inicial es bastante ambicioso, ese es con Regina Blandón, quien va a cantar una canción muy bonita. Siete veces adiós también va a estar con todo el elenco, The Prom tendrá un número, y el homenaje a Silvia Pinal será musical. En los premios creativos estarán El Show de terror Rocky, las levaduras de Nación Primordial e incluso Indecente y Pedro melenas, quienes se van a lucir a pesar de que son obras que no son musicales, pero que tienen algunos temas que han encantado a los espectadores.

Se habla mucho de la cantidad de personas que se quedaron sin invitación, ¿cuál es la razón? Ya ocupamos otro teatro, porque no podemos caber todos en el Julio Castillo, entonces todos los elencos de estos musicales van a estar viendo la ceremonia con una pantalla en la Sala Villaurrutia. No te creas, ha sido todo un reto el tema de las invitaciones, los boletos, quién sí quién no, pero todo se debe al lugar en el que se llevará a cabo la ceremonia. Entonces nos sentimos un poco angustiados por eso, pero con la mejor actitud para celebrar a los grandes creativos que tenemos en México.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Icunacury Acosta & Co.

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Comenzamos la cuenta regresiva para el cierre del 2022, sin embargo, la cartelera se nutre cada vez más con distintas propuestas que engalanan las marquesinas de los más de 150 recintos teatrales con los que cuenta la capital mexicana.

Es bien sabido que el género de la comedia, ocupa un lugar predominante en el gusto de los capitalinos, y por ende, aquí traemos una recopilación con las 8 comedias más buscadas durante la primera quincena del mes de octubre.

Checa nuestro listado y anímate a vivir la magia que el arte escénico nos brinda:

8. Te amo, eres perfect@, ahora cambia. Esta propuesta estará de manteles largos el próximo 16 de octubre, al celebrar los 35 años de trayectoria de Chantal Andere, quien en compañía de elenco nos narran diversas historias sobre el amor y lo complicado que resultan ser las relaciones acompañado por diversas melodías.

7. ¿¡¿Por qué no nos casamos?!? Una obra que retrata los errores que se cometen en las relaciones de pareja, pero también los aciertos, al dar el paso más difícil que puede tener un ser humano y que te marca para siempre ya sea para bien o para mal: el matrimonio.

6. ¿Por qué será que las queremos tanto? Si bien esta comedia acaba de levantar el telón, ha entrado a nuestro listado, al lograr reunir en escena a diversas personalidades del mundo de la comedia para hablar sobre el universo masculino, entre botellas y botanas.

5. Dos Más Dos. El tema del intercambio de parejas es la premisa de esta obra que cuenta con varios años en cartelera. Gracias a la forma tan amena de abordar la sexualidad en escena, sumado a los cambios de elenco que le inyectan vitalidad y frescura a la trama.

4. Los guajolotes salvajes. Esta propuesta nos habla de las familias disfuncionales con gran ingenio, tomando como base diversas obras de Chéjov, desde sus personajes hasta los ambientes, mezcladas acertadamente con elementos propios de nuestra cultura, que la vuelven una delicia.

3. Casa de mascotas. Este montaje de humor negro nos hace transitar de la risa, la ira, al suspenso y la tragedia, para contarnos sobre la falta de comunicación en las parejas, partiendo de un acontecimiento funesto que involucra a un Rottweiler y un Poodle.

2. Busco al hombre de mi vida, marido ya tuve. Una obra que va dirigida al público femenino que aborda los problemas de pareja y la separación, pero desde el punto de vista de la mujer, desde su estreno se ha convertido en una de las obras consentidas del público.

1. Lagunilla, mi barrio. Esta versión del clásico de la pantalla grande, ha llegado para apoderarse por un rato de la cartelera como la obra más buscada, al mostrar una historia que evoca los años dorados del cabaret combinado con el colorido y bullicio del barrio bravo.

Este listado es gracias a su visitas, los invitamos a mantenerse al pendiente de todo lo que sucede en la escena nacional a través de nuestro sitio y nuestras redes sociales, y no olviden consultar nuestro sitio de descuentos, donde podrán adquirir sus entradas con diversas promociones.

Por Itaí Cruz, Fotos: charly Duchanoy y Cartelera de Teatro

Te amo, eres perfecto, ahora cambia, es una historia que te atrapará con su premisa, al ser una comedia ligera llena de constantes momentos de humor y risa, donde además disfrutarás de números musicales sobresalientes.

Esta producción se presenta con funciones de viernes a domingo en el Teatro Hidalgo, con las actuaciones de Chantal Andere, Lola Cortés, Federico Di Lorenzo y Efraín Berry, Dulce Patiño, Carmen Sarahí y Óscar Acosta, bajo la dirección de Ricardo Díaz. 

Si aún no has visto esta propuesta, a continuación te platico 3 razones para hacerlo:

1.La universalidad de la premisa. Este montaje es ideal para cualquier tipo de público, debido a la forma de adentrarse a las distintas etapas de las relaciones de pareja, desde los primeros días de relación, la decadencia generada a partir de diversas situaciones a lo largo de la vida, así como el ocaso en la vejez.

2.La forma en que se cuenta la trama. Aquí serás testigo de 16 viñetas independientes, con distintos personajes que cuentan su experiencia en el terreno del amor, otorgando dinamismo a la función y sorprendiendo con la veracidad de sus testimonios, por lo que, sin duda, te identificarás con alguno de los cuadros.

3.El elenco. Cada actor demuestra su dominio de la comicidad a medida que avanza el relato, donde Chantal Andere, Lola Cortés, Dulce Patiño y Carmen Sarahí, dan vida a la parte femenina del romance, y ejemplifican la compleja realidad de las contradicciones del amor, por su parte, Federico Di Lorenzo, Efraín Berry y Óscar Acosta, muestran la visión masculina del reto que es consolidar una relación en la actualidad.

Te invitamos a acudir al Teatro Hidalgo y tener una experiencia agradable en el centro de la ciudad, y adéntrarte en un abanico de posibilidades a la hora de amar.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Si quieres pasar un rato en compañía de la familia con propuestas dirigidas a niñas y niños, pero no sabes qué ver, aquí te damos algunas recomendaciones con las obras que más buscan nuestros seguidores, y te animes a asistir al teatro este fin de semana.

Estas propuestas abordan diversos temas como la familia, las tradiciones, a aceptar al otro y al mismo tiempo, logran entretener no sólo a los niños y niñas, también a los adultos que los acompañan.

5. El camino del colibrí. Esta propuesta conjuga en escena música en vivo, teatro, danza folklórica y prehispánica, para contarnos las leyendas del Colibrí́ y la Flor del Cempasúchil con funciones sábados y domingo en el Teatro Xola.

4. La peor señora del mundo. Una emotiva invitación a los pequeños a adentrarse en el mundo de la literatura, a través de la historia de dos amigas inseparables que encuentran en un baúl el cuento y sin percatarse el personaje cobra vida y las obliga a representar su historia. Se presenta los domingos en La Teatrería

3. La sirenita. Esta versión musical del cuento de Hans Christian Andersen, sumergirá a los pequeños en una aventura acuática con marionetas y juegos de luces fluorescentes para contarnos la historia de una princesa marina todos los domingos en el Teatro Tepeyac.

2. Corazón gordito. Una propuesta dirigida al público adolescente, que aborda de manera sutil y conmovedora temas propios de la edad como la autoestima, la pérdida de la inocencia y la unión familiar, a través de la historia de dos gemelas que no se parecen en nada y lo único que las une es el amor. con funciones sábados y domingos en el Teatro Orientación.

1. Descubriendo a Cri Cri. Un recorrido por el mundo creado por el Grillito Cantor, a través de cuentos e icónicas melodías como La muñeca fea, El ratón vaquero o El ropero, de la mano de Mario Iván Martínez que se presenta todos los domingos del mes en el Teatro Hidalgo.

Si deseas conocer otras opciones para llevar a tus pequeños al teatro, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía CMV Comunicación y Producción

El viaje del corazón es una obra que transita la relación entre padres e hijos, mostrando sus distintas etapas y señalando la importancia de una correcta interacción con el propósito de crear un vínculo inquebrantable.

Esta historia llega al Teatro El Granero Xavier Rojas, con funciones los sábados y domingos, hasta el 6 de noviembre, con la interpretación de Diana Becerril Zárate y Erwin Veytia, bajo la dirección de Ireli Vazquez Román y la producción general de Tomás Rojas Rebolledo.

Tomás, ¿cómo surge esta propuesta? Este montaje señala la importancia del vínculo entre padres e hijos, inspirado en el mito de Ícaro y Dédalo, en donde un papá y su hijo están atrapados dentro de un laberinto y tienen que encontrar la manera de escapar y librarse de ese encierro y así poder disfrutar de su vida en libertad.

¿Por qué ubicar a los protagonistas en una situación así? Bajo esta premisa, el padre se da cuenta, al paso del tiempo, que la clave de este escenario complejo, es el disfrutar de la compañía de su hijo y es a través del juego, de las confesiones, de la relación, del cariño entre los dos personajes que juntos encuentran la posibilidad de librarse del encierro, creando unas alas con las cuales logran librarse de esos muros y alcanzar la libertad.

¿La gente verá el mito tal cual? Nuestra historia la contamos con juegos y confesiones de los mismos actores, el mito está actualizado, no nos vamos a los dioses griegos, sino que estamos con jeans y camisa de tela, intentando hablar de este lazo en la actualidad.

¿Cuál ha sido la respuesta de los espectadores? A la gente le gusta mucho, sale muy contenta porque es muy divertida y conmovedora, es una gran ocasión para que los niños con sus papás, piensen sobre cómo es su relación. De pronto, en la obra, el papá le pregunta al hijo qué es lo que más lo hace enojar y el hijo responde: “que todo sea tu ritmo que nunca me veas, ni me escuches, que nunca tengas tiempo para mí y que siempre tenga que hacer lo que tú quieres”, y eso que lo escuchen los pequeños con sus padres, brinda un espacio bien bonito de reflexión.

¿Además del mito griego, qué otros elementos utilizaron para nutrir la premisa? En escena se cuenta la experiencia de cada actor con su papá, y todo lo que venimos arrastrando. En la historia el personaje de Ícaro dice que cargamos con piedras que no son nuestras, y de qué manera nuestra herencia genealógica nos va haciendo cargar con situaciones que nos dificultan la vida, entonces eso ha sido un aporte sustancial.

¿En qué atmósfera se desarrolla la acción? El montaje trabaja mucho con luces, buscábamos que la acción ocurriera dentro del estudio del inventor, con esto, el espectador comienza a entender que hay un problema con la conexión, con un corto circuito, por lo que todo el dispositivo escénico se mueve a través de este elemento.

¿Tienes algún recuerdo con algún espectador a lo largo de las temporadas? En una ocasión, un abuelo que venía con su hijo y con su nieto se acercó con nosotros y nos comentaba lo revelador que fue para él, adentrarse en esta propuesta, ya que los recuerdos lo invadieron y reflexionó sobre los errores y aciertos que pudo haber cometido, y a la par podía analizar la relación de su hijo con su nieto, lo que demuestra la evolución de este tipo de uniones al paso de los años y los cambios dentro de la sociedad.

¿En dónde se ha presentado el montaje? Estrenamos por primera vez en 2018, más tarde en Carretera 45, luego estuvimos en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, y ahora en El Granero, donde vamos a acabar nuestra temporada en la Ciudad de México.

El viaje del corazón se presenta con funciones el fin de semana, en el Teatro El Granero Xavier Rojas, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía de Simone D’Alterio 

Del 24 de octubre al 4 de noviembre podrás disfrutar de la coproducción escénica, El rey se muere del dramaturgo Eugène Ionesco, bajo la adaptación y dirección de David Olguín con funciones de martes a domingo en el Teatro El Milagro.

Se trata de una producción binacional mexico-francesa, a cargo de la compañía Comala, con un elenco encabezado por el actor francés Denis Lavant, así como la actriz Anïs Umano; con la destacada actriz Laura Almela y Pedro Mira.

La propuesta tendrá una temporada especial con sólo 11 funciones, para mostrar una versión del texto clásico utilizando la confrontación y el punto de encuentro entre dos idiomas, con altas dosis de humor negro de por medio.

En conferencia de prensa, el productor Fernando Valenzuela, expresó: “Comala, la compañía que formamos en París en el 2019, es una evidente referencia a la obra de Juan Rulfo, Pedro Páramo, donde se produce un encuentro entre los vivos y los fantasmas y eso es lo que nos interesa el trabajo en las fronteras entre dos realidades. Este es un proyecto donde además queremos generar una discusión , entre los académicos y los artistas para ofrecer distintos universos al interior de una misma historia”.

Agregó: “Este proyecto tuvo su origen a principios de este año, donde queríamos contar con la participación de dos actores extranjeros y dos mexicanos, para que operara en ambos idiomas, sin perder la posibilidad de que el espectador y los actores establecieran un lenguaje a a partir de este maravilloso lenguaje que es la escena”.

En escena conoceremos cómo la muerte de un rey, es el pretexto para plantear interrogantes atemporales, referentes al poder político, su implicación en la sociedad y en la vida individual.

En este espectáculo conviven el idioma francés y el español, con el objetivo de reforzar el discurso de la trama y apostar por la universalidad de aquello que Ionesco escribió en su Diario a propósito de El rey se muere: “Diez minutos más, señor verdugo; un minuto más señor verdugo, treinta segundos más”. Para eso, ¿quién está preparado?

El rey se muere se presenta a partir del 25 de octubre con funciones en el Teatro El Milagro,  para conocer más, detalles da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos:Cartelera de Teatro

Anoche la comunidad teatral celebró a lo mejor del teatro en la cuarta entrega de los Premios Metropolitanos de Teatro que se llevó acabo en el Teatro del Bosque Julio Castillo.

El evento fue conducido por Regina Blandón, mientras que el Premio Honorífico fue entregado a la primera actriz Silvia Pinal por su gran trayectoria en el teatro.

Lista de ganadores:

PREMIO MASTERCARD A LA MEJOR OBRA DE TEATRO MUSICAL
ALADDÍN EL MUSICAL
Morris Gilbert
Julieta González
Federico González Compeán
Thomas Schumacher”

PREMIO A LA MEJOR OBRA DE TEATRO
JUNIO EN EL 93
Teatro de Arena

MEJOR COMEDIA
EL CAMERINO DE OFELIA
El incendio de Isolda
Descenajenarte
Clavo Torcido

MEJOR ESPECTÁCULO UNIPERSONAL
OTTO
Corpo Lab
Oscar Serrano Cotán

MEJOR OBRA PARA PÚBLICO JOVEN
PEDRO MELENAS Y OTRAS HISTORIAS PARA DESOBEDIENTES
25producción

MEJOR ESPECTÁCULO CABARET
POR TEMOR A QUE CANTEMOS LIBRES
Teatro de los Sótanos

MEJOR PROYECTO TEATRAL EN VIDEO
DJANGO CON LA SOGA AL CUELLO
Por Piedad Teatro
The Play Company
Teatro UNAM
Cristobal MarYán
Ana Graham
Antonio Vega

PREMIO DEL PÚBLICO A LA EXPERIENCIA TEATRAL DEL AÑO
SIETE VECES ADIÓS
Ola Ke Ase Creativos
Alan Estrada
Jannette Chao
Vince Miranda
Salvador Suárez
Playhouse Entertainment
Daniel Delgado
Carlos Mtz Vidaurri

PREMIO A LA TRAYECTORIA
Silvia Pinal

PREMIO CIUDAD DE MÉXICO
CENTRO DE ESTUDIOS PARA EL USO DE LA VOZ

MEJOR ACTUACIÓN FEMENINA PRINCIPAL EN UN MUSICAL
Anahí Allué
THE PROM MÉXICO

MEJOR ACTUACIÓN FEMENINA PRINCIPAL EN UNA OBRA
Nohemí Espinosa
PEDRO MELENAS Y OTRAS HISTORIAS PARA DESOBEDIENTES

MEJOR ACTUACIÓN MASCULINA PRINCIPAL EN UN MUSICAL
Gerardo González
THE PROM MÉXICO

MEJOR ACTUACIÓN MASCULINA PRINCIPAL EN UNA OBRA
Manuel Cruz Vivas
TEBAS LAND

MEJOR ACTUACIÓN FEMENINA DE REPARTO EN UN MUSICAL
Gloria Toba
ALADDÍN EL MUSICAL

MEJOR ACTUACIÓN FEMENINA DE REPARTO EN UNA OBRA
Carmen Mastache
JULIETA TIENE LA CULPA

MEJOR ACTUACIÓN MASCULINA DE REPARTO EN UN MUSICAL
Juan Pablo Escutia
ALADDÍN EL MUSICAL

MEJOR ACTUACIÓN MASCULINA DE REPARTO EN UNA OBRA
Alejandro Morales
7 AÑOS

MEJOR DIRECCIÓN DE UNA OBRA MUSICAL
Casey Nicholaw
ALADDÍN EL MUSICAL

MEJOR DIRECCIÓN DE UNA OBRA
Martín Acosta
JUNIO EN EL 93

MEJOR DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA PARA UN MUSICAL
Bob Crowley
ALADDÍN EL MUSICAL

MEJOR DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA PARA UNA OBRA
Félix Arroyo
PEDRO MELENAS Y OTRAS HISTORIAS PARA DESOBEDIENTES

MEJOR DISEÑO DE ILUMINACIÓN PARA UN MUSICAL
Natasha Katz
ALADDÍN EL MUSICAL

MEJOR DISEÑO DE ILUMINACIÓN PARA UNA OBRA
Matías Gorlero
JUNIO EN EL 93

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO PARA UN MUSICAL
Gregg Barnes
ALADDÍN EL MUSICAL

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO PARA UNA OBRA
Azucena Galicia
A GOLPE DE CALCETÍN

MEJOR DISEÑO SONORO PARA UN MUSICAL
Ken Travis
ALADDÍN EL MUSICAL

MEJOR DISEÑO SONORO PARA UNA OBRA
Juan Pablo Villa
A GOLPE DE CALCETÍN

MEJOR COREOGRAFÍA Y/O MOVIMIENTO PARA UN MUSICAL
Casey Nicholaw
ALADDÍN EL MUSICAL

MEJOR COREOGRAFÍA Y/O MOVIMIENTO PARA UNA OBRA
Paola Izquierdo
A GOLPE DE CALCETÍN

MEJOR COMPOSICIÓN DE MÚSICA ORIGINAL PARA UN MUSICAL MEXICANO
Vince Miranda
Alan Estrada
Jannette Chao
SIETE VECES ADIÓS

MEJOR COMPOSICIÓN MUSICAL ORIGINAL PARA UNA OBRA
Deborah Silberer
PEDRO MELENAS Y OTRAS HISTORIAS PARA DESOBEDIENTES

DRAMATURGIA MEXICANA
Luis Mario Moncada
JUNIO EN EL 93

MEJOR ADAPTACIÓN DE OBRA DE TEATRO O MUSICAL
Mauricio García Lozano
Manuel Cruz Vivas
Miguel Santa Rita
TEBAS LAND

MEJOR DISEÑO DE VIDEO
Jorge Orozco
NETWORK

MEJOR ENSAMBLE EN UNA OBRA DE TEATRO O MUSICAL
JUNIO EN EL 93

PREMIO EMPRESA ALIADA A LA CULTURA PRESENTADO POR GRUPO EXPANSIÓN EN ASOCIACIÓN CON EL COLEGIO DE PRODUCTORES DE TEATRO
GRUPO FINANCIERO INBURSA

Los Metro reconocen el valor cultural del teatro y a todas aquellas personas que lo hacen posible: productores, escenógrafos, actores, actrices, maquillistas, traductores, bailarines, dramaturgos, directores, vestuaristas y un largo etcétera de profesiones que en conjunto logran dar vida a un sinnúmero de historias.

Fotos: Cortesía IQ Icunacury Acosta & Co.

Por únicamente 3 funciones, el espectáculo musical de Disney Junior, llega al Centro Cultural Teatro 1, para alimentar la ilusión del público más joven, de la mano de algunos de los personajes favoritos de la casa del ratón.

Esta mañana, en conferencia de prensa, el productor Alejandro Gou, expresó: “He trabajado con las empresas más destacadas alrededor del mundo, y me faltaba la más importante, Disney, era la licencia que me faltaba tener, aunque se molesten colegas y demás socios”.

Y agregó: “Lo que van a ver en este show es mucha participación y lo que se busca es que los niños ayuden a resolver un misterio, se trata de una experiencia íntima donde los adultos también se puedan divertir”.

De acuerdo con Gou, los niños se adentrarán en un bosque mágico, en el cual, por medio de un extraño viento, se pierden todos los caminos, por lo cual los personajes característicos de Disney JR encabezados por Mickey & Minnie, acompañados de Vampirina, Doctora Juguetes, Princesita Sofía y los Opa Popa Dupa, junto con la participación de Leonordo, Monhaha y Flower Power, tendrán que resolver este gran misterio y encontrar el camino adecuado.

Cabe destacar que este show está diseñado para teatro, dejando de lado la distancia que los grandes centros de entretenimiento generan en su interior, donde en muchos de los casos, los niños experimentaban una experiencia alejada.

Dirigido por Ariel del Mastro (encargado de la producción en Argentina) esta producción apuesta por la inclusión de los niños diagnosticados con autismo, donde a través de diversas ONG, se acondicionará el recinto con las medidas necesarias para que disfruten de esta historia también.

Al finalizar, el productor aseguró que esta producción visitará Guadalajara, Monterrey y posteriormente, Latinoamérica, con presencia en la mayor parte de la República Mexicana, a partir del próximo año.

Disney Junior, se presentará con funciones en el Centro Cultural Teatro 1, el 21, 22 y 23 de octubre, para conocer precios, horarios y descuentos, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Para todos aquellos amantes de la época dorada de la radio, Próspero Teatro y Tercera Llamada, traen de vuelta una nueva temporada de la comedia radiofónica más querida por los fanáticos teatrales, La hora Radio Roma 2 que en esta ocasión nos cuenta con mucho ingenio la historia de “La Quedada” y “Ramamám y el Jaguar de Jade”.

El texto escrito por Camilla Brett, Jerónimo Best y Cristóbal Montiel, es una delicia para cualquier espectador, aunado a las grandes actuaciones de Ana González Bello, Christopher Aguilasocho, Hamlet Ramírez, Johanna Murillo, José Carlos Illanes, José Ramón Berganza, Majo Pérez, Miguel Santa Rita, Nohemí Espinosa, quienes se presentan de manera alternada sumado a un invitado especial que se les unirá en cada función.

Si ya tuviste oportunidad de verla sabes que es un joya, y si no has tenido chance o no estás convencido, aquí te dejamos 3 razones para que te lances este fin de semana al Teatro Helénico.

1. La esencia en escena. Uno de los elementos más importantes de esta propuesta es la “espontaneidad” que vemos en escena, situaciones que parecieran ejecutadas de manera inesperada, sin embargo, todo está perfectamente calculado y esto es gracias a la precisa y dirección de Camilla Brett y Artús Chávez. Esta dupla de creadores logran transportarnos a la forma en que se realizaban las radionovelas en nuestro país, acompañado con gran humor de pautas publicitarias.

2. El elenco. Los nombres que conforman el montaje hacen gala de sus habilidades y la potencia de voz a la hora de improvisar, cada uno ejecuta de forma divertida y atinada cada personaje que le toca representar, es así como podemos ver a Nohemí Espinosa representando a una villana que puede hacerle competencia a la misma Catalina Creel a una diosa prehispánica, de igual forma Miguel Santa Rita consigue hacernos pasar grandes momentos al personificar a un joven introvertido o un patiño yucateco. Sin olvidar al invitado sorpresa que tendrá que poner a prueba sus habilidades, y es ahí donde radica la clave del espectáculo, permitiendo que cada función sea distinta.

3. El equipo creativo. Desde que uno entra a tomar su asiento, la escenografía creada por Adrián Martínez Frausto, nos indica que estamos dentro de una cabina de radio de aquellos años que se complementa con el juego de luces, y ni qué hablar de los vestuarios elaborados por Giselle Sandiel, así como la música propuesta por Pablo Chemor, todo en conjunto dota de gran realismo a lo que sucede en escena.

Estas son algunas razones, pero podríamos contarte más, sin embargo, lo mejor que podemos hacer es invitarte a vivir esta experiencia que busca cautivar tu atención y no perder detalle de lo que ocurre sobre el escenario.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz

El Festival Internacional de Cabaret llega a su edición número 19, con propuestas que integran cabaret, sátira política, humor, burlesque y performance, por medio de temáticas sociales como la diversidad e inclusión, la salud mental, el placer, acompañadas de altas dosis de crítica política.

Como cada año, este encuentro es organizado por Las Reinas Chulas, Luz Elena Aranda, Cecilia Sotres y Nora Huerta, quienes apuestan por la visibilización de minorías y su inclusión sin estigmas, en la vida diaria, como en el montaje infantil, Cuentos para no dejar de soñar de Talia Loaria con función gratuita en el Centro Cultural de España, este domingo 23 de octubre.

Talia, ¿qué verán las audiencias jóvenes en esta propuesta?
En realidad se trata de un teatro cabaret para toda la familia, para todas las edades. Cuentos para no dejar de soñar es una obra que nació en la pandemia, es un espectáculo de narración oral, con historias biográficas de personas que han marcado a la humanidad, contadas a manera de cuento con un toque cabaretero, con mucho humor de por medio.

¿Qué temas se mencionan?
Hablamos sobre racismo, diversidad, discriminación, violencia de género, todos esos temas que no sabemos cómo abordar con las infancias porque a veces no tenemos la suficiente información, situaciones que nadie nos enseñó como abordar. Entonces, este festival es ideal para que no solo los niños puedan venir a aprender, sino también las personas adultas.

¿Qué representa para ti el trabajar para niños?
Yo creo que las personas adultas ya estamos muy echadas a perder, entonces trabajar con las infancias es una maravilla, ¿sabes?, es como muy fácil entablar una conversación mucho más abierta porque no hay prejuicios de por medio, ellos están ávidos de escuchar y de aprender.

¿Cómo lo vives con tus hijos?
Es algo que yo he estado experimentando a través de mi maternidad, con mis hijes, tengo un niño y una niña que también forman parte de la compañía, es algo muy bonito, porque desde los 5 años quisieron entrar, pero yo les dije desde ese momento que si querían hacer teatro debían cumplir con todo, aunque sea el cumpleaños de tu mejor amiga, si tienes función, tienes función. En este sentido, es muy bonito enseñarles toda la disciplina que se requieren para poder cumplir un sueño.

¿Qué es lo más entrañable que te ha dejado tu experiencia en cabaret?
El ver a familias completas y a los niños pequeños, reír con tu interpretación no tiene precio, sobre todo cuando al finalizar, los padres te dicen que las historias de diversidad que contamos, les han servido para entender el proceso de sus hijos.

Luz Elena, más allá del entretenimiento, ¿cuál es la apuesta de esta edición?
Nosotros siempre apostamos por abordar las problemáticas políticas y sociales, temas que son de interés para las distintas audiencias, desde el humor y la risa. En los temas que hacemos más énfasis actualmente, son las cuestiones de violencia de género, el problema del bullying, y en esta edición en específico, quisimos abordar en mayor medida, la visibilidad de la comunidad trans.

¿Cómo visualizas el festival en un futuro?
Lo que nosotras quisiéramos es descentralizar el festival, si bien hemos tenido experiencias fuera de la ciudad, creemos que falta mucho que hacer para poder llevar estas historias a más lugares de la República, y en formato gratuito. Al final, el cabaret es un género teatral que tiene un alto contenido teatral y en ese sentido, el sueño del festival, es que sea una oferta cultural accesible para todos.

¿Por qué consideras que este proyecto ha durado tantos años?
La vigencia y la respuesta positiva de este festival es la experiencia cercana con el público, no se necesita haber visto cabaret antes para disfrutarlo, no se necesita estar enterado de ciertos temas, porque lo que hace este festival es su honestidad. Además, las compañías, este año son muy jóvenes, llevan muy pocos años haciendo cabaret, y eso de lo que habla es la importancia que tiene este género para las creadoras y creadores de espectáculos, así como la necesidad que tiene la gente de ver estos temas de interés social, presentados desde el humor.

No te pierdas las propuestas que este festival trae para ti, con funciones hasta el 29 de octubre, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB de Luz Elena, Talia y festival

Si te gustan los personajes entrañables, de esos que, al calor de la función, te emocionan y sacuden con su inesperada transformación en el transcurso del relato, entonces, Si te mueres… ¡Te mato!, es la opción para ver este fin de semana.

En esta producción encontrarás momentos gloriosos de humor negro, derivados de la compleja situación que viven los personajes, donde los claroscuros de nuestra humanidad, son reflejados con precisión.

A continuación te contamos 3 razones para ver este montaje con funciones los fines de semana, en el Teatro Fernando Soler: 

1.La premisa. En este montaje serás testigo de una historia inesperada, donde los giros dramáticos ocurren constantemente, manteniéndote al filo de tu butaca desde que el telón se abre, donde conocerás a dos peculiares cuidadoras que por no perder su trabajo y librarse de problemas con las autoridades, deciden no dar aviso de la muerte de la mujer a su cuidado y quizá, utilizar a su favor tal situación.

2.Las interpretaciones. La dramaturgia de Fernando Schmidtt y Christian Ibarzaba es llevada a escena de una forma épica por dos actrices consagradas, a la hora de provocar emociones en el espectador, Azela Robinson y Susana Alexander, quienes hacen un trabajo que te dejará con la boca abierta. Aquí la risa estalla a la menor provocación, debido a las vicisitudes que las dos protagonistas enfrentan, permitiendo una deliciosa catarsis imposible de olvidar.

3.La ambientación escénica. La acción ocurre al interior de la lujosa casa de una mujer de edad avanzada, extranjera que se quedó en nuestro país, alejada de su familia, por lo que verás guiños a la obsolescencia de diversos objetos, donde las dos cuidadoras utilizan diversos puntos dentro del espacio para maximizar situaciones hilarantes llenas de tensión.

Estas son sólo algunas razones para ver este espectáculo, que te aseguro, disfrutarás de principio a fin, no esperes más y consigue tus entradas para esta divertida comedia donde todo puede pasar.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Ubicado en la colonia Juárez, el Teatro Milán/Foro Lucerna se ha consolidado como uno de los sitios preferidos por los teatreros por su amplia oferta que va desde propuestas dramáticas, pasando por musicales y obras infantiles, que consiguen atraer a público  de todas las edades, principalmente al que ronda las edades entre 30 y 40 años.

El edificio cuenta con una larga historia teatral en los años 70 del siglo pasado, la Universidad Veracruzana estaba a cargo de su operación, hasta que ocurrió el terremoto de 1985. Años más tarde, Pablo Perroni y Mariana Garza compraron el inmueble que fue reconstruido en su totalidad, con la supervisión y diseño del escenógrafo Sergio Villegas.

El espacio cuenta con un teatro principal, Teatro Milán con capacidad para 260 butacas, mientras que el Foro Lucerna, ubicado en la parte de arriba, cuenta con un aforo que va de 90 a 140 asientos, que dependen de la configuración del montaje. Asimismo, es uno de los pocos recintos que cuenta con elevador, lo que facilita el traslado de las personas con sillas de ruedas o alguna dificultad de movilidad para acceder al foro.

Aquí te contamos sobre algunas de las propuestas que se presentan en temporada en sus espacios y te animes a visitarlo.

Jauría. Este drama basado en hechos reales nos habla del abuso sexual en escena. El montaje nos lleva por los momentos más dolorosos y fuertes que sufre una joven de 18 años, durante una celebración masiva, cuando es atacada sexualmente por 5 hombres.

Así de simple. Una historia sobre el amor en pareja, si bien puede parecer la misma historia de siempre, sus autores logran darle una vuelta de tuerca al mostrar con gran ingenio los aciertos y desaciertos que suceden en toda relación amorosa.

Ernest & Bottom. Una obra familiar compuesta por música y clown que cuenta la historia de dos viejitos “Ernest”, un gruñón que se resiste a estar encerrado en una habitación, y “Bottom”, un enamorado del mar.

Las Meninas. Un espectáculo único que logra hacernos reír a carcajadas sueltas y al mismo tiempo nos educa sobre algún personaje histórico nacional. En este episodio, sus protagonistas abordan con gran ingenio y osadía la vida de Sor Juana, una de las mujeres más importantes de nuestra historia.

Abismo. Esta propuesta nos sumerge en un mundo virtual, cada vez más cercano a nuestra realidad, donde sus visitantes pueden dar rienda suelta a sus fantasías más oscuras, sin ser juzgados por la ley o la sociedad.

Si deseas conocer la programación completa que ofrece este espacio teatral, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción, FB/somoslasmeninas

Si disfrutas de un punzante, incómodo, pero entrañable humor negro, entonces tienes que ver Aquí todo se sabe, comedia escrita por Jacobo Levy, Hugo Yofee, Rodolfo Guillén y José Appo, con funciones hasta el 14 de diciembre en el Foro Shakespeare.

Por presentar una historia ideal para reírte de nuestra volátil y un tanto sarcástica humanidad, a continuación te doy tres razones para verla.

1. Las viñetas de la historia. En este montaje conocerás a los integrantes de una familia en la década de los años 50, quienes inesperadamente deben enfrentar el deceso repentino de una tía, poco empática, que tenían a su cuidado. También conocerás a un psiquiatra con métodos peculiares y a su paciente, quien desea a toda costa “ser normal”; mientras que los antiguos problemas de dos amigos, que no se ven desde hace mucho tiempo, surgen nuevamente a raíz de la muerte de una amiga en común. Finalmente verás los deseos de una mujer que quiere ser madre a pesar de su reciente soltería.

2. La comedia. En esta propuesta encontrarás 4 realidades, donde los sueños, las penas y las dificultades que enfrentan los personajes son presentadas con altas dosis de humor, a través de un elenco integrado por Erwin Veytia, Paola Izquierdo, Mischa Arias de la Cantolla y Astrid Mariel Romo, quienes cuentan con alto dominio en la comicidad, así que te espera una linda experiencia cómica, como ninguna.  Aquí no se necesitan grandes elementos escénicos, ni efectos especiales para representar con claridad el malestar de los protagonistas, así que reflexionarás sobre qué harías tú ante una situación parecida, soltando una buena carcajada.

3. La dirección. Daniela Parra ofrece un espectáculo hilarante, donde las vueltas de tuerca planteadas por los autores del montaje son llevadas hasta las máximas consecuencias, ofreciendo un panorama amplio de la psicología de los personajes, donde también disfrutarás de transiciones musicales poco convencionales, que rompen con la viñeta presentada y profundizan en lo patético de los seres humanos.

No te pierdas de esta propuesta con funciones los miércoles en el Foro Shakespeare, para conocer más información, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Del 28 de octubre al 30 de diciembre regresa Un Acto de Dios con un elenco renovado, encabezado por Horacio Villalobos, Daniel Vives “La Supermana” y Carlos Rangel “La Manigüis” como los arcángeles, bajo la dirección de Pilar Boliver.

En esta ocasión, la dramaturgia de David Javerbaum será presentada en el Teatro Xola Julio Prieto con funciones cada viernes, para enseñar al público mexicano los nuevos mandamientos que tendrían que llevarse a cabo, debido a la caducidad y poca práctica de los 10 originales.

Horacio, ¿qué significa para ti, el regresar con esta comedia, ahora con tus amigos más cercanos en escena?
La verdad nos sentimos muy felices de poder ofrecer al público una comedia dotada con el gran sentido del humor negrode David Javerbaum, quien es genial. Él fue el más entusiasmado al contarle la idea de incluir a La Supermana y a La Maniguis como los nuevos arcángeles y no dudó en apoyarnos.

¿Consideras que estos personajes transforman la historia?
Claro que sí, a Daniel y Carlos yo los conozco desde hace mucho tiempo atrás, y nos une una profunda amistad desde que estábamos en Desde gayola, programa que fue parteaguas en la televisión mexicana para la comunidad transexual, actualmente existen muchas opciones donde aparecen grandes talentos trans y donde se muestra todo ese color de los grandes vestuarios, el pelo, el maquillaje, en fin, pero nosotros fuimos los primeros en hacerlo en un momento donde no existía esa apertura.

En este sentido, ¿qué cambios se hicieron en la obra para que los personajes nuevos destacaran más? Pilar Boliver ha hecho una adaptación espectacular de la obra y como directora nos conoce a la perfección, sabe también lo que nuestro público disfruta, ahora los arcángeles tienen mayor participación en la historia con sus momentos entrañables de humor.

¿Cómo es Pilar como directora? A Pilar yo la adoro, nos une una amistad preciosa, pero en el escenario es muy profesional, y no porque nosotros no lo seamos, al contrario, a todos nosotros nos apasiona el teatro, y nos gusta hacerlo bien. De repente, sí nos exige mucho en nuestra interpretación, pero también conoce nuestros puntos fuertes y los lleva al siguiente nivel. Ella se ha formado en el teatro toda su vida,  yo soy el más encantado de poder seguir trabajando con ella muchos años más.

¿Cómo ha sido tu experiencia con el público en la sala? La gente se viene a reír muchísimo, es un espectáculo que toda la familia podría ver, porque apelamos a la apertura, la empatía y la generosidad, eso es lo que me gusta del autor, que te provoca una reflexión de nuestra terrible y lastimada realidad, para hacer catarsis a través del humor negro, que además es un género que yo disfruto mucho, así que la gente realmente viene a desconectarse, a encontrándose con estos personajes y divertirse mucho.

¿Planean llevar este espectáculo de gira? Sí, estamos contemplando visitar lugares dentro de la República Mexicana donde la gente ama el teatro, aún no sabemos cuantos estados ni cuantas fechas, porque es complicado porque yo no solo hago teatro, hago televisión, podcast, en fin, es difícil, pero sí estaremos de visita en algunos puntos.

No te pierdas este montaje, con funciones todos los viernes, a partir del 28 de octubre en el Teatro Xola, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB de Horacio

Uno de los musicales más apreciados en los últimos años es Los últimos cinco años, escrito por Jason Robert Brown, bajo la dirección de José Sampedro con las actuaciones de Aitza Terán y Diego Medel,  que ofrece su última temporada en el Foro Lucerna.

Para esta temporada, la producción está de manteles largos ya que el musical lanzará próximamente su disco oficial, el cual estará disponible en formato físico y plataformas digitales.

Sobre este regreso a los escenarios con esta última temporada, el actor y cantante Diego Medel comparte: “Nos hemos dado cuenta que la obra ha madurado muchísimo, estamos muy felices y queríamos cerrar esta última temporada con la noticia de que tenemos un disco, una grabación original y mundial, con todos los permisos de esta musical que ahora existe en español”.

Una dupla perfecta

La obra se estrenó en 2017 con Aitza Terán y Rodrigo Giménez, un año después la obra regresó con Terán y se sumó al elenco Medel, para esta nueva temporada se reencuentran luego de varios proyectos por separado, situación que ha nutrido a ambos artistas y se ve reflejado en escena.

En este sentido, Medel indica: “La obra se estrenó hace cinco años, yo entré un año después y durante todo este tiempo, nosotros hemos madurado como artistas, hemos pasado vivencias que nos permiten tener un poco más de “carnita” para abordar nuestros personajes”.

Añade: “Con Aitza me llevó muy bien, estamos muy felices de tener la oportunidad de contar otra vez esta historia, a partir de estos nuevos procesos, y el resultado hoy en día creo que es bastante bueno y se refleja”.

Los últimos cinco años vs. Siete veces adiós

El también cantante actualmente participa en el musical Siete veces adiós, en el que da vida a algunas de las melodías que conforman la puesta, mientras que en Los últimos cinco años, no sólo canta, también es el protagonista de la obra.

Respecto a la diferencia de ambos montajes, Medel señala: “Obviamente se parecen, porque ambas historias empiezan con el término de una relación, sólo que en Los últimos cinco años podemos ver reflejado toda la relación de inicio a fin, en diferentes líneas del tiempo, y en Siete veces adiós, ya terminó la relación, y la historia empieza donde estos dos personajes intentan regresar a lo que tenían antes y se dan cuenta que estaban mejor separados”.

Agrega: “A diferencia de Siete veces adiós, Los últimos cinco años aborda cosas como los logros profesionales y la manera de cómo tener una relación más sana”.

En escena una pareja nos cuenta cómo fue su relación en los últimos cinco años. Jamie (Medel) nos la cuenta de principio a fin, mientras que Cathy (Aitza) la cuenta del final al inicio. Los personajes nunca interactúan a excepción de un tema; justo en el momento en que se cruzan ambas líneas de tiempo.

“Hay una cosa que defiendo mucho de Jamie, mi personaje, a pesar de todo lucha porque su profesión y su carrera, lleguen al lugar que él espera y soñó en un principio, es algo que me gusta rescatar más que el tema de una relación fallida”, concluye Diego Medel.

Cabe señalar que el musical ha sido traducido a más de 10 idiomas y cuenta con más de 15 producciones alrededor del mundo, llegó a nuestro país de la mano de Playhouse Entertainment.

Los últimos cinco años se presenta todos los jueves hasta el 8 de diciembre en el Foro Lucerna, ubicado en Lucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía VIOGG

Anoche el Teatro Rodolfo Usigli se vistió de flores y luces con el estreno de Dos Gardenias, propuesta cabaretera y musical, que nos transporta, al ritmo de los boleros, a los años 40, donde la tragedia y el romanticismo permeaban en las cintas mexicanas que nuestros abuelos y padres disfrutaron en blanco y negro.

El montaje es escrito, dirigido y producido por Jonathan Rubén y estelarizado por Coco Máxima (Gardenia) Beto Torres (Carlos), Samantha Salgado (Azucena), Alexander Soto (Santito), Paris Roa (Tomás), acompañados por los músicos en vivo David Dumat (dirección musical, arreglos y piano), Juan Manuel Flores (contrabajo y arreglos), Manuel Berzunza (arreglos), Alberto Cortés (requinto), Moisés Pascual Granados (trompeta) y Jorge Galindo (percusiones).

Al término de la función, Jonathan Rubén expresó: “Muchas gracias por venir, gracias por acompañarnos y compartir esta cosa que se me ocurrió, una cosa llevó a la otra, yo quería hacer un concierto de boleros y acabó en esto, nunca dejen de llevarlo más allá”.

Agregó: “Agradezco a mis compañeros actores, a los músicos, al personal del teatro y quiero que le demos un fuerte aplauso a nuestra madrina, a quien viene a darnos la patadita de la buena suerte, Alejandra Bogue”.

Por su parte, la primera actriz y vedette mexicana, Alejandra Bogue, compartió: “Estoy muy emocionada, gracias por invitarme a madrinar, no tengo palabras. Me encantó, los cuadritos de las películas de los 40, creo que así se verían a color, ¡felicidades!”.

La trama se sitúa en los años 40, donde conocemos a Gardenia, una bella mujer, que perdió a su madre tras un terrible accidente. Acompañada de su mejor amigo Santito, Gardenia canta cada noche en un cabaret del centro de la ciudad, soñando con el hombre de su vida, pero oculta un secreto. Hasta que conoce a Carlos, un hombre mayor, que se vuelve su admirador y tiempo después, dueño de su corazón, sin embargo, por azares del destino, su amor está condenado.

Dos gardenias se presentará por una corta temporada todos los martes hasta el 6 de diciembre en el Teatro Rodolfo Usigli, ubicado en Eleuterio Méndez 11, Col. San Mateo, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

La noche de ayer se llevó a cabo la presentación a medios de la tragicomedia El corrido del Rey Lear, obra escrita y dirigida por Fernando Bonilla, con un elenco integrado por Juan Carlos Colombo, Alejandro Morales, Valentina Sierra, Daniela Arroio, Malcolm Méndez, Miguel Tercero, Miguel Alejandro León y,Juan Daniel García Treviño.

La premisa de esta historia gira en torno a un primer actor que prepara con emoción su próximo estreno de la tragedia Shakespeariana, El Rey Lear. Sin embargo, los estragos de la edad se han hecho presentes, así que no es capaz de memorizar sus líneas, por lo que vive en conflicto con sus compañeros, sin mencionar la frágil relación con su propia hija.

Al término de la función, Fernando Bonilla expresó: “Podría hablar 47 horas de todo lo que ha pasado con esta obra y este proceso, simplemente quiero agradecer muchísimo. Es una obra que ha dado muchos tumbos, porque la pandemia desmadro muchos calendarios y programaciones, al final se abrió este hueco para estrenar los martes y miércoles en el Teatro Helénico”.

Y agregó: “Dudé mucho para aceptar esta opción o presentarla en otro lugar, pero bueno, la verdad es que cuando escribí la obra, siempre me imagine que ocurriera en este teatro, así que me pareció lindo estrenarla aquí, donde la planta técnica me ha hecho sentir como en casa”, concluyó.

Entre los invitados estuvieron presentes, Nohemí Espinosa, José Carlos Illanes, Christopher Aguilasocho y Pedro De Tavira, por mencionar algunos.

El corrido del Rey Lear, se presenta con funciones martes, miércoles y jueves, en el Centro Cultural Helénico, para conocer más detalles, da clic aquí. 

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Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Nos encontramos en esos días del año donde los disfraces de Chuky, asesinos seriales, fantasmas, demonios, y quizá, una que otra conejita sexy, aparecen en las calles de la ciudad, de forma natural durante la noche.

Así es, esta temporada funciona como el pretexto ideal para volver a ser un infante y disfrutar o padecer el miedo que algunos espectáculos ofrecen, y sí el teatro es lo tuyo, a continuación te platico algunas propuestas imperdibles este fin de semana.

1. Esquizofrenia. Si bien esta propuesta no aborda los acontecimientos sobrenaturales como eje principal en su premisa, esta propuesta es ideal para experimentar el miedo de las enfermedades mentales, donde conocerás la historia de un médico psiquiatra quien decide internarse en un hospital psiquiátrico por su propia voluntad y así tratar de encontrar la cura para la esquizofrenia.
2. Los archivos del horror. Aquí escucharás diversos relatos sobre algunos de los crímenes más sangrientos, basados en casos reales, en voz de un singular archivero, quien sin compasión y con altas dosis de humor negro te sacará una que otra carcajada.
3. Vive el terror mx. ¿Te has imaginado correr de las garras de un terrorífico payaso, o quizá de alguna otra entidad de oscuridad al interior de la sala de un teatro? Entonces prepárate, porque en esta atracción te encontrarás con aquellos personajes de pesadilla, listos para sacarte un buen susto.
4. El exorcista. Durante la función te aseguro que vivirás un par de sustos memorables, gracias a los efectos especiales al interior de reconstrucción de la típica casa de la película de 1973, con la actriz Linda Blair, como protagonista, donde la tensión va en aumento, al paso de las escenas, y con la ayuda de luces potentes, sonidos de ultratumba, entes sin rostro, rastros de sangre y rayos constantes sacados de la peor tormenta en la que quisieras estar.
5. La dama de negro. La clásica adaptación que el director Rafael Perrín hizo sobre la historia de Susan Hill y Stephen Mallatrat, es una de las obras de terror más longevas en nuestro país, donde el misterio y la mítica presencia de una entidad femenina dispuesta a acabar con tu vida, te estará esperando.

Ahora conoces algunas propuestas ideales para ver durante esta temporada del año, así que, continúa la tradición del horror y lo inexplicable, con sus premisas, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Mentidrags de Manuel López Velarde, es la versión alternativa de la historia original, donde podrás disfrutar de una obra muy distinta, a pesar de contar con los mismos elementos.

Aquí, el elenco está integrado por Rogelio Suárez, Fher Soberanes, Iker Madrid y Regina Voce, quienes ofrecen funciones los miércoles y jueves en el Teatro Aldama, de una comedia musical ideal para beber un trago.

Si aún no la has visto, acá te cuento 3 razones para hacerlo.

1. El vestuario. Si te impresionó la última versión de Mentiras, el musical, acá el vestuario lo disfrutarás aún más, ya que se tratan de prendas creadas por la conocida drag queen Letal, quien agradeció la libertad creativa a la hora de imaginar a los característicos personajes de Velarde, convertidas en drags.

2. El elenco.  Rogelio Suárez, Fher Soberanes, Iker Madrid y Regina Voce, hacen un trabajo destacado en la interpretación de sus personajes, imprimiendo su personalidad, ofreciendo al público una comedia musical con efectivos momentos de humor.

3. Las canciones. Dentro de este universo drag queen planteado por el autor, los temas interpretados tienen mayor coherencia, si tomamos en cuenta la exaltación de los elementos visuales dentro de la escena drag. Por lo que en este montaje experimentarás una sensación de mayor libertad a la hora de cantar con el elenco, y si te quedaste con ganas, el lobby se convierte en el after party ideal, para terminar de corear las rolas a gusto.

Ahora conoces algunas razones para ver este espectáculo, no te lo pierdas con funciones los miércoles y jueves en el Teatro Aldama, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Una de las producciones más esperadas por los teatreros es la nueva versión de, El show de Terror de Rocky, a cargo de Rafa Maza y Jaime Jalpe que se presenta en el Nuevo Teatro Silvia Pinal.

Esta propuesta cuenta en sus filas con las tremendas actuaciones de Beto Torres, Gloria Aura, Moisés Araiza, Juan Fonsalido, Mari Filipini, Ceci Arias, Carla Heftye y como el narrador Gerardo González, bajo la dirección del propio Maza

Si aún no has visto este montaje, aquí te van algunos datos importantes que estamos seguros te animarán a acudir este fin de semana:

1. Richard O’Brian. La leyenda cuenta que la idea surgió en momentos de aburrimiento del actor y le sirvió para fundir sus dos pasiones: el terror y la ciencia ficción. Cuando terminó el guión se lo presentó al director Jim Sharman.

2. West End. El musical se estrenó el 19 de junio de 1973 y Jim Sharman dirigió las primeras funciones en el Royal Court Theatre de Londres, ese mismo año ganó el premio Evening Standard Theatre como Mejor musical. Se presentó en otros lugares de Londres y cerró el 13 de septiembre de 1980.

3. Elenco. Los actores que se sumaron al proyecto desde su inicio fueron, Tim Curry, Patricia Quinn, Nell Campbell, Julie Covington y el mismo O’Brien.

4. La Gran Manzana. Antes de pisar Broadway, el musical se presentó durante 9 meses en Los Ángeles, y en 1975 hizo su debut en el Teatro Belasco, donde obtuvo una nominación al Tony y tres nominaciones al Drama Desk.

5. Película de culto. Cuando dio el salto a la pantalla grande, el director Jim Sharman mantuvo al elenco original del montaje, lo que le valió la aprobación de los críticos, y el éxito en taquilla, convirtiéndose en una de las películas más influyentes de la historia del cine.

6. Influencia en la comunidad. El musical ha influido significativamente en los movimientos contraculturales y de liberación sexual que siguieron desde la década de 1960, prueba de ello, es el personaje de el doctor Frank-N-Furter (Curry),quien continúa siendo referente e ícono para las viejas y nuevas generaciones LGBT+.

Sin duda, El show de Terror de Rocky es una experiencia única, que te invita a vivirla una y otra vez, para conocer más información sobre horarios, precios y descuentos, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía PinPoint

Entramos a una de las épocas más coloridas del año, Día de Muertos, festividad que pinta de morado, naranja y negro la capital y en la que podemos ver distintas propuestas escénicas que abordan el tema de la muerte desde la comedia hasta el drama, y por supuesto para todos los gustos.

Tal es el caso del Centro Cultural La Titería que como cada año presenta una temporada de la ya famosa puesta en escena, La Chorcha de las calacas, que en esta ocasión ofrecerá funciones el sábado 29, domingo 30 y lunes 31 de octubre, así como martes 1º y miércoles 2 de noviembre.

Al respecto, Amaranta Leyva, directora del recinto, explica: “Empezó como un divertimento del Día de Muertos que fue creciendo y lo que hacemos es que cada año, la dramaturgia cambia, según lo que pasó en el mundo, en México, quién llegó con La Catrina este año”.

Agrega: “Hemos tenido versiones tristes como cuando fue el terremoto o la pandemia, en las que hicimos un homenaje a los doctores, enfermeros o a la perrita Frida y los rescatistas, y este año tendremos una invitada muy especial que no podía faltar, la reina Isabel”.

Durante la representación, los pequeños espectadores también podrán ver un pequeño sketch con Moctezuma, Hernán Cortés y La Malinche, quienes llegan tarde al festejo de los 500 años de La Conquista, todo esto aderezado con el gran ingenio de la pluma de Leyva.

Otra de las actividades que ofrecerá en estos días, La Titería es una instalación lúdica llamada, La Temible Cueva de Jaloguín, con dos personajes de La Chorcha, Calabaza Tierna y Calaquita.

Sobre esta actividad, Amaranta comparte: “Tenemos una instalación lúdica, La cueva del Jaloguín, en la que los niños entran a jugar y hacer la historia de la Calabacita, un personaje de La chorcha, que no le gusta asustar, porque a él gusta bailar, y su amiga Calaquita que le gusta asustar y no bailar como las calacas. En la Cueva del jaloween los niños oyen esta historia y le ayudan a Calabacita a que aprenda a asustar y ya no le de miedo”.

En este ejercicio, los infantes podrán hacer un títere o una máscara, buscarán dulces y todos bailarán al ritmo de los personajes, volviéndose una actividad inolvidable para celebrar en estos días de octubre y noviembre.

Además este año, la compañía Marionetas de la Esquina se presentó en diversas partes del estado de Guanajuato llevando este espectáculo infantil, como parte de la 50° edición del Festival Internacional del Cervantino, donde la Ciudad de México es la invitada de honor.

“Empezamos ya la temporada de la Chorcha de las calacas que se presentó en el Cervantino, estuvo padrísimo, estuvimos en Irapuato, Guanajuato y León. Abrimos la temporada en La Titería con funciones en distintos días”, concluye Leyva.

Si tienes pequeños en casa no dudes en visitar La Titería que está ubicada en Vicente Guerrero 7, Col. del Carmen, en el corazón de Coyoacán, consulta su programación, dando clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía La Titería

La producción de Teatro UNAM y la Compañía Nacional de Teatro, La violación de una actriz de teatro, de la dramaturga Carla Zúñiga ha llegado al Teatro Juan Ruiz de Alarcón para exponer la violencia de género y los abusos al interior del gremio escénico, con funciones hasta el 4 de diciembre.

Esta historia surgió en la pandemia, a partir de un caso de la universidad en la que la autora estudió, en donde se hizo una denuncia colectiva de mujeres que argumentan haber sido víctimas de abuso por parte del mismo estudiante de actuación.

La obra cuenta con la dirección en escena de Cecilia Ramírez Romo, las actuaciones de Amanda Schmelz y Karla Camarillo. 

Cecilia, ¿cómo sientes que la gente ha recibido esta historia?
Ha sido una sorpresa muy bonita, la verdad es que desde que me invitaron no tenía mucha claridad de cómo por dónde iba a abordarlo, al principio. Me sorprendió que la gente estaba muy preocupada por el título, me decían que estaba muy fuerte y que si no se lo iba a cambiar, eso me conmovió porque parte de una realidad muy triste en el país y del gremio, pero que sucede, desde muchos lugares.

¿Crees que como sociedad es más sencillo ignorar la realidad?
Nos dicen que hay que dejar de hablar de ello, como si al hacerlo dejara de existir, estamos hablando de un caso muy específico, pero como el teatro mismo es una metáfora de algo mayor, al hablar de estas dos actrices de teatro, se vuelve una historia completamente universal, donde cae ese conflicto en realidad.

¿Cómo viviste el estreno?
Yo no sabía qué iba a rebotar el mensaje de tal forma en que sucedió en el estreno y se abrió una puerta muy bonita, porque finalmente el teatro cumple su función al influir en el espectador, lo que se lleva a su casa o lo que platica en los tacos saliendo, ahí termina el teatro.

¿Cuál es el rasgo que más te interesaba resaltar en esta adaptación?
No solo estamos hablando de estas dos mujeres, se está hablando de una realidad que impera en el país desde siempre, y que ahora se está planteando a través de propuestas como esta, no es ficción, pero es ficción, las actrices se llaman como ellas, se trata de ficción, pero no cambié ni una sola palabra y ahí es donde está la impresión.

¿Qué elementos construyen el espacio escénico?
A través del espacio escénico ofrecemos la posibilidad de que te imagines, qué significa vivir con un trauma constante y que eso no se quita nunca, planteamos el cómo es vivir con eso, un cuadro gigante que está en tu casa, mente, corazón y entrañas, llevándolo a una terrible realidad de violencia que nos sigue atravesando.

¿Por qué era importante que el equipo creativo estuviera conformado por mujeres, en su mayoría? Esto fue construido desde un lugar de colaboración absoluta, lo hicimos entre todas, digamos que desde el discurso, todo está armado para generar diálogo desde el interior de la misma puesta. Se trata de un equipo conformado en su mayoría por mujeres, efectivamente, porque creo que hay que avanzar en ese sentido. Cuando un proyecto se colectiviza, es determinante, para que el público pueda identificarse desde distintas aristas y no solo de una, porque la idea es que salgan con muchas preguntas, respuestas no las damos.

Las funciones de este montaje son de jueves a domingo en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario, ubicado en Av. Insurgentes Sur 3000, Ciudad Universitaria, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Teatro UNAM/José Jorge Carreón

Uno de los puentes más coloridos ha llegado, días continuos de descanso, tradición y diversión, esto claro, si eres un niño, ya que ellos son los afortunados en poder disfrutar aún más, la clásica celebración que nos caracteriza.

Afortunadamente, en Cartelera de Teatro contamos con diversas producciones donde la muerte, la ofrenda, las velas, los fantasmas, algunos monstruos y quizá, un poco de sangre se hacen presentes, para enseñarnos el gran regalo que es estar vivo y valorar la existencia todos los días.

Por eso, a continuación te recomiendo 5 obras ideales para ver con toda la familia, durante este largo fin de semana.

1. Las andanzas de la Catrina. En este espectáculo disfrutarás de cuatro historias que realzan nuestra mexicanidad a través de cuatro historias: el cuento de Macario y su juego con la muerte, Pedro Páramo en la ciudad de los muertos, también verás a La Llorona en diferentes momentos de la historia, así como a dos abuelos que explican la tradición de Día de Muertos, a través del altar. Además, aquí todo es enmarcado por bailes tradicionales como: las brujas, el Huerfanito, la bamba, Moño, la calaca y de concheros, al ritmo de huapango y otros géneros musicales.
2. Vivos muertos. La premisa de esta obra, se desarrolla un primero de noviembre, en un panteón de un pueblo de Michoacán, donde Guadalupe recibirá la visita de su hijo Pedro y sus dos nietos, a quienes no ve desde hace diecinueve años. Esta visita hará que la familia lime sus diferencias a través de las tradiciones, lo que provoca un encuentro con un ser fallecido.
3. Calaveritas mexicanas. En escena verás cómo es que se conmemora el tradicional Día de Muertos, en compañía de La Catrina y sus calaveritas inspiradas en las estampas de José Guadalupe Posadas, en una celebración que conjugan baile, teatro y música.
4. El camino del colibrí. En esta producción encontrarás teatro, danza, ópera y artes circenses que se conjugan para contarnos una leyenda mexicana de Amor y de Muerte, por medio del romance de dos Piltontli y Huitzilin, dos jóvenes cuyos destinos se entrelazan desde niños, mismos que todas las tardes subían a lo alto de la montaña a llevarle flores a Tonatiuh, el dios sol.
5. Monstruos el musical. Acá conocerás al Doctor Jekyll, quien quiere volver a transformarse en el perverso señor Hyde, pero para lograrlo debe completar su fórmula con una “enzima de maldad” que existe en la sangre de los monstruos, por lo que decide citar a todos los que conoce para asesinarlos y cumplir su meta. Sin embargo, ninguno de ellos se imagina que la noche dará un giro dramático, inesperado y sumamente divertido.

Ahora conoces algunas de las propuestas imperdibles en Día de Muertos, para conocer mayor información sobre las obras, haz clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Danza visual

Del 31 de octubre al 4 de diciembre, llega al Claustro del Instituto Cultural Helénico la obra, María.La bruja Tlahuipochi, drama de terror que cuenta la historia de una mujer que se quita convierte en bola de fuego y sale volando de los cerros para buscar recién nacidos y extraer su sangre.

Esta producción cuenta con la dramaturgia de Mila D. Román y la dirección de Marco Dzul, con un elenco integrado por Alicia Lara, Pamela Balderas, Francisco Betancourt, Norma Castañeda, Carlos Abraham Gongo, Rodrigo Carbajal, Ruth Dobler, Lily Angelos, Carolina Bustamante Elizalde, Aurea Quijada y Pueblo López.

Marco, ¿cómo te sientes de dirigir este espectáculo una vez más?
Me siento muy contento, porque es un espectáculo en el cual yo participo desde hace 6 años, esta es nuestra sexta temporada, entonces para nosotros es un placer hacerlo cada año.

¿Qué va a ver la gente en esta temporada?
Lo que va a encontrar la gente es una historia de tradición, una leyenda que nosotros tratamos de resaltar, buscamos hacer una apología de nuestras tradiciones, de la música, del color y del sabor, más que una historia de terror es una historia de suspenso, es un cuento mágico que la gente disfruta mucho. Yo considero que es una montaña rusa de emociones, ya que puedes estar contento, de repente muy triste, y vuelves a estar contento, después viene el suspenso, en fin, es una propuesta ideal para ser contada en cualquier época del año por su vigencia, pero en estas fechas cobra mayor relevancia.

¿La obra ha cambiado?
La gente nos acoge con mucho cariño y contamos con espectadores que repiten todos los años, porque a pesar de que siempre es la misma historia, nosotros tratamos de cambiar ciertos detalles para que siga provocando emoción en el público. En esta ocasión, los vestuarios reflejan este color de nuestra tierra, porque debemos de estar orgullosos de nuestros orígenes, eso para mí es lo más importante, el difundir nuestra historia prehispánica es vital, para poder comprender en dónde estamos parados ahora.

¿Le viene bien el Claustro a la historia?
Es un espectáculo multidisciplinario, es un cóctel de sabor. El dirigir un proyecto así me da la posibilidad de explorar la tradición oral con la que contamos y señalar su riqueza, en un espacio tan bellísimo como es el Claustro del Centro Cultural Helénico, es lo mejor, mismo que tratamos de incorporar a la historia en todo momento, al fondo también tenemos La Capilla Gótica que tiene una fachada sumamente encantadora, entonces, sin duda, le viene muy bien este recinto.

¿Existen las brujas?
Claro. Se tratan de energías diferentes, a las que nosotros respetamos muchísimo. De hecho la historia está basada en una leyenda particular, tiene sus raíces en Xochimilco, también tratamos de resaltar las culturas de esa región, en donde existe un cerro muy famoso, antiguamente llamado el Cerro de las brujas, lugar en el que hemos ensayado y en donde hemos experimentado un par de situaciones interesantes. No lo contamos demasiado para no caer tanto en controversia, pero sí hemos registrado en fotografías algunas presencias que, de hecho, hemos mandado a estudiar porque realmente nos ha intrigado lo que hemos percatado a simple vista.

No te pierdas esta propuesta con funciones de jueves a domingo, hasta el 4 de diciembre, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Octavio Castañeda

Si bien se trata del proceso natural del ser humano, la pandemia mundial suscitada en 2020 nos ha hecho más conscientes y sensibles al fenómeno de la pérdida y la partida de tantas y tantas personas. La comunidad teatral no ha estado exenta de perder a muchos de sus valiosos miembros.

Este año hemos despedido a varias figuras de la escena y, recientemente, tras la partida de actores como Mauricio Davison y Marta Aura -a quien se les dedicaron obituarios en Cartelera de Teatro-, se resintieron las de la actriz, directora y docente Adriana Roel, el actor y docente Miguel Flores y el director y docente Manuel Montoro, cuyas trayectorias teatrales son un ejemplo de calidad.

Por ello, para celebrar este Día de Muertos, Cartelera de Teatro les pone un altar a estas tres figuras de nuestro teatro en reconocimiento al impecable legado que nos dejan.

ADRIANA ROEL (1934-2022)

A lo largo de más de 60 años de actividad, Adriana Roel mereció los más diversos reconocimientos por su trabajo siempre anclado en el teatro, con notables aportaciones en el cine (su actuación en Anacrusa de Ariel Zúñiga y No quiero dormir sola de Natalia Beristain fue reconocida con el Premio Ariel) y la televisión (el gran público la ubica por su participación en famosas telenovelas como Viviana, El extraño retorno de Diana Salazar y Amarte es mi pecado).

Debutó en grande, en Los frutos caídos de Luisa Josefina Hernández dirigida por su maestro Seki Sano y protagonizada por su admirada María Douglas. De inmediato se posicionó como una joven figura y, desde entonces, estuvo presente en momentos fundamentales del teatro de la segunda mitad del siglo XX, pues perteneció primero a la Compañía de Repertorio del INBA -en donde actuó obras de Ibsen, O’Neil y Miller- para luego ser parte, a principios de los sesenta, del proyecto Teatros del Seguro Social, en donde participó en piezas memorables como Juego de reinas y Las troyanas, bajo la dirección de José Solé y al lado de Ofelia Guilmain. En los setenta, integró la recién creada Compañía Nacional de Teatro. Ahí escenificó Examen de maridos de Ruiz de Alarcón, Las tres hermanas de Chéjov, La casa de los corazones rotos de Shaw y Luces de bohemia de Valle Inclán y trabajó bajo la dirección de Ignacio Retes.

Más de veinte años después, Adriana Roel regresó a la Compañía Nacional de Teatro, en calidad de actriz de número -el equivalente al mote “primera actriz-, en donde destacó su presencia en las obras Natán el Sabio de Lessing e Ilusiones de Viripaiev, con Enrique Singer y Mauricio García Lozano como directores. Su último trabajo fue en Memoria, un homenaje para ella y otros tres actores -Ana Ofelia Murguía, Marta Aura y Ricardo Blume- creado por Paula Zelaya y Diego del Río.

Aunque su trayectoria es por demás prolífica, es de destacar la etapa en la que colaboró con su maestro, amigo y compañero de oficio Dimitrios Sarrás, controvertido director y docente griego con quien durante los setenta logró una mancuerna única reflejada en obras como Alfa Beta de Whitehead y Las criadas de Genet. El punto más alto de la dupla fue en la obra de Neil Simon, La dama de pan de jengibre, obra con la que la actriz obtuvo premios de la crítica especializada y la cual ella misma consideraba su mejor actuación en un escenario.

La consolidación de su carrera teatral que logró con esas propuestas, le permitió continuar con proyectos de alto calibre, como Sonata de otoño de Bergman, dirigida por Salvador Garcini, El hombre elefante de Pomeranc, dirigida por Rafael Sánchez Navarro, Magnolias de acero de Harling, en dirección de Héctor Bonilla, Hamlet de Shakespeare dirigida por José Luis Ibañez y Adorables enemigas de Kirkwood, formando una dupla exquisita con Silvia Pinal. Actuó también en La boda negra de las alacranas de Hugo Argüelles y en Rita Julia de Benjamín Caan, ambas obras fueron escritas especialmente para ella, al igual que lo fue Lou, la sibila de Hainberg, la obra de Beatriz Martínez Osorio con la que en 2007 celebró 50 años de trayectoria, bajo la dirección de Claudia Ríos.

Dirigió un aplaudido montaje de Cartas de amor en papel azul de Arnold Wesker y una nueva puesta en escena de Las criadas, actuada por Patricia Reyes Spíndola, Pilar Pellicer y Alejandra Bogue en el extinto Foro Stanistablas, del cual fue maestra y socia. Durante varios años, estuvo al frente del Estudio de Actores Dimitrios Sarrás, el cual fundó junto con su maestro y amigo.

Adriana Roel murió el 4 de agosto de este año, a los 88 años de edad, plena del aplauso de la comunidad de la cultura y el espectáculo y, sobre todo, de un público que siempre supo reconocer que su presencia en cualquier proyecto era garantía de prestigio y calidad.

MANUEL MONTORO (1934-2022)

Cuando en marzo de 2014, en la inauguración del nuevo Teatro Milán y el Foro Lucerna, Mariana Garza y Pablo Perroni hicieron un alto en la ceremonia para agradecer y destacar la presencia de quien les cedió el espacio para rescatarlo de las cenizas y volverlo a la vida. Desde su butaca, porque ya no podía subir al escenario de un teatro que conoció a la perfección, Manuel Montoro escuchó los muy merecidos aplausos y gritos de bravo.

Aunque Manuel Montoro comenzó en 1966 su trayectoria en el teatro mexicano, sus mayores éxitos artísticos y de público se dieron durante la década de los sesenta y setenta.

Oriundo de España,  Montoro se afincó en México tras estar al frente del Teatro de las Naciones de París. Durante más de cinco décadas fue partícipe de la Facultad de Teatro y la Compañía de Teatro de la Universidad Veracruzana, donde fue creador y docente. Desde sus primeros montajes, Montoro se distinguió por aplicar un método de trabajo riguroso, basado en la precisión del movimiento corporal y la palabra enunciada, lo cual tiene su fundamento en la escuela francesa formal, que apela a la calidad del teatro trabajado desde el exterior. De sus primeros montajes en Xalapa, destaca Mariana Pineda de García Lorca.

Aunque en la Ciudad de México trabajó en diversos foros, las propuestas de Montoro tuvieron una sede central: el Teatro Milán, en la Colonia Juárez, el cual durante varios años fue el epicentro de la más alta calidad en cuanto a textos, dirección y actuaciones.

Hasta hoy resultan memorables obras como Fuentevaqueros con textos de García Lorca, El cuarto de Verónica de Ira Levin, Los emigrados de Mrozek, Los acreedores de Strindberg, Sacco y Vanzetti de Roli y Vicenzoni, El malentendido de Camus, Los últimos de Gorki, Medea de Eurípides y La ley de Creón de Olga Harmony. Esta obra dio una de sus funciones programadas el 18 de septiembre de 1985, la mañana siguiente el terremoto que sacudió a la ciudad derribó el inmueble, quedando durante más de treinta años la fachada con el anuncio de ésta obra.

En otros recintos, Montoro llevó a escena Viejos tiempos de Harold Pinter en traducción de José Emilio Pacheco, No se sabe cómo de Pirandello, El cerco de Numancia de Cervantes Saavedra, ¡Ah, los días felices! de Beckett, La noche de las tríbadas de Enquist, El cambio de Claudel, Jardín de invierno de Julieta Campos, El sueño de la razón de Buero Vallejo, Las noches blancas de Dostoievsky/Leñero, Son pláticas de familia de Solana y Yerma de García Lorca.

Si algo permitió que el trabajo de Montoro fuera por demás trascendente en su época -y, hay que decirlo, poco valorado en estos tiempos-, fue el cuadro de extraordinarios actores que dieron vida a ese método que en apariencia es frío y mecánico, pero que gracias a su entendimiento y sensibilidad lo volcaron en favor de momentos únicos en el escenario. Ana Ofelia Murguía, Beatriz Sheridan, Claudio Obregón, Salvador Sánchez, Francisco Beverido, Mabel Martín, Irma Lozano, María Rojo, Mercedes Pascual, Blanca Guerra, Patricia Reyes Spíndola, Alberto Estrella y Carmen Delgado estuvieron presentes en estas puestas en escena, mismas que fueron definitivas en sus trayectorias.

Todavía después de 1985, siguió trabajando en la Ciudad de México, tanto Montoro como su colaborador y pareja, el escenógrafo Guillermo Barclay, decidieron radicar definitivamente en Veracruz, en donde ya en el nuevo milenio escenificó un celebrado montaje del Final de partida de Beckett.

Manuel Montoro murió el 28 de septiembre de 2022 a los 94 años de edad, dejando un legado que merece ser rescatado y divulgado ante las nuevas generaciones de creadores escénicos.

MIGUEL FLORES (1948-2022)

El mismo día que partió el director hispanomexicano, se fue uno de los hombres más queridos, respetados y valorados por las distintas generaciones de estudiantes -y profesionales, claro- de las artes escénicas, Miguel Flores, cuya trayectoria inició a principios de la década de los sesenta y culminó apenas a mediados de este año, cuando dos jóvenes actores le ayudaban a desplazarse en el escenario sobre el que dictaba cátedra de cómo decir el verso del Siglo de Oro español en el montaje de Emma Dib a La culpa busca la pena y el agravio la venganza de Ruiz de Alarcón.

Flores perteneció al Teatro de Coapa, la compañía de Héctor Azar, bajo su dirección actuó en Las aves de Aristófanes. Desde entonces, fue uno de los actores más prolíficos, constantes y omnipresentes de nuestro teatro, interpretando lo mismo protagónicos que sólidos personajes de soporte. Obras como Mudarse por mejorarse de Ruiz de Alarcón dirigida por José Luis Ibáñez, Ubú rey de Alfred Jarry dirigida por José Estrada, Severa Vigilancia de Genet con dirección de Ludwik Margules, Cómo han de ser los amigos de Tirso de Molina dirigida por Alejandro Aura y Diálogo entre el amor y un viejo de Rodrigo de Cota en dirección de Antonio Algarra son muestras de esa diversidad de géneros y estilos que fue capaz de tocar en sus primeros años.

Formó una importante mancuerna con el dramaturgo y director Adam Guevara, con quien colaboró en obras como Me enseñaste a querer y Lunes rojo. El texto más conocido de Guevara, ¿Quién mató a Seki Sano? fue escrito para Miguel Flores. Con Luis de Tavira participó en Clotilde en su casa de Ibargüengoitia, Jubileo y El corazón de la materia de Enríquez, Pequeños zorros de Lilian Hellman. Con Margules volvió a participar en el celebrado montaje de Los justos de Camus y en su última puesta en escena, Noche de reyes de Shakespeare. Estuvo presente en uno de los montajes más representativos del teatro universitario de la década de los ochenta: Muerte accidental de un anarquista de Darío Fó, dirigida por José Luis Cruz, protagonizada por Héctor Ortega.

Apoyó profundamente el trabajo de autores y directores de las nuevas generaciones, en su mayoría alumnos suyos que lo invitaron a proyectos que hoy son referentes del teatro, como Alicia detrás de la pantalla de Luis Mario Moncada dirigida por Alejandro Ainslie, El lector por horas de Sanchís Sinisterra en dirección de Ricardo Ramírez Carnero, Noche árabe de Schimmelpfenning dirigida por Mauricio García Lozano, Derviche de Ximena Escalante dirigida por Carlos Corona, Un propósito claro de Ileana Villarreal con dirección de Jesús Díaz, Elefantes de Cristian David y Fernando Reyes Reyes y Perderlo todo menos la soledad de Valeria Fabbri, entre muchas otras.

La pasión por el teatro -son escasas, casi nulas, sus participaciones en cine o televisión- y por su tradición, lo convirtieron en el actor idóneo para representar la comedia Ñaque o de piojos y actores de José Sanchís Sinisterra que bajo la dirección de Alejandro Velis tuvo un sonado éxito a finales de la década de los noventa. Ahí, junto al muy tempranamente ido Carlos Cobos, hacía y deshacía como solamente es capaz de hacerlo un actor de cepa, un actor a quien sí le quedó, defendió y dignificó la etiqueta de ser “actor de teatro.

Miguel Flores mereció apenas hace unos días un homenaje por parte de la comunidad teatral que tanto le debe a sus enseñanzas y a su andar sereno.

Curiosamente estas tres figuras de nuestro teatro nunca colaboraron juntas, pero hoy sus almas descansan juntas y son recordadas por el pleno de la comunidad teatral que queda viva y agradecida con sus aportaciones, y la vida que le infundieron al teatro mexicano.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía

Nos acercamos a la recta final del 2022, un año en el que el teatro mexicano se ha abierto paso, después de lidiar con cierres continuos e incertidumbre por parte de los teatreros y espectadores, sin embargo, las ganas y la pasión por levantar el telón han sido más fuertes.

Por ello, durante este mes podremos disfrutar de propuestas de cabaret musical, infantiles, dramas y terror, así como nuevas adaptaciones de obras conocidas, que iluminarán las marquesinas de los distintos recintos de la Ciudad.

Estos son los estrenos que llegan en noviembre:

Dos gardenias. Coco Máxima, Beto Torres, Samantha Mercado, Alexander Soto, Paris Roa son los encargados de transportarnos a los cabarets de la capital en los años 40, acompañados por músicos en vivo y nos deleitan con los boleros que conquistaron a nuestros padres y abuelos. Se presenta todos los martes del 8 de noviembre al 6 de diciembre en el Teatro Rodolfo Usigli.

Mrs. Shakespeare. Silvia Ortega Vettoretti y Verónica Bujeiro podrán en jaque a los personajes más icónicos de Shakespeare en un montaje que no sólo cuestiona sino que invita a repensar los textos del autor, con la participación estelar de Emoé de la Parra, Emma Dib, Daniela Zavala y Renata Wimer. La obra subirá a escena del 4 de noviembre al 10 de diciembre en La Teatrería.

Que no se culpe a nadie de mi muerte. Protagonizado por Majo Pérez (Indecente, LOQSM) quien por primera vez hará un unipersonal cobijada por la dirección de Sergio Arroyo, suben a escena una historia ya conocida: una mujer se encuentra al borde del suicidio con la esperanza de que una llamada la detenga. La temporada correrá del 10 de noviembre al 29 de diciembre en el Teatro Ofelia.

Histérika. La experimentada compañía Teatro Ciego MX estrena su más reciente propuesta en la que pone en evidencia nuestros peores miedos, a través de la historia de Érika una mujer ciega que debe enfrentar su mayor temor: la soledad. La obra levantará el telón del 11 de noviembre al 16 de diciembre en el Centro Cultural El Hormiguero.

Historias de Fantasmas. Óscar Uriel trae a México este montaje que nos hará cuestionarnos sobre nuestras creencias, centrada en torno a tres historias sobre fenómenos fantasmales, que se convertirá en una montaña rusa intensa, plagada de sustos. Contará con las actuaciones de Miguel Santa Rita, Alfonso Borbolla, Alfredo Gatica, Daney Mendoza, José Sefami, Nacho Tahann y Miguel Tercero. quienes alternarán funciones. La obra comenzará sus presentaciones el 18 de noviembre y estará en cartelera hasta el enero de 2023 en el Nuevo Teatro Libanés.

Como verás, esta es sólo una pequeña muestra de lo que podremos ver durante el penúltimo mes, recuerda que para estar al tanto de todo lo que acontece en la escena nacional, puedes suscribirte a nuestro boletín.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Si te gustan las historias llenas de misterio, donde eventos inexplicables y sangrientos, ocurren a la menor provocación, entonces Los archivos del horror, es el espectáculo de cabaret que no te puedes perder en el Foro Lucerna.

Esta propuesta es escrita por Fernando Villa y José Ramón Berganza, donde serás testigo de historias basadas en hechos reales, contadas por un singular archivista, interpretado por Berganza, quien recrea asesinatos brutales con toques de humor e ironía.

Si aún no has visto esta producción, a continuación te cuento 3 razones para hacerlo.

1. La interpretación. José Ramón Berganza, encarna a un archivista macabro y seductor, quien ofrece una experiencia intima con el espectador desde el primer momento, adoptando la voz de los distintos protagonistas de los relatos, desde un perverso payaso, hasta un joven adolescente que no imagina su encuentro con la muerte, ofreciendo momentos de suspenso y diversión a cada momento.
2. Historias diferentes en cada función. Cabe destacar que las historias que integran esta propuesta, las podrás disfrutar con un buen trago en la mano, ya que el foro se transforma en un auténtico cabaret, con alcohol, mesas alrededor del actor, luces íntimas, música y risa. Además, aquí cada historia es diferente, por lo que podrás repetir un par de veces y disfrutar más de una premisa de horror.
3. La escenografía. Si eres fan de los clásicos largometrajes, de los años 80 en Hollywood, tipo David Lynch, entonces acá te sentirás en una escena de Blue Velvet, donde las tonalidades en púrpura y azul dominan el lugar, con mesas dispersas en el foro y lámparas, cuya luz ocupa un papel importante en el desarrollo de la trama.

Ahora conoces algunas razones que hacen imperdible Los archivos del horror, durante esta temporada, disfrútala con funciones los miércoles en el recinto ubicado en Lucerna 64, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Si lo tuyo son los espectáculos cargados de cosas importantes que decir, entonces no te puedes perder el V Ciclo de Cabaret, en esta edición podrás disfrutar de tres montajes que ponen sobre la mesa temas de relevancia social con altas dosis de verdad y humor negro.

En esta ocasión, ESCORTita la vida, The Shakesperean Tour yVarieté De-lirios son algunos de los títulos que se presentarán los jueves a domingo a las 20:00 horas en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky del 3 al 20 de noviembre.

Sobre esta edición, la subcoordinadora nacional de teatro, Sheila Flores comentó: “Estamos muy contentos de poder recuperar este Ciclo de Cabaret, tenemos el gusto de tener estupendas compañías que comprenden este ciclo, el cual estará dividido en tres semanas, con funciones de jueves a domingo cada uno de los espectáculos”. 

Y agregó: “Tenemos a Minerva Valenzuela presentando ESCORTita la vida, un recital grosero, que celebra la vida y la dignidad de las trabajadoras sexuales, cabe destacar que este espectáculo ganó como Mejor espectáculo de cabaret por los premios ACPT”. 

Sobre esta propuesta, Minerva mencionó: “Además de ser una celebración de la vida y señalar el respeto hacia las trabajadoras sexuales, cuenta con canciones muy bonitas, todos los temas relacionados con la putería, en distintas épocas y estilos, donde aprovechó para criticar la manera en que la gente habla del trabajo sexual sin jamás haberse acercado a una trabajadora sexual, sin nunca haber preguntado o haberse fijado porque tampoco es que se tenga que hacer un doctorado para hablar de eso”. 

“Precisamente la crítica la hago por medio de las canciones conocidas por todos, mismas que contienen todos esos adjetivos dañinos hacia esta forma de ganarse la vida, y que alimentan esta fantasía de romantizar el trabajo sexual, con la ilusión de que en algún momento llegará un cliente al rescate”.

No te pierdas esta edición de jueves a domingo del 3 al 20 de noviembre en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky del Centro Cultural del Bosque, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro 

Del 3 al 20 de noviembre, disfruta del festival de teatro contemporáneo de lengua alemana en México, con obras de Martina Clavadetscher, Teresa Dopler y de Vera Schindler, a cargo de directores mexicanos de diferentes generaciones, con funciones en el Teatro el Granero Xavier Rojas.

Sobre esta edición, Pauline W. representante del proyecto en México, señaló: “El Festival de Teatro Contemporáneo de la Lengua Alemana en México, organizado cada dos años, en asociación con las embajadas de Suiza y de Austria, tiene el objetivo de dar a conocer a un público más amplio la dramaturgia alemana, así como a sus representantes y este año nos entusiasma mucho poder reunirnos con todos los que hacen posible este encuentro de forma precensial”.

“Este año, traducimos todas las obras del alemán al español, para ser estrenadas por primera vez aquí, con la interpretación de grupos locales y directores y directoras de la ciudad”, mencionó.

Y agregó: “Este tipo de intercambios para nosotros es muy importante, porque indudablemente implica un cambio cultural y da a conocer nuevas perspectivas escénicas, que quizá antes no estaban representadas”.

De acuerdo con Pauline W. Este año, Mariana Villegas, Paula Watson y Yair Gamboa, serán los encargados de llevar a escena las historias planteadas, desde distintas perspectivas, gracias a una mezcla de plumas emergentes y de dramaturgias ya establecidas.

La programación de Theaterwelt dará inicio con El pueblo blanco (Das weiße Dorf), de Teresa Dopler, con la traducción al español de Stefanie Weiß, la dirección es de Paula Watson y elenco está integrado por Lourdes Echevarría, Valentina Garibay, Adrián Ladrón y Luis Eduardo Yee, el 3, 17 y 18 de noviembre a las 20:00 horas.

Continúa Gigiwonder. La historia de una pierna (Gigiwonder. Die Geschichte eines Beins), de Vera Schindler, con la traducción de Ilana Marx, bajo la dirección de Mariana Villegas, el 4, 19 y 20 de noviembre, viernes a las 20:00 horas, sábado a las 19:00 y domingo a las 18:00 horas.

La siguiente propuesta, dirigida para niñas y niños, es Mocos de nube (Wolkenrotz), de Vera Schindler, con la dirección de Sara Pinedo, el sábado 5 de noviembre a las 19:00 horas, y el sábado 12 y domingo 13 de noviembre a las 12:30 horas.

Para cerrar este ciclo se presentará La señora Ada piensa en cosas inauditas (Frau Ada Denkt Unerhörtes), de Martina Clavadetscher y dirección de Yair Gamboa, se representará el 6, 10 y 11 de noviembre, jueves y viernes a las 20:00 horas y domingo a las18:00 horas.

Además, el 3 de noviembre será el día en donde estarán reunidas las escritoras en una mesa redonda, además se realizarán charlas con el público después de cada función, así como talleres el día 7 y 8 de noviembre, de escritura creativa, gracias a la colaboración con la Cátedra Igmar Bergman.

Cabe destacar que todas las obras serán de entrada gratuita en esta edición, misma que está compuesta de historias que tocan temas como nuestra relación con la tecnología, el amor, la amistad y los claroscuros de nuestra humanidad.

No te pierdas la oferta que comprende esta edición, del 3 al 20 de noviembre, en el Teatro el Granero Xavier Rojas, del Centro Cultural del Bosque, para conocer la programación da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartel oficial

Para que empieces el mes con el pie derecho, aquí te van algunas recomendaciones que han llegado a nuestra plataforma de descuentos y no te puedes perder:

Amor al cubo. Protagonizada por Julio Bracho (Gael), Valentina Penagos (Iris) y Alejandra Martín (Hanna), llevan a escena una historia plagada de humor negro sobre el poliamor. El caos se desata cuando el hermano de Gael fallece y les deja una caja llena de secretos con funciones los viernes en el Foro Shakespeare. Compra tus boletos a precio especial, da clic aquí.

El corrido del rey Lear. Encabezado por Juan Carlos Colombo, hace un guiño a la obra de Shakespeare para hablarnos del narcotráfico, los sicarios y la violencia que impera en nuestro país, con mucho humor y un toque de clown con funciones los martes, miércoles y jueves en el Teatro Helénico. Adquiere tus entradas con 30% de descuento, aquí.

Siete veces adiós. Tras varios meses y cambios de elenco, el musical que ha cautivado los corazones de los espectadores, sigue cosechando nominaciones y premios y se perfila como una fuerte competidora para nuestros Premios Cartelera de Teatro. Las funciones son de viernes a domingo en el Teatro Ramiro Jiménez, para conseguir tus boletos con 20% de descuento, da clic aquí.

El show de terror de Rocky. Un musical que te dejará con ganas de seguir la fiesta, gracias a sus melodías, potentes voces y actuaciones que se conjuntan para traer de vuelta esta emblemática propuesta que se vuelve en una experiencia única, que te invita a vivirla una y otra vez de jueves a domingo en el Nuevo Teatro Silvia Pinal. Compra tus boletos con 30% de descuento, aquí.

Los musicales de Brodgüey. Ya sea que seas fan de este género o seas de los que aún no se convencen, esta propuesta seguro te divertirá, ya que no veremos en escena el típico musical, al contrario, estaremos frente a una suerte de “roast” a los musicales más conocidos de Broadway, todos los martes en el Teatro Enrique Lizalde, para conseguir tus boletos con 25% de descuento, da clic aquí.

Si deseas acudir al teatro con auténticas promociones, sólo debes entrar a Descuentos Cartelera de Teatro, donde podrás escoger entre un sin fín de propuestas con los mejores descuentos.

Por Itaí Cruz, Fotos: Mariana Medina y Cortesía VIOGG

Esta mañana se llevó a cabo la conferencia de prensa de Historias de Fantasmas de Jeremy Dyson y Andy Nyman, bajo la dirección de Miguel Santa Rita, quien también actúa, en compañía de Alfonso Borbolla, Alfredo Gatica, Daney Mendoza, José Sefami, Nacho Tahann y Miguel Tercero.

Este drama de terror se presentará del 18 de noviembre al 15 de enero en el Nuevo teatro Libanés, con la promesa de impactar al espectador con su trama, interpretaciones y efectos especiales.

Al respecto, el productor Óscar Uriel, expresó: “Una de las virtudes que trajo esta pandemia, es que nos acercamos a personas con las que antes no lo hacíamos, y el poder acercarte a nuevas generaciones y reconocer su trabajo ha sido una experiencia muy bonita. Este montaje me emociona mucho porque lo hacemos en colaboración con Mejor Teatro, una compañía que respeto muchísimo”.

Por su parte, el productor Morris Gilbert, declaró: “Somos un gremio muy chiquito y todos somos uno, cuando funcionan las cosas para uno, funcionan para los demás. A mí me retroalimenta tremendamente trabajar con creativos jóvenes, a pesar de que yo no soy el productor”.

Para el actor Nacho Tahann, esta puesta representa una experiencia que requiere de un gran grado de virtuosismo. “Creo que la obra representa más que un reto para mí, porque verdaderamente hay que llevar al cuerpo hacia una cuestión polisémica, no podemos revelar mucho de la trama, pero sí les podemos decir el enorme ejercicio actoral que ha sido para nosotros”, señaló.

El actor Alfredo Gatica confesó que este es un regalo de fin de año y describió la obra como un portal de ficción que nos permite entrar a la convención de las posibilidades. “Me emociona mucho entrar a este universo de imaginación y miedo, con gente tan amorosa”, aseguró.

Por su parte, el actor Poncho Borbolla, comentó: “Lo que más me divierte en el mundo es asustar gente, osea me gusta el teatro, me gusta actuar, me gusta comer, pero lo que más me gusta es asustar gente, entonces hacer una obra de terror para mí, bueno, salivo, pero además, que sea una buena obra de teatro más allá del brinco y del susto”.

Finalmente, el actor Miguel Tercero expresó: “Antes de que empezáramos este proyecto estaba durmiendo muy bien y el problema es que creo que, inevitablemente, cuando uno quiere asumir una ficción, inevitablemente tiene que poner la mirada ahí”.

Esta obra se ha presentado en lugares como Londres y Australia, y es la primera vez que llega a nuestro país. En la trama conoceremos al escéptico profesor Phillip Goodman quien se embarca en un viaje hacia lo terrorífico, tras encontrarse un archivo con detalles de tres casos inexplicables de apariciones.

Cabe destacar que esta producción, alternará funciones con 100 metros cuadrados o El inconveniente y con Dos locas de remate, montaje que regresa después de una exitosa temporada, de acuerdo con Gilbert.

No te pierdas esta historia con funciones del 18 de noviembre al 15 de enero, en el Nuevo teatro Libanés, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Comenzamos el mes de noviembre con las nuevas producciones que han sido elegidas para el 4° periodo de los Premios del Público Cartelera 2023.

Historias con temas diversos que, por su producción y contenido, han sido del agrado de nuestros lectores, así que ahora solo resta esperar que nuestro jurado elija el montaje ganador de este periodo.

Estas son las elegidas en noviembre:

Así de simple. La comedia romántica escrita por Sofía Gonzáles Gil e Ignacio Bresso, bajo la dirección de Jorge Seleme, aborda de forma inesperada, la ruptura de Clara y Joaquín, una pareja joven, a quien conoceremos a través de sus estados emocionales y distintas personalidades que habitan en su cabeza, ya que aquí, el enojo, la melancolía y la pasión tienen voz, así que de esta forma descubrirás el porqué de la separación.

El corrido del Rey Lear. Esta obra es escrita y dirigida por Fernando Bonilla y cuenta la historia de un primer actor que prepara con emoción su próximo estreno de la tragedia Shakespeariana, El Rey Lear. Sin embargo, los estragos de la edad se han hecho presentes, así que no es capaz de memorizar sus líneas. Después de
un giro inesperado en su destino, se ve obligado a montar la obra con una improvisada compañía de criminales a quienes debe enseñar a actuar, con el riesgo de morir en el intento.

Si te mueres… ¡Te mato! Azela Robinson y Susana Alexander, ofrecen una comedia hilarante, bajo la dirección de Leticia Amezcua, quien presenta una historia inesperada, donde los giros dramáticos ocurren constantemente, manteniéndote al filo de tu butaca desde que el telón se abre, donde conocerás a dos peculiares cuidadoras que por no perder su trabajo y librarse de problemas con las autoridades, deciden no dar aviso de la muerte de la mujer a su cuidado y quizá, utilizar a su favor tal situación.

Los guajolotes salvajes. En su versión original, esta obra ha sido acreedora a una gran cantidad de premios, entre ellos, un Tony, debido al humor negro que la envuelve. En escena, conoceremos a los hermanos Vania y Sonia, nombrados así por sus padres en honor a Chéjov, ambos viven en la casa que sus padres les heredaron en Cholula. Sin embargo, Masha, la tercera hermana, llega inesperadamente con su nuevo galán, una prometedora estrella juvenil, abriendo paso a múltiples desencuentros y una que otra verdad incómoda con la que te identificarás.

Para conocer a detalle lo que acontece durante este periodo de nominación, mantente al pendiente de nuestro sitio para conocer qué obra será la ganadora.

A tu mamá o tías les encanta el teatro, pero no sabes a dónde llevarlas, alto ahí, en nuestro sitio puedes encontrar diferentes obras a las que puedes acudir en plan familiar y llevar hasta tu abuelita, lo que queremos es que todos pasen un agradable momento en compañía y disfruten de lo mejor del teatro nacional.

Aquí te traemos algunas opciones para que planees tu próxima visita teatral:

Si te mueres… Te mato. Azela Robinson y Susana Alexander les harán pasar momentos de risa interminable. Esta irreverente comedia uruguaya nos muestra hasta dónde están dispuestas a llegar dos cuidadoras con tal de no perder su empleo. Se presenta sábados y domingos en el Teatro Fernando Soler.

Los huevos de mi madre. Con una nueva temporada Norma Lazareno y Fernando Botero traen de vuelta esta historia sobre un hijo que se ve obligado a regresar a vivir a casa de su madre, después de divorciarse, proceso que vemos acompañado de divertidas melodías. Ofrece funciones los sábados en el Teatro Jorge Negrete.

Maduras, solteras y desesperadas. Luz María Aguilar, Norma Lazareno, Bárbara Torres y Maribel Fernández “La Pelangocha” protagonizan esta comedia de enredos sobre tres amigas solteronas que comparten departamento, hasta que un día la casera llega con un nuevo roomie, que resulta ser un partidazo, por lo que intentarán conquistarlo, valiéndose de todas las artimañas posibles. Con funciones los jueves en el Teatro Rafael Solana.

La obra que sale mal. Una comedia de humor blanco que logra entretener a cualquiera, gracias a sus divertidos e hilarantes momentos llenos de equívocos, perfectamente sincronizados, pero sobre todo, al gran manejo en escena de todo el elenco que logran sacar más de una carcajada a los asistentes. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Foro Cultural Chapultepec.

100 metros cuadrados o el inconveniente. Jacqueline Andere y Ana Karina Guevara les harán pasar minutos gozosos con la historia de dos mujeres que por diversas circunstancias y a pesar de la diferencia de edad y sus formas de vida, terminan volviéndose grandes amigas. Se presenta de manera alternada en el Nuevo Teatro Libanés.

Ustedes, ¿qué otra obra recomendarían?

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro y Producción

La compañía de teatro La voz de las cosas, llega a La Teatrería para ofrecer una segunda temporada de Oppa, obra ganadora del Premio Bellas Artes de Obra de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes Perla Szuchmacher 2021.

Este montaje cuenta con la dramaturgia y dirección de Patricia Martínez Pedreguera, con un elenco integrado por Alfredo Veldáñez, Xochitl Franco y Valeria Navarro Magallón, quienes ofrecerán funciones los viernes, hasta el 25 de noviembre.

En escena, se muestra la historia de dos amigos, Paco y Lu, que transitan por la adolescencia en un mundo cambiante e incierto, donde pensar en el futuro solo provoca angustia. A lo largo de la obra, los protagonistas atravesarán el descubrimiento de su sexualidad, la construcción de su identidad y la defensa de la misma. Todo marcha bien, cuando aparece la Sombra, personaje que los invitará a jugar con palabras, silencios y sombras.

Patricia, ¿cómo te sientes de regresar de nueva cuenta a escena con este montaje?
Nos sentimos nerviosos y felices, porque es una nueva zona, es un nuevo público, sin embargo, ha habido oportunidades interesantes que han surgido a lo largo del montaje, en La Capilla presentamos la obra en un formato tipo pasarela, y ahora, en La Teatrería el trazo sucede de forma frontal.

¿Los personajes han evolucionado?
Las actrices están logrando profundizar en su actuación y en cuestiones de la historia misma, así como con la atmósfera que se va construyendo, logran conectar de mejor manera con sus emociones, ya que conocen plenamente la obra, así apostamos llegar a espectadores más jóvenes y amantes del Kpop.

¿Cómo nace la historia?
Este texto lo escribí durante la pandemia, donde mi experiencia como docente de secundaria influyó mucho, porque creo que las y los jóvenes que crecieron bajo el encierro de la pandemia, vivieron unas experiencias muy fuertes y de mucha soledad, mismas a las que yo me enfrenté. Yo me preguntaba cómo sería crecer en un momento decisivo en la construcción de la identidad, en un mundo donde de repente parece que nada tiene sentido.

¿Qué representa la sombra?
Los personajes viven la experiencia que todos experimentamos en la adolescencia, además de que van descubriendo su sexualidad, en un mundo en el que hay una sombra a su alrededor, la cual se empieza a infiltrar de a poco en sus vidas, esa sombra me evoca a la pandemia, pero también pensaba en la soledad y en la depresión, así como las inseguridades adolescentes.

¿Cómo describirías a tus personajes?
Los protagonistas sienten que no pertenecen a ningún lugar, a ella le encanta todo lo relacionado con lo coreano, quiere casarse con un asiático, y él está en esta onda de descubrir que es homosexual, enfrentándose a la salida del closet y todo lo que eso conlleva. En este sentido, la obra muestra cómo sobrellevan esta sensación de desesperanza que les plantea el mundo todo el tiempo, la obra al final es un intento por preguntarle a los adolescentes, de forma abierta, sobre de qué manera o qué recursos empleamos para aferrarnos a esto que es la vida.

¿Qué otros elementos escénicos utilizas para contar la premisa?
Existe el uso de unas ramas para hacer referencia a la naturaleza, ya que cuentan su historia desde la cima de un cerro. Sin embargo, esta producción se sostiene gracias a las actuaciones, apostamos por la simplicidad de recursos, solo hay dos sillas en escena y es a partir de ellas, que se construye todo.

¿Cómo sucede la interacción con la sombra en escena?
A través de un recurso fundamental a cargo de Valeria Navarro, quien es la actriz que interpreta a la sombra, ella recrea un juego sonoro gracias a que es una performer vocal, entonces, jugamos con los sonidos, al principio se escuchan temas pop y al llegar la sombra, comienzan una serie de sonidos extraños.

¿Por qué la gente no se la puede perder?
Porque además, es una obra de mucha amistad, porque cuando yo la escribí, en ese momento me aferraba mucho a mis amigos como un refugio ante la incertidumbre de la vida. Es la historia de dos amigos que viajan de la luz, hacia la oscuridad, y con apoyo de la iluminación viajaremos hacia estos lugares oscuros, llenos de peligro.

Disfruta esta propuesta con funciones los viernes en La Teatrería, hasta el 25 de noviembre, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

La noche de ayer se llevó a cabo en el Palacio de Bellas Artes, la conmemoración de 50 años de historia teatral de la CNT, a través de  14 fragmentos de montajes emblemáticos, que incluyeron escenas dramáticas y números musicales, además de 17 piezas de teatro inmersivo distribuidas en el vestíbulo, las cuales brindaron a los espectadores información sobre el trabajo que hicieron varias personalidades a lo largo de la historia para conseguir apoyos para el teatro mexicano en los siglos XVIII, XIX y parte del siglo XX.

Además, las representaciones también plasmaron la construcción y demolición del Teatro Nacional, el incendio del Teatro Principal, la primera compañía con elenco estable de José Zorrilla y las dificultades de diversas gestoras y actrices de renombre como María Tereza Montoya, Antonieta Rivas Mercado, Virginia Fábregas y Esperanza Iris.

Al interior de la Sala Principal, La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Inbal, reconocieron los esfuerzos empleados por los fundadores de la Compañía Nacional, las grandes trayectorias de artistas escénicos en las categorías de dirección, dramaturgia, actuación y producción, así como las trayectorias sobresalientes de diseño de escenografía e iluminación; diseño sonoro y musical, de vestuario, de escenografía e iluminación, así como el área técnica y de construcción escénica.

Cabe señalar que desde su creación en 1972 por iniciativa de Héctor Azar, con la intención de mantener la producción nacional de teatro y la búsqueda de los nuevos lenguajes escénicos que se estaban generando a nivel internacional, La Compañía Nacional de Teatro ha transitado por diversos cambios estructurales que han permitido una mayor representación a lo largo del territorio nacional.

A partir de su reestructura, la dirección artística de la CNT ha estado a cargo de personalidades del gremio teatral como Luis de Tavira (2008), Enrique Singer (2016) y Aurora Cano (2022), primera mujer en asumir la dirección.

Con información de CULTURA, Fotos: Frida

Del 11 de noviembre al 16 de diciembre, el Centro Cultural El Hormiguero recibe Histérika, drama escrito, dirigido e interpretado por Érika Bernal, en compañía de Luz Adriana Carrasco, Maricarmen Graue, Itzel Schnaas, Tlathui Maza, Sofía Aguirre y Edgar Lacolz.

Este montaje es presentado por la compañía Teatro CiegoMX, dirigida por Marco Antonio Martínez, con motivo de la celebración de su 15 aniversario, el cual ofrece una experiencia multidisciplinaria y multisensorial que pone en evidencia la histeria de Érika, una mujer ciega, que a partir de enfrentarse a su más grande miedo, la soledad; se confronta con el abandono, la ausencia, la ruptura y el vacío.

Marco, ¿qué elementos inspiran esta propuesta?
Que ahora los proyectos vengan construidos desde la discapacidad, a través de sus distintas miradas es muy interesante, esta obra lo refleja, porque al final es una manera distinta de crear y compartir, lo cual enriquece las artes, como compañía hemos ido creciendo, apostando por ese enfoque y estamos fieles en que ese es el camino.

¿Por qué Histérika es el montaje que eligieron para celebrar?
Con esta producción estamos celebrando 15 años de historia y nos llena de felicidad porque es una trabajo de resiliencia con respecto al duelo y a la pérdida, la directora, dramaturga y actriz, Erika Bernal, quien está llevando todo este proceso junto con todos nosotros, logra representar sus emociones en escena de una forma clara, pero a la vez, se trata de una historia universal que a todos nos refleja.

¿Cómo se desarrolla el trabajo escénico?
Al final estamos buscando que los elementos de accesibilidad para las personas, ya sean ciegas o sordas, sean parte del proceso de creación, que estén dentro y no sea como ese accesorio extra. Además, siempre buscamos ir más allá, entonces la parte emocional estará acompañada de algunas coreografías, lo que permite una combinación entrañable a través de la interpretación de los actores.

¿Cómo lidiar con el dolor?
Creo que la manera en que tenemos apegos a las personas, a las situaciones y a las relaciones es a lo que hacemos énfasis y a partir de eso, planteamos el cómo transformar el dolor de forma creativa, algo así como un camino para sanar.

¿Qué elementos dominan en el escenario?
Es un viaje a las profundidades del mar, vamos a viajar profundo, en la escena predominan elementos acuáticos. Roberto Paredes y Alan Romero se encargan de la escenografía y la iluminación, estos elementos ayudan a la accesibilidad de los actores de una forma orgánica. En este sentido, ha sido una experiencia bastante enriquecedora el explorar todas las posibilidades creativas.

Puedes disfrutar de este montaje los viernes en el Centro Cultural el Hormiguero, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Teatro ciego

La noche de ayer, se llevó a cabo en el Teatro Enrique Lizalde, el estreno de Sí cabemos, comedia escrita y dirigida por Tanya Selmen, con un elenco integrado por Violeta Isfel, Mariana Lodoza, Dolores Ugalde, Axel Santos, Carlos Rodea, Jorge Lhehu, Ricardo Selmen y la intérprete de Lengua de Señas Mexicana Karla César.

En escena, serás testigo de una historia que apuesta por la visibilización y la inclusión de las personas que viven con algún tipo de discapacidad, a través de un equipo de producción televisiva que transmitirá un programa sobre “Justicia sin discriminación para personas con discapacidad y la experiencia del equipo de personas facilitadoras de justicia”.

Por medio de varios cuadros, interpretados mediante diversos géneros dramáticos que van desde la farsa hasta el musical, el montaje da a conocer a los distintos servidores públicos que participan en el sistema de justicia y cómo ellos pueden ser un obstáculo o puente para el reconocimiento de las personas con discapacidad y el goce de sus derechos.

Al término de la función, Tanya Selmen expresó el entusiasmo de poder llevar a escena los retos que hay en nuestro país y en el mundo para acceder a la justicia, si se vive con discapacidad, además de reconocer la extraordinaria labor que las personas facilitadoras de justicia llevan haciendo desde hace muchos años.

“A mí me llena el corazón siempre hacer estos proyectos, ofrecer un mensaje que permita hacer conciencia y este en particular, me llena de orgullo, implicó casi dos años de trabajo. En este sentido, yo quiero agradecer a Documenta por creer en el arte para dar mensajes, porque como creadores escénicos, sin su ayuda, no sería sencillo, quiero agradecer a La Mancha Producciones y a las facilitadoras por permitirme entrevistarlas”, comentó.

Por su parte, el actor César Bono, quien fue el padrino invitado en esta primera función, declaró: “El teatro, con unos cuantos elementos y con una persona tan bella y tan capaz como mi amiga Tanya, es suficiente para hacernos comprender muchas cosas y eso permite que salgamos diferentes a como entramos a la sala, nosotros ya cambiamos un poquito al ver esto y nuestra misión es promover el cambio con los demás”, concluyó.

No te pierdas esta historia con funciones todos los lunes en el Teatro Enrique Lizalde, hasta el 28 de noviembre, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

El teatro tiene una capacidad de narrar historias que a veces no quisiéramos escuchar. Historias que nos confrontan y que, en otra circunstancia, preferiríamos voltear hacia otro lado para no mirarlas. Este es el caso de Niñas y niños, monólogo escrito por Dennis Kelly, con la traducción y adaptación de Paula Zelaya Cervantes. Interpretado por Amaya Blas y dirigido por Itari Marta, este montaje, que se presenta en el Teatro La Capilla, es capaz de mantenernos atentos e incluso por momentos divertidos con una historia llena de humor negro.

La anécdota en principio parece simple, una relación de pareja que inicia como muchas otras por una serie de casualidades; como cualquier amor inicia con la emoción y el caos hasta tornarse más seria y cotidiana. Maternidad, hijos, trabajo y conflictos muy normales en las relaciones dan paso a un giro perturbador, en el cual la sociedad que hemos construido, capaz de cometer actos de enorme crueldad como métodos de control, juega un papel fundamental.

Aquí te contamos tres razones por las cuales no te puedes perder este monólogo que –definitivamente- te dejará sentimientos y reflexiones profundas:

1. El texto. La creación de Dennis Kelly –y la adaptación realizada por Paula Zelaya– es poderosa. Niñas y niños nos muestra lados oscuros de esta sociedad, es un texto construido de manera que nos va llevando sutilmente por una historia que de pronto nos sorprenderá. Nos deja una reflexión de cómo es que esta sociedad la hemos levantado sobre formas y métodos de control crueles y violentos; sin embargo, debajo de este duro juicio subyace – débil pero luminosa – la esperanza de que no todo está perdido, que podemos reescribir nuestros recuerdos, podemos reescribir la manera en que hemos construido esta sociedad.

2. La interpretación. Como en todo buen monólogo el texto no lo es todo. Se necesita de una actriz o un actor que lo deje todo sobre el escenario y que se meta en la piel del personaje. En este caso, Amaya Blas nos lleva de la mano por distintas emociones: de la risa al estupor y al llanto. Amaya es la encargada de dar vida a una mujer que, en apariencia, lleva una vida común, pero que nos mostrará a fin de cuentas que existe una manera de reinventarnos, de renacer de las cenizas y de construir lugares para reír sin culpa.

3.La dirección. Itari Marta logra encauzar esta anécdota difícil de contar. Nos narra una historia dura y fuerte a través de toques lúdicos, de humor y de ternura, de elementos que nos ayudan a sobrellevar –como en la vida misma- realidades que podrían ser de otra manera insoportables. Se trata de un trabajo bien cuidado y que fluye con facilidad sobre el escenario, y que da voz a la mujer dentro de un mundo que –sabemos – prefiere silenciarla.

Por estas y otras muchas razones que descubrirán cuando la vean, esta obra, producida por Solovino Producciones, es una obra que no te puedes perder si te gusta el teatro que te deje reflexiones y que toque fibras profundas de tu ser, y la puedes disfrutar los domingos en el Teatro la Capilla, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por: Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: María José Alós

Ayer por la noche estrenó la divertida e irreverente propuesta Los musicales de Brod-güey escrita y dirigida por Álvaro Cerviño, que parodia icónicos temas de los musicales más conocidos que han pisado la Gran Manzana en el Teatro Enrique Lizalde.

Bajo la producción de Mónica Bravo, Toño Romero y Cerviño, la propuesta regresó a l teatro para mostrarnos con gran ingenio el difícil proceso de montar un musical, pasando por los premios teatrales, abordando distintos temas que van desde el fútbol, las telenovelas e incluso las vivencias de los Godínez.

Al finalizar la función, Toño Romero, expresó: “Estoy muy contento y agradecido que estén acompañándonos esta noche, hace unos meses Mónica hizo favor de invitarme a ver las cosas que estaba haciendo el autor y director de esta obra, y se dio la magia de volver a hacer este musical”.

Por su parte, Freddy Ortega, quien fungió como padrino del estreno, comentó: “Uno se queda sin palabras cuando ve un trabajo así, lo digo honradamente, todos los que transitamos en este noble oficio que es la actuación nos identificamos y nos da más risa todavía, porque algunas de esas veces sentimos lo mismo, terminamos haciendo malabares”.

Agregó: “Es impresionante lo que hacen aquí arriba, lo digo desde el fondo de mi corazón, las voces, la armonía, la música, las letras son verdaderamente ingeniosas. A todos los que estamos aquí, divulguemos este trabajo, porque es una cosa espectacular”.

En esta nueva temporada María José Bernal, Manu Bermúdez, Minah Cerviño, Jorge Mejía son los encargados de dar vida a estas emblemáticas melodías, haciendo gala de su voz y gran carisma sobre el escenario, acompañados al piano por David Federico Suzawa.

Algunos de los musicales que se emulan en escena son José, el soñador, Mañana, La Bella y la bestia, El fantasma de la ópera, con un divertido toque que logra contagiar de risas y buen humor al público asistente.

La obra se presenta todos los martes del 15 de noviembre del año en curso hasta el 28 de febrero del 2023, en el Teatro Enrique Lizalde, ubicado en Eleuterio Méndez 11, Col. Churubusco Coyoacán, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Si estás buscando una obra que expone lo más crudo de nuestra realidad, pero con tintes de humor negro, no te puedes perder, El corrido del rey Lear, una propuesta que aborda temas como la violencia, el narcotráfico, el amor filial, mezclado con música regional y un poco de clown.

Este montaje escrito y dirigido por Fernando Bonilla, cuenta con un gran reparto encabezado por Juan Carlos Colombo, Alejandro Morales, Valentina Sierra, Daniela Arroio, Malcolm Méndez, Miguel Tercero, Miguel Alejandro León y, haciendo su debut teatral, Juan Daniel García Treviño.

Aquí te damos 3 razones para ver esta tragicomedia que se presenta martes, miércoles y jueves en el Teatro Helénico:

1. La vigencia del discurso. El argumento del rey Lear, así como de las diversas obras de Shakespeare sigue estando presente en los escenarios a nivel mundial. En esta ocasión, Bonilla sitúa la acción dentro del mundo del narcotráfico, y nos presenta situaciones ridículas que se vuelven realmente divertidas para el espectador, llevadas al extremo por personajes deleznables.

2. El amor filial. Dentro de este mundo sumergido en lo más terrible de nuestra sociedad, la trama tiene varios puntos emotivos, uno de ellos, es la relación entre padre e hija, (Colombo y Sierra), donde el autor hace una analogía entre la fama y la familia, tal como ocurre en el texto shakespeariano, entre el poder y el amor. Aquí una de las escenas se vuelve realmente memorable, cuando la hija, interpretada por Sierra, emite un pequeño monólogo donde abraza los vicios y virtudes de su padre, y deja de luchar contracorriente, para madurar.

3. Juan Daniel García Treviño. En su debut teatral este joven actor innato es quien se roba las miradas de los espectadores, al interpretar con gran carisma, ingenio y versatilidad, a varios personajes, entre ellos, al bufón de la obra del bardo y a un narcotraficante con el cual es imposible no empatizar. Esto nos lleva a pensar que tal vez, en estos terribles seres (que ha mal encumbrado la televisión) aún existe un atisbo de humanidad.

Estas son algunas razones por las cuales, El corrido del rey Lear es una de las obras elegidas en el 4to periodo de los Premios del Público Cartelera 2023,  te invitamos a asistir al teatro y ver de cerca a estos grandes actores de la escena nacional, y por qué no, reírte un poco de nuestra tragedia.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz

Esta mañana se llevó a cabo la conferencia de prensa de MCBTH Ruega por nosotrxs, presentada por La Compañía de Teatro Penitenciario, quien celebra 13 años de esfuerzos por ofrecer una segunda oportunidad de reinserción en la sociedad a través del teatro.

La función tendrá lugar el próximo viernes 25 de noviembre en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con un elenco integrado por Cándido Alberto Herrera, Valeria Lemus, José Luis Padilla, David García Martínez, Ismael Corona, José Francisco Ortiz, Rafael Mauro Martínez, Noé Lladó Rendón, Alejandro Rivas, Israel Inclán Bautista, Iván Olmos Villavicencio y Rodolfo Francisco Sánchez Flores, quienes dan vida a los clásicos personajes de William Shakespeare, bajo la dirección de Itari Marta y la co-dirección de Javier Cruz e Ismael Corona.

Sobre sus funciones durante estos años de trabajo, Itari Marta, directora del Foro Shakespeare expresó: “Consideramos muy importante que un espacio como el Foro Shakespeare haga este tipo de actividades, porque además de ser un proyecto dedicado a la reinserción social, también funciona como prevención del delito”.

Y agregó: “La gente regresa a las cárceles en un 70 %, porque no tienen posibilidad de trabajo, ni visión de la vida. Nos importa mucho nuestra conciencia social y ser activos en esa responsabilidad, para dejar de hablar y dentro de lo que yo puedo aportar, ser un elemento de transformación”.

Por su parte, Valeria Lemus, integrante de la CTP y directora de impacto social en Shakespeare&cia, señaló: “El que haya un público en la sala, viendo a La Compañía de Teatro Penitenciario en el Teatro Juan Pablo de Tavira, dentro de la Penitenciaria Santa Martha, significa revolucionar y ofrecer otra alternativa para las personas privadas de su libertad”. 

Y añadió: “Esta presentación, es una meta que nos planteamos como compañía hace un par de años, que es buscar horas de libertad para nuestros compañeros que están recluidos, y que al salir encuentran un sustento a través del Teatro”.

Sobre su visión del proyecto y su participación después de 9 años, Ismael Corona, encargado de la producción de la CTP, compartió: “No es fácil, después de 13 años, si te pones a analizar todo lo que has ganado y todo lo que has perdido, reído y disfrutado, durante el proceso, yo creo que no hay como describirlo, afortunadamente, siempre hay personas que te dicen, mira el camino es este”. 

Finalmente, Javier Cruz, coordinador de la CTP, confesó: “Nosotros vivimos por el teatro, porque en cuanto llegó a nuestras vidas se volvió una necesidad. Lo que pasa en los reclusorios es que inmediatamente te deshumanizas, que el teatro te reconozca más allá de las etiquetas, nos ayuda a ser libres, también mentalmente”. 

De acuerdo con Lemus, la adaptación del texto clásico, es presentada  desde el punto de vista de las mujeres, a partir del cuestionamiento de las narrativas de las distintas violencias, los roles de género, las etiquetas y la opresión.

Cabe destacar que el montaje cuenta con un espacio escénico ideado por Itari Marta; el diseño de vestuario y arte es de Sandra Garibaldi; el diseño de iluminación se debe a Miguel Velázquez, y la canción original de la obra, El Femin-Rap, fue compuesta por José Francisco Ortiz “El Mimo”. El diseño de producción es de Valeria Lemus.

MCBTH Ruega por nosotrxs se escenificará el próximo viernes 25 de noviembre en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Virginia, la muerte de una polilla es una propuesta que aborda la vida y obra de la escritora inglesa, Virginia Woolf, cuyo legado sigue estando presente en nuestros días, que ofrece una temporada en el Foro de las Artes del Cenart.

La obra escrita y dirigida por Aline Menassé, cuenta con las actuaciones de María Inés Pintado, Elsie Flores y José Carriedo, quienes se encargan de dar vida a Virginia, Leonard Woolf y Vanesa Bell, figuras centrales en la vida de la escritora y al mismo tiempo, también encarnan a algunos de los personajes pertenecientes a su obra.

La actriz Elsie Flores nos cuenta a detalle cómo surgió la propuesta y qué nos depara como espectadores: “Ha sido un proceso muy arduo y de muchísimos años, Alinne Menasse que es la directora y dramaturga hizo una investigación muy profunda, incluso visitó bibliotecas en Nueva York (…) creo que la dramaturgia que hizo Alinne es muy exquisita, yo te podría decir que más de 6 años ha llevado construir esta dramaturgia”.

Agrega: “Virginia construía y escribía como a través de un oleaje, como si fueran las olas, de pronto se ensanchan, de pronto son más cautelosas, más tranquilas, eso es justo lo que logra transmitir esta obra. Es muy interesante adéntrate a esta vulnerabilidad y que, además, María Inés Pintado, quien interpreta a Virginia de manera muy fascinante, muy humana, nos permite ser cómplices de ella, eso lo hace una experiencia muy viva”.

En escena, Flores da vida a distintos personajes como la madre de Virgina, a su hermana Vanessa Bell y a Clarissa Dalloway, de la novela Mrs. Dalloway, personaje autobiográfico de la misma Woolf, en el que imprime mucho de sus pensamientos e ideas sobre el feminismo, la locura, así como la represión sexual y económica a la que se enfrentaban las mujeres en aquella época.

Al respecto, Flores comparte: “Es una obra que tiene mucho de su biografía, momentos de vida, donde se tocan temas muy complejos, donde también podemos ver su relación familiar, con Leonard Woolf, partes de su niñez, su relación con su hermana Vanessa Bell”.

Añade: “Yo hago cinco personajes, uno de los más centrales es Vanessa Bell, la hermana mayor de Virginia. También interpretó a Orlando, inspirado en una novela autobiográfica, sobre Vita Sackville West, de quien incluso se dice que fueron amantes, y a otro personaje muy interesante, Mrs. Dalloway, una mujer muy de la época victoriana, de la novela homónima”.

Si bien, la literatura de Woolf fue escrita hace décadas los temas que aborda se mantienen vigentes hoy en día, por lo que Elsie Flores invita al público no sólo a ver la obra, sino también dejarse llevar por sus textos y conocer el mundo creado por Virginia.

En ese sentido, Elsie Flores indica: “Aunque estamos hablando de bastantes décadas, nos vamos a identificar muchísimo, porque el tema es bastante actual. La invitación al público es a atravesar todo este universo de Virginia Woolf, que no es necesario conocerla previamente, y lo interesante radica en poder experimentar, vivir y habitar en esta obra”.

Agrega: “Esta obra es como un espejo y eso es lo que nos brinda el teatro, la oportunidad de espejearnos y Virginia no es la excepción. Habrá quien salga ávido de descubrirla, de leerla más, porque nos mueve, nos provoca y es una obra que nos brinda una experiencia colectiva”.

La obra cuenta con el diseño de escenografía de Miguel Moreno y Auda Caraza; el diseño de vestuario de Estela Fagoaga; el diseño de iluminación de Edgar Mora y la música original de Julián González Frank, bajo la producción general de la compañía Arte Laboratorio La Rueca A. C. y Producción Escénica S.E.

Virginia, la muerte de una polilla se presenta de jueves a domingo, hasta el 20 de noviembre en el Foro las Artes del Cenart, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía PinPoint y Millán Fotos

Si todo el mundo es un escenario y todos somos sus actores, no es de extrañar que todos queramos estar en una obra de William Shakespeare, ya sea como directores, adaptadores, intérpretes o espectadores. Aunque el mundo del teatro cuenta con figuras canónicas que lo han sustentado a lo largo de su historia -Eurípides, Molière, Ibsen, Chéjov, Beckett, Pinter, Sarah Kane, por citar a algunos-, el bardo inglés sigue siendo el más representativo y representado hasta nuestros días.

Es decir, en pleno siglo XXI seguimos atentos a las palabras escritas cinco siglos atrás y hay ya suficientes estudios que nos hacen saber el porqué, aunque la mejor manera de comprobarlo es precisamente asistir a las salas teatrales para darse cuenta que eso que un común y corriente William escribió al calor de su tiempo, tiene una profunda resonancia en el nuestro y que los conflictos que suceden alrededor de la realeza de Dinamarca, Escocia o Verona pueden reflejar la realidad de la vida política, social, cultural e individual del México de todos los días.

En el nuevo siglo hemos visto lo mismo montajes de textos de Shakespeare que nuevas creaciones, a partir de alguno de esos textos que proyectos que engloban y festejan el legado shakesperiano en nuestro país.

Por ejemplo, uno de los últimos proyectos de la Compañía Nacional de Teatro antes de su reestructura en 2008 fue el Proyecto Shakespeare, en 2004, que consistió en escenificar, casi con el mismo elenco, tres obras: El rey Lear dirigida por José Caballero, El mercader de Venecia dirigida por Raúl Zermeño y Sueño de una noche de verano dirigida por José Solé. A la par, en el Teatro de la Facultad de Arquitectura de la UNAM Juan José Gurrola estrenaba su versión, ahora referencial, de Hamlet, protagonizada por Daniel Giménez Cacho, mientras que Rodrigo Johnson presentaba su versión de Lear. En esos años, Las Reinas Chulas presentaban en la Capilla Gótica del Helénico su espectáculo El Código Shakespeare.

Ya durante la nueva etapa de la CNT, fue célebre el montaje de Enrique IV que bajo la dirección de Hugo Arrevillaga se presentó en el zócalo capitalino en la Corrala del Mitote -creada exprofeso para ello- a fin de prepararse para dar dos funciones en The Globe Theater, en el marco de la Olimpiada Cultural de Londres 2012. Más adelante, en 2015 montó Coriolano en versión y dirección de David Olguín.

Volviendo a Teatro UNAM, también ha tenido ciclos dedicados a Shakespeare, como cuando en 2009 escenificó en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, el Otelo dirigido por Claudia Ríos y, al lado, en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, Desdémona o la historia de un pañuelo de Claudia Vogel dirigida por Benjamín Caan, ambas con traducción de Alfredo Michel. Enfrente, en la Sala Miguel Covarrubias, Juliana Faesler presentó una versión multidisciplinaria de Sueño de una noche de verano. Por esos años, la UNAM también produjo La tempestad con dirección de Salvador Garcini, interpretada por el legendario Ignacio López Tarso y El rey lear adaptada y dirigida por Hugo Hiriart.

También el Helénico, en 2014, celebró a Shakespeare con un amplio programa que incluyó filmes, lecturas dramatizadas, conferencias y escenificaciones especiales. Y eso solamente por mencionar lo propuesto por las instituciones en las primeras décadas del siglo XXI.

En cuestión de teatro privado, en 2018 resultó un éxito el programa Shakespeare en el Parque, que reunió producciones privadas e independientes en un foro construido específicamente para la ocasión: Romeo y Julieta de bolsillo de Emiliano Dionisi dirigida por Alonso Íñiguez, Algo de un tal Shakespeare de Adrián Vázquez, Mendoza de Antonio Zúñiga dirigida por Juan Carrillo, Macbeth en dirección de Mauricio García Lozano, ¿Qué con Quique Quinto? de Andrés Carreño, La sombra del bardo de Eduardo Castañeda y Yo tenía un Ricardo hasta que Ricardo lo mató de la Compañía Teatro Bárbaro de Chihuahua; todas estas producciones tuvieron y han tenido muy exitosas temporadas en distintos foros de la ciudad de México.

Actualmente, la efervescencia en cuanto al hacer y deshacer con el Bardo es notable en nuestra Cartelera de Teatro. Apenas hace un par de meses concluyó la temporada de la versión de Hamlet de Angélica Rogel, cuya apuesta central consistió en que el icónico personaje protagónico fuera interpretado por la actriz Irene Azuela pero que, a diferencia de otras propuestas similares -como el Hamlet interpretado por Rosenda Monteros en México en los años ochenta o por Blanca Portillo en España en la década pasada-, no se trata de una actriz interpretando a un hombre, sino una actriz interpretando a Hamlet, la princesa de Dinamarca. La última función de este montaje sucedió en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

También el reciente montaje de Cleopatra y Antonio en versión y dirección de Olivia Barrera tuvo un eje profundamente femenino y feminista dando una nueva lectura del personaje de la reina egipcia, además de contar con un notable elenco de actrices compuesto por, entre otras, Carmen Mastache, Ana Graham, Guillermina Campuzano y Leticia Pedrajo.

Recientemente, la compañía Los Colochos Teatro celebró su doceavo aniversario con una residencia en el Centro Cultural del Bosque llamada 4 de Shakespeare con Todo, que incluyó a la muy elogiada Mendoza, que es la versión de Antonio Zúñiga y Juan Carrillo a “Macbeth”, en la cual la acción se traslada de Escocia a la Revolución Mexicana; esta obra ha tenido varias temporadas, ha participado en festivales y proyectos especiales y es una de las versiones shakespearianas más celebradas de nuestro teatro. También presentaron Nacahue: Ramón y Hortensia, en la que Juan Carrillo y Marco Vidal retoman “Romeo y Julieta” con dos amantes separados por sus diferencias culturales, pues él es un indígena cora y ella una indígena huichola.

El estreno de su propuesta Silencio de Juan Carrillo, Mónica Portillo y Martín Becerra a partir de “Otelo” despertó comentarios opuestos entre quienes tuvieron la oportunidad de verla, pues hubo quien elogió y hubo quien denostó la visión de los creadores de la puesta sobre el feminicidio y la manera de ponerlo en escena. La residencia cerró con el estreno de Reina de Marco Vidal, en la cual el Rey Lear se convierte en una actriz que se enfrenta, encerrada en un teatro, a los demonios de la vejez y la locura, es decir, a la decadencia. En estas obras participaron los actores Mónica del Carmen, Sonia Couoh, Mario Eduardo de León, Marco Vidal, Erandeni Durán, Leonardo Zamudio, Martín Becerra, Germán Villarreal, Ulises Martínez, Alfredo Monsiváis, Roam León y Yadira Pérez, quienes forman parte de la compañía. En Reina, la actriz Paloma Woolrich fue invitada para interpretar a la protagonista.

Una unión entre teatro inglés y trabajo social es lo que ofrece la Compañía de Teatro Penitenciario al abordar obras de Shakespeare. Para celebrar sus primeros 13 años de quehacer artístico llevará al Teatro de la Ciudad MCBTH Ruega por nosotrxs en versión y dirección de Itari Marta e Ismael Corona, siguiendo así con la disertación sobre el poder que iniciaron en su versión de Ricardo III, la cual resultó todo un suceso teatral y puso en el interés de los espectadores el teatro realizado en el Penal de Santa Martha, en donde se concentra una experiencia que obliga a revalorar la concepción cotidiana sobre arte teatral.

El corrido del Rey Lear se anuncia como una “tragedia rancheksperiana” y, en efecto, se trata de una recreación del clásico a cargo de Fernando Bonilla, en la que desde el texto y el montaje rinde un homenaje a los actores de la vieja guardia, específicamente su padre, Héctor Bonilla y el muy tempranamente ido Fernando Balzaretti, al tiempo que se alude a la realidad actual en la que el crimen organizado ha permeado todo, incluso al teatro. La obra es protagonizada por Juan Carlos Colombo -amigo y compañero de Bonilla y Balzaretti-, quien está acompañado por Alejandro Morales, Valentina Sierra, Daniela Arroio, Malcolm Méndez, Miguel Tercero, Miguel Alejandro León y Juan Daniel García Treviño.

A nuestra cartelera acaba de llegar Mrs. Shakespeare, una propuesta escrita por Verónica Bujeiro y dirigida por Silvia Ortega Vetoretti, con un reparto conformado por Daniela Zavala, Renata Wimer, Emoé de la Parra y Emma Dib, quienes dan vida a un ensayo sobre los personajes del Cisne de Avon a través de una “farsa punitiva”, en la cual se da cuenta de los distintos conflictos que atraviesan a los personajes shakesperianos y de qué manera corresponden a los conflictos que vive la mujer hoy en día.

Dirigida y estelarizada por Yulleni Vertti, en el Foro La Gruta se puede disfrutar de una de las obras menos escenificadas -al menos en nuestro país- de Shakespeare: Mucho ruido y pocas nueces, una comedia de enredos que aquí es traída a un lenguaje contemporáneo, ya que los equívocos, dimes y diretes se enmarcan en lo que hoy son las fake news y el poder de las palabras para mentir, manipular o difundir información falsa. A Vertti la acompañan en escena Constantino Morán, David Lynn, Estela del Rosario Rivero, Evan Regueira, Frida de la Torre, Blanca Loaria Pedroza, Ramón Cadaval y Saúl Meléndez.

Finalmente, después de varios intentos, se efectuará el reestreno de la muy premiada Noche de reyes, comedia por demás famosa -y una de las que cuenta con más traducciones hispanomexicanas, gracias a León Felipe, Federico Patán y Angelina Muñiz Huberman- cuyo montaje a cargo de Alonso Íñiguez resultó muy exitoso en su primera temporada. Ahora regresa esta propuesta con elementos propios del cabaret y el clown, interpretada por Carlos Aragón, Adriana Montes de Oca, Antonio Alcántara, Diana Bovio, Jacobo Lieberman, Julián Segura, María Penella, Pablo Chemor y José Ponce.

Estas apuestas se unen a otras que han nutrido la visión que desde México se tiene de la escena shakesperiana: el Hamlet de Flavio González Mello, el Hamlet de la Compañía Nacional de Teatro -que solamente presentó la primera parte y hasta la fecha no ha anunciado cuándo retomará el proyecto para concretar la segunda-, los montajes de Mauricio García Lozano a Romeo y Julieta, Medida por medida y Ricardo III, así como la diversidad de versiones del Ricardo III -de la Compañía de Teatro Penitenciario, de David Gaitán, de Erando González, de Antonio Zúñiga etc-, Lady Hamlet de Aurora Cano, Titus de Angélica Rogel, La maté por un pañuelo de Andrea Salmerón y Alfonso Cárcamo.

Así como Una merienda de negros de Edgar Chías dirigida por Boris Schoemann, Te lo cuento en invierno de Juan Carlos Vives, The Shakesperian Tour de Mariano Ruiz, Noche de reinas dirigida por César Enríquez, Lady Dragbeth de Fabián López y Osmar J. Urbina, Cartografía de una tormenta de Hugo Wirth dirigida por Mauricio García Lozano, La tempestad de Amaranta Leyva y Julieta tiene la culpa de Bárbara Colio.

Por mencionar a algunas de las puestas en escena que siguen demostrando que tal vez Harold Bloom no exageró al afirmar que si algo inventó Shakespeare fue simple y llanamente, lo humano, al humano.

Por Enrique Saavedra, Fotos:

Qué mejor plan que asistir al teatro con tus hijos, sobrinos, primos, hermanos, en fin, entrar a una sala con un niño, sin duda es una experiencia importante, para fomentar en ellos, el amor al arte e incentivar su imaginación, con propuestas con algo importante para decir.

Así que, a continuación, te cuento sobre algunos de los montajes que no puedes dejar pasar, desde historias inocentes, clásicos del cine y producciones de reciente creación, que apuestan por generar conciencia desde los primeros años, apostando por valores como la amistad, la inclusión y el respeto.

1. Alas de Luz. En esta propuesta disfrutarás de las aventuras de un aguilucho que nace en la granja en un corral de gallinas, por lo tanto, piensa, siente y se comporta como ellas, así que con ayuda del público, necesitará descubrir su verdadera misión en la vida y quizá, lograr volar muy alto.
2. Imaginando, la diversión va comenzando. Esta opción es perfecta para edades más tempranas, ya que aquí, conocerás a un peculiar cuentacuentos, quien adentrará a los más pequeños, en las aventuras mágicas de príncipes, princesas y otros seres extraordinarios, con ayuda de los Puppets, Marionetas y Botargas.
3. La Sirenita. La historia clásica de amor imposible, entre dos seres que provienen de universos opuestos, es llevada a escena, donde los niños acompañarán a Ariel al mundo de los humanos, a pesar de que su padre le prohíbe relacionarse con ellos. Sin embargo, en un viaje secreto, se enamora de un humano y recurre a una perversa hechicera para que, mediante un conjuro, su amor triunfe.
4. Los tres cochinitos. En este divertido montaje, veremos como tres lindos y traviesos cochinitos, desafían a un lobo feroz que hace uso de todas sus artimañas y disfraces para tratar de engañarlos y poder devorarlos. Sin embargo, está lidiando con cochinitos modernos y astutos, quienes, tal vez, logren escapar de sus garras y darle un buen merecido.
5. Dinosaurios al rescate. En el año 2027, el multimillonario Walter Dólar ha encontrado la forma de salvarnos de la extinción. A través de una innovadora máquina del tiempo, los humanos podrían viajar hasta 65 millones de años atrás con el único fin de obtener recursos naturales suficientes, para traerlos a la realidad sin importar las consecuencias. Afortunadamente, el Doctor Bon Van Vincent Cubeta junto con sus nietos Nessy y Darwin podrán viajar a través del tiempo e impedir semejante atrocidad con la ayuda de algunos grandulones a su paso.

Ahora conoces 5 propuestas ideales para ver este fin de semana, además todas tienen descuentos especiales para nuestros lectores, no esperes más y lleva a la familia al teatro con estos increíbles precios, para conocer más propuestas con descuento, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Dinosaurios al rescate

Esta mañana, se llevó a cabo la conferencia de prensa de Furor, texto escrito por Lutz Hübner y Sarah Nemitz, con la interpretación de Stefanie Weiss, Rodrigo Virago y Juan Carlos Vives, bajo la dirección de Luis de Tavira.

El Cenart recibe esta visión contemporánea de dramaturgia alemana, traducida al español por Weiss y Luis de Tavira, con funciones de jueves a domingo, del 24 de noviembre al 4 de diciembre, en el Teatro de las Artes.

De acuerdo con el director, se trata de una premisa que retrata diversos conflictos sociales, a través de un hecho trágico, que pone la llaga en la polarización cotidiana, el hartazgo, el odio y la apatía cotidiana, escenario en el que la clase política, las grandes corporaciones, los medios y las redes sociales nos deshumanizan.

En este sentido, de Tavira expresó:”Es una obra que recupera en el teatro actual, la beligerancia del Teatro de las ideas, Furor conecta con una realidad candente, una realidad angustiante, que demanda y que cuestiona a los hacedores de teatro, ¿qué hay que decir?, y ¿qué hay que proponer?”.

“La misión del teatro es convertirnos en espectadores de lo que sucede, un conjunto de eventos que quedan reunidos en el significado extremo de la palabra que titula la obra, estamos viviendo tiempos de furor, de rabia, de mucho miedo, de inseguridad y cuestionamiento”, puntualizó.

Y agregó: “Esta obra intenta indagar de manera muy hábil, dramatúrgicamente hablando, el por qué de las circunstancias, qué causa todo este sufrimiento y toda esta incertidumbre y no solo eso, sino, a través del debate de los propios personajes, proponer el debate de las ideas”.

La historia gira en torno a Heiko Braubach, quien es funcionario del gobierno y se encuentra en campaña como candidato a alcalde. En un accidente de tránsito atropella a Enno, hijo de Nele Siebold, enfermera geriátrica. Pese a las evidencias contundentes, la investigación ministerial determina que el joven Enno cruzó la calle intempestivamente, mientras huía, declarando inocente al candidato.

Por su parte, la actriz y traductora, Stefanie Weiss comentó: “En esta obra hay una profunda reflexión, sobre la problemática social, pero de una manera actualizada, he estado viendo muchísimos documentales sobre los niños y la drogadicción, los jubilados que viven en la calle, en este sentido es una obra universal que nos atraviesa en este mundo globalizado en el que vivimos”. 

Y añadió: “Me parece importante como creadores escénicos, seguir apostando por pensar juntas y juntos, ¿vamos bien con este mundo así?, o algo tenemos que hacer, debemos detenernos un poco, porque seguimos todos los días dentro de una vorágine”, concluyó.

El equipo creativo de esta producción está conformado por Jesús Hernández en el Diseño de escenografía e iluminación; Jerildy Bosch en el Diseño de vestuario; Rodrigo Espinosa es el responsable del Diseño sonoro; David Castillo en la Coordinación y producción ejecutiva; Patricia Yáñez funge como Asistente de dirección; Raúl Morquecho en la producción operativa y Maricela Estrada es la asesora de peinados y maquillaje.

Furor tendrá funciones del 24 de noviembre al 4 de diciembre en el Teatro de las Artes, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Alejandra Corman presenta, por primera vez en nuestro país, el monólogo Abril y su sombra, propuesta que narra el vació existencial de una persona deprimida, sus dudas y posibles respuestas, con toques de humor negro y anécdotas personales.

Este montaje invita al espectador a sumergirse en un momento complicado en la vida de una mujer, con la finalidad de desestigmatizar la depresión, sin importar las circunstancias, invitando al autoconocimiento y a la atención de la salud mental. La propuesta se presentará únicamente con dos funciones el martes 15 y miércoles 16 de noviembre en La Teatrería.

Alejandra, ¿qué inquietudes expresas en esta historia?
Es una obra que habla sobre el sentido de la vida, el sentido de la existencia, Abril está con depresión, tiene insomnio, está arrastrando con problemas, por esa razón se pregunta si vale la pena pararse de la cama o no.

¿Se trata de tu primer trabajo en el país?
Con este proyecto no solo me presento en México como actriz, sino también como directora y guionista, entonces ha sido un reto bastante grande el que me puse, es una obra que estrené en Ecuador en febrero y ahora estoy acá, sumamente emocionada de que la gente conecte con mi discurso acá.

¿Cómo se cuenta la premisa?
El personaje empieza a hacer un recorrido por su vida, porque está convencida de que alguien tuvo que haber tenido la culpa, para que ella esté así, porque muchas veces culpamos al otro por nuestras circunstancias y entonces, recorre su niñez, su juventud, por lo que el público se va a encontrar con muchas anécdotas divertidas y momentos muy intensos en la vida de Abril. Además, la historia se cuenta en un periodo de tiempo muy breve, son como 24 horas en la vida de esta mujer y vemos este día, porque es un día decisivo, ella se dice así misma, o me pongo bien y es momento de saber qué onda y hasta dónde estoy dispuesta a llegar para descubrirlo.

¿Qué cambia de la versión presentada en tu país a esta que veremos?
Del montaje original, al que voy a presentar en México, sí hay un cambio, porque en el estreno que hice en Ecuador, no tuve tanto tiempo de dedicar tiempo a lo estético, entonces ahora sí que tuve tiempo, además que ya probé, ahora juego mucho más con el humor que inconscientemente plasme en el texto y lo llevó al límite, además ya pasó un tiempo de mi propia historia que fue la que me inspiró para crear esta obra, entonces, veo el montaje desde otro ángulo, así que siempre digo que aquí, se verá la versión mejorada de la historia.

¿Con qué objetos se relaciona la protagonista en escena?
Hay un par de elementos en la obra que sí se mantuvieron, hay un teléfono con el que ella tiene una relación, por ahí, como de amor y odio, porque por ahí es que llama a su ex y lo acosa, ahí habla con su psicóloga, con su mamá también, y sobre todo, pierde gran cantidad de tiempo en las redes sociales. Además, la cama es un elemento importante, misma que en este montaje presento no como una cama literal, sino como algo más abstracto, porque pienso que la relación de una persona deprimida con su cama, es un símbolo muy predominante cuando estamos mal.

¿Cuál ha sido la reacción de la gente?
En Ecuador, me he llevado experiencias muy bonitas con el público, en el estreno hubo una chica que se me acercó y me dijo, “yo me llamo Abril y tengo diagnóstico de esquizofrenia, y todo lo que vi, yo lo viví, así que gracias por contar mi historia”.

El resto del equipo creativo en esta producción es integrado por Gabriela Ruiz en la codirección, Ariana Coral en el diseño de escenografía, Ana Poveda en el diseño de vestuario y Marcela Ribadeneira en el diseño gráfico. En la producción se encuentran Roberto Wohlmuth, Matilde Castañeda y Alejandra Corman.

Abril y su sombra se estrena este martes 15 de noviembre, con una segunda función el miércoles 16 en La Teatrería, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

The Prom se ha caracterizado por ser un musical que apuesta por la inclusión y el respeto de la diversidad sexual, dejando a un lado los estigmas por medio de baile, música y humor.

En esta ocasión, el musical regresa con un nuevo elenco que te sorprenderá, en una breve temporada, hasta el 17 de diciembre, en el Teatro Centenario Coyoacán, así que si aún no has ido a revivir los esfuerzos de Emma por asistir al baile de graduación con su novia, a continuación te doy 3 razones para hacerlo.

1. Nuevo elenco. Como lo mencionaba, el montaje se presenta con nuevos actores, en esta ocasión, Romina Marcos, Alicia Candela, Roger González, Alex de la Madrid, Mau Salas y Alicia Paola, se suman a Oscar Carapia, Samantha Salgado y Anahí Allué, para ofrecer una nueva versión de los característicos personajes que el director Diego Del Río, se encargó de trasladar de la pantalla al teatro.
2. La música. Esta producción logró hacer bailar a toda la sala del Centro Cultural Teatro 2, en su función de estreno, logrando generar una gran cantidad de fanáticos de las canciones a lo largo de la temporada, ahora el Teatro Centenario Coyoacán recibe las mismas notas, en una experiencia íntima que se basa en la interpretación.
3. La premisa. The prom es una propuesta necesaria que invita a repensar la sexualidad, y los estigmas asociados a ella, su discurso además de entretener a los adolescentes, es ideal para un público más pequeño, pues apuesta por celebrar el amor y las diferencias que nos hacen únicos.

Ya conoces tres razones para ir al Teatro Centenario Coyoacán el viernes o el sábado, no te la pierdas con funciones hasta el 17 de diciembre, para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Del  25 de noviembre al 1 de enero, el Foro Shakespeare, recibe el ciclo Cu4rta Invasión al Shakespeare, por parte de la compañía Los Tristes Tigres, bajo la dirección de Adrián Vázquez.

Esta mañana, en conferencia de prensa, el director expresó su entusiasmo por presentar esta oferta en un recinto, en el que aseguró siempre se ha sentido bien recibido, además de señalar el talento de los integrantes de su compañía, con quienes comparte años de historia.

“Se trata de obras conocidas, con temas particulares, pero que en su conjunto tienen una poética muy importante y congruente al tiempo de vida que nos toca habitar”, declaró.

“Para nosotros como compañía, es muy importante cerrar el año con teatro, porque ya el próximo, cumplimos nuestra mayoría de edad, entonces creo que esta cuarta invasión, es una preparación para nuestro festejo”.

Y agregó: “Creo que es un honor como director, encontrar actores y actrices como Verónica Bravo, Teté Espinoza y Sara Pinet, que en cualquier compañía del mundo querrían tener. Es un privilegio y un gozo contar con gente tan profesional”.

Por su parte, la actriz Verónica Bravo, quien presentará en única función, el 18 de diciembre, el monólogo Visceral, compartió su afinidad con las premisas profundas como esta, donde pueda transitar por el dolor y la parte más vulnerable del ser humano.

“Siempre me he sentido más cómoda en personajes como el que plantea Visceral, porque el mundo de lo doloroso, de lo dramático, me atrae, porque tengo un espíritu más taciturno, más nostálgico, y al interpretar historias así, me siento más libre”, concluyó.

Finalmente, el resto de los integrantes de la compañía, mencionaron el orgullo de pertenecer a una compañía que se ha caracterizado por exigir un constante rigor y entrega hacia el teatro, con historias que ofrecen discursos potentes y actuales.

Los que Sobran se presentará del 25 de noviembre al 30 de diciembre; El hijo de mi padre, con una función el 27 de noviembre; Cosas raras el 3 y 17 de diciembre, Visceral el 18 de diciembre y Wenses y Lala el 10 y 11 de diciembre.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Ayer por la noche estrenó Mimesis, el nuevo musical que narra una emotiva historia sobre la empatía e inclusión, acompañada por 26 canciones originales en MarkeTeatro.

Escrita y dirigida por Rafael Trejo Ortega con la música de Manuel Vargas Mena Escudero y Daniel Lopto, la propuesta hace énfasis en la percepción y el día a día de las personas que tienen alguna discapacidad, con un inspirador mensaje sobre el valor y los sueños.

Al término de la función, Trejo Ortega, expresó: “Agradezco que estén aquí acompañándonos, agradezco a la compañía que ha aguantado tantos y tantos tropiezos, pero que estamos aquí diciendo a ustedes muchas gracias”.

Agregó: “Mimesis es una historia que hemos trabajado a lo largo de varios años, primero inició como un cortometraje, ahora estamos en la versión escénica desde hace 3 años, y por la compañía han pasado muchas personas que nos acompañan hoy, gracias a ustedes construimos este camino”.

Como padrino de este estreno, el actor Francisco Rubio, dijo: “Me conmueve muchísimo estar aquí, que sea una temporada exitosísima, gracias por todo el trabajo, por todo el talento. Es un honor para mí que me hayan invitado a apadrinar el estreno, mucha buena vibra y mucho amor, porque esta compañía está llena de eso”.

Cuenta con las actuaciones de Lucía Huacuja, Iker Paredes, Ana Cecilia Anzaldúa, Brenda Romo, Adrián Pola, Renatta Bagó, Bernardo Figueroa, acompañados en el ensamble por el Diego Terán, Carolina Reyes, Emiliano Saljai, Jorge Mejía, Martha Garibay, Gaby Castillejos, Elian Wigisser, Mariano Bucio, Joshae Cruz, Marianne Salgado, Annabel Sánchez en el ensamble.

En la trama conocemos a Maya, una chica de Guanajuato, que sueña con hacer teatro musical. Un día conoce a Omar, quien le cuenta sobre una convocatoria en la CDMX en la que una persona podrá llegar a una audición en Broadway. Por lo que Maya decide emprender una aventura para alcanzar sus sueños, sin importar lo imposibles que estos puedan ser.

Se trata de una obra que emplea diferentes técnicas escénicas acompañadas de canciones originales y un diseño sonoro inmersivo, que permite a los espectadores que padecen de discapacidad auditiva, disfrutar de una manera única este espectáculo, a través del uso de chalecos sensoriales que emiten vibraciones, podrán “sentir” cada canción.

Mimesis se presenta los viernes y sábados hasta el 23 de enero de 2023 en MarkeTeatro, ubicado en Coahuila 105, Col. Roma, consulta más información aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Del 25 de noviembre al 5 de marzo, llega al Teatro Rodolfo Usigli, Helen Keller, La increíble historia, drama basado en un momento en la vida de la famosa escritora, oradora y activista política, conocida por dejar un legado en la defensa de los derechos de la comunidad sordociega y en la prevención de la ceguera.

Se trata de un proyecto familiar, con dramaturgia y dirección de Fernando Larrañaga con las interpretaciones de Adriana, Ximena y Patty Larrañaga, quienes aseguran, es un honor compartir un montaje con su padre y abuelo, de quien confiesan, se inspiran constantemente en el trazo de sus carreras.

Sobre el montaje, el director comparte: “Me siento bendecido y complacido en la búsqueda de argumentos, de anécdotas de la vida real, siempre me ha llamado la atención la vida de esta mujer. Sabemos mucho de Helen Keller, hay muchas películas, diversas versiones, pero yo pensé que sería intenso inmiscuirme en un momento íntimo en la relación de Helen y su maestra Anne Sullivan”.

“Me parece sumamente pertinente esta historia, porque se trata de una mujer, que a pesar de su contexto, logró graduarse en la universidad con altos honores, sin mencionar que se trata de un proyecto familiar, donde trabajamos en conjunto, al final todos somos productores, todos somos socios, todos somos partícipes en este proyecto tan bonito”, señaló.

De acuerdo con Adriana Larrañaga, el trabajar en familia, podría parecer que no es fácil, pero en su experiencia, cada quien sabe que es lo que tiene que hacer, por lo que el trabajo fluye de la mejor manera.

“Esto es un sueño que nació en el 2004 y para mí es maravilloso que mi padre nos dirija, porque él pertenece a una generación de gente muy talentosa en el mundo del teatro. Además, yo represento la cuarta generación de actores de teatro en mi familia, por parte de mi papá, que es la tercera generación, antes estuvieron mis abuelos y bisabuelos, ahora también están mis sobrinas que son la quinta generación”, mencionó.

Para Adriana, el encuentro escénico es contundente entre esas dos mujeres, ya que el trabajo de dirección se ha enfocado en llevar al límite las personalidades de las dos protagonistas, dejando al descubierto su vulnerabilidad, así como su ímpetu, a la hora de enfrentarse a sus adversidades.

Finalmente, las actrices, Ximena y Patty Larrañaga, aseguraron que se trata de una producción con muchos valores estéticos y en el discurso, además de expresar su emoción al ser dirigidas por primera vez en escena por su abuelo.

“Por un tiempo, la compañía familiar no tuvo actividades, nosotros, como actores independientes, fuimos forjando nuestro camino, pero un gran referente siempre ha sido nuestro abuelo, porque creo que él es el camino a seguir, y ahora volver a trabajar como compañía familiar es muy lindo”, compartió.

Por su parte, Patty confesó: “Son dos mujeres increíblemente inspiradoras y para mí es un honor ser parte de este proyecto que se ha ido preparando desde hace tanto tiempo, donde mi abuelo recreó una mirada íntima al interior de la cabaña en donde fue educada Helen”, concluyó.

En escena serás testigo de un momento en la vida de Helen Keller, mujer sordociega, junto a su maestra Anne Sullivan, quien al interior de una cabaña alejada, trata de educar a la pequeña y hacerla autosuficiente.

Helen Keller, La increíble historia, se presenta a partir del 25 de noviembre en el Teatro Rodolfo Usigli,  para conocer más detalles, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

La noche de ayer, el espectáculo de cabaret Noche de reyes, estrenó su nueva temporada en el Teatro Milán, con un elenco integrado por Adriana Montes de Oca, Antonio Alcántara, Carlos Aragón, Diana Bovio, Jacobo Lieberman, Julián Segura, María Penella, Pablo Chemor y José Ponce, bajo la dirección de Alonso Iñíguez.

En la historia serás testigo de una reinterpretación del texto clásico de Shakespeare, con música original, a cargo de Pablo Chemor, con personajes andróginos, entrañables y un vestuario que enmarca la escena de una manera etérea y fantasiosa.

La premisa se desarrolla en comedia y cuenta el naufragio que separa a los gemelos Sebastián y Viola, quienes sobreviven a la distancia, sin saber que ambos están vivos, por lo que Viola cambia su nombre por el de Cesáreo, se viste de hombre para trabajar en el palacio del conde Orsino, un hombre enamorado de Lady Olivia, quien no tiene interés por nadie, debido a la muerte de su padre y hermano.

Aquí disfrutarás de constantes contradicciones amorosas, interpretaciones sorprendentes y momentos memorables de humor.

Al concluir la función, Alonso Iñíguez expresó su entusiasmo al regresar con un proyecto que se ha ganado un lugar importante en el público, además de confesar su admiración hacia la planta técnica que logra en cada función, ejecutar con precisión cada acto, así como el elenco de esta nueva temporada, con quienes aseguró es un placer trabajar.

Cabe destacar, que esta propuesta fue ganadora como mejor obra, de los Premios del Público Cartelera 2017, así que es garantía de diversión y ejecución, no esperes más y disfruta de su premisa nuevamente, con nuevas interpretaciones dentro de un ambiente cabaret que recordarás con una sonrisa.

Noche de reyes se presenta con funciones de viernes a domingo en el Teatro Milán, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Comedias, musicales, acción, drama, monólogos son algunas de las propuestas que podrás encontrar dentro de nuestras opciones para que disfrutes, al mejor precio, de la cartelera de la Ciudad de México.

Desde los grandes recintos, hasta los foros más alternativos de la ciudad,  encontrarás obras para todos los gustos, de todos los géneros y sobre todo, para todas la edades.

¡No lo pienses más y compra tus entradas!

Obras al Poniente de la CDMX

En esta zona podrás ver obras con temática histórica en la que te ofrecemos descuentos del 20% y 30% para ver: Nosotros somos Dios, Imperio, Carlota

Obras al Norte de la CDMX

Si vives al norte de la ciudad, también puedes disfrutar de buen teatro, en particular comedias e infantiles con precios especiales tales como: Gancho al hígado, El manual de las mujeres, Razones para decirte adiós, El Mago de Oz, musical, La Sirenita musical, El diario de Ana Frank, Dinosaurios al rescate.

Obras al Sur de la CDMX

Si eres suereñx, tienes una amplia gama de opciones donde predominan las comedias, algunas con largas temporadas, si aún no has podido verlas, no puedes desaprovechar nuestros exclusivos descuentosque van desde el 20% hasta 50%, entre las que se encuentran:  Dos Más Dos, El juego que todos jugamos, Siete veces adiós, La Hora Radio Roma 2, Los guajolotes salvajes, Don Juan Tenorio… y el precio es la vida, Siempre los hombres, las prefieren cabronas, El corrido del rey Lear, Maduras, solteras y desesperadas, 100 metros cuadrados, Los musicales de Brod-güey, Hannsell y Grettell, Sí cabemos, Historias de Fantasmas, Niñas y Niños, Nosotras lo hacemos mejor, The Prom.

Obras al Centro de la CDMX

Ahora bien, si te encanta andar de paseo por el centro de la ciudad, aquí encontrarás un amplia oferta escénica, así que ve armando tu plan con alguna de estas propuestas con descuentos desde el 20% al 60%,  como: Canícula, La peor señora del mundo, Calígvla, La dama de negro, Descubriendo a Cri Cri, Ernest & Bottom, Giro Negro, Lagunilla mi barrio, 12 princesas en pugna, Amor al cubo, Un collar de perlas negras, Stand up bar comedy, Mentidrags, La lotería del stand up,  Melania y Dalibor, Niño perdido, Lo que queda de nosotros, Mentiras, ¿¡¿Por qué no nos casamos?!?, El show de terror de rocky, Si te mueres, te mato, Te Amo, eres perfect@… ahora cambia, Los huevos de mi madre, Noche de Reyes, Como quieras, perro ámame, Los monstruos, Busco al hombre de mi vida, marido ya tuve.

Ya lo sabes, si deseas pasar el mejor fin de semana con los mejores precios, aprovecha los descuentos que te ofrecemos en: Descuentos Cartelera de Teatro.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

Estamos a un mes de que termine este 2022, las fiestas y reuniones están por comenzar, la ciudad comienza a iluminarse con motivos navideños, y lo mismo ocurre con las marquesinas de los recintos de nuestra capital que nos esperan noche a noche para recibirnos con las puertas abiertas.

A continuación te traemos un listado con las obras más buscadas por nuestros lectores durante el mes, así que si estás buscando alguna obra y no sabes qué ver, deja que la voz de la audiencia te guíe, y por qué no, quizá a ocupar alguna de las butacas.

5. Busco al hombre de mi vida, marido ya tuve. Desde su estreno, esta obra ha logrado cautivar a la audiencia para ver a sus actrices consentidas Anna Ciocchetti, Isabella Camil, Olivia Collins, Lourdes Munguía, Ana Patricia Rojo, y pasar un rato ameno explorando el tema de las relaciones de pareja, con sus pros y sus contras, con el fin de encontrar al verdadero amor, todos los sábados y domingos en el Teatro Xola.

4. La clase. Esta obra nos muestra lo que son capaces de hacer algunos hombres para conquistar a una mujer con las divertidas actuaciones de Leonardo de Lozanne, Alejandro Nones, José Eduardo Derbez y Miguel Burra, analizan juntos temas como el engaño, el abandono, la venganza y las nuevas formas de relacionarse con las mujeres con dinamismo y humor negro, de viernes a domingo en el Teatro México.

3. Si te mueres… ¡Te mato! Susana Alexander y Azela Robinson han creado una increíble dupla en escena interpretando a dos cuidadoras que harán hasta lo impensable con tal de no perder su preciado trabajo, ambas recrean hilarantes situaciones que logran sacar las carcajadas del público, desde los más jóvenes hasta los adultos, los sábados y domingos en el Teatro Fernando Soler.

2. Dos Más Dos. A través de una comedia sobre las parejas swinger, Mauricio Islas, Sabine Moussier, Plutarco Haza, Gicela Sehedi, Alejandro Ávila, invitan a reflexionar a todos los presentes sobre las relaciones de pareja, así como sus deseos y fantasías con gran ingenio y comicidad de jueves a domingo en el Teatro Royal Pedregal.

1. Lagunilla mi barrio. Con una historia que evoca los años dorados del cabaret en México, mezclado con el bullicio y color del barrio bravo, esta comedia se mantiene como la obra preferida de los capitalinos, ávidos de pasar un momento de entretenimiento, acompañado de música y humor protagonizada por Ariel Miramontes “Albertano”, Maribel Guardia, Los Mascabrothers, Daniel Bisogno, Lisardo, Violeta Isfel, La Tesorito, Alma Cero, que los esperan de viernes a domingo en el Centro Cultural Teatro 2.

Recuerden que este listado proviene de las búsquedas que ustedes realizan día tras día, y sin ustedes no podríamos presentar estos resultados.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción y Cartelera de Teatro

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Asistir al teatro en familia es una de las grandes experiencias que nos brindan este arte, y en cartelera podemos encontrar actualmente una amplia variedad con temáticas diversas que nos hablan del valor de los sueños, la importancia de la amistad, así como de nuestras tradiciones,  que imprimen un significao especial en nuestros pequeños.

Comedia, musicales y clásicos de Disney componen este listado con las  obras infantiles más populares para nuestros lectores durante el mes, así que échale un ojo, alista tu próxima visita al teatro con toda la familia:

¿Quién le teme al lobo feroz? En esta versión del ya conocido cuento, Caperucita aprenderá y descubrirá que todos los animalitos del bosque tienen grandes cualidades, incluso el malvado lobo feroz, gracias a los valores que su madre le ha inculcado. La obra cuenta con once números musicales que invitan a cantar y bailar a más de uno.

La Sirenita musical. Trae a tus pequeños a divertirse con esta versión musical basada en el cuento de Hans Christian Andersen, con acción fluorescente, canciones y marionetas con actores de verdad que nos muestra como una valiente sirenita hará todo lo imposible por conquistar sus sueños, en compañía de sus amigos Flounder y Sebastián,

La peor señora del mundo.FranciscoHinojosa plasma con gran ingenio una historia que se cuenta en tercera persona y compuesta por tan solo 42 páginas, que nos narra la historia de la peor señora del mundo. Se trata de una obra divertida y entrañable que invita a los niños y niñas a acercarse al mundo de la literatura, y les enseña cómo vencer la violencia, pero con inteligencia.

El camino del colibrí.  Si lo que buscas es un montaje que muestre un poco de nuestra cultura, esta es una gran opción, al conjugar teatro, danza, ópera y artes circenses  para contarnos la hermosa leyenda mexicana de Piltontli y Huitzilin, dos jóvenes que se conocieron desde pequeños y cuyo amor creció con ellos. Sin embargo, debieron enfrentar distintas pruebas para defender su amor, mismo que prevaleció aún después de la muerte.

Descubriendo a Cri Cri. Todos aman a Mario Iván Martínez, eso es un hecho, ¿por qué?, por la calidad que imprime a sus producciones, ya que el acudir a alguna de sus obras es garantía de una experiencia enriquecedora y entrañable, así que en esta ocasión, no es la excepción, ven y conoce mejor a los personajes clásicos de don Francisco Gabilondo Soler, Cri-Cri, en este emotivo montaje.

Ernest y Bottom. Aquí encontrarás un espectáculo clown para toda la familia, acompañado con música en vivo, donde serás testigo del vínculo afectivo presente entre dos adultos de la tercera edad, diferentes entre sí, pero que al estar inmersos en la habitación de un asilo, generan una conexión entrañable, aceptando y disfrutando de sus opuestas personalidades.

Conoce otras opciones de teatro infantil, aquí. 

Por Itaí Cruz y Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Producción

La noche de ayer, se llevó a cabo en el Nuevo Teatro Libanés, la presentación a prensa de Historias de fantasmas, la nueva producción de Óscar Uriel con un elenco integrado por Alfonso Borbolla, Alfredo Gatica, Daney Mendoza, José Sefami, Nacho Tahann y Miguel Tercero, bajo la dirección de Miguel Santa Rita.

En escena, se plantea una historia que pretende adentrar al espectador dentro de un universo paranormal, de angustia y miedo, donde conoceremos al escéptico profesor Phillip Goodman, quien se embarca en un viaje hacia lo desconocido, tras encontrarse un archivo con detalles de tres casos inexplicables de apariciones.

Al terminar la función, el director y traductor del montaje expresó: “Todo este equipo ha estado trabajando durísimo para entregarles esta obra, queríamos dedicar una función especial para los compañeros de la prensa, porque sin su labor de difusión, esto no sería posible”, concluyó.

Por su parte, el productor también expresó su agradecimiento hacia los medios de comunicación presentes e invitó a no revelar detalles de la historia que basa su éxito en el misterio, el imaginario colectivo y la búsqueda de certezas.

Esta propuesta llega por primera vez a México, después de un par de exitosas temporadas en países como Londres y Australia. Disfrútala con funciones de viernes a domingo en el Nuevo Teatro Libanés. Para conocer precios, horarios y descuentos, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Del 30 de noviembre al 4 de diciembre podrás disfrutar del  9.º Encuentro Internacional de Clown con Argentina, Italia y Francia como países invitados, así como de tres talleres enfocados en la creación del payaso, la emoción y el trabajo físico del clown.

Esta mañana, en conferencia de prensa, Antonio Zúñiga, director del Centro Cultural Helénico, afirmó que este encuentro es integrado en su mayoría por mujeres, artistas multidisciplinarias que han dedicado su vida a este tipo de arte, quienes invitarán a la creación e imaginación a partir de su mirada.

“Este festival nos ha dado muchas satisfacciones durante todos estos años de vida, con una afluencia de público importantísima, también es un festival de cierre de nuestras actividades, con este encuentro festejamos una labor ardua de labores”, expresó.

“No es una coincidencia, es una enseñanza de los tiempos, que en esta ocasión el festival, se lleve a cabo con la interpretación de puras payasas, en su mayoría, hecho que nos hace sentir sumamente contentos. Venimos de tiempos muy difíciles, por eso es importante seguir riendo”, agregó.

Cabe destacar que este festejo culminará con la presentación de Las clownescas, grupo conformado por Darina Robles, Payasa Caquita, Sopa de Clown, Cecilia Noreña, Nohemí Espinosa, Janna Domínguez, Jaqueline Partida, Montserrat Venavidez, María Gorostizaga, Pao la Fisita e Ix-chel Muñoz, quienes presentarán una gala de lo más representativo en la escena del clown mexicano, hecho por mujeres.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Teatro Helénico

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Si lo tuyo son los clásicos reinventados, con vestuarios alucinantes, una ambientación onírica y música entrañable, entonces no te puedes perder Noche de reyes, bajo la dirección de Alonso Iñíguez, con funciones hasta el 9 de diciembre, en el Teatro Milán. 

Desde su estreno en el 2017, esta obra ha cautivado a una gran cantidad de público por el contenido de su historia, ingeniosamente interpretada por Iñíguez, a través de  personajes andróginos entrañables, que a lo largo de los años han perfeccionado su personalidad y encanto.

Sí, el hecho de haber ganado la categoría de mejor obra en los Premios del Público Cartelera 2017, no es suficiente razón para acudir a la sala inmediatamente, a continuación te doy 3 razones más para que lo hagas.

1. La dirección. Pocos son los montajes que te transportan desde la butaca a universos increíbles, donde no hay tiempo para distraerse con algo más, que no sea la acción escénica y Noche de reyes es la clara muestra del rigor que se necesita en un montaje por demás demandante, aquí el director logra un trazo escénico impecable donde cada personaje tiene su momento para brillar y sacar al público una risa de agrado total.
2. El elenco. Adriana Montes de Oca, Antonio Alcántara, Carlos Aragón, Diana Bovio, Jacobo Lieberman, Julián Segura, María Penella, Pablo Chemor y José Ponce, hacen un trabajo espectacular en escena, acá es notoria la entrega y la comprensión de sus roles al paso de las temporadas, por lo que disfrutarás de potentes muestras de talento en un tono homogéneo de humor y farsa.
3. La música. Pablo Chemor y Alonzo Iñíguez fueron los encargados de elaborar las melodías que acompañan el clásico de Shakespeare, elemento indispensable para enmarcar la esencia de un espectáculo de cabaret memorable, donde las emociones salen a flote al compás de un grupo de ebrios, decadentes, malolientes y enternecedores músicos.

Ahora conoces algunas razones más, para no perderte la oportunidad de disfrutar de uno de los espectáculos más destacados en la escena nacional actual, la cita es en el Teatro Milán, de viernes a domingo, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

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• “Es una obra que me ha dado mucho en mi carrera”: Alonso Íñiguez sobre NOCHE DE REYES

Este 25 de noviembre se presenta por única ocasión, en el Teatro Esperanza Iris, MCBTH. Ruega por nosotrxs, a cargo La Compañía de Teatro Penitenciario, integrada por actores que están y estuvieron privados de su libertad, quienes celebran 13 años de trabajo escénico al interior de la Penitenciaría de Santa Martha Acatitla, con la salida de los actores recluidos para presentar este espectáculo.

MCBTH. Ruega por nosotrxs, se trata de una adaptación del clásico de W. Shakespeare que pone sobre la mesa temas de gran relevancia social, a partir de la confrontación de las narrativas y los actos de los personajes, a través del reconocimiento de sus diversas violencias, bajo la dirección de Itari Marta. 

En este sentido, Ismael Corona, actor y codirector del montaje, asegura que se trata de un sueño el poder presentarse por segunda ocasión en un recinto tan respetado para el teatro en México, así como su emoción de señalar la importancia que tienen proyectos de esta naturaleza, cuya visión es integrar a una persona que cometió algún delito, de manera más empática, por medio del arte.

Ismael, ¿qué representa para ti, el volver a un recinto como el Esperanza Iris?
Me siento como si fuera la primera vez, es una sensación rara, porque ya habíamos estado en el Foro Shakespeare durante una temporada, con todo el protocolo de seguridad y custodia, con el apoyo de la Subsecretaría del Sistema Penitenciario. En esa ocasión, presentamos Esperando a Godot, pero ahora con el cambio de administración y todo eso, representa una apuesta para que las nuevas autoridades vayan aprendiendo e identificando que algo importante está pasando al interior de la penitenciaría.

Desde tu visión, ¿cómo es la experiencia para alguien que vive en libertad, entrar y ver la obra al interior del penal?
La respuesta del público varía todo el tiempo, influye su edad y también, el qué tanto saben sobre lo que representa esta compañía. Cuando alguien acude a presenciar una función al interior sí es muy duro, entran con su verdad, pero también con los estigmas que hay de las cárceles, pero cuando ven que existen otras posibilidades al estar recluido, cambia su perspectiva totalmente, nosotros decimos que se les modifica el chip. Algo pasa que se llevan otra información, pero con base al trabajo.

¿Cómo se originó esta producción?
Esta propuesta se viene generando desde el 2020, con una pandemia encima que nos obligó a todos a estar recluidos. Sin embargo, la obra nos daba la oportunidad de salirnos de esta realidad y ser libres, desmenuzando las inquietudes del dramaturgo para contextualizarlas a nuestros días.

¿Cuál fue la apuesta en esta adaptación de Macbeth?
Macbeth siempre nos confronta con nuestra humanidad por la información que tenemos y sobre todo, qué es lo que queremos erradicar, pero desde dónde lo hacemos y esa narrativa se encuentra en todo el texto. Macbeth nos permite ser responsables de nuestros muertos, de nuestros actos delictivos. En este caso homicidios, y así cerrar esa carga, con esas energías que se dicen están presentes en los teatros, por eso considero que esta obra es muy pertinente para ser contada por nosotros.

¿Qué pasa una vez que algún miembro obtiene su libertad?
Afortunadamente, los integrantes de la compañía, que obtenemos nuestra libertad, podemos gestionar el puente para que esto siga ocurriendo, tanto en el interior como en el exterior, algo que Shakespeare nos permite todo el tiempo por su adaptabilidad. En este caso, para mis compañeros recluidos, Shakespeare representa una posibilidad de libertad mental y con el trabajo y el esfuerzo que ponemos en conjunto, las paredes del penal se derriten y experimentamos un sueño al pisar un teatro.

¿Cómo fue tu experiencia al estar fuera?
Una vez afuera, mi misión, con los compañeros internos, fue compartir herramientas escénicas, pero sobre todo de vida; por ejemplo, yo tiendo a ser una persona muy impulsiva, pero he aprendido a canalizar esa energía en escena y en lo que me apasiona. Hay que seguir aprendiendo y seguir conociéndonos a pesar de las circunstancias.

Disfruta de esta experiencia, el próximo viernes 25 de noviembre en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, para saber más, da clic, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

Si te gustan las comedias colmadas de humor negro, no te puedes perder, Un Acto de Dios, propuesta que nos invita a reír y reflexionar sobre el origen de la creación y que al mismo tiempo, busca responder a todas aquellas dudas existenciales que tenemos.

La obra es protagonizada por Horacio Villalobos, y en esta temporada lo acompañan “La Supermana” y “La Maniguis”, como los arcángeles, bajo la dirección de Pilar Boliver, quienes ofrecen funciones todos los viernes en el Teatro Xola, por corta temporada.

Aquí te damos 3 razones para acudir al teatro y disfrutar de esta increíble triada que reescribe los 10 mandamientos con su muy particular estilo:

1.Horacio Villalobos. Su nombre es sinónimo de sarcasmo y humor negro llevado a su máximo nivel. En el montaje, el también conductor, hace gala de su histrionismo al representar al Todopoderoso, cuyas enseñanzas ha malinterpretado la humanidad durante siglos, mostrando que el rey celestial no es tan bueno como lo pintan las santas escrituras, ni tan malo como la propia iglesia nos lo ha inculcado. Sino que es un ser con defectos y virtudes tal como los propios humanos.

2. Una amistad que trasciende en escena. La relación que existe entre “La Supermana”, “La Maniguis” y Horacio se cuenta sola y esto se transmite sobre las tablas. Cada uno en su papel, logra cautivar al público con sus ocurrencias, actuaciones y dinamismo, ya que constantemente rompen la cuarta pared, haciendo partícipe al público en todo momento, que goza con cada intervención, por muy abrupta que esta parezca.

3. El público. Una parte fundamental de esta comedia son los espectadores, que acuden con emoción para ocupar cada una de las butacas del Xola, esperando reír y disfrutar de los hilarantes momentos de la obra y esto se consigue, gracias a todos los elementos que la componen, desde la dirección, la iluminación, la música, los gags, todos están perfectamente sincronizados, nada falla en este montaje, no en balde llevan varias temporadas desde que se estrenó en 2017.

Así que, ve armando tu plan de fin de semana y pasa un agradable momento riendo a pierna suelta con los nuevos mandamientos que nos brinda Un Acto de Dios, hasta el 30 de diciembre en el recinto ubicado en Av. Xola No. 809, Colonia Del Valle, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

El clásico de W. Shakespeare, Noche de reyes, ha sido llevado a escena de forma magistral por un equipo encabezado por el director Alonso Íñiguez, quien nuevamente regresa con este espectáculo, que se ha convertido en uno de los favoritos del gremio, por el rigor de su ejecución y encanto visual.

De acuerdo con el director, se trata de una producción que ha representado un parteaguas en su carrera, así como en su vida personal, debido a las conexiones creativas que ha generado con cada miembro del equipo, al paso de los años.

Alonso, ¿qué representa esta nueva etapa del montaje?
Es una obra que me ha dado mucho en mi carrera y a nivel personal, siento que regresar con un equipo tan bonito como este, siempre es regresar a casa, porque todo el mundo está tan comprometido con el proyecto, el proceso de ensayos es siempre un placer, ya tuvimos nuestro primer fin de semana y la verdad es que no cabemos de felicidad.

¿Cómo ha evolucionado el montaje?
Es un elenco grande, es un elenco difícil, porque se trata de gente muy ocupada, pero por fin se logró. Hemos revisitado el texto conservando este modelo lúdico y con tanta locura,  siento que ha crecido y se ha dimensionado, sobre todo, las partes más serias del montaje, siento que han aterrizado en un lugar más profundo, eso hace que la obra se vuelva más grande. Además, siento que después de una pandemia y con todo lo que sucedió durante, la obra no podía regresar intacta, igual, hemos encontrado cosas bastante interesantes, a través de revisitar este texto.

La música es parte fundamental de esta historia, ¿cómo has experimentado la conexión que las melodías generan en la gente?
Pablo y yo estamos muy felices, él fue la primera persona a la que me acerqué para crear las canciones, está su mano muy metida en ese tema, es más allá de un sueño logrado, es un regalo para nosotros mismos el poder tener la música en Spotify. Además, de pronto nos encontramos con gente que la ha visto más de 6 veces, y yo digo ¡órale!, hay personas que también tararean las canciones y es muy bonito ver eso, porque se genera un diálogo bien lindo.

¿Qué tan difícil es encontrar actores y actrices que se adecuen a este montaje?
Son actores y actrices muy brillantes, la verdad, es un elenco difícil, en el sentido de cuando alguien se va, siempre nos cuesta trabajo sustituirlo, suplirlo o suplirla, porque esto funciona como un relojito suizo. Es difícil encontrar a alguien que pueda con esa demanda. Hay un rigor de trabajo en cada ensayo, porque la comedia lo exige, debe haber un ritmo que debe de respetarse, entonces encontrar actores que entiendan muy bien la comedia, es fundamental.

Finalmente, el director aseguró que su interés por visitar diversos lugares al interior de la República, así como del extranjero. Sin embargo, confiesa que es mayor su deseo de montar otra obra con el mismo elenco.

Cabe destacar que, Noche de reyes, fue el montaje ganador en la categoría de mejor obra en los Premios del Público Cartelera 2017, no te la pierdas con funciones en el Teatro Milán, de viernes a domingo, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Book Agency

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• 3 razones para ver NOCHE DE REYES

A través de su cuenta de Twitter, el director y actor, Fernando Bonilla anunció el fallecimiento de su padre, el actor Héctor Bonilla. En la red social Fernando Bonilla señaló que después de cuatro años de lucha contra el cáncer el maestro Bonilla murió a los 83 años de edad.

El director y actor señaló que su padre murió en cas y en paz, rodeado de su círculo íntimo.

“Somos conscientes que Héctor dejó un legado inconmensurable y muchísimos corazones lamentarán su pérdida. Sepan que a pesar de la infinita tristeza que nos embarga, estamos tranquilos por despedir a un hombre que se fue sin deber nada a nadie, que vivió intensa y plenamente, que predicó siempre con el ejemplo y sembró amor y alegría por cada camino que recorrió”.

La familia compartió el epitafio que hace varios años escribió el actor para sí mismo:

“Se acabó la función,

No estén chingando.

El que me vio, me vio.

No queda nada”

pic.twitter.com/LkyMSoj6O4

— Fernando Bonilla (@fdobonilla) November 25, 2022

Que no se culpe a nadie de mi muerte, es el monólogo en el que Majo Pérez interpreta a 5 personajes que dan razón del por qué, la protagonista del relato pretende acabar con su vida en un premeditado suicidio.

Esta propuesta se presenta en el Teatro Ofelia, desde el pasado 17 de noviembre y ofrecerá funciones hasta el 29 de diciembre, todos los jueves, si aún no la has visto, consigue ¡ya!, tus entradas, porque las carcajadas en esta “trágica” trama, están aseguradas.

A continuación, te cuento 5 datos curiosos sobre esta producción.

1. El primer monólogo de Majo Pérez. Esta historia representa la primera experiencia de la actriz de montajes como Noche de reyes  (obra ganadora de los Premios del Público Cartelera 2017), La obra que sale mal y La Hora Radio Roma 2, de presentarse en escena de forma individual, hecho que le aterra función tras función y compara como un salto al vacío sin paracaídas.
2. Dramaturgia aclamada por el público. El texto corresponde a uno de los autores mexicanos con mayor proyección internacional, en este sentido Humberto Robles ha destacado en la escena mundial, con montajes presentados en 32 países y en cuatro continentes.
3. El discurso de Robles. Las piezas de este autor se caracterizan por su alto contenido de crítica social, a través de una profunda introspección de las diversas violencias que sus personajes han experimentado, impulsado por su labor como activista defensor de los derechos humanos.
4. Humor negro al por mayor. En esta obra serás testigo de la angustia de una mujer que quiere acabar con sus dolores emocionales de una forma rápida. Sin embargo, revisita momentos clave en su historia de vida y confronta a los principales personajes que influyen en su actual decisión, ¿suena trágico, cierto?, pero es por medio de este terrible panorama que la comicidad de la absurda situación, llega hasta las últimas consecuencias con momentos entrañables.
5. La premura del montaje. Como te contaba más arriba, Majo Pérez se ha convertido en una de las actrices de teatro más solicitadas actualmente, por lo que hacer esta obra no fue tarea sencilla, debido a sus horarios, hecho que no representó ningún impedimento para trabajar con su amigo, el director Sergio Arroyo, con quien la actriz asegura estar encantada de emprender esta aventura.

Que no se culpe a nadie de mi muerte, se presenta con funciones en el Teatro Ofelia, hasta el 27 de diciembre, para conocer precios, descuentos y horarios, aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Es indudable que el aclamado y querido actor Héctor Bonilla, ha dejado un legado importante en la escena teatral mexicana, así como en el mundo del cine y la televisión, pero además, su partida ha sido el ejemplo perfecto de la entrega que un ser humano apasionado por su profesión, logra transmitir a sus compañeros de gremio, así como con incontables personas que, durante su vida, logró cautivar por la congruencia de su personalidad.

Durante más de 50 años de trayectoria, su repertorio en teatro incluye más de 140 obras que abarcan todos los géneros, entre ellas destacan ¡Vivan los muertos!, montaje de su autoría, que apostaba por revisitar la historia política nacional y mostrarla a un público que no había tenido la posibilidad de ver teatro, donde además, participaba, el fallecido actor, Héctor Suárez.

Sin embargo, cómo olvidar Almacenados de David Desola, el entrañable montaje familiar que reunía al experimentado actor, con su hijo Sergio en escena, bajo la dirección de Fernando Bonilla, el cual logró conmover a cientos de espectadores por la vigencia de su premisa e interpretaciones.

El actor, egresado de la Escuela Nacional de Arte Teatral del INBAL, tuvo la oportunidad de ser conmemorado en vida en el año 2019, por la Secretaría de Cultura en el Centro Cultural del Bosque, donde compartió anécdotas de su participación en la obra El principito, de Antoine de Saint Exupéry, y de su actuación, como suplente, en el papel de un microbio, en la obra La lente maravillosa de Emilio Carballido.

En ese mismo encuentro, aseguró que el punto decisivo en la vida de un intérprete se encuentra en los minutos previos a entrar en escena, donde no queda más, que la conexión que se puede generar con el espectador.

“A través de mi larga experiencia, lo importante en la representación, ya sea didáctica, cómica, es la catarsis que se logra en la comedia o en la tragedia, a la que se llega en el momento culminante de cada función, que es lo que puede atrapar al espectador”, expresó.

Y con estas palabras finalizó aquel homenaje: “Me pagan por jugar y voy diciendo: yo no soy mi pasado, yo no soy mi futuro, yo estoy siendo. Como los animales, por instinto, les dejo mis aciertos y fracasos; dudas, mi miedo cuando solo finto. Mi terco afán de no bajar los brazos y alguna petición: cuando me entierren, si van a ser mis órganos donados, no se avergüencen cuando los entreguen, porque voy a dejarlos muy gastados”.

En Cartelera de Teatro, también compartió su amor por el teatro en un momento complicado para los espectáculos en vivo, situación derivada de la pandemia, contexto que le permitió comprender la importancia de las nuevas tecnologías, sin sustituir su pasión por la presencialidad y la vigencia, inagotable, de los textos clásicos.

“Desde que se inventó la escritura, se tiene la gran ventaja de meditar lo que quieres decir antes de tomar la pluma y el papel, en cambio, ahora se vuelven más rápidos los pulgares para comunicarse, a través del teléfono y el idioma más compacto con abreviaturas, pero también desaparece la gramática, la sintaxis y la ortografía”, señaló.

Y de esta manera concluiría su reflexión: “Lo que es en vivo es muy revitalizante, porque podemos admirar obras de arte que ocurrieron hace muchos años y que valen mucho la pena, pero saber que es lo que está rozando nuestra realidad, vale mucho la pena”.

En Cartelera de Teatro nos sumamos a las condolencias por su partida. D. E. P. Héctor Bonilla.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Rodolfo Issac García y TW 

Si lo tuyo es todo lo relacionado con el fenómeno paranormal, y sientes gozo por adentrarte en detallados relatos de miedo e insistes en que todo tiene una explicación razonable, o no, entonces ya vas tarde a ver Historias de fantasmas de Jeremy Dyson y Andy Nyman, producida por Óscar Uriel, bajo la dirección de Miguel Santa Rita.

Aquí encontrarás una premisa que apuesta por el misterio y momentos de angustia, con extraños personajes como protagonistas, si aún no la has visto, lánzate al Nuevo Teatro Libanés el viernes, sábado o domingo y pon aprueba tus sentidos.

A continuación te presento 3 razones para ver Historias de fantasmas.

1. El elenco. Poncho Borbolla, Alfredo Gatica, Daney Mendoza, José Sefami, Nacho Tahann, Miguel Tercero y el propio Miguel Santa Rita, recrean tres historias diferentes, donde el hilo conductor es lo inexplicable, por lo que disfrutarás de actuaciones basadas en el horror y que harán cuestionarte, sobre lo qué harías ante algo parecido, o mejor aún, qué eventos paranormales has vivido y quizá omitido, por salud mental.
2. La conferencia planteada en escena. En escena, Borbolla ofrece una conferencia donde trata de desmenuzar algunos eventos inusuales que han cobrado fama a lo largo de la historia. En este sentido, es gracias a la pasión y necesidad de respuestas que el intérprete proyecta en su papel de escéptico, que te verás envuelto en una emoción colectiva, en ascenso, por dar significados racionales a dichos casos.
3. Los extraños personajes. Como te mencionaba en un principio, esta premisa cuenta con la aparición de extraños entes que van desde una rara figura humana que podría entrar en la madrugada a tu coche en una carretera desierta, o quizá, un delirante maniquí que se desliza en silencio al interior de una fábrica, en fin, aquí las posibilidades de imaginar extraños personajes, aumentan en el transcurso de los minutos.

Ahora ya lo sabes, disfruta de esta producción con funciones de viernes a domingo en el Nuevo Teatro Libanés. Para conocer precios, horarios y descuentos, da clic aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La actriz cabaretera Minerva Valenzuela se ha caracterizado por realizar espectáculos que apuestan por la denuncia de temas sociales de gran relevancia, por medio del humor, la música y el canto, tal es el caso de su Residencia cabaretera con más de un año de duración en el Foro Shakespeare, así como su show ESCORTita la vida, con presentaciones a inicios de este mes en el CCB.

Valenzuela asegura que es inevitable la incursión de los creadores de cabaret dentro de las convocatorias gubernamentales, debido a la falta de espacios dedicados a la presentación de propuestas de este tipo, panorama que ha utilizado a su favor, para exponer su trabajo.

Minerva, ¿Cuál es tu visión del cabaret actual?
Lo que está ocurriendo recientemente es la denominación del cabaret, como teatro cabaret y para mí esas dos palabras reflejan,que cada vez hay menos espacios para hacer cabaret. Además de los lugares independientes, ahora la gente que hace este género se ha tenido que mover a espacios del estado, hecho que quizá impide esta libertad que el cabaret requiere. Yo me he mantenido al margen de entrarle, hasta donde ha sido posible, porque llega un momento en que ya no lo es. Creo que es importante que los shows que se presentan en estos recintos, sí hayan sido privados previamente en un cabaret.

¿Cómo ha sido tu experiencia al presentarte en un espacio gubernamental?
Con mi espectáculo ESCORTita la vida, ha ocurrido un punto de encuentro entre el gobierno y yo, porque me han dejado decir, lo que yo he querido decir. Yo pensaba que eso no ocurriría debido a la censura que ocurría, incluso, en los títulos de los espectáculos, pero, ahora gracias a esa cuota de temas sociales que los medios y las instituciones están realizando, me conviene muchísimo.

¿Cómo te sientes en la residencia que sigues presentando en el Foro Shakespeare?
Estoy fascinada de que en el Foro Shakespeare me permitan, desde hace más de año y medio, presentar algo cada lunes, porque eso me ayuda a estar activa y además me llena de orgullo, porque cuando todo el mundo paró, pues yo trabajaba.

¿Qué viene el próximo año?
En diciembre, enero y febrero voy a presentar un show que está quedando bien lindo, lo trabajamos Andrés Carreño y yo, se llama Recalentado y está bien lindo, porque además, a pesar de ser un show de fin de año, los personajes son monstruos, hablaremos de la primera mujer sobre la tierra y Frankenstein, donde ambos pasan una Navidad juntos y aprovechamos para hablar del romanticismo, de esta exacerbación de las pasiones humanas.

En marzo, abril y mayo, estoy preparando un espectáculo en torno al ateísmo y las creencias religiosas, muy musical. Mientras que para los meses de mayo, junio y julio, voy a presentar después de más de un año de no hacerlo, Los caballeros las prefieren presas, un show que también tuvo mucha suerte, que son historias reales de mujeres en prisión, hechas cabaret, y bueno, probablemente cerraré el año con ESCORTita la vida.

Finalmente, la cabaretera aseguró que todos sus espectáculos están sustentados en experiencias personales, a través del contacto directo con los temas que plantea en escena, en comparación con otras propuestas que hablan sin una investigación sustentada.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Minerva Valenzuela

Héctor Azar murió en mayo de 2000 y, con ello, el dramaturgo, director, docente y funcionario cultural dejó claro que a él le perteneció al siglo XX y a varios de sus más destacados momentos culturales y teatrales. En 2020 se conmemoraron los 90 años de edad que hubiera cumplido y desde entonces se planteó hacerle un homenaje que, al mismo tiempo, funcionara como la revalorización de un legado teatral que en la actualidad no está del todo ponderado, al contrario del de otras figuras que igualmente contribuyeron a lo que hoy es la escena nacional.

Tras dos años sin concretarlo, en este 2022 sucederá dicho homenaje, a través del Seminario Héctor Azar. Poética y política teatral en México, organizado por la Compañía La eMe de México que dirige Guillermo Navarro, quien a su vez se alió con la investigadora Patricia Chavero del Centro de Investigaciones Teatrales Rodolfo Usigli, CITRU y logró el apoyo de instancias como la Coordinación Nacional de Teatro, la diputada y creadora escénica Ana Francis Mor del Congreso de la Ciudad de México, el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, así como el Centro Nacional de las Artes, que es el espacio en el que sucederán las distintas conferencias, mesas de reflexión y performances proyectados.

De igual forma, uno de los aliados principales es el Colegio de Bachilleres, ya que esta propuesta surgió del proyecto Historia, memoria y olvido, archivo de voz e imagen de los Talleres de Teatro del Colegio de Bachilleres, el cual busca recuperar el testimonio de aquellos involucrados en las actividades artísticas de los años setenta en esta institución.

El homenaje a Azar resulta una curiosa cereza de pastel para un año de celebración de diversas instituciones, como los 50 años del propio Colegio de Bachilleres, los 50 años del Festival Internacional Cervantino, los 50 años de la creación de la Compañía Nacional de Teatro del INBAL y los 60 años del Centro Universitario de Teatro de la UNAM. En todos ellos, la contribución de Héctor Azar fue fundamental.

En 1972, Azar creó la Compañía Nacional de Teatro, que durante la década de los setenta y los ochenta tuvo una vigorosa actividad gracias a que contó con un elenco estable y con directores invitados. Ese modelo, que se perdió durante los años noventa, fue retomado en 2008 por Luis de Tavira y continúa hasta nuestros días.

El pasado 5 de noviembre de este año, en el Palacio de Bellas Artes ocurrió la celebración correspondiente a las primeras cinco décadas de vida, que incluyó la evocación de fragmentos de las obras más destacadas de la Compañía Nacional, la cual ha recibido a varios de los más destacados creadores escénicos de la segunda mitad del siglo XX y de principios del siglo XXI y ha contado con la presencia, en su elenco estable, de actrices y actores fundamentales de nuestra escena como, entre muchísimos otros, Adriana Roel, Mercedes Pascual, Mónica Serna, Augusto Benedico, Luis Gimeno, Carlos Ancira, Ricardo Blume, Ana Ofelia Murguía, Marta Verduzco, Angelina Peláez, Luisa Huertas, Julieta Egurrola, Luis Rábago, Arturo Beristáin, Rodrigo Vázquez y Érika de la Llave.

Precisamente, con el montaje de la Compañía Nacional de Teatro de Examen de maridos de Juan Ruiz de Alarcón, se inauguró la actividad teatral en el primer Festival Internacional Cervantino, en octubre de 1972. La llamada “fiesta del espíritu”, que desde sus inicios ha unido a las diversas disciplinas artísticas y del espectáculo, tiene un origen plenamente teatral, ya que gracias a la tradición de los Entremeses Cervantinos escenificados desde la década de los cincuenta en las plazas de Guanajuato por el director y docente Enrique Ruelas, fue que se decidió que fuera la tierra donde la vida no vale nada y no en Acapulco, como se pretendía, la sede de un festival de carácter internacional que reuniera a lo mejor de cada género.

En octubre de 2022, mientras Corea del Sur fue el país invitado, la Ciudad de México fue la ciudad invitada para presentar en los teatros y espacios culturales de Guanajuato toda su idiosincrasia a través de conciertos, exposiciones y funciones de teatro y cabaret. Si bien año con año las críticas hacia la curaduría de esta fiesta se han intensificado, lo cierto es que la Ciudad de México resultó culturalmente beneficiada con la presencia de muy diversas propuestas musicales y escénicas.

Volviendo a Azar, su figura es una de las más controvertidas y, tal vez por eso, actualmente es una de las más relegadas, a pesar de haber tenido una influencia notable en la creación y desarrollo de estas instituciones. Se le reconoce como el fundador del grupo Teatro en Coapa, en donde varios estudiantes de la Escuela Nacional Preparatoria de los años cincuenta, como Miguel Sabido y Martha Zavaleta, definieron su vocación teatral.

Fue miembro de la Academia Mexicana de la Lengua, director de la Casa del Lago y estuvo al frente -al mismo tiempo- de la Dirección de Teatro de la UNAM y de la Dirección de Teatro del INBA. Fue fundador, en la Ciudad de México, del mítico Teatro del Caballito y del Foro Isabelino -ambos, tristemente ya desaparecidos-, así como de la Compañía Teatro Universitario, el Espacio C y, por supuesto, del Centro de Arte Dramático A.C, CADAC, que sigue formando a las infancias y adolescencias que buscan un entretenimiento y descubren toda una vocación.

Además, Azar fundó la revista especializada en artes escénicas La Cabra. Como dramaturgo, son célebres sus textos Olímpica, Apasionatta e Inmaculada, la cual le escribió a su alumna y actriz Martha Ofelia Galindo, una de las mujeres de teatro y cabaret más exquisitas de nuestra escena.

Azar fundó en 1962 el Centro Universitario de Teatro, enmarcado en los proyectos culturales de la UNAM. Lo fundó como un centro de talleres, actividades y eventos teatrales. Diez años más tarde, el dramaturgo, director y docente Héctor Mendoza retomó el proyecto para convertirlo en una escuela dedicada a la formación profesional de la actuación, apoyado por figuras como Luis de Tavira, Ludwik Margules y Esther Seligson.

La primera generación del CUT ya como escuela de teatro resultó envidiable: las hoy primeras actrices Rosa María Bianchi, Julieta Egurrola, Margarita Sanz y los prestigiados directores José Caballero y José Luis Cruz la conformaron. Desde entonces, muchos son los creadores escénicos que han egresado y que han sido docentes, directivos y directores invitados para crear los montajes con los que cada año egresan las generaciones, convirtiendo al CUT en uno de los espacios teatrales más efervescentes y en constante renovación de nuestro panorama teatral.

Un panorama teatral que, aunque hoy no se enuncia así, mucho le debe, con todos sus claroscuros, a ese “zar del teatro” que fue Héctor Azar.

Por Enrique Saavedra, Foto: INBAL

La noche de ayer, se llevó a cabo en el Palacio de Bellas Artes, el homenaje al fallecido actor Héctor Bonilla, rodeado de amigos, familiares y un público fiel a su trabajo, quienes expresaron su admiración con amor y tranquilidad.

La ceremonia dio inicio con las palabras de Alejandra Frausto, Secretaria de Cultura del Gobierno de México, quien afirmó que se trata de una pérdida que toca a muchas personas, debido a la calidad humana que el intérprete ofreció en sus distintas facetas.

“Héctor, nuestro querido Héctor, cuántas veces no nos hiciste romper en llanto y tomar conciencia profunda de la existencia y sus dolores, porque conociste como pocos la vida, la historia y los personajes que encarnaste con entrega”, expresó.

Y agregó: “Héctor Bonilla fue mucho más que un gran actor, fue un líder natural, profesional, intachable, que pasaba de la teoría a la acción sin dudarlo, además de ser un amigo solidario y generoso, preocupado siempre por el prójimo, fue un histrión inmenso y un ciudadano ejemplar”. 

Por su parte, Sofía Álvarez, esposa del intérprete, señaló: “Durante cuatro años y cuatro días, pensaba con terror en que este día llegaría irremediablemente, y hoy estoy aquí, arropada por amigos entrañables, nuestros hijos, nuestros nietos, Héctor en alguna parte me estará diciendo, ‘Sofi, te toca, estamos o no estamos’, y hoy toca agradecer a todas esas personas amables que nos hicieron más ameno el camino, gracias a ti Héctor por tu gran humor, esfuerzo y disciplina de todos los días”.

El actor Sergio Bonilla confesó que su familia tuvo la fortuna de despedir a su padre en tranquilidad, al interior de su casa, y aseguró, que será un placer recordar su legado al paso de los años.

“Estoy seguro de que mi padre encontraría algún momento para aligerar la solemnidad y hacer un chiste, nosotros tuvimos la fortuna de no quedarnos nada y decirle todo lo que lo amamos y respetamos, creo que está orgulloso de nosotros tres y de su familia. Padre, aquí te estamos honrando una vez más y con el reto de aventarnos un clavado a tus más viejos ejemplos para redescubrirlos, porque luego el tiempo los empolva”.

Finalmente, Fernando Bonilla compartió: “Mi padre supo diferenciar perfectamente su vida privada y su vida pública, y se desempeñaba muy bien en ambos, fue maestro en ese sentido, como en muchos otros, tuvimos la oportunidad de estar muy cerca de él y de despedirlo en la intimidad de su alcoba tomándole la mano, mi padre tocó muchas vidas y es un honor estar en este recinto que le pertenece al pueblo de México”, concluyó.

Durante el homenaje, participó el Coro de Madrigalistas de Bellas Artes, además, se hizo lectura de algunos poemas de Carlos Pellicer, con música de Arturo Valenzuela Remolina, y culminaría con pequeños fragmentos de Testamento, obra escrita por Héctor Bonilla.

Entre los actores invitados estuvieron presentes, Demián Bichir, Arcelia Ramírez, Sergio Corona, Damián Alcázar, Gustavo Egelhaaf y Valentina Sierra, por mencionar algunos.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Si alguna vez te han roto el corazón o estás pasando por ese proceso de duelo, ¡Violencia! es para ti, ya que de forma irreverente, absurda y caótica nos muestra los ires y venires que sufre una persona cuando es dejada por su pareja sentimental, aquella que creía era su gran amor.

Escrita por Valeria Loera y dirigida por Diana Sedano, este montaje se presenta con un acertado elenco todos los martes hasta el 13 de enero en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

Aquí te damos 3 razones para que no te pierdas la obra ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2020:

1. Una propuesta lúdica. Dolor, ansiedad, pérdida son algunos de los sentimientos que abundan en la obra escrita por Loera, que nos habla de un tema tan antiguo que podría resultar cliché, los truenes amorosos, pero su autora logra atraparnos, al mostrar con gran agilidad y de manera muy cercana a nuestra realidad, cómo es que llevamos este proceso, en el que se involucran no solo nuestros pensamientos, sino también nuestros familiares que puede resultar un verdadero lío, mostrando la vulnerabilidad y toxicidad de relaciones que tenemos y a la que estamos tan expuestos. Con el fin de que abramos los ojos y dejemos de permitir esas violencias por muy mínimas que sean.

2. Realidad vs. ficción. La trama nos muestra a una mujer en sus 30’s que decide encerrarse en su casa, tras romper con su novio, sin embargo, no está sola, sus pensamientos comienzan a invadirla y presentarse como entes con vida propia, es así como podemos ver las distintas facetas de Violencia López, desde la acosadora, la soñadora, la realista, hasta la demoníaca, y cómo todas ellas conviven en un mismo espacio, sin olvidar al fantasma de su padre y un muñeco inflable. Mientras que en la vida real, Violencia debe lidiar con su madre, una mujer que prioriza su libertad sexual y no puede estar sola, y su novio, un actor fracasado. Todas estas circunstancias hacen que cualquiera se sienta identificado, a partir de sus propias vivencias.

3. Una dupla fenomenal. Loera y Sedano logran un gran trabajo al conjuntar un equipo de profesionales que dejan todo en el escenario. Tal es el trabajo de Artús Chávez, a cargo de la parte del clowning, quien aporta tintes de comedia y ayudan a que el espectador puede transitar por todas las situaciones perturbadoras y provocadoras, mismas que son acompañadas por la atinada iluminación y escenografía creadas por Melisa Varïsh y Anabel Altamirano, respectivamente. Sumado al increíble trabajo actoral de Elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro. Todo lo anterior la vuelve una obra redonda que vale mucho la pena ver.

Le restan pocas funciones, por lo que te invitamos a acudir lo más pronto posible y disfrutar de esta gran propuesta en la que participan actores y actrices pertenecientes al elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro., consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz

Este 30 de noviembre disfruta en Teatro Bar El Vicio de la única función del nuevo unipersonal de Nora Huerta, El décimo fracaso, una propuesta cabaret que pone sobre la mesa la construcción en torno a la masculinidad, a través de experiencias personales de la intérprete.

De acuerdo con Huerta, es importante decir las cosas que nos están ocurriendo actualmente, acerca de lo masculino, profundizando en el machismo, con el afán amoroso de poder generar un punto de encuentro y convivir desde otro lugar.

Nora, ¿cómo nace esta propuesta?
El décimo fracaso es un unipersonal que realizo, a través de un diálogo inspirado en los hombres que me rodean, donde expongo una reflexión en torno a sus actitudes, mismas que llevo a la escena de manera cabaretera con mucha ironía y sarcasmo. Se trata de un ejercicio muy diferente a los que he realizado anteriormente, lo cual representa un reto creativo y como intérprete.

¿Por qué este tema?
Encontré una urgencia por hablar de este tipo de violencias normalizadas y poder enfrentarme a los hombres de mí en torno, a partir de esta necesidad, y bueno, tengo un hijo varón, entonces soy madre, soy amiga, soy hija, en fin, en todos nuestros ámbitos siempre habrá un hombre.

¿Qué te has encontrado en el camino?
Ha sido muy doloroso y terrible el proceso, porque digo, bueno, cómo vamos a romper ciertas actitudes que están ya casi, como de manera inconsciente, en nuestro ser, porque así nos ha dictado la cultura que tiene que ser, pero me parece que es un buen momento de detenernos a mirar y analizar la forma de relacionarnos.

¿Los hombres que vayan a verte, se sentirán atacados?
Espero que los hombres que vayan a verlo, tengan abierto el corazón y sean receptivos a la reflexión que estoy haciendo. De ninguna manera intento ayudarlos, educarlos o salvarlos, simplemente cuento algunas experiencias en las que he sido partícipe o en las que he sido sometida y que sería interesante reflexionar juntos.

¿Qué verá el público en escena?
Es un ensayo literario llevado a la escena, donde convino material de video, música y principalmente mi voz como intérprete. Intento hablar a personas, más halla del sexo y subrayar actitudes que vemos cotidianamente, como el dar un manotazo en la mesa, por poner un ejemplo, que está bien sentir enojo, pero quizá, no es correcto andar dando manotazos sobre la mesa todo el tiempo, entonces quienes se identifican con estas acciones, espero que puedan reflexionar junto conmigo.

¿Qué factores consideras han fortalecido este tipo de prácticas violentas?
Me he documentado a través de textos que me han ayudado a acercarme a este tema, influyen muchas situaciones, todo parte de nuestra educación, pero lo que sí es un hecho es que también se trata de una situación dolorosa para los hombres.

¿Por qué solo una función?
Pensé en solo una función, porque no me da para más la vida, pero yo creo que ofreceré una temporada a partir de febrero, pero mi principal intención era darme un apapacho a mí y a la gente que me rodea para cerrar el año.

Finalmente, la intérprete cabaretera, invita a no perderse las últimas dos funciones de La Tacha y la Flaca, en compañía de Cecilia Sotres, el 17 y 26 de diciembre, así como este unipersonal, el miércoles 30 de noviembre en el Teatro Bar El Vicio, para conocer más detalles, da clic aquí.

 Por Ulises Sánchez, Fotos:  Cortesía F4ctor Comunicación

Este fin de semana queremos que te lances al teatro y disfrutes de estas increíbles puestas en escena que están a punto de concluir su temporada.

¡Corre a las salas y no pierdas la oportunidad de ver alguna de ellas!

Te amo, eres perfect@, ahora cambia Chantal Andere, Federico Di Lorenzo y Efraín Berry se despiden de esta comedia musical que nos narran diversas historias sobre el amor y lo complicado que resultan ser las relaciones acompañado por diversas melodías. Bajará el telón el próximo 4 de diciembre en el Teatro Hidalgo.

Peek Chunn. Esta propuesta, a cargo de Teatro UNAM, que rinde homenaje a la vasta tradición mitológica y oral que existe en nuestro país, desde el Popol Vuh hasta las historias de los chaneques, llegará a su fin este domingo 4 de diciembre en el Foro Sor Juan Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario.

Descubriendo a Cri Cri. Después de una larga temporada, Mario Iván Martínez se despide del Grillito Cantor, sus canciones y demás personajes, en donde el creador hace un recorrido por el repertorio menos conocido del autor, acompañado por música en vivo, juegos y mucha diversión. El espectáculo concluirá su temporada este domingo 4 en el Teatro Hidalgo.

Dos Gardenias. Esta propuesta cabaretera que nos transporta a los años 40 del siglo pasado, donde la tragedia y el romanticismo eran los temas predominantes en las historias que veían nuestros abuelos y padres, también llegará a su fin este 8 de diciembre en el Teatro Rodolfo Usigli.

Si te mueres… ¡Te mato! Azela Robinson y Susana Alexander se despiden de esta irreverente comedia uruguaya que llegó para cautivar al público de nuestro país, al personificar a dos cuidadoras que hacen hasta lo imposible con tal de no perder su empleo. La obra bajará el telón el 11 de diciembre en el Teatro Fernando Soler.

Olvida todo. Esta propuesta que rememora un momento en la vida de la escritora Elena Poniatowska, a cargo de los actores y actrices de la Compañía Nacional de Teatro, si bien no es una obra autobiográfica, sí nos permite acercarnos a lo que la autora sintió, mientras permaneció resguardada en una pensión en septiembre de 1968. El montaje finalizará su temporada el 11 de diciembre en la Sala Héctor Mendoza.

Por Itaí Cruz, Fotos: FB Compañía Nacional de Teatro y FB Teatro UNAM

Si lo tuyo son las historias para reír, donde no se necesita nada más que una buena interpretación acompañado por temas agudos y con altas dosis de humor negro, entonces no te puedes perder Los musicales de Brod-güey.

En esta producción encontrarás referencias constantes al mundo teatral, nacional e internacional, donde la música es el hilo conductor, así que si también eres fan del ritmo, no te puedes perder esta producción con funciones los martes en el Teatro Enrique Lizalde.

Pero si esto no es suficiente, a continuación te doy 3 razones para no perdértela:

1. La premisa. Siempre se agradece una propuesta que no solo critique, sino que también lo haga de una forma inteligente e irreverente. Aquí, verás en escena temas de musicales conocidos por todos, con letras adaptadas que narran algunas divertidas tragedias en las que se han visto envueltas las producciones que se han presentado recientemente en la Ciudad de México.

2. Los actores. María José Bernal, Manu Bermúdez, Minah Cerviño y Jorge Mejía, hacen un trabajo memorable en escena, donde se nota su manejo de la comedia durante toda la función. Es gracias a su interpretación que el ritmo va en aumento y no se detiene, hasta culminar con unos de los temas más graciosos, al llegar al final de la propuesta.

2. La dirección. Álvaro Cerviño logra transportarnos a un universo juvenil, desfachatado y dinámico, donde no es necesaria una escenografía muy vistosa o usar un vestuario elaborado, aquí la espontaneidad que logra transmitir a través de la dirección de cada actor, mediante temas bizarros, pero entrañables, dando como resultado  la fórmula perfecta para ofrecer al espectador un espectáculo ligero y por demás divertido.

Ahora conoces algunas razones para asistir a esta comedia donde te aseguro la pasaras increíble, soltando carcajadas de a montón, para conocer precios, horarios y descuentos, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Llegamos al último mes del año, y con ello los últimos estrenos que subirán el telón de este apabullado 2022. La mayoría comenzarán sus funciones el primer día del mes, pues muchas de ellas tendrán cortas temporadas que abordan desde la comedia distintos temas en torno a las fiestas decembrinas.

Así que echa un vistazo a lo que viene y anticipa tu compra para que puedas disfrutar plenamente de la experiencia teatral.

Seguir comiendo aunque sea jueves. Esta propuesta escrita y dirigida por Alejandro García, comienza en una fría mañana de invierno dentro de una casa que difícilmente se sostiene en pie, será el escenario para hablar de las relaciones humanas, desigualdad social, lo fragil de la economía, con las actuaciones de Fernanda Edith, Daniela Carpintero, Alonso Celma y Federico Zapata, a partir del 1 de diciembre en el Teatro El Milagro.

Cuentos negros navideños. En esta ocasión las compañías Cardumen Teatro y Los Endebles se unen para presentar cuatro cuentos escritos por el quebequense Yvan Bienvenue, que ponen al centro a la gente de la tercera edad que tanto necesita compañía, sobre todo en las fiestas navideñas. Será protagonizada por María Elena Olivares, Miguel Ángel Barrera y Ginés Cruz, bajo la dirección de Ginés Cruz y Boris Schoemann, del 1 al 11 en el Teatro Sergio Magaña.

Historias de navidad para desempacar en el desván. Por su parte La Teatrería y Equis Emergente AC, suben a escena este montaje sobre dos adolescentes que encuentran un adorno navideño perdido en un tétrico desván, el cual servirá de pretexto para que estos jóvenes interpretados por América Varela y Luis Casas hablen de los cuentos, mitos y leyendas que se suscitan alrededor del mundo, todos los sábados del 3 al 17 de diciembre en La Teatrería.

Diabluras navideñas. Andrés Carreño presenta esta “antipastorela” de cabaret para los pequeños espectadores que invita a reflexionar sobre el bien y el mal, a través de la historia por demás conocida sobre la llegada del Mesías con mucho humor y referencias actuales, en la que participan el propio Carreño, Montserrat Ángeles, Miguel Salas y Yurief Nieves, acompañados por música en vivo. Llegará del 10 al 18 de diciembre al Teatro Helénico.

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Por Itaí Cruz, Fotos: Mariano Zapata y Cortesía Helénico

En esta producción, Juan Carlos Colombo, Alejandro Morales, Valentina Sierra, Daniela Arroio, Malcolm Méndez, Miguel Tercero, Miguel Alejandro León y Juan Daniel García Treviño, sorprendieron a nuestros lectores con una historia inesperada, escrita por Fernando Bonilla.

En esta ocasión, El corrido del rey Lear compitió con propuestas como Los guajolotes salvajes, Así de simple y Si te mueres… ¡Te mato!, historias con premisas interesantes, que cautivaron a nuestra audiencia por la fuerza en sus discursos y sus memorables personajes.

Sobre el escenario, Bonilla plantea la decadencia profesional y personal de un primer actor mexicano, quien prepara con emoción su próximo estreno de la tragedia Shakespeariana, El Rey Lear. Sin embargo, los estragos de la edad se han hecho presentes, imposibilitando su capacidad de memorizar el texto.

La compleja situación provoca una serie de conflictos con sus jóvenes compañeros de escena, sin mencionar la frágil relación con su propia hija, pero todo tiene un giro inesperado cuando el intérprete es secuestrado por un grupo criminal, con un líder peligroso que quiere regalar a su mamá, una función de teatro con el primer actor como protagonista.

Bajo esta premisa, nuestro público destaca la crítica a nuestro violento contexto, que se agudiza en los momentos de mayor tensión y drama, así como el vestuario, la escenografía y sobre todo, las actuaciones.

Cada vez estamos más cerca de nuestra celebración de fin de año, donde seleccionamos 6 obras que son las que compiten para participar en la terna a Mejor Obra en la premiación final, trabajos que sorprenden por la calidad de sus historias, su potencia interpretativa y su correcta ejecución.

Para conocer más detalles de nuestros premios, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

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Este 3 y 22 de diciembre, Ricardo Peralta ofrecerá dos funciones especiales en Mentidrags, donde interpretará a Manoela, el misterioso personaje encargado de reunir a las protagonistas en un atípico funeral, donde las medias de red, voluminosas pelucas y grandes cantidades de lápiz labial, adquieren mayor importancia que el propio difunto.

Sobre su incursión en la adaptación drag del musical Mentiras, Peralta asegura que son mayores sus deseos de ser parte de esta experiencia, que sus complicaciones con el texto, ya que confiesa, su fuerte carga de trabajo en este cierre de año, no le ha permitido tener el tiempo que quisiera para poder ensayar.

“La verdad, tuve muy poquito tiempo para preparar esto, pero va a salir bien, en casa no se preocupen porque les va a gustar”, expresa.

Con la primera función tan cerca, el youtuber asegura manejar los nervios con ejercicios de respiración y encontrar referencias para su interpretación, en actrices como Penélope Cruz y más chicas Almodóvar, con la intención de perfeccionar el acento extranjero de su personaje.

“Han sido varias actrices las que me inspiran y todas sacadas del mundo de Almodóvar, también pensé en hacerle un poquito más como La Veneno, pero ella no va tanto dentro del universo ochentero de Mentiras”. 

De acuerdo con Peralta, uno de los elementos que más disfrutó al ver esta versión de la historia por primera vez, fue el vestuario, más allá de todo el despliegue técnico que acompaña la premisa, así como el talento vocal de sus compañeros de escena.

“Mis comadres drags, entran con sus vestidos ovnis y tú te vas de espaldas, porque uno abre tantito su vestido y ya se convierte en otra cosa, en fin, es muy maravilloso ver todo eso, el mio es más modosito, unas botas muy largas, un chaquetón y un sombrerote muy lindo, pero ya me urge ser parte de eso”.

Finalmente, el youtuber invita a todas esas personas que se han perdido el lado B del musical Mentiras, ya que además de divertirse, asegura saldrán con ganas de ser drags, reto que a pesar de la premura, confiesa estar dispuesto a superar.

Disfruta de sus presentaciones el 3 y 22 de diciembre en el Teatro Aldama, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro 

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Si disfrutas de las obras de teatro que apuestan por la inclusión de herramientas expresivas, brindan dinamismo y potencia a la premisa, no te puedes perder La tequilera en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque.

Aquí serás testigo de la vida y obra de Lucha Reyes, la actriz y destacada cantante de ranchero que fue víctima del abandono, así como de un sinfín de infortunios, que terminaron con su gloria.

Si aún no la has visto, a continuación te doy 3 razones para hacerlo:

1. La vida de Lucha Reyes. Todos hemos escuchado alguna canción de la intérprete, aunque sea en fechas patrias, su emotividad a la hora de cantar envuelve los oídos en una especie de júbilo y lamentos, estilo que adquiere mayor significado después de adentrarse en su atormentada existencia, ya que Lucha Reyes es el claro ejemplo de la tragedia. En este montaje, es interesante conocer la construcción de un ídolo popular, a través de su humanidad.

2. La propuesta visual. Esta historia se cuenta por medio de imágenes de video, proporcionadas por dos individuos que siguen a los actores por todo el escenario, así como detrás, ya que la propuesta rompe con la típica construcción del espacio y explora diversos rincones que el recinto ofrece.

3. Las actuaciones. Daniela Schmidt, Carolina Politti, Itzia Zerón, Bernardo Benítez, Marianela Cataño, David Medel, Camila Calónico, Arturo Barba, Ana María Aparicio, Joaquín Herrera, Nidia Parra, Michell Amaro y Hugo Rocha, se encargan de dar vida a los distintos personajes de la vida de la cantante. Aquí es indudable la experiencia interpretativa de cada uno de ellos, por lo que te espera un espectaculo bien ejecutado, con drama al por mayor, pero con un discurso que se adapta perfecto para denunciar la violencia de género, las adicciones, además de mostrar la válvula de escape que representa el arte.

Ahora conoces algunas razones que hacen de esta propuesta, un montaje ideal para conocer más de cerca la obra de una cantante inmensa, castigada por su contexto, con deseos de ser amada y una inagotable pasión por cantar, con funciones de miércoles a domingo hasta el 18 de diciembre en el Teatro Orientación, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Jauría es una propuesta impactante de principio a fin, aquí encontrarás una premisa que revuelve las entrañas a cada minuto, escrita por Jordi Casanovas, a partir del juicio realizado a La Manada en España,  llevada a escena en nuestro país, bajo la dirección de Angélica Rogel (Hamlet, Corazón gordito).

En esta adaptación, el elenco está integrado por Ana Sofía Gatica, Eduardo Tanús, Antonio Peña, Daniel Bretón, Roberto Beck, Rodrigo Virago y David Calderón León, quienes ofrecen temporada desde el pasado 5 de septiembre y hasta el 16 de enero en el Foro Lucerna.

Sobre su participación en el montaje, Ana Sofía Gatica confiesa que ha sido un reto exigente y agotador emocionalmente. Sin embargo, asegura es una historia que debe ser vista por muchas personas, sobre todo, en un país como México, donde la violencia hacia las mujeres representa una deuda histórica.

Ana, ¿cómo te ha cambiado esta historia?
Para mí ha sido un proceso de mucho aprendizaje, no solamente a niveles actorales, sino como mujer, porque el decidir formar parte de esta historia es algo de lo que no me arrepiento, pero evidentemente sí ha tenido sus consecuencias, así que he tenido que hacerme cargo de ello.

¿Cómo has experimentado tu personaje?
Es importante tener muy claro que solo estoy prestando mi cuerpo y mi voz para contar este documento, y sí, mi cuerpo lo reconoce, porque evidentemente el cuerpo no distingue qué es ficción y qué no, entonces empleo señales para que mis compañeros sepan que sí y qué no está operando en mí. También me permito darme chance, yo los martes me la paso en mi casa, no hago nada, es como mi domingo y me doy la oportunidad de soltar y escuchar a mi cuerpo, si me pide llorar, lloro, y estar muy atenta a eso.

¿Cómo regresas a la realidad?
Tengo una red de contención increíble con mis compañeros y con Angélica, con quien siento es la más importante, de alguna forma también tengo mis propios rituales para entrar a la piel de este personaje y terminar la función de la mejor manera. Además, quieras o no, el abrazar a las personas que te están esperando es un regreso muy amoroso a la realidad. Es una historia muy dura, sí, pero a pesar de todo el reto que conlleva, para mí es un privilegio el poder representarla y saber al mismo tiempo que estoy bien, que es mi trabajo.

Además del texto, ¿utilizaste otros referentes que nutrieran tu interpretación?
El mismo documento es un referente enorme por el simple hecho de ser un caso real, pero evidentemente, para mí fue muy necesario nutrirme de otros referentes. Trabajé mucho con Esther Pineda, una escritora feminista venezolana, quien cuenta con mucha experiencia en estudios de la mujer y sus distintas discriminaciones, pero más allá de los libros, todos tenemos a una mujer cercana que ha vivido algún episodio de violencia, entonces el poder tener la contención y el cariño de todas esas mujeres, fue muy importante.

¿Cómo fue tu proceso con Angélica?
Angélica hizo un trabajo de investigación muy profundo de este caso para poder comprender puntualmente todas las aristas de ese suceso, tuvimos una sesión de Zoom en donde vimos todo el recorrido que hizo la víctima en España, sí fue un proceso de mucha preparación para poder representar de la mejor manera el caso.

¿Cómo ha recibido esta propuesta la gente?
La gente se sorprende mucho, hemos tenido mucho público. Creo que es una obra que todos tenemos que ver y que abre mucho camino a la conversación y al debate, el público sale conmovido, con muchas preguntas, lo que creo es el objetivo. Al principio, algunos se resisten a lo que están viendo, tengo amigas que me han dicho, no sé si tengo el hígado para poder verla, lo cual también me parece válido, porque estamos en un país donde nos enfrentamos a este tipo de casos y peores todos los días.

¿Qué viene para ti?
Este año grabé varias películas y otros proyectos que se van a estrenar en el 2023, entonces estoy muy contenta de poder experimentar el terreno de lo audiovisual y también viene más teatro.

Jauría se presenta con funciones los lunes en el Foro Lucerna, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro y FB de Ana Sofía 

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• 3 razones para ver JAURÍA

Alejandro de la Madrid ha sorprendido este año con su interpretación de padre violento en Los monstruos de Emiliano Dionisi, en compañía de Anahí Allué, todos los martes desde el pasado 9 de agosto en el Foro Lucerna.

Este montaje ha sido celebrado por muchas personas que han quedado cautivadas por la crudeza de su premisa, contada a través de canciones, sin más apuesta que dos actores en escena, una banda en vivo y un texto poderoso.

Sobre su participación en esta historia, que cabe mencionar, fue seleccionada como obra elegida para los Premios del Público Cartelera 2023 en el mes de septiembre, De la Madrid señala que ha sido una experiencia gratificante, que ha disfrutado en todo momento, tanto que espera con emoción su regreso el próximo año.

Alejandro, ¿cómo ha sido tu experiencia en esta propuesta?
Estoy muy contento, ya estamos por concluir esta primera temporada de Los monstruos, hay planes de regresar el año que entra, ha sido todo un reto y me gusta que haya sido un reto totalmente diferente, ya he hecho algunos musicales, pero esta es una obra que aborda un tema complicado como actor, que exige tener un rango vocal elevado. Más allá de hacerlo por presumir y decir, “miren qué fregón puedo llegar a ser”, es un incentivo para continuar preparándome, porque es un estudio y es un ensayo constante, para todos los martes llegar al teatro y dejarlo todo, bien comprometidos con el texto, porque no es una historia fácil.

¿Cómo te atrapó el proyecto?
Es una montaña rusa de emociones con tintes de comedia, luego un drama, después están las canciones y después hay que hacer varios personajes, entonces sí son varios retos que desde que llegó la obra a mis manos, pues no la podía dejar pasar. Es una obra sin puntos intermedios, la gente sale tronadona porque sí hay mucha reflexión y espejeo para las personas que son papás, y para los que no, también es una experiencia dura, porque te ves reflejado como hijo y ves planteadas algunas cosas que pudiste llegar a vivir.

¿Cómo es trabajar con Anahí?
Anahí y yo nos conocemos desde hace mucho tiempo, teníamos muchas ganas de trabajar juntos, pero pareciera que nos conocemos de toda la vida, compartimos un lenguaje muy único, nos complementamos muy bien, nos entendemos increíble.

¿Cómo lo vive la gente?
Al final se quedan muchos callados y no aplauden, se quedan en shock, de pronto hay mucha risa, ha habido de todo, siempre es un público que queda cautivado por la acción, pero sí hemos visto llorar a madres y padres, en fin, sí ha sido toda una experiencia reflexiva.

¿En qué más andas y qué viene?
Justamente también cierro el año con las últimas funciones de The Prom, nos quedan dos semanas, después arrancó una serie el 11 de diciembre, hay planes de continuar haciendo teatro el próximo año, aparte de Los monstruos, que iniciará con más fechas también el próximo año y esos son los planes oficiales, por el momento.

¿Qué personajes te faltan por hacer?
Personajes con caracterización que son los que a mí me encantan, que hay que cambiarles la voz, que hay que hacer cosas en la cara, entonces estoy apostando mi carrera más como por ese lado y esperamos que me siga sorprendiendo en ese sentido, este año hice una cosa muy rara, que ya verán, que ni yo mismo me reconocería.

Finalmente, el actor señaló que es fan de la Navidad, y que disfruta de los planes tradicionales, estar con la familia en grandes reuniones y escaparse a la playa, siempre que es posible.

Los monstruos se presentan con funciones los martes en el Foro Lucerna hasta el 20 de diciembre, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Luis Reyes

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• 3 razones para ver LOS MONSTRUOS

Desde el pasado 29 de noviembre y hasta el 27 de diciembre, el Foro Shakespeare ofrece funciones de Malintzin, un montaje escrito por Luis Santillán, que busca profundizar en el mito en torno a la figura de la Malinche, señalando las virtudes de sus actos, más allá del estigma de su traición.

Águeda Valenzuela, Ana Karen Gaona y Estephany Hernández son las encargadas de dar voz a esta mujer castigada por la historia, mediante diversas imágenes corporales, creadas a partir de un arduo estudio del contexto político, social y cultural, en el que se desarrolló Malintzin.

Águeda, ¿qué se va a encontrar la gente en este montaje?
Malintzin es una obra hecha con todo el corazón. Narra la vida de Malintzin, desde el momento en que llegan los españoles, hasta la caída de Tenochtitlán. Nuestro deseo es mostrar a esta adolescente, porque era casi una niña, como un ser humano, una persona que tiene virtudes y defectos, con una vida bien difícil.

¿La historia dista mucho de la realidad de esta mujer?
Ella fue regalada dos veces en su vida. La historia no le hace justicia, solo nos dicen que ella es la mala, la traidora, cuando en realidad ella no le debía a nadie, porque se trataban de distintos pueblos, no de un país como ahora, entonces ella actuó de acuerdo a sus circunstancias.

¿Cómo se plantea su vida en escena?
Esta historia se basa en nuestro movimiento corporal y en nuestra voz, tenemos muy pocos elementos escenográficos. Nosotros nos enfocamos mucho en la interpretación, porque Malinali, se servía de su voz para comunicarse, por eso queríamos hacer énfasis en ese elemento. Además, nos basamos en diferentes códices para crear nuestras secuencias de movimiento, la gente se va a encontrar con imágenes muy interesantes y con corporalidades extracotidianas.

¿Cuál ha sido el principal reto al abordar este texto?
Se trata de un texto muy poético, muy hermoso, pero para poder entrarle bien hay que estudiarle, nos empapamos de muchas referencias que hablaran de esta mujer, donde también lo importante era comprender cómo eran esas vidas hace tanto tiempo, cosa que no se nos enseña en la escuela, por lo que debimos tener claridad en el funcionamiento de las castas, los esclavos, las doncellas, los guerreros, en fin, entender toda la cosmogonía del mundo prehispánico, eso ha sido lo más retador.

¿Qué dato te sorprendió más en esta investigación?
De las cosas más impactantes que descubrí fue entender el trabajo de Malintzin, porque ella no solo traducía, tenía que traducir conceptos, el entender que ella interpretaba todo un mundo distinto, me parece muy impactante, porque además era una niña.

Disfruta esta producción con funciones en el Foro Shakespeare, hasta el 27 de diciembre, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Compañía Taumaturgia

El actor, escritor y director Antón Araiza a quien hemos visto en montajes como La clausura del amor, 1984, Privacidad, concluye este 2022 con una residencia escénica en Teatro La Capilla, con 3 montajes que han pisado distintos escenarios dentro y fuera de la capital.

Del 6 al 16 de diciembre, el público podrá disfrutar de las diversas interpretaciones de Araiza en 3 monólogos diametralmente distintos: Un acto de comunión, Bambis dientes de leche y Café Deskafeinado, que se presentan martes, jueves y viernes de forma alternada.

Acerca de su residencia, Araiza comparte: “Tuve muchísimas ganas, en primer lugar, de combinar Bambis y Un acto de comunión por la diferencia actoral que requiere, por los estilos que tienen cada una de las obras, me parece que son unos opuestos muy claros, en la dirección, en la propuesta. Mientras Bambis dientes de leche presenta un estilo muy abierto al público, espectacular, mucho más dinámico y Un acto de comunión exige mucha más contención, más oscuridad en el personaje, otra calidad corporal”.

Agrega: “Me pareció atractivo como actor experimentar esas dos sensaciones en periodos cercanos, es decir, que no pasaran 6 meses para hacer una o la otra, poder tener este ejercicio de cambios de propuesta”.

Asimismo, el también autor puntualiza que está agradecido con Boris Schoemann, director artístico de La Capilla, quien le abrió las puertas del recinto para presentar estos tres trabajos que tantas satisfacciones le han dado.

La primera obra en presentarse es, Un acto de comunión, en la que interpreta a un hombre que lleva a cabo sus fantasías más atroces de canibalismo. La obra fue escrita por Lautaro Vilo y dirigida por Julio César Luna.

Sobre esta propuesta, el actor refiere: “Es un trabajo de mucha contención y eso es con lo que me quedo. Al terminar la función, ese dolor corporal, que es increíble, porque parece que no me muevo, pero es un trabajo fino y funciona porque hay un director, porque hay un actor, que entienden y que no se regocijan en la oscuridad”.

En segundo lugar se presenta Café Deskafeinado, su más reciente propuesta en la que no sólo escribe, también dirige y da vida a 8 personajes distintos, la cual surgió durante la pandemia, cuando el actor tuvo que enfrentarse como muchos compañeros a la falta de oportunidades por el cierre de los teatros.

A este respecto, Araiza explica: “Es un trabajo sumamente personal, todos los textos sé de dónde vinieron y a quién hacen referencia, transitar esos momentos de nuevo cada función dejan dolor y esperanza, gracias al siguiente monólogo. Es una montaña rusa de emociones, son 8 personajes y vas pasando uno tras otro y emocionalmente el espectador llega a hacer catarsis”.

Mientras que, esta semana toca el turno de la obra, Bambis dientes de leche, escrita por Araiza y dirigida por David Jiménez Sánchez, montaje que nos habla de la infancia y los sueños. De acuerdo con el actor, se trata de una obra muy dinámica donde se enfrenta a una exigencia, no sólo actoral, sino, también corporal.

Con relación a esto, Antón señala: “Con Bambis, me quedó con la escena del padre preguntándole a su hijo qué quiere, encontrando y colocando esa emoción de frustración de, no puedo convencer a mi hijo que le guste el futbol, pero esa tranquilidad de estar atento a lo que le gusta y lo voy a apoyar”.

Si bien hemos visto al actor en propuestas de gran formato, es un hecho que siente un gran aprecio a los monólogos o unipersonales, considerados como uno de mayores retos escénicos, donde los histriones que deciden realizarlo, deben pisar el escenario completamente solos, valiéndose únicamente de su fuerza interpretativa.

En este sentido, Antón recuerda que esta pasión surgió cuando trabajó bajó la dirección de Hugo Arrevillaga en Cielos (2012), de Wajdi Mouawad, a partir de ese momento su curiosidad lo condujo a escribir Bambis dientes de leche y Café Deskafeinado e interpretar Un acto de comunión.

“Cuando Hugo Arrevillaga me puso a hacer el personaje de Clemente Simanowski, (…) eso me despertó la curiosidad y esa adrenalina, qué necesito como actor para sostener la atención del público durante una hora, una hora y cuarto, y a partir de ahí se me despertó esa idea del ejercicio del monólogo, de la preparación y buscar a los directores propicios para trabajar”.

Agrega: “Yo siempre he creído que un actor es producto de sus directores, tú eres una plastilina, el director te empieza a moldear y te pones en sus manos, porque hay confianza y porque deciden los dos trabajar juntos”.

Finalmente el actor, indica que le gustaría que sus obras tuvieran temporadas más largas: “Me encantaría que fueran muchos más meses y que el público tuviera la oportunidad de saber que siempre se presentarán esos monólogos, así que esta es la oportunidad de verlos uno por semana, excepto la cuarta semana, que quien quiera ver los tres, puede venir martes, miércoles y viernes”.

No te pierdas la residencia de Antón Araiza con funciones los martes, jueves y viernes hasta el 16 de diciembre, en Teatro La Capilla, ubicado en Madrid #13, Col. Del Carmen.

Por Itaí Cruz, Fotos: Javier Pérez Maya, Carlos Mercado y cortesía Antón Araiza

Llegamos a una de las épocas más bonitas del año, la Navidad,  la ciudad se ha iluminado y los recintos teatrales no son la excepción, y cada día nos esperan para disfrutar de la increíble experiencia que nos regala el arte escénico.

Queremos que comiences a celebrar estas fiestas decembrinas con estas increíbles propuestas infantiles navideñas que son ideales para acudir en compañía de tus hijos, sobrinos, primos o nietos.

¡Echa un vistazo a esta selección y corre a comprar tus entradas!

Un cuento de Navidad. El señor Scrooge. Este es uno de los textos más representados en la época, y es perfecto para inculcar en los niños y niñas, valores como la amabilidad, la generosidad y la solidaridad. Basada en el texto escrito por Charles Dickens en 1843, cuenta la historia de un hombre malvado y huraño que cambia su forma de ser durante una navidad, luego de la visita de tres fantasmas. Se presenta hasta el 7 de enero de 2023, en el Teatro Tepeyac.

La Navidad de Charlie Brown En esta versión teatral, rinde homenaje al especial televisivo de 1965, que nos invita a descubrir el verdadero significado de la Navidad. En esta aventura Charlie Brown, Snoopy, Linus y la pandilla desean encontrar el árbol perfecto y así poder animar a Charlie que está abrumado por el consumismo de la temporada. Esta propuesta nos invita a reflexionar sobre la importancia de compartir y estar reunidos en familia. Las funciones son en el Teatro Rafael Solana hasta el 8 de enero de 2023.

El soldadito de plomo. Un musical con melodías alegres que nos cuenta la historia de un soldadito de plomo que no cuenta con una pierna y se enamora de una bailarina, en la que los pequeños aprenderán cómo el verdadero amor y la determinación, pueden triunfar a pesar de cualquier obstáculo. Ofrece funciones hasta el 7 de enero en el Teatro Enrique Lizalde.

Mary y su cascanueces. Otras de las historias más emblemáticas de la temporada navideña es El Cascanueces, un relato sobre un precioso y brillante Cascanueces, que en la noche de Navidad cobra vida para enfrentarse en una dura batalla al Rey Ratón. En esta versión los infantes podrán disfrutar de una versión que conjuga el teatro y la danza que los transportará por un mundo fantástico y que busca despertar su curiosidad por el ballet. La obra se presenta este 9, 10 y 11 de diciembre en el Centro Cultural La Titería.

Galas de invierno. El reconocido Circo Atayde Hermanos regresa esta temporada para deleitar a chicos y grandes con este espectáculo compuesto por contorsionistas y equilibristas que hacen gala de su flexibilidad y elasticidad en actos llenos de sorprendentes movimientos y un equilibrio excepcional, y un clown que hará travesuras y bromas, entre otros números, lleno de mucho color y diversión. A partir del 22 de diciembre en el Teatro Hidalgo.

Cómo verás durante este mes tenemos muchas opciones para acudir al teatro, si deseas consultar otras opciones infantiles, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Foto: Alejandro Medina Presenta y FB La Titería

El clásico de Navidad por excelencia, El Cascanueces, cumple 130 años de ser estrenado y la Filarmónica de las Artes lo celebra con 9 presentaciones en el Centro Universitario Cultural (CUC), a partir del 9 de diciembre.

Esta historia se representó por primera vez en 1892, inspirada en la adaptación de Alejandro Dumas del cuento El cascanueces y el Rey de los ratones de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, la música fue compuesta por Piotr Ilich Tchaikovski y la autoría de la pieza dancística estuvo a cargo de Iván Vsévolozhsky.

De acuerdo con Enrique Abraham Vélez Godoy, director de la Filarmónica de las Artes, en esta ocasión, el espectáculo apuesta por la creación de nuevos públicos y será interpretado por la recién creada, Compañía de Danza de las Artes, con quien festejan, además, XV años de vida de la Filarmónica.

Abraham, ¿qué verá la gente en esta versión?
Respetamos la historia original, pero sumamos nuevos elementos, como en el vestuario y la escenografía. En este sentido, nosotros quisimos que el personaje del Rey ratón, estuviera caracterizado con una cabeza gigante y no tuviera género, porque el año pasado la apuesta fue presentar a una reina rata. Además, somos la única orquesta en México con su propia compañía y verán mucho talento joven con excelentes aptitudes para la danza contemporánea y el ballet clásico.

Ya existen muchas versiones de este clásico, ¿cómo han logrado generar su público?
Existen muchas propuestas de fin de año del Cascanueces. Sin embargo, la respuesta de la gente nos ha ayudado a mantenernos como una de las principales opciones, que se han gestionado con sus propios recursos, y ha crecido gracias a la taquilla. Además, uno de nuestros objetivos, es acercar este clásico, sin costos excesivos.

¿Por qué crees que mucha gente piensa que estos espectáculos son aburridos?
Debemos terminar con el mito que hay en México, sobre lo que representa la alta cultura y de que es aburrido, porque eso genera estigmas que agrandan la brecha cultural. Acabamos de visitar distintos lugares donde se lleva a cabo el prendido del árbol, y había personas que nunca habían visto ballet en vivo, y el poder ver cómo se emocionan por la carga emocional de las notas y la ejecución dramática del baile, es muy lindo, porque de alguna manera llama su atención, se toman el tiempo de contemplar, aunque sea una pieza, pero lo experimentan, lo viven, y esos nuevos espectadores, son a los que hay que apostar.

Disfruta esta propuesta con funciones a partir del 9 de diciembre en Odontología #35, Col. Copilco Universidad, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

Querida. La celebración de Juan Gabriel, es una producción que sorprende por el tributo que rinde al legado del ícono del pueblo con cantantes, música y orquesta en vivo, así como impresionantes actos de acrobacia.

Este espectáculo llegó desde el pasado 20 de octubre al Teatro San Rafael y tendrá funciones hasta el 8 de enero, si aún no la has visto, a continuación te doy 3 razones para que no te la pierdas:

1. Una fiesta escénica. Aquí disfrutarás de las canciones más entrañables del llamado Divo de Juárez, con la interpretación de distintas voces y elementos visuales que engrandecen la tragedia, el dolor y la algarabía que el cantante logró transmitir en cada una de sus piezas, así que prepárate para corear el tema con el que más te identifiques, porque en esta fiesta escénica, será imposible no hacerlo.

2. Un performance sorprendente. Al ritmo de la música diversos acróbatas ejecutan una gran muestra de rutinas sorprendentes, donde la elasticidad, la fuerza, el equilibrio y la altura, juegan un papel protagónico, así como las coreografías ejecutadas por un gran número de bailarines que incitan a bailar a todo momento, en combinación con algunos actos de mayor riesgo, como las motos que giran a gran velocidad, dentro de la llamada esfera de la muerte.

3. Una algarabía de luz y color. Todo lo mencionado anteriormente necesita de un vestuario por demás colorido y estrafalario, y aquí es una realidad, serás testigo de cambios constantes, además de algunas prendas que el fallecido intérprete utilizó en algunos de sus conciertos más importantes. Por su parte, la escenografía también cumple con la función de dar vida a todo el trazo escénico, enmarcando constantes imágenes de celebración.

Ahora conoces algunas de las razones que hacen de esta producción, la opción ideal para ir este fin de semana, no te la pierdas con funciones de miércoles a domingo hasta el 8 de enero en Virginia Fábregas #40, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

El cierre de fin de año se acerca y con ello la  selección de las obras consideradas como las mejores producciones del 5° periodo de los Premios del Público Cartelera 2023.

Premisas que sorprendieron a nuestro jurado por sus temáticas variadas, que van desde lo descomunal de la violencia en nuestros tiempos, así como producciones ligeras, dotadas de humor, música y misterio.

Estas son las elegidas en diciembre:

Jauria. Esta obra conmovió a nuestros lectores por la crudeza de su historia, la cual se basa en el juicio de La Manada en España, caso que habla de un grupo de jóvenes que violaron de forma grupal a una chica durante los Sanfermines el 6 de julio de 2016, en Pamplona. El montaje señala la revictimización que la mujer sufrió por parte de todo un sistema, desde los hechos ocurridos, donde los victimarios tuvieron más derecho a resguardar detalles de su intimidad, a diferencia de la afectada.

Historias de fantasmas. Aquí se plantea una historia que pretende adentrar al espectador dentro de un universo paranormal, de angustia y miedo, donde conoceremos al escéptico profesor Phillip Goodman, quien se embarca en un viaje hacia lo desconocido, tras encontrarse un archivo con detalles de tres casos inexplicables de apariciones. En esta producción, la tensión va en aumento, confrontando al espectador con sus propias historias de miedo.

El show de terror de Rocky. El clásico de Richard O’Brien y Jim Sharman, llegó una vez más a México para demostrar que su humor, insólitos pasos y ritmos alocados, siguen estando de moda. En escena serás testigo de la experiencia de jóvenes ingenuos que entran al castillo de Frankenfurter; un seductor científico drag queen que está por mostrar al mundo su más reciente y perfecta creación, un hombre perfecto, capaz de seducir a cualquiera.

La clase. La comedia escrita por Daniel Dátola, llegó desde Argentina para mostrar con altas dosis de humor, la toxicidad masculina en temas como el amor, el engaño y el abandono. En escena, conoceremos a Lalo, un hombre introvertido, mandilón, inseguro, fuera de época que acaba de ser abandonado por su esposa después de muchos años de matrimonio y que está dispuesto a todo con tal de volver al ruedo.

Ahora solo hay que esperar que nuestro jurado elija el montaje ganador de este periodo, para conocer a detalle lo que acontece durante esta nominación, mantente al pendiente de nuestro sitio para conocer qué obra será la ganadora.

Una buena madre, es el monólogo escrito, dirigido e interpretado por Guadalupe Damián, que busca comprender el origen de la violencia hacia las mujeres, a partir de la educación de las madres.

Con funciones hasta el 22 de diciembre en el Foro Shakespeare, esta propuesta cuestiona y confronta al espectador con la realidad dolorosa que aqueja a nuestra sociedad, desentramando distintos paradigmas en torno a la crianza, así como posibles soluciones que inspiren un cambio oportuno.

Guadalupe, ¿de qué va la premisa que se va a encontrar el público?
Se va a encontrar con la historia de Mariana, una mamá que nos va contando cómo educó a su hijo, mientras cocina unos ricos brownies de arándanos,  expondrá todas las vicisitudes que enfrentó en su proceso de crianza, desde el nacimiento, hasta que el pequeño llega a los 19 años. Es una puesta en escena que nos habla sobre cómo aprendimos la violencia que ejercemos ahora, generalmente en contra de las mujeres, bajo el cuestionamiento de, ¿quién nos la enseñó? Nos hace reflexionar sobre las violencias que ejercemos individualmente, dentro de nuestro propio contexto.

¿Qué te inspiró al escribir el monólogo?
Fueron varios temas, me inspiró un monólogo de Darío Fo. Así como tres noticias que me impactaron: una, el caso de La Manada en España; otro, Los porquis aquí en México y el caso de la leona africana, una mujer que mató a uno de los violadores de su hija, hiriendo gravemente a otros dos. A partir de todo este material, en combinación con nuestro propio contexto de violencia, es que escribo esta historia, donde hay momentos muy divertidos y otros que no tanto, porque empieza a mostrarse toda esta consecuencia de la educación.

¿Dónde se lleva a cabo toda la acción?
En una hermosa cocina, con una ambientación de finales de los 50, tiene una estética muy de la época, donde era común encontrar publicidad dirigida hacia las mujeres, con espectaculares con leyendas tipo, lleve su licuadora y haga feliz a su marido, el horno, en fin, toda esta orquestación de ideas y demandas de sea usted una buena ama de casa y una buena madre, no salga de la cocina y prepare la comida.

¿Te sientes cómoda en los monólogos?

Me siento muy cómoda en los monólogos, aunque he de confesar que hay veces que estoy en el camerino, y pienso, mis compañeros ¿dónde están?Pero, es un texto muy generoso por la interacción que se genera con el público y eso me funciona para sentirme acompañada. Además, las personas salen muy conmovidas, y con muchas preguntas internas, entonces estoy feliz de poder abordar estos temas, que propician la conversación.

Una buena madre se presenta hasta el jueves 22 de diciembre en Zamora #7, para conocer más detalles, da clic aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Delia Ventura

Los musicales de Brod-güey es la comedia musical que, de forma irreverente, retrata algunas de las situaciones más graciosas e infortunadas del gremio teatral, escrita y dirigida por Álvaro Cerviño, con la interpretación de María José Bernal, Manu Bermúdez, Minah Cerviño y Jorge Mejía.

De acuerdo con Cerviño, se trata de una producción basada en experiencias personales, representadas de forma satírica, con la intención de divertir de forma ligera al espectador, alta demanda física para los actores y referencias actualizadas constantemente.

Álvaro, ¿qué hay detrás de esta propuesta?
Es una obra muy exigente, porque para que la comedia fluya, debes de tener bien balanceado el elenco, las canciones, los momentos donde intervienen todos y donde cada uno tiene su momento. Además hay que prever también los momentos de recuperación de cada actor, porque también es muy física esta propuesta. No siempre la parodia representa una burla, simplemente, te hace ver determinados temas desde otro punto de vista, no es una obra grosera con la intención de faltarle el respeto a alguien, es, más bien, graciosa y amorosa.

¿De dónde surgen las letras?
Hay números que son autobiográficos, el más autobiográfico de todos, es el de Disney On Ice, porque una vez se nos ocurrió llevar a mis hijas a ver este espectáculo y fue un desplumadero, por todo te sacan lana, te maltratan, te presionan a gastar, te hacen cosas horrendas, entonces con todas estas cosas terminas odiando al pinche ratón.

¿Cómo lo toma la gente?
Tenemos una broma interna, porque la gente realmente se identifica con las letras, entonces decimos, esta canción ya es profecía como los Premios Metro, esa yo la escribí hace como 6, 7 meses, porque estuve de jurado,  conocía muy bien el tema y cuando llegó la ceremonia, todo salió tal cual, una obra con un elenco descomunal se lleva todos los premios y no era el mejor, todo igual. No creo que sea yo un profeta, ni mucho menos, todo es producto de la experiencia, entonces cuando este tipo de cosas suceden, es como decir, aquí vamos otra vez…

Hasta los Godínez aparecen en escena, ¿por qué?
Mucha gente me ha preguntado qué hace el número de los Godínez en esta obra, y pues mi respuesta es muy simple, para empezar, es el público que ha mantenido Mentiras durante tantos años, hay un teatro para todos y hay producciones hechas especialmente para ellos. Además se han convertido casi en una tribu urbana, tienen sus formas características de comunicarse, su forma de vestir es similar y desde la primera versión de esta obra, en el 95, aparecían, nada más que ahí se llamaban los gatos que nadie vio.

Inicia tu semana con teatro y disfruta de este espectáculo los martes en el Teatro Enrique Lizalde, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Álvaro Cerviño

El maestro Alejandro Luna, considerado como uno de los grandes revolucionarios de las artes escénicas en nuestro país, murió a los 83 años, así lo confirmó la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT) a través de su cuenta de Twitter.

#ACPT lamenta el fallecimiento de Alejandro Luna Ledesma arquitecto, escenógrafo, catedrático y académico mexicano.

Q.E.P.D ?#PRESENCIAACPT #PREMIOSACPT pic.twitter.com/pjFEahxMJ2

— PREMIOS ACPT (@ACPT_Mex) December 13, 2022

Ante esta triste noticia, diversas instituciones y medios han pronunciado sus condolencias

La Secretaría de Cultura lamenta el fallecimiento del arquitecto, escenógrafo, iluminador y académico Alejandro Luna, creador escénico imprescindible en la historia del teatro en México. Fue galardonado con la Medalla Bellas Artes 2016 y Premio Nacional de Ciencias y Artes 2001. pic.twitter.com/6z3LTTT3dn

— Secretaría de Cultura (@cultura_mx) December 13, 2022

Lamentamos el fallecimiento del Maestro Alejandro Luna, figura imprescindible en la historia del Teatro Mexicano. Escenógrafo, Iluminador, Arquitecto y maestro de múltiples generaciones de hacedores de teatro. Nuestras condolencias a familiares, colegas y amigos. Descanse en Paz. pic.twitter.com/gFM3boTHAC

— Asociación Nacional de Actores (@andactores) December 13, 2022