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Los estrenos que llegan en marzo a la CDMX

Poco a poco el calor se apodera de la capital, y en el teatro no es la excepción, ya que durante el mes de marzo la cartelera estará que arde, pues llegarán varios estrenos esperados, entre ellos un musical de gran formato, comedias que han saltado a la pantalla y por supuesto, dramas que nos harán reflexionar sobre la condición humana.

Además, como cada año, también celebraremos el Día Internacional de la Mujer y el Día Mundial del Teatro, como verán, este mes estará colmado de mucho teatro.

Para que empecemos a calentar motores, aquí les traemos algunos de los estrenos que están por levantar el telón:

Smiley. Esta comedia escrita por el dramaturgo español Guillem Clua, nos habla de los miedos que enfrentamos cuando nos enamoramos, y al mismo tiempo cómo las redes sociales y los celulares han influido en la forma en que nos relacionamos con el otro. La obra llega a México bajo la dirección de Joserra Zúñiga y contará con las actuaciones alternadas de Jesús Zavala, Jerry Velázquez, Martín Barba y Sergio Velasco. La temporada comenzará el 2 de marzo en La Teatrería.

La señora Kong. Esta propuesta a cargo del colectivo El Arce, escrita y dirigida por Ignacio Escárcega, está situada en los años 40, cuya trama enfatiza en la importancia de la fuerza interior y la decisión de salir adelante. Cuenta con las actuaciones de Karen Alicia, Alfredo Monsiváis, César Alcázar, Nadia Cuevas y Enrique Aguilar. Con funciones de viernes a domingo, del 4 al 26 de marzo en el Teatro El Milagro.

Mamma Mía! Uno de los musicales más esperados desde su anuncio, regresa una vez más a nuestro país, para hacernos vibrar con la icónica música del grupo sueco ABBA y que promete ser una interminable fiesta. Será dirigida y coreografía por Jason A. Sparks y contará con la participación estelar de Lisset, Alejandro de la Madrid, Marisol del Olmo, Francisco Rubio, Gicela Sehedi, Armando Arrocha, Luja Duhart, Sofía Carrera. La obra comenzará su temporada este viernes 4 de marzo en el Teatro de los Insurgentes.

El eterno verano de la guerra. Escrita por Hugo Alfredo Hinojosa llega este profundo montaje que expone temas como la trata de personas, la migración y la guerra, a través de historias que se entrelazan. La dirección corre a cargo de Lorena Maza, mientras que el elenco incluye a Álvaro Guerrero, Laura Almela, Miguel Tercero, Víctor Oliveira, Hamlet Ramírez, Tamara Mazarrasa, David Montalvo y Elías Toscano. La obra arranca funciones el 8 de marzo en el Teatro Salvador Novo del Cenart.

La reina de belleza de Leenane. Este melodrama ácido escrito por Martin McDonagh, hace un retrato de la Irlanda rural de los años 80 y nos muestra hasta dónde puede llegar la crueldad entre una madre y su hija, y sus dos hermanos. El montaje cuenta con la dirección de Angélica Rogel y las actuaciones de Sofía Álvarez, Ana Graham, Antonio Vega y Roberto Beck. La temporada comenzará el 24 de marzo en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

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Por Itaí Cruz, Fotos: Cartel oficial 

Entrevista con Diana Sedano: El teatro es “mi lugar de reflexión más profunda sobre la vida”

Estamos iniciando una serie de entrevistas con directoras mexicanas, cada mes estaremos dedicando un espacio especial a una de ellas.

Iniciamos esta serie con la directora y actriz Diana Sedano, que inició este 2023 con tres proyectos en simultáneo. Estos proyectos son: ¡Violencia!, en las Sala Héctor Mendoza de la Compañía Nacional de Teatro (CNT); Tornaviaje, en el Teatro La Capilla; e Inteligencia Actoral, en el Teatro Helénico

Durante la entrevista platicamos sobre diversos aspectos de su trayectoria. Desde cómo inicia en la dirección de teatro hasta lo que cada uno de los proyectos que actualmente tiene le han dejado como enseñanza.

Sobre el teatro nos comparte: “El teatro se ha vuelto mi familia, mi lugar de reflexión más profunda sobre la vida, sobre la vida y lo que hago yo aquí, y la manera de sublimar todo aquello que nos atraviesa”.

 

Su inicio en la dirección teatral

Comenzamos nuestra plática hablando sobre los inicios de Diana como directora. Al respecto señala que fue poco antes de Tornaviaje, cuando Carmen Ramos la invita a participar en el Ciclo de Creación Escrita y Dirigida por mujeres. Entonces, dice, dirigió una lectura dramatizada de Gabriela Ponce, autora ecuatoriana, con la actuación de Michelle Betancourt. Esta lectura, nos explica, “era más un montaje que una lectura dramatizada”.

Al respecto nos destaca: “Esa fue la primera vez que me acerqué de manera un poco más seria a la dirección, ahí encontré, empecé a encontrar, un poco mi mirada sobre las obras, […] fue hace poco en el 2017”.  Entonces, apunta, se encontraba ya pensando en Tornaviaje, que “fue a partir de un viaje que sí se hizo y tenía miras a hacer algo”. 

Al encontrar ya el material de Tornaviaje, Sendano se dio cuenta de que no podría realizarlo sola. Es entonces que realiza el montaje en codirección con Cecilia Ramírez Romo y Ricardo Rodríguez. Esta experiencia le da una perspectiva más clara sobre su mirada de directora: “Me ayudó mucho a encontrar mi mirada rebotar las ideas con ellos. Así fue como inicié”.

A partir de Tornaviaje, nos dice, hay gente que se ha acercado a ella para preguntarle si desea dirigir. Este fue el caso de ¡Violencia!, que fue una invitación institucional de la CNT. La directora considera que esta obra ha sido su proyecto más claro. Esta, explica, “me ha abierto un montón de puertas, no solo como actriz sino también en distintos rubros. Siento que hice un proyecto con unos colaboradores muy generosos y que el proyecto ha sido muy generoso conmigo y con los demás”. 

 

“Cuando me di cuenta que sí tenía una mirada de directora, lo que hice fue tratar de abrirme paso”

La directora confiesa que los obstáculos en su carrera han sido consigo misma”. Son, nos dice, “ideas que yo tengo, que sin duda vienen de una construcción social o artística, pero que no son realmente o no he vivido eso”. En este sentido, destaca que las veces que se ha acercado a la dirección ha sido a partir de “gente que le gusta mi mirada y me ha abierto las puertas”. 

Sobre el tema, Sedano reflexiona: “Hay un momento donde uno decide si quiere hacerle caso o no, son cosas que están ahí, ni siquiera creo que vale la pena decir cuáles son, más bien lo que vale la pena es decir que uno tiene la capacidad de decidir hacia dónde quiere tirar su carrera y su vida, su destino y su vida profesional”.

Al llegar el momento del que nos habla, Diana nos dice: “Me di cuenta que sí tenía una mirada de directora, porque pensé que no la tenía. Cuando me di cuenta que sí tenía una mirada de directora, lo que hice fue tratar de abrirme paso”. En este sentido, agrega que se trata de trabajo, por lo cual “el trabajo habla por sí mismo”. A raíz de esto, nos narra, la gente la comenzó a convocar para integrar proyectos: “Siento que eso es lo que vale la pena […] más allá de decir son constructos sociales, bueno, esos ya los conocen”.

 

La creación escénica 

Platicamos sobre las diferencias en el proceso creativo cuando gesta ella un proyecto creativo y cuando es llamada como actriz. En su faceta como actriz, comenta, “soy una actriz a veces más propositiva”. Sobre este punto, explica que depende del lugar en el que se está: “Hay directoras y directores que están más abiertos a las propuestas de los actores y actrices, hay otros a los que tienes que ser más obediente. Depende mucho del trabajo, del equipo de trabajo y de qué tipo de proyecto sea”.

Como ejemplo, nos habla del proyecto que está preparando con Teatro Sin Pardes, con David Psalmon y Bernardo Gamboa. Ahí, explica, hay una creación más colaborativa. “Bernardo es un creador escénico además de actor, es decir, él gesta sus proyectos. Entonces, tenemos una participación más activa en relación al diálogo con David”.

En la parte de la dirección, Sedano nos dice que hay decisiones que son de ella cuando se encuentra a la cabeza de un proyecto, pero que también “hay muchísima colaboración”. Al respecto, destaca: “Creo mucho en la creación, no sé si colectiva, porque alguien en algún momento toma las decisiones pero sí en la relación colaborativa, artística y colaborativa”.

 

Estamos buscando las cosas desde su semilla

Sobre los procesos creativos, Diana Sedano comparte que cuando trabaja con Cecilia Ramírez Romo, con Laura Baneco y con Ricardo Rodriguez, los proyectos parten de intuiciones, temas y cosas que desean tratar. “El lugar de la creación escénica en todo caso, en donde la siento mucho es cuando trabajo con ellos, porque hay un espíritu de creación muy original. No porque seamos innovadores ni nada de eso, sino porque estamos buscando las cosas desde su semilla”, reflexiona.

Sobre el tema resume: “También hay un ejercicio de creación muy profundo en la interpretación. Lo que pasa es que radica en lugares o uno pone el foco en lugares distintos. Para mí es el mismo impulso creativo que tengo con ellos, es el que trato de tener cuando estoy trabajando solo como actriz o cuando tengo que dirigir”. 

 

¿Qué le ha dejado Tornaviaje, ¡Violencia! e Inteligencia Actoral

De sus actuales proyectos, nos dice Diana, “radican en lugares muy distintos de la creación”.

Sobre ¡Violencia!, nos dice que es el primer proyecto en donde es llamada como directora sin que se trate de una codirección. “Ese proyecto me dejó muchísimo aprendizaje teatral, y una experiencia muy rica. Sobre todo, en el trabajo con las actrices y los actores, de tratar de encontrar juntos el tono de la obra, la entraña de la obra”, nos narra. 

Para este proyecto, agrega, se realizó investigación y un trabajo de aprendizaje de clown a través de un taller con Artús Chávez. Al respecto, explica: “Lo que yo quería ahí, en parte, amén de que está en un lugar institucional, como es la Compañía Nacional de Teatro, pues no renunciar a este impulso creativo que te digo que se hizo en el garaje de mi casa con mis amigos para hacer Tornaviaje”.

En este proyecto, nos dice, pudo dirigir al equipo más grande, tanto de actores y actrices como de creativos, que hasta ahora ha dirigido. Por ello, ¡Violencia! ha sido “un aprendizaje muy grande, un tremendo agradecimiento con toda esa gente”.

Sobre Tornaviaje nos dice que es el primer proyecto que decidió levantar con sus recursos y con las personas en las que confiaba para ello. “Tornaviaje nos ha dejado un montón a mí, y siento que a todas las que estamos metidas en ese barco”, afirma.

Al respecto explica que a partir del montaje muchas personas la conocen. Ha sido para su autora, en resumen, “un proyecto infinitamente generoso”. Le ha dejado saber que “si uno se va a lugares probablemente más personales y los trabaja de manera rigurosa, con la gente adecuada, eso abre un camino hacia lo universal y eso es emocionante. Es emocionante que la gente conecte y siga conectando con esa obra”.

Respecto a Inteligencia actoral, nos dice que hace mucho no participaba en una obra de gran formato como actriz. En el proyecto hay, afirma, un equipo de trabajo increíble. Nos comenta que le está dejando “mucha reflexión sobre el presente, sobre la tecnología, sobre los temas que aborda la obra. Sobre en dónde está el algoritmo de nosotros también, por ejemplo”. 

Destaca sobre el autor de la obra: “Flavio es un director y un dramaturgo que tiene muchísimas preguntas. Se las está tratando de responder con el teatro y desde el teatro. Eso a mí me parece muy valioso y estoy muy emocionada de ser parte de ese proyecto”.

Finalmente, la actriz y directora nos adelanta que en un mes estrena La Luz del otro, con Bernardo Gamboa bajo la dirección de David Psalmon. Sedano, particpará como actriz en este montaje.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado Foto: Teatro UNAM

3 razones para ver LOS DÍAS DE LA NIEVE

Si quieres disfrutar de un monólogo entrañable y conmovedor, Los días de la nieve es la opción perfecta, se trata de una obra que desde el pasado nos habla hoy de temas muy vigentes todavía

Josefina Manresa, esposa del poeta español Miguel Hernández, personaje central de este monólogo escrito por el dramaturgo español Alberto Conejero, protagonizado por la actriz Carmen Vera, bajo la dirección de Kerim Martínez, acompañada por el músico Roger Vargas.

Aquí te cuento tres razones por la cuales no te puede perder este montaje que se presenta en Café K-OZ Foro Cultural

1. Carmen Vera. Dicen que el personaje escoge al actor, y Josefina Manresa no se equivocó al escoger a Carmen Vera. La estupenda actriz da voz y cuerpo a la melancolía y a la entereza, a la memoria de Josefina que se abre paso al final de sus días. Sentada frente a una vieja máquina de coser, a solas con un vestido color del mar, la actriz conmueve y vuelve entrañable para el espectador a una mujer a la que la historia le ha negado el lugar que le corresponde.

2. Un homenaje a Josefina Manresa. Más que hablar del extraordinario poeta Miguel Hernández, esta obra es un homenaje a Manresa. El autor del texto ha dicho que al escribirlo descubrió “la sencilla fuerza de una superviviente de las peores tristezas, que aprendió a amar en las palabras y por las palabras”. Josefina es más que la “pastora de los besos” del poeta y de su legado, es una mujer que a fuerza de voluntad y de memoria se impuso al franquismo. Sobrevivió 12 años al dictador y vio la transición española. Esta sobreviviente, con su voz, no solamente rescató la memoria del poeta, rescató y le dio voz a muchos otros, a muchos que la perdieron, a muchos que hoy todavía la necesitan.

3. Alberto Conejero. El autor de este texto es uno de los exponentes más reconocidos de la nueva generación de dramaturgos españoles. Ganador en 2019 del Premio Nacional de Literatura Dramática en Madrid por la obra La geometría del trigo. En 2016 obtuvo el reconocimiento a Mejor Autor en los premios Max por La piedra oscura, misma obra que en México recibió en 2017 el Premio del Público Cartelera de Teatro a Mejor Dramaturgia. Las obras de Conejero tienen un eco de épocas pasadas que nos confrontan con el presente y nos hacen cuestionar el futuro.

Con esta propuesta el Café K-OZ Foro Cultural ha retoma sus actividades escénicas y te espera para que vivas esta historia que merece ser contada, todos los sábados hasta el 1 de abril, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado Foto: Cortesía de Kozproducciones

3 razones para ver ZOMBI

¿Te imaginas un musical con una sola persona, y que además haya zombis en la ecuación? Precisamente eso es Zombi, el monólogo escrito y dirigido por Hugo Arrevillaga protagonizado por Óscar Serrano Ramírez, que se presenta en el Foro La Gruta.

La obra habla de Roberto, un plomero de profesión que nos cuenta cómo ha sido su vida y cómo creció en una familia disfuncional. Roberto siempre ha sido solitario y ha tenido problemas para relacionarse con los demás. Sin embargo ahora, también tiene un sueño: interpretar a un zombi en un espectáculo de terror que se presentará en Día de Muertos. A través de canciones de El Cuarteto de Nos narra esta aventura en la que se lanza a buscar valor y dignidad en su vida.

Aquí te compartimos tres razones por las que no te debes perder Zombi:

1. Óscar Serrano Ramírez. El joven actor hace un derroche de energía en el escenario, salta, canta, corre, brinca y hace malabares. En solitario, durante 80 minutos muestra sus grandes capacidades actorales, físicas y vocales. Verlo interpretar a Roberto y su lucha por cumplir su sueño es un verdadero placer.

2. La música de El Cuarteto de Nos. En este montaje la música de la emblemática banda uruguaya es el elemento que permite a su autor narrar esta historia. En algunas entrevistas, Hugo Arrevillaga ha señalado que cuando contactó a Roberto Musso, líder de la banda, no solo le permitió usar su música sino que le brindó su amistad y su complicidad creativa. La música de El Cuarteto de Nos es irreverente, entrañable y energética, sus letras tienen una particular mezcla de profundidad, reflexión y juego.

3. Hugo Arrevillaga. El autor y director tiene más de veinte años de carrera y ha dirigido más de 70 obras entre estrenos y remontajes. Zombi es parte del ciclo de tres monólogos, titulado “Tres relámpagos”, con el que ha iniciado el año Arrevillaga. Sus obras se caracterizan por provocar algo en el espectador, sus obras buscan siempre confrontar al público. Le gusta hablar, según nos dijo hace poco en entrevista, de historias que le parecen pertinentes y pueden brindar algo a las y los espectadores contemporáneos. Sus historias, y Zombi no es la excepción, tratan de, en palabras del propio autor, “generar en el público un momento de imaginación, una reflexión, una imagen, recuperar su imaginación perdida”.

Zombi es una obra que puedes disfrutar de principio a fin, admirándote de la capaciadad físca y actoral de su intérprete, para más información sobre la obra, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro

Obras Elegidas: 6° periodo de los Premios del Público Cartelera 2023

Llegamos al último periodo bimestral de los Premios del Público Cartelera de Teatro 2023.

Este periodo llegaron a las elegidas obras que van del monólogos, una obra de gran formato, y otra más de un corte más íntimo. Las propuestas que han llamado la atención del público abordan temáticas como la violencia como herramienta de control, reflexiones sobre el presente y nuestra relación con la tecnología, el abuso, la discriminación y el amor propio.

Estas son las elegidas en marzo:

El cuerpo en que nací. Esta adaptación libre de la novela de Guadalupe Nettel realizada por Bárbara Perrín, es una propuesta introspectiva y valiente, auto crítica y con humor. En ella vemos a la niña Lu percibir el mundo desde sus primeros años, con un ojo parchado, con la esperanza de arrancarlo de su rostro y liberarse. Lu enfrenta el reto de crecer, de encontrar su identidad y fortaleza durante las décadas 70 y 80 del siglo pasado.

Inteligencia Actoral. Una obra que podríamos calificar como de ciencia ficción, la cual nos ubica en un futuro no lejano. En este futuro los androides (reemplazoides) son una realidad y pueden realizar prácticamente cualquier actividad que realiza un ser humano. Está obra nos plantea preguntas como: ¿Qué significa realmente ser actor? ¿En dónde está eso que nos hace humanos? Un montaje que nos lleva a la reflexión sobre el presente, nuestra relación con la tecnología, cómo nos relacionamos entre nosotros y cómo influyen los algoritmos – tanto los virtuales como los que día a día asumimos como humanidad – en nuestras vidas.

Niñas y niños. Este monólogo, escrito por Dennis Kelly, nos confronta al contarnos una historia que tal vez preferiríamos no escuchar. Sin embargo, lo hace desde una mirada lúdica, cargada de humor negro. El personaje de esta obra, interpretado por Amaya Blas, nos hace transitar de la risa, al asombro, al llanto, la sorpresa y el pasmo.

No se culpe a nadie de mi muerte. Humberto Robles es el autor de este monólogo interpretado por Majo Pérez. En este, una mujer se encuentra al borde del suicidio. Esta historia trágica, pero llena de humor atraviesa por temas como el abuso y la discriminación. Es un texto sólido con un personaje que sabe comunicarse con el espectador, hila el pasado de la protagonista para encontrar los motivos en el presente que la tienen al borde del suicidio.

Estas son las obras elegidas para competir en este periodo. Nuestro jurado del público decidirá cuál de ellas llega a la etapa final, en la cual conoceremos cuál es la obra del año. Hasta el momento en esta lista están ya compitiendo: Siete veces adiós, 7 años, Indecente, El corrido del Rey Lear y El show de terror de Rocky.

Teatro para conmemorar el Día Internacional de la Mujer

Desde nuestra trinchera queremos reconocer a todas las hacedoras teatrales que enriquecen y moldean con sus esfuerzos, día con día, la escena nacional.

A continuación les traemos algunas propuestas que muestran las diversas facetas de las mujeres en las tablas, para conmemorar este miércoles 8 de marzo, Día Internacional de las Mujer.

Monólogos

Kahlo viva la vida. Ana Karina Guevara encarna por dos únicas funciones a una de las mujeres más icónicas de nuestro país, en este unipersonal que nos muestra las alegrías, amores, pasiones y sinsabores en la vida de Frida Kahlo. Las funciones serán el 14 y 21 de marzo en el Teatro Xola Julio Prieto.

Niñas y Niños. Amaya Blas protagoniza este montaje que se vale del humor negro y el juego en escena, para hablarnos de un tema profundo y doloroso, la aniquilación familiar. Situación que ocurre cuando los padres manipulan a los hijos, tras una ruptura de pareja, y desean mantener el control sobre el otro. La obra se presenta los lunes en el Foro Shakespeare.

Tornaviaje. Diana Sedano regresa con este unipersonal autobiográfico para contarnos el viaje que emprendió para conocer el pasado que su padre, el pintor español Antonio Sedano, mantuvo en secreto y alejado de su familia. Se presenta todos los martes hasta el 25 de abril en el Teatro La Capilla.

COMEDIAS

12 princesas en pugna. Esta parodia que no pierde vigencia, tiene como protagonistas a las distintas princesas de Disney, quienes se reúnen tras el llamado de Cenicienta, entre risas, nos incita a la reflexión y a cuestionarnos sobre el amor, la belleza y los roles de género. Con funciones los jueves en el Teatro Xola Julio Prieto.

Dos Locas de Remate. Con hilarantes e irreverentes momentos en escena, esta comedia nos habla del amor entre dos hermanas, se reúnen tras 20 años, sacando a la luz antiguos conflictos y secretos que, tal vez, deberían permanecer ocultos, pero que las harán reconectarse. Las funciones son cada 15 días en el Nuevo Teatro Libanés.

Si Te Mueres, ¡Te mato! En esta comedia políticamente incorrecta, vemos a dos cuidadoras de una anciana serbia de 90 años, cuya vida cambiará el día en que por causas naturales están a punto de perder el trabajo. Funciones los sábados y domingos en el Teatro Fernando Soler.

DRAMA

El cuerpo en que nací. Este relato emotivo e intimista hace un recuento acerca de la infancia y adolescencia de una joven Lu, durante los años 70 y 80 tanto en México como en Francia, a través de sus memorias y los eventos que le tocó vivir, descubrimos su manera de sentir y entender el mundo que la rodea. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Foro Shakespeare.

Las diosas subterráneas. A partir de la mitología griega, mezclada con historias reales, esta propuesta nos habla de la violencia y los feminicidios, así como el dolor de las madres que buscan a sus hijas desaparecidas. Se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia del CCB.

El malestar en las mujeres. Esta ficción escénica retoma la voz de diversas mujeres que en 1782 asaltan el palacio de Versalles, hartas de la escasez de alimentos y de los derroches y excesos de la corte, situación que aqueja hasta nuestros días. Se presenta los lunes en Teatro El Milagro.

Esta es sólo una muestra de la amplia oferta que podemos encontrar actualmente en las marquesinas de la capital, que reflexionan, cuestionan y visibilizan a las mujeres que hacen nuestro teatro mexicano.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

Especial Día Internacional de la Mujer: Raíces de un 8M, sin actos celebratorios

Sin celebraciones, reconocimientos ni días especiales, las mujeres nutren, apuntalan e impulsan el desarrollo del teatro, desde hace siglos -y a la fecha-, en todos los ámbitos y lenguajes relacionados con este arte, que ha progresado al amparo de una comunidad femenina, -precariamente reconocida- dedicada a hacer su propio trabajo, además de apoyar, acompañar y abrirle el paso a un mayoritario sector masculino, que aún no se percata de que la equidad es la única posibilidad de desarrollo.

El trabajo silente, al que el sistema patriarcal ha orillado a las mujeres del mundo, ha debido romperse ruidosamente para conseguir el derecho -que le pertenece a todo ser humano por el simple hecho de existir- a ser escuchado, como cuando en 1848, Elizabeth Cady Stanton y Lucrecia Mott, realizaron la Primera Convención de los Derechos de las Mujeres, frente a la prohibición que les impedía hablar en una convención contra la esclavitud.

Ejemplos de metas logradas, como el derecho de la mujer al voto en 1953 en México, verificado en las urnas en 1955, luego de constantes avances y retrocesos rumbo a su obtención, dan muestra de que cada conquista ha sido resultado de arduas luchas, por lo que la instauración por parte de la ONU, de El día Internacional de la Mujer en 1975, es consecuencia del trabajo sin tregua que han librado las mujeres desde que han puesto un pie en este mundo y sin embargo, más allá de los derechos políticos, aún falta avanzar largo trecho en materia de educación, acuerdos, límites sociales, leyes, que protejan y eviten atropellos y abusos, e impidan las tragedias sistemáticas a las que se nos ha sometido.

Esta aplastante falta de acción social y política en torno a la preservación de la vida de la mujer, y a su consecuente desarrollo humano y profesional, permeado por un acendrado machismo, que apenas comienza a visibilizarse, le ha arrancado al 8 de marzo el rasgo celebratorio.

Esta opresión de siglos, que ha determinado condiciones desfavorables para las mujeres, no ha sido obstáculo para continuar con una labor que ha alimentado, vestido y protegido a familias y poblaciones enteras, desde su rol de madres, cuidadoras cocineras, enfermeras, proveedoras, guías, compañeras de ruta, colaboradoras y sustentadoras del cambio.

De ahí que actualmente nuestro teatro desarrolle historias de abuso, violaciones, feminicidios, opresión e introspección, traducido en dramaturgia, dirección, actuación, imágenes y sonidos que desgarran el silencio y expanden el dolor, el abuso de siglos, que ha acallado la voz, e invisibilizado la presencia, el trabajo, el arte, la creatividad y la aportación de cada una de las mujeres dedicadas a sumar acciones a favor de nuestra escena.

La titánica labor que implica la puesta en marcha de toda propuesta escénica, ha contado con el trabajo de miles de mujeres a favor del objetivo, desde aquellas que se desempeñaron al frente de una empresa teatral, como lo señala la historia, acciones como mecenas, a favor del desarrollo de movimientos artísticos, progresos en el ámbito de las leyes, en la organización de grupos y compañías, en la docencia la dramaturgia, la dirección, la actuación, la coreografía, la música, la escenografía, el vestuario, el maquillaje, la iluminación, el atrezo, la asistencia, la producción, el traspunte, la tramoya y un sinnúmero de actividades más, que han mantenido con vida al teatro, sin que se dimensione la aportación creativa de las mujeres y el tiempo invertido, como si se tratara de una obligación o de una inercia que se desprende de la naturaleza femenina.

Asimismo, el trabajo realizado por responsables de contaduría, administración, difusión, prensa, crítica, atención y desarrollo de públicos, personal de taquilla, de limpieza, acomodadoras, costureras, entre muchas más, ha sido infravalorado, en muchos casos, de manera general por funcionarios en turno, productores y equipos artísticos.

Las omisiones acumuladas detonan el hartazgo y la urgencia impostergable por un cambio que restablezca el orden, la armonía, y propicie, en mejores condiciones, el desarrollo de un arte teatral en expansión, en el que cada paso sea dado con plena confianza y en libertad, la misma para cada ser humano sin excepción.

Cada mujer ha abierto brecha desde hace años en su especialidad, a favor de nuestro teatro, que hoy, en 2023, estremece desde cada espacio y lenguaje en el escenario.

Es hora de valorar en su dimensión los pasos dados y cada conquista ganada por las mujeres, sin bajar la guardia, hasta ejercer en plenitud derechos como el de respetar y preservar la vida, sin necesidad de que una sola mujer en el mundo deba clamar por ella, para que nuestros escenarios se transformen en ámbitos de luz.

Por Alegría Martínez

¿Ausencia o falta de visibilidad?: Las mujeres en el teatro mexicano

El primer obstáculo al que me he enfrentado desde siempre, y hasta hoy en día, es ser mujer: escritora, dramaturga, directora de teatro, pensadora. Ser mujer siempre ha sido estar a prueba, siempre necesitar estar a la altura de alguien o de alguna institución, lo cual ha sido, la verdad, bastante agotador”. Eso respondió Ximena Escalante cuando le preguntaron por el principal obstáculo para desarrollar su trayectoria, la cual, en contraste, está plena de éxitos y reconocimientos por parte de la crítica y el público.

La autora de Fedra y otras griegas, Tennessee en cuerpo y alma y Olvida todo, por mencionar algunas, estaba como invitada en el programa Vindictas de TV UNAM, el cual se enfoca en recuperar la vida y la obra de mujeres destacadas, a fin de divulgarla y evitar así su invisibilización. En éste caso, la autora fue elegida como representante de la actualidad teatral mexicana.

Y en esa actualidad teatral mexicana, sigue prevaleciendo esa sensación y, más que sensación, realidad. En un país en el que apenas en enero de este 2023 se registraron 302 feminicidios, sigue siendo de primera importancia la revisión del lugar que corresponde a la mujer dentro de todos los ámbitos de la vida cotidiana, pública, personal, profesional y privada.

En el caso de las artes escénicas, cada vez son más las acciones emprendidas para erradicar un sistema que ha minorizado el trabajo, la visión, la opinión y la voz de la mujer, continuando con un cánon que sigue favoreciendo a los hombres, a los creadores y trabajadores teatrales.

Mesas de diálogo como la que sostuvieron a mitad de febrero la productora Jimena Saltiel, la dramaturga, directora y productora Bárbara Colio con la crítica teatral Alegría Martínez en la plataforma virtual Cartelera de Teatro sobre la ausencia de mujeres consideradas en la categoría de Mejor Dirección de los Premios del Público Cartelera de Teatro o propuestas como el Ciclo BRUJAS del Foro SHKSPR, que contempla puestas en escena, lecturas dramatizadas y antologías de obras escritas y dirigidas por mujeres, además de conversatorios y publicación de antologías con los textos trabajados.

Además, la propia Jimena Saltiel comanda en su productora Once Once a un equipo conformado únicamente por mujeres que ha tenido éxitos como El hilador, Corazón gordito, próximamente veremos que la obra Emilia, importada de The Globe de Gran Bretaña será resultado del trabajo de notables creadoras sobre y al lado del escenario, comandadas por la productora María Inés Olmedo y la directora Mariana Hartasánchez.

Pero, ¿qué tanto estos esfuerzos son suficientes? Conversamos con cuatro mujeres de teatro: la actriz, dramaturga y crítica teatral Fernanda Albarrán, la dramaturga, directora, productora y docente Jimena Eme Vázquez, la actriz, directora, productora y gestora Andrea Salmerón y la actriz, dramaturga y crítica teatral Carmen Zavaleta para conocer cómo viven el panorama actual.

Andrea Salmerón, quien recientemente dirigió y produjo la obra Konrad, el niño que salió de una lata de conservas, inicia con un recuerdo: “Cuando yo estudiaba en la ENAT no había directoras, había como dos y jamás se te ocurría que podrías ser directora. Yo me tardé veinte años en serlo, pero porque yo era desobediente. Se esperaba que fueras calladita, bonita, flaquita, buena actriz y que le hicieras caso a todos los señores barbones: yo no hacía caso y fui muy castigada. Las maestras daban las clases que valían menos créditos, las materias que valían más eran dadas por señores, al igual que todas las materias de reflexión y discusión intelectual.

Eso ya no sucede ahora: las chicas que salen de la ENAT salen pensando en que pueden escribir una obra y atreverse a dirigirla, están encontrando un ambiente mucho más incluyente. Ellas están en otro lugar, están escribiendo cosas padrísimas, sin tener un discurso de víctimas”.

Para Fernanda Albarrán, quien recientemente actuó en La hora de todos, comenta: “Aunque cada vez hay más visibilidad del trabajo de las mujeres en el teatro en todos sus ámbitos, sigue habiendo muchísima más visibilidad al trabajo de los hombres en el teatro. Esto tiene que ver con el sistema en general, porque aunque hay mujeres que son actrices, dramaturgas, directoras, productoras, gestoras, hay mucho menos reconocimiento a su trabajo y quizás mucho menos visibilidad en el sentido de oportunidades de presentación para su trabajo”.

La también crítica teatral, Fernanda considera que es necesario cambiar las narrativas de las obras escritas y montadas: “Sigue habiendo muchas narrativas en donde los hombres tienen los personajes principales y las mujeres tienen los papeles secundarios o están a disposición de los hombres. Es cada vez más importante darle voz a la perspectiva de la mujer ante la vida y ante el teatro. Aunque cada vez hay más mujeres en todas las áreas del teatro, siguen siendo menos en comparación de los hombres”. Y propone: “podrían crearse estímulos que propicien la creación desde las mujeres. Apoyos que inciten a que las mujeres escriban, dirijan, produzcan sus propias obras, para que cada vez haya una mayor cantidad de creadoras de teatro”.

Precisamente, Andrea apunta: “Programas como EFITEATRO han permitido que todas aquellas que no teníamos acceso a dirigir, podamos dirigir. A partir de convocatorias públicas y abiertas y no a través de un coordinador nacional de teatro es que han proliferado mucho más las directoras. Yo prefiero dirigir mi proyecto y no esperar a que otro señor dirija. Muchas mujeres empezamos a dirigir a partir de que se acabó el dedazo del pacto patriarcal”.

Mientras que, Carmen Zavaleta, afirma: “El papel de la mujer en el teatro ha implicado una lucha por la visibilidad y el reconocimiento, no solo en el teatro sino en todos los ámbitos laborales y en la vida cotidiana. Ha habido un avance en la visibilidad pero también hay muchos prejuicios acerca del trabajo que realizamos. Si tú escuchas algunos comentarios de la propia comunidad acerca del trabajo de las mujeres, éste se mide con parámetros como, ella es una buena directora porque su maestro fue Fulano, o ella es una actriz sobresaliente porque su maestro fue Perengano. Como si el trabajo por una misma no mereciera ser reconocido, por muy bien hecho que esté“.

Asimismo, la autora e intérprete de Satisfaction, celebra la apertura del discurso en varias de las obras que habitan la cartelera: “Pienso en obras como La violación de una actriz de teatro, que te pone de frente a la violencia que se ejerce hacia el género femenino. Son discursos que en años anteriores no hubieran sido posibles y eso es bueno, pero es desalentador que se trate de discursos sobre la violencia y lo que ha ocurrido hacia nuestro género y hacia nuestro cuerpo durante siglos y siglos, pero es inevitable que sea así, porque se está visibilizando todos los días acerca de esto. Sigue faltando que deje de ser una lucha el que las mujeres estemos en el teatro, que la sociedad deje de impedir este desarrollo natural y normal y que haya una identificación de lo que hacemos por nosotras mismas, por nuestros discursos y nuestras identidades. Eso es algo que seguramente no nos tocará en estos tiempos ni en tiempos próximos, porque sigue siendo un trabajo y un esfuerzo día a día para que seamos reconocidas y respetadas y nuestra identidad sea valorada en lo fuerte que es.”

Por su parte, Andrea, apunta: “El hecho de que esté visibilizado por supuesto es una ventaja, pero me parece que la visibilización de las mujeres en las artes escénicas ha partido desde una agenda política de intereses masculinos. Pienso que desde el #MeToo, en 2019, el gremio artístico -no me gusta llamarle comunidad, por muchas razones- ha estado muy fracturado, se ha resentido mucho la confianza entre unos y otras y unas y otras, sobre todo. Ha jugado muy en contra de las relaciones de confianza entre mujeres por muchos motivos. Desde ese momento, muchas personas del gremio, sobre todo hombres en posiciones de poder, han querido curarse en salud programando obras feministas, obras escritas por mujeres, mostrando su supuesta empatía desde un lugar de muy poca colaboración”.

Lo anterior, señala, “Ha dado lugar a una cartelera plagada de obras, unas peores que otras, sobre feminismo, sobre todo lo que las mujeres hemos sufrido y seguimos sufriendo y todo aquello que debemos enfrentar, lo que necesitamos ahora es obras con personajes femeninos interesantes, complejos: mujeres que luchan, que no resultan solamente víctimas o sobrevivientes, sino mujeres que simplemente tratan de ser mujeres”.

En tanto que, Jimena Eme Vázquez, considera: “En la actualidad teatral ya no es complicado pensar en directoras, dramaturgas, en muchas de las cabezas al pensar en creadores, ya hay mujeres y hombres. Quiero pensar que se ha avanzado, creo que se han apropiado los espacios y se han puesto ciertas reglas en las que anuncia que solamente van a jugar las mujeres: eso ha estado bien y ha servido para visibilizarlo, como aquella vez en que la UNAM tuvo en todos sus teatros obras escritas y dirigidas por mujeres”.

La creadora del Premio Jimenitos Aguords, que mucho tuvo que ver en la difusión de las propuestas escénicas a cargo de mujeres, apunta: “Creo que va lento normalizar que ya estamos ahí y dejar de creer que son algo excepcional: ¡oh, la escribió y la dirigió una mujer!, ¡ah, la dramaturga es la directora! Todavía hay una cosa de excepcionalidad en cómo se piensan esos proyectos que a mí me parecería saludable empezar a aceptar que ahí estamos, que la cosa ya cambió. Siento que es una resistencia, como si se hubiera abierto un paréntesis, pero no es un paréntesis: es la realidad y así se vive ahora. Y creo que también hay ciertos señoros que tienen resistencia a aceptar que el mundo que habitan ya cambió y que no son conscientes de ese cambio muy a propósito. Hay una energía invertida en no ver a las creadoras, en no ver el cambio de paradigma”.

Finalmente, Andrea remata: “La manera de visibilizarnos es ponernos allí: es poner nuestro nombre en el cartel, en lugares donde nosotras antes no estábamos. Tenemos que poner ahí nuestro nombre. Lo que necesitamos son otras narrativas y no visibilizar a partir de la violencia de género, dejar de pensar en el género como un asunto de violencia. Tenemos que lograr que las chicas tengan referentes y que en vez de decir: no hay dramaturgas, puedan decir: voy a escribir. Eso es algo que tenemos que ir trascendiendo si queremos que los esfuerzos para la visibilización vengan de nosotras mismas a partir de lo que nosotras mismas queremos ver”.

Todos estos testimonios nos hacen saber, que hay mucho trabajo por hacer, pero se está haciendo y son necesarias más y más personas para continuarlo, para retomarlo, para renovarlo, para abrazarlo.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía 

3 razones para ver LOS DAÑOS MARAVILLOSOS

Si te gusta la sátira política mezclada con unos buenos drinks, no te puedes perder Los daños maravillosos, la más reciente propuesta de Las Reinas Chulas que se presenta los sábados de marzo en el Teatro Bar El Vicio.

En esta ocasión, Ceci Sotres, Nora Huerta, acompañadas en el escenario por Oswaldo Ferrer y por primera vez en escena Jairo Calixto Albarrán, aderezado con la música en vivo de Claudia Arellano serán los encargados de dar vida a esta historia.

Aquí te damos 3 razones para que acudas este fin de semana a ver esta farsa cabaretera en el recinto de Coyoacán:

1. Una hilarante crítica social. Si eres un buen conocedor de los temas más importantes y actuales de la política nacional, estamos seguros que no pararás de reír con las constantes referencias que encontrarás en esta historia armada por Sotres y Huerta que, de forma ingeniosa y mordaz, nos hablan de los acontecimientos más recientes como el juicio de García Luna, los panfletos de Sandra Cuevas y más.

2. Evocando el melodrama. Como si se tratase de una telenovela de los años 80, con sus giros de tuerca, Huerta (Peque), Sotres (Sándwich), Calixto (Señora Cataño) y Ferrer (La Quedada) interpretan a una familia de alcurnia de la Colonia del Valle, donde las buenas costumbres y el honor, eran sinónimo de estatus. Mientras la señora Cataño, recuerda “aquellos gloriosos años” de Salinas, Zedillo, Fox y hasta Peña Nieto.

3. Melodías sin igual. La música a cargo de Claudia Arellano es la cereza del pastel de este montaje que se vale de canciones que están presentes en nuestra memoria, es así que podemos escuchar una divertida versión de “Claridad” del famoso grupo puertorriqueño, Menudo, pasando por la invectiva composición de Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe, “Las mujeres mexicanas”.

Con este espectáculo Las Reinas Chulas nos demuestran una vez más porque son consideradas las monarcas cabareteras, las funciones son los sábados en el recinto ubicado en Madrid #13, Col. Del Carmen, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Juan Boites

Artículo especial: Causas y retos de la invisibilización de las mujeres en el teatro

El teatro mexicano está indisolublemente unido a nombres de mujer. Directoras de escena, dramaturgas, empresarias, productoras, actrices, iluminadoras, vestuaristas, docentes, etcétera, en todas las áreas de la creación teatral hay mujeres implicadas y destacadas.

Virginia Fábregas, María Teresa Montoya y Esperanza Iris son nombres que nos refieren al teatro con sólo mencionarlas. Luisa Josefina Hernández y Elena Garro son sinónimo de dramaturgia. Lola Bravo, Clementina Otero y Soledad Ruiz abrieron camino en la dirección escénica.

Ellas no han tenido solamente que enfrentar la titánica tarea de sacar adelante un proyecto teatral. Además, han enfrentado y enfrentan sistemáticamente la invisibilización, la infantilización, la violencia, los micromachismos, una organización vertical y patriarcal.

Para entender un poco mejor este fenómeno, tuvimos una plática virtual con Bárbara Colio, directora y dramaturga, Jimena Saltiel, directora general de OnceOnce Producciones, que se transmitió a través de redes sociales de nuestra página, para ahondar más también conversamos con  Lydia Margules, directora de la ENAT.

Deudas y rezagos

El tema es vigente en un país en el que, según datos del Secretariado Ejecutivo del Sistema Nacional de Seguridad Pública, 10.2 mujeres fueron asesinadas al día en 2022. A nivel nacional, informó en 2021 el INEGI, entre las mujeres mayores de 15 años, el 70.1% han experimentado al menos un incidente de violencia de algún tipo, puede ser psicológica, económica, patrimonial, física, sexual o discriminación en al menos un ámbito y ejercida por cualquier persona agresora a lo largo de su vida.

En lo que respecta al teatro, episodios como el #MeToo y el paro no activo que en marzo de 2021 iniciaron alumnas de la ENAT, agrupadas en el colectivo Morras ENAT, evidencian esta realidad. En ambos casos se denunciaron violaciones, abuso sexual, manipulación psicológica, acoso y abuso de poder.

Además, en los puestos de toma de decisión, podemos destacar que en 50 años de existencia de la Compañía Nacional de Teatro por primera vez una mujer alcanza el puesto de directora artística con Aurora Cano. Mientras que en la misma Escuela Nacional de Arte Teatral, en 76 años, han habido solamente dos mujeres directoras.

Sobre esto Lyida Margules explica: “Sólo habíamos existido dos mujeres directoras, bueno, tres, Clementina Otero es una de las personas fundadoras de la escuela. Fue la primera directora de la escuela en el 46, realmente no fue directora como tal, estaba cerca de la dirección, de las personas que fundaron la escuela, directoras como tales solamente hemos sido dos”.

Se trata, dice Lydia Margules, de una lógica imperante en la que “todo está organizado en función del imaginario social, de cómo está organizado socialmente los roles de género y qué se supone que debe hacer una mujer y qué debe hacer un hombre”.

Quienes acaban más o menos haciéndose presentes en el ámbito profesional suelen ser más los hombres que las mujeres

Pudimos comprobar que la población estudiantil en las carreras de teatro de la UNAM y en la ENAT la conforman mayoritariamente mujeres. Esta situación no se ver reflejada en su presencia en ciertos puestos de poder dentro del teatro.

Lydia Margules, Foto: Cortesía ENAT

Según datos proporcionados por la ENAT, en la licenciatura de Actuación hay un total de 156 personas, de estas 101 son mujeres y 55 hombres. En el mismo caso se encuentra la licenciatura de Escenografía, de 56 personas 36 son mujeres y 20 hombres. En lo que respecta a las maestrías se mantiene la tendencia: Dirección Escénica cuenta con 5 estudiantes (3 mujeres y 2 hombres); Pedagogía Teatral con  11 integrantes (7 mujeres y 4 hombres).

Estas cifras, en mayor o menor medida, son coherentes con los datos que la UNAM reporta en la licenciatura de Teatro y Actuación (57% mujeres y 43% hombres en primer ingreso)  y en la licenciatura de Literatura Dramática y Teatro (64% mujeres y 36% hombres en primer ingreso) en el ciclo 2021-2022.

Sobre este particular, Margules enfatiza: “Sorprendentemente tenemos muchas más estudiantes mujeres que hombres en ambas licenciaturas, pero realmente quienes acaban, hasta el día de hoy, más o menos haciéndose presentes en el ámbito profesional suelen ser más los hombres que las mujeres”.

Esto coincide con un conteo realizado a grosso modo en nuestro sitio. En 2022 se presentaron aproximadamente 840 obras en la Ciudad de México. De estas propuestas, unas 141 fueron dirigidas o codirigidas por mujeres, es decir, aproximadamente un 16.7% de las obras.

Esto apunta a una disparidad entre el número de mujeres que ingresan a las instituciones de formación profesional teatrales y las que en el ejercicio profesional acceden a ciertas posiciones.

Lógicas imperantes y modelos de producción

Jimena Saltiel, Foto: Paulina Watty

Jimena Saltiel, directora general de OnceOnce, consideró que estamos viviendo en el teatro “un momento muy femenino” con mucho empuje. Ante esto, cuestionó por qué sí hay “obras con perspectiva de género empujando directoras, dramaturgas”, están llegando menos directoras a encabezar proyectos.

En este sentido, señaló, “debemos cuestionarnos la figura del director. Es necesario regresar al origen y ver qué está pasando en las escuelas y en los cursos de dirección”.

Sobre este tema, Saltiel destacó que tiene más preguntas que respuestas y reflexionó si tal vez las directoras y dramaturgas se están acercando a historias más íntimas, la esfera privada frente a lo público. “Tal vez traemos una bandera un poco más de hablar de lo que rompe, de poner nuestras historias” y tal vez el público general sigue buscando otro tipo de historias. En este sentido, dijo: “No sé si eso está generando una distancia en el público, habría que preguntárselo también”.

Por su parte, durante la mesa de análisis, Bárbara Colio, dramaturga y directora escénica, refirió que el análisis debe pasar por los modelos de producción y los tipos de público. Sobre el punto de vista de los temas públicos y privados, la directora se dijo en desacuerdo: “Tenemos que empezar a romper eso, a romper esas categorías si queremos que realmente el teatro que hacemos, el teatro mexicano, le pertenezca a la humanidad, al ser humano que somos y no nada más si eres hombre, si eres mujer, niño o niña”.

Acerca de los modelos de producción, Colio consideró que el punto está en a quién contratan los productores para dirigir sus obras: “Óscar Uriel ha hecho una gran mancuerna con Angélica Rogel, una gran mancuerna, pero qué otro productor, de entrada, llama a una directora para producir sus obras”.

Invisibilización

Barbara Colio, Foto: Cortesía BarCo Drama

Bárbara Colio narró cómo generalmente la gente piensa en ella como dramaturga. “La gente cree que mis obras se dirigen solas”, a pesar de que ella inició su carrera como directora y que cuenta con una maestría en dirección escénica. Agrega: “se los digo con pruebas y puedo dar muchas anécdotas iguales, que sí hay una invisibilización maniquea de las mujeres que hacemos teatro”.

En su reflexión nos dice: “Estoy dando mi ejemplo porque yo puedo hablar de mí misma, pero lo puedo repetir con muchas de mis compañeras que son directoras. ¿Por qué? Porque les cuesta mucho trabajo, es una cuestión de un constructo social, a las mujeres de por sí nos cuesta mucho trabajo ganar un lugar, mucho más que a los hombres. Tenemos que estar comprobando todo el tiempo, los hombres no necesitan comprobar mucho, con un montaje bueno se hicieron famosos 15 años y siguen repitiendo el mismo montaje”.

La directora escénica recordó que hace 20 años cuando llegó a la Ciudad de México la situación era más difícil. “Si ahorita hay invisibilidad imagínate hace veinte años. Era, ‘no existes’, ‘no te atrevas’, ‘hazte para allá’. En este sentido, reflexiona, las instituciones y los productores son los que se han vuelto feministas, esto gracias al empuje que ha habido en la cuestión de la inclusión de género a partir de movimientos como el #MeToo.

Infantilización como parte de la dinámica

Jimena Saltiel abordó el tema de si tal vez, dentro de estos constructos, la dramaturgia es más permisiva hacia las mujeres, no tanto como perspectiva de género, sino simplemente como espacio. En este sentido reflexionó sobre el caso de Paula Zelaya, quien a los 31 años de edad la siguen viendo “súper niña”, es una especie de infantilización hacia las mujeres que hacen teatro, reflexiona.

Sobre este punto, Bárbara Colio coincidió y destacó que esa infantilización, ese “eres chiquita”, es parte de la misma dinámica que se ha vivido por muchos años. La cual incluye, explicó, el “yo soy hombre niña, esto es cosa de gente grande”.

Respecto al particular, agregó que, en un episodio de su DESCORCHE que realiza en redes, la directora y dramaturga colombiana Carolina Vives habló sobre el tema y lo dijo de una forma muy sencilla: “En el momento en el que sales del mercado sexual ya puedes ser una gran directora”.

Estrategias frente a la invisibilización

Jimena Saltiel confiesa que cuando inició su casa productora: “Me subí a un río que tenía un cauce y ese cauce me llevó primero a todos los directores”. Al respecto, señala que al principio trabajó con directores consagrados, de los cuales aprendió mucho. Sin embargo, agrega, si bien en un principio no se lo cuestionaba, “hubo un momento donde empecé a sentirme incómoda y darme cuenta de esto”.

“OnceOnce no empezó siendo una empresa femenina ni feminista, también fue una cosa que se fue depurando”, señala la productora. En este sentido, considera que fueron dos historias paralelas, pues de la gente que llegaba para producción, “las personas mejor preparadas siempre eran mujeres”. Esto hizo que fuera natural hacer equipos de mujeres en proyectos que corrían “por el río en el que estábamos flotando hacia directores hombres”.

Sobre esto destaca: “Creo que quienes hemos decidido empujar y visibilizar el trabajo de las mujeres en el teatro lo hemos tenido que agarrar como bandera”. Al respecto, destacó que hay una generación de directoras jóvenes que viene empujando.

Para Barbara Colio, la situación plantea ventajas y desventajas. Las ventajas incluyen, por ejemplo, sentirse con total libertad de hacer cosas. Explica que a sus obras les va muy bien en taquilla y cuenta con su propia compañía BarCo Dram. Esto le permite darse trabajo a sí misma: “Tengo muchos años dirigiendo, he montado muchas obras y a mí nadie me contrata como directora”.

Jimena Saltiel agrega que ella está a favor, no de las cuotas de género, pero sí de un esfuerzo extra de las instituciones, de quienes difunden y de toda la comunidad. Esto se requiere, agregó, porque “estamos en el momento de hacerlo. Maravilloso fuera que no lo necesitáramos y nuestro trabajo fuera suficiente”.

Las mujeres han estado trabajando por años ahí

Si bien se está dando este cambio, considera Colio, las mujeres han trabajado por años ahí. “Hemos estado, solo que las instituciones como quieren verse políticamente correctas nos están abriendo espacios”. Sin embargo, agregó, se sigue encasillando como teatro de las mujeres. Al respecto dijo: “no estoy nada en contra del feminismo, pero ojo con las etiquetas. No porque seamos mujeres tenemos un discurso tal”.

Como ejemplo puso a Aurora Cano, quien desde hace 10 años pudo “haber sido la primera directora de la Compañía Nacional de Teatro”. Ella, agregó, tiene la experiencia como ninguna otra persona en este país.

Para la directora , se deben analizar los mecanismos de producción actuales y la contratación de mujeres. ay otro aspecto, dijo, en el cual las mujeres que ahora están en cartelera son productoras y generadoras de sus propios proyectos. “Nadie viene a hacernos nada, nosotros lo hacemos todo, cuando a muchos hombres se les contrata nada más para dirigir tranquilamente”. Esto, afirmó, ha dado a las mujeres mucha más experiencia en toda la mecánica teatral, “no sólo en dirección, a mí eso me parece muy poderoso”.

En este sentido, Jimena Saltiel señala que el camino es seguir “empujando desde todos lados” […] Porque es un lugar que tendríamos que haber tenido hace mucho y nos lo estamos autogenerando.

Alegría Martínez, Foto: Jordi Forcada

Alegría Martínez, docente y colaboradora de Cartelera de Teatro, moderó la mesa de discusión. Así resume la situación: “es parte de este sistema, de este patriarcado, realmente creo […] que toda esta comunidad de mujeres ha venido empujando”. Destacó que “lo que está pasando es que, por  fortuna desde hace unos años, se están dando los pasos de decir ‘llevo toda la vida haciendo esto, aquí estoy y me abro paso a como dé lugar’. Porque el paso no nos lo va a dar nadie”. 

El cambio desde el sistema educativo

Lydia Magules nos dice que la lógica imperante es “una lógica en donde los roles de género establecidos socialmente se repiten también en las academias”. Esto provoca, considera, que los lugares de cierta autoridad y poder lo ocupen hombres. Lo cual ha sido muy evidente en el ámbito docente y en ciertas lógicas creativas, destaca.

Sobre el tema educativo apunta que, en el espacio de las docentes y docentes de actuación, se encuentra ante todo hombres, “por una razón que tiene que ver con esto de los roles”. Si bien, “estamos esperando que estas cosas vayan cambiando, no tan lentamente ojalá, la voz cantante la lleva el maestro de actuación”.

“No es que no haya mujeres directoras, hay, justamente, una cuestión de invisibilización y que forma parte de la misma lógica del imaginario social”, explica.

Al respecto destaca, es interesante que, debido a esta invisibilidad, las mujeres directoras más jóvenes han tenido que buscar su propia voz. Es decir, reflexiona, ya que no hay visibilidad, ni acuerdos a priori con el ámbito teatral, las mujeres directoras buscan su propia capacidad expresiva. Buscamos, agrega, una manera propia de “entender el universo teatral y de cómo se trabaja en el universo teatral”.

Las mujeres, “frente a la invisibilidad, lo que hemos hecho es fortalecernos en otro ámbito, de otra manera, finalmente lo que ha sucedido ahí es que nosotras somos las voces cantantes de la innovación en el lenguaje”, apunta la directora de la ENAT.

Margules señala: “Hablaría de las mujeres creadoras, porque es muy interesante, la mayor parte de las mujeres que dirigen no sólo dirigen, también escriben, producen, algunas de ellas actúan, otras como yo que somos diseñadoras de iluminación o de espacios en general, es decir, nos concebimos de otras maneras frente a la adversidad”.

Nuevas narrativas y nuevos discursos en la enseñanza

Para Lydia Margules es necesario que desde la escuela se comiencen a integrar nuevos discursos y se empiece a visibilizar el trabajo de las maestras. Para esto es necesario que las alumnos y los alumnos conozcan la trayectoria de sus maestras. Parte del trabajo de las autoridades, en el caso de la ENAT, es “que hagamos visible a quién tienen enfrente”, destacó.

Otra forma de transformar las perspectivas, considera Lydia Margules, es “hablar de creadoras y de creadores escénicos, mucho más que intérpretes, diseñadoras y diseñadores”. Esto, abunda, no significa que no se quiera ya intérpretes ya. Sin embargo, agrega: “La idea de creadoras y creadores, nos permite justamente buscar romper con las verticalidades. Nos permite buscar que ellas, elles y ellos se conciban desde otro lugar”.

Esta perspectiva, reflexiona la docente, permite un trabajo de manera mucho más integral. Ayuda, dice, a transmitir desde otro lugar y a visibilizar el trabajo femenino. “Esa visión en sí, es una visión que viene de una postura ya desde otro lugar, desde un trabajo distinto en el ámbito teatral”, afirmó.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Paulina Watty, Cortesía BarCo Drama, Cortesía ENAT, Jordi Forcada

“Ya no funciona la imposición, ya no funciona la verticalidad”: Entrevista con Lydia Margules

Platicamos con Lydia Margules, directora de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), sobre la situación de las mujeres al interior del sistema educativo. Nos explica  que existe una lógica imperante que se refleja tanto en la escuela como en el campo laboral. Se trata de “una lógica en donde los roles de género establecidos socialmente se repiten también en las academias, en las actividades de las escuelas”. 

La población estudiantil en la ENAT está conformada mayoritariamente por mujeres. Margules nos señala que  en la licenciatura de Actuación, de un total de 156 personas, 101 son mujeres y 55 hombres. En el mismo caso se encuentra la licenciatura de Escenografía, de 56 personas, 36 son mujeres y 20 hombres. En lo que respecta a las maestrías, se mantiene la tendencia, Dirección Escénica cuenta con 5 estudiantes, 3 mujeres y 2 hombres; Pedagogía Teatral, de los 11 integrantes, 7 son mujeres y 4 hombres.

“Tenemos muchas más estudiantes mujeres que hombres en ambas licenciaturas, pero realmente quienes acaban, hasta el día de hoy, más o menos haciéndose presentes en el ámbito profesional suelen ser más los hombres que las mujeres”, advierte. 

La docente resume la situación: “Todo está organizado en función del imaginario social, de cómo está organizado socialmente los roles de género y qué se supone que debe hacer una mujer y qué debe hacer un hombre. Es contundente. La escuela cumplió el año pasado 76 años de vida y sólo habíamos existido dos mujeres directoras, bueno, tres, Clementina Otero es una de las personas fundadora de la escuela, fue la primera directora de la escuela en el 46, que realmente no fue directora como tal, estaba cerca de la dirección, de las personas que fundaron la escuela. Directoras como tales solamente hemos sido dos”.

 

Sistema Educativo y lógicas imperantes

Las lógicas que han imperado provocan, considera Lydia Margules, que lugares de cierta autoridad y poder los ocupen hombres. Esto, agrega, ha sido muy evidente en el ámbito docente y en ciertas lógicas creativas. Destaca que, tradicionalmente, los roles se han ido repartiendo bajo estas lógicas de género: “Hay más productoras, pero más escenógrafos”. 

Sobre el tema educativo destaca que en el espacio de las docentes y docentes de actuación, se encuentran ante todo hombres, “por una razón que tiene que ver con esto de los roles”. Si bien, apunta, se está buscando que esta situación cambie, “no tan lentamente”, la voz cantante la sigue llevando el maestro de actuación

La Escuela Nacional de Arte Teatral está compuesta por 9 academias, cuatro para cada licenciatura, más una que impacta en las dos licenciaturas. Al respecto, nos dice la directora de la institución, la academia más grande es la de actuación y es en la que hay menos mujeres. Otra academía muy grande, nos comenta, es la de Pensamiento, que engloba las clases teóricas, y en este caso la situación es la misma.

Esto es importante, pues según nos explica Margules, el maestro de actuación no solamente forma a las y los estudiantes en actuación, es también quien dirige las prácticas en escena y la puesta en escena final. 

 

Invisibilización de las mujeres en el ámbito teatral

La directora de la ENAT propone un ejercicio para entender un el tema de la falta de visibilidad. Pensemos, nos dice,  en 10 mujeres directoras y 10 hombres directores. El resultado, subraya, es que los hombres seguramente los tendremos en segundos, mientras que las 10 mujeres nos tomarán más tiempo. Al respecto reflexiona: “No es que no haya mujeres directoras, hay, justamente, una cuestión de invisibilización y que forma parte de la misma lógica del imaginario social“. 

Lydia Margules destaca que es interesante que, debido a esta invisibilidad, las mujeres directoras más jóvenes – con dos o tres excepciones de generaciones más grandes- han tenido que buscar su propia voz. Es decir, afirma, en cuanto de todas maneras no hay visibilidad ni acuerdos a priori con el ámbito teatral, las mujeres directoras buscan su propia capacidad expresiva. Lo que hacemos es, agrega, buscar una manera propia de “entender el universo teatral y de cómo se trabaja en el universo teatral”. 

 

Somos las voces cantantes de la innovación en el lenguaje

Este fenómeno ha llevado a que las mujeres sean quienes realizan en México lo que se podría llamar underground teatral o vanguardia, señala. Esto debido  a que, señala, los hombres por lo general tienen una serie de responsabilidades, en tanto que han sido una y otra vez premiados por el Fonca, el sistema de apoyos, en tanto que han sido una y otra vez programados, en tanto que tienen esa responsabilidad están obligados a hacer un cierto tipo de teatro.

Las mujeres, por el contrario, “frente a la invisibilidad, lo que hemos hecho es fortalecernos en otro ámbito, de otra manera, y finalmente lo que ha sucedido ahí es que nosotras somos las voces cantantes de la innovación en el lenguaje”, apunta la directora de la ENAT.

Sobre este tema destaca el término de “mujeres creadoras”. Al respecto, abunda: “También ahí es muy interesante, la mayor parte de las mujeres que dirigen no sólo dirigen, también escriben, también producen, algunas de ellas también actúan, otras como yo que también somos diseñadoras de iluminación o de espacios en general, es decir, nos concebimos de entrada de otras maneras frente a la adversidad”.

Esta posición, dice, se reproduce también al interior de la escuela, pues las maestras de actuación de la institución, son propositivas y trabajan estrategias distintas. “Se han metido a revisar sus formas de comunicación de los saberes, sus estrategias de comunicación de trabajo para plantear la formación teatral desde otro lugar”, destaca. 

La crisis de violencias en la ENAT

En marzo de 2021, alumnas de la Escuela Nacional de Arte Teatral, agrupadas en el colectivo Morras ENAT, estallaron un paro no activo indefinido que duró hasta junio de ese año. Las causas fueron la falta de atención por parte de las autoridades a denuncias de violación, abuso sexual, manipulación psicológica, acoso y abuso de poder. El movimiento llevaría al relevo de la dirección de aquel entonces y a cambios profundos en la manera de organización en la ENAT.

Lo sucedido, para Lydia Margules, ha sido una oportunidad. Esta crisis de violencias, dice, nos ha obligado a revisar qué está pasando y por qué sucedieron las cosas. Agrega que ha obligado a “revisar qué es lo que no funciona, y una de las cosas que no funciona es el uso y costumbre consuetudinario, inamovible, del maestro formador de actores que después va a ser el director y que va a decir lo que se tiene que hacer”. 

Sobre estos cambios, nos dice, “la voz cantante de la transformación, salvo algunas excepciones en los maestros, que sí tenemos maestros muy revolucionados, increíbles, otra vez la tienen las mujeres, maestras de actuación que están viendo las cosas desde otro lugar”.

 

Cambios en la ENAT

A raíz de su entrada como directora, Lydia Margules nos explica ha buscado engrosar la presencia de mujeres dentro de la academia de actuación. Además, explica, abogar por los perfiles múltiples, tanto en estudiantes como en docentes. 

Esto, explica la diseñadora de iluminación, es necesario para romper esos usos y costumbres, esas formas verticales e impositivas que ya no funcionan. En este sentido, comparte, el planeta en que vivimos es distinto, y estamos en un universo en vías de transformación. Estamos, puntualiza: “En vías de revisar, de transformar, de replantearnos cómo puede ser este nuevo teatro, diría yo, planteado desde otras lógicas, que visibilice, obviamente, el trabajo de las mujeres. Que no necesitemos decirlo”.

En este sentido, explica que dentro de la comunidad estudiantil sigue presente la narrativa de que el director es lo que se debe buscar. Tanto alumnas como alumnos siguen pensando, señala, que si un maestro director de teatro que ha tenido éxito los dirige, “eso les va a traer éxito a ellas y ellos”. Entre las medidas que ha tomado Margules al respecto, está el que el año pasado se empujó para en las propuestas de dirección de los montajes finales hubiera al menos una mujer.

 

Nuevas narrativas y nuevos discursos

Para Lydia Margules es necesario que desde la escuela se comiencen a integrar nuevos discursos y se empiece a visibilizar el trabajo de las maestras. Para esto se requiere que las alumnos y los alumnos conozcan la trayectoria de sus maestras. Parte del trabajo de las autoridades, en el caso de la ENAT, es “que hagamos visible a quién tienen enfrente”, destacó.

En este sentido, reflexiona: “Que los estudiantes, las estudiantes, y les estudiantes, poco a poco vayan cambiando sus narrativas, cambiando su visión de quién tienen enfrente, de quién está enfrente, qué maestro o maestra tienen enfrente y qué les está transmitiendo y cómo se los está transmitiendo”.

Sobre este tema, la directora de la ENAT destaca casos como el de Nohemí Espinosa, Aída López y Claudia Ríos, quienes son docentes en la institución y tienen sólidas carreras en teatro, televisión y cine.

El tema de la apertura de horizontes atraviesa también por la comunidad trans no binaries, agrega Margules: “Tenemos también eso, es algo que también es muy nuevo en las escuelas de teatro, y en especial en esta, el abrir el horizonte hacia las comunidades trans y no binarias. Había un estigma fuertísimo con respecto a esas comunidades en el teatro en México, y eso está cambiando también. Tenemos un grupo, no enorme, pero tenemos un grupo de estudiantes trans no binaries, binaries, y es importante que también se abra el horizonte en ese sentido y se socialice”.

 

Objetivos

La directora de la ENAT nos confiesa que en los tres años que le restan al frente de la institución, su sueño es que cuando su gestión finalice “las, los, les estudiantes de tercero pidan sólo directoras para dirigirles sus puestas en escena. Esa sería mi felicidad más absoluta”. 

Se debe perder el miedo a las mujeres que han logrado un espacio, agrega. Esto debido a que la verticalidad y la imposición ya no funcionan, afirma nuestra entrevistada. Para cambiar esto, se deben cambiar las estrategias docentes: “Hay que pensar de otra manera. Hay que pensar en otras formas de comunicar los saberes. Yo no digo en ningún momento que en esta escuela se pierda la exigencia”. 

Al respecto, agrega Lydia Margules, lo que se debe buscar es que la exigencia, el rigor y la disciplina se transmitan desde otro lugar. “Desde un lugar de necesidad expresiva”, considera. 

En este tema, nos dice Lydia, las y los docentes de la ENAT ya trabajan desde ese otro lugar. En mayor o menor medida, nos dice, han logrado dejar atrás una tradición de 30 o 40 años que  llevan dando clase algunas y algunos. “Eso nos lo enseñaron Las Morras, así de simple.  Las Morras ENAT, que entonces fueron y siguen en la escuela, nos están marcando la pauta”.

En este sentido, agrega, la comunidad de la ENAT es muy diversa y con un amplio espectro de posturas, pero, puntualiza: “ las mujeres todas tienen posturas bastante claras. Todas parten de una cosa muy simple, el poder está en un espacio libre de violencias”. 

 

Creadores y creadores de teatro

Otra forma de transformar las perspectivas, considera Lydia Margules, es “hablar de creadoras y de creadores escénicos, mucho más que intérpretes, diseñadoras y diseñadores”. Esto, abunda, no significa que no se quiera ya intérpretes. Sin embargo, agrega: “La idea de creadoras y creadores, nos permite justamente buscar romper con las verticalidades, nos permite buscar que ellas, elles y ellos se conciban desde otro lugar”. 

Esta perspectiva, reflexiona la docente, permite un trabajo de manera mucho más integral. Ayuda, dice, a transmitir desde otro lugar y a visibilizar el trabajo femenino. “Esa visión en sí, es una visión que viene de una postura ya desde otro lugar, desde un trabajo distinto en el ámbito teatral”, considera.

Finalmente, nos dice, las nuevas generaciones de creadoras tienen más claro su camino. Se trata de generaciones que: “No esperan [… ] a la institución para que las visibilice. Ellas lo hacen, y lo hacen de motu propio”. Lo hacen, explica, de manera natural, “como una forma de entender el teatro de manera mucho más integral”. En este caso, agrega, las autoridades de la institución deben “posibilitar, fomentar y promover esta capacidad integral e integradora”.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía ENAT

Casa Calabaza

3 razones para ver CASA CALABAZA

Hay obras necesarias que confrontan al espectador y lo mueven, en este caso estamos ante una de ellas, Casa Calabaza es potente y con mucha vigencia, que acaba de reestrenar en el Teatro El Milagro y tendrá funciones hasta el próximo 24 de marzo.

Con funciones los miércoles y los jueves, esta puesta en escena del Colectivo Escénico El Arce es una opción perfecta para disfrutar de teatro entre semana. Además, en las cercanías del teatro encontrarás muchas opciones para tomar o comer algo antes o después de la función.

Te platico de tres razones por las que no te puedes perder esta obra.

1. Un acto poético y de resistencia. El texto de esta obra fue escrito por Maye Moreno, interna en Santa Martha Acatitla. En 2014 la obra ganó el Concurso Nacional de Teatro Penitenciario. Se trata de una puesta en escena autobiográfica que aborda temas como la maternidad forzada y sus consecuencias, el acceso y el derecho a decidir sobre su cuerpo que toda mujer debería tener, y sobre el encierro físico, emocional y psicológico que muchas mujeres enfrentan.

2. El elenco. La obra requiere de un desgaste físico y emocional importante. El elenco compuesto por Erandeni Durán, Patricia Hernández, Verónica Ramos, Gloria Castro y Alfredo Monsiváis cumple cabalmente con su cometido. Logran conectar, conmover y, sobre todo, sacudir. Es, podríamos decir, un elenco generoso que se entrega, y eso lo puede sentir el público en cada función.

3. La dirección escénica. El encargado de dirigir este proyecto es Isael Almanza. En un montaje de estas características, es de subrayar siempre cuando la dirección logra darle un rumbo satisfactorio. Una historia fuerte, cargada de tensión y de carácter autobiográfico, requiere siempre de un trabajo cuidadoso para poder llevar su mensaje al público. Casa Calabaza logra – a pesar de lo complejo del tema – establecer un vínculo con su audiencia; todos los elementos sobre el escenario logran conjuntarse para crear una propuesta completa en todos sus aspectos.

Así que ya lo sabes, si te gustan los montajes que hablan de temas que no son tan fáciles de abordar y que nos ayudan a entender la vivencia de quién tenemos enfrente, Casa Calabaza es para ti, para más información, horarios y boletos de esta obra haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartlera de Teatro

Todo listo para el 15° Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes

Regresa al Centro Cultural del Bosque (CCB), el 15° Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes, los días 18 y 19 de marzo se presentarán más de 30 puestas en escena los recintos que comprenden el complejo, además seis talleres, un laboratorio y una sala de lectura coordinada por Alas y Raíces con entrada libre.

A través de la Coordinación Nacional de Teatro (CNT), pondrá en marcha diferentes escenificaciones con la intención de recordar y promover los derechos culturales de niñas y niños, además de incentivar el poder transformador del teatro y la importancia de cultivar la curiosidad, la imaginación, la conciencia estética y la capacidad para abarcar los diversos lenguajes de las artes.

Durante nueve horas continuas los asistentes podrán disrutar de una amplia oferta con presentaciones de teatro, danza, música y espectáculos al aire libre.

Participan las compañías Instituto Magia, Teatro de Quimeras y Púrpura de Cascabel, Compañía Nacional de Danza, Idiotas Teatro, Doctor Misterio, Área 51 y Tres colectivo escénico, La gran pompa, Teatro al hombro, Flores TeatroDanza, Compañía Los endebles y Once Once Producciones, entre otras.

Las funciones comenzarán con la obra Tipi tipi, a cargo de Una canasta de limones, el sábado 18 a las 11:00 horas en la Plaza Ángel Salas. Con simples dinámicas de juego invitarán a los espectadores a formar parte de la construcción de una pequeña aldea, la imaginación de juegos con tubos de cartón y la pintura de un mural de tiza en el suelo.

La Compañía Nacional de Danza se suma a esta magna celebración con la presentación de La fille mal gardeé, basada en la original de Enrique Martínez, el sábado 18 a las 13:00 horas en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo. Una cándida historia de amor, en la que Lisa, única hija de la viuda Simone, propietaria de una próspera hacienda, se enamora de Colás, un joven granjero. Pero su madre tiene planes más ambiciosos para ella.

El cabaret se hace presente con la compañía Doctor Misterio de Andrés Carrillo que escenificará Las quesadillas de mis pesadillas, el sábado 18 a las 16:00 horas en el Teatro El Granero, Xavier Rojas. Este divertido monólogo nos invita a reflexionar sobre el miedo y la violencia doméstica, a través de la historia de un peculiar vampiro.

El domingo 19,  Ópera portatil a las 13:00 horas, representará De grillos y chicharras. La historia cuenta el proceso de migración de las chicharras, que se ven obligadas a buscar un nuevo lugar donde vivir debido a un incendio que afectó su territorio habitual.

Las y los jóvenes podrán disfrutar de algunas propuestas, tales como El bodegón de las cebollas, a cargo de Área 51 y TRES COLECTIVO ESCÉNICO, el sábado 19 a las 17:30 y 20:30 horas en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky; Beutiful Julia que se presentará el domingo 19 a las 18:30 horas en la Sala Xavier Villaurrutia.

De igual forma se llevarán a cabo distintos talleres comenzando con Cuento abstracto, impartido por Rodrigo Flores López, a las 13:30 y 14:30 horas en el Patio del Teatro El Granero, Xavier Rojas, dirigido a niños entre 3 y 5 años en que se invita a los pequeños a crear un cuento que se va contando y pintando al mismo tiempo.

Así como la instalación lúdica para bebés denominada Suave escondite shhh , a cargo de Mauricio Arizona, que invita a la exploración espacial y el encuentro con otras personas a través del juego libre, el sábado 18 a las 12:30 horas.

Los días 18 y 19 de marzo se presentará el taller de Danza Hip-hop, impartido por Miguel Rojas “Funky Maya” a las 15:00 horas en el Salón de escenografía. Esta actividad es para todo tipo de público.

Para los amantes del clown, el domingo 19 de marzo a las 12:00 y 13:30 horas, Nohemí Espinoza impartirá el Taller de clown para niñas y niños, recomendada para niños de 7 a 12 años en el Salón de escenografía, en el que los participantes explotarán su imaginación con juegos, improvisación, ejercicios de clown y comedia física.

Asimismo, por segundo año consecutivo, las funciones se extenderán en todo el territorio nacional, por lo que se estima que los niños de todo el país podrán acceder y disfrutar de diversas puestas en escena con entrada gratuita.

Para los asistentes a este magno evento  se recomienda llegar con antelación, usar ropa ligera y cómoda, portar un suéter, gorra y bloqueador, los adultos deberán acompañar en todo momento a los niños y niñas. Los boletos se entregarán 30 minutos antes del inicio de cada función y serán uno por persona, hasta llenar el cupo. 

Si bien habrá venta de alimentos y bebidas, también se sugiere llevar su propio lunch. Como parte de las medidas para salvaguardar al público, se contará con personale de seguridad, protección civil y servicio médico. El estacionamiento del CCB no brindará servicio.

Disfruta de esta gran fiesta escénica los días 18 y 19 de marzo en los distintos recintos del CCB, ubicado en Paseo de la Reforma s/n esq. Campo Marte, Col. Chapultepec Polanco, atrás del Auditorio Nacional, consulta la programación completa, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Pili Pala y Paulina Watty

El patriarca de los actores de nuestro teatro mexicano: Ignacio López Tarso

En el éxtasis que precede a la pérdida de la razón que definirá sus últimos días, el rey le hace frente a la tormenta inclemente: “¡Soplad vientos hasta reventar los carrillos! ¡Soplad con fuerza!, reta a la tempestad al tiempo que extiende su reto fuera del escenario. El rey, desde el tablado, le exige a los actores y a la producción que intensifiquen la tormenta, que lo den todo al accionar los rústicos efectos especiales para que él pueda darlo todo al desgarrar la emoción que priva en el personaje. Es Lear entrando en la locura y, al mismo tiempo, es Su Señoría, el actor que lo interpreta, lanzando un último desplante a sus compañeros. Es el rey, es su intérprete y, junto a ellos, es el actor que les da la vida a ambos, bajo la confianza absoluta de saberse el más indicado, física, emocional e intelectualmente para asumirlos y, al hacerlo, lograr uno más de sus múltiples triunfos teatrales: es el Rey Lear actuado por Su Señoría encarnado por Ignacio López Tarso en El vestidor, la obra que mejor ejemplifica el por qué éste hombre fue, es y seguirá siendo el paradigma de lo que es un actor en nuestro país.

Nacido en 1925 en la Ciudad de México, Ignacio López Tarso falleció un mes y medio después de haber cumplido 98 años de edad, de los cuales 75 los dedicó a la profesión de actor. Tras hacer a un lado la vocación sacerdotal, decidió buscar a un hombre al que admiraba: el poeta, dramaturgo y director Xavier Villaurrutia, quien lo invitó a formar parte de la primera generación de la Escuela de Arte Teatral del Instituto Nacional de Bellas Artes, que también incluye a figuras como Silvia Pinal, Beatriz Aguirre, Martha Ofelia Galindo, Luis Gimeno, Farnesio de Bernal y José Solé, entre otros importantes artistas.

Allí, López Tarso tuvo como maestros definitivos a Salvador Novo, Celestino Gorostiza y al propio Villaurrutia, de quien expresó en una entrevista en 2006: “era fundamentalmente un gran poeta, más que dramaturgo, más que maestro de teatro, pero él me enseñó a respetar el escenario, a aprender a pararme ahí con autoridad y con seguridad. Me enseñó el respeto al texto, al teatro, a mi profesión de actor”.

Con esa convicción, el histrión atravesó todo el siglo XX y las primeras dos décadas del XXI: fue una estrella de la Época de Oro del Cine Mexicano, su presencia le significó prestigio a los proyectos televisivos y radiofónicos en los que participó y tuvo una notable trayectoria discográfica grabando corridos mexicanos.

Pero desde finales de los años cuarenta, el nombre y la figura de López Tarso estuvieron anclados al teatro. Su debut profesional no pudo ser más promisorio: ante la renuncia del actor Carlos López Moctezuma, fue elegido para llevar el personaje titular en la tragedia escocesa Macbeth, al lado de la ya entonces primera actriz Isabela Corona, con la traducción de León Felipe y la dirección de Celestino Gorostiza, en 1954. 68 años después, en septiembre de 2022, el actor realizó su último trabajo teatral, o cercano a lo teatral: gracias a la tecnología del streaming, escenificó en la pantalla El águila y la alcoba, obra histórica en la que interpretó a Fray Servando Teresa de Mier, junto a La Güera Rodríguez de Susana Alexander y al Agustín de Iturbide de Juan Ignacio Aranda, su hijo.

En medio de ambas obras, Ignacio López Tarso estuvo presente en muchos de los momentos más destacados del teatro mexicano, como cuando fue uno de los protagonistas de la época de los Teatros del Seguro Social, en los primeros años de la década de los sesenta, con montajes tan memorables como Edipo rey de Sófocles dirigido por Ignacio Retes, que le valió el reconocimiento unánime del público y la crítica.

Desde entonces, actor y director tuvieron varias mancuernas que corrieron con distinta fortuna, siendo Un tigre a las puertas de Giraudoux y Cyrano de Bergerac de Edmond Rostand las más destacadas.

En la década anterior el histrión ya había triunfado bajo la dirección de Salvador Novo en otro clásico griego, Hipólito de Eurípides -junto a la legendaria María Douglas-, con André Moreau en Moctezuma II de Sergio Magaña y con Seki Sano en Prueba de fuego -más conocida como Las brujas de Salem- de Arthur Miller y en Un hombre contra el tiempo de Robert Bolt. Igualmente importante fue el montaje de Bodas de sangre de Federico García Lorca que dirigió la mítica actriz hispano uruguaya Margarita Xirgu -amiga y colaboradora del poeta- en el recién inaugurado Teatro del Bosque.

En esos primeros años formó parte de dos compañías muy distintas: el Teatro Estudiantil Autónomo de Xavier Rojas, en donde llevó obras teatrales a diversas comunidades del país y el Teatro Clásico Español de México, en la cual entabló una fructífera mancuerna con el director español Álvaro Custodio, cuya propuesta resultó el polo opuesto a la vanguardia que proponía el movimiento Poesía en Voz Alta en la que los clásicos experimentaron una renovación.

Obras como La celestina de Fernando de Rojas, Las mocedades del Cid de Guillén de Castro, Reinar después de morir de Vélez de Guevara y La discreta enamorada de Lope de Vega tuvieron como protagonista a López Tarso y fueron escenificadas al más puro estilo de la tradición española -con todo y marcada pronunciación de la c, la z y la ll- y en escenarios al aire libre. Esa pasión por el teatro en verso la revivió a finales de los noventa y a principios del nuevo milenio con obras como El villano en su rincón de Lope de Vega y El alcalde de Zalamea de Calderón de la Barca.

En contraste, don Ignacio también participó de la vanguardia propuesta por el creador escénico Alexandro Jodorowsky quien lo dirigió en un impactante montaje de El rey se muere de Eugene Ionesco al lado de María Teresa Rivas, Martha Navarro y Héctor Ortega, el cual participó en la Olimpiada Cultural de 1968 y fue elogiado por el propio dramaturgo.

A la par de todos esos éxitos teatrales, López Tarso vivía su gloria como estrella cinematográfica gracias a títulos que, a diferencia de éstas obras -por más que quede el registro en fotos, textos y uno que otro video-, han pasado a la posteridad y han sido disfrutadas y estudiadas por diversas generaciones, como Nazarín, El hombre de papel, Días de otoño, El gallo de oro, La vida inútil de Pito Pérez, La generala, El profeta Mimí, Renuncia por motivos de salud, Los albañiles y, por supuesto, Macario, cuyo impacto en la cultura popular es tan grande que el propio López Tarso, ya en el nuevo siglo, decidió hacer una versión de teatro en atril titulada Macario, el ahijado de la muerte. También en ese formato escenificó El de la triste figura, adaptación de la novela de Miguel de Cervantes dirigida por Eduardo Ruiz Saviñón.

Aunque compartieron créditos en el filme La cucaracha, fue en el teatro en donde se logró una de las duplas más afortunadas para el gran público: Ignacio López Tarso invitó a la diva Dolores del Río a subirse al escenario en dos ocasiones: en Mi querido embustero, drama basado en las cartas entre el dramaturgo George Bernard Shaw y la actriz Estella Campbell, bajo la dirección de Lew Riley, marido de la actriz; también en La reina y las rebeldes de Ugo Betti dirigida por Xavier Rojas.

Algo que nunca logró el primer actor fue llevar al escenario a María Félix: le propuso escenificar el texto de Arnold Wesker, Las cuatro estaciones, pero La Doña se negó: se sabe que amaba el teatro, pero más bien leerlo y verlo, no tanto actuarlo.

Y, a propósito de rechazos, fue muy sonada la renuncia del histrión al montaje de Hamlet de Juan José Gurrola en 2004, por no llegar a acuerdos felices con el controvertido director durante los ensayos. Allí interpretaría al Rey Claudio, luego de que amén de todos los personajes clásicos que asumió, jamás encarnó al Príncipe de Dinamarca, aunque el personaje de Shakespeare con el que verdaderamente se quedó con el deseo de interpretar es Timón de Atenas.

Con el director español Rafael López Miarnau hizo mancuerna en dos exitosas piezas: la norteamericana El precio de Arthur Miller -en el que destacaba el tú por tú que sostenía cada noche con Augusto Benedico y Carlos Ancira- y la inglesa Hogar de David Storey -nuevamente en un quién vive con Virginia Manzano, Ofelia Guilmain y Ancira-.

De hecho, si bien la presencia del actor en una obra valía la compra del boleto, fue de suma relevancia las mancuernas que hizo sobre el escenario con otras figuras del teatro, como sucedió en 1983 cuando junto a Héctor Bonilla interpretó una de las obras más recordadas del teatro mexicano: El vestidor de Ronald Harwood, bajo la traducción y dirección de José Luis Ibañez. Ahí, ambos sostenían un mano a mano que aún retumba en las paredes del Teatro de los Insurgentes, el cual todas las noches estaba a reventar.

Otras mancuernas importantes las hizo junto a Silvia Pinal en la comedia musical de Jerry Herman ¡Qué tal Dolly!, nuevamente dirigidos por Ibáñez y con Marga López en la comedia de Ken Ludwig, De gira con los López. Junto al comediante Sergio Corona protagonizó la comedia de Neil Simon, La pareja inolvidable y la pieza Aeroplanos de Carlos Gorostiza (alternando también con Manuel El Loco Valdés). En los setenta presentó el recital Corridos y romances, al lado de la actriz y cantante española Naty Mistral.

En 1980, a los 55 años de edad, Ignacio López Tarso cobijó a toda una nueva generación de actores cuando la UNAM produjo El rey Lear, bajo la dirección de Salvador Garcini.

Con un cuarto de siglo menos que Lear, don Ignacio se transformó en el máximo personaje shakesperiano, el cual nunca logró volver a interpretar, aún cuando vivió 18 años más que el trágico monarca. En escena estuvo acompañado por los jóvenes Blanca Guerra, Fernando Balzaretti, Humberto Zurita, Alejandro Camacho, Alejandro Tomassi y Tina French, a quienes llevó a una extensa y exitosa gira, cosa de la cual siempre se sintió muy orgulloso el actor, quien en momentos como esos también se convirtió en productor teatral.

Aunque él no actuó en la versión teatral de Los albañiles de Vicente Leñero, sí la produjo. En pleno siglo XXI, varios años después de Lear y nuevamente con la UNAM y dirigido por Garcini, López Tarso cumplió el sueño de ser Próspero en La tempestad. Otro autor clásico al que interpretó de forma por demás exitosa fue a Moliére cuando encarnó a El avaro en dirección de Miguel Sabido.

Al prestigio y la fama ganada por don Ignacio gracias al teatro y al cine se añadió la popularidad de la televisión. Telenovelas históricas como La tormenta, La constitución, El carruaje, Senda de gloria y El encanto del águila y célebres como El derecho de nacer, Imperio de cristal y Esmeralda le ofrecieron personajes estelares que terminaron por ponerlo en el tope del reconocimiento popular.

Pero hay que decir que, ya en el nuevo milenio, tanto en el cine como en la televisión, al igual que muchos de sus compañeros de edad avanzada, el actor fue relegado a personajes muy menores en la pantalla chica o simplemente no tuvo cabida en las narrativas de la pantalla grande.

En teatro, la historia fue muy distinta: a diferencia de muchos actores, don Ignacio llegó a los 80 años de edad sin escenificar de nuevo El Rey Lear, pero sí protagonizando diversas obras teatrales -llegando a representar tres en la misma semana- gracias a la mancuerna que hizo no solamente con Salvador Garcini como director de cabecera sino con los jóvenes productores Daniel Gómez Casanova y Alex Argüello, quienes con sede en el Teatro San Jerónimo -y aquí hay que decir que una vez renombrado el foro del Centro Cultural San Ángel como Teatro López Tarso, el actor solamente presentó en ese escenario la reposición de La tempestadlograron largas temporadas con obras como, además de la ya mencionada Aeroplanos, El cartero de Antonio Skármeta y Un Picasso de Jeffrey Hatcher, juntando al histrión con actores provenientes de la televisión, en una mezcla extraña para los admiradores de su teatro, muy atractiva para el gran público y siempre refrescante para el actor.

Aunque durante la virtualidad tuvo una intensa actividad presentando junto a su hijo Juan Ignacio Aranda -cómplice de los proyectos teatrales más personales de su padre- diversas obras y lecturas, hay que decir que las dos últimas puestas en escena que escenificó significaron también sus dos últimos grandes personajes, curiosamente, ambos de autores contemporáneos: Robert, el viejo actor de Una vida en el teatro de David Mamet -también acompañado por Juan Ignacio- y el de André en El padre de Florian Zeller, en donde a sus más de 90 años hacía un derroche de energía y sensibilidad únicas. Desgraciadamente, el estigma de estar en un formato comercial impidió que ésta obra y el trabajo del histrión se reconocieran. Cuando la versión cinematográfica de la pieza mereció diversos Premios Oscar hace un par de años, no muchos ubicaban que la obra ya se había escenificado en nuestro país y que el señor López Tarso había ofrecido una actuación estremecedora.

Libros como El cine de Ignacio López Tarso y Hablemos de teatro, ambos escritos por su hija, la crítica e investigadora cinematográfica Susana López Aranda, dejan una detallada constancia de una trayectoria realmente inabarcable, plena de puntos altos -aunque el actor jamás tuvo empacho en hablar de los proyectos que, para él, no fueron del todo redondos, como su participación en Otelo de Shakespeare o su ópera prima como director, con la versión teatral de la novela de Valle-Inclán Tirano Banderas– que conforman buena parte de la historia del teatro mexicano de la segunda mitad del siglo XX y de las primeras dos décadas del XXI.

El legado de Ignacio López Tarso se extiende a su familia, pues sus hijos siguieron trayectorias relacionadas al cine, el teatro y la televisión, mientras que su nieto, Antonio Sánchez, es uno de los músicos más reconocidos a nivel internacional. Está de más entrar en la discusión de si es o no el mejor actor de éste país: su figura va más allá de ese voto.

Don Ignacio respondió a épocas muy específicas del teatro, el cine y la televisión mexicanas que le permitieron sumar talento y perseverancia, mismos que se fueron convirtiendo en prestigio y autoridad: la autoridad de un patriarca que, a diferencia de Lear, fue reconocido ampliamente por la sensatez de su pensamiento y discurso y, por supuesto, por la prodigiosa memoria de la que hacía gala cada noche, sobre el escenario. Un escenario que en éstos días le ha regalado dos homenajes -uno en el Palacio de Bellas Artes y otro en el Teatro San Jerónimo- para despedirlo como se despide a un padre: el patriarca de los actores de nuestro teatro.

Por Enrique Saavedra, Foto: Cortesía Producción

3 razones para ver MAMMA MIA!

Llegó la nueva producción de Mamma Mia! al Teatro Insurgentes, un musical que, desde 1999 cuando fue estrenado en Londres, se ha colocado en el gusto del público y nos invita a ser parte de toda una celebración.

Mamma Mia! cuenta con elenco encabezado por Lisset, Alejandro de la Madrid, Marisol del Olmo, Francisco Rubio, Gicela Sehedi, Armando Arrocha, Luja Duhart y Sofía Carrera.

Con esta producción, el emblemático recinto al sur de la ciudad llegará a su 70 aniversario, el próximo 30 de abril.  Por el escenario de este teatro han pasado las más grandes estrellas del teatro mexicano e internacional.

Aquí te compartimos tres razones por las cuales no te debes perder esta súper producción.

1. La música de ABBA. El grupo sueco se formó en la ciudad de Estocolmo en 1972. Dos años después alcanzó la fama internacional al triunfar en el Festival de la Canción de Eurovisión 1974. El grupo, integrado por Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson y Anni-Frid «Frida» Lyngstad, obtuvo el primer sitio del certamen con Waterloo. Se estima que la agrupación ha tenido ventas por entre 380 y 400 millones de discos a nivel mundial.

2. El Teatro Insurgentes convertido en una taberna griega. El teatro para este montaje tuvo algunas adaptaciones para lograr que el público se sienta dentro del hotel de Donna. En la primera sección, en lugar de butacas, se acondicionaron distintas zonas. El “Beach Club” y la “Taberna” reciben a los espectadores, que podrán ver la obra cómodamente sentados en sillones o mesas para dos o más personas. En la sección preferente, cada dos butacas se colocó una pequeña mesa para que los asistentes puedan colocar sus bebidas. En el teatro se distribuyeron barras para servir al público algunos tragos y aperitivos para que disfruten previo, durante y en el intermedio de la función. Si quieres disfrutar de las experiencias especiales que tenemos para ti aquí las puedes consultar.

3. El ensamble. Ya les platicamos quiénes encabezan el elenco de Mamma Mia! Pero en el ensamble de esta obra hay nombres que ya han destacado por sí mismos en el teatro musical mexicano como: Ana Cecilia Anzaldúa, Mauricio Salas, Natalia Saltiel, Natalia Moguel y Brenda Romo. También podemos disfrutar del sólido respaldo que proporcionan Carolina Heredia, Jonathan Portillo, May Rubino, Marco Anthonio, David Andrés, Yazel Rojo, María Paula Muri, Noé Camacho, Daniel Rodríguez, Astrid Prado, Sofía Peleteiro, Orville Alvarado, Tomás Martínez, Óscar Hernández y Jorge Alberto Garza.

Un par de elementos más que hacen de Mamma Mia! toda una experiencia son la banda en vivo que interpreta las canciones, bajo la dirección de David Federico Suzawa y el potente equipo de sonido del teatro, bajo la coordinación de Miguel Jiménez.

Para más información de Mama Mia! horarios, boletos y experiencias especiales para ti haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez, Fotos: Ariel Cerebelina

Sofía Álvarez regresa a los escenarios con LA REINA DE BELLEZA DE LEENANE

Este martes se anunció el próximo estreno de La reina de belleza de Leenane. Con este montaje, bajo la dirección de Angélica Rogel, regresa a los escenarios la actriz Sofía Álvarez, acompañada de Ana Graham, Antonio Vega y Roberto Beck

En conferencia de prensa, Sofía Álvarez destacó que volver al teatro con un texto así es muy interesante. Al respecto, agregó: “Es muy interesante en este momento de mi vida. Muy emocionante trabajar y ser cobijada por buenas personas, […] creo que cuando hay una sensación de bienestar en la compañía eso hace que permee hacia el trabajo, hacia lo que uno refleja en el escenario”.

Por su parte, Angélica Rogel destacó que esta obra “ha pasado por muchos lugares para llegar aquí. Por eso nos da tanto entusiasmo poder llevarla a escena”. 

La reina de belleza de Leenane habla sobre la relación de Mag y Maureen , que son madre e hija. Ellas, explicó Angélica Rogel, viven en la montaña de Leenane: “Una cuidando a la otra, que ya la trata como si debiera cuidarla, y la hija se siente comprometida a cuidarla”. Esta situación cambia cuando Ray, el hijo de Pato – amigo de la juventud de Maureen-, llega para avisar que habrá una reunión y que Pato estará ahí. Esta situación, “cambia la vida de todas estas personas de manera contundente”, dijo. 

Ana Graham, actriz y productora del montaje, destacó que Martin McDonagh es “el mayor exponente del teatro contemporáneo de humor negro, ahora es más famoso por ser cineasta (entre sus filmes están Tres anuncios por un crimen y Los espíritus de la isla) que por ser dramaturgo, pero sigue siendo un estupendo dramaturgo”.

La actriz agregó que La reina de belleza de Leenane es la primera obra de Martin McDonagh, además de ser la más montada. La obra forma parte, explicó, de la trilogía de Leenane (junto con El oeste solitario y A Skull in Connemara) y este año cumple 25 años. Al respecto, dijo: “Estamos festejando un poco esta obra, festejando nuestra compañía (Por Piedad Teatro) que también cumple 25 años de existir”.

Sobre el tema de la obra, Graham destacó que le parece importante tocar el tema de las relaciones tóxicas en la familia. Sin embargo, puntualizó: “No queremos, y no creo que la intención del autor sea en ningún momento, dar un mensaje de nada, pero sí de plantear preguntas. ¿Dónde estamos parados y cómo nos relacionamos con  los demás? ¿Cómo son las dinámicas familiares?”.

En este sentido, Angélica Rogel destacó que este texto es interesante y se mantiene debido a que el autor escribe personajes que se relacionan de manera tridimensional. “Hay un mundo detrás que construyen y hay una complejidad”, dijo. Agregó que en las relaciones a veces se es víctima y otras veces victimario, en un juego que se mueve constantemente por las posiciones de poder.

Rogel afirmó que: “en esta obra ese juego está activo todo el tiempo. Entonces, te vas comprometiendo con los personajes, se van volviendo entrañables, claro que es un humor ácido y  que en cierto momento no puedes saber hasta dónde puede llegar el dramaturgo y eso es lo que te golpea, porque al final es también hasta dónde puede llegar una relación y cómo puede golpearte de la forma en lo que lo hace este texto”. 

Por su parte, Roberto Beck, expresó que esta obra tiene algo que “te da risa y a la vez te duele, como la vida”. Sobre este punto, destacó que Martin McDonagh “tiene unas sutilezas en lo que cuenta, como es la vida, que está llena de muchas cosas”. 

Antonio Vega, quien también es productor, comentó que esta será la segunda ocasión en la que se presentará en La Gruta con una obra de McDonagh, la primera de ellas fue con El oeste solitario

El texto de la obra fue traducido por Ana Graham y Antonio Vega, manteniendo la parte humana de la obra. Al respecto, dijo Graham, “lo universal de este texto nos permite dejarlo en Leenane, en un cerro de Irlanda, nos permite mantenerlo con sus referentes naturales”. 

Sobre la naturaleza de esta obra, Rogel se dijo contenta de volver a tocar un texto que “lleva casi a un mundo naturalista”, el cual le interesa mucho volver a explorar. En este sentido, explicó, que en un texto de esta naturaleza hay dinámicas a través de las que se entiende que todo se genera desde cómo nos relacionamos. La directora destacó que esto: “empieza a motivar motores en los actores y las actrices. Es muy rico ver los procesos, cómo van entrando las acciones en cada una de ellas, en cada uno de ellos y van tomando forma y se van enriqueciendo hasta poder construir relaciones sólidas”.

El equipo creativo lo conforman: Eva Lucero Aguiñaga en la escenografía; Patricia Gutiérrez Arriaga en la iluminación; Ana Graham en el vestuario; con música original de Hans Warner; además de la producción ejecutiva de MariCarmen Núñez Utrilla.

La reina de belleza de Leenane tendrá funciones del 24 de marzo al 14 de mayo en el Foro La Gruta, para más información, horarios y boletos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro

Teatro en Plazas Públicas, Teatro en tu Barrio cumple diez años de acercar el arte al público

Con espectáculos de teatro, danza, circo, música y cabaret, la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México anuncia la oferta de la edición de primavera del proyecto Teatro en Plazas Públicas, Teatro en tu Barrio, que cumple 10 años de acercar las artes escénicas al público de manera gratuita en la capital.

En esta ocasión se presentarán ocho espectáculos que estarán los fines de semana del 18 de marzo al 23 de abril en diferentes espacios del Centro Nacional de las Artes y en diversas plazas del Centro Histórico, a cargo de las compañías La Bomba Teatro, Erika Méndez, VSS Danza, Teatro de los Sótanos y del Centro Cultural Ollin Yoliztli.

En conferencia de prensa, Enrique González, Coordinador Teatro en Plazas Públicas, Teatro en tu Barrio expresó: “En esta 16° edición estamos ampliando este proyecto, ya que no nadamás vamos al Centro Histórico, pedimos apoyo y habrán funciones en el Cenart y la Biblioteca José Vasconcelos. Quiero que nos apoyen mucho con esta difusión, porque estos eventos, sin todos los artistas no sería nada y sin ustedes tampoco“.

Sobre su participación, el payaso Joy Joy de Payacocos, comentó: “Agradezco la oportunidad que se le da a la compañía de trabajar en  Plazas Públicas, sacar al circo del payaso y presentarlo en este acto que va a ser para toda la familia donde se van a divertir desde los más chiquitos hasta los más grandes, y los más grandes recordarán cuando los llevaban al circo“.

Por su parte, la directora Erika Méndez de Lagú Danza mencionó: “En este espectáculo (Moby Dick) invitamos al público a leer, es divertido, irreverente, tiene humor negro, eso les gusta a los niños, y nos burlamos de los cuentos como La Cenicienta, Los Tres Mosqueteros”.

Mientras que, el coreógrafo y director de VSS Danza, Vicente Silva Sanginéz, relató: “Va a ser una oportunidad muy buena para que las familias se acerquen a la danza, es una obra muy divertida, aunque yo la he visto muchas veces, la hemos montado 55 veces y me sigue divirtiendo, la música es en vivo, tenemos actores, bailarinas, bailarines, danza de movimiento” .

El Colectivo Río que Suena presentará Rodada escénica para no decir adiós, bajo la dirección de Aura Rebollo. Este espectáculo hace un llamado al autocuidado y conocimiento de todos los beneficios del uso de la bicicleta, mezclado con narración, una instalación plástica y música.

La compañía Payacocos, que cumple 25 años de trayectoria, nos invita a conocer los orígenes del payaso mexicano en Los payasos tradicionales excéntricos musicales, a través de sketches, malabares, magia e instrumentos como el pelotofono, la trompeta y el trombón.

Mientras que VSS Danza escenificará la comedia de enredos, Sueño de una noche de verano de W. Shakespeare. Esta propuesta dancística que entrelaza el mundo mágico de las hadas y el de los humanos.

Por tercera vez, el Cenart albergará algunas de las propuestas entre las que se encuentran Defensores, Moby Dick, Del tingo al tango y Jóvenes talento Ollin Yoliztli, bajo el ciclo Primavera teatral.

La compañía Lagú Danza transportará a chicos y grandes a través de una aventura marina con barcos, ballenas y batallas en medio de olas inmensas en Moby Dick, propuesta que une la danza, el teatro, la comedia que incita el hábito de la lectura.

De igual forma, La Bomba Teatro, bajo la dirección de Paola Herrera, presentará Del tingo al tango, en la que modernos trovadores ambulantes incitan a los asistentes a participar en este espectáculo itinerante, al ritmo vivo de la España del siglo XVII con fusiones de diversos géneros sonoros, teatro físico y artes circenses.

Otras de las sedes donde el público podrá apreciar estas propuesras serán las plazas Francisco Primo de Verdad y Ramos, Santa Catarina, Manuel Tolsá, de las Vizcaínas y Santo Domingo, así como en la explanada de la Biblioteca Vasconcelos y el Kiosko de la Alameda Central del Centro Histórico.

Sobre el proyecto

Originado, desarrollado y operado por la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, Teatro en Plazas Públicas, Teatro en tu Barrio, se creó en 2013. Desde entonces, se han llevado a cabo 15 emisiones, que han cobijado a 191 compañías y 1,250 artistas que han dado más de dos mil funciones con una asistencia cercana a las doscientas mil personas. Se han creado alianzas con compañías, colectivos, dependencias, festivales y alcaldías, que han trabajado en coordinación para fortalecer el programa.

En 2022, Teatro en Plazas Públicas, Teatro en tu Barrio realizó por primera vez una convocatoria nacional y presentó, en el marco del 50 Festival Internacional Cervantino (como parte de Ciudad de México, Invitada de Honor), a 17 agrupaciones provenientes de 16 estados de la República Mexicana con gran éxito en las plazas de Guanajuato durante los 19 días de duración del encuentro más importante de nuestro país.

Para conocer sedes, lugares y horarios, mantente al pendiente de las redes sociales de @TeatrosCdMexico, donde cada semana publicarán la información de los espectáculos que se presentarán cada semana.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Que no se culpe a nadie de mi muerte

3 razones para ver QUE NO SE CULPE A NADIE DE MI MUERTE

En cartelera hay actualmente una buena oferta de monólogos, muchos de ellos muy interesantes y que vale la pena ver, uno de ellos es Que no se culpe a nadie de mi muerte, escrita por Humberto Robles y dirigida por Sergio Arroyo.

En este montaje la protagonista, interpretada por Majo Pérez, nos habla de su pasado y de los motivos que la llevan a desear acabar con su propia vida. La fuerza de esta propuesta está en que, a pesar de que toca un tema dramático, el autor lo aborda desde el humor negro y la comedia.

Aquí te contamos tres razones para ver Que no se culpe a nadie de mi muerte.

1. Un texto que crea vínculos. Es un monólogo bien escrito que en tono de comedia y maneja de maravilla el humor negro. El autor logra construir un texto sólido y un personaje que tiene la virtud de establecer un vínculo de comunicación con el público.

2. La actuación de Majo Pérez. Majo es una actriz versátil que se para con seguridad en el escenario, con su interpretación habita a un personaje complejo. La actriz conecta con el espectador, logra hacer creíble lo que siente su personaje. Además, en este unipersonal, les da vida a cuatro personajes más, matizando y construyendo de manera efectiva a cada uno de ellos.

3. La dirección del montaje. El director cuida que todo lo que compone el montaje favorezca el desarrollo de la obra y obtiene un resultado bien logrado. Sergio Arroyo logra con su actriz el tono y el ritmo que el texto requiere. En este sentido, podemos destacar que se logra que esta obra articule la tragedia con la comedia, su director encuentra la manera de proyectar esto hacia el espectador.

Así que ya sabes, si lo tuyo es un buen monólogo cargado de humor negro, y una sólida actuación sobre el escenario, no te pierdas Que no se culpe a nadie de mi muerte. Finalmente, otro dato que te puede hacer salir corriendo a ver este montaje, es que es una de las obras elegidas para el mes de marzo de los Premios del Público Cartelera.

Para más información, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Anuncian temporada de UN DIOS SALVAJE en el Teatro Milán

En conferencia de prensa se anunció el inicio de temporada de Un dios salvaje. Este nuevo montaje de la obra cuenta con las actuaciones de Fernanda Borches, Pablo Perroni, Tato Alexander y Chumel Torres.

La obra, escrita por Yasmina Reza, cuenta con la dirección de Miguel Septien. El director destacó que se trata de una de las obras más relevantes dentro del cánon del teatro moderno. En este sentido, se dijo muy contento con el proyecto, pues se logró conjuntar un elenco “increíble”, lo cual es un agasajo para cualquier director.

Se trata de una versión nueva de la obra, dijo Septién, quien también tradujo y adaptó el texto, distinta a la que se utilizó la última vez que se montó en México. Del texto explicó: “Siempre va a ser extremadamente relevante, porque habla de un conflicto que siempre va a existir en nosotros como especie y como sociedad. Básicamente creo que la obra toca el conflicto entre ceder a nuestra parte animal y nuestra parte visceral, o tratar de subir un poco más allá, tratar de que el intelecto subyugue un poco esa parte”.

Sobre el proceso de montaje destacó Septién: “Hemos pasado mucho tiempo tratando de desentrañar por qué esta obra es relevante en este momento”. Al respecto, agregó que toca fibras intrínsecas al ser humano.

La obra trata sobre dos parejas que se reúnen para llegar a una solución civilizada sobre una riña que hubo entre sus hijos mayores. Todo comienza bien pero mientras avanza el encuentro, se va develando la personalidad de cada uno de los personajes, hasta llegar al final donde conocemos su parte más humana y visceral.

En este sentido, Pablo Perroni, actor de la obra y coproductor, destacó que es lo opuesto de su personaje. Por su parte, Fernanda Borches y Tato Alexander señalaron que se parecen a sus personajes en el aspecto de buscar conciliar y abogar por la no violencia. Sin embargo, tanto Perroni como Borches coincidieron que es liberador a veces, poder romper en la ficción con algunos aspectos de su propia personalidad al tener la oportunidad de hacer este tipo de personajes.

Chumel Torres se dijo muy honrado de participar en esta obra con personas que admira desde hace mucho tiempo y sentirse parte de ese equipo es “que te metan al Barcelona (el equpio de futbol)”. Confesó que esto le genera un doble sentimiento, por un lado de humildad y por el otro se siente como un premio.

Sergio Mingramm y Alberto Alva, de TOCA Teatro, que coproduce el montaje, estuvieron presentes durante la conferencia de prensa. Mingramm explicó el proceso mediante el cual se obtuvieron los derechos de la obra y adelantó que en el Teatro Milán habrá una buena temporada de obras de Yasmina Reza, pues también TOCA logró obtener los derechos de Arte, la cual se presentará al finalizar la temporada de Un dios salvaje.

Ana Kupfer, coproductora, destacó que se trata de una corta temporada todos los miércoles a partir del miércoles 29 de marzo. Agregó que se tiene planeado que la obra vaya a Guadalajara en algún momento y se está viendo la posibilidad de llevarla a otros estados. En este sentido agregó: “Es una obra que va a girar muchísimo,porque vale y porque merece la gente de otros estados ver este trabajo tan exquisito”.

Para más información, horarios y boletos de la obra haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro

Funciones especiales para vivir al máximo este puente de marzo

Este fin de semana, la Ciudad de México ofrecerá una amplia gama de actividades para que los capitalinos y los visitantes disfruten al máximo este puente, desde el Gran Maratón para Niños, Niñas y Jóvenes que se llevará a cabo en el Centro Cultural del Bosque, así como funciones especiales que brindarán algunas de las producciones más espectaculares.

Aprovecha este lunes y lánzate a disfrutar cualquiera de estas opciones que se presentan en nuestra cartelera:

Te amo eres perfect@, ahora cambia. Esta comedia nos muestra diversas etapas de las relaciones, desde el noviazgo, el casamiento, la llega de los hijos y hasta la viudez, a través de llamativas viñetas y melodías pegajosas que harán cantar a más de uno. Cierra su temporada este 20 de marzo en el Teatro Hidalgo.

Aladdín. Si tienes pequeños en casa, no puedes dejar pasar la oportunidad de llevarlos y recordar junto conellos esta entrañable historia, que ha logrado cautivar a chicos y grandes, por su despliegue de música, color y sobre todo, la magia detrás de la alfombra. Se mantiene en el Teatro Telcel.

Una cursificción. En este espectáculo de cabaret, un coro de ateos, hará que el público se cuestione sobre sus creencias, sin importar que religión profese. La funciones son en el Foro Shakespeare

Querida. Actos circenses y acrobáticos, acompañana la música del ídolo de Juárez, Juan Gabriel, en esta propuesta llena de color, que invita a cantar y bailar desde la butaca, las canciones más memorables de este gran cantautor. Se presenta en el Teatro San Rafael.

Yo soy Sancho Panza. Este unipersonal busca acercar el clásico de Cervantes a las generaciones más jóvenes, profundizando en la historia del fiel escudero, Sancho Panza, quien tras su muerte, recuerda las aventuras que vivió con el Hidalgo, pero desde su punto de vista. Se presenta en Café K-OZ Foro Cultural.

Defendiendo al cavernícola. Este unipersonal cómico ha permanecido por más de 20 años en la cartelera, al tocar un tema que no pasa de moda, la forma en que hombres y mujeres se relacionan en la vida en pareja, a modo de charla nos presentan los típico malentendidos que suceden en las vínculos afectivos. Se mantiene en el Teatro López Tarso. 

María, todo va a estar bien. Esta obra nos invita a reflexionar sobre la violencia de género, a través de la historia de una familia, con mujeres de distintas generaciones que se reúnen para celebrar un cumpleaños, sin proponérselo, terminan contando sus experiencias convirtiéndose en un momento de catarsis y sanación. Las funciones son en el Teatro Enrique Lizalde.

Los monólogos de la vagina Una propuesta que sigue cautivando a las mujeres sin importar la edad, los temas expuestos en cada monólogo siguen haciendo eco, si bien el mundo ha cambiado no lo ha sido del todo, es ahí donde el mensaje resuena con más intensidad. Se presenta en el Nuevo Teatro Libanés.

Para conocer otras opciones en lunes, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción y Escenario Ocesa

Tornaviaje, de Diana Sedano

3 razones para ver TORNAVIAJE

Las palabras del poeta griego Constantino Cavafis en su poema “Ítaca” resuenan en Tornaviaje. Ulises rechazó la vida eterna y la divinidad durante su viaje a Ítaca. El héroe griego no buscaba como Aquiles, su compañero de armas en Troya, la gloria. El ingenioso Odiseo en su regreso a casa invirtió veinte años y aprendió que lo importante no es destino, sino el viaje que nos lleva a él.

Sobre la importancia del autoconcimiento durante el viaje me hace pensar la obra escrita, dirigida e interpretada por Diana Sedano. Estrenada en 2018, se presentó en el Teatro El Milagro por primera vez como parte de un proyecto de beca de su creadora, cinco años después sigue conectando con el público y estableciendo un vínculo.

Se trata de un trabajo riguroso, bien cuidado. Todo lo que se pone en juego durante este montaje nos hace sentir ese algo indefinible, esa sensación de que sobre el escenario está sucediendo algo, que han sido convocados los espíritus del teatro.

En esta ocasión las tres razones que te damos para no perdértela, pasan por la misma persona:

1. Reconectar con el origen. Tornaviaje es un trabajo que nace de lugares personales de su creadora. Es la búsqueda del personaje – la propia Diana- para descifrar su relación con su padre, para reconectar con su origen. Desde ahí se abre camino hacia lo universal y nos conecta como espectadores. La línea narrativa nos sumerge en la sensación de viaje, de descubrimiento, asombro y nostalgia.

2. Una metamorfosis actoral. Diana Sedano, a lo largo del montaje, ofrece una interpretación rigurosa y que conmueve. La actriz presta su voz y su corporalidad a los personajes que acompañan su viaje y a su propio padre. Diana sufre una verdadera metamorfosis, es curioso, escojo nuevamente una palabra cargada de ecos griegos, cuando el destino de la Ítaca de Sedano está en Santander, con sus costas bañadas por el Atlántico y no por el Mediterráneo. La intérprete desde un principio de la obra toma la atención del público y no la pierde nunca.

3. Un montaje sólido. Muchas veces al escribir, dirigir y actuar se pierde un poco de potencia en una propuesta. Sin embargo, este no es el caso, la codirección de la obra (Diana Sedano, Ricardo Rodríguez y Cecilia Ramírez) logra conjuntar los elementos necesarios para un montaje sólido. En el escenario bastan un par de maletas, un escritorio, un cubo de madera y una pantalla, apoyados por una iluminación sobria pero efectiva, para que la actriz pueda construir y llevarnos por esta ruta de viaje.

En resumen, Tornaviaje es uno de esos montajes que se deben ver. No pierdas la oportunidad de disfrutar la obra en el Teatro La Capilla hasta el próximo 25 de abril. Probablemente, nos dice Diana Sedano, será la última temporada de este montaje, para más información, horarios y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro

Recibirá el Foro Shakespeare GÜEVOS, una comedia sobre el amor en la época de las aplicaciones

Platicamos con Adriana Llabrés, Quetzalli Cortés y Miguel Santa Rita, elenco de Güevos. También nos acompañó el director de la obra, Benjamín Cann, quien ha realizado destacados trabajos en cine, radio y teatro. El montaje estrenará el próximo 31 de marzo en el Foro Shakespeare.

El montaje, escrito por el dramaturgo Adam Szymkowicz, nos habla sobre involucrarse en un relación en la primera cita. A través del encuentro de Elías y de Susana en un bar, el autor nos habla sobre el mundo de las citas en línea.

Al respecto, Adriana Llabrés puntualiza, “se trata de las agallas que se necesitan para entrar al amor”. Por su parte, Miguel Santa Rita agrega que la obra habla del laberinto al que se entra cuando se inicia con un proceso amoroso.

Quetzalli Cortés reflexiona que en esta época las aplicaciones de citas son una herramienta. Pueden ayudar, consideró, para ahorrarse algunos de los temas que dos personas tienen en su cabeza sobre lo que están buscando en una relación. En Güevos, agregó, podemos ver dos maneras diferentes de abordar las relaciones: “Al final son muy parecidas, la diferencia es el tiempo y el cómo”.

Sobre esto, nos dice el director de la obra, a pesar de los cambios que ha habido en cómo se establecen las relaciones y el matrimonio, “el misterio del amor yo creo que sigue siendo el mismo”. Este misterio, explica, es “ir tras la búsqueda de algo que quién sabe qué sea, es la gran aventura del ser humano, la que todos anhelamos”.

Sobre este particular, Santa Rita destaca: “Me gusta pensar, más con la obra que tenemos entre manos, que antes y ahora requería de güevos entrarle al verdadero amor”.

Una comedia que tiene profundidad y sustancia

Tanto Quetzalli como Miguel hablan sobre el proceso que han llevado en la construcción de Elías, personaje en el que alternan. Este proceso, señalan, ha sido muy gozoso y de aprender el uno del otro. Santa Rita confiesta que “tanto Benjamín Caan y Adriana ha sido muy genersoso y receptivos a que somos dos actores distintos”. Se ha logrado, agregó, generar dos puntos de vista sobre la misma obra, lo cual es “muy entretenido e interesante”.

El montaje es una comedia, en la cual, señala Adriana Llabrés su personaje es una mujer que quieres ser amada así como es. Sobre esto, nos dice, “es profundo y doloroso”. Además agrega: “Me encanta que sea una comedia, porque resulta ser una comedia que tiene profundidad y por lo tanto muchísima sustancia y es muy divertido lo que se genera entre Elías y Susana”.

Sobre el tono de comedia de Güevos, su director destaca: “Elegimos un tono complicado para una obra que es, de por sí, complicada; con un tema que es muy complicado para el ser humano, es un tema universal, de todas las culturas, de todas las épocas”.

¿Cómo describen a Güevos?

Tanto elenco como director coinciden en que la obra toca temas como la inmediatez que vivimos, la individualidad generacional que hace que se evite el compromiso. Es, puntualiza Santa Rita, un montaje que confronta.

Quetzalli Cortes describe a esta obra como “divertida, inteligente, buenísima”, y agrega –entre risas del resto del equipo: “me sorprende que sea humana”. Adriana Llabrés coincide en este sentido, pero agrega que además de ser inteligentes y una obra divertida, es “profunda”. Para Miguel Santa Rita, es una obra “tan divertida como angustiante”, remata.

Por su parte, Benjamín Cann explica que la obra trata de acercarnos a un proceso indescriptible y lo hace de manera divertida, inquietante, cruel e inteligente. Aborda ese proceso no concreto mediante el cual el ser humano logra eso que “cree que es el amor”, nos dice. Además, destaca que es una oportunidad de ver a tres actores inteligentes y sensibles poniendo “a disposición de un tema tan complejo toda su inteligencia”.

Para más información de la obra, horarios, boletos y más haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro

Rebecca Jones

Muere Rebecca Jones a los 65 años de edad

Rebecca Jones murió la madrugada de hoy. Así lo dio a conocer a través de un comunicado de prensa la agencia de comunicación y representación Prensa Danna. La actriz, señala el comunicado, “estuvo acompañada todo el tiempo de sus seres queridos”.

Jones nació el 21 de mayo de 1957.  Fue hija de padre estadounidense y madre mexicana. Realiza sus estudios en California, donde cursa Arte Dramático. Desde joven trabaja en México, donde consolida una carrera como actriz y productora en teatro, cine y televisión.

En teatro debuta en 1983 en El coleccionista, de John Fowles. El montaje se presentó bajo la dirección de  Fernando Larrañaga en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque. La actriz participó en obras como: La visita de la bestia (1984), Casémonos juntos (1985), Luv, víctimas de amor (1986), Tengamos el sexo en paz (1987), Drácula (1997), Cómo aprendí a manejar (1999), Rosa de dos aromas (2000), Defensa de dama (2002), Retrato de la artista desempleada (2003), Pareja abierta (2008), Entre mujeres (2009), Filomena Marturano (2011), El curioso incidente del perro a medianoche (2014), Burundanga (2015), Por verte, una vez más (2016) y Una mujer extraordinaria atrapada en una vida ordinaria (2021).

En televisión trabajó más de 30 proyectos como actriz y 4 como productora ejecutiva, entre ellos dos de las telenovelas más recordadas: El maleficio y Cuna de lobos. En cine participó en 12 películas.

A Rebecca Jones le sobrevive su hijo Maximiliano Camacho Jones, hijo de la actriz con el también actor Alejandro Camacho, con quien estuvo casada por 25 años.

3 razones para ver FRUTO EN LA SEQUÍA

Fruto en la sequía, de Itzel Lara, se presenta en el Teatro de las Artes del Cenart, como parte del ciclo Primavera Teatral. Es, además, la primera obra del ciclo “El Teatro de Arte Mexicano” de la Compañía Nacional de Teatro.

Bajo la dirección de Hugo Arrevillaga, esta obra resignifica el mito de la Coatlicue. La dramaturgia de Itzel Lara, a partir de su personaje Elena, lleva a la reflexión sobre el constructo social de la maternidad, sobre la maternidad forzada y el derecho a decidir.

Aquí te contamos tres razones por las que debes ver Fruto en la Sequía:

1.Una interpretación potente. Judith Inda da vida a la protagonista de este montaje, Elena. Su actuación es potente y rigurosa, nos guía por esta ficción que se mueve entre lo onírico y lo real. Toma de la mano al púbico para llevarlo entre un pasado mítico y el mundo actual. Por un mundo con toques que transitan entre la ensoñación y la pesadilla. Inda hace un derroche de expresión corporal y actoral sobre el escenario. Sus transformaciones sobre el escenario son casi palpables, el espectador puede sentirlas.

2. El diseño de arte. Jesús Hernández, Matías Gorlero y Miriam Romero, en la escenografía, la iluminación y el diseño multimedia, respectivamente, crean un mundo acorde a las necesidades del texto. En él se funden pantallas traslucidas, proyecciones, pantallas, elementos que entran y salen, para emular un mundo que se sitúa entre lo contemporáneo y un universo mítico. Crean el espacio para que Inda y Miguel Ángel López se desplacen en un sitio de temporalidad incierta.

3.Un vestuario que evoca raíces. Laura Marnezti crea un vestuario que va evolucionando con la narrativa de la obra. En un principio sobrio y discreto, se convierte en piezas que aportan elementos para las transformaciones de Elena. Los colores grises y neutros dan paso a vestuarios que evocan raíces prehispánicas y sacrificio; para culminar en una creación que evoca alas y libertad.

Además, hay una razón adicional, no mencionar el aspecto sonoro y musical sería una injusticia. El diseño sonoro y la música original de Carlos Matus, sumados a la interpretación de cello en vivo de Natalia Pérez Turner, terminan de configurar este mundo del que les he hablado. Ahí, el texto de Itzel Lara y las interpretaciones de Judith Inda y Miguel Ángel Romero encuentran un terreno fecundo – valga el término cuando hablamos de un Fruto en la Sequía – para hablar con el espectador.

Para más información del montaje, horarios y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro

Antonio Zúñiga

“El teatro nunca va a morir y ya nos lo demostró”: Entrevista con Antonio Zúñiga

Entrevistamos a Antonio Zúñiga, director general del Centro Cultural Helénico, para platicar de las convocatorias, proyectos y programación de la institución que dirige. Después de cuatro años al frente del centro, dice, ha sido una bendición el trabajar como funcionario público. En este sentido, explica: “Ha sido un lugar que nos ha redituado en dicha, en logros y en proyectos que hemos trabajado mucho y muy bien”. 

Sobre este particular, señala que anteriormente en el Teatro del Centro Cultural Helénico se podía ver teatro de calidad, mientras que en La Gruta se presentaban artes escénicas que buscaban nuevos lenguajes y propuestas transformadoras. Sin perder esto, afirma Zúñiga, después de 4 años de trabajo y coordinación ahora “podemos decir, con mucho orgullo, es un centro de vinculación nacional”. 

En este sentido, explica el dramaturgo y actor, el centro cuenta ya con convenios de colaboración con la mitad de los estados de la República. El objetivo ha sido, agrega, descentralizar los bienes culturales del Centro Cultural Helénico, que antes estaban centrados en el sur de la Ciudad de México. 

Entre los estados con los que el Helénico ha establecido estos vínculos están Aguascalientes, Chiapas, Chihuahua, Colima, Durango, Jalisco, Sinaloa, Tamaulipas, Tlaxcala y Veracruz además del Complejo Cultural Los Pinos, en la CDMX

Este trabajo de vinculación en el cual se ha centrado la institución a su cargo, “no existía hace 4 años”, nos dice. Es un trabajo orientado al desarrollo, apoyo, circulación y vinculación de artistas profesionales y de artistas independientes de la escena nacional, explica.

Sin embargo, puntualiza que para no desproteger al público del sur de la Ciudad, que está acostumbrado a ver producciones de calidad en el Helénico, para lo que resta del año se tiene una programación pensada para lograr los mejores estándares de calidad.

 

Acercamiento a nuevos públicos

Los bienes culturales del Helénico, subraya: “Ahora salen y se dispersan por todo el país”. Para lograr este objetivo, nos dice, el centro se ha vinculado con cada estado que lo ha querido con diferentes modelos de colaboración. Esto, tomando en cuenta cómo cada entidad “ha visto que les ha funcionado, o les funciona mejor con su comunidad”. 

La respuesta del público y de las comunidades de artistas escénicas del país ha sido “muy grata”, nos dice Antonio Zúñiga. Considera que los creadores han visto que desde la Secretaría de Cultura y desde el Helénico se está atendiendo a una población de espacios y artistas con propuestas renovadoras e intuitivas. Estas propuestas, puntualiza: “Buscan nuevos lenguajes, nuevas formas de producción y de circulación”. 

Este modelo, señala el también director escénico, propicia el acercamiento a públicos más diversos y distintos

 

Las Rutas Escénicas Estatales

Sobre esto señala que es: “el tercer año que tendríamos esta convocatoria. Pero también en convenios más cercanos, más particulares, hemos definido ciertos modelos”. En este sentido, nos habla del programa de Rutas Escénicas Estatales, para este programa, el Centro Cultural Helénico convoca a grupos locales y de los municipios para realizar presentaciones en sus territorios. 

Esta convocatoria, nos explica, es una convocatoria de circulación que se enmarca en un circuito nacional de artes escénicas en espacios independientes. A través de esta se selecciona a cerca de 140 grupos de todo el país. Así se logra movilizar a estas compañías y dar más de 1400 funciones durante un lapso de tres meses cada año. 

Saberes sobre la Escena

Otro proyecto importante, nos dice, Antonio Zúñiga, es el de Saberes sobre la Escena, en el cual se realizan talleres. En estos talleres, explica, “van especialistas de todo el país a dar, durante todo el año, talleres a algunos estados”. Al respecto, agrega: “Estos talleres que se seleccionan son de las propias comunidades de artistas reconocidos, que tienen también conocimiento para compartir a través de artistas locales”. 

Este modelo de colaboración, puntualiza, se trata en general de un grupo de cinco talleres nacionales y cinco talleres locales. “Por lo menos una vez al mes se presenta un taller en Tamaulipas, en Chiapas, en Aguascalientes y en Durango”, comparte. 

Festival Kuitólil

Dentro de los modelos de colaboración que ha establecido el Helénico está el de festivales. Como ejemplo de esto, Zúñiga nos habla de Kuitólil, que se realiza en San Luis Potosí, en coordinación con la secretaría de cultura local. Es, explica, el festival más importante de profesionales de teatro y artes escénicas dirigido a niñas, niños y jóvenes audiencias

Durante este festival, señala el funcionario cultural, compañías especializadas van a las comunidades para compartir su trabajo. En un principio, nos narra, el festival se realizaba sólo en la capital del estado y se contactaba vía medios digitales con escuelas. Sin embargo, ahora los grupos viajan directamente a cuatro municipios de la entidad, señala.

Este tipo de modelo, considera el director del centro, contribuye a la creación y vinculación con nuevos públicos y a la descentralización. En este sentido, destaca: “El festival Kuitólil tuvo audiencias hasta de 4 mil personas [… ], es decir, tuvimos llenos durante todas las funciones en las comunidades”. 

 

Premio Nacional de Dramaturgia escrita por Mujeres Incendia

En otro esquema de colaboración, nos dice Antonio Zúñiga, están los premios de dramaturgia. Sobre esto pone como ejemplo, al premio Incendia. Esta convocatoria, se lanza bianualmente en coordinación con el estado de Jalisco. Se trata, nos dice, de un premio de dramaturgia de mujeres para mujeres. 

Esta convocatoria, considera, es muy importante, pues, la pieza seleccionada es producida y circulada por el gobierno de Jalisco. 

 

El día mundial del Teatro

Antonio Zúñiga aprovecha para invitar al público a sumarse este domingo 26 de marzo a la fiesta teatrera que se realizará en el Claustro del Centro Cultural Helénico. Ahí, de 9 a 11 de la noche, habrá un espectáculo y se cantarán las mañanitas al teatro para celebrarlo en su día.

Al día siguiente, en coordinación con la UNAM y el Centro Universitario de Teatro (CUT), se llevará a cabo un programa completo de conversaciones, análisis y reflexiones sobre el teatro después de la pandemia. Ahí, señala Zúñiga, abordarán: “Las nuevas tendencias del teatro y lo que estamos haciendo como comunidad en nuestros lenguajes, en nuestras estructuras, en nuestros modelos de producción”.

Sobre la importancia de asistir al teatro y celebrarlo, Antonio Zúñiga reflexiona que a pesar de que hace dos años y medio, debido a la pandemia, el teatro había sido “casi, casi” decretado como una disciplina que desaparecería, el teatro sobrevivió y está “boyante”. 

Hoy, agrega, el teatro está: “Vinculando todavía esas mentes, esos cuerpos, esas presencias. La gente respondió, con mucho ahínco y con mucha entrega, al regreso de la presencia. La gente entendió que necesitamos de arte puro para poder conocernos humanamente mejor y cada vez más. El teatro nunca va a morir y ya nos lo demostró”.

 

El Teatro como salvación

Cerramos nuestra plática con el funcionario y creador escénico, hablando sobre lo que el teatro representa en su vida. Nos comparte que él es originario de un pueblo en la sierra de Chihuahua. Ahí, nos dice: “el narcotráfico y la violencia campeaban y siguen campeando. Yo creo que, si yo no me hubiera topado con el teatro, hubiera terminado en esos roles, en esos mundos”. 

De manera categórica, afirma Zúñiga, que el teatro para él significa la salvación. En este sentido, remata que así como para él lo ha sido: “Creo que puede significar la salvación para muchas otras gentes, pero también, el teatro no puede significar nada si nosotros no lo atendemos, si nosotros no lo cuidamos, si nosotros no le damos respiración de boca a boca”.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Frida Dimas

Mensaje de Samiha AYOUB con motivo del Día Mundial del Teatro 2023

Con motivo del Día Mundial del Teatro 2023, te compartimos el mensaje escrito por la actriz de origen egipcio, Samiha AYOUB.

AYOUB nació en el barrio Shubra de El Cairo. Se graduó en el Instituto Superior de Arte Dramático en 1953, donde fue instruida por el dramaturgo Zaki Tulaimat. Sus créditos en el escenario a lo largo de su carrera artística incluyen aproximadamente 170 obras, entre las que se encuentran: Raba’a Al-Adawiya, Sekkat Al-Salamah, Blood on the Curtains of the Kaaba, Agha Memnon, The Caucasian Chalk Circle. Aunque las obras teatrales dominaron la mayor parte de su vida, tuvo muchas contribuciones en cine y televisión. En el cine se destacó en varias películas, entre ellas The Land of Hypocrisy, The Dawn of Islam, With Happiness, Among the Ruins. En televisión presentó muchos trabajos destacados de los cuales los más importantes son Stray Light, Time for Roses, Amira en Abdeen, Al-Masrawiya. Recibió muchos honores de varios presidentes, incluidos Gamal Abdel Nasser y Anwar Sadat, así como de Siria.

Aquí el texto completo:

“A todos mis amigos los artistas de teatro de todo el mundo,

Les escribo este mensaje en el Día Mundial del Teatro, y por más que me inunde la felicidad de estar hablando con ustedes, cada fibra de mi ser tiembla bajo el peso de lo que sufrimos todos – los artistas teatrales y los no teatrales – de las presiones demoledoras y los sentimientos encontrados en medio del estado actual del mundo.

La inestabilidad es un resultado directo de lo que está pasando nuestro mundo hoy en día en términos de conflictos, guerras y desastres naturales que han tenido efectos devastadores no solo en nuestro mundo material, sino también en nuestro mundo espiritual y nuestra paz psicológica.

Les hablo hoy mientras tengo la sensación de que el mundo entero se ha vuelto como islas aisladas, o como barcos que huyen en un horizonte lleno de niebla, cada uno de ellos desplegando sus velas y navegando sin guía, sin ver nada en el horizonte que lo guía y, a pesar de ello, siguen navegando, esperando llegar a un puerto seguro que lo contenga después de su largo andar en medio de un mar embravecido.

Nuestro mundo nunca ha estado tan estrechamente conectado entre sí como lo está hoy, pero al mismo tiempo nunca ha estado más disonante y más alejado el uno del otro que hoy. He ahí la dramática paradoja que nos impone nuestro mundo contemporáneo. A pesar de lo que todos estamos presenciando en cuanto a la convergencia en la circulación de noticias y comunicaciones modernas que rompió todas las barreras de las fronteras geográficas, los conflictos y tensiones que vive el mundo rebasaron los límites de la percepción lógica y crearon, en medio de esta aparente convergencia, una divergencia fundamental que nos aleja de la verdadera esencia de la humanidad en su forma más simple.

El teatro en su esencia original es un acto puramente humano basado en la verdadera esencia de la humanidad, que es la vida. En palabras del gran pionero Konstantin Stanislavsky: “Nunca entres al teatro con barro en los pies. Deja el polvo y la suciedad afuera. Deja tus pequeñas preocupaciones, disputas, pequeñas dificultades con tu ropa exterior – todas las cosas que arruinan tu vida y desvía tu atención de tu arte – en la puerta”. Cuando subimos al escenario, lo subimos con una sola vida dentro de nosotros para un ser humano, pero esta vida tiene una gran capacidad de dividirse y reproducirse para convertirse en muchas vidas que transmitimos en este mundo para que cobre vida, florezca y esparza su fragancia a los demás.

Lo que hacemos en el mundo del teatro como dramaturgos, directores, actores, escenógrafos, poetas, músicos, coreógrafos y técnicos, todos nosotros sin excepción, es un acto de creación de vida que no existía antes de subirnos al escenario. Esta vida merece una mano cariñosa que la sostenga, un pecho amoroso que la abrace, un corazón bondadoso que la simpatice y una mente sobria que le proporcione las razones que necesita para continuar y sobrevivir.

No exagero cuando digo que lo que hacemos en el escenario es el acto de la vida misma y generarla de la nada, como una brasa ardiente que centellea en la oscuridad, iluminando la oscuridad de la noche y calentando su frialdad.

Nosotros somos los que le damos a la vida su esplendor. Somos quienes lo encarnamos. Somos quienes lo hacemos vibrante y significativo. Y somos nosotros quienes damos las razones para entenderlo. Somos los que usamos la luz del arte para enfrentar la oscuridad de la ignorancia y el extremismo. Somos los que abrazamos la doctrina de la vida, para que la vida se propague en este mundo. Para ello ponemos nuestro esfuerzo, tiempo, sudor, lágrimas, sangre y nervios, todo lo que tenemos que hacer para lograr este noble mensaje, defendiendo los valores de la verdad, el bien y la belleza, y creyendo verdaderamente que la vida merece ser ser vivida.

Les hablo hoy, no solo para hablar, o incluso para celebrar al padre de todas las artes, el “teatro”, en su día mundial. Más bien, los invito a estar juntos, todos nosotros, de la mano y hombro con hombro, para gritar a todo pulmón, como estamos acostumbrados en los escenarios de nuestros teatros, y dejar que nuestras palabras salgan para despertar la conciencia del mundo entero, para buscar en nosotros la esencia perdida del hombre. El hombre libre, tolerante, amoroso, simpático, gentil y comprensivo. Y permitirles rechazar esta imagen vil de brutalidad, de racismo, de conflictos sangrientos, de pensamiento unilateral y de extremismo. El hombre ha caminado sobre esta tierra y bajo este cielo durante miles de años, y seguirá caminando. Así que saca sus pies del lodazal de las guerras y de los cruentos conflictos, e invítalo a dejarlos en la puerta del escenario. Quizás nuestra humanidad, que se ha ensombrecido en la duda, vuelva a convertirse en una certeza categórica que nos haga a todos verdaderamente aptos para sentirnos orgullosos de ser humanos y de ser todos hermanos en la humanidad.

Esta es nuestra misión, nosotros dramaturgos, los portadores de la antorcha de la ilustración, desde la primera aparición del primer actor en el primer escenario, estar al frente para enfrentar todo lo que es feo, sangriento e inhumano. Lo confrontamos con todo lo que es bello, puro y humano. Nosotros, y nadie más, tenemos la capacidad de difundir la vida. Propaguémonos juntos por el bien de un mundo y una humanidad.

Traducido por: Osvaldo R. Salazar S, Foto: world-theatre-day.org

Día Mundial del Teatro 2023: Tanto por celebrar…¿o no?

¡Es hoy, es hoy, es hoy! Un año más de celebrar el Día Mundial del Teatro, como su rótulo lo indica, en todas partes del mundo. Y aunque se sabe que son muy distintas las formas de afrontar y ejecutar la expresión escénica en los diversos países, ciudades y pueblos del orbe, lo cierto es que hay un rasgo en común compartido: en este 2023 se está viviendo plenamente la normalidad que habitaba antes de la pandemia por COVID-19 que lo detuvo todo, o casi todo. O, más que detenerlo, lo modificó.

Pero al parecer, en la Ciudad de México, -área que cubre esta Cartelera de Teatro– ya todo está como antes: los teatros reciben al público con su aforo completo, la gente está hombro con hombro en su butaca y hay opciones teatrales para aventar hacia arriba todos los días de la semana.

El teatro virtual parece ser algo ya del pasado y cada vez hay menos cubrebocas puestos durante las funciones. El teatro está de pie o, al menos, ahí está. Pero para ubicar de mejor manera cuál es el panorama bajo el que se celebra al teatro en su día, buscamos el testimonio de diversas personas dedicadas al quehacer teatral en sus distintos ámbitos.

La productora Alejandra N. Ramos inicia el festejo: “Hay que celebrar que que después de todo este tiempo en el que no sabíamos que iba a suceder y había una gran incertidumbre -lo que en realidad mata no es lo negativo, es la incertidumbre, y eso es lo que genera que tomemos malas decisiones como humanidad-, sobrevivimos gracias a qué hubo mucha creatividad, por esta necesidad implícita en todos los que nos dedicamos a hacer esto, de conectarnos. La mayoría de las cosas que se hicieron en ese momento, y que de alguna manera seguimos haciendo, no era para ganar dinero sino para seguir vivos. Hay que celebrar que lo hicimos por una necesidad inherente a nosotros y que eso fue lo que nos hizo sobrevivir y, además, fue un oasis para las personas que tenían esa necesidad de salir de sus casas, de sus mentes, de sus realidades”.

Para la dramaturga y directora especializada en teatro para las infancias, Marcela Castillo, “después de la pandemia, las actividades presenciales y el teatro como convivio eran una celebración en sí misma, sobre todo al principio y sobre todo para las infancias, porque fue la población que realmente sufrió el aislamiento. Regresar a la idea del teatro como convivio vale la pena, pensar la presencialidad como una necesidad y que el teatro es un arte efímero. Para las niñas y los niños el teatro significa una relación con la ficción pero también con les otres niñes, además de permitirles salir de casa y, con el poder de lo presencial, tener un hecho vivo, una persona viva frente a sus ojos”.

En contraste, la directora de la compañía La Covacha Teatro, que actualmente presenta la obra El universo de cada habitación, cuestiona la situación de las políticas culturales que relegan los programas de apoyo al teatro para infancias: “hay poco interés y valoración de la importancia del teatro para las infancias, de eso que específicamente el teatro le da a los niños y las niñas que ninguna otra cosa les puede ofrecer.”

Y agrega: “hay que entender que también la crisis económica llega a las familias y que por lo tanto los subsidios son fundamentales, porque en el teatro para adultos tú puedes ir solo o acompañado, pero en el teatro para iños y niñas un papá o una mamá tiene que pagar cuatro boletos más lo que implica salir, entonces si el teatro no está subsidiado se vuelve incosteable”.

El director y docente Isael Almanza afirma que “el teatro en México tiene un gran una gran fuerza en sus creadores, pero se había tardado mucho en tener todos sus espacios abiertos. Siento que el convivio que se ha generado es mucho más entrañable, veo como espectador y creador he visto cómo el público se deja llevar, he visto las salas llenas con más frecuencia”.

En cambio, considera que “hay que dejar de celebrar este tipo de enseñanza el cual solo se se basa en en mandar y obedecer, en dar indicaciones y hacer que los actores solamente repitan una acción; tampoco hay que celebrar que no hay presupuesto para el teatro ni que se pierdan los derechos como ciudadano de exigir presupuesto para el arte y la cultura.”

El director de Casa calabaza y Cinco minutos sin respirar pide que no solamente se reconozca a las grandes producciones, pues “las obras del circuito independiente por años han demostrado grandes resultados no por su gran presupuesto sino por su gran creatividad; las obras que han ganado premios últimamente han sido producciones que están fundamentadas en la necesidad de decir algo y en la manera en que se compenetra con el público.

El actor y dramaturgista Bruno Zamudio también habla sobre las prácticas que aún permean: “no se debe celebrar que las dinámicas machistas y misóginas siguen existiendo. La pandemia no generó muchos cambios en hombres, mujeres y personas no binarias que ejercen ciertas violencias patriarcales y machistas dentro de sus prácticas. La pandemia nos permitió reconocer la sensibilidad, el cuidado de las otras, los otros y les otres; en el confinamiento había una sensibilidad del cuidado y de la salud y creo que todo eso lo hemos perdido, lo hemos descuidado. Creo que muchos de los ensayos surgidos entonces se quedaron en el pensamiento, en la reflexión, pero fue asimilado en muy pocas prácticas”.

Bruno, quien actualmente coordina el área de residencias artísticas del Centro Cultural Helénico, reconoce la labor de artistas como Micaela Gramajo, entre otras, “porque sus obras han sido generadas en un contexto de mucho cuidado, de mucha ternura y de mucha sensibilidad, en un constante cambio con el afuera del escenario, no con el afuera de la ficción” .

Y destaca la continuidad de los grupos y colectivos como “Tejiendo Redes o Medeas Investigadoras son son espacios que se lograron generar cosas post pandemia también por una urgente necesidad de hacer los proyecto y marcar pauta desde nuestras propias prácticas, sin tener que esperar un apoyo forzosamente gubernamentalo un espacio en un teatro”.

Alejandra Piastro, como recién egresada de la licenciatura del Centro Universitario de Teatro, celebra “que la formación profesional de actores y en todas las otras áreas del teatro -dramaturgia, vestuario, escenografía, iluminación, etc.- siga, porque siempre ante todos los asuntos políticos que hay en el país, está la presión de cómo hacer que la escuela siga, cómo hacer que las escuelas sigan flotando y sobreviviendo. Que haya escuelas públicas que sigan formando artistas profesionales, me parece muy importante, porque si no, se cae en una crisis de profesionales y en una visión del arte como un hobby”.

En contraste, la joven actriz y productora apunta sobre “la falta de apoyos públicos y privados destinados a los artistas teatrales que estamos empezando me parece fuertísimo: cuántas convocatorias no me crucé en donde uno de los requisitos es tener tres o cinco años de experiencia cuando no hay cómo tenerlos; esto nos lleva a competencias rapaces y sabes que son competencias absurdas cuando dejas de alegrarte y admirar y escuchar a tus compañeros de generación de las distintas escuelas.”

La fotógrafa especializada en artes escénicas, Pili Pala opina que “hay que celebrar la resistencia de las, los creadores que activan el ecosistema cultural, incluso con instituciones empobrecidas, con recortes presupuestales históricos. Celebró a los colectivos que han alzado la voz para señalar abusadores y celebro mucho la postura propositiva de las juventudes del teatro. Celebró al público que valora nuestro trabajo y evita contribuir a la explotación laboral a la que estamos sometidos gran parte de las y los artistas del teatro, que nos encontramos en la precarización. Celebró a mis compañeros que aún con todos los pesares que nos aquejan seguimos aquí preguntándonos ¿a dónde ir? qué hacer? ¿por qué luchar? como ciudadanos, como artistas y como seres humanos”.

En el polo opuesto, la autora de las imágenes de El eterno verano de la guerra y La luz del otro, menciona: “lo que no merece celebrarse es que el artista esté sometido al poder y tenga que pelear migajas para sobrevivir cuando el arte debe transformar la realidad para la liberación de la sociedad de los dogmas y la explotación. Es necesario un teatro más revolucionario, pero no absurdo, no con analfabetismo político, no que siga beneficiando o blanqueando los discursos de las clases en el poder, sino que apueste por acercarse a las masas”.

En la óptica de la publirrelacionista Adriana González, “sigue habiendo muchísimas opciones para todo el mundo, de todos los precios: desde los jueves de 30 pesos hasta obras que son gratis; hay muchas obras de muy buena calidad para todo público y para todos los bolsillos. Tenemos una cartelera que cualquier país quisiera: y hay profesionales del teatro maravillosos: actores, directores, escenógrafos, diseñadores de vestuario, de luces… gente que está haciendo cosas geniales lo mismo para entretenimiento que para tem as sociales que es necesario visibilizar”.

La encargada de difusión y prensa de Algodón de azúcar y La luz del otro, considera que lo que falta es “trabajar muchoes en en incluir más a toda la población; a pesar de que México es un país que que produce mucho teatro, hay un gran porcentaje del público sin tener el teatro en su radar; no hemos sabido cómo llegar a todo mundo y que se entere de que hay teatro gratis o a bajos precios. Creo que debería haber una propuesta más institucional para atraer a la gente no a una obra sino a muchas”.

Ana Gabriela Villasana, responsable de documentación y públicos de la Compañía Nacional de Teatro festeja “que el teatro sobrevive, que sigue transformándose y adaptándose a las nuevas generaciones. Puede celebrarse que exista -y resista- el teatro independiente, el teatro comunitario, el teatro indígena, el teatro experimental, el teatro comercial, y que siempre hay un lugar para encontrar cualquier género”.

En contraste, “lo que no puedo celebrar es la sensación de estancamiento que aún permea en el grueso de la oferta teatral. La idea de que el teatro sólo existe en su mismo medio, en la gente que lo hace, la que lo interpreta y la que lo difunde. Que el círculo teatral sea eso: un círculo. Que prevalece una angustiante idea de que el teatro, fuera de ese círculo, pueda extinguirse. Y que aún no se pueda encontrar esa solución contundente y tangible que sume números a los registros de asistencia, que rompa con los prejuicios sobre el teatro (que es para ciertas personas como de clase alta o intelectuales) y que se vuelva tan común como cualquier otro pasatiempo.”

Recientemente ingresada al elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro, la actriz y dramaturga Adriana Reséndiz comenta: “lo que se tiene que celebrar es que podemos volver a vernos, volver a sentirnos y volver a vivir el teatro, que tenemos historias que contar, memorias que compartir, que queremos estar en el teatro y que éste no muere ni morirá nunca”.

La autora de Memoria mala acepta que, lo que no la tiene muy contenta es “que la vorágine de la vida nos está agarrando y colocando en los mismos lugares que estábamos antes, en una crisis social, en una desigualdad y falta de empatía y en el tiempo pandémico hubo un renacimiento del cuidado, del cariño, de necesidad del otro y lo que pasa ahora, no solo en el teatro -pero es el teatro el reflejo de la vida- es que estamos regresando a las cosas que juramos que no iban a volver a suceder.”

Para el actor, narrador y músico Diego Cristian Saldaña, “lo que hay que celebrar es en el teatro la diversidad que hay de estéticas, de voces, de discursos, de formas de acercamientos. Hay que celebrar la tenacidad de les creadores que están detrás de estas distintas búsquedas y que a pesar de todas las dificultades acentuadas por el COVID, han encontrado estrategias para sostener su trabajo. Y hay que celebrar el espacio de encuentro que el teatro sigue brindando no solamente a les espectadores sino también a les creadores, para la comunidad, para los barrios en los que están los teatros”.

Y agrega: “lo que no creo que se pueda celebrar mucho es la economía en la que estamos inscritos la mayoría de les creadores teatrales, pues es una economía muy precaria, que responde a una serie de violencias y tabús sobre lo que ganamos y cómo lo ganamos; la falta de tabuladores y la falta de esfuerzos comunitarios como comunidad teatral. Creo que podríamos aprender más del ámbito de la música, que ahí suele generar escenas en las que hay voces individuales muy poderosas, pero que muchas veces van en conjunto a los toquines y festivales.

El crítico teatral y publirrelacionista Hugo Hernández está feliz pues “estamos al 100% de los aforos, hay decenas y decenas y decenas de montajes que se están por fin estrenando: se quedaron muchos pendientes y ahora están saliendo a la luz”. Empero, cuestiona la falta de público en las salas:el teatro que se hace en México es de una calidad estupenda, la oferta en todos los géneros, en todos los recientos, es enorme, pero de pronto uno encuentra obras maravillosas que tienen pocos espectadores y eso es para hacer un reclamo permanente”.

El traductor y editor Humberto Pérez Mortera festeja “el hecho de seguir teniendo teatro, de seguir teniendo textos, gente que sigue escribiendo, que exista teatro incluso más comercial, porque eso le permite a los actores que no pueden cobrar tanto en el teatro subvencionado o independiente, recuperar algo. El que siga habiendo edificios y tener ahí a los técnicos y que muchos hayan sobrevivido a las enfermedades de la pandemia, es más que suficiente para celebrar”.

Y, al igual que varios de los arriba citados, enfatiza: “a mí me interesa mucho que el teatro siga estando muy cerca del apoyo del gobierno, que no se deje al libre mercado. Hay que apuntar a que regrese el estado a estar presente en la subvención a los artistas”.

Volviendo con Alejandra N. Ramos, la coordinadora del Teatro La Capilla acepta que “la pandemia nos hizo perder muchísimo de todo lo que habíamos trabajado, yo creo que todo los que habíamos avanzado y desarrollado una carrera, un espacio, una compañía o un proyecto sentimos un jalón para atrás que no nos esperábamos y que además es irrecuperable: nos va a costar muchos años recuperar lo que perdimos, pero los problemas y las crisis son siempre oportunidades para crecer y creo que de ahí la enseñanza como gremio, como artistas es que espero que todos tomemos esta oportunidad para crecer, para modificar formas, construcciones actitudes y discursos.

Finalmente, Luis Jorge González, abogado de profesión y espectador teatral de vocación, se une al festejo así: “hay que destacar su persistencia, esa necedad del teatro mexicano de crearse constantemente a sí mismo, de no dejarse morir. El contexto actual no ha sido nada sencillo, tanto por factores externos, como una pandemia global que prácticamente satanizó las conglomeración de personas, una realidad que cada vez se traspasa más a lo digital, o una tendencia a que el entretenimiento moderno debe ser breve, trepidante, constantemente estimulante y cada vez más digerible; como factores internos, tales como los inusitados cambios políticos, ideológicos, institucionales y burocráticos, que tienen su efecto en el sector cultural. Pero ante todo eso, los creadores escénicos mexicanos han sabido ejercer la mejor cualidad del ser humano como especie: su capacidad para adaptarse a las circunstancias de su entorno; entregándonos así trabajos de gran calidad y corazón, obras que nos hablan de nuestro presente, y de nuestra condición como seres contemporáneos confrontados ante un mundo, que al mismo tiempo que parece que pronto acabará, esta frenéticamente en movimiento”.

Luis Jorge, creador y coordinador del Club Amantes del Teatro, finaliza este encuentro de voces sobre el Día Mundial del Teatro. Y es que, al final del día, quién si no el espectador es el que tiene la última palabra: “Una de las cuestiones fundamentales en las que deberíamos ocuparnos es el hecho de que tan pocas personas en nuestro país vayan al teatro, que aún sea una experiencia para unos cuantos y que todavía tantísima gente en nuestro país nunca en su vida haya visto una obra teatral, como lo demuestran las estadísticas. Es triste pensar que la gran mayoría de la población esté privada de la que quizás sea la más humana de las expresiones artísticas, una que en otros tiempos fue considerada fundamental para la formación espiritual.

Agrega: “En la Comunidad tratamos de aportar un poco a la solución de esta problemática, procurando generar no sólo públicos nuevos, sino también gente crítica y reflexiva sobre el trabajo teatral, ya sea compartiendo en conjunto la experiencia de ir al teatro o en los círculos de lectura dramática, así como crear un vínculo y un diálogo entre espectador y creador. Creemos y confiamos en la colectividad y en su inercia, como un aliciente para provocar en las personas una necesidad por vivir constantemente el arte escénico en cualquiera de sus formas, y eso lo celebramos”.

Por Enrique Saavedra

Especial Día Mundial del Teatro: 2023 el año de la apertura plena

El teatro nos dice cosas sobre nosotros mismos que desconocemos

Comienzo a escribir este texto para conmemorar el Día Mundial del Teatro, que se celebra cada 27 de marzo desde 62 años, en otra fecha cargada de significado: el 8 de marzo, el Día Internacional de las Mujeres

Marzo inicia con una fecha que conmemora la lucha de las mujeres por lograr el cabal cumplimiento de su derecho a la igualdad, la justicia, la paz y el desarrollo íntegro. En esta lucha no está excluido el teatro, ni la literatura, son espacios políticos que deben ser tomados. El mes cierra con una fecha para celebrar, una fecha que nos recuerda, hoy más que nunca, que el teatro no va a morir, no puede, ni debe hacerlo.

Ninguna puesta en escena nos deja indiferentes. Tenemos una relación muy especial con el narrar y escuchar historias, con el acto colectivo de reconocernos en la historia del otro. ¿Y qué otra cosa es el teatro más que eso? Podemos salir de una representación teatral emocionados, extasiados, reflexionando o francamente decepcionados, e, incluso, con la sensación de haber perdido el tiempo, pero nunca saldremos de un teatro como si nada hubiera pasado. 

Después del silencio forzado por la pandemia, recuperamos la oportunidad de escuchar y reconocernos en otros. 2020 fue el año del cierre y la incertidumbre; 2021 el de la lucha por salir a flote; 2022 fue una apertura paulatina -un estira y afloja-; el 2023 está siendo el año de la apertura plena. El público, poco a poco, se ha volcado a las salas; ha entendido que de él depende la salud del teatro.

Pero, ¿cuánto dura una pandemia? La historia nos ha enseñado que una pandemia no tiene un final único. Existe uno médico, determinado por una serie de indicadores medibles. El otro es el social, que está determinado por una serie de factores más difíciles de medir. 

Según ha declarado el director de la Organización Mundial de la Salud (OMS),  el dr. Tedros Adhanom Ghebreyesus, el final de la emergencia por el COVID-19 en el mundo podría llegar a su final este año. Esto supondría el fin médico de la pandemia. En términos sociales también estamos cerca de ello, muchos historiadores coinciden en que la disminución del miedo ante la enfermedad es lo que marcaría su final. 

Sin embargo, no se ha decretado aún el final de la pandemia y permanecen como testimonio de lo que hemos vivido varias secuelas. El teatro en México y en muchas partes ya se encuentra al 100%. Sin embargo, sabemos que el impacto de la emergencia sanitaria fue devastador para el teatro, creadores y compañías. Si bien no existen estadísticas con datos duros confiables sobre las pérdidas económicas del sector en nuestro país, todos coincidimos en que el impacto fue enorme. 

Otra situación que se ha derivado de la pandemia es que hay un rezago en la programación de los espacios. Muchos proyectos quedaron pausados o interrumpidos, muchos que estaban por arrancar tuvieron que posponer. Esto ha creado una especie de cuello de botella, en el cual los teatros y foros se están reprogramando y tratando de dar salida a todas estas propuestas. 

El manejo de la emergencia, en lo que respecta al teatro, evidenció la necesidad de crear legislaciones y reglamentos específicos para las artes escénicas. Esto es evidente en que a espacios de 100 personas se le dio el mismo tratamiento que a los conciertos masivos o espectáculos deportivos. Naturalmente, el impacto para lugares de aforo reducido no es equiparable al de un estadio o una arena con capacidad para miles de espectadores. 

Esto que dejó la pandemia es una realidad, pero también es una realidad que el público ha vuelto. Que el teatro ha sobrevivido a esta emergencia, como lo ha hecho antes. Hoy los creadores han vuelto a su espacio natural, también el público, que es el encuentro presencial entre ambos. Porque el encuentro entre las personas es una necesidad intrínseca a nuestra naturaleza.

Sin embargo, no son solo los efectos residuales de la pandemia los peligros que el mundo enfrenta. La guerra, como una sombra constante, se asoma en distintas latitudes del planeta. El cambio climático es una realidad que amenaza al ser humano y al mundo como hasta ahora lo conocemos. Desastres y migración forzada por la violencia y las crisis económicas son noticias de todos los días.

En eso, el teatro tiene también mucho que decir. Ha demostrado a lo largo de la historia  su capacidad transformadora

No sabemos exactamente cuando nació el teatro, tenemos una intuición de que fue muy temprano en la historia de la humanidad. Las referencias más copiosas las tenemos en la antigua Grecia. De ahí viene el nombre del teatro como lo conocemos, de la palabra griega para “mirar”, para “contemplar”. 

La obra más antigua que se conserva es Los Persas de Esquilo. El autor ahí nos habla de la guerra,  sin odio ni escarnio representa a los enemigos de su civilización. Unos años más tarde, en el 415 a.c., Eurípides presentaría en un teatro ateniense Las Troyanas. Podemos imaginar el estupor de los atenienses al escuchar en voz de Hécuba el amargo futuro que espera a las mujeres  de Troya, y el cruel destino que los héroes derrotados sufrieron. Eurípides decidió, en lugar de alabar uno de los mitos fundacionales de la Grecia antigua, denunciar el desastre que esta epopeya representó para otros. En Las Troyanas su autor habla de la violencia y las brutales consecuencias que la guerra trae. 

Estas dos obras muestran, desde muy temprano, la vocación del teatro: su fuerza y su potencia al dar voz a quienes no la tienen

Sobre la emergencia climática que el mundo enfrenta, el teatro también tiene algo que decir. Un ejemplo de ello es la labor que la ONG S.A.F.E. Kenia viene realizando desde hace algunos años en el país africano.  Esta organización promueve el cambio social a través de herramientas como la educación, el teatro callejero, el cine y programas comunitarios. Uno de estos programas ha llevado a actores y creadores escénicos a dialogar con los pobladores de aldeas para escuchar la problemática que enfrentan debido al cambio climático. A partir de esta experiencia, los artistas realizan una obra que se representa en diversas comunidades.

S.A.F.E Kenia señala que estas representaciones inspiran el cambio en el comportamiento de las personas y logran “derribar barreras para permitir el acceso a información y servicios que salvan vidas. Las representaciones brindan a las personas el vocabulario, la información, las habilidades y las actitudes que les permiten dar los pasos cruciales para mejorar sus propias vidas”.

Por todo esto, en 2023 tenemos mucho que celebrar, a pesar de los rezagos y consecuencias que enfrentan las artes escéncias después de la pandemia. Tenemos la oportunidad de celebrar plenamente al teatro cómo debe celebrarse, yendo al teatro. Hoy podemos celebrar que el teatro ha sobrevivido nuevamente, y podemos hacerlo en el acto presencial, sentados unos al lado de otros.

Celebremos al teatro en su día. La enseñanza más grande que la emergencia sanitaria nos puede haber dejado, -además de que tenemos el deber como humanidad de fortalecer y dar un alcance universal a los sistemas sanitarios, al desarrollo equitativo y a la solidaridad entre todos los seres que habitamos este planeta- está el que, como decía Camus en su novela La peste, la “alegría está siempre amenazada”. El autor autor y dramaturgo francés entendió que “la peste no muere ni desaparece”, que puede permanecer dormida y “puede llegar un día en que la peste, para desgracia y enseñanza de los hombres, despierte”.

Nosotros tenemos que estar preparados y no olvidar lo que en este tiempo hemos aprendido: el arte y el teatro salvan. Si bien, tuvimos que replantearnos  nuestra forma de ver el mundo y de relacionarnos, también aprendimos que no hay sustituto para el ritual teatral y la comunión que tanto amamos. ¡Feliz Día Mundial del Teatro!

Por Óscar Ramírez Maldonado

La reina de belleza de Leenane

3 razones para ver LA REINA DE BELLEZA DE LEENANE

Si te gusta el humor negro y un texto muy bien escrito, no te puedes perder La reina de belleza de Leenane en donde encontrarás un tono en el montaje que se acerca al naturalismo, para hablarnos de los límites a los que puede llegar una relación.

Su directora, Angélica Rogel, ha dicho que a través de este “mundo casi naturalista” se generan dinámicas que enriquecen el montaje. Estamos totalmente de acuerdo con la directora, la manera en que nos narra esta historia le da un sabor especial que nos mantiene atentos desde el inicio.

Martin McDonagh, autor de la obra, es un dramaturgo sobresaliente. Si bien últimamente lo hemos visto escribir y dirigir para cine, ganándose un lugar en esa industria con filmes como Tres anuncios por un crimen y Los espíritus de la isla, su trabajo en teatro es magistral.

Si todavía necesitas más razones para ver La reina de Belleza de Leenane, aquí te contamos tres que hacen imperdible este montaje.

1. Personajes entrañables y complejos. Maureen, Mag, Pato y Ray son producto de su realidad. Son personajes que viven en la apartada colina de Leenane, la miseria – económica y humana – es parte de su entorno. Ellos pueden pasar de ser víctimas a ser victimarios. En algunas de sus acciones y reacciones nos podemos reconocer a nosotros mismos o a personas que conocemos. Son, en resumen, personajes complejos que entre ellos se relacionan de una manera multidimensional; pueden parecernos entrañables en un momento y al siguiente, seres despreciables.

2. El regreso de Sofía Álvarez. Ana Graham, Antonio Vega y Roberto Beck están estupendos en escena, de ello no cabe duda. Sin embargo, tenemos que decirlo, Sofía Álvarez le da un toque especial a Mag. Con este montaje la actriz regresa al teatro después de un tiempo alejada de los escenarios y da a su personaje matices que la llevan de la vulnerabilidad a la perversidad y la malicia.

3. Un ambiente naturalista. El Foro la Gruta es un espacio pequeño, en el que normalmente vemos escenografías minimalistas. En el caso de esta obra nos encontramos con un uso y aprovechamiento del espacio muy efectivo. Contrario a lo que se acostumbra en este foro, podemos ver una escenografía de inspiración naturalista. En el escenario nos recibe un segmento de una cabaña que nos hace sentir en un lejano lugar de Irlanda. La iluminación, la música y el vestuario son elementos que suman para lograr una propuesta muy redonda.

Así que ya lo sabes, La reina de belleza de Leenane es una obra que debes ver, para más información de la obra, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro

Sergio López Vigueras

“El otro es siempre un infinito, es siempre un universo”: Entrevista con Sergio López Vigueras

El 30 de marzo estrena La luz del otro, la nueva producción de la compañía Teatro Sin Paredes, bajo la dirección de David Psalmon. Para hablar de esta propuesta, que se presentará en la Sala Xavier Villaurrutia del CCB, platicamos con Sergio López Vigueras, autor del la obra.

Este montaje, nos explica, se ubica en un universo ficcional en el año 2123. La idea es lanzar una serie de hipótesis y preguntas, entre ellas: ¿Cómo sería para los últimos habitantes del planeta encontrarse?

El montaje nos narra el encuentro de Bernardo y Diana, que son -al parecer- los últimos sobrevivientes de la humanidad. Según López Vigueras, cada uno de estos personajes carga “una trayectoria de acontecimientos que los llevaron a este punto” y una trayectoria histórica. 

Bernardo y Diana, los personajes comparten el nombre con los actores que los interpretan (Bernardo Gamboa y Diana Sedano), son una ficcionalización con la que se abre un juego de representación, destaca el dramaturgo.  En este juego, dice, lo que le interesa a la compañía no es una construcción de un universo meticuloso sobre el fin del mundo al estilo de Hollywood. Lo que se busca, nos aclara, es lanzar una investigación especulativa a partir de preguntas sobre nuestro presente

Al respecto, subraya, el encuentro de ambos personajes, inevitablemente, da paso a la violencia. En la naturaleza de estos personajes está el miedo, el rencor y el odio por lo que cada uno representa y ha vivido, reflexiona. Sin embargo, agrega, al ser los últimos sobrevivientes, Diana y Bernardo deben evitar caer en el vacío y el horror de la violencia. Evitar esta nada, señala, se los impone el encuentro con el otro, “el otro como un infinito que no habían visto”.

 

Ser capaz de plantear la responsabilidad hacia el otro

El punto de partida, explica el creador escénico, es una reflexión  sobre una serie de líneas que atraviesan hoy nuestra realidad. Entre ellas, destaca, el calentamiento global, los enfrentamientos entre naciones, la industrialización extrema, las migraciones forzadas por problemas sociales. Estas líneas, agrega, configuran nuestra historia presente y generan conflictos que marcarán, en un futuro, la vida de estos personajes. 

En este sentido, puntualiza, debemos  preguntarnos: “¿Dónde estamos ahora? ¿Qué estamos haciendo ahora para evitar llegar a ese punto?” 

Durante el desarrollo de la historia, señala: “Ellos se dan cuenta en este encuentro que han visto la historia y han visto el mundo desde su perspectiva en el centro. Ubicándose ellos mismos en el centro del mundo”.

Sergio López Vigueras explica que esta creación está inspirada en el filósofo lituano Emmanuel Lévinas, quien fue recluído en un campo de concentración durante el Holocausto. El filósofo, después de la guerra, nos comparte el dramaturgo, reflexionó sobre la historia del pensamiento y encuentra que ésta siempre ha tenido al “Yo” en el centro, reduciendo y limitando al mundo. 

Esto nos lleva a que, para evitar esta reducción y que el otro sea solamente una “fantasía”,  sea necesario partir de una ética antes que del conocimiento limitado del mundo:  “Antes de conocer al otro y reducirlo, tengo que poder ser capaz de plantearme la responsabilidad hacia el otro”.

Para el dramaturgo La luz del otro es casi una parábola para reflexionar sobre el tiempo y nuestra responsabilidad con los otros y con la humanidad

 

El proceso de montaje de La luz del otro

López Vigueras, además de escribir la obra, realiza el diseño de escenografía y de iluminación. En este sentido, nos dice que ya son varios años que realiza este tipo de colaboración en Teatro Sin Paredes. Entre las colaboraciones recientes nos menciona Después de Babel, Auxilio y Tártaro.

Se trata de procesos, comparte, en los que con David Psalmon y Bernardo Gamboa, y ahora con Diana Sedano, se plantean inquietudes y temas de los cuales desean hablar, así como de posibilidades escénicas. A partir de ello, nos dice el autor, él se centra en la dramaturgia, pues si bien hay una colaboración de todos, “también hay áreas de especialidad”. 

Una vez que presenta algunas propuestas el dramaturgo, se da un diálogo y en los ensayos se va “entendiendo cómo puede ajustarse, qué se requiere, qué caminos tomar”.  Esto hace, considera, que sea: “ Una dramaturgia que está en constante retroalimentación con el proceso de montaje”. 

Un proceso similar, agrega, sucede con la escenografía. Al respecto, explica: “El diseño es una toma de decisión sobre la materialidad, sobre cómo va a tomar tridimensionalidad algo que en el papel es pura potencia. Este proceso es un proceso [… ] a varios frentes, por varios lados vamos retroalimentando y realmente se forma una red de colaboración y de significación. Esto es muy grato, es realmente una especie de laboratorio”.

 

¿Por qué ver La luz del otro?

Cuestionamos al creador escénico por qué razones el público debe ver la obra, y nos compartió:

“En primer lugar yo diría la actuación de Bernardo y Diana, es espectacular siempre verlos en el escenario y creo que por sí solo vale la pena eso. Las actuaciones de Bernardo Gamboa y de Diana Sedano y, obviamente, todo el trabajo del equipo creativo”.

Además, agrega: “Es una historia que proyecta en el futuro para reflexionar sobre el presente. Creo que ese es un valor de La luz del otro: Imagina un futuro para reflexionar sobre el presente, para ver en el espejo de hoy dónde estamos, hacia dónde vamos”.

Finalmente, nos dice: “Debemos salir del confort en el que hemos aprendido a ver el mundo, porque debemos de salir del lugar desde el que aprendimos a ver el mundo. Debemos entender que hay otras formas, no nada más por consigna, sino porque vamos a descubrir nuevos universos. El otro es siempre un infinito, es siempre un universo y descubrirlo no solo es una maravilla, sino es también una responsabilidad”.

 

El teatro tiene la capacidad de conmover profundamente

Para Sergio López Vigueras, si bien el teatro no tiene la capacidad de mandar un mensaje a una enorme cantidad de personas, como la tienen los medios masivos, sí tiene la capacidad de “conmover profundamente”

En este sentido, sostiene, puede conmover a las personas que vean una obra como La luz del otro. Estas personas, destaca, “sí viviremos, en conjunto, un acontecimiento que nos sacude”. El teatro, agrega, lo que sí tiene -en el caso por ejemplo de esta obra- es que tengamos frente a frente a dos actores narrando “una historia que nos apela profundamente, y creo que esa es la conmoción que genera el teatro”. 

Para el dramaturgo, el teatro tiene: “La posibilidad de hablarnos de nuestras emociones más profundas, a nuestros sentimientos, a nuestros pensamientos”. 

Estas características hacen, para nuestro entrevistado, que el teatro muchas veces sea una experiencia extraordinaria. En este sentido, está convencido que el espectador vive una obra de teatro. Como ejemplo, nos comparte sus experiencias de juventud, y nos dice que recuerda todavía “con mucho amor, con mucha emoción, obras que ví en mi secundaria en mi preparatoria”. 

Esta clase de obras, agrega: “Las sigues recordando por la emoción que te causa, por la sorpresa, porque te conmueve, y forma parte de tu pensamiento el bagaje que una obra así te deja”. 

 

El teatro es el lugar para reflexionar el mundo y reflexionar el mundo en conjunto

También platicamos con el dramaturgo, aprovechando la celebración del Día mundial del Teatro, sobre la importancia de esta fecha y lo que el teatro ha significado en su vida.

Sergio López Vigueras considera que esta fecha es una ocasión para pensar cuánto nos da el teatro en la vida cotidiana. En su caso, nos dice, le ha dado educación y una formación, así como una ética de trabajo. En el plano personal, nos confiesa, le ha  dado “amistades, relaciones humanas, me ha dado la posibilidad de conocer otras geografías, me ha dado la posibilidad de encontrarme con otras personas”.

Sin embargo, agrega: “Más allá de eso, yo siempre que vuelvo a un salón de ensayo, siempre que vuelvo a empezar un proceso, un taller, es decir, siempre que me encuentro con la raíz, con lo más profundo, el teatro me vuelve a conectar una y otra vez con lo humano, con la humanidad, con entender la vulnerabilidad, el miedo, los sentimientos, los apegos, las luchas, las búsquedas. Es decir, el teatro es el lugar para reflexionar el mundo y reflexionar el mundo en conjunto, siempre que estamos en un salón de ensayos hacemos una nueva familia, una familia no consanguínea, una comunidad unida y abrazadas por fines más allá que los evidentes”.

Para más información de este montaje haz clic aquí.

Regina Blandón y Mabel Cadena madrinas de estreno de la obra EMILIA

Este jueves estrenó en el Teatro Helénico Emilia, de la dramaturga inglesa Morgan Lloyd Malcolm. Bajo la dirección de Mariana Hartasánchez, tendrá funciones hasta el próximo 21 de mayo.

La obra narra la historia de Emilia Bassano, la primera poeta de la lengua inglesa. Es una historia que no se había contado antes, una historia que se había silenciado. Emilia es una comedia valiente y divertida, que habla de la poeta que ser rumora era “La dama negra” de los sonetos de Shakespeare.

Al finalizar la función, la directora recordó que Simone de Beauvoir “decía que no se nace mujer, sino que llega a serlo”.  En este sentido, destacó que este montaje le ha enseñado sobre lo que ella misma no sabía sobre ella misma. Le ha enseñado, dijo: “Sobre la forma en que podemos convivir, escucharnos, respaldarnos. Hartasánchez subrayó que muy pocas veces uno puede encontrar un texto tan congruente desde la escritura”.

Se montó, explicó, “sabiendo que lo que dice esta obra es que, a fin de cuentas, la única forma de construir feminismos, que son muchos, es escuchándonos entre nosotras, respaldándonos, y haciendo lo que siempre hemos hecho a lo largo de la historia, que es acompañarnos”. En la obra, agregó, no hay víctimas ni hay victimarios, no se señalan culpables. Pues se trata: “De un cambio colectivo, y esta obra es gozo, esta obra es fiesta”.

El elenco de Emilia lo integran Aída López, Amorita Rasgado, Coty Camacho, Emma Dib, Haydeé Boetto, Mariana Gajá, Lucía Uribe, Assira Abbate, Gabriela Betancourt, Karime Alonso y Luz Adriana Carrasco y en la música en vivo Maricarmen Graue y Montserrat Revah.

Las madrinas del estreno fueron Regina Blandón y Mabel Cadena. Mabel dijo que en el montaje hay mujeres que le “han abierto mundos, me han abierto puertas, me han dado herramientas”.  En este sentido, afirmó: “Compañeras de escena generosas, maravillosas, me han enseñado a reconocerme como actriz y como mujer. Hoy, como espectadora, me han dado el hermoso regalo de sentir y de conmoverme”.

Por su parte, Regina Blandón calificó al texto como conmovedor, poderoso y valiente. La actriz dijo que es “una historia como esta necesita transmitirse y ser contada por gente valiente”, sobre todo en un país como el nuestro, con el nivel de desigualdad, machismo y violencia que tiene.

En este sentido, señaló: “Esta obra honra y amplifica la voz de Emilia, sí, y también las voces de miles y miles de mujeres que vinieron antes, mujeres que también fueron silenciadas. Honra a nuestras ancestras, a nuestro linaje femenino. Y es por las que lucharon, por las que luchamos, por las que vienen, porque seamos libres y vivamos sin miedo”.

El teatro, dijo Blandón, “nos permite contar y transmitir historias desde un lugar amoroso, que resiste y que resuena, y que sigue y va a seguir. Un lugar que replica y amplifica voces sin importar de dónde y de cuando vengan”.

María Inés Olmedo, productora del montaje, destacó que: “Es la primera vez que este texto, esta obra se presenta, no nada más en México y en América Latina, sino en el continente americano, y nos llena de orgullo poder contar esta historia sobre el escenario mexicano”.

Para más información del montaje, horarios y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro

Angélica Rogel

“Siempre estoy pensando en que yo soy esa persona que se sienta en la butaca”: Entrevista con Angélica Rogel

Angélica Rogel es una directora escénica que se ha mantenido muy activa en los últimos años. Apenas finalizó en enero el montaje Jauría, y ya se ha estrenado un nuevo proyecto bajo su dirección: La reina de belleza de Leenane. Además, se encuentra trabajando ya en su nueva obra, un musical.

Rogel ha mostrado, a lo largo de su trayectoria, solvencia como directora. Incursionando en géneros muy diversos, como la impro, el cabaret, el drama documental o en obras de corte naturalista ha logrado resultados sólidos. Nos acercamos a ella para platicar un poco sobre su carrera en esta segunda entrevista en nuestra serie de mujeres directoras.

 

Los inicios en la dirección escénica

Sobre su inicio en la dirección teatral, Angélica nos comenta que comenzó a estudiar actuación y cuando ingresó a la carrera de teatro en la ENAT, lo hizo ya con curiosidad por dirigir. En este sentido, nos comparte que ahí fue donde intentó dirigir su primer proyecto, con el cual “no se logró mucho”. 

Sobre este primer acercamiento explica: “Fue muy complicado porque a mí todavía me tocó una época donde no había tantas mujeres dirigiendo”. 

Después de terminar la carrera, Rogel buscó especializarse, tomando clases de impro, cabaret y dirección. Al respecto, señala: “Seguí estudiando y con eso empecé a dirigir cabaret primero, justo con “La del cabaret”, Minerva Valenzuela, formamos un grupo. Ahí escribíamos, dirigíamos, hacíamos lo que habíamos soñado”. 

El primer texto de dramaturgia contemporánea que dirigió Angélica fue Placer y Dolor. Este texto,nos comparte, lo conoció a través de Boris Schoemann, el director y fundador de la compañía Los Endebles. Esto, nos narra, sucedió en una Semana de la Dramaturgia: “Primero dirigí varias lecturas y luego dirigí este texto, de ahí cada vez ha sido más fácil acceder”. Desde entonces, nos dice, trató de continuar más como directora que como actriz. 

 

Los constructos sociales como obstáculo

La directora teatral nos dice que, a su parecer, existe un constructo social que provoca la menor visibilidad de mujeres en ciertos puestos. En este sentido, agrega, la idea que existe es “el hombre dirige, la mujer actúa, el hombre hace escenografía y la mujer hace vestuario o maquillaje”. 

Se trata de algo que, finalmente, impone una sociedad durante años, reflexiona, pero puntualiza: “Te lo vas comprando también, vas entrando en la dinámica de esto funciona así”. 

En este sentido, dice, “no es que cuando yo estaba estudiando en la ENAT no hubiera mujeres directoras, las había. Estaba Cecilia Lemus, que trabajé con ella, estaba ya trabajando Iona, estaba también Claudia, pero ahorita te puedo decir tres nombres de mujeres, o cuatro, cuando podría decirte una decena de nombres de directores hombres”. 

Nos cuenta anecdóticamente que, cuando ella estudiaba en la ENAT, su grupo estaba integrado por siete mujeres y dos hombres. “A quienes nos dieron ganas de dirigir fue a un hombre, un compañero mío, y a mí, y fue más fácil que respaldáramos el proyecto de mi compañero que el mío”. Al respecto, aclara que a su parecer no se trata de conductas “de mala onda” o de “eres mujer, no lo mereces”, son en todo caso, “construcciones que hemos seguido”.

Para la directora, afortunadamente estas construcciones cada vez se van rompiendo más. Esto, afirma, dará lugar a que “un día dejemos de cuestionarnos quién dirige, quién actúa, quién escribe, y que sea algo que hacemos las personas en general y no una profesión para hombres o para mujeres”.

 

Formas de aportar

Angélica Rogel nos confiesa que algo que tiene muy claro en su trabajo es que no le gusta dirigir obras en las que los personajes femeninos no tengan algo importante que decir. Esto, nos dice, es “parte de lo que yo puedo aportar”. 

Sobre este particular, explica que desde el lugar en el que ve el universo, y en su universo, existe siempre una equidad. Es, subraya: “Un lugar donde los personajes son tan importantes masculinos como femeninos. Ninguno de los personajes está de adorno”. Por ello, la creadora escénica busca dramaturgias que tengan esa característica.

 

Variedad de géneros

La facilidad con la que la directora se mueve entre géneros distintos viene de su formación cuando terminó la carrera. “Me cuestionaba mucho sobre cómo funciona el teatro dentro del espectador, me preguntaba mucho el ejemplo de la cuarta pared y con qué finalidad hacemos ese tipo de dramaturgia o cierto tipo de obras”, nos dice. Por esta razón, agrega, se decantó por la improvisación y el cabaret, por el contacto con el público.

Sin embargo, puntualiza: “Después lo que pasó, evidentemente, fue que tanto en la impro como en el cabaret ciertos discursos estéticos no podía abordarlos, no encontraba la manera de acercarme a ellos, por eso empecé a trabajar con dramaturgia contemporánea y con una forma quizá más convencional de hacer teatro”.

Se trató, nos comparte, de una búsqueda de hacia dónde moverse y generar un lenguaje propio en algo que ya está escrito, cuestionando las cosas. 

En los últimos años, reflexiona, regresa poco a poco a la impro, por ejemplo. Se trata, nos confiesa, de un lenguaje que no puede soltar, pues con él se conecta mucho con lo que le interesa transmitir hacia el público. 

 

Dialogar con quien está viendo la obra

Como ejemplo nos pone el nuevo espectáculo en el que se encuentra trabajando, que es un musical improvisado. Con esto, nos dice, busca: “seguir jugando a tener algo que es muy formal, como un musical que necesita muchas reglas, y a su vez tratar de romperlo por medio de la impro”. Es algo, considera, que puede conectar muy bien con el público.

Por el contrario, apunta,  una propuesta como La reina de belleza de Leenane es un trabajo completamente medido. Ahí, considera, el lugar del espectador es “volverse parte de la escena como un voyerista”. Es decir, nos explica, como alguien que está viendo una escena en la realidad, como un observador de un acontecimiento real. Para lograr esto, destaca, “se necesitan muchos ensayos para lograr que la repetición se vuelva orgánica”.

A pesar de que estos procesos son, en apariencia, muy distintos, ambos buscan dialogar con quien está viendo la obra, nos dice. Los procesos pueden tener sus diferencias y sus encuentros, pero, nos dice la directora “siempre estoy pensando en que yo soy esa persona que se sienta en la butaca, qué espera encontrar, que si yo encuentro algo quizá hay otras, por lo menos, 10 personas que lo encuentren”. 

Sobre esto afirma: “Mi gran sueño es poder dialogar con cientos de personas, pero mientras toques a una sabes que rompiste ahí una barrera. Eso es lo que buscamos”. 

Para Angélica el poder tener distintos tipos de diálogos es “muy gozoso”. El quedarte en un solo tipo de diálogo, afirma: “te vuelves muy monotemática creo que el teatro es la vida y lo que es rico de vivir es buscar distintos círculos”.

 

El teatro para “aportar a esto que se llama vida”

La directora nos dice que su visión del teatro siempre ha sido muy romántica. “A mí el teatro sí me salvó la vida, no es un decir. Yo tenía una infancia muy complicada y el teatro llegó a mi cuando era muy chica”, en él, nos confiesa, encontró un lugar donde podía comunicarse y salir. Por medio del teatro, nos dice, puede tocar muchas cosas.

Al respecto, señala: “No estoy diciendo que sea una medicina. Para algunos es una profesión, para otras personas es un divertimento, para mí sí me ayuda a entender la vida”. La ficción nos libera, agrega, de muchos golpes rudos de la realidad, pero también nos muestra muchos de estos golpes, como ejemplo, pone la obra Jauría, que recientemente terminó temporada en el Foro Lucerna. Se trata, explica de un documento que nos recuerda que todavía hoy puede haber cinco hombres pensando que tuvieron relaciones consensuadas con una mujer, cuando lo que hicieron fue violarla. 

El teatro es para la directora una herramienta que la ayuda a entender la vida. Al teatro, nos confiesa, “lo siento maravilloso y lo siento fortalecedor, me permite aportar algo desde el lugar donde he encontrado que puedo aportar a esto que se llama vida“. 

 

La reina de belleza de Leenane

Finalmente platicamos con Angélica Rogel sobre el proyecto que actualmente acaba de arrancar: La reina de belleza de Leenane. Sobre este texto nos comenta que es sorprendente que sea la primera obra escrita por Martin McDonagh y que esté tan bien lograda. 

Sobre esto, agrega: “Es una obra que es un retrato de las relaciones humanas, […] te muestra la habilidad de una pluma de un dramaturgo, y además es un texto que es crudo y divertido, encontrar eso en el teatro es complicado”. 

El texto del autor irlandés en ciertos puntos puede ser muy divertido, esto se debe, nos dice Rogel, al humor que el dramaturgo maneja. Es un texto que “puede llevarte a algo muy divertido y muy absurdo, y después terminar rompiendo el esquema”. La directora nos dice que como personas descubrirnos en este tipo de retratos es muy atractivo.

Sobre el montaje, Angélica Rogel destaca las actuaciones de su elenco, “a mí me gusta mucho lo que se está logrando”, afirma. Sobre el regreso de Sofía Álvarez al teatro considera que volverla a ver ha sido un descubrimiento. Verla en el escenario, nos confiesa, “es una locura, de verdad creo que es una mujer que debería estar mucho más en el teatro, porque es maravillosa”. 

En resumen, nos dice: “cuando ves la obra del dramaturgo, ves las actuaciones, y aparte un teatro en el que puedes ir de la risa al horror, también creo que es una buena razón para ir”. Ver a personas, en cualquier obra, “que por dos horas puedan construir otra cosa y otro mundo, siempre vale la pena”, remató.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Amanda Safa

INTELIGENCIA ACTORAL, obra ganadora de marzo en los Premios del Público Cartelera 2023

En una cerrada competencia por el primer lugar, Inteligencia Actoral logró colocarse como la obra ganadora de marzo en los Premios del Público Cartelera 2023.

Esta comedia, escrita y dirigida por Flavio González Mello, desde la ciencia ficción provoca la reflexión alrededor de diversos temas. El montaje nos cuestiona sobre el presente y la tecnología, sobre en donde se encuentra el algoritmo dentro de nosotros. La obra, que finalizó su temporada el pasado 19 de marzo, durante poco más de dos horas logra mantener la atención del público.

En este periodo compitieron además: El cuerpo en que nací, una adaptación libre de la novela de Guadalupe Nettel realizada por Bárbara Perrín y dirigida por Benjamín Cann; Que no se culpe a nadie de mi muerte, de Humberto Robles bajo la dirección de Sergio Arroyo; y Niñas y niños, de Dennis Kelly, con la dirección de Itari Marta.

Inteligencia Actoral, una producción de gran formato. Contó con un elenco integrado por Carlos Aragón, Roberto Beck, Dobrina Cristeva, Diana Sedano, Fernando Rebeil, Verónica de Alba y Elena del Río.

Se trata de un montaje que, con una variedad de temáticas en el texto, un elenco grande y efectivo, una dirección balanceada y un elaborado dispositivo escénico logró convencer a nuestro jurado del público, que le dio las calificaciones más altas en este periodo. 

Con Inteligencia Actoral queda completa la terna que competirán en la fase final de los Premios del Público Cartelera 2023 por el reconocimiento a Mejor Obra. 

La terna final queda integrada por: Siete veces adiós, 7 años, Indecente, El corrido del Rey Lear, El Show de Terror de Rocky, e Inteligencia Actoral. Pronto sabremos quién es la ganadora, estén pendientes de la premiación final. A través de nuestro sitio y nuestras redes sociales les estaremos informando de todos los pormenores.

Los estrenos que llegan en abril a la CDMX

Llevamos ya cuatro meses de este 2023 y vaya que se nos ha ido rapidísimo, durante los primeros meses hemos visto grandes producciones y están por levantar el telón otras más, además los primeros días del mes, tendremos una semana entera con funciones especiales para que nadie se quede con ganas de ver teatro.

Para que el ánimo no decaiga, les traemos ya los estrenos que iluminarán las marquesinas de los recintos capitalinos, en los que abundan las comedias y los musicales, que estamos seguros, nadie se quiere perder.

Emilia. Si bien esta obra levantó el telón el 31 de marzo, es uno de los estrenos más esperados al mostrar la historia de la primera poetisa en lengua inglesa. La obra cuenta con la dirección de Mariana Hartasánchez y las actuaciones de Aída López, Amorita Rasgado, Coty Camacho, Emma Dib, Haydeé Boetto, Mariana Gajá, Lucía Uribe, Assira Abbate, Gabriela Betancourt, Karime Alonso y Luz Adriana Carrasco además de la música en vivo de Maricarmen Graue y Montserrat Revah. Las funciones serán de jueves a domingo en el Teatro Helénico.

Güevos. Esta comedia nos hará reflexionar con humor sobre las citas después de los 30, a través de las aplicaciones, ¿será que puede encontrar el amor en la red? La obra cuenta con la dirección de Benjamín Cann y las actuaciones de Adriana Llabrés, mientras que Miguel Santa Rita y Quetzalli Cortés alternarán personaje. Ya la puedes disfrutar de viernes a domingo en el Foro Shakespeare.

Un dios salvaje. A partir del 5 de abril, subirá a escena una nueva versión de esta comedia escrita por Yasmina Reza, la premisa parte de un conflicto entre dos niños, cuyos padres se reúnen para tratar de conciliar la situación, sin embargo, las cosas se salen de control. La dirección y traducción corren a cargo de Miguel Septién y las actuaciones son de Pablo Perroni, Tato Alexander, Chumel Torres y Fernanda Borches. La funciones serán todos los miércoles en el Teatro Milán.

Todo mundo habla de Jamie. Después de una larguísima espera, por fin podremos ver a Nelson Carreras y Joaquín Bondoni como Jamie, en este musical que apuesta por una historia actual sobre un joven que desea convertirse en una drag queen. El montaje contará con la dirección de Alejandro Villalobos y las actuaciones de Rogelio Suárez, Alberto Lomnitz, Tanya Valenzuela, Efraín Berry, Vanessa Bravo, entre otros. Las puertas abrirán el próximo 14 de abril con funciones de viernes a domingo en el Teatro Manolo Fábregas.

Ugo Pako y Luiz. Esta comedia de enredos sobre un matrimonio, tres hermanos y un bebé, buscará posicionarse como una de las comedias familiares favoritas de la ciudad, al traer de vuelta a los escenarios a Héctor Suárez Gomís y Ana Layeska, quienes estarán acompañados por Rubén Braco, Aarón Balderi, Alfredo Veldáñez, Paula Kohan, Alicia Comas, Enrique Chi, Carla Medina y Pepe Navarrete. Además habrá actores invitados como Anabel Ferreira. La obra comenzará sus funciones el próximo 26 de abril en el Nuevo Teatro Libanés.

Por Itaí Cruz, Foto: FB Tercera Llamada y Cartelera de Teatro

Anuncia SIETE VECES ADIÓS versión “ÉL” y “Él”, Zuria Vega y Alejandro Calva se suman al elenco de “ELLA” y “ÉL”

Este sábado, en conferencia de prensa, se anunció que se Zuria Vega y Alejandro Calva se integran al elenco del exitoso musical Siete Veces Adiós. Además, se dio a conocer que a partir del 4 de mayo, se presentará la versión “ÉL” y “ÉL” del montaje, interpretada por Cuauhtli Jiménez, Martín Saracho y Valeria Vera.

Con esto, Siete veces adiós tendrá dos producciones simultáneas en la Ciudad de México, además de la producción que se encuentra de gira por la República.

La obra mantendrá su versión “ELLA” y “Él” en sus horarios habituales de viernes a domingo del 21 de abril al 25 de junio. A Nacho Tahhan se suman Zuria Vega como “Ella” y Alejandro Calva como “Lamore”. Por su parte, Valeria Vera, seguirá interpretando a “Lamore” en la versión “Él” y “Él” que se presentará todos los jueves a las 20:30 horas, del 4 de mayo al 22 de junio, en el Teatro Ramiro Jiménez.

Alán Estrada, destacó el trabajo de todo el equipo, tanto en el Teatro Ramiro Jiménez como el que se encuentra de Gira. Sobre la versión “Él” y “Él”, destacó que se trata de una historia diferente con la misma estructura que la versión original de la obra. Adelantó que esta versión contará con dos canciones nuevas, entre ellas el lanzamiento del tema “Terremotos”. Sobre el éxito de la obra, consideró, se debe a que ha logrado “traspasar la frontera del público evidente”, que es el público que constantemente asiste al teatro. Esta obra, dijo, ha logrado convocar a un público más amplio.

Asimismo, el autor de la obra adelantó que si esta función funciona en un futuro podrían haber más versiones. “Nos encantaría”, dijo el director, pues el amor es infinito y tiene muchas historias que contar. Sin embargo, puntualizó, que es un proceso muy complejo para evitar caer en clichés.

Martín Saracho se dijo emocionado de unirse a esta nueva versión. Al leer el texto, dijo, se enamoró de él y es “una historia que van a amar como ya aman la otra historia”. Al respecto, Cuauhtli Jiménez consideró que el teatro le da la oportunidad de formar nuevas familias. Trabajar con Martín Saracho, confesó, es una oportunidad de aprender y sumarse a una historia que ha gustado mucho al público.

Zuria Vega se dijo muy contenta de integrarse a este montaje. Cuando vio la obra por primera vez, dijo, sintió mucho orgullo de ver algo de esta calidad hecho en México. Agregó que el teatro es para ella el lugar más feliz del mundo y está disfrutando mucho el proceso de Siete veces adiós. Se trata, como actriz, de una oportunidad de explorar la vulnerabilidad absoluta que implica una pérdida amorosa.  Alejandro Calva, destacó que participar en una obra con una temporada larga como Siete Veces Adiós le da la oportunidad de alimentarse del público y retroalimentarse de él. “Estar en un fenómeno como 7 veces adiós” es algo que atesorar, afirmó, y agregó que se trata de una obra que habla sobre el duelo pero también de “honrar lo que somos”.

Para más información del montaje, descuentos, horarios y más, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

 

 

 

 

¡Conoce las funciones especiales de teatro esta Semana Santa!

Esta Semana Santa tendremos varios días para disfrutar no sólo de la ciudad, sino de las diferentes obras que ofrecerán funciones especiales, para que te animes y lleves a toda la familia y armen juntos su próxima visita al teatro.

¡No lo pienses más y corre a comprar ya tus boletos!

Las producciones de Sergio Gabriel ofrecerán funciones especiales para que te lances a ver Afterglow, Dos Más Dos, Como quieras, Perro Ámame y El juego que todos jugamos.

De igual forma, Mejor Teatro, también brindarán funciones especiales QueridaToc Toc, Defendiendo al cavernícola, Dos locas de remate, Los Monólogos de la Vagina

Mamma Mía! en el Teatro de los Insurgentes se suman a esta semana para ofrecer funciones especiales de miércoles a domingo con el musical basado en las icónicas melodías de ABBA, .

La ópera prima de Alan Estrada, Siete veces adiós, también ofrecerá funciones especiales este 6 y 7 de abril en el Teatro Ramiro Jiménez.

De igual forma, la producción de Próspero Teatro, La obra que sale mal, también tendrá funciones especiales en el Foro Cultural Chapultepec.

Por su parte, en La Teatrería la comedia Smiley, protagonizada por Jesús Zavala, Jerry Velázquez, Martín Barba y Sergio Velasco, también ofrecerá función especial durante esta semana.

Así como la longeva obra La Dama de Negro, se presentará en el Teatro Xola  este lunes 3 de abril y se mantiene con funciones de viernes a domingo en el Teatro Ofelia.

No seré feliz, pero tengo marido, monólogo protagonizado por Sylvia Pasquel regresa para ofrecer funciones en el Teatro Sylvia Pinal de jueves a domingo.

El Circo Atayde Hermanos ha preparado un maratón con su nuevo espectáculo circense, Les clowns que ofrecerá funciones en el Teatro Hidalgo.

Otro de los grandes musicales que te espera con las puertas abiertas será Aladdin de Ocesa que está a punto de bajar el telón del Teatro Telcel con las actuaciones de Rodney Ingram, Irma Flores, Juan Pablo Martínez, Salvador Petrola y un gran elenco.

 

 

Por Itaí Cruz, Fotos: Charly Duchanoy y Ariel Cerebelina

3 razones para ver LOS MONÓLOGOS DE LA V

Si te gustan las comedias irreverentes y que nos invitan a dejar de lado los tabúes sobre nuestro cuerpo y en especial sobre nuestra sexualidad, no te puedes perder Los monólogos de la vagina, una historia que a pesar de haber sido escrita hace más de 20 años sigue haciendo eco en los escenarios.

Su autora la presentó en Off-Broadway en los noventa y desde entonces se convirtió en todo un suceso, no sólo en Estados Unidos, en todas partes donde se ha representado ha cosechado un enorme éxito de público, además han desfilado grandes personalidades como Oprah Winfrey, Queen Latifah, Whoopi Goldberg, Salma Hayek, Kate del Castillo, Rocío Banquells, Bianca Marroquín, por mencionar algunas.

Aquí te damos tres razones para que te lances a verla al Nuevo Teatro Libanés:

1. Conmovedora y reveladora. Esta serie de monólogos nos conduce por un viaje de autodescubrimiento que parte de un hilo conductor: la vagina. Una palabra que adquiere un poder sublime, desde el momento en que las actrices la pronuncian, y a su vez, consigue resonar en la audiencia que escucha expectante las historias de diversas mujeres con las que cualquiera puede sentirse identificada.

2. Derribando los prejuicios. Si bien la obra fue escrita en 1996, su temática se mantiene vigente en nuestros días, al abordar cuestiones como: la menstruación, la masturbación, la mutilación, el placer. Así como distintas violencias que se suscitan en las mujeres por parte de los hombres, con el fin de conseguir o mantener el poder. Hoy en día, la obra se ha transformado, dando origen a un movimiento que lucha contra las violencias.

3. Un caleidoscopio femenino. En esta temporada, podrás escuchar estas historias en voz de conductoras, actrices y periodistas de la talla de Andrea Legarreta, Janett Arceo, Gloria Aura, Pilar Boliver, Susana Moscatel, Diana Lein, Dalilah Polanco e Irasema Terrazas, alternando funciones, te harán reír, llorar, gritar y sobre todo, nos invitan a la audiencia femenina a abrazar nuestro cuerpo y nuestra mente.

Sin lugar a dudas, esta es una obra imprescindible de ver no sólo para las mujeres, también exhorta a los hombres a entender un poco sobre la forma en que las mujeres percibimos nuestro entorno, partiendo de nuestro cuerpo.

La obra se presenta cada 15 días de jueves a domingo, en el Nuevo Teatro Libanés, consulta más información, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

3 razones para ver HASTA LUEGO

Los unipersonales tienen un encanto especial cuando un texto poderoso se junta con una interpretación que llega y conmueve. Si estás de acuerdo conmigo, Hasta luego es una propuesta que no te puedes perder. Bajo la dirección de Daniel Bretón, este monólogo lo puedes disfrutar todos los lunes hasta el próximo 24 de abril en el Teatro la Capilla.

Este montaje, escrito por el dramaturgo Antoine Jaccoud, ha tenido un peculiar desarrollo desde que en 2018 fue estrenado por Boris Schoemann como lectura dramatizada en el Dramafest. Posteriormente, durante la pandemia, se montó una versión que se transmitió a través de Zoom.

Sin embargo, para esta nueva versión ser realizó un montaje distinto a lo que se había presentado anteriormente. Según nos comentó Boris en la función de prensa, es distinta tanto a nivel de dirección como interpretativamente.

1. Vínculo entre el actor y su público. Puede parecer redundante, pero ver en este monólogo al actor solo sobre el escenario es uno de sus principales atractivos. Déjame explicarte un poco, cuando decimos solo, nos referimos a totalmente solo, en el escenario hay una silla solamente además de Schoemann. Podríamos decir que se establece una relación y un vínculo en los que público e intérprete dependen el uno del otro. Ambos dependen de la guía del otro y lo que percibe que siente, de cómo reacciona el público y cómo el actor transita por el texto.

2. Un vistazo a un futuro no muy lejano. El texto de Antoine Jaccoud es como dar un vistazo a un futuro no muy lejano. Un futuro que, por los temas y las cosas de las que habla el texto, podría estar apenas a un par de décadas. Sí, hay un tono apocalíptico en lo que nos narra el personaje, pero también hay un tono de nostalgia, de despedida, de soltar lo que se ama, de dejar ir, pero hacerlo con esperanza y lleno de amor. Es un texto que conmueve pero deja esa sensación cálida en el alma.

3. El vacío. En esta nueva versión del montaje, en palabras de su director y de su intérprete, apostaron por el vacío. La apuesta no es solamente un escenario totalmente vacío, sino el vacío que va sintiendo el personaje y los huecos que quedan con la partida. Los elementos escenográficos son mínimos, tan solo un muro y una silla, por esto la iluminación, el vestuario y la musicalización se vuelven fundamentales en esta propuesta, no llenan el vacío, sino que lo acompañan.

Así que ya lo sabes, Hasta luego es uno de esos monólogos que te llegará, pero que también te dejará, como dije, un sentimiento de esperanza. No faltan las risas, pero tampoco momentos conmovedores. Aprovecha estos días de Semana Santa y Pascua para darte una vuelta por el Teatro La Capilla.

Por cierto, ya que hablamos de la escenografía y la iluminación, éstas son creación de Jesús Giles, el vestuario de Pilar Bolíver, la musicalización de Daniel Bretón y David Barrera, el video de Arturo de la Garza y la fotografía de Fernanda Olivare. La traducción del texto es del mismo Boris Schoemann.

Para más información del montaje, horarios, boletos, etc., haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro

“Trabajar con una marioneta es algo diferente”: Entrevista con Gabriela Kraemer sobre PEER GYNT

A partir del 9 de abril llega a La Capilla, una versión de la obra Peer Gynt basada en un texto clásico del dramaturgo noruego Henrik Ibsen, dirigida por Gabriela Kraemer, fundadora de la compañía de títeres, Marionetitlán.

Peer Gynt se ha escenificado en todo el mundo a lo largo de 150 años, y ahora regresa para contarnos esta historia sobre la importancia de la vocación y de la realización personal, por medio de títeres.

Sobre los desafíos de representar esta obra con marionetas, Kraemer explica: “Esta obra fue escrita para actores, trabajar con una marioneta es algo diferente. Cuando leí esta obra la primera vez, yo dije, esta obra quiere ser montada con marionetas, porque el personaje vive en la imaginación. Las cosas que él se imagina son más fáciles de caracterizarlas con una marioneta tallada en madera”.

Agrega: “A mí lo que me decían cuando empecé a aprender es que la marioneta es como un péndulo, hay que saber dónde tiene que estar ubicado el peso para que la marioneta se mueva como queremos. Lo que yo he usado es madera, porque quieres que te dure y porque es un material muy noble, se puede tallar muy bonito”.

La historia de Peer Gynt trata de un muchacho de campo noruego que tiene grandes sueños, una desenfrenada imaginación y aires de grandeza, características que terminarán por sumergirlo en las historias que él mismo se ha inventado, pasando por encima de todo y todos para cumplir con lo que él cree es ‘su destino’.

En este sentido, la actriz y constructora de marionetas, señala que no es una obra infantil: “Yo la recomiendo para los preadolescentes y adolescentes, porque a esa edad comienzan a preguntarse, qué van a hacer en la vida. También se enfrentan al tema del amor, el tema de la muerte. Todo eso ocurre en esta obra. Entonces los jóvenes lo pueden disfrutar mucho”.

Añade: “Desde luego las mamás que tienen que vivir con estos jóvenes que están creciendo con ideas que no comparten, y se sienten muy identificadas. Es una obra de la literatura universal porque plantea un problema con el que cualquiera puede sentirse identificado, puede tener 80, 40, 13 años, puede ser hombre o mujer, y lo va a disfrutar muchísimo”.

El elenco de está formado por Alejandro Camarena, Gabriela Espinosa, Luisa Márquez y Gabriela Kraemer. Los músicos Alejandra Rovira, Aarón Menes, Josué Gómez, Isela Del Ángel y Abel Benítez. Las marionetas son obra de Gabriela Kraemer, la pintura de Cedrela Loera y los videos de PlayMx.

Finalmente, Kraemer nos da tres razones para que el público acuda al teatroa ver esta propuesta dirigida a adolescentes y adultos:

1. Nunca hay que perderse una obra de Ibsen. Todas son buenísimas, y ésta es una de las más espectaculares y fantasiosas. Que yo sepa, solo una compañía en Estados Unidos, hace como 100 años, montó Peer Gynt con marionetas, ahora están en un museo.

2. Cómo la vamos a presentar en abril y mayo, y en medio queda el Día de las Madres. En mi experiencia, mis mayores fans son las mamás, sé que han visto hasta varias veces la obra, hágale un regalo a sus mamitas y llévela a ver Peer Gynt.

3. Esta es una obra en la que los jóvenes, desde los 12 hasta los 30, se pueden identificar muy bien con los problemas que enfrenta este personaje.

Peer Gynt se presentará los días 9 y 16 de abril, y 18 y 25 de mayo en La Capilla, ubicado en Madrid 13, Col. Del Carmen, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Marionetitlán

3 razones para ver BUSCO AL HOMBRE DE MI VIDA, MARIDO YA TUVE

Busco al homre de mi vida, marido ya tuve, es una obra que te invita a ir en grupo con amigas al ofrecer una visión femenina sobre los retos y las exigencias que una mujer enfrenta al tratar de encontrar un compañero de vida en un mundo donde pertenecer al género femenino, trae consigo diversas desventajas.

Está basada en el best-seller de Daniela Di Segni, con la adaptación teatral de Andrés Tulipano y dirección de Antonio Escobar, que regresó con más vigencia que nunca.

Aquí te damos 3 razones para que te lances a verla este fin de semana en el Teatro Xola:

1. Las vivencias. Las actrices han confesado que esta historia las toca desde sus propias vivencias, ya que se han enfrentado a procesos de divorcios, y el constante reto de encontrar una pareja estable a lo largo de los años.

2. Una diversidad en escena. Isabella Camil, Anna Ciocchetti, Ivonne Montero, Claudia Vázquez, Liza Muriel, Oliva Collins y Lourdes Munguía, forman parte de este montaje y todas alternan funciones, así que podrás disfrutar de las distintas y características personalidades, que las intérpretes proyectan en sus roles.

3. El amor propio. De igual forma, las mujeres que participan en la obra, concluyen que es más importante comenzar por el amor propio y trabajar en un profundo autoconocimiento, para lograr encontrar una pareja estable y duradera, sin que la edad represente un límite.

Busco al hombre de mi vida, marido ya tuve se presenta de manera indefinida en el Teatro Xola, ubicado en Av. Xola No. 809, Colonia Del Valle, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Fotos: HMO Espectacular

“El teatro es un vehículo maravilloso”: entrevista con Óscar Rojas, director de EL ALMA TAMBIÉN

El pasado 26 de marzo se estrenó El alma también en La Teatrería, de la dramaturga argentina Teresita Galimany. La obra, dirigida por Óscar Rojas, cuenta con las actuaciones de Milleth Gómez y Sandra Zellweger. El montaje nos habla del reencuentro de dos hermanas después de 20 años.

Para hablar de la obra entrevistamos a su director, quien nos dijo que se trata de un melodrama que toca el tema de la familia. Al respecto, señala, “es un tema universal desde que existe el teatro, desde los griegos siempre se ha tocado el tema de la familia”. Entre los tópicos que aborda la obra, destaca, están la incomunicación, los secretos que se pueden guardar durante años y la relación entre hermanos. 

Rojas considera que todos tenemos una historia, venimos de una familia y tenemos un pasado. Al respecto destaca: “Si bien dicen por ahí que el pasado ya está atrás, hay veces que cuando uno no soluciona su pasado, no puede estar bien en su presente, a veces hay que hacer las paces con este pasado para poder seguir avanzando”.

Trabajar con Milleth Gómez y Sandra Zellweger ha sido para el director un “regalo de la vida”. Sobre ellas señala que son actrices poderosas, inteligentes, que estudian mucho, por lo que “el trabajo se vuelve doblemente rico”. 

Nuestro entrevistado es egresado de la licenciatura de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM, además de haber estudiado dirección de actores con Boris Schoemann. Como director artístico de Atraparte Producciones ha producido y dirigido ocho puestas en escena que se han presentado en distintos foros de la CDMX. En televisión ha colaborado con directores como Salvador Garcini.

 

Disfruto mucho cuando el teatro se queda en silencio

El alma también, para su director, es una obra que califica como entrañable, elocuente y como sanadora. Sobre este tema, abunda, que el proceso de la obra ha sido maravilloso, pues a partir del texto y los personajes “también se encuentran uno mismo”. 

El público, nos comparte Óscar Rojas, ha reaccionado bien ante esta propuesta. El alma también, explica, es un melodrama y como tal es para sentir, lo cual se ha logrado. Según nos dice el director, la gente se ha identificado y reconocido en los personajes. 

Si bien han recibido buenos comentarios, afirma el director, para él son muy importantes las reacciones del público durante la obra. Al respecto, señala: “Me gusta mucho que el público, por ejemplo, se ría, se conmueva o lloré. Me tocó ver gente llorando en la primera función, pero yo disfruto mucho cuando el teatro se queda en silencio, porque a la gente la está tocando algo”.

Cuando esto sucede, considera el director, como creador se puede decir que se está cumpliendo con su misión. Es decir, explica, “a la gente le está pasando algo, que esa es nuestra misión como equipo”. En este sentido, confiesa que si bien sabe que una obra no puede gustar a todo el mundo, “con dos o tres espectadores que salgan con algo, que salgan pensando en algo [… ], nosotros lo damos como una misión cumplida dentro de esta labor teatral”.

 

En el teatro uno ve la vida resumida

Si bien Óscar Rojas no considera al teatro como terapia, sí piensa que es un espejo capaz de delatarnos. En este sentido, explica: “El teatro es un espejo, en el teatro uno ve la vida resumida. El teatro es este proceso de identificación y de catarsis personal, de anagnórisis”.

El teatro, nos dice, es un vehículo maravilloso porque es en vivo, “la gente va y la atrapas o no la atrapas, ahí no hay engaño”. Sobre este punto, reflexiona: “El teatro es o no es, hay veces que en el teatro surge la magia y baja el duende, como lo llaman, y hay veces que no. [… ] Que llegue a ser algo artístico y algo entrañable, algo conmovedor, depende muchísimo de las actuaciones y [… ] del alma, la entraña y la garra que le esté metiendo uno a ese proyecto”

Estas son las razones que nos comparte por las que siempre regresa al teatro. En este sentido, confiesa: “Para mí el teatro es mi todo, es regresar a mi centro.Yo que me dedico a la televisión, el teatro es regresar a ese centro, es regresar a mí mismo, es regresar a llenarme, a cargarme de energía, y me ayuda a reconocerme”. 

El teatro es para Rojas un pacto de comunión entre el director y sus actores, y un ritual entre los actores y espectadores, “eso me hace regresar al teatro”. 

Para el director, cuando se logra que “el corazón del actor y el del espectador latan al mismo tiempo surge la magia”. En este sentido, afirma: “Yo vuelvo al teatro por esta magia, que lo voy a decir sin pedantería, que creo yo que no me da la tele o un lenguaje audiovisual”.

Para más información, horarios y boletos de la obra haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Austria

 

¿Por qué TODO EL MUNDO HABLA DE JAMIE?: Entrevista con el autor Tom MacRae

Mientras algunos jóvenes podrían verse como adultos trabajando en una oficina, Jamie New anhela ser Drag Queen; este es el corazón del musical Todo el mundo habla de Jamie que se estrenará el 14 de abril en el Teatro Manolo Fábregas.

Inspirado en el documental Jamie: Drag Queen at 16, la obra con libreto y letras de Tom MacRae toma como base la historia real del estudiante británico Jamie Campbell, quien en su adolescencia enfrentó intimidación, rechazo y bullying pero quien no dejó de creer en su individualidad y su brillo.

El musical se estrenó el 13 de febrero de 2017 en el Crucible Theatre, Sheffield, para luego transferirse al West End. Tras presentarse en países como Corea del Sur, Japón, Estados Unidos, Italia y Australia -además de volverse película-, ahora se presentará por primera vez en español en la Ciudad de México.

Platicamos con Tom MacRae sobre sus expectativas de la producción mexicana y cómo le gustaría que el público se vea inspirado por este personaje que le ha dado la vuelta al mundo…

Tom, cuando adaptaste este musical, ¿te imaginarías que un día llegaría al West End, a una película, y ahora a la Ciudad de México?

Tom MacRae: No, bueno, puedes imaginarte mucho, se vale soñar, pero nunca creí que eso pasaría, todavía sigo sin creerlo. Voy a ir a México en algunos días a ver el estreno del show y creo que, aun viendo el póster en el teatro, ¡no voy a creer que esté sucediendo!

¿Cuál ha sido tu mayor satisfacción con este proyecto? ¿quizá las multitudes que lo han visto, o los mensajes de los fans?

Tom MacRae: Creo que sigue siendo la primera función en Sheffield, cuando el show todavía no estaba terminado, y teníamos un dress rehersal (el ensayo final de un espectáculo, en el que todo se hace como en una función real), y nadie había escuchado de nosotros. La respuesta de ese primer público fue una locura, increíble, parecía una revuelta, no podíamos creerlo.

Que el show despegara así, sigue siendo de las experiencias más bonitas de mi vida, y ese apoyo que tuvimos de la comunidad de Sheffield. Ojalá que en la Ciudad de México, con un público tan diferente, la disfruten igual.

¿Hay algún momento en especial de la obra en que el público reaccione?

Tom MacRae: Hay una canción en particular: “He’s My Boy”, cantada por la mamá, que suele durar como 5 minutos. Cuando la actriz termina de cantar, hay un momento en que, si el número funcionó totalmente, se hace un instante de silencio absoluto, la gente sigue como en shock y ya después empiezan a aplaudir muchísimo. Ese momento no siempre ocurre, pero si sucede, es mi parte favorita de todo el musical, por la emoción y la energía de la audiencia.

¿Te identificas con el personaje?

Tom MacRae: Tengo una regla que yo no me suelo meter en la historia, no me suelo escribir como un personaje y Jamie definitivamente no soy yo. Él tiene un gran sentido del humor, y en eso nos parecemos, pero no en mucho más. Sin embargo, hay un momento en la obra en la que su mejor amiga: Pritti, una chica musulmana muy inteligente, derrumba a un bully solo con su intelecto y un gran discurso; ese sí soy yo, en ese diálogo estoy diciendo lo que me hubiera gustado decirles a mis bullies en mi adolescencia, pero nunca lo hice.

Después de tantas funciones, ¿Qué aspectos crees que son los que más resuenan con el público?

Tom MacRae: Creo que el optimismo de la obra, para mí es una historia de cómo la amabilidad es un súper poder. Mis amigos pueden ser divertidos e inteligentes, pero si no son amables, no podrían ser mis amigos, para mí es lo más importante.

Jamie celebra el poder de ser amables y cómo puedes cambiar el mundo con pequeños detalles. Espero que la audiencia recuerde todo lo que pueden hacer por la gente a su alrededor: sus amigos, vecinos, seres queridos y seguir encontrando esos pequeños gestos que hagan la diferencia. Si eso sucede, nuestro futuro será luminoso.

Además de la amabilidad, considero que Jamie puede inspirarnos a pensar que podemos aspirar a ser algo diferente de lo que se espera de nosotros, a salirnos de la caja…

Tom MacRae: Sí, y esa es exactamente mi historia. Yo no crecí en el mismo lugar que Jamie, pero fui a una escuela parecida, del Estado, dentro de una comunidad pequeña que no estaba muy conectada con el mundo exterior, con el arte, con el mundo del entretenimiento, y con el teatro, un mundo al que yo quería pertenecer. Pero soñaba que podía hacerlo y funcionó.

Creo que la gente debe perseguir sus sueños y que Jamie es definitivamente una inspiración para ello. Pero aún si las personas no terminan como performers o como Drag queens -porque hay espacios limitados y no tantos trabajos-, hay muchos otros campos en el arte y la música más allá de la vida de una oficina.

Todos tenemos que pagar nuestras cuentas y eso es algo noble, pero también es muy importante lo que haces en tu tiempo libre, ¿qué haces después del trabajo?, ¿cuál es tu pasión? Si es cantar o bailar, ¡hazlo!, hay que disfrutar de la vida.

Jamie nos recuerda que no hay que rendirnos en ser creativos o en tener pasiones que nos mantengan vivos; hay que tener pasiones y celebrarlas.

Desde que escribiste el show, en 2017, el arte de los Drag Queen ha cambiado mucho, también gracias a programas como RuPaul’s Drag Race…

Tom MacRae: Sí, creo que se ha vuelto mainstream y que nosotros (por la obra) somos parte de eso. Ya no es algo underground, aunque todavía mantienen ese elemento. Si en algún momento insisten en prohibir a las Drag en los Estados del Sur (de Estados Unidos) ellas no lo van a permitir y van a luchar.

Hemos visto lo que pasa cuando alguien se quiere meter con ellas, a través de la historia han demostrado ser guerreras, heroínas, fuertes. Ahora el Drag se ha vuelto algo más popular, están en la calle o en programas de televisión que se ven por todo el mundo. Me parece fantástico, porque es una manera juguetona de no tomarte en serio, porque eso es lo que el Drag es para mí, y creo que aunque ahora es más popular, mantiene su esencia.

¿Qué esperas de tu visita a México?

Tom MacRae: No sé cómo vaya a ser, quizá se asemeje a una visita de la Reina en la que yo pasaré caminando por una línea recta, saludaré a todos de mano y luego me sentaré a disfrutar del show. No sé qué esperar, pero eso es increíble, porque Jamie se vuelve la historia de todos.

Como no hablo español no estuve involucrado en la traducción, pero estoy listo para dejarme sorprender y quiero que el show se convierta en lo que tiene que convertirse. Seguramente me sorprenderé tanto como la audiencia.

Detrás de la versión mexicana de Todo el mundo habla de Jamie:

  • Los protagonistas de la primera versión en español del musical son Nelson Carreras y Joaquín Bondoni, quienes alternarán el rol titular durante la temporada.
  • El elenco se conforma por Flor Benítez y María Filippini (Margaret), Alberto Lomnitz y Rogelio Suárez (Hugo/Loco Chanelle), Luz Aldán (Ray), Tanya Valenzuela (Miss Hedge), Efraín Berry (Wayne New), y Diego Meléndez (Dean Paxton), entre otros.
  • La producción mexicana cuenta con la adaptación, traducción y dirección de Alejandro Villalobos (Torch Song, Traviatas), la dirección de actores de Alberto Lomnitz (La Gran Familia, Niños Chocolate), la dirección musical de Analí Sánchez Neri (El Hombre de La Mancha, Mentiras), y la coreografía de Hugo Curcumelis (El show de terror de Rocky, Mame).
  • En la parte técnica la escenografía es de Jorge Ballina y Antonio Saucedo, el vestuario de Lisa Katnic, la iluminación de Félix Arroyo, el diseño de audio de Miguel Jiménez, maquillaje de Bernardo Vázquez, y peluquería de Jair Campos.
  • La obra está producida por 33 productores, una compañía de producción de entretenimiento con presencia en México y Reino Unido (La Jaula de las Locas, Te Amo, eres perfect@…Ahora Cambia!), presidida por Gabriel y María Guevara.

Todo mundo habla de Jamie comenzará su temporada, a partir del 14 de abril en el Teatro Manolo Fábregas, consulta horarios y precios, aquí.

Por Mariana Mijares, Foto: The Other Richard

El reto en CIRQUE MÚSICA QUERIDA e INCENDIOS, es pasar de la fiesta a lugares más densos: Entrevista con Sharon Ayón

Actualmente, Sharon Ayón (In the Heights, Despertar de Primavera, la serie 40 y 20 y La Voz México) se encuentra trabajando en proyectos muy distintos. Para hablar sobre ellos la entrevistamos.

La actriz nos habló sobre Cirque Música Querida. La Celebración Oficial de Juan Gabriel, Incendios y Lobas, proyectos en los que participa. Querida está en su recta final, mientras que Incendios reestrenará en el Foro Lucerna; Lobas, dirigida por Paula Zelaya, está en proceso de montaje.

 

Cirque Música Querida e Incendios, el reto de pasar de la fiesta a lugares más densos

Sobre Querida, Sharon nos platica que se trata de un show circense creado para que la gente “se la pase increíble”. De él, nos dice, salen muy emocionados, se trata de que “canten con nosotros”. Frente a ello, nos confiesa, tiene el reto de, a partir de abril, alternar las funciones del musical con Incendios, de Wajdi Mouawad. Ésta última, nos explica, es un texto que requiere “entrar a unos lugares oscuros”. 

En Querida, considera, el público va a “encontrar fiesta, el goce de cantar con todo su corazón sin que nadie te juzgue, llorar y reírse”. Mientras que en Incendios podrán encontrar,: “Una  parvada de actores, porque así se llama nuestra compañía Parvada Teatro, […] dando todo el corazón y dejando todo en el escenario para  contar esta historia que habla del amor puro”.

Incendios, abunda, es un montaje más denso. Por ello, para alternar en ambos montajes tendrá que manejar este “cambio de humor”. Al respecto nos confiesa: “Siento que va a ser un reto, justo de venir y echar la fiesta, que se diviertan y divertirme, claro que también me divierto en Incendios, […] claro que disfruto hacer este texto, pero siento una energía más densa, como lugares más oscuros”.

Sobre la manera en que logra, después de una función de Incendios, desprenderse del personaje, nos comparte: “Sí, es pesado para todos los actores y las actrices que estamos ahí. Lo que yo normalmente hago es, de verdad, como la obra termina muy lindo, con un mensaje súper bonito y con una lluvia, yo como que ahí es mi momento de soltar”. 

Lobas

Lobas, de Sarah DeLappe y dirección de Paula Zelaya, nos platica que es un montaje con un equipo integrado por mujeres en su totalidad. Por ello, se dijo muy emocionada de participar en este proyecto. 

Sobre el montaje, que se presentará en el Foro Lucerna, dijo: ”Lo que más me tiene emocionada es el equipo de mujeres, que son mujeres fregonas, dándolo todo, desde producción hasta las actrices”.

La obra trata sobre un equipo de fútbol, “un poco de la adolescencia, de la infancia, de la pubertad”, señala Ayón. En este sentido, reflexiona, muchas veces lo que hablan las niñas a esa edad es subestimado. Sin embargo, agrega: “Esta obra nos viene a enseñar que a veces hablan de temas muy profundos, que pasan por cosas muy fuertes, de que es el camino a encontrar quién eres, estás ahí en camino a buscar todo lo que tú eres, lo que quieres ser”. 

Entre las actrices que participan en el montaje, nos menciona a Arcelia Ramírez, Ana Valeria Becerril, Ana Guzmán, Claudia Menchaca y Alicia Candelas.

En Lobas, remató, podrán encontrar a “este equipo de actrices habitar todos los colores que hemos habitado todos en la adolescencia”.

De mujer a mujer hay un entendimiento más de sensaciones

Sharon destaca que trabajar en una obra realizada 100% por mujeres que es muy distinto. En este sentido, subraya que es distinto “en la energía, en cómo nos hablamos, en cómo nos tratamos, la manera de relacionarnos”. Destacó al respecto: “la comodidad, la relación entre nosotras, la manera de tratarnos con mucho amor, con mucho cariño”. 

Sobre trabajar con una directora como Paula, destacó que se da una relación más empática. Si bien, dijo, ha trabajado con directores hombres muy amorosos como Diego del Río, José Sampedro y Marcelo Tovar, “siento que de mujer a mujer hay un entendimiento más de sensaciones, de actoralidad de las acciones”.

En este sentido, explicó, con Paula Zelaya, se da una relación más empática. Con ella, destacó, se conectan sensaciones y acciones actorales que “como mujeres entendemos, que tal vez los hombres pueden tener un poco la noción, pero no exactamente esa sensación específica que te pide Paula”.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: María José Alós Estudio

3 razones para ver TOC TOC

Si te gustan las comedias ligeras, cuyo objetivo es hacerte pasar un gran momento de entretenimiento, no te puedes perder TOC TOC, que regresó renovada y con una nueva alineación.

En esta nueva temporada la dirección residente corre a cargo de Rafa Maza (El show de terror de Rocky, Detectives y ladrones), mientras que las actuaciones son de Lola Cortés, Ulises de la Torre, Polo Morín, Poncho Vera, Pedro Prieto, Leonardo Bono, Omar Medina, Cecilia Arias, Alicia Paola, Dari Romo, Dalexa Meneses y Sandra Quiroz. Además contará con invitados especiales.

Aquí te damos 3 razones para que te animes a ver esta comedia en el Teatro López Tarso:

1.Todos tenemos un TOC. Resulta imposible no reconocerse en alguno o algunos de los trastornos que padecen varios de los personajes, si bien pueden parecer un tanto ridículos o exagerados, están muy bien retratados e incluso definidos. Tras la pandemia que vivimos, uno de ellos es realmente muy perturbador.

2. Empatizando con el otro. Más allá de la risa, esta comedia nos invita a empatizar con el otro, ya que quienes padecen de un TOC severo, a menudo tienden a aislarse, por miedo a sentirse incomprendidos. Y aquí la obra logra grandes momentos de calidez humana, cuando entre todos intentan mejorar un poco sus trastornos.

3. Un elenco fuera de serie. En esta temporada todos los actores y actrices que participan dan una muestra de su calidad actoral, ya que todos ellos no sólo alternan funciones, también a los personajes. Por lo que, nos incita a regresar no sólo una, sino varias veces, para ver las distintas combinaciones que ocurren en escena.

TOC TOC se presenta de viernes a domingo en el Teatro López Tarso, ubicado en Av. Revolución esq. Fco. I. Madero, Col. San Ángel, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

5 obras que se van en abril

Estas obras están a punto de bajar el telón y no volverán, así que aprovecha esta semana (si aún estás de vacaciones) y lánzate al teatro, te aseguramos que no te vas a arrepentir.

¡Corre a las salas y no pierdas la oportunidad de ver alguna de ellas!

Niñas y Niños. Este impactactante monólogo interpreatado por Amaya Blas, que estuvo nominado en el 6to. periodo de los Premios del Público, nos habla de un tema del que se habla poco pero que existe, la aniquilación familiar. La obra culmina su temporada este lunes en el Foro Shakespeare.

Zombi. Óscar Serrano Ramírez interpreta a un joven que se ha sentido un perdedor desde su infancia, cuya vida cmabiará cuando ingresa a un concurso de talento. Termina este martes 11 de abril en el Foro La Gruta

Aladdín. Después de 2 años de funciones, esta deslumbrante producción musical está a punto de decir adiós, acompaña a la princesa Jazmín, el genio, Aladdín y la alfombra mágica y disfruta de su última semana de funciones, en el Teatro Telcel.

El eterno verano de la guerra. Un montaje conformado por un amplio reparto que entralaza diversas historias para hablarnos de temas actuales como la trata de personas, la migración y la guerra, problemáticas que suceden día con día en lugares remotos de nuestro país y que poco se conocen en la capital. La temporada concluye este domingo 16 de abril en el Teatro Salvador Novo.

Entre los rotos. Esta propuesta nos invita a indagar en nuestra historia familiar para desenmarañar los sucesos violentos a los que todos estamos expuestos durante la infancia, y que son el origen de la violencia intrafamiliar. De forma emotiva, Patricia Loranca nos lleva por este viaje a la memoria que zarpará el 15 de abril en el Centro Cultural El Hormiguero.

Por Itaí Cruz, Fotos: Nacho Ponce y Cortesía Escenario Ocesa 

3 razones para ver SOR-PRESAS A-MEN!

Si estás buscando una obra familiar, no te puedes perder Sor-Presas A-Men!, un musical sobre un grupo de monjas que te harán reír y cantar con sus divertidas ocurrencias que estamos seguros, te robarán el corazón.

Este montaje llegó a nuestro país desde hace un rato, bajo la dirección de Salvador Núñez, la buena recepción ha hecho que se presente en diversos foros de la capital, y ahora la podemos disfrutar todos los viernes en el Teatro de la República.

Aquí te damos 3 razones para que asistas con toda la familia y aproveches la última semana de vacaciones:

1.Un ambiente festivo. Esta greguería escénica comienza desde que el público ingresa al lobby, donde las hermanas los reciben con gran entusiasmo. Ellas se encargan de distribuir los programas, acompañar a la gente a tomar su lugar en la sala, la música, las luces, todo para el goce de los ahí presentes.

2. Humor singular. Esta es una comedia que se vale del humor sin caer en lo ordinario, que pueden disfrutar todos los miembros de la familia, desde los más pequeños hasta los abuelitos. Gracias al talento de sus actores, quienes con sus ocurrencias, logran mantener expectante a la audiencia.

3. Brillantes actuaciones y excelentes voces. No podemos negar que la clave del éxito de esta puesta es su elenco, Jacobo Toledo, Carlos Rodea, Roberto Mendoza, Diego Llamazares, Ian Galicia y José Ángeles, derrochan talento en escena. Todos cantan, bailan, actúan y logran mantener el ritmo durante las 2 horas que dura la puesta sin perder esa chispa del inicio.

No lo pienses más y corre a ver a estas irreverentes hermanas en el Teatro de la República, consulta precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Desde Cero

Arranca DESDE CERO, un musical improvisado en el Teatro Ramiro Jiménez

La noche del miércoles dio inicio la temporada de Desde Cero, un musical improvisado en el Teatro Ramiro Jiménez. En este montaje, bajo la dirección de Angélica Rogel, alternan 17 intérpretes que cada función crearán un múscial. Al inicio de la función el público propone frases o palabras, entre ellas la directora escoge algunas y con ello el elenco tiene que improvisar un musical.

Durante la presentación del elenco y el equipo creativo y de producción, Angélica Rogel señaló que en cada función todo ocurre una sola vez, son “siete cabezas aquí por primera y única vez”. Al respecto, adelantó: “cada función pueden ver a un elenco distinto y una historia distinta, entonces es un reto que nos está encantando“.

La función de arranque de este espectáculo la ofrecieron Denisha, José Luis Saldaña, Karla Morales, Mauricio Hernández, Daniel García, Paloma Cordero y Jerry Velázquez. Como padrinos de la obra estuvieron Alejandro Calva y Natalia Téllez.

El resto del elenco está confromado por Rubén Branco, Rodolfo Zarco, Ana Guzmán, Alba Mesa, Esván Lemus, Jhovardy Vences, Leo Bono, Caro Vélez, Majo Dávila y José Grillet. Todas las actrices y actores alternan, por lo que cada función tendrá un elenco difrerente que realizará una creación única.

El grupo musical que acompaña a los intérpretes está conformado por Miguel Haller – quien además realiza la dirección musical-, David Federico Suzawa, Juan Manuel Torreblanca, Daniel Mena, Daniel Gómez Dago.

Natalia Téllez dijo que es un honor ser madrina de un proyecto así. En este sentido, dijo, un proyecto que nace de un sueño que sale adelante con dedicación, amor y superando los osbstáculos. “Ver los teatros llenos siempre va a hacer a todos emocionarnos y tener fe de que esperar que un proyecto vea la luz vale toda la pena”, dijo.

Por su parte, Alejandro Calva, quien actualmente participa en la versión “Ella” y “Él” de Siete veces adiós, como “Lamore”, compartió que conoce a Angélica Rogel desde los 90 y a muchos integrantes del elenco, “gente que de alguna manera fue lo que empezó en esas épocas siendo un movimiento de improvisacion que ha ido creciendo”. Destacó el alcance que ha tenido la improvisación en México, por lo cual siente muy orgulloso de verlos sobre el escenario. El resultado de Desde Cero, dijo, es “espectacular”.

En el inicio de Desde Cero estuvieron presentes Daniel Delgado, Carlos Vidaurri, de Playhouse Entertainment, y Jiména Saltiel de OnceOnce Producciones, productores de este musical.  Daniel Delgado destacó que se trata de un proyecto que se tenía pendiente desde hace algunos años. El proyecto, explicó, inició el 2019 con un entrenamiento muy intensivo pero se tuvo que posponer por la pandemia.

Para más información, horarios, boletos y descuentos de Desde Cero, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro

4 obras imperdibles en Teatro UNAM

Luego de una semana de vacaciones, los recintos de Teatro UNAM están listos para recibir de nueva cuenta a los espectadores con diversas historias que los atraparán, desde lo clásico hasta lo experimental, para chicos y grandes.

Echa un vistazo a las opciones que tenemos para ti:

1.InSomnus (Rhumor teatral) ¿A qué suena el rojo? Escrita, dirigida y actuada por Aarón Govea, este montaje parte del sonido para crear pasajes imaginarios en la audiencia, mezclando la ficción y la realidad. Se presenta de jueves a domingo, hasta el 7 de mayo, en el Teatro Santa Catarina.

2. Ese amor de Romeo y Julieta. Para la audiencia más joven, bajo la dirección de Quy Lan Lachino, el Carro de Comedias estrena temporada de esta obra basada en la tragedia más icónica de W. Shakespeare, sobre el amor prohibido entre dos jóvenes cuyas familias son adversarias. La temporada correrá sábados y domingos, a partir del 15 de abril en la Explanada del CCU, todas de entrada libre.

3. Algodón de azúcar. A través de la farsa y el humor negro, Gabriela Ochoa escribe y dirige este montaje que se adentra en los recuerdos de la infancia, donde habitan los fantasmas del pasado, personificados por 3 distintos clowns, que harán de las suyas para sacudir al protagonista. Se presenta de jueves a domingo en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz.

4.Tiburón. Con la dramaturgia de Luisa Pardo y la dirección e interpretación Lázaro Gabino Rodríguez, regresa esta propuesta que habla sobre el misionero José María de Barahona a la isla Tiburón, en la que radicó durante 10 años evangelizando a la comunidad indígena de los tokariku. Con funciones de jueves a domingo, del 20 al 23 de abril en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón.

Y para que te animes a ir a ver cualquiera de estas obras, Teatro UNAM ofrece precios muy accesibles, con un costo general de $150 pesos,  si eres estudiante, maestro o cuentas con tarjeta INAPAM, en taquilla puedes adquirir tus entradas a mitad de precio. Pero eso no es todo, los Jueves Puma, todos los boletos tienen un precio de $30 pesitos, cómo verás, no hay pretexto para no ir a cualquiera de estas funciones.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Coordinación de Difusión Cultural UNAM

Del viejo mundo para tierra azteca: Textos europeos en la Ciudad de México

La confrontación entre la ambición política y el hartazgo del pueblo. La emergencia de los instintos más primarios en un civilizado cuarteto de padres de familia. El torpe intento de dos hermanos por ayudar a que el tercero pueda cumplir su deseo de adoptar a un niño. La batalla cotidiana entre dos mujeres, madre e hija, dispuestas a perpetuar una estela silente de abuso y violencia mutua.

Temáticas plenamente identificables para el público mexicano, situaciones del día a día que, desde su butaca, el espectador identifica como algo muy de éste país, aunque todo cuanto se esté ocurriendo en escena provenga de otros contextos, aunque todo cuanto se escuche, tenga su raíz en otras lenguas: inglesa, irlandesa, alemana, francesa, catalana, etc. Una vez traducidos, éstos textos no hacen más que demostrar que, como decimos aquí, en todas partes se cuecen habas.

En la actual Cartelera de Teatro podemos encontrar muy distintos ejemplos del teatro proveniente de países europeos que suscita el interés del público, la comunidad y la crítica. La presencia de textos dramáticos de aquellos lares en nuestro país es tan vieja como el continente mismo.

Tan solo hay que recordar que, para vencer la tradición española del teatro del siglo XIX, en el Teatro de Ulises Salvador Novo y Xavier Villaurrutia recurrieron a traducciones de textos británicos y franceses contemporáneos para renovar las formas y fondos del teatro nacional -o, al menos, el de la Ciudad de México-, a principios del siglo XX.

Desde entonces, el teatro contemporáneo proveniente de Europa -dejemos fuera, por ésta ocasión, Shakespeares, Moliéres, Ibsens y Chéjovs- ha estado presente en los distintos movimientos de vanguardia -Poesía en Voz Alta en los cincuenta, Casa del Lago en los sesenta- y fue privilegiado e impulsado por grandes creadores del siglo XX como Juan José Gurrola, Alexandro Jodorowski, Ludwik Margules y Manuel Montoro, por mencionar a algunos.

Uno de esos creadores de referencia, Luis de Tavira, acaba de estrenar la segunda temporada de Furor, de los dramaturgos alemanes Lutz Hübner y Sarah Nemitz. En ésta, la actriz Stefanie Weiss -también traductora del texto- y los actores Juan Carlos Vives y Rodrigo Virago conforman una tríada que hace que el aire se pueda cortar con un cuchillo gracias a la tensión que provoca el reflejo de los fenómenos sociales que actualmente castigan al mundo, como el cinismo de la clase política, la polarización de clases, los discursos de odio, las noticias falsas y la ingobernabilidad de las redes sociales.

En éste montaje, Tavira vuelve a un texto contemporáneo alemán, tras tener éxitos notables con obras de Brecht como La honesta persona de Sechuán, Santa Juana de los Mataderos o Madre coraje y de Botho Strauss como La guía de turistas y Grande y pequeño.

Reciéntemente, su puesta en escena de Tragaluz del británico David Hare fue muy elogiada; en los noventa, tuvo un gran éxito dirigiendo en formato comercial El rehén del británico Ronald Harwood. Y, como actor, faceta en la que últimamente se le ha visto muy activo y entusiasta, interpretó el texto La fundamentalista del finlandés Juha Jokela y, bajo la dirección de Sandra Félix, La última cinta de Krapp, ese monólogo de Samuel Beckett que rara vez se ve en nuestros escenarios.

Una de las voces más sonoras de la dramaturgia y la narrativa francesa es la de Yasmina Reza, quien desde la década de los ochenta ha lanzado, ya sea en novelas o en obras teatrales, feroces e incómodas sátiras sobre la burguesía de Francia, la cual, a juzgar por el éxito que han tenido las representaciones de sus textos alrededor del mundo, parece ser igual en todos lados.

Apenas el año pasado fue escenificada Tres versiones de la vida, bajo la dirección de Rina Rajlevsky, con las actuaciones de Mario Alberto Monroy, Fernando Memije y las muy destacadas Daniela Luján y Ana Kupfer. Y aún resuena en el mundo teatral el duelo que sostuvieron, a finales de los noventa, Héctor Bonilla, Claudio Obregón y Rafael Sánchez Navarro, dirigidos por Mario Espinosa, en ese joven clásico del teatro que es Arte.

Actualmente está en cartelera el segundo montaje profesional de Un dios salvaje, una de sus obras más representadas -y con una versión cinematográfica dirigida por Roman Polanski-. Estrenada hace 13 años por OCESA, en dirección de Javier Daulte, hoy es dirigida por Miguel Septién, quien también la tradujo.

Pablo Perroni, Fernanda Borches, Tato Alexander y Chumel Torres son los encargados de dar vida -y pelea- a esos padres de familia que al reunirse para hablar civilizadamente sobre un conflicto de sus hijos, descubren que, con un poco de alcohol, los instintos primarios pueden imponerse a las buenas maneras. El público ríe, tal vez porque sabe que jamás podría llegar a los niveles de violencia y brutalidad a los que llegan estos refinados. O tal vez ríe porque sabe que sí.

Otra comedia, muy distinta a la anterior, es Ugo, Pako y Luiz del británico Ray Cooney. Teatro contemporáneo, sí, pero a la vieja usanza: comedia de puertas, de equívocos, de personajes exacerbados que no buscan más que entretener al espectador con sus peculiares conflictos, aunque en el caso particular de ésta obra la ternura se impone, pues los enredos surgen por el genuino deseo de dos hombres no muy ejemplares de ayudar a su hermano y a su cuñada para que puedan darles a un niño en adopción.

Dirigida por el actor argentino Nicolás Cabré, la obra conjuga a un nutrido reparto -hay varias alternancias- encabezado por Héctor Suárez Gomís, Ana Layevska, Rubén Branco, Aarón Baldieri, Alfredo Veldáñez y las actuaciones especiales de Pilar Boliver y Anabel Ferreira. El teatro de Cooney no es nada nuevo en nuestro país: Jorge Ortiz de Pinedo tuvo distintas temporadas con su obra más conocida, Sálvese quien pueda (que también se ha montado con otros títulos y otros comediantes) y escenificó Batas blancas no ofenden.

Volviendo a la seriedad y más bien hacia la tragedia contemporánea, otra obra que tiene su segundo montaje en nuestro país es la ópera prima del hoy internacionalmente reconocido dramaturgo, guionista y cineasta Martin McDonagh, La reina de belleza de Leenane, que hoy se presenta bajo la realización de la compañía Por Piedad Teatro, desde la cual los actores, traductores y directores Ana Graham y Antonio Vega han introducido a dramaturgos europeos fundamentales como Sarah Kane (Devastados), Mark Ravenhill (Fotografías explícitas), Martin Crimp (El campo), Paul Walker (Los baños), Roland Schimmelpfening (El dragón dorado) y Maria Milisavljevic (Abismo), entre otros.

Aunque ya lo conocemos en México y aunque ésta obra ya ha sido escenificada -a principios de este siglo la actuaron Blanca Guerra y Angelina Peláez en una dupla de ensueño, dirigida por Iona Weissberg-, es de agradecer que ni Graham ni Vega se queden con las ganas de poner su propio McDonagh, un autor al que el mundo aplaude gracias a cintas como Tres anuncios por un crimen y Los espíritus de la isla, pero cuyo anclaje está en el teatro y en su posibilidad de reflejar el aflore de la violencia más enquistada y soterrada en el seno familiar o social, como lo demuestran obras puestas en la ciudad de México como El teniente y lo que el gato se llevó, El oeste solitario y The Pillowmann (que jamás entenderemos por qué no la titularon El hombre almohada), que ha tenido dos notables montajes.

En La reina de belleza de Leenane, que dirige Angélica Rogel, la propia Ana Graham se enfrenta a Sofía Álvarez para poner sobre la mesa la crueldad, la dependencia y el abuso, que puede habitar en una madre y una hija que, afortunadamente para el espectador, se hallan en un poblado del primer mundo irlandés y no en el tercermundismo mexicano.

Si bien el teatro proveniente de países europeos es una constante en nuestros escenarios, es de destacar la labor que han hecho a lo largo de su trayectoria productores como Ana Graham y Antonio Vega para traducirlo y ponerlo en escena, ofreciendo una garantía al público mexicano para encontrarse con autores y textos de trascendencia mundial.

Por supuesto, la gran valía de la presencia de estos textos en nuestro país es, entre otros temas, la posibilidad de ejercitar la traducción -y en eso hay que destacar la labor de las editoriales como El Milagro, Los Textos de La Capilla, Paso de Gato y Teatro sin Paredes para la publicación de algunas de esas traducciones- de esos textos a fin de darlos a conocer a un público que, al ir al teatro y se tope con la realidad de, por ejemplo, Alemania, de Inglaterra, de Francia o de Irlanda, sepan que no es muy distinta de la que hay en su propio país, para fortuna o, en la mayoría de los casos, para desgracia de todos. Pero justo, por eso y para eso, está el teatro, venga de donde venga.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Luis Quiroz, FB Un dios salvaje, Cortesía INBAL

3 razones para ver LA LUZ DEL OTRO

El teatro tiene muchas formas de dialogar con el público, de establecer puentes y tocarlo. Es el espacio idóneo para poner en marcha un juego de representación, lo que se nos narra puede leerse en distintos niveles y distintas perspectivas, justamente ese es uno de los valores de La luz del otro, la nueva producción de Teatro Sin Paredes dirigida por David Psalmon.

Si te gusta un teatro que propone y, desde la creación colaborativa, busca abrir discusión sobre los temas, este montaje es para ti.

Bernardo y Diana son, aparentemente, o al menos eso podemos pensar, los últimos habitantes de la tierra. De su encuentro depende algo más que el futuro de la humanidad, depende la posibilidad de trascendencia de ambos reconociéndose en otro. De alguna manera este montaje me hace pensar en el poema Piedra de Sol de Octavio Paz. Cuando los personajes de La luz del otro se miran y se reconocen, sin duda, el mundo cambia, como en el poema de Paz; la pregunta es, de qué manera cambiará ese mundo en caos en el que se miran el uno al otro.

El encuentro entre ambos hace resonar en mí algunos versos del poema del Premio Nobel mexicano: “amar es combatir, si dos se besan / el mundo cambia, encarnan los deseos, / el pensamiento encarna, brotan alas / en las espaldas del esclavo, el mundo / es real y tangible, […]”. El encuentro de estos dos sobrevivientes parte del miedo, del temor al otro, porque encontrarse con el otro puede también suponer sentirse vulnerable. Ambos personajes tienen una historia, hubo un punto de inflexión que los llevó al mundo distópico en el que se encuentran.

1. Imaginar el futuro para reflexionar sobre el presente. El texto de Sergio López Vigueras y la dirección de David Psalmon son una de las virtudes de La luz del otro. Nos pone ante un espejo, desde el futuro nos plantea preguntas sobre dónde nos encontramos y hacia dónde vamos. La dramaturgia está inspirada en el filósofo lituano Emmanuel Lévinas, quien reflexionó sobre la historia del pensamiento y encontró que este siempre ha tenido al “Yo” en el centro, reduciendo y limitando al mundo. Lévinas propone que, antes de reducir al otro para conocerlo, debemos plantearnos nuestra responsabilidad hacia el otro y hacia la humanidad.

2. Una creación potente. Los actores Diana Sedano y Bernardo Gamboa prestan sus nombree a los personajes de este montaje y logran de la mano de su director una creación potente. Bernardo Gamboa ya ha colaborado en otras creaciones del Colectivo Teatro Sin Paredes, en esta nueva propuesta se suma Diana Sedano a los colaboradores de este colectivo. Diana y Bernardo crean una pareja sobre el escenario que funciona bien. Nos hacen sentir sus miedos y sus esperanzas, sentir el mundo en conflicto en que viven, un mundo en conflicto externo e interno. Ambos logran sembrar en el público, más que respuestas, preguntas que hoy más que nunca son pertinentes.

3. Una visión de lo que podría ser, pero todavía no es. El diseño de escenografía e iluminación de Sergio López Vigueras, y el vestuario de Mario Marín del Río nos permiten vislumbrar un mundo 100 años en el futuro. Otro elemento fundamental que no sitúa en este futuro próximo es la música original que Francisco Bringas interpreta en vivo. El diseño sonoro de Daniel Hidalgo Valdés y el dispositivo multimedial y el video arte  de Miriam Romero León juegan a favor de los intérpretes. El futuro siempre tiene un rostro incierto; como escribe el poeta Colombiano William Ospina, en un poema precisamente llamado Futuro, se trata de una región “inalcanzable y sola” y agrega “guarda para el futuro / rostros imprevisibles”. Es este rostro imprevisible el que nos muestra Teatro Sin Paredes en este montaje, una visión de lo que podría ser, pero todavía no es.

Así que ya lo sabes, si lo tuyo es un teatro que lanza preguntas, que busca vislumbrar hacia qué territorios se dirige la humanidad y para ello utiliza distintos recursos sobre el escenario, la luz del otro es un montaje que vas a disfrutar.

Para más información de este montaje que se presenta los fines de semana en la Sala Xavier Villaurrutia del CCB, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro

Timbiriche pondrá a bailar al público con la nueva versión de VASELINA

Esta tarde el productor Alejandro Gou anunció el elenco de Vaselina con la participación de Benny Ibarra, Erik Rubín, Mariana Garza, Diego Schoening, Alix Bauer y María León encabezando  este nuevo montaje de la obra.

El musical, con libreto, letra y música de Jim Jacobs y Warren Casey estará bajo la dirección de Mauricio García Lozano y contará con la traducción de Julissa y la producción musical de Benny Ibarra.

El productor destacó que se trata de un sueño hecho realidad. Agradeció a todo el elenco y dijo: “Lo único que les puedo prometer es hacer el mejor Vaselina de la historia, con un gran elenco y una producción nunca antes vista“.

El resto del elenco lo integran José Luis Rodríguez “El Guana”, Lupita Sandoval,  Verónica Jaspeado, Alejando Ibarra, Yahir, Kalima, Angélica Vale y Andrea Legarreta.

Por su parte, Erik Rubín, coproductor de la obra, se dijo que están muy emocionados de saber que van a escribir nuevas historias. Al respecto, afirmó, Vaselina ha sido una obra “generosa en todos los aspectos, que ha marcado a toda una generación”. Destacó que es una oportunidad de jugar con una nueva generación, desde un lugar más maduro y más conciente.

Por su parte, Benny Ibarra compartió que Vaselina los ha llenado de muchas “aventuras e historias”. En este sentido, dijo, se trata de un gran regalo para el elenco y para el público, por lo cual tienen planeada “una aventura especial, maravillosa y sensible”.

Alejandro Gou anunció que la obra iniciará el 13 de julio su temporada y adelantó que durará solo 12 semanas, para más información, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro

Un dios salvaje. Chumel Torres, Fernanda Borches, Tato Alexander y Pedro Perroni.

Con función ante prensa e invitados arranca temporada UN DIOS SALVAJE

El miércoles se realizó el estreno oficial con funciones de prensa e invitados de Un dios salvaje. Con la dirección y adaptación de Miguel Septién actúan Pablo Perroni, Fernanda Borches, Tato Alexander y Chumel Torres. Esta obra, escrita por Yasmina Reza inició presentaciones el pasado 5 de abril en el Teatro Milán.

El montaje aborda a través de la comedia el conflicto entre dos parejas que, a raíz de una pelea entre sus hijos, deben escoger entre ceder ante la parte visceral o apostar por la parte racional.

Miguel Septién agradeció la energía de la función al público, la cual se debió, dijo, “a que vienen con un corazón abierto y ganas de escuchar la historia que estamos contando”. El director agregó que montar un texto tan conocido como Un dios salvaje es un arma de doble filo. Siempre en estos casos, afirmó: “Estamos tratando de perseguir una meta misteriosa intangible y brillante en algún lugar”. Una meta, dijo, que no sabemos si lo conseguimos o no.

Sin embargo, agregó Septién, lo que sí puede afirmar es que ha sido un verdadero placer montar esta obra. Destacó tanto el trabajo de los productores y el equipo creativo. Además, afirmó que contó con un elenco abierto, humilde, arrojado y talentoso. Finalmente, concluyó: “Espero de todo corazón que algo de lo que hayamos encontrado, de lo que hayamos construido, haya resonado con ustedes de alguna forma”.

El equipo creativo de la obra está integrado por Sergio Arroyo en la escenografía e iluminación y Miguel Septién en el vestuario. El responsable del diseño de audio es Dano Coutiño. En la asistencia de dirección Alejandra Arenas y en la producción ejecutiva Daniel Severino.

Un dios salvaje, producida por Pablo Perroni, Sergio Mingramm, Alejandro Bracho, Ana Kupfer y Alberto Alba, se presenta los miércoles en el Teatro Milán.

Para más información del montaje, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro. 

Llega al Helénico la obra COSTO DE VIDA dirigida por Samuel Sosa

LaTe Producciones sube a escena la obra, Costo de vida de Martyna Majok, ganadora del Premio Pulitzer de Drama 2018, bajo la traducción y dirección de Samuel Sosa, que estrena en México, del 1 de mayo al 28 de junio con funciones lunes, martes y miércoles en el Teatro del Centro Cultural Helénico.

En conferencia de prensa, el también productor Samuel Sosa, expresó: “Esta obra yo la leí, por primera vez en 2018, fue una casualidad. Leí un artículo sobre esta obra que había ganado el Premio Pulitzer, la descripción de la obra muy escueta en la nota, me pareció muy interesante, les escribí a la agencia, me la mandaron, la leí y me pareció muy brillante”.

Agrega: “Hace mucho que no dirigía y tenía la espinita de regresar, y este proyecto desde 2019, lo he ido encajonando y planeando, hemos intentado financiarlo muchos años, ha habido gente que ha estado viendo si se hace o no se hace, finakmebte se conjuntaron los elementos y aquí estamos, pudiendo estrenar Costo de vida, hay un equipo increíble detrás (…) lo que nos mueve aquí, es el pedazo de historia que tenemos para contar“.

Por su parte, la actriz Sandra Jiménez, declaró: “Ha sido un proceso muy interesante y muy significativo para mí, porque personalmente ha sido ver lo que amó desde varios ángulos. Yo soy directora y guionista, tanto de cine como de teatro, le he tenido un profundo respeto a la labor actoral. Estar viviendo por primera vez el otro lado, estar viendo el proceso de un colega (…) ver a Samuel dirigir ha sido una experiencia muy enriquecedora, el poder compartir escena con Humberto, para mí ha significado mucho”.

Añade: “También el hecho de que se nos ha permitido mezclar las experiencias de vida y sumar en la creación de los personajes, hemos jugado con la línea entre ficción y realidad, que se nos permita aportar desde donde vivimos, me parece muy importante. Parte de las razones por las que me atreví, precisamente, es porque el tema no es la discapacidad, no es la clásica historia que estamos acostumbrados a ver, son cosas que van más allá de eso, (…) es tiempo de ver a la discapacidad desde las posibilidad y es lo que hace esta obra de manera magistral“.

La obra contará con las actuaciones estelares de Humberto Busto, Elena del Río, Sandra Jiménez Loza y Arly Velásquez Peñaloza, quienes interpretan a un ex-camionero, una exesposa recientemente paralizada, así como un joven arrogante con parálisis cerebral y su nuevo cuidador, cuyas vidas diametralmente distintas
deben enfrentarse a las vicisitudes de mantener una vida digna ante la vulnerabilidad a la que están sujetos.

Mientras que, en el equipo creativo participan Omar Flores López en la producción ejecutiva; Adrián Martínez Frausto en el diseño de escenografía, Ingrid Sac en el diseño de iluminación, Sebastián Romero en el diseño de vestuario y Xicotencatl Reyes en el diseño sonoro, la producción general corre a cargo de Óscar Carnicero, Humberto Busto y Samuel Sosa.

Costo de vida llegará a las salas el próximo 1 de mayo en el Teatro Helénico, ubicado en Av. Revolución 1500, Col. Guadalupe Inn, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Presentan MATTEO RICCI, un “testimonio de amistad de las culturas diferentes”

Se anunció el estreno de Matteo Ricci en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de  Artes. En conferencia de prensa los maestros Luis de Tavira, Jorge A. Vargas y Philipp  Amand informaron los pormenores del montaje. De Tavira y Vargas son los encargados de dirigir esta propuesta y Amand es el creador del diseño escenográfico. La obra iniciará temporada el próximo 29 de abril.

La obra, escrita por José Ramón Enríquez, José María de Tavira y Luis de Tavira es la última parte de una trilogía producida por el jesuita Enrique González Torres. La primera parte fue la obra La expulsión y la segunda El corazón de la materia. Esta nueva obra, señaló Luis de Tavira, narra “la apasionante aventura de un hombre llamado Matteo Ricci, un humanista de finales del siglo XVI que fue el primer occidental que consiguió entrar al corazón de esa China encerrada, enigmática y prodigiosa”.

Desde ahí, explicó el director, Ricci intentó “la amistad de la cultura”.  En este sentido dijo: “El teatro es un arte de amistad, para hacer teatro hay que ser amigos. El espectáculo que intentamos crear es el de un testimonio de la amistad de las culturas diferentes para hacer posible la convivencia de lo humano en medio de las diferencias“.

Por su parte, Jorge A. Vargas destacó que se trata de un proyecto muy ambicioso y de grandes retos. Al respecto, subrayó que: “El principal reto ha sido su dimensión colaborativa. Ese espacio donde se pueden cruzar distintos pensamientos y saberes sobre los modos y las formas de hacer el teatro hoy”. Consideró que de parte ha habido una generosidad muy significativa por parte del maestro De Tavira al abrir “el horizonte para colaborar y dejarnos contaminar por los distintos modos de ver el fenómeno de lo escénico”.

Sobre Matteo Ricci, Vargas destacó que podemos verlo como un “pionero del diálogo intercultural”. Sobre esto agregó: “En esta pieza inciden, coinciden, o se ponen en tensión distintas disciplinas, distintas miradas”.

Al hablar sobre el dispositivo escénico, Philipp Arman destacó que lo realizó pensando que tenía que permitir la coahbitación “del mundo de Luis de Tavira y del mundo de Jorge A. Vargas”. En este sentido, dijo: “Lo que vamos a ver en escena es este espacio que de alguna manera vincula estos mundos de estos dos creadores escénicos”.

El elenco de la puesta en escena está integrado por Esther Orozco, Rocío Leal, Alejandra Garduño, Pati Yáñez, Valentina, Manzini, Ricardo Leal, Héctor Holten, Andrés Weiss, Adrián Aguirre y David Martínez Zambrano.

El vestuario es creación de Carlo Demichelis y Jerildy Bosch. En el equipo  creativo  participan también Joaquín López Chapman, Jesús Cuevas y Pedro de Tavira en el diseño sonoro. Juan Pablo Villa está a cargo de la composición coral que será en vivo.

Para más información del montaje haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro

 

 

 

 

5 opciones para llevar a los peques al teatro en el Mes del Niño y la Niña (1 parte)

En este mes celebramos a las infancias con mucho teatro, sabemos que el acercamiento a temprana edad, aporta en los pequeños muchos valores, así como una riqueza artística y cultural que estimulan su mente y su cuerpo.

En esta primera parte, te contamos acerca de 5 obras a las que puedes acudir en compañía de toda la familia y disfrutar de un gran fin de semana:

Las arañas cumplen años. Esta propuesta a cargo de la compañía Los de siempre Artes escénicas, entre metáforas, nos incita a reflexionar sobre temas como la ausencia, la muerte y la violencia, a través de la historia de un pequeño que se ve obligado a dejar su casa junto a su madre. La obra se presenta sábados y domingos, hasta el 24 de mayo en el Teatro El Granero del CCB.

Hansel y Gretel, un dulce musical. Tort Producciones trae a escena este musical basado en la clásica historia recopilada por los hermanos Grimm, con alegres melodías y momentos llenos de humor, que incita a los infantes a sobrellevar con temple, las peores dificultades y así, salir avantes. Las funciones son todos los sábados en el Teatro Enrique Lizalde.

Aprender y olvidar. Una entrañable apuesta de Marionetas de la Esquina en la que niños y adultos aprenderán el significado de la complicidad, por medio de la historia de dos nietos y un abuelo que día con día pierde un pedacito de su memoria y que está a punto de dejar su hogar para irse a un asilo. Las funciones son sábado y domingo, hasta el 24 de abril en La Titería.

Jack y los frijoles mágicos. Bajo la producción de Killin Pie Productions, llega esta historia sobre un niño que cambia su vaca por cinco judías mágicas, de las que crece una planta gigante por la que Jack no se puede resistir a trepar, que busca enseñar a los padres e hijos acerca del valor de la humildad y el trabajo duro, así como la importancia de apoyar a los hijos al tomar sus propias decisiones. La obra se presenta todos los sábados y domingos en el Nuevo Teatro Libanés.

Quijote y Panza. El Colectivo Teatral Mexicano Los Alichanes trae a escena el clásico de Cervantes utilizando títeres para contarnos algunas de las aventuras de este par de amigos, recordando a los niños y niñas sobre la importancia de luchar por sus sueños, haciéndonos recordar que la imaginación es un valor que nadie nos puede quitar. Con funciones sábados y domingos, hasta el 28 de mayo, en el Teatro El Milagro.

Si deseas conocer otras opciones que ofrece la cartelera infantil, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Ricardo Trejo y Killin Pie Productions

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3 razones para ver ALQUIMIA Y TRANSMUTACIÓN

El teatro y la literatura tienen una potencia que a veces olvidamos, lo abarcan todo. Hay obras que, más allá del entretenimiento, reconstruyen a quien las presencia y a quienes las interpreta. El teatro tiene esa capacidad de reconstruir vínculos y crear pertenencia. Tiene la magia de hacer una noche memorable al sentir la emoción de la persona a tu lado y de los intérpretes. Si a ti te gusta este tipo de propuestas, Alquimia y Transmutación: mujeres presas dentro y fuera de una cárcel te va a fascinar.

Existen en nuestro país casos exitosos de teatro como herramienta para la reinserción social, casos que emocionan como la Compañía de Teatro Penitenciario, proyecto de impacto social del Foro Shakespeare, la cual inició en 2009 y cuenta ya con una compañía interna y otra externa.

En esta corriente se inscribe Compañía Teatral de Personas Liberadas, integrada por 20 mujeres y 15 hombres egresados del Sistema de Justicia Penal de la Ciudad de México, que encabezada por Arturo Morell presenta Alquimia y Transmutación.

Con un trabajo de dos décadas detrás, esta compañía presenta esta obra dentro de un proyecto llamado Teatro Espejo. Esto quiere decir que la obra se ensaya y presenta al interior de Santa Marta Acatitla por la Compañía de Personas Privadas de su Libertad y en el exterior por la Compañía de Personas Liberadas, cuando una reclusa de la compañía obtiene su libertad es recibida con los brazos abiertos en la compañía externa.

Es una obra que, además, denuncia la persecución y los obstáculos que esta sociedad pone sobre la espalda de las mujeres. Sí, las actrices en escena lo han sufrido de manera despiadada y desmedida, pero prácticamente ninguna mujer queda exenta en esta sociedad de privilegios, donde nacer hombre automáticamente otorga una ventaja.

Si necesitas más razones para vivir esta experiencia extraordinaria, aquí te compartimos tres.

1. Un montaje con corazón. Lo primero que se puede sentir al sentarse en la butaca es la emoción y la expectación de las actrices. Mujeres que vivieron la reclusión por distintas razones, pero que todas en el teatro se encontraron a sí mismas y descubrieron una nueva pasión, una nueva oportunidad. Mujeres que en un escenario se ven y se adivinan orgullosas de la fuerza que, en las peores circunstancias, encontraron en su interior.

2. El valor de verse reflejado. La fuerza transformadora del teatro es incuestionable y esta obra logra esta transformación en distintos planos. Se requiere valor para plantarse en un escenario y compartir estas historias de vida; es un valor que al público le exige algo de vuelta: el valor de mirar a estas mujeres a los ojos y reconocerlas, de verse reflejado. Nos exige el valor de abrazar y acompañar esa decisión de estas mujeres de regresar a una sociedad que, en muchos casos, les queda debiendo.

3. Compromiso y profesionalismo. Quienes vivimos el teatro intensamente desde las butacas hemos tenido oportunidad de ver intérpretes enormes sobre el escenario. Las mujeres que conforman esta compañía no quedan a deber nada, uno reconoce en el rostro de cada una la pasión y entrega que viven y que transmiten a sus personajes. La calidad actoral aquí viene desde un lugar muy profundo de cada una de estas actrices maravillosas, de historias de vida que las han marcado.

Así que ya lo sabes, no te puedes perder esta oportunidad de ver teatro con vocación y labor social. La obra se presenta actualmente en el Cine Tonalá con dos funciones más el próximo 23 y 30 de abril.

Para más información del montaje, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.  

3 razones para ver GÜEVOS

No hay mejor lugar para hablar de un tema que a todos nos toca, como es el amor, que en el teatro. La cercanía y la presencialidad, la reacción en directo de los actores le da un toque especial a las historias de amor. Sobre esto nos habla Güevos, obra interpretada por Adriana Llabrés con Miguel Santa Rita y Quetzalli Cortés alternando papel.

El montaje, dirigido por Benjamín Cann, es una visión actual sobre las relaciones, de cómo a través de sitios online y aplicaciones mucha gente está buscando encontrarse.  No se trata de descubrir el hilo negro, conocer a alguien y abrirse con esa persona siempre ha sido todo un tema. En la actualidad este proceso tiene ciertos matices, la inmediatez y la amplitud de opciones que tenemos a nuestro alcance han modificado la manera en que nos acercamos unos a otros.

Si a ti te gusta el humor negro y el tema del amor, Güevos es una propuesta que puedes disfrutar. Para que te decidas, aquí te cuento 3 razones por las que deberías de verla.

1.Amor y humor ácido. El proceso amoroso cambia, pero las agallas necesarias para establecer una relación no, y de eso nos habla esta obra. El texto de Adam Szymkowicz aborda el tema con humor ácido y nos hace reír con situaciones que, en mayor o menor grado, podemos vivir cuando tenemos una primera cita con alguien. Decimos y hacemos cosas que, con el ansia de conectar y encontrar el amor, podrían parecer inconvenientes; ver eso reflejado en el escenario resulta divertido.

2.Dos puntos de vista sobre la misma obra. Adriana Llabrés actúa en todas las funciones de la obra, pero Miguel Santa Rita y Quetzalli Cortés alternan papel. Esto nos permite ver en escena dos puntos de vista de esta historia, dos maneras de relacionarse del personaje masculino con el personaje de Adriana. Si bien se trata del mismo texto, la química y la respuesta corporal de Adriana tiene distintos matices dependiendo de con quien comparta el escenario. Esto resulta interesante y entretenido de ver.

3. Vernos reflejados en el escenario. Sí, el objetivo de Güevos es divertir, pero también tiene una parte que mueve a la reflexión. En esta inmediatez que vivimos y la gran cantidad de opciones que tenemos ahí afuera, también necesitamos ser amados. Buscamos ser amados tal como somos, y eso, en un contexto como el actual, a veces se complica. Esto puede ser un aspecto profundo y doloroso de las relaciones actuales, ante la facilidad de pasar a algo nuevo, en ocasiones, olvidamos que el amor también es una cuestión de ponerle “Güevos”.

Entonces ya lo sabes, si quieres pasarte un rato bien y reírte un poco de cómo vemos el amor, incluso, ¿por qué no?, llevar a tu cita al teatro, esta obra que se presenta en el Foro Shakespeare los fines de semana es una buena opción. Puedes disfrutar además de todo lo que ofrece la colonia Condesa antes o después de la función.

Para toda la información de Güevos, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Alberto Clavijo

6 dramas en temporada en la CDMX

Si te apasiona el drama, esta selección de historias te harán estremecer y reflexionar sobre la condición humana, la suerte, las violencias en la infancia, así como la importancia de rescatar la escencia interior.

Te invitamos a echar un vistazo a estas recomendaciones que puedes encontrar actualmente en temporada:

La lúser. Paola Izquierdo encarna a una mujer cuya pésima suerte la ha perseguido durante toda su vida, que a menudo ahoga sus penas en el alcohol. Hasta que un día, la suerte le llega y gana la lotería, quizá eso no sea nada bueno. Se presenta los martes de abril y mayo en el Foro Shakespeare.

Un acto de comunión. Antón Araiza quien celebró recientemente 10 años de un unipersonal en el Iris, nos pone la piel de gallina con este montaje basado en hechos reales, colmado de humor negro, sobre un hombre que comete un acto de canibalismo consensuado. Le resta una última función este martes en el Centro Cultural El Hormiguero.

Que no se culpe a nadie de mi muerte. En este montaje, Majo Pérez hace uso de su verstilidad al interpretar distintos personajes que nos hacen transitar de la comedia al drama con sutileza, para contarnos la historia de una mujer que ha decidido cometer un acto de suicido, así como las situaciones que la motivaron. Las funciones son todos los viernes en el Foro Bellescene.

Los días de Carlitos. Adrián Vázquez personifica a un pequeño de 11 años,  que debe hacer frente a distintas violencias de su entorno, desde el carácter de su madre, pasando por el bullying escolar, hasta su propia inseguridad para expresar sus sentimientos. Con funciones de viernes a domingo, hasta el 14 de mayo, en el Foro Lucerna.

Principito Awake. Valeria Vera nos invita a despertar a nuestro niño interior con esta propuesta que mezcla realidad y fantasía, con guiños a la historia de Saint-Exupéry, que nos conduce por un viaje interior desde la infancia de Em, hasta llegar a su etapa adulta, y tratar de encontrar respuestas que la ayudan a de redireccionar su camino. La obra se presenta los martes hasta el 6 de junio en La Teatrería.

La sombra. La primera actriz Beatriz Moreno personifica a una exitosa pintora y escritora retirada, en un thriller que plantea varios giros inesperados. Un periodista ha llegado para hablar sobre su obra más destacada, sin embargo, él tiene otras intenciones y sacará a la luza verdades ocultas. La obra se presenta todos los domingos, hasta el 7 de mayo en el Teatro de la República.

Por Itaí Cruz, Fotos: Mariano Zapata y Cortesía Manojo de Ideas

Nominaciones de los Premios del Público Cartelera de Teatro 2023

Vuelven los Premios del Público Cartelera. 

Estos premios tienen el objetivo de reconocer lo mejor del quehacer teatral en la Ciudad de México  y convertirse en vínculo y guía para la gente que ama el teatro.

En Cartelera de Teatro creemos que es fundamental que el público de teatro en México tenga voz. Por esto, son ellos quienes componen nuestro jurado.

Después de un intenso año, el jurado calificó la extensa actividad teatral de la Ciudad y finalmente han quedado definidas las nominaciones para esta 4ta edición de los Premios del Público Cartelera de Teatro.

Llegan a esta gran final quienes, en su categoría correspondiente, obtuvieron el mayor puntaje general.  Las nominaciones en cada una de nuestras categorías son las siguientes.

Mejor Actor: Daniel Giménez Cacho, por Network; Pedro de Tavira, en 7 años; Enrique Arreola, ¡Que arda Tebas!; Juan Carlos Colombo, por El corrido del Rey Lear; Beto Torres, El Show de Terror de Rocky; y Roberto Beck, por Inteligencia Actoral.

Mejor Actriz: Jacqueline Andere, por 100m2 o el inconveniente; Fernanda Castillo, por Siete veces adiós; Ana González Bello, 245 actos de maldad extraordinaria; Majo Pérez, por Indecente; Gloria Aura, El Show de terror de Rocky; y María Perroni Garza, por El cuerpo en que nací.

En Mejor Dirección de Arte, que engloba la escenografía, iluminación y vestuario, las nominadas son:

  • Jorge Ballina (escenografía), Felix Arroyo (iluminación) y Luis Roberto Orozco (vestuario) por su trabajo en Siete veces Adiós.
  • Estela Fagoaga (vestuario), Adrián Martínez Frausto (escenografía) y Patricia Gutiérrez e Ingrid Sac (Iluminación) por Network.
  • Jorge Ballina (escenografía), Pablo Gutiérrez (iluminación) y Eloise Kazan y Estela Fagoaga (vestuario) por Mentiras.
  • Emilio Zurita (escenografía e iluminación) y Sara Salomón (vestuario), por Indecente.
  • Emilio Zurita (escenografía), Miguel Pérez Cuesta (iluminación) y Emilio Rebollar (vestuario), por El show de terror de Rocky.
  • Jesús Hernández (escenografía e iluminación) y Pilar Boliver (vestuario), por Inteligencia Actoral.

Nuestros nominados a Mejor Dirección son: Alan Estrada, Siete veces Adiós; Francisco Franco Alba, Network; Reynolds Robledo, 7 años; Fernando Bonilla, El Corrido del Rey Lear, Cristian Magaloni, Indecente; y Flavio González Mello, Inteligencia Actoral.

Nominados en Mejor Dramaturgia:

  • 100 M2 o el inconveniente, de Juan Carlos Rubio.
  • Cuando la lluvia deje de caer de Andrew Bovell, traducción y adaptación de Jeannette de los Santos
  • 7 Años, José Cabeza, adaptación a México Jeannine Derbez, Versión para teatro Reynolds Robledo.
  • Indecente, de Paula Vogel, traducción Enrique Arce Gómez.
  • El Corrido del Rey Lear, de Fernando Bonilla.
  • El cuerpo en que nací, adaptación libre de la novela de Guadalupe Nettel realizada por Bárbara Perrín.

Finalmente, como nominadas para Mejor Obra en los Premios del Público Cartelera 2023 quedaron nominadas:

  • Siete veces adiós, producida por Ola K Ase y Playhouse Entertainment.
  • 7 años, de Lobos Producciones.
  • Indecente, una producción de Ana Kuppfer, Eloy Hernández(+), Arón Margolis, en sociedad con Ivonne Márquez, Jaime y Yosi Bernstein.
  • El corrido del Rey Lear, de Puño de Tierra y Próspero  Teatro.
  • El show de terror de Rocky, producida por Jaime Calpe y Rafa Maza.
  • Inteligencia Actoral, Erizo Teatro (Erizo Films S.A de C.V).

Los ganadores en cada categoría serán anunciados entre el 24 y el 29 de abril en las redes sociales de Cartelera de Teatro (IG, TW y TikTok: @elteatrocdmx, FB: carteleradeteatrocdmx) y en  nuestro portal. ¡Mantente pendiente!

3 razones para ver DESDE CERO

Normalmente un musical requiere de una preparación ardua y muy cuidadosa. Es un género que necesita de innumerables ensayos para que todo quede en su lugar. Pero, ¿qué sucede cuando mezclamos el género musical con la impro? El resultado es Desde cero, un musical improvisado.

Angélica Rogel, directora de este montaje, nos platicó hace unas semanas que se trata de jugar a tener algo que es muy formal y con muchas reglas, como es un musical, y romperlo por medio de la impro. Suena extraño, pero en verdad si eres amante de los musicales y de la improvisación saldrás muy complacido de esta propuesta.

El resultado sorpresivo e irrepetible, talento y rapidez de respuesta de los involucrados son los elementos fundamentales de esta obra. Bajo la producción de Playhouse, Once Once Producciones y Nuevo Teatro Desde cero llega al Teatro Ramiro Jiménez los miércoles.

Acá te platico 3 razones por las que te recomendamos ver este musical.

1. Una historia única en cada función. El elenco está conformado por 17 actrices y actores que alternan. En cada función siete de ellos tienen el reto de improvisar un musical con algunas frases y palabras que el público propone antes de la función. Entre las propuestas la directora escoge algunas y desde ahí se construye toda una historia y las canciones que lo acompañan.  El resultado es divertido y único en cada función.

2. El grupo musical. En los musicales mucho se habla siempre de los protagonistas y del ensamble, pero un elemento fundamental son los músicos que interpretan en vivo los temas. En este caso, es doblemente destacable el trabajo de Miguel Haller – dirección musical-, David Federico Suzawa, Juan Manuel Torreblanca, Daniel Mena y Daniel Gómez Dago. No solamente dan ese toque que solo la música en vivo puede dar a un musical, sino que al igual que el elenco tienen que improvisar durante las casi dos hora que dura el espectáculo.

3. Un gran equipo detrás de él. El montaje surge como idea original de Angélica Rogel y del productor Daniel Delgado. Sin embargo, no sería posible solo con el talento de quienes están sobre el escenario. Si bien se trata de una idea refrescante y relajada, el proyecto requiere de todo un equipo creativo, que al igual que los actores y los músicos deben reaccionar  ágilmente, todo el equipo debe coordinarse prácticamente con una mirada.

Ya lo sabes, se trata de una propuesta con la que seguramente te divertirás y reirás. El elenco está conformado por: Daniel García, Karla Morales, José Luis Saldaña, Paloma Cordero, Jerry Velázquez, Denisha, Rubén Branco, Mauricio Hernández, Rodolfo Zarco, Ana Guzmán, Alba Mesa, Esván Lemus, Jhovardy Vences, Leo Bono, Caro Vélez, Majo Dávila, José Grillet.

En el equipo creativo participan Natalia Saltiel, en la coreografía; Daniela García Moreno, quien realizó la escenografía a partir de elementos reciclados de otros montajes; Kaori Hayakawa en el diseño de iluminación; y Jimmy Núñez en el diseño y programación de iluminación.

Para más información del montaje, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Bergman habla “a tu ser más íntimo, a tu ser más profundo”: Entrevista con Gutemberg Brito

El 27 de abril estrena Persona en el Teatro Salvador Novo del Centro Nacional de las Artes. Este montaje, escrito y dirigido por Gutemberg Brito, está inspirado en la película del mismo nombre del cineasta Ingmar Bergman. Para hablar sobre esta propuesta entrevistamos a su autor, quien nos explica que rescata en esta propuesta los dos personajes principales de Bergman y da especial énfasis en el hijo de una de ellas. 

Ingmar Bergman escribió y dirigió Persona en 1966. La cinta aborda la relación entre Alma, una joven enfermera, y su paciente, la actriz de teatro Elisabet Vogler, quien sin ningún motivo aparente dejó de hablar. El filme se ha prestado a múltiples interpretaciones, sin embargo, su propio autor nunca quiso compartir su significado, ya que deseaba que el espectador llegue a su propia interpretación y que “sienta” la película.

 

Un homenaje a Bergman

Brito, quien es también actor y bailarín, nos explica que con esta propuesta busca hacer un homenaje a Bergman. Para él, confiesa, el cineasta ha sido un gran maestro de la estética, de la belleza y de un erotismo profundamente sensual

“El público va a ver un proyecto inspirado en la película de Bergman”, nos dice su autor. Y agrega: “Rescato a los dos personajes principales, Elisabet Vogler y el personaje de la enfermera Alma, rescato el personaje del hijo, que en la película de Bergman tiene una presencia diminuta, digamos”. 

Gutemberg Brito explica que, desde su percepción, la importancia del hijo de Vogler es muy grande. Y agrega: “Lo que ustedes van a ver [… ] es la mente de Elisabet Vogler, para mí esa inspiración que tuve está ocurriendo dentro de la mente de Elisabet”. 

El proyecto nació hace cinco años cuando Gutemberg cursaba la maestría de dirección escénica. En ese entonces, agrega, tuvo la inquietud de hacer el montaje, “estaba investigando sobre el erotismo en la escena teatral y me vino la imagen de la película Persona”. 

En este sentido, considera que si bien Bergman es muy psicoanalítico y reflexivo en torno a la existencia humana, en esta versión busca dar un enfoque que tiene que ver con los deseos que aparecen a través del sueño. Al respecto, subraya que a través del sueño se podrá mirar: “ese anhelo que yo tengo de compartir algo que para mí se acerca a lo bello, que nos vuelva a conectar con nosotros como seres humanos, que sepamos que estamos vivos y que también es finito”.

 

Creo en la vida como una gran experiencia

Para el director y autor, somos seres espirituales que atravesamos por una etapa humana. Durante esta etapa, nos dice, “el cuerpo es el que nos contiene, a través del cuerpo es que nosotros podemos recibir, sentir y oler”. Esto, nos dice, es también lo que el espectador podrá encontrar en Persona.

Brito nos adelanta que el público ingresará a la sala por la parte de atrás del teatro, donde podrá tomar una taza de té caliente, cruzar por el escenario y luego pasar a la butaquería. Es decir, subraya: “Vivir una experiencia, no es solo una obra de teatro. Yo creo en la vida como una gran experiencia, y yo creo que Bergman trató de hacer eso con su película cuando se acerca la cámara a los ojos, a la mirada, esos close up profundos”.

En esta propuesta, nos dice, lo que está buscando es la belleza, la delicadeza, la suavidad a través del arte escénico y de la presencia. Inevitablemente, al hablar sobre la presencia, el creador escénico refiere el proceso que se vivió durante la pandemia. En este sentido, explica que fuimos marcados profundamente por la distancia y el miedo hacia el otro. 

 

El erotismo en la escena teatral 

La versión de Persona del Brito, nacido en Bahía, Brasil, parte de la investigación sobre el erotismo que durante 5 años ha realizado. Sobre este particular, reflexiona: “En la escena teatral, para mí, el erotismo no existe en la prisa, para mí en el erotismo tiene  que haber calma, tiene que haber tranquilidad, es otro ritmo, es otro tempo”. 

Gutemberg cree que “la obra está cubierta de erotismo”. Por ello, desde que el público ingresa al teatro: “La idea es que la sensualidad te envuelva”. Esto, agrega, planteó el reto de lograr la calma en los actores, lograr que no entraran a escena con “la prisa de la Ciudad de México”. Para ello, explica, se necesita que entren en un proceso de calma, paciencia y entender que el proceso erótico tiene que ver con una serie de capas que se tiene que quitar una a una. 

Que la mirada del espectador  funja como la cámara

Otro reto que enfrentó el director es que, a diferencia de la película, en el teatro no se puede utilizar el close up. Para lograr esa sensación, explica, se recurrió a la eliminación del exceso de objetos. “Ustedes van a ver un escenario casi vacío, son muy pocos los elementos que están ahí”, adelanta. 

En este sentido, agregó: “Dejar realmente lo esencial para que podamos lograr hacer ese close up que la cámara normalmente logra [… ]  quitando todo lo demás, permitiendo que la mirada del espectador  funja como la cámara [… ],  mi mirada es la que tiene la capacidad de poder viajar por el espacio y ver el rostro de la actriz, sentir la mirada de la actriz”.

Esto además permite, según el creador, que los pocos elementos que quedan sobre el escenario estén cargados de imágenes y mensajes. 

 

Qué encontrará el espectador en Persona

Finalmente, cuestionamos a Gutemberg Brito sobre tres razones por las cuáles el público debe ver Persona. Al respecto nos dice: “Van a vivir una experiencia inolvidable, me comprometo con ustedes que van a vivir una experiencia inolvidable”. 

 El director, además, nos comenta que es un proyecto hecho con mucho amor y cariño: “Hacer la composición original con un trío de cuerdas, dos cantantes de ópera, un percusionista; es un equipo de más o menos 20 personas que estamos  poniendo nuestro corazón de antemano.Proyectos que son hechos con corazón, yo creo que sí vale la pena dar la vuelta y verificar”.

Finalmente, explica: “Bergman es un gran maestro, y creo que es un gran maestro no solamente para nosotros que somos artistas, que somos artistas escénicos, sino que creo que es uno de los grandes directores a nivel mundial que tiene un mensaje muy profundo de la existencia humana. Él está hablando a lo más íntimo de nosotros. Bergman está hablando no a tu máscara, no está hablando a tu arrogancia, no está hablando a tu frivolidad, está hablando a tu ser más íntimo, a tu ser más profundo”. 

Más inforamción, horarios y boletos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Gutemberg Brito

Lola Cortés y Horacio Villalobos apadrinan a Nelson Carreras como JAMIE

Este martes se realizó el estreno del musical Todo mundo habla de Jamie. En el montaje alternan Nelson Carreras y Joaquín Bondoni en el papel de Jamie. Anoche fue el turno de Nelson de subir al escenario para el inicio oficial de la temporada ante prensa e invitados especiales.

Al finalizar la función, Horacio Villalobos y Lola Cortés ofrecieron unas palabras a la producción y al público como padrinos de la obra. También estuvieron presentes el verdadero Jamie y Margaret, su mamá, y el autor de la obra, Tom MacRae.

Lola Cortés recordó cuando Nelson comenzó en La Academia, muy verde pero “hermoso y con luz”. Al respecto narró: “Empezamos a ver esta parte de no querer esconder nada, ser quien era”. Ahí compartió, Horacio y ella se dieron cuenta que él era “Jamie”.

Por su parte, Horacio Villalobos señaló que fue una espléndida función en un teatro legendario como el Teatro Manolo Fábregas, y deseo una larga producción, “que triunfen y viva el buen teatro en nuestro país, finalizó”.

Al hacer uso de la palabra Tom MacRae dijo que traer este show a la Ciudad de México y en este contexto es mágico. Y agregó: “Todo lo que hacemos comienza y termina con Jamie y Margaret. La historia de Jamie es de alegría y aceptación, pero más importante, de amabilidad. Espero que ese sea el mensaje que se lleven en su hermosa ciudad y lo compartan con sus amigos”

María Guevara, una de las productoras, destacó que en 33 productores creen en que el respeto es el camino y el amor y el arte son el vehículo para “un mundo más justo, donde nuestras voces sean escuchadas y nuestras identidades sean celebradas”.

Para más información de Todo el mundo habla de Jamie haz clic aquí.

Fotos: Cartelera de Teatro

3 razones para ver LAS TERRIBLES DESVENTURAS DEL DOCTOR PANZA

Si estás buscando una obra divertida y familiar, no te puedes perder, Las terribles desventuras del doctor Panza, montaje que nos hace reflexionar sobre nuestro hábitos alimenticios, la sobreprotección paterna y alcanzar nuestros sueños.

Este musical con guiños de humor negro está a cargo de Jengibre Teatro, con las actuaciones de Hugo Rocha, Bruno Salvador, Roam León, Ángel Luna, Gersón Martínez, Adrián Aranda y Hazael Rivera, bajo la dirección y autoría del propio Luna.

En este relato, el malvado Dr. Panza en compañía de sus asistentes Chicharrón y Mueganito se han encargado de engatusar a niños y adultos para que coman sin parar, y así aumentar la población de la Villa Pozole, Villa Jamón y Villa Pastelillo Relleno, Villa Refresco. Con gran ingenio, sin embargo, han comenzado a perder adeptos, por lo que se lanzan en la búsqueda de nuevas víctimas.

Aquí te damos 3 razones para que te lances este fin de semana al Teatro Varsovia:

1. Una crítica a la comida. Por medio de un humor mordaz, esta comedia familiar hace una crítica a la comida chatarra, que en muchas ocasiones son los adultos, quienes fomentan el abuso de golosinas, refrescos y demás comida que los pequeños no procesan de la misma forma y en muchas ocasiones terminan provocando enfermedades en los niños y niñas.

2. Pegajosas melodías. Uno de los grandes aciertos de este montaje es la música creada por Hazael Rivera. Con ingeniosas canciones y ritmos que van desde el rock hasta el surf, esta historia logra captar la atención y poner a bailar a chicos y grandes. Como un plus, todo el elenco toca un instrumento, en momentos nos hace sentir como si estuviéramos viendo a una banda de rock.

3. Una aventura steampunk. La escenografía, iluminación y vestuario juegan un papel fundamental en esta propuesta que se asemeja a un mundo un tanto futurista y que nos recuerda a películas como La invención de Hugo o Sucker Punch, desde el fondo de la escenografía hecha con tubulares de color cobre, pasando por el sombrero de copa que usa el Dr. Panza, así como la vestimenta de los achichincles.

El Día del Niño y la Niña está cada vez más cerca y sin duda, esta es una gran opción para acudir en familia este fin de semana y celebrar a los pequeños en su día, consulta más información de la obra, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Ulises Ávila

Y las nominadas son… Premios del Público Cartelera 2023

A la par del teatro, nacieron los premios que lo reconocen -o no- Bien es sabido que las obras de figuras como Sófocles o Eurípides, por mencionar dos notables casos, fueron merecedoras de sendos premios que las colocaron en el top del gusto del pueblo, de la crítica y de la comunidad teatral de aquellos años. Muchos siglos y demasiadas obras han pasado y los premios continúan existiendo como un ejercicio que cubre diversas ambiciones y expectativas y, por ello, no está exento de controversia, polémica y debate.

Este 2023 hay que celebrar que los Premios del Público Cartelera de Teatro regresan, luego de la inactividad a la que nos postró la pandemia por COVID-19. Y hay que celebrar la diversidad de las obras nominadas como Mejor Obra, que además tienen por añadidura distintas nominaciones en los otros rubros.

Por supuesto, dentro de la controversia que generan éstos premios, no queda más que escuchar todas las voces y atender lo que sabemos es justo y necesario: que la diversidad e inclusión no solamente esté en las temáticas y formatos de las obras nominadas, sino que esté en la visibilidad de todas y todes quienes participan de manera notable en las producciones contempladas.

Mientras se discuten -y que sí, por favor, se discutan- esos temas, toca ahondar un poco en las obras que compiten este año como Mejor Obra.

En verdad, hay de todo: un musical en el que los protagonistas no cantan ni un verso, la adaptación teatral de un éxito cinematográfico hispano, el montaje mexicano de un nuevo clásico norteamericano, un Shakespeare entre narcotraficantes y actores, la nueva producción de un musical de culto y un ensayo sobre la incursión de la inteligencia artificial dentro del mismísimo ámbito del teatro. Entre el mediano y el gran formato, éstas obras engancharon y conquistaron al respetable.

Desde su estreno hace ya un año, Siete veces adiós ha resultado todo un fenómeno de taquilla. La apuesta de Alan Estrada, Jeannete Chao, Vince Miranda y Salvador Suárez ha resultado refrescante para un amplio sector del público que disfruta de una obra en la que dos personajes, custodiados por otro más, L’Amore, trazan una historia de encuentro y desencuentro mientras un ensamble de estupendos músicos y cantantes va poniéndole letra y música a los sentimientos, sensaciones, gritos y silencios que Ella y Él expresan o contienen.

Estrenada originalmente por Fernanda Castillo, Gustavo Egelhaff y César Enríquez, Siete veces adiós ha tenido una exitosa temporada que incluye giras por distintos lares de la República Mexicana. Eso ha permitido que actrices como Valeria Vera, Sylvia Sáenz y Zuria Vega y actores como Alejandro Calva, David Chocarro y Carlos Ferro se integren al reparto de esta obra que lleva el sello del productor Daniel Delgado y Playhouse Entertainment. Ésta obra ya tiene experiencia en ganar premios del público, pues también mereció el Premio del Público a la Mejor Experiencia Teatral en Los Metro de 2022.

Otra obra que recurre al número cabalístico por excelencia es 7 Años y vaya que esa cifra le da un dolor de cabeza permanente a los personajes de este juego que inició en el cine y saltó al teatro para continuar con un enigma ético y moral: ¿quién va a estar dispuesto a sacrificar 7 años de su vida para salvar a otros de ir a prisión? La dramaturgia de José Cabeza -también guionista del filme- eleva la tensión mientras el público va apostando y descartando sobre quién será el individuo que finalmente decida asumir la responsabilidad de un fraude grupal.

Bajo la dirección de Reynolds Robledo, sus protagonistas tuvieron oportunidades de amplio lucimiento: Alejandro Morales, Pablo Perroni, además de Antonio Gaona, Cristian Magaloni, José Ramón Berganza, Pedro de Tavira, Jeaninne Derbez y Rocío Verdejo -quienes alternaron funciones-, conformaron un ensamble potente que hizo las delicias de un público al que le gusta el chisme y no podía irse de su butaca sin saber a quién le tocaría la rifa del tigre.

El mismo, Cristian Magaloni fue el encargado de dirigir una de las obras más unánimemente elogiadas por la crítica y el público: Indecente de Paula Vogel, una obra que, entre canciones y metateatralidad, cuenta la historia de lo que tuvo que sortear el montaje de la obra El dios de la venganza de Sholem Asch durante su creación, montaje y representaciones -todo por mostrar en escena un beso lésbico-.

Un notable ensamble de actores -que también cantaban y tocaban instrumentos- compuesto por, entre otros, Majo Pérez, Ana Guzmán, Roberto Beck, Alberto Lómnitz y Jorge Lan, destacó con creces gracias al texto de Vogel, traducido por Enrique Arce y a la dirección de Magaloni. A juzgar por los comentarios suscitados al verla, el montaje mexicano no desmereció para nada a su versión original, ganadora de poco más de una decena de premios de la crítica especializada, entre ellos, el Tony a la Mejor Dirección y un OBIE y un Dramatist Guild para Vogel, uno de los mayores tesoros de la dramaturgia del país vecino.

Aunque siempre está activo, en estos meses vaya que Fernando Bonilla ha estado de aquí para allá. Además de actuar en obras como El lugar de la sombra y la brisa de David Gaitán, dirigió un ambicioso texto de su propia autoría: El corrido del rey Lear, en el que la máxima tragedia shakesperiana se cruza con una tragedia íntima -la de un actor que está perdiendo la memoria- y una tragedia colectiva -la de las víctimas de los actos criminales del día a día en nuestro país-.

Juan Carlos Colombo estelarizó lo que al mismo tiempo era un réquiem por tantos y tantos muertos como un homenaje a dos actores de excepción: Héctor Bonilla, padre del dramaturgo y director, fallecido a finales de 2022 y Fernando Balzaretti, amigo del primero, fallecido muy tempranamente, en 1998. Completaron el reparto Alejandro Morales, Valentina Sierra, Daniela Arroio, Malcolm Méndez, Miguel Tercero, Miguel Alejandro León y Juan Daniel García Treviño.

Desde su estreno teatral en 1973 y, sobre todo, desde el estreno de su versión cinematográfica en 1975, El show de terror de Rocky se convirtió al mismo tiempo en un musical de culto y en una obra por demás escenificada en distintos países, lenguas y formatos. En México, la más reciente resultó también muy visible.

Bajo la traducción y dirección de Rafa Maza -quien previamente la dirigió en una muy aplaudida producción de la escuela Arte Estudio-, el público agradeció la vuelta al clásico rockero – teatral y disfrutó de canciones como “Dulce travestista” y, por supuesto, “El baile del sapo” -aunque esa sí conservó la famosa traducción de Julissa perpetuada por Timbiriche-. El espectáculo se benefició de un ensamble excelente y de las presencias de Beto Torres, Juan Fonsalido, Gloria Aura, Moisés Araiza, Ceci Arias, María Filippini y Gerardo González.

Finalmente, todas estas celebraciones teatrales tuvieron su contraparte con la propuesta del consolidado dramaturgo y director Flavio González Mello, quien presentó una nueva ironía sobre la escena, ahora a partir del cruce entre el Hamlet de Shakespeare, el mundo de la actuación y la posibilidad de la inteligencia artificial dentro de ellos.

Inteligencia actoral, comedia metateatral y, como su título lo advierte, muy inteligente, en el que González Mello completa sus propias teorías sobre el Príncipe de Dinamarca y se nutre de un elenco de jóvenes talentos de nuestro teatro, como Roberto Beck, Diana Sedano, Fernando Álvarez Rebeil, Elena del Río, junto a figuras ya fundamentales de las tablas como Carlos Aragón y Dobrina Cristeva, quienes aprovechando el avance -o el exceso- de las nuevas tecnologías, se lanzaron a un muy peculiar ser o no ser.

Entre clásicos y novedades, la Cartelera de Teatro de este periodo destacó por la variedad y riqueza de su oferta y, sobre todo, por su fabulosa capacidad para resistir en estos tiempos post-pandémicos en los que, de una u otra forma, están insertas éstas obras.

Estamos seguros que tanto los Premios del Público Cartelera como todas las premiaciones teatrales estarán más a la escucha de la comunidad y de su público, para que los reconocimientos sean más y más abarcadores, en concordancia con una realidad y un día a día que exige voltear hacia todos los lados y afrontar que en cada uno habita la diversidad que merece el publico que decide ir a ocupar una butaca y el que está a punto de decidirlo.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía

“El teatro es un lugar de absoluta conciliación”: Entrevista con Mariana Hartasánchez

Nuestra directora del mes es Mariana Hartasánchez, quien actualmente dirige Emilia en el Teatro Helénico. Su carrera inició muy joven, con apenas 12 años ingresa a estudiar actuación en el Centro de Arte Dramático A.C. (CADAC), de Héctor Azar, nos dice en entrevista. Posteriormente ingresa al Centro Universitario de Teatro (CUT) en la carrera de Actuación. 

Es directora y fundadora de la compañía Sabandijas de Palacio, en Querétaro. Ha obtenido numerosos premios como dramaturga, entre ellos el Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera y el Premio Bellas Artes de Obra de Teatro para Niños. Además, ha realizado múltiples residencias internacionales.

En 2017 fue nombrada Artista Emérita por parte de la Secretaría de Cultura del Estado de Querétaro y miembro del Sistema Nacional de Creadores del Arte (2019-2021).

Hablamos con la creadora escénica sobre su trayectoria y Emilia, el proyecto que actualmente encabeza. 

 

El inicio en el teatro y en la dirección escénica

Mariana Hartasánchez nos platica que inició su formación teatral en el CADAC. Ahí, nos dice, comenzó como actriz: “Algo que era maravilloso en esa escuela es que la formación en realidad era generalizada”.  Así aprendió, señala: “un poco de actuación, de dramaturgia, dirección y eso me permitió empezar ya también a explorar desde adolescente el trabajo con actores”. 

​Posteriormente, al ingresar a la carrera de actuación en el Centro Universitario de Teatro, Hartasánchez tuvo la oportunidad de tener maestros que eran directores, como José Antonio Castro, José Ramón Enríquez y Mauricio García Lozano. En ese momento importante para la dramaturgia y dirección mexicana, nos dice: “Tuve la oportunidad de estar en contacto con estos directores, dramaturgos, jóvenes que estaban emergiendo”. 

En este sentido, nos dice, que si bien su formación no fue propiamente de dirección, “desde el inicio estuve explorando ese camino”. 

La directora y dramaturga hace 20 años fundó en Querétaro la compañía independiente Sabandijas de Palacio. Con este proyecto, explica, en el Museo de la Ciudad de Querétaro ha tenido la oportunidad de hacer muchas exploraciones creativas.

Esto ha resultado en que: “A lo largo de estos 20 años dirigiendo a mis actores y actrices, gente maravillosa que ha confiado en mí con todo y derrapes, pues eso me ha permitido forjar una visión de la dirección”. 

 

Visibilidad y reconocimiento

Sobre el reconocimiento de las mujeres directoras, Mariana Hartasánchez considera: “Nosotras trabajamos mucho, pero se nos reconoce poco”. Sobre este particular puntualiza que lo importante no es el reconocimiento, sino que la gente vaya a los teatro. Más allá del renombre, el cual considera que es efímero y subjetivo, lo importante es que la gente se percate de que “hay muchísimas mujeres que están haciendo cosas increíbles”

La falta de reconocimiento, considera Mariana, se debe a diversos factores. Uno de ellos es la difusión, pues es mucho más fácil darle lugar a los directores masculinos. Esta situación, nos dice, es parecida con el tema de la dramaturgia.

Como ejemplo nos pone la actuación, en la cual no pasa esto. Es, nos dice, como si a las mujeres únicamente se les permitiera estar sobre la escena por una predisposición o estigma que ha cargado históricamente. Al respecto reflexiona: “La mujer histérica es histriónica, y entonces ahí pues atrapada en su jaula escénica no hay ningún problema, no es peligrosa, al contrario. La vemos ahí explorar todas sus rupturas emocionales y excesos”.

Frente a esto, está la idea de que la dirección escénica y la dramaturgia se relacionan “con la racionalidad, con la mesura masculina”. En este escenario, nos dice, “los hombres, la verdad, nos la hace un poco difícil, siendo honesta”.

Sobre este tema, agrega que a una mujer le puede costar 20 años lo que a un hombre le puede costar cinco o tres años. Otro factor, nos dice, es el factor social, pues “si uno tampoco pertenece a una clase acomodada pues más difícil va a ser”. 

 

 El cambio todavía no está establecido

Al cuestionarla sobre las condiciones en las que las mujeres acceden a proyectos para dirigir, Hartasánchez nos dice que “durante mucho tiempo han sido desequilibradas”. Las condiciones, considera, se están ajustando y se está abriendo camino, buscando constantemente visibilizare el problema; sin embargo, el cambio no está establecido, remata.

Como ejemplo, habla de las convocatorias. Antes, nos dice, “era impresionante ver que en realidad todos los apoyos del Fonca iban para directores masculinos”. Se empieza a ver un cambio y unaequilibrio, consideró, pero “bajo la consigna de la cuota de género, que tampoco es lo ideal”.

Para la creadora escénica las cuotas de género son un principio para hacer conciencia. Sin embargo, aclara, todavía se mantienen como una especie de obligación. En este sentido, subraya: “Lo ideal sería eso, que las personas pudieran simple y sencillamente evaluar los trabajos sin tener que ver que detrás hay un hombre o una mujer, sino simplemente este trabajo me gusta o no me gusta”. 

A esta situación no escapa el propio gremio teatral. En este sentido señala que cuando se va a ver obras de los colegas, siempre hay una especie de velo frente a los ojos. Esto impide ver “la obra artística tal y cómo se está presentando, sino que ya desde el principio hay prejuicios”. 

Al respecto sostiene que, dentro del gremio,  siempre se está cuestionando: “¿Quién es esta persona? ¿Me llevo bien con esta persona, me llevo mal? ¿Es mujer, es hombre? ¿Me ha quitado trabajos? ¿Ha ganado más cosas?”. Esta situación, confiesa, genera una imposibilidad para que las propias hacedoras de teatro se relacionen con una pieza, “que es lo que uno quisiera”. 

Emilia “habla de un sistema”

Mariana Hartasánchez nos dice que Emilia precisamente habla de todo esto, lo cual es “sumamente importante”. Nos explica: “Refleja, de una manera cómica y brillante, como los problemas en los que las mujeres estaban atoradas en el siglo XVII, siguen siendo los mismos problemas que en la actualidad afrontamos como creadoras”.

La directora escénica puntualiza que si bien Emilia habla de estos problemas, lo hace de una manera lúdica y no victimizante, sin decir “los hombres son los únicos culpables”. En este sentido, reflexiona: “Habla de un sistema y de cómo, […] para muchos hombres es mucho más sencillo acomodarse en ese sistema y no pelear al lado de las mujeres. A pesar de que puedan, muchos ellos, reconocer la gran valía intelectual que puede tener una mujer”.

La directora, desde que fue convocada por María Inés Olmedo y Lucía Romo, y leyó el texto se sintió “enamorada de la inteligencia con la que está estructurada la obra”, confiesa. Cada una de las escenas, señala, son increíblemente poderosas. En este sentido, agrega que desde la escritura de la obra se contempla la integración de un elenco muy diverso y compuesto únicamente por mujeres.

Al respecto, Mariana Hartasánchez subraya que la decisión de las productoras de tener un equipo integrado solamente por mujeres. Destaca en este sentido la escenografía y la iluminación realizada por mujeres pues “también han estado completamente tomadas por los hombres”. Se trata dijo, de ir abriendo camino.

Trabajar con un equipo puramente de mujeres afirma la directora, ha sido maravilloso. La obra pide, agrega, “que nosotras hablemos de nuestras propias experiencias y esa visiblización, que mejor manera que visibilizar a través del propio trabajo y de la colaboración fraternal entre las mujeres”.

 

Los retos en Emilia

Un reto que enfrentó la directora fue encontrar el tono justo para que ninguna persona se sintiera agredida. Se trata, señala, también de abrir el diálogo de las mujeres con las mujeres. Sobre esto, abunda: “Muchísimas mujeres también somos partícipes de la propia represión misógina por cómo nos relacionamos con nuestras congéneres”.

En la obra hay, considera, “un espectro muy amplio de relaciones humanas”. Según Mariana eso posibilita el diálogo, planear que no todos los hombres son buenos ni todos los hombres son malos, ni las mujeres todas son buenas ni todas son malas, pues “hay una complejidad humana en las relaciones”.

Es en este punto de la obra, considera la directora, que Shakespeare ocupa un lugar tan importante. En este sentido, explica que existe una libertad literaria ahí, “no sabemos lo que pudo haber pasado entre Emilia Bassano y Shakespeare, de hecho, hay quienes dicen que Emilia Bassano pudo haber sido Shakespeare. Lo que hace la autora, muy inteligentemente es eso, una relación intelectual que también es pasional. Eventualmente este hombre, escritor importante, en este caso William Shakespeare, pero que podría ser cualquier escritor”, decide, a pesar de creer en lo que hace y escribe la protagonista, no pelear a su lado.

Todo esto, considera Hartasánchez, deja preguntas abiertas, y fueron parte del reto: “¿Cómo generar empatía en los espectadores y las espectadoras?”. Se trata, señala, de entender “cada una de las situaciones complejísimas en las que nos vemos inmersos en cada momento de nuestras vidas en relación a este tema tan fundamental”.

 

¿Por qué ver Emilia?

Mariana Hartasánchez nos dice que con Emilia el público la va a pasar muy bien.  En ella verán momentos musicales fantásticos, con una sorprendente iluminación y escenografía, además de interpretaciones increíbles, nos dice. 

Se trata, explica, de una obra: “Que cuenta una historia que cualquiera puede llegar muy fácil a entender, pero con muchas capas, que si uno le quiere rascar le puede rascar muchísimo, si uno solo se la quiere pasar bien, también se la va a pasar bien nada más, y que habla de un tema, de muchos temas importantes”.

Uno de estos temas que destaca su directora es el despertar de cada una de las mujeres a nivel creativo, aunque no se dediquen profesionalmente a ello. ¿Por qué una mujer tiene que escribir? ¿Por qué una mujer tiene que cantar? ¿Por qué una mujer tiene que hablar? ¿Por qué una mujer tiene derecho a pensar?

Otro aspecto que destaca en la obra, es que más allá de que Emilia fue madre y abuela, el foco de la historia está puesto en su trabajo creativo, en el trabajo creativo de la mujer más allá del ámbito doméstico. Esto, subraya Hartasánchez: “La hace muy poderosa, pues siendo nosotras, bueno, las once actrices y todo el equipo creativo, y las intérpretes musicales, hablamos un montón de nuestras respectivas experiencias en ese ámbito, porque todas somos creadoras, igual que Emilia”.

Por todo esto, la directora lanza una invitación para que hombres y mujeres, todas las personas, vayan a ver el montaje. “Nos encantaría recibirlos en este espacio que tan entrañablemente hemos creado para todas y todos”, expresó.

Aislar momentos humanos para que los podamos reflexionar en colectivo

A Mariana Hartasánchez el teatro le salvó la vida, confiesa. En este sentido, dice: “Lo he comentado siempre. Vengo de una familia muy conflictiva y en el momento en el que yo descubrí la posibilidad de convertirme en muchos otros seres humanos me percate de que no era la única que tenía los problemas que yo tenía”. 

El teatro es, considera, “un lugar de absoluta conciliación, de conflicto y conciliación, donde encontramos que sí, que la naturaleza humana es conflicto, pero que siempre podemos encontrar una vía para comunicarnos con los otros”. 

Finalmente, de manera categórica, nos dice que para ella el teatro es la vida y lo ve en todas partes. Nos comparte que cree que la posibilidad de aislar momentos humanos para que los podamos reflexionar en colectivo es única. El teatro, afirma: “Va a permanecer, con inteligencia artificial o sin ella, con este mundo virtual enloquecido, con cine, sin cine, el teatro va a sobrevivir porque depende de una persona que habla y de otra que está observando, pero ambas están comunicándose desde el corazón”.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Mariana Hartasánchez

5 opciones para llevar a los peques al teatro en el Mes del Niño y la Niña (2 parte)

Llegó el fin de semana en el que las risas, la alegría y la inocencia, se apoderan de la Ciudad de México, dedicado a los reyes del hogar: los infantes.

Para celebrar este Día del Niño y la Niña, les traemos 5 recomendaciones más para que acudan en familia y festejen en los escenarios:

La sirenita. Sumérgete en esta aventura acuática en compañía de Ariel, Sebastián y Flounder, basado en el cuento de Hans Christian Andersen sobre una sirenita que se enamora de un ser humano y que recurre a una perversa hechicera. La obra se presenta los domingos en el Teatro Enrique Lizalde.

Rocolocos. En esta historia cuatro animalitos que está a punto de desaparecer, se dan a la tarea de crear conciencia en los seres humanos,especialmente en los niños, para que el planeta sobreviva y su especie no desaparezca. La obra se presenta los domingos en el Foro Sylvia Pasquel.

El mago de Oz. Esta propuesta nos lleva al mágico mundo mundo de Oz, y vivir una gran aventura en compañía de Dorothy y su fiel amigo peludo, Totó en donde se encontrará con singulares personajes con los que vencerán distintos obstáculos con tal dellegar a Ciudad Esmeralda y conocer la gran mago. Ofrece funciones los sábados en el Teatro Tepeyac.

¿Quién le teme al lobo feroz? Basada en la clásica historia de una niña llamada, Caperucita, en una versión musical, donde la pequeña descubrirá las mejores cualidades de los animalitos del bosque, incluso del malvado lobo feroz. Se presenta los sábados y domingos en el Nuevo Teatro Libanés.

(es)canfandra. En esta aventura submarina, un niño en compañía de una sirena, el coral, la ballena, hasta un pirata, aprenderán sobre la tolerancia a las diferencias, combinando teatro, ballet, ópera, danza y circo, colmado de metáforas sobre el amor y el respeto al otro. Con funciones los domingos en el Teatro Xola Julio Prieto.

Si deseas conocer otras opciones que ofrece la cartelera infantil, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Foto: Alejandro Medina Presenta y Sergio Pinzón

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INDECENTE, ganadora como Mejor Obra en los Premios del Público Cartelera de Teatro

No hay plazo que no se cumpla y es el momento de conocer los ganadores en las 6 categorías de los Premios del Público Cartelera de Teatro. Después de una pausa provocada por la emergencia sanitaria, nuestro jurado del público regresó a las salas y escogió entre 24 obras las 6 obras nominadas a Mejor Obra y a los integrantes en las categorías de Mejor Actriz, Mejor Actor, Mejor Dirección, Mejor Dramaturgia y Mejor Diseño de Arte. Indecente se convirtió en la gran ganadora de los Premios del Público Cartelera de Teatro, obteniendo 5 reconocimientos de los 6 que se otorgan cada año, incluido Mejor Obra

En la categoría de Mejor Actriz resultó triunfadora Majo Pérez por su papel de Halina en Indecente. En este montaje Majo tuvo la oportunidad de dar voz a otros siete personajes en una historia de amor, pasión por el teatro y tolerancia. Como en todas sus actuaciones, en Indecente Majo refrendó la calidad a la que ya nos tiene acostumbrados. 

En la categoría compitió con  Jacqueline Andere, por 100m2 o el inconveniente; Fernanda Castillo, por Siete veces adiós; Ana González Bello, 245 actos de maldad extraordinaria; Gloria Aura, El Show de terror de Rocky; y María Perroni Garza, por El cuerpo en que nací.

Como Mejor Actor en esta ocasión tuvimos un empate. En una competencia muy cerrada resultaron ganadores un gran exponente de la actuación en nuestro país y un joven actor que ha demostrado en cada proyecto un crecimiento impresionante: Daniel Giménez Cacho por Network y Roberto Beck por Inteligencia Actoral

Giménez Cacho logró un potente Howard Bale, obsesionado por el éxito en una sociedad obsesionada por el rating, en la que cualquier extremo es válido para alcanzar los objetivos. Por su parte, Roberto Beck dio vida a Paco Ramos, un actor poco disciplinado en busca de notoriedad, y a Paquito, su “reemplazoide”, logrando dar a cada uno un matiz particular. 

Ambos compartieron terna con Pedro de Tavira, en 7 años; Enrique Arreola, ¡Que arda Tebas!; Juan Carlos Colombo, por El corrido del Rey Lear; y Beto Torres, El Show de Terror de Rocky.

Como Mejor Dramaturgia obtuvo el reconocimiento Indecente, de Paula Vogel. Un poderoso y conmovedor texto que nos llevó a diversos países y a través de distintos momentos para conocer la historia del montaje de la obra El dios de la venganza de Sholem Asch, que enfrentó obstáculos y persecución durante su creación, montaje y representaciones. 

Indecente estuvo nominada junto con 100 M2 o el inconveniente, de Juan Carlos Rubio; Cuando la lluvia deje de caer de Andrew Bovell, traducción y adaptación de Jeannette de los Santos; 7 Años, José Cabeza, adaptación a México Jeannine Derbez, versión para teatro Reynolds Robledo; El Corrido del Rey Lear, de Fernando Bonilla; y El cuerpo en que nací, adaptación libre de la novela de Guadalupe Nettel realizada por Bárbara Perrín.

También en Mejor Diseño de Arte Indecente se colocó como la favorita de nuestro jurado. 

El trabajo de Emilio Zurita en la escenografía e iluminación y el de Sara Salomón en el vestuario logró esa magia que solamente tiene el teatro. Nos hicieron saltar de lugar y de tiempo, para viajar por América y Europa durante un periodo de casi cinco décadas y conocer la historia de El Dios de la venganza.

La obra compitió con Siete veces adiós ( escenografía de Jorge Ballina, iluminación de Félix Arroyo y vestuario de Luis Roberto Orozco); Network (escenograf a de Adrián Martínez Frausto, Iluminación de Patricia Gutiérrez e Ingrid Sac y vestuario de Estela Fagoaga); Mentiras (escenografía de Jorge Ballina, iluminación de Pablo Gutiérrez y vestuario de Eloise Kazan y Estela Fagoaga); El show de terror de Rocky (escenografía de Emilio Zurita, iluminación de Miguel Pérez Cuesta y vestuario de Emilio Rebollar); e Inteligencia Actoral ( escenografía e iluminación de Jesús Hernández y vestuario de Pilar Boliver).

Como Mejor Director se colocó al frente de las calificaciones Cristian Magaloni por Indecente. Con este montaje Magaloni logró conjuntar todos los elementos necesarios para entregarnos una propuesta estética, musical y actoral redonda y poderosa. Una obra llena de extraordinarios momentos de belleza plástica.

En la terna estuvieron también: Alan Estrada, Siete veces Adiós; Francisco Franco Alba, Network; Reynolds Robledo, 7 años; Fernando Bonilla, El Corrido del Rey Lear; y Flavio González Mello, Inteligencia Actoral.

Finalmente, Indecente de Paula Vogel dirigido por Cristian Magaloni es el ganador como Mejor Obra del Año. La historia nos recuerda que el amor, el teatro y los sueños pueden cambiar al mundo y dar motivos a las personas para continuar, a pesar de que el horizonte se muestra sombrío y el futuro adverso.

El montaje estuvo bajo la producción de Ana Kupfer, Eloy Hernández (+), Arón Margolis, en sociedad con Ivonne Márquez, Jaime y Yosi Bernstein.

En la terna compitieron también:

  • Siete veces adiós, producida por Ola K Ase y Playhouse Entertainment.
  • 7 años, de Lobos Producciones.
  • El corrido del Rey Lear, de Puño de Tierra y Próspero Teatro.
  • El show de terror de Rocky, producida por Jaime Calpe y Rafa Maza.
  • Inteligencia Actoral, Erizo Teatro (Erizo Films S.A de C.V).

Finalmente, decidimos otorgar el Reconocimiento a la Aportación Teatral al Círculo Teatral, fundado por Alberto Estrella y Víctor Carpinteiro. Este reconocimiento se entrega a personas, instituciones o recintos teatrales que por su trabajo se han vuelto pieza fundamental en el quehacer teatral. El Círculo Teatral este año cumplió 19 años de historia, albergando no solamente puestas en escena y lecturas dramatizadas, cursos y talleres para la formación teatral, sino también siendo un espacio para otras expresiones artísticas. En 2017 este recinto, ubicado en la colonia Condesa enfrentó uno de los momentos más difíciles de su historia cuando con el sismo del 19 de septiembre su estructura sufrió grandes daños y sus instalaciones tuvieron que ser demolidas. Además, en 2020, tuvo que enfrentar para su reconstrucción y funcionamiento provisional. Sin embargo, gracias al empuje y compromiso de sus fundadores, hoy está nuevamente de pie y con nuevas instalaciones.

Los estrenos que llegan en mayo a Cartelera

Durante el mes de mayo, los teatros recibirán un caleidoscopio escénico compuesto por obras con diversas temáticas que esperamos logren conquistar al público, y como cada mes anhelamos ver  las nuevas propuestas que los creadores mexicanos nos presentan.

Las marquesinas se iluminarán con nuevos títulos entre los que destacan una finalista y otra ganadora del premio Pulitzer, la comedia histórica dará voz a una mujer encomiable, y de igual forma llegará una obra sobre el futbol pero desde el punto de vista femenino, esto y más nos tiene preparado el teatro mexicano.

Costo de vida. LaTe Producciones trae a escena una historia sobre la relación entre el cuidador y el ser cuidado. Bajo la dirección de Samuel Sosa, Humberto Busto, Elena del Río, Arly Velásquez Peñaloza y Sandra Jiménez Loza, dan vida a un ex-camionero, una exesposa recientemente paralizada, un joven arrogante con parálisis cerebral y su nuevo cuidador. La obra llegará el 1 de mayo al Teatro Helénico.

Las Meninas ¡Viva Leona Vicario!. Las soberanas de la comedia histórica, mejor conocidas como las Meninas, presentan su nuevo episodio dedicado a Leona Vicario, en donde recorrerán pasajes de la vida de esta mujer visionaria, mecenas de la lucha insurgente, espía y periodista. La temporada comenzará el 4 de mayo en el Teatro Milán.

Siete veces adiós, versión Él y Él. Tras un año de éxitos en la cartelera nacional, esta obra que ha recorrido una gira por toda la República, se renueva y nos presenta la versión Él y Él, que espera seguir conquistando al público con esta historia sobre el amor. En este versión contará con las actuaciones de Cuauhtli Jiménez, Martín Saracho y Valeria Vera, a partir del 4 de mayo en el Teatro Ramiro Jiménez.

Finitud. Teatro de Fuego nos presenta una cruda historia que nos hará cuestionarnos el sentido de la muerte y la creencia de un ser superior. La obra cuenta con la autoría y dirección de Víctor Weinstock, con las actuaciones de Mario Zaragoza, Patricia Blanco y Gastón Yanes. La temporada comenzará el 8 de mayo en el Teatro Varsovia.

Lobas. Próspero Teatro apuesta por una historia fresca sobre un grupo de chicas y su pasión por el futbol, el montaje cuenta con la dirección de Paula Zelaya Cervantes, encabezando el elenco veremos a la primera actriz Arcelia Ramírez, así como un grupo de jóvenes y carismáticas actrices Alicia Candelas, Ana Guzmán Quintero, Ana Valeria Becerril, Camila Torres-Cantú, Claudia González Menchaca, Luisa Guzmán Quintero, María Penella Gómez, Patricia Loranca y Sharon Ayon. La obra arrancará su temporada el 19 de mayo en el Teatro Milán.

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Por Itaí Cruz, Foto: Cartel oficial

Inicia festejos por su aniversario el Teatro Insurgentes con función especial de MAMMA MIA!

Este domingo Mamma Mia! realizó una función especial con la que dieron inicio los festejos por los 70 años del Teatro Insurgentes. Se trató del primero de tres eventos con los que se celebrará el aniversario del emblemático recinto. En el evento estuvieron presente grandes talentos que han pisado el escenario este teatro.

Al finalizar el evento, Claudio Carrera, dirigió unas palabras antes de la revelación de una placa conmemorativa por los 70 años del teatro. Inició con un agradecimiento para su socia y productora Tina Galindo, “gran productora, defensora y trabajadora de la cultura del teatro”.

Se dio un reconocimiento especial a las “dos grandes de la comedia musical, o dos de las más grandes”, Silvia Pinal y Olivia Bucio. Además estuvieron presentes personalidades como Luz María Aguilar,  Norma Lazareno, Desy Jiménez, Mauricio Herrera, César Bono, Jaqueline Andere, Mariana Garza, Susana Zabaleta, María Perroni Garza, Óscar Carapia, Gloria Aura, Jerry Velásquez, Alejandra Barros entre otros.

Carrera destacó que hace 30 años este teatro estuvo a punto de desaparecer y que gracias a Tina Galindo y de Emilio Azcárraga Milmo se pudo rescatar. Al respecto, dijo: “Gracias a ellos y gracias a Dios sigue de pie siendo el lugar que es”.

Por su parte, el Ingeniero Dimitrios Krimbalis, director operativo del teatro, señaló que es un honor estar celebrando los 70 años del teatro. Este lugar, lo creó, dijo,  “don Chema Dávila hizo brincando todos los obstáculos”. Agregó además que, gracias también a Marcial Dávila, hijo de José María Dávila, se “convirtió en el teatro más emblemático de México, trayendo y presentando los mejores espectáculos teatrales y musicales”.

En este teatro, agregó que en abril de 1993 tomó su dirección Tina Galindo: “Hemos hecho y hemos pasado de todo, pero lo más que quiero decir es gracias a ustedes, al esfuerzo de los que están aquí atrás”.

Los encargados de develar una gran placa, fue el elenco, el equipo creativo y de producción de Mamma Mia!. En la placa se incluyen nombres de personajes fundamentales en la historia del Teatro Insurgentes. Previo a la develación, se recordó nombres de personajes como Fela y Manolo Fábregas quienes tuvieron la concesión del teatro por muchos años. Se mencionaron también algunas estrellas que han pisado este escenario como Cantinflas, Ignacio López Tarso, Amparo Rivelles, Marga López, Mauricio Garcés, Enrique Rambal, Héctor Bonilla y Diego Luna.

Carrera anunció que durante este año se realizarán otras tres grandes galas para celebrar al Insurgentes en coordinación con Fundación Televisa y Teletón. Una de ellas dijo, será un gran festejo de los musicales que protagonizó Silvia Pinal. Otra gran gala estará dedicada para Manolo Fábregas.

Para más información de Mamma Mia!, horarios, boletos y paquetes, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Ana Ofelia Murguía: La más sabia y bruja de nuestras grandes actrices

Tras la tormenta que acaba de enloquecer al octogenario Rey de Bretaña, éste se refugia en una vieja cabaña e invita a su Bufón a que le acompañe. Antes de entrar, el gracioso se pone en cuclillas y, desde ahí, lanza una profecía, divertida y enigmática. Al concluir, el también octogenario sirviente se pone de pie y corre a seguir a su amo, mientras un acorde de violoncello y un oscuro indican que ha concluido el primero de los dos actos en que se divide el montaje de El Rey Lear de la Compañía Nacional de Teatro, en 2005.

En esa breve escena final, el público mira azorado al personaje y, a su salida, le ofrece un generoso aplauso, en reconocimiento a la actriz que lo interpreta. A sus 72 años de edad, Ana Ofelia Murguía, sobre el escenario, hace gala de energía, elasticidad y, al igual que el Bufón, de sabiduría y encanto. Al final de la obra, cuando Claudio Obregón (QEPD), intérprete de Lear, recoge su aplauso, invita a la actriz a compartirlo con él. Los aplausos para el rey ya no fueron para el bufón, sino para la reina.

Ana Ofelia Murguía (Ciudad de México, 1933) pisó el escenario profesional por primera vez en 1956, bajo la dirección de su amado maestro Seki Sano, el gran renovador del sistema actoral en nuestro país y apenas dos días antes de que las actividades se suspendieran por la pandemia de COVID-19, la actriz fue el centro del montaje Memoria que Paula Zelaya y Diego del Río construyeron para homenajearla a ella y a otros tres actores fundamentales, tristemente ya fallecidos: Marta Aura, Adriana Roel y Ricardo Blume.

A lo largo de 64 años, Ana Ofelia edificó una de las trayectorias más importantes de nuestro teatro, la cual ha tenido justos reconocimientos cuyo culmen fue la entrega de la Medalla Ingmar Bergman que la Universidad Nacional Autónoma de México, a través de la Cátedra Bergman de Cine y Teatro, le confirió el miércoles 25 de abril de este 2023, a sus 89 años de edad.

Fue gracias a la obra A ocho columnas que Salvador Novo presentaba en el Teatro de la Capilla que Ana Ofelia cortó de tajo sus dudas sobre su orientación vocacional y decidió estudiar teatro en la Academia Andrés Soler, la cual no estaba satisfaciendo sus expectativas, hasta que entró a la clase del director y docente Seki Sano -que únicamente ese año dio clases en dicha escuela-, con quien de inmediato trabó una relación maestro – alumna única.

Sano la invitó a seguir su formación en la Escuela de Teatro de Bellas Artes y le dio su primera oportunidad profesional en Prueba de fuego de Arthur Miller -mejor conocida como Las brujas de Salem– protagonizada por Ignacio López Tarso. Desde entonces, muchos han sido los directores que se han beneficiado con la presencia de la actriz, pero hasta hoy, ella sigue reconociendo la de Sano como su más fuerte influencia teatral.

Divertida, recuerda que en sus inicios tuvo la oportunidad de participar en un tipo de teatro muy distinto al que le es ubicable, con los hermanos Soler y las hermanas Blanch, con concha de apuntador y textos destinados a complacer al gran público. Empero, reconoce que esa fue también una enseñanza importante, pues le hizo entender las formas en que prefería expresarse dentro del teatro. El mejor ejemplo de ello, su participación hacia el final del movimiento Poesía en Voz Alta, en el espectáculo con textos de Quevedo y Elena Garro dirigido por Héctor Mendoza y en el montaje de José Luis Ibáñez de Asesinato en la catedral de T.S. Eliot.

En esos años, los sesenta, con Mendoza también colaboró en Terror y miserias del Tercer Reich de Bertolt Brecht, A ninguna de las tres de Fernando Calderón, El relojero de Córdoba de Emilio Carballido y el espectáculo con poesía de Santa Teresa de Jesús Tolerancia del universo.

Fue dirigida también por Carlos Fernández, Fernando Wagner, Peter Kleinschmelt, Soledad Ruiz, Nancy Cárdenas y Óscar Chávez, cuando éste era uno de los más promisorios talentos del teatro.

Con Juan Ibáñez participó en el mítico montaje del Marat – Sade de Peter Weiss de 1968 y fue parte del reparto de El rey se muere de Alejandro Jodorowski. En octubre de ese año, la actriz ensayaba Retablo de la lujuria de Valle Inclán, dirigida por José Estrada.

No obstante, de esa época, la experiencia que más la marcó fue la invitación que le hicieron para ser parte del Conjunto Dramático Nacional de Cuba, en la que interpretó a la Julieta de Shakespeare bajo la dirección del prestigiado director checo Otomar Krejcha, lo que constituye uno de los puntos más altos para la trayectoria, la ideología y la vida de la actriz.

Aunque fueron varios los directores con los que siguió colaborando como, por ejemplo, un primer acercamiento con Ludwik Margules en su Ricardo III, el encuentro que consolidó el trabajo teatral de la actriz fue el que tuvo con Manuel Montoro, director español que, tras dirigir la Comedia Francesa en París, se afincó en México, entre Xalapa y el Distrito Federal.

En Veracruz, convirtió a Ana Ofelia en la Mariana Pineda de García Lorca, en un montaje en el que también participó una muy joven y talentosa actriz llamada María Rojo, quien desde entonces se convertiría en una de las amigas y colaboradoras más cercanas de Murguía.

El encuentro con Montoro, que se extendió a la Ciudad de México, tuvo frutos riquísimos. Al lado de actores como Claudio Obregón, Salvador Sanchez y Mabel Martín, fue parte de una época de lujo para nuestro teatro, gracias a las propuestas que Montoro presentó tanto en su Teatro Milán como en otros recintos.

Entre los años setenta y ochenta, Ana Ofelia colaboró con Montoro en El cambio de Paul Claudel, Viejos tiempos de Harold Pinter, No se sabe cómo de Luigi Pirandello, Fuentevaqueros con textos de García Lorca, Los acreedores de Strindberg, Sacco y Vanzetti de Roli y Vicenzoni, El malentendido de Albert Camus, Medea de Eurípides y Los últimos de Máximo Gorki.

La actriz no tardó en hacer suyo el estilo de rigor y meticulosidad por el que Montoro fue -para bien y para mal- reconocido. Gracias al entendimiento con el director, la actriz se alejó de lo que parecía un estilo mecánico de actuar y se internó en las profundidades de cada personaje, gracias a lo cual llegó a derramar alguna lágrima mientras decía el exquisito texto de Pinter.

Por cierto, que el de Viejos tiempos es uno de los casos más curiosos de nuestro teatro: se presentó únicamente por dos semanas en el Teatro de la Danza y la temporada tuvo que cerrar por conflictos institucionales. Pero Ana Ofelia recuerda que, al final de la función en que fue a verla, su amigo Héctor Mendoza entró al camerino y, sin más, la abrazó y la cargó en vilo, cosa que el célebre formador de actores no solía hacer. Y la obra, traducida por José Emilio Pacheco, se convirtió en un referente fundamental para la generación de actores como Julieta Egurrola y Arturo Beristáin.

La actriz siempre destacó que el rigor de Manuel Montoro le fue fundamental para entender el rigor de realizadores como Felipe Cazals, Jaime Humberto Hermosillo y Arturo Ripstein. Y es que en los años setenta, cuando Murguía ya era una de las más aplaudidas de la escena, inició su participación en el cine mexicano, con personajes breves, como esa celadora que se quedó en la memoria fílmica de México, en El apando de Felipe Cazals.

Desde entonces, la actriz es una de las figuras más importantes del cine nacional gracias a actuaciones estelares o protagónicas en películas como Las poquianchis, Naufragio, Constelaciones, Ora sí: tenemos que ganar, De muerte natural, Los motivos de Luz, Los confines, Mi querido Tom Mix, El jardín del Edén, La reina de la noche, El anzuelo, De noche vienes, Esmeralda, Su alterza serenísima, Pachito Rex. Me voy, pero no del todo, Párpados azules, Las buenas hierbas, El viaje de la nonna y Señas particulares, además de destacados cortometrajes.

Escenas como aquella en donde pela una papa mientras es interrogada por el asesinato de sus nietos o aquella donde zarandea a su hija, la mismísima Lucha Reyes, son parte de lo mejor del cine nacional. Su importancia en el séptimo arte queda de manifiesto en el libro Ana Ofelia Murguía, Actriz, que el investigador Juan Carlos Vargas publicó, a través de la Universidad de Guadalajara, en 2004.

Curiosamente, a diferencia de otras actrices de su generación o de autonombradas discípulas suyas como la propia María Rojo, Ofelia Medina o Patricia Reyes Spíndola, la televisión no fue un medio relevante para la trayectoria de Murguía. Salvo un par de excepciones, no hay un título televisivo que esté a la altura de su trayectoria o, dicho de otro modo, los proyectos televisivos que se beneficiaron de su presencia no la supieron aprovechar en toda su riqueza. Aunque la actriz no lo necesita, hay que decir que, al igual que otras notables actrices, también ella merecería el reconocimiento del gran público.

Volviendo al teatro, durante y después de su mancuerna con Montoro, la actriz también colaboró con Lola Bravo en La casa en ruinas de María Luisa Ocampo, Rafaél López Miarnau en ¡Manos arriba!, obra que Víctor Hugo Rascón Banda le escribió a María Rojo y a ella, con Luis Martín Solís en El pozo de los mil demonios de Maribel Carrasco y con el dramaturgo y director español José Sanchís Sinisterra en El retablo de Eldorado.

Con Jesusa Rodríguez interpretó Crimen, una adaptación de textos de Marguerite Yourcenar. Con la ahora senadora ensayó una versión de El rey Lear -en la que ella interpretaba al monarca- que resultó controvertida porque, simple y llanamente, nunca se estrenó. Con Héctor Mendoza se reencontró a finales de los años noventa en el divertimento De la naturaleza de los espíritus.

La actividad de la actriz en el nuevo milenio estuvo cobijada por la Compañía Nacional de Teatro, en la que ingresó como Actriz de Número desde su reestructura en 2008 y en la que ha participado en montajes destacados como Ilusiones de Iván Viripaiev dirigida por Mauricio García Lozano y Éramos tres hermanas escrita y dirigida por José Sanchís Sinisterra. En éstas compartió créditos con colegas como Adriana Roél, Ricardo Blume, Farnesio de Bernal, Martha Verduzco y, especialmente, con Martha Aura, con quien a lo largo de su trayectoria compartió el escenario en diversas ocasiones, logrando en los años noventa éxitos teatrales que aún resuenan en el teatro mexicano.

Se conocieron en los años sesenta y, bajo la dirección de Adam Guevara, hicieron mancuerna en Los novios de la Torre Eiffel de Jean Cocteau y en Los títeres de cachiporra de García Lorca.

Años más tarde, ya consolidadas ambas como primeras actrices, hicieron y deshicieron con dos textos entrañables para el público, para la crítica y para ellas mismas: en 1995 interpretaron a madre e hija en el estreno de la comedia de Emilio Carballido, Escrito en el cuerpo de la noche dirigida por Ricardo Ramírez Carnero, en el que mientras Aura interpretaba a una madre madura alocada en su ser y sus decisiones, Murguía encarnó a una abuela sabia y entendedora del proceso de crecimiento de su nieto adolescente. Ambas actuaciones fueron profundamente elogiadas y reconocidas.

De hecho, la relevancia de ese montaje la llevó a una versión cinematográfica creada por Jaime Humberto Hermosillo, quien recurrió a las dos actrices para revivir a sus personajes y, de paso, al contrario de lo que pasaba en el teatro, dejarlas para la posteridad. Al año siguiente, en 1996, nuevamente dirigidas por Ramírez Carnero, interpretaron a dos actrices rivales que se alían para impedir la demolición de un teatro en El cerco de Leningrado de Sanchis Sinisterra. La obra se escenificó en el Centro Cultural del Bosque, justamente cuando había planes para derribarlo y edificar otra cosa ajena a la cultura; la obra y la voz de las actrices contribuyó a frenar tal despropósito.

En el homenaje que le rindió la Cátedra Bergman apenas la semana pasada, la actriz reiteró que se trataba de algo excesivo, entre las risas y aplausos de un público que sabe que ningún homenaje es suficiente para honrar la trayectoria de una actriz fundamental.

Y, claro, que sabe que ese acto de modestia es el mejor ejemplo de la nobleza de la mujer, en total oposición a personajes como la reina filicida Medea o a la psiquiatra Melanie Klein, la doctora que tuvo la osadía de psicoanalizar a su propio hijo y, con ello, causarle la muerte y, para rematar, no acudir al entierro para no encontrarse con su ex-marido.

Si Ana Ofelia es una de las actrices más amadas de nuestro teatro es porque sobre el escenario es capaz de despertar los enconos más profundos, como los que suscitaba esa Señora Klein que, bajo la dirección de Ludwik Margules y en compañía de Margarita Sanz y Delia Casanova, Ana Ofelia convirtió en uno de sus triunfos más fuertes y en un referente para la generación que se inició en el teatro rumbo al nuevo siglo.

Un nuevo siglo en el que Ana Ofelia Murguía sigue vigente. Aunque desde la pandemia de 2020, Ana Ofelia dejó de estar arriba del escenario, sigue subiendo para recoger los premios que merece, como los que reconocieron su trayectoria teatral por parte de los Premios Metropolitanos y los de la Agrupación de Críticos y Periodistas Teatrales, que se suman al Ariel de Oro y al Mayahuel de Plata que ya resguarda desde hace algunos años.

Un nuevo siglo que, dentro del teatro, el cine y la cultura, sigue teniendo a Ana Ofelia Murguía como referente, como guía y como genuina monarca de éstas artes: si, entre las pocas cosas en las que la comunidad del arte, la cultura y el espectáculo puede estar de acuerdo, es que Ana Ofelia Murguía es la reina del teatro mexicano, o al menos, la más sabia y bruja de nuestras grandes actrices y, por ello, no hay más que rendirle pleitesía, callar ante su sabiduría y ovacionar sus hechizos.

Por Enrique Saavedra, Foto: José Jorge Carrión/CNT/INBAL

Humberto Busto, Elena del Río, Sandra Jiménez Loza y Arly Velásquez estrenan COSTO DE VIDA

Este miércoles se realizó el estreno para prensa de Costo de vida, de Martyna Majok. El montaje tendrá funciones hasta el próximo 28 de junio en el Teatro Helénico. La obra es una producción de LaTe Producciones y Artes Hartas, con la producción general de Humberto Busto, Óscar Carnicero y Samuel Sosa, quien también dirige y tradujo el texto.

El elenco está integrado por Humberto Busto, Elena del Río, Sandra Jiménez Loza y Arly Velásquez Peñaloza, estos dos últimos actores con discapacidad. Para la función de prensa estuvieron presentes Eréndira Ibarra, Martha Claudia Moreno y Arturo Barba para apadrinar la puesta en escena.

Martha Claudia Moreno dijo estar feliz de estar en “esta celebración de la vida”. Destacó que el 50% de la población en México está atravesadas por la discapacidad. Por esto, dijo, “es importante contar estas historias en primera persona“. Finalmente expresó su sueño de que en el mundo y en México no existan las diferencias.

Eréndira Ibarra, por su parte, dijo que siempre se ha considerado una persona que lucha por la inclusión, sin embargo, “al conocer a Silvia de Cambiando Modelos, me di cuenta que hacía falta levantarme un espejo […] y darme cuenta que estaba dejando afuera a una gran parte de la población”. Agregó además que su hijo también vive con una discapacidad.  Por estas razones, señaló, en Argos y en Anónima decidieron realmente esforzarse por “entender cómo debe ser la inclusión real, la que transforma al mundo“.

Ibarra señaló que no es necesario encontrar el hilo negro. En este sentido, dijo: “Existe, es tratar a las personas con dignidad, es dignificar las historias. Es dejar de idealizar y romantizar las cosas, empezar a decir las cosas como son, por su nombre, a nombrarlas, porque si no las nombramos no existen”. Costo de vida, afirmó, es un primer paso en un país que necesita de una gran carrera por la inclusión real.

Arturo Barba coincidió en la necesidad de una inclusión real. “Esta es la inclusión en la que yo creo, esta es la inclusión que sucede, no parafernalia”, subrayó. Sobre esta obra, la ópera prima de Samuel Sosa, destacó que hay una “triada, que sucede cuando sucede buen teatro”: un elenco poderoso, un texto poderoso, que se encadenan con un director poderoso.

Al hablar al finaliza la función, Samuel Sosa reconoció el trabajo de la Agencia Cambiando Modelos, que se dedica a visibilizar a personas con discapacidad en los medios de comunicación, en prensa y en publicidad, quienes han sido aliados de esta obra. Asimismo, destacó el trabajo de  Libre Acceso, una asociación civil dedicada a la accesibilidad para personas con discapacidad. En este sentido, anunció que a partir de la próxima semana el teatro contará con seis espacios habilitados permanentemente en el Teatro Heléncico para personas con sillas de ruedas.

Para más información de Costo de vida, boletos, horarios, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

 

Anuncian estreno de LA GOLONDRINA, con Margarita Sanz

El día de hoy se anunció la temporada de La golondrina, de Guillem Clua. Con las interpretaciones de Margarita Sanz, Germán Bracco y Alejandro Puente la obra estrenará el próximo 2 de junio en el Teatro Milán. El montaje cuenta con la dirección de Alonso Íñiguez y la producción de Óscar Uriel y Roy Trujillo.

La golondrina se inspira en el ataque terrorista al bar gay Pulse en Orlando, Florida. A partir de ello Clua plantea la cuestión de ¿qué es lo que nos hace humanos? A través del encuentro de Amelia y Ramón se reflexiona sobre la identidad, la aceptación de la pérdida y la fragilidad del amor.

Margarita Sanz dijo que se trata de una obra compleja, donde sucede algo extraordinario en la vida de estos dos personajes. Hay conflicto y confrontación, y dentro de todo esto “no todo es oscuro, ni es un ambiente todo el tiempo pesado”. Al respecto señaló que hay momentos de comicidad en los que el público puede respirar y relajarse para seguir adelante.

La actriz agregó que se trata de dos mundos que han estado el uno contra el otro desde hace mucho tiempo. Incluso, dijo, uno de estos mundos ha oprimido al otro “y la sangre ha llegado al río cientos de veces”.

En este sentido, explicó Sanz, lo que hace el autor es reunir a estos dos mundos que tienen problemas en entenderse el uno al otro, “porque hay prejuicios, hay miedos, hay odios”. Se trata, agregó, de una obra importante porque abre una conversación que debemos tener todos. Se abre, subrayó, esta conversación entre dos mundos opuestos que logran, de alguna manera, poder entender lo que siente el otro. Sobre este punto dijo que lo logran a través del dolor, “lo que nos hace verdaderamente humanos es sentir como propio el dolor de los demás”.

Óscar Uriel, destacó que esté proyecto lo siente como el más importante que ha realizado hasta el momento. La obra parte de un hecho trágico y a partir de ello el autor nos cuenta una historia que habla de muchas cosas, señala el productor.  Sobre Margarita Sanz afirmó, “nos parece la mejor actriz que tenemos en nuestro país”, en este sentido agregó, “nos va a regalar algo hermoso en todas las funciones”.

Alonso Íñiguez confesó que este texto es una obra que como director necesita hacer, pues “es casi una declaración con respecto a mi carrera y a mi vida”. Señaló que una de las primeras cosas de las que estuvo seguro respecto al montaje es que se necesitaban una actriz y un actor poderosos en escena. El texto, explicó, es un texto de actores que no requiere nada más, “es el drama de estos dos personajes confrontándose con sus heridas y con sus dolores”.

Íñiguez agregó que hacer este texto es importante para él hacerlo en su vida profesional y en su vida persona. Al respecto dijo: “Es muy importante poder hablar de estos temas de los que habla la obra y traerlos al escenario”.

Germán Bracco habló de los mundos de dos personajes que chocan, los cuales a pesar de parecer tan confrontados están unidos por el dolor. Resulta, dijo, “que tienen muchas heridas que sanar, tienen muchas cosas que decir, y van a aprender a hablar desde el dolor, a confrontar sus sentimientos más profundos”.

El actor agregó que es una obra complicada actoralmente, que tiene volteretas emocionales que se necesitan dar con verdad y verosimilitud. Se trata de un texto poderoso con cosas que se necesitan decir, puntualizó.

Alejandro Puente, por su parte, señaló que estos personajes que aparentemente no se conocen, tienen en común el dolor y el duelo. Compartió que este tema se ha hecho recientemente presente para él y cuando leyó el texto lo tocó profundamente.

La escenografía y la iluminación del montaje son de Ingrid SAC, el vestuario de Natalia Seligson y la música de Pablo Chemor.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

EMILIA, primera obra seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024

Emilia, de Morgan Lloyd Malcolm y traducción de Martha Herrera Lasso es la primera Obra Seleccionada de los Premios del Público Cartelera 2024. Se trata de una comedia valiente y poderosa que aborda los obstáculos que las mujeres, en todos los campos, han enfrentado a lo largo de la historia para alcanzar sus objetivos. Nos habla desde la inteligencia y la solidaridad de temas fundamentales. 

El elenco de Emilia desborda compromiso en el escenario, construye puentes con la audiencia y la emociona. Esta producción, además, es realizada por equipo conformado solamente por mujeres, dando una coherencia incomparable a su mensaje.

Bajo la dirección de Mariana Hartasánchez, actúan en el montaje Aída López, Amorita Rasgado, Coty Camacho, Emma Dib, Haydeé Boetto, Mariana Gajá, Lucía Uribe, Assira Abbate, Gabriela Betancourt, Karime Alonso y Luz Adriana Carrasco. Además de la música en vivo interpretada por  Maricarmen Graue y Montserrat Revah.

El diseño de escenografía corre a cargo de Daniela García Moreno; María Vergara en diseño de Iluminación; y Giselle Sandiel en diseño de vestuario.

Este año realizamos algunos cambios en la dinámica de nuestros premios, por ejemplo, la inclusión de la categoría de Mejor Directora, siendo siete las categorías que se reconocerán.

También se modifió la selección de obras por periodos bimestrales. Estos periodos ya no existirán, ahora las obras se irán seleccionando a lo largo del año con el objetivo de tener 24 obras al final. Uno de los requisitos es que al momento de ser seleccionada la obra tenga por delante todavía 12 funciones o un mes de temporada. Con esto buscamos responder mejor a la temporalidad de las obras en cartelera. 

Arrancamos con mucha emoción esta V edición de nuestros premios. Mantente atento de nuestras redes sociales y de nuestro sitio para ir conociendo las obras que a lo largo del año participarán para convertirse en el 2024 la mejor obra del año.

Para más información sobre Emilia, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

El Teatro Milán albergará un acalorado encuentro femenil de futbol con el estreno de LOBAS

Bajo la producción de Camilla Brett, Próspero Teatro, Ana y Luisa Quintero, estrena en nuestro país la obra, Lobas(The Wolves), escrita por la dramaturga estadounidense Sarah Delappe, que comenzará su temporada a partir del 19 de mayo en el Teatro Milán.

En conferencia de prensa, Paula Zelaya Cervantes (245 actos de maldad extraordinaria, Pequeñas grandes cosas), quien está a cargo de la traducción, adaptación y dirección de escena, expresó: “Llevamos desde 2019 queriendo hacerlo, se nos atravesó la pandemia (…) Ha sido el equipo perfecto, el elenco se armó con un amor y cuidado, estoy orgullosa de la dinámica que se ha armado“.

Agrega: “Es una obra que tiene a 10 actrices, básicamente están 9 actrices en escena todo el tiempo, es un golpe para la vista constantemente, hay muchísimo movimiento, mucho atletismo. Es muy impresionante ver a tantas mujeres moviéndose con tanto poder al mismo tiempo, y el gran atractivo de Lobas es ver a 9 actrices haciendo un esfuerzo físico increíble“.

Por su parte, la también actriz Ana Quintero (Incendios, Indecente) indicó: “Luisa y yo vimos esta obra en 2017, llevamos viendo y haciendo teatro muchos años, pero yo nunca había visto algo así en escena, 10 mujeres en el escenario, siendo ellas mismas, explotando. Recuerdo salir de ahí completamente avasallada, e inmediatamente dijimos, este tipo de historias son las que queremos contar. Estamos sumamente agradecidas de que por fin vaya a suceder”.

Mientras que, Camilla Brett puntualizó: “Es una celebración que este año tenemos dos obras completamente creadas por mujeres, pero esta es la primera generación de esto, pero, por favor, que el próximo año haya 4, 6 u 8. Este es el inicio de historias sobre nosotras, para nosotras, es el futuro de las historias de México. Somos más de la mitad de la poblacion del mundo, pero no estamos a la mitad de nuestro gremio, ni de las historias que estamos contando, este es un momento para mover todo”.

Encabeza el elenco Arcelia Ramírez, Alicia Candelas, Ana Guzmán Quintero, Ana Valeria Becerril, Camila Torres-Cantú, Claudia González Menchaca, Luisa Guzmán Quintero, María Penella Gómez, Patricia Loranca y Sharon Ayon y como suplentes Michel Santré y Maic Vamora, quienes forman parte de un equipo de fútbol femenino, que sirve como vehículo para explorar temas como la sexualidad, la identidad colectiva y la violencia.

En el equipo creativo se encuentran María Guevara en el diseño de escenografía e iluminación, Vicky Araico en el diseño de movimiento, Adriana Hernández Carmona productora ejecutiva, Karla Baez como asistente de dirección, Sofía Zulbaran como Stage Manager, Dulce Mariel en el diseño de sonido, Miriam Qujijano en la coordinación de vestuario, Cynthia Muñoz en el diseño de maquillaje y peinado, Estela Fagoaga en el diseño de vestuario y Yareli Lazo en la asistencia de producción.

La historia se adentra en un equipo de fútbol femenil de nueve adolescentes, que se reúnen todos los sábados para entrenar. Si bien, al principio parecería un poco superficial, poco a poco, vamos conociendo y descubriendo lo diferentes que son, hasta llegar a conocer el mundo interno de cada una, que busca hacernos recordar nuestro paso por la adolescencia.

La obra se presentará del 19 de mayo al 2 de julio con funciones de viernes a domingo en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

“Lo hacemos por la grandeza de poder contar historias”: Entrevista con Jano Sanvicente

Platicamos con Jano Sanvicente quien actúa en la obra Llueven vacas. El montaje, dirigido por Claudia Tobo, es una historia de amor y desamor en la cual la toxicidad de una relación sale a flote, explica el actor.

A través de la historia de Margarita y Fernando, los personajes principales, se habla de los patrones que tenemos en nuestra forma de relacionarnos. La pareja se ve afectada por una tercera persona, Coral. En este sentido, Jano nos dice: “Nos muestran, básicamente, las debilidades, la toxicidad, incluso llegaría a decir, el maltrato que muchas veces ejercemos como humanos en las relaciones personales”.

 

La violencia nos atraviesa a todos

Al hablar sobre su personaje, Sanvicente señala que en primera instancia todos lo veríamos como muy lejano a nosotros. Sin embargo, acota, cuando profundiza en las raíces del personaje uno “se da cuenta que la violencia nos atraviesa a todos”, ya sea que la suframos o la ejerzamos.

Fernando tiene actitudes, nos dice su intérprete, que enmascaran otras cosas como la inseguridad y el miedo. En este sentido, el actor señala: “Al final es un ser detestable, pero uno entiende por qué ha llegado hasta allá.

 

Una obra que nos da qué pensar y replantearnos cosas

La obra tuvo una primera temporada en noviembre de 2022 en el Teatro Sergio Magaña. Al respecto nos dice que para la segunda temporada en el Círculo Teatral se está readaptando la obra a ese espacio más íntimo. Con esta readaptación y en este espacio, nos dice, es posible que la obra gane porque se trata de una obra muy intimista, en la que pasan muchas cosas a nivel de micro expresiones.

Durante la primera temporada, nos dice el actor, mucha gente salió tocada y emocionada de la obra, generando en ellos una reflexión sobre sus relaciones pasadas. En este sentido, señala que todo el mundo se puede sentir identificado con los tres personajes de la obra.

Sobre esto consideró: “Es una obra, que para bien o para mal, nos mueve cosas y nos da qué pensar, replantearnos muchas cosas”.

Cuestionamos al actor sobre las razones por las cuales el público debe asistir a Llueven vacas. Lo primero que nos dice es que, a pesar del drama, se trata de una obra que tiene cierto grado de comedia ácida. “Al final la vida son risas y lágrimas, no podemos negar las dos caras de la moneda”, nos dicEn segundo lugar señala que es una obra que nos lleva a replantearnos cómo es que construimos las relaciones. Sobre esto, agrega: “Nos ayuda a recapacitar y replantearnos mucho qué tipo de relación queremos y construimos”.

Finalmente, nos dice que el teatro necesita apoyo, pues es muy necesario, al igual que el arte, para “vernos, para hacernos pensar, para hacernos disfrutar”. Destacó las dificultades de realizar una producción aunque sea de formato pequeño y el esfuerzo que ello requiere. A pesar de ello, confiesa: “Lo hacemos por la grandeza de poder contar historias”.

 

Complicidad en escena

Jano Sanvicente comparte en esta obra escenario con Sabela Mascuñana y Micaela W. Morello. Sobre el proceso de trabajar con ellas y con la directora Claudia Tobo destaca la generosidad femenina y su sensibilidad.

Sobre este equipo destaca que las tres son generosas y entregadas, “trabajar con Claudia ha sido un regalo, es una persona muy inteligente que tiene mucho conocimiento de la vida, de las relaciones humanas”.

Esta experiencia ha llevado a Jano a plantearse muchas cosas, “tanto en mi personaje como en mi persona”. Sobre sus compañeras de escena subraya la manera amorosa y generosa en la que se entregan. En este sentido afirma: “Esa complicidad se ve en escena”.

Para más información sobre Llueven vacas, horarios, boletos, etc., haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cortesía Pop Comunicación.

3 razones para ver COSTO DE VIDA

Hay obras que son difíciles de enmarcar en un solo género, sí, Costo de vida es un drama, pero no por ello carece de humor en ciertos pasajes. Es además, una invitación a tender puentes y una valiosa apuesta por la inclusión real.

Es una obra que tiene una carga social profunda, no solamente porque incluye -desde el texto escrito por Martyna Majok se pide así- a dos intérpretes discapacitados, sino porque toca temas como los privilegios, la desigualdad y las conexiones interpersonales.

La historia nos va contando los encuentros y desencuentros de cuatro personas, a través de paralelismos y contrapuntos entre sus personalidades.

Si tú disfrutas de este tipo de montajes, te garantizamos que disfrutarás de Costo de vida, ópera prima de su director, Samuel Sosa.

Te compartimos tres razones por las cuales debes ver Costo de vida.

1. Un poderoso llamado a la inclusión. Como ya dije, el texto de Majok aborda temas importantes, temas que actualmente deben ponerse sobre la mesa. Temas que nos condicionan como sociedades y nos marcan. Es, además de un poderoso llamado a la inclusión, un llamado a mirar nuestras propias incapacidades emocionales. Como hacen muchos textos, Costo de vida nos plantea preguntas más que respuestas. ¿Cómo y a partir de dónde nos conectamos con los demás? ¿Cómo los cuidamos, cómo nos ocupamos de ellos? ¿Qué costo tiene estas dinámicas en nuestra salud física y emocional?

2. Personajes humanos y vulnerables. El elenco de este montaje está integrado por Humberto Busto, Elena del Río, Sandra Jiménez Loza y Arly Velásquez Peñaloza. Ellos logran que veamos más de lo evidente, que veamos en sus personajes a seres muy humanos y vulnerables. Seres que buscan cercanía o que rechazan toda ayuda. Logran conectar con la audiencia y llevarnos a pensar en cuáles son nuestros propios temores, miedos y carencias emocionales.

3. Una ópera prima bien lograda. Siempre ver una ópera prima es emocionante, sobre todo cuando el director sale bien librado de esta tarea. Samuel Sosa logra entregar un producto bien acabado y que provoca emociones en la audiencia. Además, lo hace a través de una apuesta fuerte: la inclusión sucediendo encima de un escenario. Al delinear a los personajes logra uno de los retos fundamentales de este texto, borrar las líneas divisorias. Los personajes sobre la escena son iguales entre sí, vulnerables y en búsqueda de algo inasible.

Así que ya lo sabes, estas son tres razones por las que debes ver este montaje que se presenta los lunes, martes y miércoles en el Teatro Helénico. No dudes y lánzate a ver esta propuesta que sin lugar a dudas te dejará algunas cosas para reflexionar.

Para más información del montaje, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro

Vuelve a creer en la magia y el ilusionismo con THE ILLUSIONISTS

Anoche la magia y la ilusión se apoderaron del Teatro Telcel con el estreno del espectáculo THE ILLUSIONISTS, donde el público y la prensa fueron testigos de increíbles actos que encantaron a chicos y grandes por igual.

Con este show, Ocesa busca que las familias y en especial, los niños se sorprendan con los inimaginables actos de comedia, magia, ilusionismo e hipnotismo, gracias al talento de 7 de los ilusionistas más famosos del mundo.

Durante 2 horas y 15 minutos, los espectadores pudieron gozar de los actos de Joaquin Kotkin (El Surrealista), el mago mexicano más popular de nuestro país, alias “Media Barba”, quien fue el encargado de fungir como host del evento, además de aderezar diversos momentos con actos de magia y comedia. Kotkin es famoso por crear efectos mágicos únicos, como la “Ilusión de Escorpión”, que ha sido presentado por el mismísimo David Copperfield en su show en vivo.

Acto seguido, fue el turno del británico James More (The Deceptionist) quien apareció en escena para realizar un acto de ilusionismo que incluía una base y una espada, además de otros actos con fuego. More, es uno de los ilusionistas más virales, se ha presentado en cinco continentes, convirtiéndose en el primer mago británico de la historia en tener una función en Broadway.

Después apareción en escena, el mentalista Aaron Crow (The Warrior) originario de Bélgica que asombró al público con su excelente manejo de cuchillos y flechas. Una de las virtudes de este mago es que sus actuaciones trascienden todas las barreras del idioma. Crow, ha sido galardonado como campeón mundial de la magia, así como el “Premio Internacional a la Personalidad de la Marca”, otorgado anteriormente a personas como Steve Jobs y Nelson Mandela.

Por su parte, Kevin James (The Inventor), uno de los magos que ha participado en The Illusionists desde el inicio, fue el encargado de deleitar a las jóvenes audiencias con singulares actos de magia, evocando a muchos adultos a su propia infancia. James, nacido en Francia de nacionalidad americana, es creador de de muchos efectos que ahora forman parte del repertorio de otros grandes magos, como la rosa flotante o la aparición de copos de nieve.

La música y la magia hicieron de las suyas con los divertidos actos de Xavier Mortimer (The Artist), el ilusionista francés cuyos acrobacias, saltos y vuelos, lograron engañar a la vista, hasta el más incrédulo de los espectadores. Mortimer, comenzó desde pequeño como artista callejero en Francia, gracias a su increíble talento, hoy ha recorrido el mundo y ha ganado premios como el Mejor Espectáculo de Magia en Las Vegas y es considerado como el mago más famoso del mundo digital, al convertirse en todo un suceso en TikTok.

El carisma y juventud de Pablo Cánovas (The Unforgettable), oriundo de España, se apoderaron de la audiencia con su propuesta llena de ilusiones que desafían cualquier creencia. Cánovas, es el mago más joven de España, ha recibido premios y reconocimientos en toda Europa. Es experto en crear ilusiones nunca vistas con su divertido toque un tanto juguetón.

Finalmente, el argentino Aryel Altamar (The Hypnotist) fue el encargado de jugar con la mente de los asistentes, en donde todos fueron testigos de hilarantes momentos de hipnotismo cargados de situaciones colmadas de humor. Altamar tiene 14 años de carrera profesional y es reconocido como uno de los mejores hipnotistas de Latinoamérica.

The Illusionists  te espera para sorprenderte de martes a domingo, hasta el 25 de junio en el Teatro Telcel, ubicado en Lago Zurich #245, Col. Ampliación Granada, consulta horarios y precios aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Escenario OCESA

3 razones para ver TODO EL MUNDO HABLA DE JAMIE

Si eres amante de los musicales de gran formato estilo Broadway o West End, no te puedes perder Todo mundo habla de Jamie, un propuesta nueva, divertida y muy actual que llegó para robarse el corazón del público mexicano.

Este montaje que compite con las grandes producciones, está liderado por 33 Productores de Gabriel y María Guevara, quienes trajeron este proyecto a tierras aztecas y no escatimaron en recursos para presentar esta super producción musical con un amplio y diverso elenco que incluye a 29 actores y 18 músicos en vivo.

Si aún no has visto esta comedia musical que está en boca de todos, aquí te damos 3 razones para que te lances este fin de semana al Teatro Manolo Fábregas:

1.Una historia de amor incondicional. Uno de los principales temas que toca este musical es el vínculo inigualable que proyectan Margaret New (Flor Benítez/María Filippini) y Jamie New (Carreras/Bondoni) como madre e hijo. Maggie se presenta como una madre amorosa que impulsa a su hijo a seguir sus sueños, sin importar las habladurías, brindando seguridad a Jamie, un adolescente que desea convertirse en una famosa drag Queen. Estamos frente a una historia que le habla a chicos y grandes, pero sobre todo, a las madres y padres, que acepten y amen a sus hijos tal como son, y ayudarlos a alcanzar sus sueños por arriesgados que parezcan.

2. Un ensamble extraordinario. Esta propuesta no tendría la misma potencia, sin los diversos personajes expuestos en escena. Aquí el público podrá gozar con las formidables intervenciones de este elenco conformado en su mayoría por jóvenes muy talentosos que actúan, bailan y cantan, que desbordan energía y pasión. Mientras que los actores que interpretan a los personajes adultos, logran llevarnos del drama a la comedia, con gran maestría, consiguiendo que estemos atentos a todo lo que ocurre en el escenario.

3. Una manufactura fuera de serie. No cabe duda que cuando pones el alma en un proyecto y se conjuntan las estrellas, el resultado llega a buen puerto, y esto le ha pasado a la versión mexicana de Jamie. Todos los involucrados en la parte creativa, (escenografía, iluminación,música, coreografía, vestuario, etc.) logran sumergirnos al mundo que habita Jamie, desde la escuela, la casa materna hasta las calles de Sheffield en Inglaterra. Todo está dispuesto para hacernos vibrar con esta historia sobre el amor y el respeto al otro, que invita a abrir la mente y disfrutar con el corazón.

Ya te dimos algunas razones, ahora es tu turno de descubrir, por qué Todo mundo habla de Jamie, para más información sobre la obra, (horarios, precios y descuentos) haz clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro y 33 Productores/Manojo de Ideas

3 razones para ver NOCHE DE REINAS

El cabaret es una herramienta poderosa; critica y señala lo que se debe cambiar en una sociedad. Es por excelencia un género que da voz a quienes se les ha negado. Precisamente eso es Noche de Reinas. Desde el escenario un grupo de actrices trans nos hacen reír, pero sobre todo reflexionar, en su intento por montar una versión muy pero muy libre de una obra de William Shakespeare.

Este es uno de esos proyectos que emocionan por su fuerza vital. César Enríquez, quien dirige y es dramaturgista del montaje, explica que éste surge en el 2021 como un proyecto conjunto con Casa de las Muñecas Tiresias, una organización que trabaja con mujeres trans quienes han vivido diversas problemáticas.

Las historias de las mujeres que hace un par de años dieron vida a este proyecto han sido atravesadas por la violencia, por la ignorancia de los otros y la marginación, por el trabajo sexual y la explotación; algunas viven con VIH y otras han enfrentado el alcoholismo y el abuso de sustancias.

Posteriormente el grupo se disolvió, pero se realizó una convocatoria con la cual se integró el elenco conformado por Mel Fuentes, Ximena Do Santos, Kary Valle, Terry Holiday, Marelyn Oliveira, Lucero León y Santiago Salazar.

Pero no, no te confundas, la obra no habla como tal de estas historias de vida. Si bien hay referencias a estas experiencias y un homenaje a las mujeres que la representaron por primera vez, la obra es más bien el resultado de un laboratorio que buscó empoderar a estas mujeres. Es una vía de lograr en ese acto de comunión que es el teatro eso que todos necesitamos: la risa y reír juntos.

Aquí te comparto tres razones por las que debe ver Noche de reinas en esta cuarta temporada.

1. Historias de vida se deben escuchar. Las historias detrás del montaje. Si bien Enríquez ha dicho que se trata de una ficción entrelazada con cabaret, detrás de Noche de Reinas hay historias de vida se deben escuchar y escuchar fuerte. Es una obra escrita en conjunto, las palabras son las de mujeres trans que hablan desde su experiencia.

2. Personajes que Shakespeare debería haber escrito. El elenco de esta obra está conformado por seis mujeres trans y un chico trans. En el escenario se divierten y entregan. Ver su “desafortunada” adaptación a la obra de William Shakesperare es un deleite. Se trata de un elenco honesto y divertido, que integra actrices y no actrices que desde la ficción nos habla de la realidad. Son personajes que Shakespeare debería haber escrito.

3. La dirección como complicidad. Estamos ante un trabajo comunitario que llega a habitar un espacio institucional, el Teatro El Galeón Abraham Oceransky del CCB. El gran mérito de César es ordenar, catalizar y dar cauce a esta propuesta. En ella se respetan los nombres y la esencia de las mujeres que crearon este montaje en un inicio, la dirección de Enríquez tiene un toque lúdico, se adivina que no se ejerce desde la verticalidad sino desde la complicidad y el juego.

Así que, si a ti te gusta el cabaret y el teatro con fuerte compromiso social, que además te de un rato de mucha diversión y actuaciones comprometidas sobre el escenario, Noche de reinas es para ti. Es además una gran oportunidad de iniciar tu semana con teatro, lo cual, siempre se agradece.

Para más información del montaje, horarios, boletos, etcétera, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Fernanda Olivares.

Arranca actividad teatral en El Aleph Festival de Arte y Ciencia de la UNAM

El Aleph es el infinito, el lugar del universo donde todo convive, donde el tiempo y todos los actos ocupan el mismo punto. Ahí,  “sin superposición y sin transparencia”, todo confluye, dice Borges en su cuento del mismo nombre.

Precisamente así se llama el festival que la Universidad Nacional Autónoma de México realiza desde 2017: El Aleph Festival de Arte y Ciencia. En este evento, que este año se realiza entre el 13 y el 21 de mayo, como en el cuento de Borges se conjugan diversas expresiones en un solo festival.

Todo cabe en este festival: La ciencia, la física, la psicología, la danza, el performance y la música, también la reflexión en torno a estos temas. Por supuesto, que no puede estar completo un panorama de la actividad humana sin el teatro.

Mañana inicia la actividad teatral en el marco de este festival con La negociación, de Flavio González Mello. González Mello dirige y escribe esta propuesta que se presentará del 18 al 21 de mayo en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario. Una vez finalizada su participación en el festival, la obra tendrá temporada regular en el mismo recinto. El dramaturgo y director, cabe destacar, fue nominado recientemente en los Premios del Público Cartelera de Teatro por su dirección en Inteligencia Actoral.

Hacia el centro de la ciudad también habrá actividades. El Centro Cultural Universitario Tlatelolco, presentará el documental “Teatro para el fin del mundo, 10 años de habitar la ruina” este jueves a las 18 horas. Además la compañía realizará un conversatorio sobre este documental. El 20 y 21 de mayo Teatro para el fin del mundo, proyecto dirigido por Ángel Hernández, presentará la obra Desarmes. Memorias del sitio de Sarajevo.

En el marco del festival se pueden disfrutar de otras expresiones de artes escénicas como performance y danza.

El Aleph Festival de Arte y Ciencia nació en el 2017 y cada año aborda un tema diferente. El objetivo ha sido explorar, desde distintas miradas y disciplinas, la relación del ser humano con su entorno. En esta ocasión el tema es Violencia y cultura de paz.

En ediciones anteriores se han abordado Las fronteras del medio ambiente (2022), Fronteras de la Medicina (2021), Las posibilidades de la vida: COVID-19 y sus efectos (2020), Fronteras de las ciencias de la complejidad (2019), Fronteras del cerebro y la inteligencia artificial (2018) y Las fronteras de la física (2017).

No te pierdas esta oportunidad que cada año la UNAM ofrece de ver desde una perspectiva integral temas que marcan el rumbo de la humanidad.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado.

Regresa la magia de Disney On Ice al Auditorio Nacional con Frozen y Encanto

A partir del 5 de julio llegará a tierra azteca el espectáculo de hielo, Disney On Ice con dos de las más recientes propuestas de la Casa del Ratón: Frozen y Encanto, que se presentarán por primera vez en Latinoamérica, siendo punta de lanza nuestro país.

Como cada verano, para deleitar a chicos y grandes durante el periodo vacacional, el Auditorio Nacional recibirá este espectáculo de hielo que contará con 47 expertos patinadores de 12 nacionalidades distintas, entre los que se encuentran dos mexicanos.

En esta versión, Anna, Elsa, Olaf, Kristoff y Sven serán los guías de esta aventura que nos adentra en el mundo congelado de Arendelle. Después tocará el turno de conocer a la familia Madrigal, una historia ambientada en Colombia donde conoceremos a las hermanas Isabela, Luisa y Mirabel, quienes nos sumergirán en un viaje para salvar su hogar encantado.

Sobre esta nueva edición, Francisco Serrano, director del Auditorio Nacional, externó: “Nos une esta nueva temporda 2023, Disney On Ice, es la vigésima temporada. Desde 1995 comenzamos a tener aquí, en este recinto, este espectáculo que ha recibido a lo largo de estas temporada a 4 millones de personas, justo en esta temporada tendremos la función número 1000 de Disney en el Auditorio Nacional“.

Por su parte, la productora Julieta González, refirió: “Estamos muy felices de anunciar una nueva temporada, vamos a dar 48 funciones con este nuevo espectáculo que está compuesto por Frozen y Encanto. Este nuevo show acaba de estrenar en Estados Unidos y en México siempre tenemos la suerte de tener la primera salida internacional”.

Agregó: “Como ya es una tradición, Mickey y Minnie serán los encargados de presentar a los personajes de estas historias. (…) Estoy segura que esta será una de nuestras temporada más exitosas, porque son dos de las historias más emblemáticas de Disney y las que más han tocado a nuestras familias“.

Cabe mencionar que Disney On Ice tiene el récord de más funciones en el Auditorio Nacional, y cada año logra atraer a nuevos espectadores, gracias a la vigencia de sus espectáculos.

Durante 4 semanas el Auditorio se convertirá en la pista de hielo más grande de nuestro país al albergar esta monumental producción compuesta por más de 70 personas entre staff y patinadores, la preventa comienza este 17 de mayo y la venta general se abrirá al día siguiente, 18 de mayo.

No te pierdas la oportunidad de cantar y vivir la magia que sólo Disney On Ice nos puede brindar, de martes a domingo en uno de los escenarios más importantes de la capital, consulta más información, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

“En el teatro no se esconde nada, se ve todo lo interno del ser humano”: Entrevista con Margarita Sanz

La golondrina está por estrenar el próximo 2 de junio en el Teatro Milán. Tuvimos el placer de entrevistar a la maestra Margarita Sanz sobre esta obra escrita por el catalán Guillem Clua. La obra trata un tema delicado, nos explica, pues se inspiró en el atentado que hace algunos años sucedió en el Bar Pulse, en Orlando, Florida.

En este evento fueron asesinadas 49 personas. En este sentido, Margarita Sanz apunta que no se escenifica el atentado en la obra, sino que se presenta el resultado de ese terrible ataque. “Es una obra que muestra una división muy grande que ya no debería existir. Es una obra que habla de la violencia, que tampoco debería existir”, advierte.

En La golondrina, la primera actriz, actúa bajo la dirección de Alonso Íñiguez. El resto del elenco está compuesto por Germán Bracco y Alejandro Puente, ambos alternando papel.

Sanz da vida a Amelia, una mujer que perdió a su hijo en el terrible atentado; Puente y Bracco, alternan en el papel de Ramón, amigo del hijo de Amelia, quien se acerca a ella con la excusa de tomar clases de canto. Sin embargo, la verdadera razón de este acercamiento es para hablar sobre su hijo.

En este sentido, Margarita Sanz señala que la obra muestra dos mundos. Por un lado, el mundo heterosexual y por el otro el mundo gay, y la confrontación que hay entre estos dos mundos. Sobre esto explica: “De pronto en la obra hay confrontaciones muy serias entre ambos mundos, pero finalmente ninguno es mejor que otro de ninguna manera. Simplemente, logran hablar sin prejuicio, sin malos pensamientos”. A ambos personajes, agrega, los une el amor que le tenían a Danny, el hijo muerto de Amelia.

Para la actriz uno de los planteamientos de este montaje es la estructura social y lo mal que entendemos conceptos como la tolerancia y la comunicación. En este sentido, señala: “Es por esto importante esta obra, porque muestra una debilidad muy grande en la comunicación, en la tolerancia. Más que tolerancia debe haber entendimiento de un mundo al otro y viceversa”.

A pesar de lo complejo del tema, Sanz aclara que, si bien la obra por momentos es dolorosa, también tiene núcleos, como “burbujitas” les llama, de alegría y buenos ratos que pasan juntos los dos personajes.

En este sentido, Margarita Sanz nos dice que está convencida de que quienes vayan a ver la obra saldrán conmovidos y llenos de ideas, con ganas de conversar con la gente que aman. “Van a ver dos vidas que tuvieron, desgraciadamente, un momento de dolor, pero que logran, de alguna manera, hablar de ese dolor y tratar de superarlo, tratar, sobre todo, de entenderse ellos mismos”.

Sobre este particular, la actriz nos habla sobre una frase de la obra: “¿Qué nos hace realmente a todos humanos?”. La obra, nos explica, nos da como respuesta que es el dolor: “Lo que nos hace verdaderamente humanos es sentir como propio el dolor ajeno”.

La música juega un papel importante en el montaje. Amelia es maestra de canto, al igual que Margarita Sanz tiene una fuerte conexión con la música. A partir del encuentro con Ramón para darle clases de canto es que se da la relación entre ambos.

En el montaje hay una canción que se llama La golondrina, nos adelanta la actriz. “No tiene nada que ver con nuestras Golondrinas mexicanas”, nos aclara. Sin embargo, es un tema que juega un papel importante en la trama. Al respecto, explica: “Es una canción que se tiene que componer siempre que hay un reparto haciendo esta obra en cualquier parte del mundo. Esa canción se tiene que componer y se llama La golondrina”. Sobre este tema musical, nos deja con una incógnita: “Después se van a enterar por qué esa ave tiene tanto que ver en esta obra”.

Finalmente, terminamos nuestra conversación hablando sobre el teatro en su vida. Evidentemente, para una actriz con la trayectoria de Margarita Sanz, la respuesta es precisa: “El teatro es mi vida, es el pulso de mi corazón, es el pulso de mi vida, de mi sangre”.

Para la actriz, el teatro representa una manera de entender al género humano y nuestras características. A partir de él podemos entender por qué somos como somos, pues está reflejada “toda la complejidad humana”.

De manera muy clara explica: “Entonces, estar metida en esta especie de mar de sabiduría, de complejidad, de conflictos, pues no he visto otro mar, he estado en ese mar casi toda mi vida y es una forma bella y hermosa, también muy dura, a veces dolorosa, de ver la vida, porque en el teatro no se esconde nada, se ve todo lo interno del ser humano”.

Para más información sobre La golondrina, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado Foto: Cortesía La Golondrina / BH5 y Oscar Uriel

Entrevista exclusiva con Jamie Campbell, el joven que inspiró TODO EL MUNDO HABLA DE JAMIE

Jamie Campbell, el joven que inspiró el musical Todo el mundo habla de Jamie, está consciente de que aunque su historia empezó a escribirse hace 28 años -cuando nació-, ahora públicos de diferentes partes del mundo han podido conocer su vida, y sobre todo, identificarse con él. Aquí nuestra entrevista para saber más de quién es la inspiración del musical que actualmente se presenta en el Teatro Manolo Fábregas.

EL INICIO DE UN DOCUMENTAL QUE SE HIZO VIRAL

Este viaje empezó con el documental Jamie: Drag Queen at 16, dirigido por Jenny Popplewell. La iniciativa de hacer esta película en realidad vino del propio Jamie, quien quería que se documentara el proceso en el que él intentaría asistir a su Prom (baile escolar).

Yo tenía la idea de ir al Prom usando un vestido. Mi mamá y yo hablábamos de eso, y aunque ella me apoyaba, yo no me sentía seguro de hacerlo, entonces se nos ocurrió que sería menos probable recibir una golpiza si teníamos a un crew de filmación con nosotros”, recuerda Jamie entre risas.

El joven mandó entonces un pitch a diferentes compañías de producción y hubo interés de Firecracker Films y posteriormente de la BBC, quien actualmente transmite esta cinta en su sito.

PARALELISMOS ESCOLARES

Dentro del musical, una de las principales antagonistas de Jamie es Miss Hedge, quien continuamente busca limitarlo y hasta le aconseja que trabaje como operador de montecargas. Además tiene otro detractor: Dean, un joven que lo molesta e insulta continuamente. En la vida real, Jamie recuerda haber tenido más opositores.

Tuve varias maestras crueles. Lo que sucede con las adaptaciones es que tienen que condensarse varias cosas, pero en mi caso no solo fue una mala maestra o solo un bully, tuve varios. El musical está inspirado en mi vida, pero también se tomaron algunas ‘licencias artísticas”, confiesa el joven originario de Bishop Auckland, un pequeño pueblo ubicado en el condado de Durham, Inglaterra.

Al igual que el protagonista del musical que también se llevó al cine, en la vida real Jamie tiene varios amigos, pero no mantiene comunicación con su padre.

No hablo con mi papá desde años, pero afortunadamente tengo amor de otros lugares; no puedes esperar que todos en el mundo te quieran”, considera.

En los momentos difíciles, y como una constante a lo largo de su vida, él se ha mantenido fuerte gracias al apoyo incondicional de su madre.

Sin ella no sé cómo hubiera salido adelante. Por eso me pone triste escuchar de gente que no cuenta con un apoyo así, porque todos necesitamos soporte; pero algo que le digo mucho a los jóvenes es que si no tienen ese tipo de apoyo en casa, afuera hay mucha gente dispuesta a ayudarlos. Hay gente horrible en el mundo, sí, pero también gente muy amable”, reflexiona.

LA EMPATÍA ES UNIVERSAL

Inicialmente, Jamie pensaba que la historia de su vida se llevaría al escenario solo como una producción comunitaria local, pero luego el show inspirado en su vida estrenó en Sheffield, en 2017, se volvió tan exitoso, que después se llevó a países como Corea del Sur, Japón, Estados Unidos, Italia y Australia.

Cuando lo vi esa primera vez lloramos muchísimo, y realmente nos sorprendimos porque no sabíamos qué esperar, fue como experimentar una montaña rusa de emociones”, admite.

Ahora, este musical ha cruzado el océano Atlántico para llegar hasta México; donde, por primera vez en español, se espera que siga encontrando una audiencia.

Gente de todo el mundo ha conectado con la historia, ha dejado de ser solo mía para ser de muchos. Eso nos demuestra que el amor, la aceptación y el ser quien eres trasciende culturas, y fronteras. Ha sido una aventura increíble que ha superado mis expectativas”, reconoce el joven seguirá haciendo presentaciones Drag y quien está por terminar de escribir un libro.

Finalmente, Jamie recomienda a las audiencias mexicanas darle oportunidad a esta obra que nos recuerda la importancia de ser tú mismo, y de perseguir los sueños.

Personalmente creo que es el mejor show del planeta, tiene todo: buena música, vestuarios increíbles, corazón y una gran historia, la producción es muy buena en México, y también el elenco. Sobre lo que te deja, hay que seguir luchando por lo que queremos y no tener miedo de intentar cosas nuevas, porque nunca sabes lo que va a pasar, ¡podrías terminar con un musical sobre tu vida al otro lado del mundo” concluye.

Por Mariana Mijares, Foto: 33 Productores/Manojo de Ideas

Conoce más sobre ABBA, el exitoso grupo pop detrás de MAMMA MIA!

Actualmente en el Teatro de los Insurgentes se presenta Mamma Mia! con un reparto encabezado por Lisset, Marisol del Olmo y Gicela Sehedi. Con este muscial de gran formato inspirado en la música de ABBA,  el icónico recinto celebra 70 años de exsitencia. Pero, ¿sabías que la relación del cuarteto sueco con el teatro musical no se ha dado solamente por Mamma Mia!? En 1972, Agnetha Fältskog, integrante del grupo, formó parte del elenco en Suecia de Jesucristo súper estrella. Agnetha interpretó el papel de María Magdalena en el clásico de Adrew Lloyd Weber.

Además de este dato, aquí te compartimos otras cosas que quizá no sabías sobre la agrupación musical que durante la década comprendida entre 1972 y 1982 la rompió en grande.

Los cuatro integrantes provenían de grupos musicales que en Suecia, su país de origen, habían conseguido, en mayor o menor medida, cierta notoriedad. De hecho, Agnetha antes de formar parte de ABBA ya había editado cuatro álbumes y más de quince sencillos publicados.

Entre 1963 y 1969 se conocen Benny Andersson, Anni-Frid Lyngstad, Agnetha Fältskog y Björn Ulvaeus. Si estás pensando que la primera letra del nombre de cada uno forma el acrónimo ABBA estás en lo correcto, así crearon su nombre. Además, Agnetha y Björn estuvieron casados de 1971 a 1980, mientras que Benny y Anni-Frid fueron esposos de 1978 a 1980.

Si bien la agrupación se formó en 1972 en Estocolmo, y el gran éxito le llegaría al triunfar con el tema Waterloo en el Festival de la Canción de Eurovisión 1974, se podría decir que la primera actuación del grupo sucedió en 1970. Ese año, estando los cuatro de vacaciones en Chipre, comenzaron a cantar en la playa para divertirse, sin embargo, terminó siendo una presentación improvisada ante Cascos Azules de la ONU destacados en la Isla.

Como ya dijimos, en 1974 el éxito masivo llegó a la agrupación y lo demás ya es historia. Se estima que ABBA ha tenido ventas por entre 380 y 400 millones de discos a nivel mundial. Además, se ha mantenido vigente el grupo con la obra de teatro musical Mamma Mia! (en el proyecto estuvieron involucrados Benny y Björn desde un principio, y Anni-Frid ha financiado el proyecto), estrenada en 1999 y su posterior versión cinematográfica en 2008.

La agrupación nunca se separó de manera oficial. Sus integrantes realizaron proyectos solistas y trabajaron en diversos musicales, por lo cual no volvieron a grabar juntos hasta más de cuarenta años después. ABBA se reunió en el 2016 y en el 2021 lanzaron su noveno disco de estudio, titulado Voyage.

Regresando a los años 70, fue en 1976 que ABBA despegó definitivamente. En Australia la retransmisión del especial The Best of ABBA –realizado una semana antes durante la vista de la banda- rompió el récord de audiencia del país alcanzando el 54% de porcentaje de audiencia. Anteriormente, el récord lo tenía la transmisión del alunizaje en 1969.

Sin embargo, meses después, en agosto de ese año, vendría el éxito en grande. Si bien se tenía planeado lanzar su nuevo álbum de estudio, Arrival, antes de verano, su publicación se retrasó hasta octubre por las giras y los viajes. Ante ello, se decidió lanzar el primer sencillo del álbum en agosto y presentarlo durante la gala de honor de la boda del rey Carlos XVI Gustavo de Suecia y la reina Silvia Sommerlath. Así es, el nombre del sencillo no podía ser otro que Dancing Queen. El tema se volvió un éxito instantáneo, alcanzando más de tres millones de copias tan sólo en 1976.

Entre los proyectos de teatro musical que participaron Benny Andersson y Björn Ulvaeus después de ABBA, además de Mamma Mía!, están Chess (escrito por ambos y Tim Rice) y Kristina Från Duvemåla (escrito por ambos y que alcanzó un buen éxito en Suecia).

Las agrupaciones que alcanzan el éxito masivo como lo hizo ABBA tienen un sinnúmero de anécdotas y datos curiosos. Estos solamente son algunos de ellos. ¿Conoces algún otro dato curioso sobre el cuarteto? ¡Compártelo con nosotros!

Para más información del musical Mamma Mia!, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Ariel Cerebelina.

3 propuestas para llevar a los peques al teatro

Este fin de semana te invitamos a acudir con toda la familia a ver estos espectáculos creados especialmente para los más pequeños, con historias que los harán bailar, cantar, que contienen poderosos mensajes que invitan a chicos y grandes a reflexionar sobre nuestras conductas, pero, sobre todo, a pasar un gran momento de entretenimiento de calidad.

Echa un vistazo a estas recomendaciones y corre a llenar las salas:

1. Ladybug el Musical de Miraculous. Un personaje que ha saltado de la pantalla chica y se ha convertido en toda una sensación para las pequeñas que desean convertirse en Ladybug. En escena podrán vivir increíbles aventuras con todos los personajes de la caricatura, acompañadas de mucha acción, música, actos de acrobacia y sin olvidar los mensajes de amor, respeto y valores que propone esta peculiar heroína. Las funciones son los domingos en el Teatro Centenario Coyoacán.

2. El misterioso caso de la sombra. Esta propuesta nos habla del valor, en ella veremos a Mikel, un pequeño niño que debéra enfrentar uno de sus mayores miedos, una misteriosa sombra que cada noche aparece en casa. Junto a su peludo amigo Filete y con la ayuda del inigualable Sherlock Holmes, Mikel se lanza a la hazaña de dar con el enigma de esa extraña aparición. Se presenta todos los domingos en el Foro Lucerna del Teatro Milán.

3. La sirenita. A unos días del estreno oficial del live action de La Sirenita, si tus pequeños se mueren por vivir esta historia más de cerca, no te puedes perder, esta versión acuática sobre una sirenita que se enamora de un humano. Los pequeños acompañarán a Ariel, Sebastián, Flounder y más personajes, en su camino para convertirse en una humana y vencer a la malvada bruja Úrsula, demostrando que el amor es la fuerza más poderosa. Esta propuesta se presenta todos los domingos en el Teatro Tepeyac.

En Cartelera siempre tratamos de brindarte diferentes propuestas para que acudas al teatro, si deseas consultar otras opciones, sólo da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Paulina Chávez y Cortesía Producción

“Hay muchos caminos para llegar al paraíso”: Sugey Ábrego sobre TENGAMOS EL SEXO EN PAZ

El fin de semana pasado arrancó temporada Tengamos el sexo en paz, protagonizada por Sugey Ábrego y Raúl Coronado. En días previos al estreno, pudimos platicar con Sugey sobre el montaje.  Se trata, nos dijo , de decir a la gente que disfrute  con “quien quiera, cuando quiera y por donde quiera, porque hay muchos caminos para llegar al paraíso… y aquí se los vamos a enseñar”.

En un tono un poco más serio nos compartió su experiencia al trabajar con el director Hugo Arrevillaga. Al respecto, dijo, que se trata de un director puntual, contemporáneo y minucioso. Si bien Arrevillaga cuida de cada tono y de cada movimiento, consideró Sugey, más importante aún es que les explica el porqué de cada escena. Su dirección les permite, como actores, transmitir al público la intención del texto a través de la comedia, explicó.

Nos adelantó además que tendremos la oportunidad de verla a ella y a Raúl Coronado “bailando en escena de una manera atrevida y seductora”. En este sentido, destacó que es lo que permite el teatro, pues es donde te forjas y creces, “donde estás completamente desnudo en cuerpo y alma”.

Para la actriz y conductora se trata de una gran oportunidad de convencer al público de su capacidad actoral. Se trata, dijo, de un texto como este que tiene un contenido más profundo.

Regresando al tema de la sexualidad, Sugey Ábrego subrayó que no solamente se trata de dos personas teniendo relaciones, por ello es importante una obra como esta que toca muchos temas alrededor del sexo. Sobre esto, reflexionó: “Para llegar a ese momento tiene que haber algo antes, porque finalmente es la fusión para poder llegar al amor”.

Para finalizar, la actriz adelanta en un tono más picante que se trata de un montaje muy “voyerista” en la que la gente no solamente se va a reír y disfrutar, “no solo va ver una escena… sino calentarse”.

Para más información de Tengamos el sexo en paz, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Sugey Ábrego.

5 datos curiosos sobre LA DAMA DE NEGRO

La Dama de Negro es una de las obras más longevas de nuestra cartelera, actualmente lleva 29 años, que se vieron interrumpidos brevemente por la pandemia. Sin embargo, tras la reactivación de los teatros, regresó para seguir asustando a los espectadores con la historia creada por Susan Hill.

Si eres de los pocos o de los indecisos que aún no se animan a vivir esta historia de terror, aquí te damos algunos datos curiosos sobre la obra que se presenta de manera continua de viernes a domingo en el Teatro Ofelia:

1. La obra fue adaptada por Stephen Mallatratt como una obra un tanto exigua, para utilizar parte de una subvención que había recibido del teatro. Para ello, Mallatratt concibió la historia como una obra metateatral, ya que el espectáculo presenta a 2 actores que son los encargados de interpretar a una docena de personajes.

2. La mujer de negro se estrenó en 1987 en el Teatro Scarborough durante la época decembrina. No obstante, su creador jamás imaginó que sería un éxito y durante las primeras 3 semanas las entradas se vendían como pan caliente.

3. Es la segunda obra de mayor duración en el West End, después de The Mousetrap de Agatha Christie. Tras su lanzamiento Off-West End, la obra llegó a Londres el 7 de junio de 1989 al Teatro Fortune donde ha permanecido por más de 30 años.

4. En México, los hermanos Perrín, Tomás y Rafael, compraron los derechos de la obra con la que comenzaron una aventura el 17 de febrero de 1994 en el desaparecido Teatro Arlequín, y desde entonces, la obra se ha presentado en diversos recintos de la capital, así como en algunas de las ciudades más importantes de nuestro país.

5. A lo largo de los años, grandes actores han formado parte de esta aterradora historia, en la versión británica: Joseph Fiennes y Martin Freeman. Mientras que en nuestro país destacan las actuaciones de Germán Robles, Odiseo Bichir, Alejandro Tommasi, Ernesto D’Alessio, Benjamín Rivero, Juan Carlos Colombo, Fabián Pazzo, Ricardo Morell y el propio Rafael Perrín.

Algunos aseguran que ha vivido o presenciado momentos un tanto paranormales, tras su participación o asistencia, por lo que te invitamos a descubrir la leyenda que rodea una de las obras más famosas y aterradoras de la cartelera, para más información da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: ladamadenegro.com

La salud mental va al teatro en TOC TOC, conoce los trastornos que aborda esta obra

El teatro nos habla de la experiencia humana. No hay tema que, con un buen texto, no se pueda abordar y conecte con el público. Desde grandes tragedias, musicales, obras con vocación social, propuestas experimentales, géneros y temas el teatro tiene como diverso es el ser humano.

Por supuesto que la comedia no puede faltar. Es un género que tiene la flexibilidad de hacer reír a una audiencia sin más pretensión que eso, o puede ser también una poderosísima herramienta para la reflexión. Desde ahí se pueden abordar temas importantes; el humor desarma nuestras resistencias ante temas que no necesariamente son divertidos.

En este sentido, podríamos decir que TOC TOC, del autor francés Laurent Baffie, se inscribe en este tipo de comedias. La salud mental no es cosa de risa, salvo cuando un autor como Baffie la toma como punto de partida para su texto. En él, a través de la risa, da un panorama de los Trastornos Obsesivos Compulsivos, o TOC (de ahí el nombre de la obra). Se trata de una manera humana y divertida de hablar de un tema importante, la salud mental. Sensibiliza sobre el tema y es una manera de entender a las personas que viven con algún trastorno de este tipo.

Actualmente un remontaje de la obra se presenta en México, bajo la dirección de la directora argentina Lía Jelín y la dirección residente de Rafa Maza, hace algunas semanas regresó esta obra que ha tenido muy buen recibimiento por parte del público, tanto en nuestro país como en el mundo.

En la obra seis personajes con distintos TOC coinciden en el consultorio de su terapeuta para tratar sus condiciones. Pero un contratiempo con el vuelo de su médico genera una situación que provoca constantemente la risa en el público.

¿Pero quiénes son estos personajes y con qué trastorno viven? Aquí te contamos un poco.

Alfredo, un ex editor de libro, padece el síndrome de Tourette. Se trata de un trastorno neurológico que se caracteriza por movimientos involuntarios y sonidos vocales involuntarios, conocidos como tics. Entre estos tics se encuentran la ecolalia y la coprolalia, éste último lo padece este personaje. Si ya vieron la obra sabrán de que les hablamos, si no, vayan a descubrirlo y reír un poco. Algunos famosos, como Billie Ellish, viven con este trastorno, incluso existe la hipótesis de que Mozart lo padecía.

Camilo es un taxista y tiene la obsesión de contarlo todo. Este TOC tiene un nombre: aritmomanía. Este trastorno lleva a quienes lo padecen a contar constantemente o asociar todo a los números a través de cálculo, o por ejemplo, evitar ciertos números. Tal vez este padecimiento les recuerde a Count Von Count, mejor conocido en Latinoamérica como el Conde Contar, de Plaza Sésamo. Su obsesión por contar se relaciona con una antigua leyenda europea, según la cual un método par protegerse de los vampiros era esparcir semillas de mostaza o arena para mantenerlos ocupados toda la noche contando los granos. ¿Será que estos personajes del folklore tenían aritmomanía?

Blanca padece germofóbia o misofobia, es decir un miedo patológico a la suciedad, los gérmenes y la contaminación. Un trastorno que han tenido famosos como Cameron Díaz y Woddy Allen y Michael Jackson.

María es una mujer muy religiosa, que tiene una compulsión por revisar constantemente sus pertenencias y acciones, así como abrir cerrar puestas, llaves de agua y gas e interruptores. Este trastorno se le conoce como trastorno compulsivo de verificación, entre los famosos que viven con esta obsesión está la actriz Jennifer Love Hewitt.

Lulu, debido a la muerte de su padre, desarrolló ecolalia, que consiste en repetir frases y palabras. Este es un tic que se relaciona con el síndrome de Tourette o un síntoma que se presenta en el autismo también. Daniel Radcliffe padeció algo parecido, pues en su infancia sentía la necesidad de repetir en voz baja las frases ha había pronunciado.

Finalmente está Otto, quien está obsesionado por el orden y la simetría. Parece que este es un trastorno que comparten muchas personas en el mundo. Entre los famosos que sienten este impulso están: Harrison Ford, Charles Dickens, Alec Baldwin y, nuevamente, Woddy Allen.

Para más información del montaje haz clic aquí, horarios, boletos y descuentos.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cortesía Mejor Teatro.

 

Regresa BULE BULE al Teatro Milán con nuevo elenco y la música inolvidable de los 60

Bule Bule, el show está a punto de cumplir 10 años, durante los cuales se ha ganado un lugar en el gusto del público. A través de temas de rock and roll de los años 60 la obra nos lleva a recordar aquella época. Desde su estreno, ha realizado varias temporadas y presentaciones en distintos teatros y lugares del país.

El montaje regresará este 29 de mayo al Teatro Milán, donde en 2104 inició su historia. La obra escrita por Joserra Zúñiga y dirigida por Anahí Allué cuenta con las actuaciones de José Luis Rodríguez “Guana”(Freddy el conductor), Ana Rivero (Mary Jane), Miranda Labardini (Mary Rose), Carolina Heredia (Mary Lu), Begoña Ibarreche (Kika), Jonathan Portillo (Enrique), Humberto Mont (Alberto), Emiliano Ochoa(Johnny), Esván Lemus (César) y Chema Ortega (Federico).

Platicamos con Esván Lemus, Humberto Mont, Miranda Labardini y Ana Rivero sobre este montaje, quienes nos adelantaron que la obra trae novedades en algunos textos, además de canciones y personajes nuevos, entre otras sorpresas.

¿Qué es Bule Bule?

La obra trata de un concurso que se realiza en los años 60 y en el cual compiten Las Bombonettes contra Los Pillos del Rock. Al final de cada función el público mediante votación decidirá quién es el triunfador de la noche.

Esván destacó que se trata de un proyecto que tiene a su alrededor mucho amor. En él, dijo, participa a gente que lo ama y lo atesora. “tener la oportunidad de volver a hacerlo nos llena de energía y de emoción”, compartió.

En este sentido, Miranda afirmó que se trata de una gran responsabilidad, precisamente porque es un musical muy querido por el público y los elencos que la han realizado. Subrayó, además, que se trata de una obra muy divertida que le va a encantar a quien no la ha visto y a quienes sí la van a disfrutar.

Ana Rivero coincidió en que es una responsabilidad participar en esta obra. Señaló que esperan que al público le guste el nuevo toque, con el cual se está refrescando un poco la propuesta y se le está dando algo nuevo a los personajes.

Por su parte, Humberto nos explica que se trata de un concurso muy divertido, el cual es pura comedia ligera y diversión. Además, dijo, se trata de un regalo de la vida poder participar en este proyecto, e invitó a quienes no la han visto a que la vean, y a quien ya lo hizo regresar, pues con este nuevo elenco tiene otra energía.

 

Hay algo en esa música que nunca se va a ir

Humberto Mont consideró que la gente continúa conectando con Bule Bule pues la música de los 60 es inolvidable y se sigue escuchando hasta la fecha. Al respecto señaló: “Creo que hay algo en esa música que nunca se va a ir, los clásicos justamente por eso son clásicos”.

Además, agregó, se trata de música que ha pasado de generación en generación. Lo anterior hace que los más jóvenes tengan recuerdos de sus papás y de sus tíos, “yo creo que por eso conecta tanto”. Esván consideró que está además la calidad de la música, la irreverencia y el que en su época rompió con cánones estéticos.

Sobre la manera en que conecta ella con el montaje, Miranda nos dice que a ella de por sí le gusta la música de los 50 los 60. Sin embargo, agregó, conecta también a partir de su papá que gusta de esa música. “Creo que es un género musical muy divertido” que trae recuerdos, por lo cual las generaciones más grandes y los jóvenes la pueden disfrutar. En este sentido, Ana puntualizó que se trata de canciones que “todos conocemos por nuestros papás […], es música que en algún momento hemos escuchado”.

Entre los temas que se incluyen en el montaje está La chica Ye Ye, Who Loves You, Can’t Take My Eyes off You, Eddy Eddy, Sherry, Lollipop, música de Los Beach Boys y de Vaselina. Estas canciones algunas versiones están en inglés y otras en español.

Ana y Miranda nos dicen: “Vengan a divertirse, a cantar, a recordar y a reírse”.

Para más información de Bule Bule, horarios, boletos y más, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado. 

3 razones para ver TENGAMOS EL SEXO EN PAZ

Si te gustan las comedias y tienes ganas de escuchar sobre sexo, Tengamos el sexo en paz es una buena opción. En esta comedia, Sugey Ábrego y Raúl Coronado nos hablan sobre el tema en una especie de conferencia. Debido a este formato, el público puede expresar sus opiniones y participar un poco en este montaje. La conexión entre los intérpretes y el público es fundamental, en este sentido, Hugo Arrevillaga y la pareja de actores parece que logran su cometido.

La obra, creada por Darío Fo, Franca Rame y Jacopo Fo, inicia desde Adán y Eva hasta llegar a nuestros días. Durante poco más de una hora los protagonistas nos hablan sobre varias dudas habituales que surgen cuando de sexo se trata. Además, aborda temas como la falta de educación sexual, el aborto y la impotencia.

Se trata de una propuesta que se sitúa desde el humor, con un tono crítico hacia la sociedad que ve el sexo de una manera conservadora y llena de tabúes. Aquí las partes del cuerpo se llaman por su nombre, lo cual se agradece.

Acá te damos tres razones por las que ver Tengamos el sexo en paz.

1. La química en el escenario. Como ya dije, esta obra requiere de un público receptivo que reaccione a los estímulos, y para ello se requiere que la pareja sobre el escenario encamine esta participación. Esto solo se puede dar con una buena química entre la actriz y el actor que dan vida a los personajes, Sugey y Raúl la tienen. Sus interacciones, además, se sienten naturales y generan esa sensación de complicidad que la obra requiere.

2. Un texto reconocido siempre es una razón para ver una obra. Más si en él participó un premio nobel como Dario Fo, y además, fue censurado en Italia por el gobierno de Silvio Berlusconi en su momento. Es un texto con 30 años de haber sido escrito y en esta versión se adaptó para hacerlo un poco más contemporáneo, con las dificultades que ello implica. Lo importante es que desde una visión lúdica se habla del sexo. Esto se agradece en un mundo en el que en algún momento alguien decidió que algo que todos hacemos y podemos disfrutar fuera un tema serio y solemne. Este montaje, tira por el suelo esa visión y nos habla del sexo desde una óptica divertida.

3. El movimiento sobre el escenario. Evidentemente una obra que habla de la sexualidad requiere un movimiento coordinado sobre el escenario. Arrevillaga pone en manos de Marco Antonio Silva esta tarea. El coordinador de movimiento escénico logra que Raúl Coronado y Sugey Ábrego se muestren confiados y sólidos en sus desplazamientos por el escenario. Esto logra que el montaje tenga una dinámica interesante y bastante fluida.

Ya lo sabes, si disfrutas de estos elementos en una obra, tienes la oportunidad de disfrutar de Tengamos el sexo en paz en el Teatro 11 de julio. Eso sí, no olvides que la obra está recomendada para adultos y adolescentes mayores de 12 años, y hay desnudez breve.

Para más información sobre la obra, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Monólogos de la chancleta

Desde Yucatán llegan LOS MONÓLOGOS DE LA CHANCLETA al Nuevo Teatro Silvia Pinal

Los monólogos de la chancleta se presentan el 24 y 25 de mayo, en el Nuevo Teatro Silvia Pinal. El espectáculo llega desde Yucatán a la Ciudad de México luego de presentarse en el sureste del país. Este espectáculo de comedia es narrado por Ruperta Pérez Sosa, Tila María Sesto y La Tía Chayo, personajes que llegan de las redes sociales al escenario para contar estas historias.

Se trata de una comedia en la cual cada una cuenta un monólogo de manera interactiva y representan situaciones de la historia que están narrando. La mejor manera para sanar heridas y traumas siempre es riéndote, y entender un poco a los otros y a nosotros mismos, nos explican Ruperta y la Tía Chayo en entrevista.

Se trata, nos dijo La Tía Chayo, de reflejar situaciones que muchos mexicanos hemos vivido. Estas experiencias, toman como punto de partida “un chancletazo” que en algún momento de la vida recibimos.

En este sentido, Ruperta nos dice que es un espectáculo que abarca muchas emociones e historias. Estas historias, no dice, son historias que la gente les ha compartido en las redes sociales y son reales. Agregó, se narrarán historias, de amor, miedo, traumas, pero sobre todo humor y diversión.

El espectáculo, nos explica La Tía Chayo, ha tenido más de 25 funciones totalmente vendidas en Yucatán, Campeche, Quintana Roo, Tabasco y Chiapas. “Ahora tenemos la oportunidad de presentarnos en la Ciudad de México y estamos más que felices”, confiesa.

Ruperta, quien escribió la obra, nos platica que entrevistó a 50 o 60 personas. En este sentido, señala que, “desde el momento en que estás leyendo, si te atrapa la historia sabes que está buena para la obra”. En este sentido hay historias, nos dice, que marcan y que llaman la atención. Con base en estas historias se adaptaron a los personajes y al espectáculo que están presentando.

Para más información de Los monólogos de la chancleta, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía PinPoint.

“En EL MAGO van a encontrar su hogar”: Entrevista con Lucero Mijares y Juan Torres

El próximo 30 de junio Lucero Mijares debutará en teatro con El Mago – The Wiz. La actriz y cantante dará su primer paso en el teatro con la responsabilidad de encabezar la compañía de este musical. Ante su debut, dijo, está muy contenta y nerviosa, ya que se trata de un “reto actoral y vocalmente”. 

En entrevista con Cartelera de Teatro hablamos con ella y con el productor Juan Torres sobre el proyecto. Sobre el reto de encabezar la compañía de El Mago, que se presentará en el Teatro Hidalgo, Lucero Mijares nos dice que implica muchas cosas. Entre ellas destacó el ser amable y puntual, pues la cabeza de una compañía debe ser un ejemplo para todo el equipo. El objetivo, dijo, es “ser una buena cabeza de compañía y dar mi 100 por ciento”.

El Mago, nos platica la cantante, incluye en su música diversos géneros y fusiones de  soul, jazz, R&B, Godspell y dixieland. Al hablar de Dorothy, su personaje, Lucero destacó que está cómoda en él, pues “pienso que me representa muy bien”, y agregó, “creo que yo a Dorothy le puedo prestar mucho de Lucero Mijares”.

En este sentido, agrega, que se trata de un personaje noble, que da a conocer “su esperanza y su coraje”. Esto, señala, la hace sentirse identificada, pues comparte con ella la emoción de siempre querer llevar a la gente a donde ella vaya. “Por ejemplo, en este caso, voy a ver al mago, y me quiero llevar a todos mis amigos conmigo, para que todos tengan los que quieren ¡Ya!”, nos comparte.

Sobre la producción, Juan Torres nos confiesa que El Mago – The Wiz lo escogió específicamente para que Lucero debute. Se trata, nos adelanta, de un musical de gran formato, con 22 actores en escena y orquesta en vivo. También nos comparte que Lucero estará arropada por un gran elenco. Al respecto agergó: “Les puedo decir es que van a ver la producción, esa es la apuesta, más grande y más ambiciosa que he hecho hasta hoy como productor”.

El productor destacó que las canciones y la música de la obra son increíbles, “decimos nosotros que las canciones y la música son las estrellas de la obra”. Nos dice además que se trata de un musical para toda la familia que en el que cada canción tiene algo que decirle al público. Sobre este punto, afirma: “Con este proyecto familiar vamos a abrazar los corazones y a apapachar a todas las personas”.

La preparación de este proyecto inició en enero de este año, y Lucero Mijares desde marzo comenzó una preparación previa perfeccionando su técnica vocal con su coach y trabajando con el coreógrafo.

Tanto Lucero como Juan nos dicen que en El Mago el público va a encontrar diversión, números coreográficos y musicales espectaculares.  En El Mago, finaliza Lucero, “van a encontrar su hogar”.

Por Óscar Ramírez Maldonado. Foto: Cortesía PinPoint.

5 datos curiosos sobre Leona Vicario, el nuevo episodio de LAS MENINAS

Como ya es tradición, Las Meninas cada tanto nos invitan a conocer a un personaje de nuestra historia, de forma irreverente y con su muy particular estilo, se han ganado al público, y en esta ocasión dedican un episodio a Leona Vicario, la Madre de la Patria.

En escena, Christian Escorcia, Luis Huitrón y Gina Gran B acompañados por Norma López, Natalia Quiroz, Marvin Ortega, Carlos Rodea y César Baqueiro, nos introducen en la vida de esta noble mujer que tuvo una participación protagónica, durante el movimiento de Independencia de México, donde nos cuentan los sinsabores de su vida y como siempre, invitándonos a ver más allá de los libros.

Para que te animes a ver este nuevo espectáculo que contiene varios guiños a musicales famosos de Broadway, aquí te contamos acerca de este importante personaje de nuestro legado histórico:

1. Su nombre completo era María de la Soledad Leona Camila Vicario Fernández de San Salvador, provenía de una familia criolla acaudalada. Sin embargo, al cumplir 18 años quedó huérfana y pasó al cuidado de su tío, Agustín Pomposo Fernández de San Salvador, un notable abogado de la época.

2. Gracias a su posición económica, Vicario continuó preparándose y logró estudiar Bellas Artes y Ciencias, algo que era casi impensable y poco común para las mujeres de aquel tiempo, pues la educación estaba destinada a los hombres.

3. Leona nació en una época muy particular, inmersa en los movimientos sociales que marcaron un hito en la conformación histórica, como el inicio de la Revolución Francesa, la sucesión en el trono español y la llegada a la capital de Juan Vicente de Güemes Pacheco de Padilla y Horcasitas, el segundo conde de Revillagigedo.

4. Tanto su educación como su perspicaz sentido de los sucesos, hicieron que Vicario se sumará a los Insurgentes en compañía de sus mejores amigas, La Güera Rodríguez y Margarita Maza, quienes apoyaron a los independentistas con bienes y fungiendo como informantes, situación que la condujo a ser encarcelada y recluida en un convento.

5. Leona fue la primera mujer que ejerció el periodismo, colaboró con algunos periódicos de la época. Sin duda, fue una mujer valiente, inteligente, disciplinada que tuvo un papel preponderante durante la Independencia, murió a los 53 años, víctima de neumonía. Sus restos descansan junto a los de Andrés Quintana Roo (su esposo y figura ilustre del movimiento) en la Columna de la Independencia.

Si quieres conocer un poco más sobre nuestra historia, no puedes perderte este episodio que este jueves 25 ofrecerá función con intérprete de LSM, consulta más información aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Obra Penélope, dirección de Alejandro Jodorowsky, 1957

El paso de Leonora Carrington por el teatro mexicano

Leonora Carrington nació en 1917 en Lancashire, Gran Bretaña. Con apenas 20 años conoció al pintor Max Ernst, quien fue su primer vínculo con el surrealismo y de quien se enamoró. En París entró de lleno en contacto con el movimiento surrealista y convivió con artistas como Joan Miró, André Bretón, Pablo Picasso y Salvador Dalí. Hoy recordamos a la pintora surrealista y su incursión en el teatro, que un día como hoy murió en la Ciudad de México.

Vivió el inicio de la Segunda Guerra mundial y tuvo que huir a España, ahí sufrió una violación por un grupo de cuartos de requetés, lo que la llevó a un colapso y ser internada en una institución mental. Por esta razón Bretón veía en ella a una embajadora que había vuelto del “otro lado”, una especie de vidente. 

Después de haber escapado de la institución mental en 1941, conoce y se casa con el poeta mexicano Renato Leduc en Lisboa, quien la ayudó a emigrar. Ese año llega a Nueva York y al siguiente llega a México. A partir de ese entonces se vuelve en una figura fundamental dentro de la escena artística de nuestro país.

Leonora se divorcia de Leduc en 1943 y un año despúes conoce al fotógrafo húngaro Emérico Weisz. En 1946 Leonora y Emérico se casan, la pareja procreó dos hijos: Gabriel y Pablo.

En 1957, en una entrevista con Elena Poniatowska dijo que no le gustaría morir, “pero si llego a hacerlo algún día, que sea a los 500 años de edad y por evaporación lenta”. Sin embargo, Leonora murió a los 94 años de edad en el 2011. En cierta manera, su deseo se ha cumplido, si bien murió y no fue por evaporación lenta, su huella y su memoria permanecen en nuestro país y en la Ciudad de México. Su talento la hizo inmortal.

Por ejemplo, en la esquina de Havre y Paseo de la Reforma navega la escultura Cómo hace el pequeño cocodrilo, obra nacida de su imaginación. Sus cocodrilos, como sobre un río de asfalto, parecen recorrer una y otra vez frente el lugar donde realizó su primera exposición Leonora, La Zona Rosa.

El teatro y Leonora Carrington

La artista nacionalizada mexicana incursionó en diversas expresiones artísticas. Además de su trabajo como pintora y escultora, fue autora de 20 cuentos y de una novela. Incluso llegó a participar en el cine con cameos en un par de películas, más allá de su trabajo detrás de cámaras en un par de producciones.

Carrington gustaba de recitar a Shakespeare, parte de sus raíces inglesas, pero también participó activamente en el teatro. 

Durante la década de los 50 del siglo XX participó en el movimiento de teatro Poesía en voz alta. El movimiento ponía el acento en la palabra y se inspira fuertemente en el teatro del absurdo, apuntando a una renovación del teatro mexicano. En esta época Carrington adapta algunos de sus textos para teatro.

 Entre otros trabajos realiza en 1953 realiza la escenografía para Don Juan Tenorio, dirigida por Álvaro Custodio.  En 1956 la escenografía y el vestuario de La hija de Rappaccini, una adaptación realizada por Octavio Paz a la obra de Hawthorne.

La artista también se aventuró en la dramaturgia con obras como PenélopeOpus Siniestrus. La primera es llevada a escena bajo la dirección de Alejandro Jodorowsky en 1957 en el Teatro Esfera. En este montaje la propia Leonora fue la encargada de realizar la escenografía y vestuario.

Opus Siniestrus fue escrita en 1969 y se mantuvo sin estrenar por casi cincuenta años, hasta que en 2018 fue montada en los jardines del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Esta intervención escénica se logró gracias a la colaboración de la Coordinación Nacional de Teatro, el MAM y la Escuela Nacional de Arte Teatral. Para el montaje se recuperaron el diseño de vestuario y de las máscaras originales. 

Con su amigo José Horna realizó  a inicio de la década de los sesenta un teatro de títeres ambulantes. Horna fue el encargado de tallar en madera a los personajes, la obra se presentó en 1964 en la Galería Antonio Sauza.

Con Jodorowsky colaboró nuevamente en El rey se muere, de Eugene Ionesco. Leonora se encarga de nueva cuenta de vestuario y escenografía en esta propuesta que se presentó en el Teatro Hidalgo en 1968.

Esta es una visión rápida del paso de Leonora Carrington por el teatro, una de sus etapas no tan conocidas, pero una de las más propositivas y disruptivas.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: FB Fundación Leonora Carrington.

 

El cisne negro

3 razones para ver EL CISNE NEGRO

La historia del Castillo de Chapultepec inicia en 1783 cuando el virrey Matías de Gálvez y Gallardo ordenó su construcción. Ahí, donde anteriormente hubo una ermita dedicada al Arcángel Miguel, que a su vez se construyó sobre un templo prehispánico, se comenzó a levantar una casa de descanso para el virrey.

Desde entonces el Castillo mira pasar la historia del Valle de México, tuvieron que pasar muchos años para que tuviera la fisonomía que hoy conocemos. Sin embargo, esta construcción ha sido parte de la historia de la ciudad y de México desde entonces.

El Castillo de Chapultepec es una figura conocida para todos los habitantes de esta ciudad, lo es también para todos los mexicanos. Ahí podemos disfrutar de un paseo por el Museo Nacional de Historia, pero también escuchar música, ver teatro o un espectáculo de danza.

Precisamente ahí se presenta El cisne negro, una lectura contemporánea del Lago de los Cisnes. Esta propuesta se  la presenta La Infinita Compañía de jueves a domingo en este histórico recinto. 

El cisne negro es un espectaculo que cautiva por su calidad. Es un espectáculo de danza, pero integra distintos lenguajes y elementos para llevar al espectador a un mundo fantástico de bosques y castillos. Es una producción que nos da una relectura de un clásico, la actualiza y hace que en ella dialogen distintos lenguajes y recursos.

Aquí de damos tres razones por las cuales no debes perderte El cisne negro.

  1. Una vivencia y una experiencia estética que trasciende lo escénico. La primera razón es más que evidente: El extraordinario entorno que nos brinda el Castillo, rodeado del bosque y su olor que sube desde las laderas del cerro. Ahí, en la arquitectura monumental del recinto, que si bien está en el corazón de la ciudad parece aislado de ella, podemos disfrutar la experiencia integral que nos ofrece esta propuesta coreográfica.
  2. La propuesta visual, sonora y escenográfica. La Infinita Compañía integra en un escenario de plataformas móviles y pisos de agua, elementos de ballet clásico y danza contemporánea, luces y un delicado diseño de vestuario. Todo esto con la extraordinaria música de Tchaikovski.
  3. Una coreografía bien cuidada. Las 20 bailarines y bailarines que, con el museo Nacional de Arte como fondo, ofrecen al público una cuidada coreografía para narrar la historia de Odette y Sigfrido. Bajo la dirección de Rodrigo González este grupo de artistas nos transporta a otro sitio, a otros castillos y a un mundo fantástico. La Infinita Compañía logra que dentro de nuestro castillo y nuestro bosque habiten otros castillos y otros bosques.

Así que ya lo saben, no se pueden perder la oportunidad de vivir esta experiencia única. El cisne negro nos da la posibilidad de vivir el bosque de Chapultepec de una manera distinta. Además, con el Paseo de la Reforma a sus pies, los museos que se asientan en la zona, y colonias cercanas como Polanco, San Miguel Chapultepec o la Condesa, no es difícil armar un plan que incluya cultura, arte y, ¿por qué no?, una buena cena y un trago.

Para más información de El cisne negro, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Nitzarindani Vega.

3 obras basadas en hechos reales

Desde siempre se ha dicho que el teatro es un claro reflejo de nuestra humanidad y que nos ayuda a entender nuestras emociones, y esto es cierto, en el escenario podemos ver un abanico de historias con distintas temáticas como el amor, la familia, la violencia y por supuesto, están aquellas que se han inspirado en casos reales.

En este rubro se encuentran las biopics (biográficas), las historias sobre sucesos históricos y también están aquellas que ocuparon las pantallas y páginas de los principales noticiarios y diarios del país en que acontecieron, en especial las que están basadas en crímenes fatales.

Actualmente la cartelera nos presenta algunas de estas estremecedoras historias, que nos invitan a forjar nuestra propia opinión y tratar de entender las circunstancias y motivos que propiciaron esos hecho lamentables:

Casa calabaza. Un montaje escrito por Maye Moreno, una mujer que estuvo recluida por 16 años en el Penal de Santa Martha Acatitla, tras una reducción de su condena, fue liberada en diciembre de 2022. En prisión, Maye escribió una ficción basada en sus experiencias personales, donde nos relata la relación entre una madre y su hija. El Colectivo El Arce es responsable de mostrarnos esta historia con funciones los lunes y martes hasta el 20 de junio en el Foro La Gruta.

Hombruna. Sin duda, el caso de “La Mataviejitas” fue un suceso que puso en jaque a las autoridades de nuestro país, a principios de los 2000. Juana Barraza es el nombre de esta mujer que fue acusada de al menos 17 asesinatos de mujeres de la tercera edad, de ahí el mote. En escena, Valentina Garibay nos introduce en varios episodios de la vida de esta mujer que fue condenada a 759 años de prisión. Las funciones son de viernes a domingo en el Teatro El Milagro.

Jauría. Otro hecho lamentable que conmocionó al mundo y en especial a España, fue el caso de “La Manada”, sobre una joven que fue atacada brutalmente por 5 hombres, durante una fiesta masiva. A cargo de LATE Producciones este montaje, fue una de las obras elegidas en la edición 2023 de los Premios del Público Cartelera, regresa  para seguir creando conciencia sobre el abuso sexual e invitando a las mujeres a denunciar. La obra tendrá funciones de viernes a domingo en el Teatro Helénico, a partir del 2 de junio.

¿Qué otra obra recuerdas que esté basada en sucesos reales? 

Por Itaí Cruz, Fotos: Isael Almanza y Diego Cadena Carreón

TODO EL MUNDO HABLA DE JAMIE, segunda obra seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024

Todo el mundo habla de Jamie es una propuesta poderosa y necesaria. Su mensaje de optimismo se agradece, nos habla de cumplir los sueños y de ser solidarios. Nos platea, desde la identidad y el amor, la necesidad de un mundo justo y con respeto para todos. Es un montaje lleno de detalles y pasión que se muestra en el cuidado vocal, las coreografías, escenografía, iluminación y vestuario. Una obra que el público ama.

Uno de los principales aciertos de esta puesta en escena es la elección de sus intérpretes. Dos jóvenes artistas que han sobresalido en la pantalla chica que pueden atraer al público al teatro. Ellos están acompañados y arropados por un gran y talentoso elenco, con carreras muy sólidas en el teatro y en el teatro musical. 

Los dos protagonistas que alternan como Jamie, Joaquín Bondoni y Nelson Carreras, hacen un extraordinario trabajo en escena y demuestran estar preparados para un proyecto de la magnitud de este musical.

Bajo la dirección de Alejandro Villalobos, el resto del elenco está integrado por Rogelio Suárez, Alberto Lomnitz, Tanya Valenzuela, María Filippini, Efraín Berry, Vanessa Bravo, Diego Meléndez, Leexa Fox (Cover de Jamie, además de Tray Sophisticay), Liza Zan Zuzzi, Regina Voce, Diego López, Desiree Pérez, Karlo Rodríguez, Ana Sofía Cordero, Kevin Hernández, Fernanda Terán, Marco Tapia , Yatzil Aguirre, Bobby Mendoza, Daniela Rodríguez, Carlos Iriarte, Federico Stegmayer, Martha Garibay y Ana Rivero.

La obra, producción de 33 productores, es una idea original de Jonathan Butterell, con libreto y letras de Tom MacRae, y música de Dan Gillespie Sells. Además cuenta con el diseño de escenografía de Jorge Ballina, diseño de iluminación de Félix Arroyo y diseño de vestuario de Lisa Katnic. 

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“La comedia es una herramienta para abrir el alma, el corazón y la mente”: Entrevista con Pilar Boliver

Para la directora y actriz Pilar Boliver, la comedia es una herramienta para abrir el alma, el corazón y la mente. Se trata, nos dice en entrevista, una medicina para el alma y para el espíritu, más en momentos complicados como los que estamos viviendo en México y en el mundo. 

Este sábado inició temporada el remontaje de Lavar, peinar y enterrar, de Juanma Pina, obra que dirige nuestra entrevistada. La obra tendrá funciones los sábados en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, sobre esto platicamos con ella. 

Se trata de una comedia, un género muy difícil, nos dice la directora. En este sentido, explica que una comedia debe tener un trasfondo y una moraleja, “en el buen sentido, no una moralina”. Cuando una comedia carece de esto, afirma, se desvirtúa, termina siendo una concatenación de chistes. 

En el caso de este montaje, adelanta Boliver, hay un trasfondo “muy lindo”, que es que el fruto de tu trabajo te defiende en la vida. 

Lavar, peinar y enterrar, es “de verdad hermosa, es humor negro”, nos dice. Después de tres años de haber estrenado por primera vez en 2021, nos explica Boliver, tiene un producto bien logrado. En él, señala, la estética visual es una mezcla de Almodóvar y Tarantino.

Sobre este tema nos comparte que se han logrado conjuntar muchos elementos. Entre ellos una buena obra, una buena adaptación, un buen vestuario y escenografía”. Agrega, además, que en la comedia “estoy como pez en el agua”. 

El humor es algo muy particular de cada cultura

El texto de Juanma Pina, dramaturgo español, tiene un humor muy madrileño, nos dice Boliver. Tiene mucho del movimiento de “La movida” y del estilo Almodóvar, agrega. Es una obra muy divertida, considera, para la cual se tuvo que realizar una buena “tropicalización”. Sobre esto, puntualiza: “Obviamente no puedes hacer el chiste a la madrileña porque no se entendería”.

Sobre la adaptación destacó que el humor es algo muy particular de cada cultura y de cada pueblo. Si bien se trata de un texto de España y hablamos el mismo idioma, nuestro humor no es igual. Por esta razón, se realizó un trabajo minucioso en cada palabra, cada chistes y cómo lo maneja el carácter de cada uno de los personajes. Se trata, explicó de un trabajo cuidado y sutil el que realizó junto con Ignacio Saucedo y Shiky, quienes son productores también y parte del elenco. 

El resultado de este trabajo, dio como resultado: “Una comedia física, una comedia de situación y una comedia de carácter. Los tres grandes géneros en los que puedes colocar una comedia contemporánea”. 

 

Un producto 100 por ciento constatado, que sé que funciona

Se dijo muy contenta de poder presentar la obra en e Foro La Gruta. Destacó el trabajo que realiza su elenco, el cual “es un equipo increíble de actores”. Por ejemplo, dijo, Juan Carlos Martín del Campo, con quien trabajó en Los chicos de la banda, es un actor fantástico y “la gente va a estar muy contenta de ver un actor con una plenitud tan grande”.

El montaje llega al Foro La Gruta después de haber sido presentado en 2021 en una estética de verdad ubicada en la colonia Roma. Lo anterior, a raíz de que el propio autor hizo lo mismo en Madrid, “él empezó en una estética de verdad, en el día estética, en la noche la intervenía y ahí es donde hizo sus funciones”. Posteriormente, el montaje realizado por Pilar Boliver pasó a un foro independiente, El Foro de La Diversidad.

Este camino que ha seguido la obra, nos comparte la directora, la ha hecho más grande y más interesante. Ha sido una especie de taller para ella y para los actores, explica: “Hoy por hoy puedo decir que en este remontaje vamos con todo. Voy con un producto 100 por ciento constatado, que sé que funciona”. 

Al respecto, confesó ser una “directora muy neurótica, y más en la comedia”. Por esta razón, nos dice, ha revisado, dirigido y refinado cada aliento, cada intención, cada tono y cada timing. 

 

Huir de los problemas no es la solución

Finalmente, Pila Boliver invita al público a ver esta obra porque habla sobre temas como que huir de los problemas no es la solución. “Muchas veces escondemos los problemas, los tapamos o los enterramos, pero siempre el pasado va a salir”, reflexiona la también actriz.

Además, señala, es una obra que nos dice que el fruto de tu trabajo es quien te salva. En este sentido, reflexiona, muchas veces se dice que los mexicanos somos flores, lo cual no es cierto, por el contario, afirma, somos “híper trabajadores”. 

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Pilar Boliver.

“Una experiencia enriquecedora como artistas y para el público”: Entrevista con Rodrigo González, director del CISNE NEGRO

El Cisne Negro, en el Castillo de Chapultepec ha tenido una exitosa temporada que ha llamado la atención. Esta propuesta cuenta con la coreografía y dirección de Rodrigo González, quien nos dice que el público encontrará en ella una experiencia 360.

Esta puesta en escena es una adaptación libre de El lago de los cisnes con la música de Tchaikovski. En esta versión contemporánea, explica el coreógrafo, se realiza una fusión entre el código de la técnica clásica y el de la danza contemporánea. Se trata de hacer una relectura de la historia que todos conocemos de Odette y Sigfrido, señala. En este caso, la historia inicia un poco antes, en la fiesta en la que Odette fue hechizada junto con su corte.

Desde ahí, nos dice González, sabemos quién era Rothbar y qué papel jugaba este mago-hechicero. En este sentido, podemos ver “cómo se entreteje este triángulo amoroso y cómo confunde Rothbart el corazón y la mente de Sigfrido para que no cumpla con su promesa de amor”.

Se trata, dice, de una historia épica, “y qué mejor que contarla en un castillo verdadero, en un castillo real”. En este sentido, el director destaca que no se trata de un entorno escenográfico, “es de piedra y es el único castillo que hay en Latinoamérica, es un lujo poder estar aquí”.

Al respecto, subraya que se trata de uno de los pocos lugares del mundo –si no el único- en el que se usa un castillo real para realizar El lago de los cisnes. “Lo que sí hicimos”, explica, “fue subirnos un pedacito del lago, tenemos plataformas móviles con pisos de agua. Eso hace la remembranza de que estamos en un lago”.

Sobre realizar el montaje en este escenario, Rodrigo nos dice que hace muy interesante la puesta en escena y la hace muy compleja para los bailarines. Explica que están “bastante desnudos”, pues no hay trucos teatrales o dispositivos para generar distintos efectos. “Lo que sí tenemos son bailarines muy talentosos, despojados de todo artificio y que los tenemos a unos metros de nosotros”, destaca. Esto permite que el público pueda ver todos los detalles, desde los gestos hasta la respiración.

Una de las características de este montaje es que el espectador se puede sentir parte de la escena. Esto, señala el director, crea una experiencia inolvidable: “Desde que te internas en el Bosque de Chapultepec, subes, te adentras en el castillo, ya te sientes parte de esta gran fiesta y un observador de lo que va a suceder”.

Sobre el proceso de montaje en un lugar como el Castillo de Chapultepec, Rodrigo González comparte que resulta complejo. Explica que es un lugar que tiene sus peculiaridades. Se trata de un ballet pensado específicamente para esta temporada con estos bailarines, nos dice. Ya que trabajar en un sitio requiere de diseños específicos, afirma: “todo cuanto acontece aquí está diseñado específicamente para este espacio”.

También la adaptación significó un reto cuando se trata de un “clásico de clásicos” que se ha montado muchas veces, confiesa. Sin embargo, apunta el coreógrafo y director, es un ballet que lo ha acompañado durante toda su vida y le tiene un cariño muy especial. Se trata de música espléndida y que lo lleva “siempre a un lugar muy romántico”, que es desde dónde aborda la propuesta. Es además una música que permite que se baile de muchas maneras para habitarla y revisitarla.

Sobre este punto subraya: “Eso es lo que hacemos, tomamos esta música y con las emociones más presentes, con lo que estamos pasando, con lo que estamos viviendo, con los cuerpos, como nos movemos ahora, lo estamos integrando en esta versión”. Ha sido, puntualiza, una experiencia muy enriquecedora como artistas, “y para el público yo creo que también”.

Al cuestionarlo sobre por qué la gente no debe perderse El cisne negro, el creador escénico señala que siempre ha dicho que hay que acercarse al arte, “y esta es una gran opción”. En esta propuesta, abunda, el público encontrará historia, arquitectura, naturaleza, música sinfónica, estupendos bailarines y teatralidad.

Esta experiencia 360, señala González, sucede además en un espacio no convencional. Este lugar, dice, “nos permite vivir desde que entramos, cambiar la atmósfera, cambiar la mente, cambiar nuestro estado ya nada más con caminar por el bosque”.

“Bien vale la pena el esfuerzo de llegar hasta aquí y disfrutar junto con nosotros de esta bellísima experiencia”, nos asegura Rodrigo González.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Rodrigo Espinoza.

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Por Itaí Cruz

Llegará a La Teatrería ORLANDO Y MIKAEL: LOS ARREPENTIDOS, una obra que rompe prejuicios y habla sobre la diversidad

El día de hoy en conferencia de prensa se anunció el elenco de Orlando y Mikael: Los arrepentidos. En el montaje participan Terry Holiday y Dana Karvelas en el papel de Orlando, mientras que Libertad Palomo y Roshell Terranova dan vida a Mikael.

Bajo la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui, la puesta en escena se presentará todos los viernes en La Teatrería a partir del 9 de junio y hasta el 15 de septiembre. El director explicó que hace 10 años montó esta misma obra con un elenco cisgénero en ese momento, interpretado por Margarita Sanz y Alejandro Calva. Se trata de una obra, dijo, que “siempre tuve ganas de volver a montar”.

El director explicó que no se trata de una obra documental, sino una puesta en escena que recrea un documental. En este sentido, narra cómo surge el texto. Marcus Lindeen, su autor, trabajaba en la radio nacional Sueca y tenía un programa en el que todos los días lanzaba una pregunta al público. Un día la pregunta fue: “¿De qué se han arrepentido?”. Ese mismo día dos personas llamaron para decir “yo me arrepentí de cambiarme de sexo”. Esto a Lindeen le pareció muy interesante y pensó que tenía que reunir a estas dos personas y grabó el encentró. A partir de ello se hizo el documental, “un poco para que ellos se vieran  y permitieran hacer la obra de teatro”.

Al hablar sobre la obra, Libertad Palomo señaló que están interpretando a dos personas que cuentan su historia y esto hace la diferencia. “Es muy importante que cuatro personas de la comunidad trans, con diferentes historias, vamos a poner nuestra propia sal y pimienta a los personajes”, dijo.

Además, aclaró que como actrices están ahí para defender a sus personajes sin juzgarlos. Explicó que no se trata de una historia en la que las personas transgénero, transexuales o travesti se “arrepintieron de sus pecados”. En este sentido, agregó: “No es eso, la verdad es que todos los seres humanos estamos en esta vida explorándonos, conociéndonos y lo más importante, más allá de nuestra diferente forma, es lo que hay adentro”.

Mikael, su personaje, dijo, se imaginó que era un hombre atrapado en el cuerpo de una mujer y de pronto, viviendo ya como mujer, se dio cuenta que no era así. Al respecto Palomo sostiene que “tiene el derecho de regresar y decir me arrepentí de esta situación, sería más el arrepentimiento de no haberlo hecho”.

Terry Holiday señaló que es muy importante, porque el tema que se toca es la cuestión de las identidades, que es muy variado e interesante.

Al respecto reflexionó: “En la búsqueda de la identidad, muchas veces, no podemos enfocarnos solamente en un camino, tenemos derecho a experimentar, a buscar y a encontrar la esencia de cada persona y creo que esta obra nos lleva a recapitular en eso. Todos tenemos derecho al libre desarrollo de la personalidad y a la búsqueda de la identidad, como sea. A veces nos vamos a equivocar, a veces no nos vamos a equivocar, pero la cosa es siempre encontrar el estar bien con uno mismo o misma”.

Dana Karvelas, por su parte, señaló que se trata de descubrir una parte de la transexualidad y de la detransición que es un tema tabú del que no se habla. Sobre esto dijo, dijo: “tal vez puede ser que haya muchas chicas trans o chicos trans que ya empezaron la transición o que ya van llegando casi a la cocina y a lo mejor dicen ya no, pero como somos una sociedad culpígena y muy del qué dirá la gente, pues yo creo que hay muchas historias de gente que se ha arrepentido y estamos seguras […] que esta obra aparate de todo el mensaje que lleva puede ser que sea algo de ayuda y contribución para personas que digan sabes qué, a lo mejor no está tan mal arrepentirse”.

La obra, señaló,es una obra fuerte, “hay cosas que personalmente, […] esta cosa de la imagen no es fácil, desprenderse de quien has sido a lo mejor por más de 10 años, por 20, por 30, de repente es como reencontrarse tal vez con una parte que ya no querías ver”.

Por su parte, Roshell Terranova destacó que está siendo una experiencia maravillosa y “es una oportunidad muy grande de despersonalizarme, el poder entrar en este papel de Mikael”. En este sentido, dijo, es muy importante para las actrices trans que haya trabajo para ellas. “Hay papeles que podemos desempeñar, no solo hablando de papeles trans, podemos hacer muchos papeles, esta es una oportunidad también en ese aspecto”.

Roshell consideró además que presentar estas historias es importante, porque la sociedad debe conocerlas, “porque nos acerca como seres humanos”. Al respecto dijo que el público tiene que venir a hacer catarsis como lo han hecho ellas con la obra. En Los arrepentidos, “es a través de estos personajes reales, pero hay miles de historias, tal vez afortunadas, tal vez desafortunadas, que hay que mostrar”, afirmó.

Sebastián Sánchez Amunátegui consideró que se trata de una historia que sigue siendo muy vigente y muy importante que la gente vea. Se trata, dijo, de una obra que rompe muchos prejuicios y que permite hablar de la diversidad en esta búsqueda de la propia sexualidad. “Cada sexualidad, cada persona, es un mundo y creo que esta obra en ese sentido es muy importante”, puntualizó.

Sobre contar con dos elencos explicó que fue la idea desde el principio. Una de las razones para ello, subrayó, es la riqueza que le da a la obra. Al respecto, explica: “Cada encuentro es distinto, hay cosas que ocurren en cada uno. Además jugamos más con la fuerza de cada personaje, distinta en una versión que en la otra. Pueden venir a ver la obra dos veces, la van a disfrutar. Son dos cosas distintas y ha sido un trabajo muy interesante con las cuatro actrices”.

Óscar Carnicero, productor de la obra,  destacó que esta puesta en escena ha sido un camino de aprendizaje. Recordó que durante el casting abierto las cuatro actrices al escoger las partes con las que más conectaron fueron las mismas, “fue algo muy simbólico”. Destacó, además, que si bien jay obras que envejecen muy mal, en ésta sucede lo contrario, “le pasa lo que a los vinos, ha ido envejeciendo muy bien y hoy en día es más vigente que hace 10 años”.

Para más información, horarios, boletos y descuentos de Orlando y Mikael: Los arrepentidos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez, Fotos: Cartelera de Teatro.

3 razones para ver PACHECAS DESPUÉS DEL FUNERAL

Después de 37 años que se ha presentado de manera ininterrumpida la anti pastorela Pachecas a Belén, ha llegado un nuevo episodio convirtiéndola en una saga. Después de sufrir una desgracia, Luminosa, Blandina y Severina parece que tendrán un golpe de suerte. Las hermanas Rosas Moreno tendrán que ingeniárselas para salir adelante y obtener su más grande sueño, que por fin parece al alcance de sus manos.

Estamos hablando de Pachecas después del funeral, una idea original de Miguel Alonso, la cual da continuidad a la historia que ya se ha hecho tradicional en la época decembrina. Ahora, con esta historia, podríamos decir que tenemos Pachecas para todo el año.

Si ya viste Pachecas a Belén, seguramente no te vas a querer perder de esta nueva historia. Si no la has visto, este montaje es la puerta de entrada para a final de este año no faltes a la ya clásica anti pastorela LGBTTTI interpretada por drag queens. Ahora, si todavía dudas en ir a ver esta puesta en escena acá te damos tres razones por las cuales debes verla.

1. El humor picante de las Pachecas. Se trata de una comedia de cabaret para adultos. Es un humor muy directo e irreverente, con algunos toques de humor negro que seguramente te hará reír más de una vez, si no es que durante toda la función. Sí, los chistes están llenos de alusiones sexuales y de doble sentido, pero de una manera divertida y que se puede disfrutar. Este montaje se trata de divertirse, de pasar un buen rato y el objetivo se cumple. No saldrás con una moraleja del Teatro de la República, donde se presenta, pero sí de muy buen humor.

2. Química sobre el escenario. Checho Alazcuaga “La coña”, Julls Granados “La Lupe”, Ramsés Molina “Déborah la grande”, Samuel Zarazúa y Eduardo Flores “Felina la mexicana” ofrecen un gran espectáculo. Sobre el escenario muestran una química que transmiten al público. Muestran además, como debe ser en el cabaret, capacidad para  salir al paso en situaciones imprevistas o, simplemente, improvisar sobre la marcha. Si bien, como es obvio, en los 37 años del montaje ha cambiado el elenco, se siente la experiencia de Checho que ha estado ya durante 27 años en el proyecto, y la frescura que han ido trayendo al montaje sus demás integrantes conforme se han sumado a él.

3. La historia que detrás de este montaje. 37 años se dicen fácil, pero en verdad que un montaje logre presentarse tantos años es una tarea titánica. Pachecas a Belén, en sus inicios, generó incomodidad en ciertos sectores. Los tiempos han cambiado y se trata de una obra que puede disfrutar la gran mayoría del público. A fin de cuentas se trata de divertirse y reír. Además por sus filas han pasado en todos estos años, un gran número de personajes que son reconocidos en la escena teatral, cabaretera o drag, o en todas ellas.

Entonces, si quieres reír y pasar un rato divertido, no te pierdas de Pachecas después del funeral. La obra se presenta los viernes, es un buen plan para iniciar tu fin de semana con buen humor.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Alonzzo Producciones 

Los estrenos que llegan en junio a la CDMX

Llegamos a mitad de año y como tal, la cartelera continúa presentando propuestas que cuestionan no sólo nuestra identidad y conciencia humana, sino que buscan dar una nueva visión a los clásicos con montajes arriesgados, sin dejar de lado las dramaturgias contemporáneas que indagan en lo más profundo del ser.

Si bien, el mes de junio está colmado de obras con temáticas LGBT+, también encontramos montajes intimistas que nos harán reflexionar como sociedad.

Estos son los montajes que levantarán el telón:

Fieras. Este clásico shakesperiano es reinterpretado por la Compañía Nacional de Teatro, bajo la mirada de Estefanía Norato y Xhaíl Espadas, quienes ponen en jaque la superioridad masculina y la sumisión femenina, temas centrales de este montaje que utiliza el humor para exponer a las verdaderas fieras de la historia. La obra comenzará sus funciones este 1 de junio en la Sala Héctor Mendoza, Casa de la Compañía Nacional de Teatro.

La golondrina. Desde España, llega a nuestro país este texto de Guillem Clua que aborda temas como la identidad, la pérdida y la fragilidad a través de una historia sobre una maestra y un alumno, conforme avanzan las lecciones, nos van desvelando su pasado y las historias que los conectan. Bajo la dirección de Alonso Íñiguez, con las actuaciones de Margarita Saenz, German Bracco y Alejandro Puente (alternando), a partir del 2 de junio en el Teatro Milán.

Orlando y Mikel: Los arrepentidos. Una propuesta documental  basada en el texto escrito por el autor sueco, Marcus Lindeen, que nos habla sobre elecciones irrevocables, el deseo de amor y el sueño de encontrarse a uno mismo, mediante una íntima y conmovedora conversación estos personajes que abren su corazón para contarnos acerca de su cirugía de reasignación de género. La obra regresa a nuestro país de la mano de Sebastián Sánchez Amunátegui y las actuaciones de las actrices trans Terry Holiday, Dana Karvelas, Libertad Palomo y Roshell Terranova, a partir del 9 de junio en La Teatrería.

El niño salvaje. De la dramaturga belga Céline Delbecq, este montaje apela a nuestra sensibilidad humana al mostrar la terrible realidad a la que están expuestos miles de niños en el mundo, y la responsabilidad que tenemos como sociedad. En ella, un hombre nos cuenta sobre el vínculo que genera con una niña en situación de calle y cómo sus historias no vuelven a ser las mismas tras ese primer encuentro. La dirección es de Marcela Castillo y contará con las actuaciones de Meraqui Pradis y Miguel Romero, comenzará su temporada el próximo 15 de junio en el Teatro El Granero del CCB.

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Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Pop Comunicación e IQ Icunacury Acosta & Co.

Presenta elenco completo EL MAGO, encabezado por Lucero Mijares y María del Sol

Lucero Mijares y María del Sol estarán acompañadas por Eugenio Montessoro encabezando el elenco del musical El Mago. Con esta obra, dijo el productor Juan Torres en conferencia de prensa, celebra a lo grande sus 25 años como productor. Se trata, dijo, de un montaje que ha rebasado las expectativas de los involucrados en el proyecto.

Adelantó que se trata de una obra de gran formato con orquesta en vivo y muchos cambios de escenografía. Todo esto nació, agregó, por una niña que llegó la primera vez que se abrió despúes de la pandemia La Jaula de las Locas. Esa niña era Lucero Mijares, “el día que ella entró por la puerta del Teatro Hidalgo, no volvió a salir”. Ella se enamoró del teatro y es una gran cantante, dijo el productor.

Lucero Mijares reiteró su emoción por ser parte de este proyecto y la responsabilidad que implica encaberzar una compañía. Subrayó que todo el equipo la ha tratado de maravilla. “Estar al lado de estos grandes me hace sentir muy emocionada y muy afortunada del proyecto”, afirmó

Sobre sus papás y el aprendijzaje que ha tenido con ellos detacó: “Me siento muy afortunda de ser la hija de quien soy, tengo el honor de decir que soy hija de dos grandes”. Muy pocas personas tienen la oportunidad de que sus maestros sean Lucero y Mijares, expresó. Al respecto, compartió que sobre todo la han enseñado a disfrutar en todo momento.

La actriz y cantante María del Sol dijo que no cree en las coincidencias, pues a pesar de haber tenido varios ofrecimientos para regresar al teatro, fue Juan Torres quién le contó de este proyecto. Confesó que han sido años muy difíciles por la pérdida de su madre y sus hermanos, pero esta obra “me regresa a mi casa que es el teatro, pero también me regresa al hogar de mis raíces”.

Sobre Lucero Mijares señaló que después de 45 años está aprendiendo con con ella el amor y la pasión desbordada por el teatro. Destacó en este sentido su sencillez.

Eugenio Montessoro nos platicó sobre su personaje, el Mago que el reto en una historia que se ha contado muchas veces es presentar un espectáculo diferente a cómo se ha presentado y sorprender a la gente.

La historia de El Mago es muy interesante, nos dice, porquer cuando escriben la obra es una crítica social a la sociedad estadounidense, en el que cada personaje representa una clase social. Pero destaca, lo importante es a manera de contar esta historia que es un cuento muy divertido, muy ligero, muy familiar y muy fraternal. “A final de cuentas es como la vida te lleva a formar una familia que no es tu familia”, y el Mago es ese personaje que cuando se descubre en verdad quién es, se acaba esa magia, reflexionó.

Sobre el montaje, Federico Di Lorenzo, quien interpreta al León, dijo que es muy emocionante ser parte del elenco con el cual un productor decide celebrar 25 años. En este sentido, dijo, la parte más importante del teatro es la de formar una familia fuera de la familia.

Sobre la obra, Juan Torres resume que lo que se está haciendo con este montaje es magia pura, ya que “el teatro, de entrada es magia pura”. En este sentido, Ricardo Díaz, director del montaje explicó que la verdadera magia en esta obra es la que sucede con los recursos tecnológicos teatrales y con el recurso artístico del montaje.

El elenco está integrado además por Juan Fonsalido, Dulce Patiño, Crisanta Gómez, Marisol Meneses, Felipe Álvarez, Bárbara Sepúlveda, Jonathan Rubén, Estrella Rubio, Enrique Madox, Mariela Baqueiro, Jorge Belis, Scarlett Chico, Ana Sofía Quintanilla, David Sará, además de Leonora Enríuez y Jaime Bermejo, como swings.

En la dirección musical participa Eduardo Soto. Pablo Rodríguez está a cargo de la coreografía y además es también parte del elenco; el escenógrafo y director creativo es Óscar Acosta, también participa como parte del elenco

Para más información de El Mago, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos Cartelera de Teatro.

5 reestrenos imperdibles en Cartelera

Hace unos días te contamos sobre las obras que estrenarán temporada en la capital, ahora te traemos 5 increíbles reestrenos que puedes disfrutar durante el mes: comedia, humor negro, farsa y hasta el teatro documental, hay para todos los gustos.

¡No lo pienses más y lánzate a las salas!

LUN. Escrita por Valeria Fabbri esta comedia que navega en el mundo del sinsentido, nos cuenta la poderosa y conmovedora historia de Lun, una niña de 4 años, que se pregunta todo el día acerca de la existencia humana, de la vida real y del origen de las palabras. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro María Tereza Montoya.

Lavar, peinar y enterrar. Esta divertida comedia de humor negro dirigida por Pila Boliver, nos cuenta una tremenda historia de esas que lamentablemente ocurre todos los días en nuestro país, el secuestro. Aquí serás testigo de las vicisitudes que tendrán que afrontar una estilista y su ayudante que se vuelven presas de un atípico secuestro, aquí descubriremos a algunos cadáveres que nos pondrán la piel de gallina. Las funciones son los sábados y domingos en el Foro La Gruta.

Niñas y niños. Este monólogo, elegido en los Premios del Público 2023, escrito por Dennis Kelly, nos desafía al compartir una historia que puede que no deseemos oír. En esta cautivadora narrativa, una mujer nos habla sin tapujos sobre las diversas experiencias que ha atravesado en su vida, desde los momentos emocionantes de enamoramiento, hasta los obstáculos que ha enfrentado en su camino, su desarrollo profesional y su relación de pareja. Se presenta todos los viernes de junio en El77 Centro Cultural Autogestivo.

Junio en el ‘93. Esta conmovedora puesta está inspirada en las memorias del reconocido actor Alejandro Reyes, así como sus experiencias de disidencia sexual. En la trama conocemos a Junio y su amiga trans, Venus, mientras explora las distintas facetas que definen la identidad de Junio como hombre cisgay. Se trata de una historia que va más allá de los encuentros furtivos y el sexo casual, para contarnos temas profundos y complejos. Se presenta de jueves a domingo en el Foro de las Artes del Cenart.

Pulmones Este montaje pone sobre la mesa un tema que debería ocuparnos cada vez más, la procreación, en un mundo que se ha vuelto cada vez más desfavorable y donde los recursos comienzan a ser más escasos. Este es el punto de partida de esta historia, donde una pareja joven se debate entre el deseo de convertirse en padres y su afán por ser más concientes sobre el cambio climático. La obra regresa a partir del 22 de junio al Foro Lucerna con funciones todos los jueves.

Si no tuviste oportunidad de ver alguna de ellas en otras temporadas, ahora es tu momento.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz, FB Búhos Teatro

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“El teatro en sí es una disidencia”: Entrevista con Myrna Moguel

Platicamos con la directora escénica, actriz y docente Myrna Moguel (FIERCE: Fiera, Cartografías de la Memoria) sobre su labor como creadora escénica. En este sentido, nos explica que durante su carrera ha enfrentado la creación desde una bifrontalidad. Esto, señala, tiene que ver con tres rubros que permean el uno al otro: la actuación, la dirección y la docencia.

Al respecto destaca: “La dirección, cuando trabajas desde la interdisciplina, desde los textos performativos, desde el teatro documental, mucho el teatro físico, creo que tiene que ver con una dramaturgia también, hay ahí un poco que también se desemboca desde ese lugar”.

Egresada de la licenciatura de Actuación de la  Escuela Nacional de Arte Teatral, explica que su primer camino tuvo que ver con la actuación. De hecho, nos dice, su tesina llevó por nombre La creación escénica basada en textos performativos.

directora, desde hace seis años, se ha enfocado en generar propuestas desde la creación escénica. “Anteriormente, todos los montajes tenían que ver con la creación escénica. Es decir, desde un lugar donde la actuación no es per se solo interpretación, sino que tiene que ver con crear una escena y proponer alternativas”, señala.

A partir del trabajo con diferentes directoras y directores a nivel de creación escénica, “el camino se fue perfilando, porque está la creación escénica como actriz, pero también está la docencia”. En la docencia, reflexiona, ha podido trabajar la poética sobre creación escénica. En este sentido, destaca que para ella este concepto de ser creador tiene que estar englobado el ser actor, “creo que sería lo deseable”.

Un espacio de creación para poder conversar

Sobre este camino que ha tomado en sus puestas en escena, nos comparte que es muy importante generar espacios de creación para poder conversar y crear sinergia. Translímite Alternativa Escénica, la compañía en la que durante 12 años ha realizado trabajo como gestora, es precisamente eso, nos dice. Ahí, comparte: “Encontramos ese espacio de creación donde podemos conversar creativamente. Ese espacio ha conformado proyectos, pero también, por supuesto, ha conformado lugares de docencia, y ya llevamos con diplomado de creación escénica contemporánea aproximadamente siete años andando ese proyecto interdisciplinario”.

Estos “ingredientes” la han llevado a trabajar la dirección escénica desde la creación escénica performativa. Su trabajo ha tenido que ver, nos dice, con proyectos personales desde su espacio en Translímite. “Es decir, desde la acción, no un texto per se, sino desde un laboratorio que se hace en cada puesta en escena y en cada pieza que hemos generado juntas y juntos”, señala.

Sobre esta forma de trabajar nos pone como ejemplo FIERCE/Fiera, que trabajó en colaboración con César Enríquez. En ella, nos confiesa, “fuimos todo, performers, directores, actores, dramaturgos”.

Otro ejemplo de esto, agrega, fue Cartografías de la memoria, una co creación con Teatro Ciego Mx. Ahí, nos platica, se dio un encuentro con esta compañía que inició durante la pandemia a través de un proyecto con apoyo del Fonca que se realizó on line.

Se trató, señala, de una investigación que tiene que ver con lo visual y con la docuficción. Con Teatro Ciego, a través de un laboratorio se generaron dramaturgias propias. Ahí, nos dice: “Dirigí toda la investigación y el engarzamiento de todas sus historias”.

Actualmente, nos dice, está dirigiendo y escribiendo un nuevo proyecto con Teatro Ciego Mx: Pieza en proceso. En esté, ahora se busca llevar hacia lo presencial y lo corporal el trabajo que iniciaron hace un par de años.

“Estoy muy contenta de Cartografías de la Memoria, porque terminó siendo un documental escénico sobre la memoria y sobre los recuerdos de Marco y de Erika, que son grandes performers y los admiro muchísimo. Son artistas hechos desde las tablas desde hace 15 años, y creo que pues después de eso, siguiendo, digamos, un poco el recorrido que hemos tomado, yo quería como terminar, no sé si terminar, pero seguir con esta investigación que ya teníamos en deuda después de la pandemia, que era lo presencial y desde sus cuerpos hacer un teatro físico, un teatro, sí, vivo”, explica.

El trabajo donde estemos debe ser un lugar armonioso

Si bien reconoce que ha sido una persona afortunada, pues ha tenido espacios para estudiar, oportunidades y “gente que ha creído en mí, como directoras o directores que han creído en mí, en mi trabajo”, señala que sí existe un tema medular que tiene que ver con un sistema patriarcal, sobre todo en la dirección. Este tema es muy claro, apunta, cuando llegas a los teatros, en ocasiones con la plantilla técnica o con el tema administrativo.

En su experiencia como actriz, nos dice que ahí ha sido diferente porque en ella “se juegan otros roles, otras formas, otras líneas, como actriz per se”. Como actriz creadora, agrega, también se juegan otras cosas porque la creación escénica tiene que ver con la interdisciplinaridad, y te rodeas de equipos que van contigo y que creen en ti. Es un trabajo que tiene que ver con la confianza, reflexiona.

Reconoce también que, en menor grado, le ha tocado vivir la experiencia con compañeros hombres -en su mayoría- con los cuales ha resultado difícil trabajar. “Yo creo que sí en la dirección me he topado con todo eso. También dirigiendo, a veces, hay una cosa muy patriarcal, y creo que es un trabajo que uno tiene que ir también hablando y entendiendo. Casi ni siquiera tomarlo de manera personal, es decir, estamos tan mermados y tan mermadas en este sistema que a veces no nos damos cuenta de las violencias que existen”, considera Moguel.

Al respecto, nos comparte que algo fundamental en sus equipos de trabaja es el respeto. Y agrega: “Tenemos que respetarnos, tiene que haber armonía […] el trabajo donde estemos debe ser un lugar armonioso y en donde te sientas contenta y contento”.

En este particular, Myrna cree que se trata de responsabilidad y de una postura personal. “Creo en la responsabilidad y la corresponsabilidad que uno tiene dentro de cualquier sistema”, puntualiza.

 

Entender el imaginario de otra persona es entender otro mundo

Al dirigir, nos platica, algo que le gusta mucho es el contacto humano, “poder entenderme a través de las y los performers con los que he trabajado”. Generar esta comunión, nos confiesa, la hace sentir viva, pero no desde un sentido romántico de la creación sino a partir de comunicarse a través de estos ejercicios escénicos desde otro lugar. Subraya que esto se trata de algo hermoso y maravilloso: “Nos comunicamos más allá de otro lugar, desde nuestros imaginarios. Eso me parece bellísimo, poder tener un espacio para entenderte”.

Otro aspecto que disfruta Myrna Moguel de la creación escénica es escribir y generar una dramaturgia, jugar con ella y con los materiales que recopila. “Creo que esa es la parte que más me gusta, porque al entender, igual en la docencia, porque para mí son laboratorios también, todos mis trabajos tienen que ver con la investigación, entender el mundo de otra persona, entender la otredad, me hace regresar a mí, poder entender a través de la otra persona. Eso es lo que me encanta del tipo de teatro que hago y con quién lo he hecho, poder llevar nuestros imaginarios, poder dialogar”.

A través de esto, reflexiona, puede conocer lugares dolorosos, por supuesto, pero también muy alegres. Es decir: “Creo que ese tipo de trabajo te lleva a reconocerte a través de la otra persona, y eso creo que también refresca la escena, porque poder entender el imaginario de otra persona es entender otro mundo”.

 

Pieza en proceso

Pieza en proceso estrenará el 4 de agosto en el Teatro Santa Catarina de la UNAM, en este montaje, nos dice su directora, se habla sobre el arte. Se trata, explica, de abordar su postura sobre el arte y lanzar preguntas desde un lugar que los atraviesa como creadores, pero tratando de “no nada más hablarle a un cierto sector”. En este proyecto, una producción de Teatro UNAM, Teatro Ciego Mx y Translímite Alternativa Escénica, se está trabajando desde diciembre de 2022.

Se trata, nos dice, de un proceso que han llevado con Teatro Ciego a partir de Cartografía de la memoria. En escena, nos dice, encontramos a Erika Bernal y a Marco Antonio Martínez, que son personas ciegas y que co dirigen Teatro Ciego, con los cuales está trabajando. En este sentido, destaca, que es importante trabajar con directores “desde ese otro lugar”. Es una forma de ir quitando esos “linderos de verticalidad en las artes”.

Nos explica que en este proyecto colabora un gran equipo, entre ellos Alejandro Rojas; Maricarmen Graue, quien es “una artista ciega increíble”, quien aquí participa como performer y realiza toda la musicalización de la obra, en conjunto con Alina Maldonado. En el movimiento y entrenamiento corporal está Yadira Salvador. Fernanda Arcega es la asistente de dirección y producción. Juan Saavedra, fundador de Teatro Ciego, se encuentra, nos dice Myrna, “ayudando también con un poco de producción […] es mi mano derecha en ese sentido y también en accesibilidad dentro de la obra”. El diseño de iluminación está a cargo de Patricia Gutiérrez, agrega. Finalmente, nos dices es probable que Mariana Ortiz esté ahí ayudándonos como becaria por parte del proyecto.

Se trata, nos dice, de “un equipo de creadoras y creadores increíbles que yo admiro muchísimo”. Todos ellos participan en esta pieza interdisciplinaria que, agrega su directora, va “muy de la mano del teatro físico”.

 

El teatro en sí es una disidencia

En este proyecto, explica la dramaturga, se está haciendo un trabajo sobre la expansividad. Sobre este tema, abunda, “la expansividad, más allá de trabajar sobre la inclusión, que si bien es importante y es algo fundamental, […] la expansividad se toma como recursos escénicos que puedan invitar a la gente que vivan con diferentes disidencias”.

En este sentido, nos dice que una de las preguntas que se plantea es cómo generar piezas desde este lugar expansivo, “es decir, qué pueda hablarle a diferentes personas y no sea dirigido hacia un público”.

El tema de la identidad, en el marco del Mes del Orgullo LGBTTIQ+ no podía estar fuera de esta plática. Dos tópicos que han estado presentes en el trabajo de Myrna Moguel son precisamente, nos dice, la identidad y la memoria. Ambos, nos dice, son temas que ha abordado desde la interdisciplina, el teatro documental y el teatro físico.

Al respecto, señala, que en este tema la expansión es un tema medular. Considera que esta expansión tiene que ver con disidencias, “el teatro en sí es una disidencia en una parte, dentro del arte, dentro de las artes”.

 

Generar discursos desde una deconstrucción de tu propia mirada

Sobre el Pride, en específico, destaca que es importante celebrarlo y hablar de inclusión. Sin embargo agrega que la pregunta es cómo generar discursos que ayuden a que no sea solo una moda o el “proque es el mes, hay que hablar de ello”. En este sentido, reflexiona que la pregunta es cómo decodificamos esto y cómo construimos una mirada hacia lugares que nos hablan de todo.

Para explicar esto, Moguel retoma el tema de FIERCE y nos dice, “es muy importante entender desde el hecho escénico, desde la creación, cómo poder hablar, por ejemplo,en el caso de FIERCE, esa era la pregunta, ¿cómo desestigmatizar y no decir el VIH viene solamente de tener ciertas prácticas sexuales?”.

En este sentido, finaliza, es importante “ver las cosas desde este otro lugar. Es decir, cómo generar discursos desde una deconstrucción de tu propia mirada, un poco hablo desde este lugar”.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Zaba.

Qué obras ver en Nueva York este verano

El próximo domingo 11 de junio se llevará a cabo la edición número 76 de los premios Tony, que premiarán lo mejor del teatro de Broadway en el United Palace, en Washington Heights, en una ceremonia conducida por Ariana DeBose.

Este año la obra más nominada fue Some Like It Hot convirtiéndose en el musical más hot con 13 nominaciones, seguida por & Juliet, New York, New York y Shucked, que sumaron 9 cada uno. Ain’t No Mo’, A Doll’s House y Leopoldstadt son las obras más nominadas con 6 menciones cada una.

Actores importantes de Hollywood han sido reconocidos por su trabajo en el escenario esta temporada, incluidos Jessica Chastain por A Doll’s House, Jodie Comer por Prima Facie, Josh Groban por Sweeney Todd, Ben Platt por Parade y Samuel L. Jackson por The Piano Lesson. Como dato importante, con 9 nominaciones previas y 6 victorias Audra McDonald se volvió la actriz más competitiva de los Tony de cualquier artista en la historia.

Te preparamos una guía para que sepas cuáles son las obras y musicales que no debes perderte en tu próxima visita a Nueva York:

& Juliet
Teatro donde se presenta: Stephen Sondheim Theatre
Premios a los que está nominada: 9; entre ellos Mejor Musical, Mejor Actriz de Musical para Lorna Courtney, Mejor Actriz de Reparto de Musical para Betsy Wolfe, y Mejor Coreografía.
¿De qué trata?: Todo empieza cuando Juliet decide no quitarse la vida al final de la famosa obra de Shakespeare. Ganador del Olivier como Mejor Musical, este montaje muestra un nuevo comienzo para la famosa protagonista, quien decide vivir su vida, y el amor, a su manera. En definitiva, hay vida después de Romeo.
¿Por qué verla?: La aventura de Juliet cobra vida gracias a famosos temas pop como “Since U Been Gone”‚ “Roar”, “Baby One More Time”, y “Can’t Stop the Feeling”, todos de Max Martin, el compositor/productor detrás de la mayor cantidad de éxitos en el número 1 que cualquier otro artista de este siglo. Con tantas canciones pop que es imposible no tararear, un dinámico ensamble y carismáticos personajes, vale la pena vivir esta historia de autodescubrimiento, empoderamiento, y amor propio.

A Doll’s House
Teatro donde se presenta: Hudson Theatre
Premios a los que está nominada: 6; incluidos Mejor Remontaje de una Obra, Mejor Actriz para Jessica Chastain, Mejor Actor para Arian Moayed y Mejor Director para Jamie Lloyd.
¿De qué trata?: Una reinvención de Casa de muñecas de Henrik Ibsen, en la que Nora Helmer, una
esposa y madre, está acostumbrada a una existencia construida alrededor de su esposo Torvald, hasta que todo cambia.
¿Por qué verla?: Adaptada por Amy Herzog, esta no es una versión como tantas otras del texto de Ibsen, pues se distingue por una propuesta minimalista, sin casi ningún elemento de escenografía, que incluso por momentos se siente como una lectura dramatizada en donde los actores entran o salen del proscenio. Desde el inicio, hasta el impactante final, todo está pensado para que Chastain brille como una mujer inteligente que se siente atrapada en su casa, y que tendrá que decidir qué hacer con el resto de su vida.

Camelot
Teatro donde se presenta: Vivian Beaumont del Lincoln Center
Premios a los que está nominada: 5; incluidos Mejor Actor de Reparto para Jordan Donica, Mejor Vestuario y otro para la llamativa escenografía de Michael Yeargan y 59 Productions.
¿De qué trata?: Basado en The Once and Future King de T.H. esta es una historia sobre la búsqueda de la democracia, la lucha por la justicia y un triángulo amoroso entre icónicos personajes: el Rey Arturo, la Reina Guenevere y Sir Lancelot. La historia se cuenta gracias a la conocida partitura original con letra de Alan Jay Lerner y música de Frederick Loewe que incluye icónicos temas como “If Ever I Would Leave You”, “What Do the Simple Folk Do?” y la canción principal; “Camelot”.
¿Por qué verla?: Este trabajo del premiado escritor Aaron Sorkin (The West Wing, The Newsroom, A Few Good Men, The Social Network, Moneyball y más) se basa en el libreto original de Lerner pero le da un toque moderno. Además, incluye las actuaciones de Andrew Burnap, quien formó parte de Inheritance, de Phillipa Soo, conocida por Hamilton y Jordan Donica, el ahora nominado al Tony conocido por trabajos como The Phantom of the Opera y My Fair Lady.

Kimberly Akimbo
Teatro donde se presenta: Booth Theatre
Premios a los que está nominada: 8; incluidos para los actores secundarios Bonnie Milligan y Justin Cooley, así como para la protagonista: Victoria Clark.
¿De qué trata?: Kimberly tiene solo 15 años, pero tiene el físico de una mujer de 72 debido a una condición médica. Aún así, ella tiene ilusiones y está decidida a encontrar la felicidad, mientras lidia con conflictos familiares -y posibles cargos por delitos-, en un mundo donde el tiempo no está de su lado.
¿Por qué verla?: Este texto es de David Lindsay-Abaire, quien recibió el Premio Pulitzer de Drama en 2007 por Rabbit Hole, que también obtuvo varias nominaciones a los Tony. Además de por la notable actuación de Clark, esta obra aclamada por la crítica combina humor y sentimiento mientras nos recuerda el valor del tiempo…

New York, New York
Teatro donde se presenta: St. James Theatre
Premios a los que está nominada: 9; entre ellos Mejor Musical, Mejor Actor de un Musical para Colton Ryan, Mejor Coreografía y Mejor Escenografía.
¿De qué trata?: Inspirado levemente en la cinta del mismo nombre de Martin Scorsese de 1977, pero con una propuesta diferente. Este musical tiene lugar en 1946, cuando la guerra ha terminado y Nueva York empieza a reconstruirse. Mientras las vigas de acero se balancean en lo alto, una colección de artistas tiene sueños tan grandes y diversos como la ciudad misma. ¿Tendrán estos cantantes, bailarines, músicos y artistas lo necesario para sobrevivir, y triunfar? Si pueden hacerlo en esta ciudad, pueden hacerlo en cualquier parte.
¿Por qué verla?: El musical incluye dirección y coreografía de Susan Stroman y una partitura de John Kander y el difunto Fred Ebb, con letras adicionales de Lin-Manuel Miranda. Con una llamativa escenografía que incluye un número en las ‘alturas’ de un rascacielos, este montaje resulta una evidente carta de amor a Manhattan, mostrando sus rincones, balcones, horizontes, la coexistencia de los inmigrantes y su lucha por el sueño americano. El amor también está presente gracias a la relación entre dos de los protagonistas, interpretados por Colton Ryan y Anna Uzele.

Prima Facie
Teatro donde se presenta: John Golden Theatre
Premios a los que está nominada: 4; entre ellos Mejor Actriz para Jodie Comer y Mejor Escenografía.
¿De qué trata?: Tessa es una abogada joven y brillante que se ha abierto camino desde orígenes humildes para lograr estudiar en Cambridge y disfrutar ahora de la cima. Como abogada, ella se dedica a defender a hombres acusados de agresión sexual encontrando huecos en las declaraciones de las víctimas; no le preocupa si son culpables o no, ella hará su trabajo. Pero un evento inesperado la obliga a confrontar todo lo que creía.
¿Por qué verla?: Jodie Comer resulta un verdadero tour de force, en este monólogo: cuestiona, interroga o argumenta; mueve muebles, se cambia varias veces de vestuario, se para sobre las mesas, o imita los acentos de más de distintos personajes secundarios. Pero esta abogada fuerte y dueña de sí misma que parecía tener un futuro brillante, también nos muestra su lado vulnerable luego de un suceso que le cambia la perspectiva. Ahora como sobreviviente, está decidida a mantener la fe en el sistema judicial en el que creía.

Shucked
Teatro donde se presenta: Nederlander Theatre
Premios a los que está nominada: 9; incluido Mejor Musical (con David Busch, en los créditos de producción, también responsable de New York, New York); además de Mejor Libreto de Musical y Mejor Score Original (música y/o letras).
¿De qué trata?: Una comedia de country sobre un héroe inesperado, un estafador sin escrúpulos y una batalla inolvidable por el corazón y el suelo de un pequeño pueblo.
Maizy (Caroline Innerbichler), está lista para casarse con su amor de la infancia: Beau (Andrew Durand) pero inexplicablemente todo empieza a salir mal cuando el maíz que los ha sostenido empieza a pudrirse.
¿Por qué verla?: Los ganadores del Grammy Shane McAnally y Brandy Clark -de los nombres más importantes de la música country-, hacen su debut en Broadway con esta partitura original. Junto con los ganadores del Tony, Robert Horn (libreto), y Jack O’Brien (dirección), este musical ha cautivado por su humor, frescura y por la alegre música. Entre los temas destaca especialmente “Independently Owned”, interpretado por la mejor amiga de Maisie: Lulu (Alex Newell), quien convierte el sueño americano en un himno de la independencia de las mujeres negras.

Some Like it Hot
Teatro donde se presenta: Shubert Theater
Premios a los que está nominada: 13; incluidos Mejor Musical, Mejor Actor de Musical para Christian Borle y J. Harrison Ghee, Mejor Dirección y Mejor Escenografía.
¿De qué trata?: Está basado en la película clásica de Billy Wilder sobre dos músicos que son testigos de una matanza de pandilleros y en consecuencia deben vestirse como mujeres para escapar de la mafia.
¿Por qué verla?: Además de contar con las destacadas actuaciones de Borle y Ghee, ambos nombres importantes en el teatro, este musical tiene un libreto de la comediante Amber Ruffin y Matthew López (de la memorable The Inheritance), además de música y letras del dúo Hairspray /Smash de Marc Shaiman y Scott Wittman. Si bien Some Like it Hot fue una película muy popular que puede verse una y otra vez, el musical ofrece una perspectiva diferente con algunos giros, llamativos bailes y mucha energía, todo bajo la atinada dirección y coreografía de Casey Nicholaw.

Numeralia

Producciones con múltiples nominaciones:

  • Some Like It Hot – 13
  • & Juliet – 9
  • New York, New York – 9
  • Shucked – 9
  • Kimberly Akimbo – 8
  • Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street – 8
  • Ain’t No Mo’ – 6
  • A Doll’s House – 6
  • Into the Woods – 6
  • Leopoldstadt – 6
  • Parade – 6
  • Camelot – 5
  • Cost of Living – 5
  • Fat Ham – 5
  • Life of Pi – 5

Encuentra más información de algunas de las obras en: www.broadwaycollection.com

¿Sabías qué?

Las nominaciones a los Tony suelen ser un gran empuje para elevar las ventas de las producciones, este año fueron elegidas por un panel de 40 expertos de la industria del teatro que vieron los 38 espectáculos elegibles.

Los votantes de Tony, que este 2023 suman 769, incluyen miembros de The Broadway League y la junta directiva y miembros designados del comité asesor de American Theatre Wing, junto con miembros de las juntas directivas de Actors’ Equity Association; Dramatists Guild; SDC, the Stage Directors and Choreographers Society; United Scenic Artists; y Association of Theatrical Press Agents and Managers. Otros votantes elegibles incluyen miembros del Theatrical Council of the Casting Society of America y del New York Drama Critics Circle, además del Tony Awards Nominating Committee.

Puedes conocer a todas las producciones nominadas en www.tonyawards.com

Por Mariana Mijares, Fotos: Cortesía Broadway Collection

5 obras que hablan del medioambiente

Hoy se conmemora el Día Mundial del Medioambiente. Les platicamos de 5 obras que tocan este tema que, ante la crisis climática que vive el mundo, se ha vuelto indispensable tocar. Algunas de ellas se encuentran en cartelera o tuvieron temporada recientemente.

Pulmones. La obra regresa este mes al Foro Lucerna, y nos habla de una pareja joven que, en el contexto de la crisis climática, se plantea problemas que afectan a su generación. Entre ellos, si vale la pena traer una nueva vida a este mundo que está al borde el colapso. Dirigida por Alonso Íñiguez, contará con las actuaciones de Regina Blandón, Adriana Montes de Oca y Xavier García.

Niños Chocasangre. Nos habla de un grupo de personas que en un mundo distópico, que ha colapsado debido a la sobreexplotación de recursos por parte de las potencias mundiales, decide aislarse. Este grupo crea su propia lengua y encuentra un lugar virgen para refugiarse de este mundo en el cual la extinción de la humanidad está próxima. Se trata de una mezcla de danza y teatro para contarnos una historia sobre esta sociedad futurista. La Infinita Compañía presenta este montaje hasta el 11 de junio en el Teatro Varsovia.

Wilma. Actualmente se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque. La obra nos habla de una niña pelirroja, nacida en Yucatán, que ha crecido aislada por el racismo de su abuela, que se llama Wilma al igual el fenómeno meteorológico que impactó esa región en el 2005. Ambas Wilmas hacen sufrir a la pequeña niña por su furia. Wilma fue un potente huracán categoría 5 que azotó la Península de Yucatán en 2005 con vientos que llegaban a los 280 km/h. Actualmente muchos científicos coinciden en que el aumento de la temperatura del mar debido al cambio climático provoca huracanes y tormentas tropicales cada vez más poderosos, como lo fue Wilma. Esta obra es un unipersonal escrito, dirigido e interpretado por Itzhel Razo

La luz del otro. Recientemente terminó presentaciones en el Centro Cultural del Bosque y ha estado girando por algunas plazas del país. Ubicada en el año 2123 nos habla de Bernardo y Diana, que creen ser los últimos habitantes del Circuito 13, o incluso del planeta. Pronto se dan cuenta de que no están solos al encontrarse, convirtiéndose cada uno en la última esperanza del otro. Se trata, nos contó su autor, Sergio López Vigueras, de una reflexión a partir de temas que atraviesan hoy nuestra realidad: el calentamiento global, los enfrentamientos entre naciones, la industrialización extrema, las migraciones forzadas por problemas sociales. En el montaje actúan, bajo la dirección de David Psalmon, Diana Sedano y Bernardo Gamboa.

Hasta Luego. El montaje dirigido por Daniel Bretón e interpretado por Boris Schoemann nos habla de un hombre que despide a sus hijos que partirán rumbo a Marte. Se trata de un futuro no muy lejano, en un mundo apocalíptico en el que se adivinan los estragos dejados por la crisis climática y los conflictos. Es un texto triste, divertido y a la vez esperanzador, sobre los sombras que se avizoran en nuestro horizonte, pero también sobre el dejar ir amorosa y generosamente.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Juan Carlos Flores

Apadrina Timbiriche estreno de BULE BULE

La función de estreno de Bule Bule finalizó con una sorpresa por parte de la producción. Como invitados especiales para apadrinar la obra estuvieron presentes Mariana Garza, Alix Bauer, Erik Rubín y Diego Schoening, quienes próximamente estrenarán Vaselina.

Sobre la obra, Mariana Garza recordó que Carlos Vidaurri y Daniel Delgado, productores del montaje, llegaron a su oficina – a media construcción todavía- con una carpeta y pidieron hacer cuatro fechas. Erik Rubín, por su parte, destacó el gran espectáculo y las grandes voces que participan en el montaje.

Alix Bauer, al respecto, agregó, “es un placer estar en un escenario cuando se ve gente disfrutando de su trabajo“. Diego Schoening  coincidió y subrayó el “inmenso talento” en escena, y dijo que el teatro tiene que seguir creciendo y “hay que seguir haciendo teatro”.

En este sentido Carlos Vidaurri destacó que gracias a Mariana Garza este proyecto fue posible, pues fue “la primera persona que creyó en esto y la primera persona que dijo sí sin tener la menor idea de qué se trataba” y les abrió las puertas del Teatro Milán.

Bule Bule cuenta con las actuaciones de José Luis Rodríguez “Guana”, Ana Rivero, Miranda Labardini  Carolina Heredia, Begoña Ibarreche, Jonathan Portillo, Humberto Mont, Emiliano Ochoa, Esván Lemus  y Chema Ortega.

El equipo creativo está encabezado por Anahi Allué en la dirección, Jacobo Toledo en la coreografía. El libreto corrió a cargo de Joserra Zúñiga y la producción musical de Diego Medel, quien junto con Paola Mingüer realizó el montaje vocal. El diseño de escenografía es de Félix Arroyo, el vestuario de Estela Fagoaga. En el diseño de audio y mezcla está Miguel Jiménez.

más información de Bule Bule, horarios, boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

3 razones para ver LO QUE QUEDA DE NOSOTROS

Si te gustan las historias altamente emotivas, no te puedes perder Lo que queda de nosotros, uno de los montajes consentidos por el público joven y que a los adultos consigue estremecer con su singular trama.

Las compañías Los Tres Tristes Tigres y Los Guggenheim alegraron el corazón de los fanáticos teatrales al estrenar una nueva temporada de este montaje que ya se ha convertido en un clásico de la dramaturgia joven, que deb parte de su éxito a su elenco y ahora regresan con un breve temporada al Centro Cultural del Bosque.

Si aún no has visto esta puesta, aquí te damos 3 razones para que te lances al Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández:

1. Una aventura en tres patas. En esta historia conocemos a dos personajes que se vuelven muy cercanos a nosotros, Nata, una pequeña niña y Toto, un peludito muy singular. Este par de amigos atraviesan distintos momentos que los hacen crecer, más rápido de lo habitual, sin embargo, juntos nos enseñan la importancia de la amistad, los vínculos afectivos y sobre todo, la responsabilidad que conlleva tener una mascota, pues es ahí justo en entre los 10 y 15 años que los pequeños desean tener un amigo de compañía, pero también es la edad en donde la tarea los sobrepasa, y en ocasiones deciden abandonarlos.

2. El amor incondicional. Uno de los principales mensajes que comparte esta puesta, es la relación entre Nata, una adolescente que no desea generar ningún vínculo afectivo, tras sufrir varias pérdidas en su vida y Toto, un perro que ama incondicionalmente a su dueña, pero es abandonado por ella y debe enfrentar diversas adversidades para reencontrarse. Es ahí donde la trama nos sacude hasta las entrañas, ya que el perro será el encargado de mostrarnos una vez más, que los animales tienen un gran corazón y no conocen de rencores, lo único que desean es regalarnos amor.

3. Actuaciones estremecedoras. Sara Pinet (Nata) y Raúl Villegas (Toto) logran con sólo una banca y unos rieles, transportarnos al mundo habitado por Nata y Toto. Juntos hacen una gran mancuerna actoral y consiguen adentrarnos al departamento que habitan, la escuela, los viajes en auto, el parque, la perrera. Este resultado no sería el mismo, sin la música en vivo interpretada por David Ortiz y Ricardo Estrada, así como el juego de luces, que unísono, se ajustan a las situaciones tanto cómicas como dramáticas que vemos en escena.

Si tienes un compañero de cuatro patas en casa, querrás correr y abrazarlo, después de ver esta puesta que estará en cartelera, hasta el 20 de junio en el CCB, atrás del Auditorio, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

3 razones para ver LOBAS

Según cifras de la Federación Internacional de Fútbol Asociación (FIFA), la final del Qatar 2022 alcanzó un total de 1,500 millones de espectadores a nivel mundial. ¿Qué hace tan atractivo este deporte? Sus reglas son apenas 17, se requiere, dependiendo de la versión que se juegue, apenas 22 personas y un balón. Si solamente se tiene un balón y un par de personas, igual se puede armar un sencillísimo “gol para”.

Las variantes, como en la vida, como en el arte, como en el amor, como en el teatro y todo lo que vale la pena, son infinitas. También resulta en una metáfora sobre lo improbable, sobre niños que saliendo de un campo llanero o de territorios en guerra han alcanzado la gloria, sobre remontadas imposibles, vaya, sobre los giros del destino.

Es tal vez esa sencillez, que donde haya un balón y un grupo de personas se puede realizar un partido, eso que captura nuestra imaginación. O tal vez que desde pequeñas y pequeños, muchos de nosotros encontramos en un parque, una calle o una cancha un espacio en el que no solamente se trataba de jugar, sino interactuar con otros y trabajar como un equipo.

Es decir, el deporte es también un pretexto para algo más grande; así como lo es el teatro. De eso trata Lobas, no de un grupo de jugadoras adolescentes de futbol rápido. Sino de esas jóvenes entrenando y platicando, discutiendo, creando vínculos y rompiéndolos para después recomponerlos. De cómo ante la adversidad el balón rueda hasta el último minuto.

Aquí te doy tres razones por las que debes ver Lobas.

1. Un montaje físico e intenso. La dirección de movimiento y la coreografía de Vicky Araico para la obra son destacables. Le da dinámica y energía a este montaje que habla de un grupo de jugadoras de fútbol rápido. Intercala de manera natural las sesiones de calentamiento con los diálogos y, de manera plástica, nos presenta lo que sucede dentro de la cancha. Tomar la experiencia y capacidad de Araico es un acierto de este montaje.

2. Energía pura. La palabra que puede describir mejor al elenco es energía, las actrices mantienen con interpretaciones intensas el interés del público. La mayoría de los temas que se tocan son esos que cuando se es joven importan, en este caso, específicamente con algunos desde la óptica de la mujer, otros desde lugares universales. La interpretación del grupo mantiene el hilo conductor hasta que la dramaturgia de la obra da un giro inesperado.

3. Una cancha y un vestidor dentro del Foro. El diseño escenográfico aprovecha la disposición y dimensiones del Foro Lucerna perfectamente. Ahí María Vergara, con su diseño escenográfico y su iluminación, crea el espacio propicio para que el elenco realice los movimientos que les exige el montaje. El público está en la butaquería dispuesto como en una tribuna, se crea la sensación de estar y sumergirse en un pequeño campo de futbol rápido.

Esto es un poco de lo que podrás ver en el montaje de la obra escrita por Sarah Delappe y dirigida por Paula Zelaya Cervantes.

Las actrices en escena son: Arcelia Ramírez, Alicia Candelas, Ana Guzmán Quintero, Ana Valeria Becerril, Camila Torres-Cantú, Claudia González Menchaca, Luisa Guzmán Quintero, María Penella Gómez, Patricia Loranca y Sharon Ayon. Suplentes: Michel Santré y Maic Vamora, además de Vicky Araico como suplente de la madre.

Para más información de Lobas, horarios, boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Daniel Espinoza.

3 obras infantiles que hablan sobre la diversidad

Durante el mes de junio, celebramos la diversidad en todas sus expresiones, si bien en el teatro para adultos abundan un sinfín de propuestas con esta temática, también es posible encontrar obras que les hablan a las infancias, una edad donde es importante inculcar más que nunca el respeto por el otro, sin importar su género, y al mismo tiempo, ayudan a los padres a abordar estos temas que suelen ser complicados, pero de forma entretenida.

Echa un vistazo a estas 4 propuestas que están en temporada y lánzate con toda la familia:

1. Transcraft: Videojuego escénico cabaretero para juventudes. Mariano Ruiz escribe, actúa y dirige esta obra cabaretera dirigida a los adolescentes, que simula ser un videojuego en el que se explica lo que implica el término trans y al mismo tiempo da información actual, veraz y sobre todo, clara. Aquí los jóvenes podrán acercarse a una historia con la cual podrán conectar a través del humor y la hilaridad. Se presenta de jueves a domingo hasta el 11 de junio en el Teatro Sergio Magaña.

2. Zapato busca zapato. La Máquina Teatro aborda temas como el respeto a las diferencias y el cuidado mutuo, en esta entrañable historia sobre un pequeño zapato que nació solo en su caja, esto hace que se siente diferente a los demás, por lo que se lanza en una travesía donde conoce a diversos personajes que lo ayudarán a lograr su sueño, encontrar su par. La obra se presenta sábados y domingos hasta el 18 de junio en el Teatro Helénico.

3. Acá en la tierra. Dirigida principalmente para el público infantil y juvenil, el texto escrito por el dramaturgo Luis Eduardo Yee, explora los roles de género, mediante la historia de Lolo, un niño que se siente extraterrestre, que no se identifica con los humanos y su necesidad de etiquetarlo todo, con ayuda de Dolores, la intendente de su escuela y su madre, Lolo entenderá que todos tienen un lugar en el mundo. Ofrece funciones sábados y domingos hasta el 23 de julio en el Teatro Orientación del CCB.

Como verás, cada obra contiene un mensaje sobre el respeto por las diferencias, donde los pequeños pueden ver reflejadas distintas historias llenas de música y color, con las que pueden sentirse identificados.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

5 opciones para llevar a tu primera cita al teatro

Sabemos que armar un plan para tener una primera cita, es algo complicado, y lo más importante, si quieres salir de lo típico como cena, café o cine, aquí te proponemos un plan con estas opciones teatrales, para que juntos pasen un día divertido, mágico y sobre todo, con el que podrás quedar muy bien, con esa persona especial.

Ve armando tu date de viernes a domingo con estas propuestas que se mantienen en cartelera:

Wenses y Lala. Con momentos que navegan entre la comedia y el drama, este montaje que ya lleva un rato en la cartelera, nos habla del amor verdadero, aquel que nos puede recordar las relaciones entre nuestros abuelos. A través de una historia sobre dos niños que crecieron juntos y compartieron muchas primeras veces, cuyo amor trascendió más allá de la muerte. Las funciones son sábados y domingos en el Nuevo Teatro Versalles.

La obra que sale mal. Una comedia con un peculiar humor blanco, que vale mucho la pena, ya que las situaciones y ocurrencias que ahí se suscitan en escena, te harán reír a carcajadas con esta compañía que está por estrenar una obra y tal como su nombre lo indica, todo, absolutamente, todo le sale mal. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Foro Cultural Chapultepec.

Como quieras, ¡Perro ámame! Acompañado por canciones que todos hemos escuchado en alguna reunión, como Será de Montaner o Mujeres de Arjona, propias de la época de los 80 y 90, pero que siguen en el imaginario colectivo. Esta historia se centra en una mujer y un hombre que han sido plantados por sus respectivas citas, al verse solos, deciden pasar la velada juntos donde terminan debatiendo con mucho humor sobre los pros y contras de las relaciones. La obra se ha mantenido por más de 5 años en cartelera y ahora la puedes encontrar también al sur de la ciudad con funciones de viernes a domingo, en el Foro Odeón del Teatro Royal Pedregal.

Toc Toc. Otra comedia que te hará reír a pierna suelta, esta propuesta se enfoca en todos los TOC’s o trastornos que todos tenemos, que con el paso del tiempo pueden meternos en situaciones complicadas o absurdas. Aquí esas obsesiones son tomadas con mucho humor por parte del elenco y seguro te harán pensar en tus propias manías. Las funciones son de viernes a domingo en el Teatro López Tarso del Centro Cultural San Angel Inn.

Así de simple. Finalmente, tenemos esta comedia que narra la historia de una pareja joven, y de forma aleatoria nos cuenta los detalles de su relación, cómo la manera en que se conocieron, las primeras peleas, todo aquello que envuelve el hecho de formar o no, una pareja. En escena, podrás ver la conciencia racional y emocional de Clara y Joaquín, que es interpretada por 2 actrices y 2 actores, respectivamente, que son el gran acierto de la obra, que está por estrenar su quinta temporada, regresando al primer recinto que les abrió las puertas. Las funciones comenzarán el miércoles 14 de junio en el Foro Lucerna del Teatro Milán.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Diferencias y similitudes en el teatro: Musicales británicos vs. Musicales mexicanos

Jamie está decidido. Ya no se trata de luchar contra el rechazo, contra la homofobia, sino de ir más allá en la aceptación de su sexualidad y dar el siguiente paso para concretar su sueño: ser una drag queen. Él lo tiene todo para ser ella, “pero tú no lo sabes”, nos advierte al principio, para más adelante hacernos saber de lo que es capaz con su talento, coraje y con el apoyo de sus seres queridos, que lo animan a ir a contracorriente de la ideología establecida en un poblado obrero en la Inglaterra de principios del nuevo siglo.

Con una trama que caza perfectamente con la coyuntura que vive actualmente la defensa mundial por los derechos de la comunidad LGBTQA+, Todo el mundo habla de Jamie se estrenó en nuestro país en abril de este año trayendo una bocanada de aire fresco con respecto a los musicales que suelen presentarse en nuestros lares.

Al igual que The Prom, se trata de un musical reciente que habla abiertamente sobre amor y diversidad, un tema que si bien está presente en algunos musicales y que, de hecho, es inherente al universo del teatro musical, encuentra en estas dos obras una representación acorde con los tiempos de justo cambio que corren.

A diferencia de la gran mayoría de piezas del género, Jamie es un musical británico -basado a su vez en un documental de la BBC sobre la historia de Jamie Campbell– que aún no se ha estrenado en Broadway. Con música de Dan Gillespie Sells y libreto y letras de Tom MacRae, tuvo tal éxito en el West End que pronto se llevó a la pantalla grande en una versión que hizo bastante ruido.

Todo esto respalda al montaje mexicano, que la empresa 33 Productores se encarga de presentar actualmente en el Teatro Manolo Fábregas, bajo la dirección de Alejandro Villalobos, quien es también el responsable de la traducción y adaptación al español. El Jamie mexicano está pleno de aciertos y buenos momentos -aunque hay que decir que algunas frases de las canciones resultan ininteligibles y que podría ser más sintético en su duración-.

Siguiendo esa curiosa tradición de que sean dos actores los que compartan el personaje protagónico, la futura drag queen encarna en los famosos jóvenes: Joaquín Bondoni y Nelson Carreras, quienes desde sus distintas herramientas y capacidades construyen con ímpetu, intuición e inteligencia a su personaje.

Junto a ellos, Vanessa Bravo, Flor Benítez, Luz Aldán, Alberto Lómnitz y Diego Meléndez aprovechan muy bien las oportunidades de lucimiento que tienen en números como “Pero tú no lo sabes”, “La leyenda de Loco Chanelle”, “Significa bello” y “Mi bebé”, guiados por la dirección musical de Analí Sánchez Neri.

Mientras Jamie resulta un aliciente al saber que sí se pueden escenificar en nuestro país musicales de actualidad, del otro lado está otro musical británico que es puesto por segunda ocasión en México: Mamma Mia!, una obra que conjuga una sencilla historia de secretos entre una madre y su hija casadera, en una isla griega más el célebre repertorio del grupo musical setentero ABBA.

Éxito absoluto del West End desde su estreno en 1999, no menos exitosa en su paso por Broadway y con una versión cinematográfica que destacó por la presencia protagónica de Meryl Streep, la obra tuvo un notable montaje protagonizado por Rocío Banquells -en su anhelado retorno al teatro musical- en 2009, bajo la producción de OCESA.

A casi 25 años de su estreno original y a casi 15 de su primer montaje mexicano, la historia de Donna, su hija y sus amigas vuelve, ahora al Teatro Insurgentes, con una producción encabezada por Tina Galindo y Claudio Carrera, bajo la dirección de Jason A. Sparks -director del montaje mexicano de Hello, Dolly– y protagonizada por otra actriz que retorna al teatro musical: Lisset.

Si bien las canciones de ABBA son una garantía de genuino entretenimiento, hay algo en el libreto de Judy Craymer traducido -al igual que las letras- por Enrique Arce, que se siente desfasado plenamente de nuestra época -y de las épocas que alude la trama- y hacen sentir que la anécdota, los chistes o la tropicalización de ciertos diálogos, ya no caen en tiempo y forma, por más que el elenco protagónico esté pleno de talentos provenientes de distintas trincheras del teatro, como Gicela Sehedi, Marisol del Olmo, Alejandro de la Madrid, Francisco Rubio y Armando Arrocha, o que el ensamble sea integrado por lo mejor de la comunidad de musicaleros o que la orquesta cuente con músicos espléndidos.

Es notable la transformación del Teatro Insurgentes, pues durante esta temporada está convertido en una sofisticada taberna griega, tal cual sucede en la obra. Al final del día, la oportunidad de degustar un trago mientras se escuchan clásicos como “Money, Money, Money”, “Chiquitita”, “Dancing queen”, “Super trouper”, “Gimme, gimme, gimme”, “Volez-vous” y “Our last summer”, es una propuesta infalible.

Finalmente, de eso se tratan estos musicales: de apelar a la nostalgia de una época a través de su música, de su soundtrack. De hacer que el público, como lo canta Donna, se sienta un ganador.

Del musical basado en la vida real y del concebido a partir de los éxitos de un grupo musical, pasamos a dos formatos distintos a la tradición, pero que parten de esa tradición para poder existir y buscar su éxito.

Tomando como base Forbidden Broadway, un espectáculo de cabaret creado por Gerard Alessandrini en los años ochenta que utiliza canciones de los musicales de Broadway para parodiar esas obras o distintos aspectos del mundo teatral neoyorquino, el actor, dramaturgo, traductor, director y productor Álvaro Cerviño adaptó y dirigió en 1995, Los musicales.

Bajo la producción de Manolo y Fela Fábregas, y el propio Cerviño inauguraron un concepto distinto para disfrutar del teatro musical, pues los actores y cantantes Laura Luz, Enrique Chí y Eugenio Montessoro parodiaban el ámbito teatral y farandulesco de aquellos años desde la intimidad de un café concert.

Cuando, ya sin los Fábregas, Cerviño retomó más adelante el proyecto, lo tituló Los musicales de Broad-güey y con él lleva ya casi tres décadas en distintas temporadas, con distintos elencos, distintas canciones y distintos asuntos a parodiar.

Actores y cantantes como Lola Cortés y José Antonio López Tercero han sido partícipes del proyecto que lo mismo se ha presentado en salas teatrales que en teatro bar como la inolvidable Planta de Luz.

La que actualmente presentan en el Foro 37 reúne una selección de canciones de obras del Broadway más tradicional, como Annie es un tiro, Amor sin barreras, Violinista en el tejado, El hombre de La Mancha, Cabaret, Chicago y Los fantástikos, así como de espectáculos mundialmente famosos como José el Soñador, Evita, Cats, El fantasma de la ópera, Los miserables y la antes aludida Mamma mía.

Utilizando las canciones más reconocibles de estos musicales, Cerviño pone nuevas letras que hablan de las peculiaridades que existen dentro y alrededor de nuestro teatro: la eterna disputa entre el teatro musical y el teatro “de texto”, la convivencia entre las actrices y actores formados en las aulas universitarias con aquellos formadas frente a las cámaras de televisión, la diversa fortuna de histriones nacionales e histriones extranjeros, la polarización que generan los premios teatrales, etc. Entre verdades punzantes del mundillo teatral y uno que otro lugar común, el espectáculo cumple su misión de entretener al público, sobre todo a aquél que está plenamente relacionado con los musicales y situaciones aludidas.

Las parodias se benefician de las voces de Manuel Bermúdez, Majo Bernal, Minah Cerviño y Jorge Mejía, quienes resuelven con humor y espléndida dicción cada uno de los temas, que en sus versiones originales son un reto para quien les interpreta.

Tomando todos los elementos del teatro musical y juntándolos con los de la impro teatral, Desde cero se revela como una sorpresa grata y digna de encomio.

Bajo la dirección de Angélica Rogel, una de las artistas con mayor expertise en el ámbito de la impro, cada noche de miércoles el público disfruta de un nuevo musical, de principio a fin, completamente improvisado en su historia, personajes, diálogos, música, letras y luces.

Lo que resulta fascinante es que, para lograrlo, tanto los actores-cantantes-improvisadores -que alternan cada función- como los músicos-improvisadores están sujetos a las reglas y estructura de ambos géneros y todos -unos más musicaleros y otros más improvisadores- se sumergen en ambos, consiguiendo divertir al público, que se ríe con lo que ve y escucha en escena, pero probablemente disfruta aún más al ver cómo se divierten sin tapujos el elenco y los músicos con cada nueva ocurrencia. Las costuras de la creación escénica y musical, muy presentes, para bien del espectáculo.

Rogel cohesiona dos universos que, dentro del mundo teatral, suelen cargar lo mismo con laureles que con estigmas y, al hacerlo, nos presenta una nueva forma de entretenimiento -al menos en México, porque el concepto ya se ha desarrollado en el Off Broadway-, bajo la responsabilidad de las productoras Playhouse Entertainment, Once Once y Nuevo Teatro.

Para ello, cuenta con un amplio elenco en el que destacan -porque ya los vimos- Leonardo Bono, Paloma Cordero, Rubén Branco, José Luis Saldaña, Karla Morales y Mauricio Hernández, además de los fabulosos músicos Juan Manuel Torreblanca, David Suzawa, Daniel Mena y Dago, comandados por Haller Miguel. Entre todos, logran que, de cero, el público llegue a mil.

No son los únicos, pero estos cuatro musicales que ocupan nuestra cartelera conforman una oferta diversa que, al final del día, da cuenta de varias cosas, de las cuáles rescatamos dos: el profundo talento actoral, vocal y musical que hay en nuestro país, para el que cuatro musicales notables no son suficientes; y la avidez de un público por ver, cantadas y bailadas, nuevas historias, actuales, recientes y diversas.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía

Susana Zabaleta se siente como “pavorreal” al ser dirigida por Elisabetha Gruener en LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA

Susana Zabaleta dijo estar “como pavorreal” por ser dirigida por Elisabetha Gruener, su hija, en los Monólogos de la vagina. En conferencia de prensa, acompañada de Sophie Alexander-Katz, Elisabetha y Morris Gilbert destacó que se trata de una versión que tiene que ver con una nueva generación.  En este sentido, destacó que la directora tiene 23 años, y apuntó: “Creo que las mujeres hemos evolucionado. Eso lo van a ver arriba del escenario, con este mismo texto, pero con otra acentuación y otra forma de ver la vida”.

Por su parte, Elisabetha Gruener, quien además de dirigir actúa el montaje, dijo estar emocionada pues ha sido una de las pocas veces en que es posible hacer algo colaborativo con mujeres talentosas y creativas. La directora dijo que fue un porceso increíble, contruido con base en el amor y a la pasión.

Susana Zabaleta destacó que la ha impresionado ver a su hija, como directora, “este espejo”. La actriz subrayó el carácter y don de mando como directora de Elisabetha. Sobre este tema, Gruener dijo que lo interesante del proceso ha sido también la confianza que han puesto en ella. “El que una persona con tanta experiencia”, como su madre, diga “voy a poner mi confianza en ti”, es el privilegio más grande, puntualizó.

Sophie Alexander-Kats, sobre esta versión, subrayó la intuición del productor. Hablando de las nuevas generaciones, le dijo a Morris, “tú vas con las nuevas generaciones”. Va a ser una sorpresa el martes que se estrene esta version, adelantó la actriz, pues se trata de una obra “poderosísima”. Elisabetha dijo es una mujer súmamente intuitiva e inteligente que tiene visión y es muy clara.

El productor Morris Gilbert destacó que después de más de 8 mil funciones, los monólogos tendrán solamente cuatro funciones de esta versión, que se trata de una reinterpretación de esta obra.

Para más información de Monólogos de la vagina, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro. 

Datos sobre los Tony que quizá no sabías, el tercero es sobre una mexicana y te sorprenderá

Mañana se realiza la 76º ceremonia de entrega de los premios Tony. Se trata de la fiesta anual del teatro estadounidense. Estos emblemáticos reconocimientos se entregarán en el United Palace, en la ciudad de Nueva York. Si bien este año ha invadido a la Gran Manzana, pero estamos seguros que no podrá opacar el brillo de esta celebración.

Por segundo año consecutivo contará con la participación de Ariana DeBose (Hamilton, A Bronx Tale, Summer: The Donna Summer Music) como anfitriona.

Cartelera de Teatro tendrá una cobertura especial. Para ir calentando motores,  te contamos cinco datos curiosos de estos premios. El tercer es sobre una mexicana, y te sorprenderá.

 

El musical con más premios Tony

En el año 2001 Los productores (The Producers, the new Mel Brooks musical) se llevó 12 reconocimientos. Basada en la película homónima de 1967 el montaje contó con libreto, música y letras del célebre comediante Mel Brooks. Brooks, además, está por cumplir en este mes 97 años. Los productores, entre los reconocimientos que obtuvo estuvieron el de Mejor musical y Mejor dirección en un musical.

 

El musical que –de por vida- ha ganado más estatuillas

South Pacific, de Rodgers y Hammerstein, consiguió ganar 10 Tony con su producción original de 1949. En su reposición de 2008 ganó siete premios. Con esto, este musical suma en su palmarés un total de 17 Tonys, un récord difícil de superar. 

 

La única mexicana (o mexicano) que ha ganado un Tony

Fue apenas en el 2005 que una persona nacida en México obtuvo un premio Tony. Se trata de Sara Ramírez. La actriz obtuvo el premio como mejor actriz de reparto en Musical, por su interpretación en Monty Python’s Spamalot.

Sara nació en el estado de Sinaloa y siendo una niña se mudó con su familia a San Diego, California. Su debut en Broadway lo hizo en 1998, en la obra The capeman, de Paul Simon. Seguramente la recordarás por su papel de Callie Torres en la serie de Grey’s Anatomy.

 

Sara Ramírez junto con Ricardo Montalbán quien fue nominado en 1958 son los dos únicos mexicanos que han sido nominados para el premio.

 

La persona con más Premios Tony

El productor y director Harold Prince (1928-2019) ganó durante su vida, ni más ni menos, 21 premios Tony. Éstos los obtuvo en distintas categorías: 8 como director, 8 como productor, dos como productor de Mejor Musical, y tres premios Tony especiales.

En 1967 Prince obtuvo su primer premio Tony como Director en Musical por la icónica obra Cabaret

 

Una obra, tres diferentes producciones, tres Tonys

La muerte de un viajante (Death of a Salesman)de Arthur Miller, no solamente ganó el Premio Tony para Mejor Obra y el Premio Pulitzer en 1949, es también la única obra que con tres producciones diferentes ha obtenido el Tony a Mejor Reposición. Lo anterior lo logró con las producciones de 1984, 1999 y 2012.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado

LA GOLONDRINA, tercera obra seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024

La golondrina es la tercera Obra Seleccionada en los Premios Cartelera de Teatro 2024.

Se trata una obra que nos habla desde el dolor de dos personajes que buscan la manera de entenderse y tender puentes. Margarita Sanz nos brinda una potente actuación en escena que se complementa con la sensibilidad de Alejando Puente y German Bracco, quienes alterna, para mostrarnos a dos personajes que confrontan sus heridas del pasado para sanarlas. Estamos frente a un texto vigente, que plantea una reflexión sobre la empatía y la comunicación, sobre encontrar caminos para que mundos que se han enfrentado mucho tiempo sean capaces de caminar juntos.

Guillem Clua, autor de la obra, se inspiró en el ataque terrorista contra el bay gay Pulse. Sobre esto el autor catalán construye una historia conmovedora que nos hace preguntarnos: ¿Qué es lo que nos hace humanos? Bajo la dirección precisa de Alonso Íñiguez La golondrina es toda una experiencia teatral.

El equipo creativo, integrado por Ingrid SAC en la escenografía e iluminación, Natalia Seligson en el vestuario y Pablo Chemor en la música crean un ambiente íntimo, en los que los personajes de esta obra se enfrentan y logran tender un puente entre sus mundos y su dolor.

El montaje es una producción de Óscar Uriel y BH5 Studios y lo pueden disfrutar en el Teatro Milán los fines de semana.

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3 razones para ver BULE BULE

La música conecta con nuestra memoria, con momentos que nos hicieron felices o nos marcaron, con amores pasados, con tristezas, sueños y esperanzas. En ese sentido, hay música que marca a las generaciones que la escucharon, que crecieron con ella. Sin embargo, la música es un asunto poderoso, también nos conecta con otras épocas, con momentos que temporalmente podrían estar muy lejos de nuestras vidas, pero que emocionalmente –a través de ella- conectan fuerte con nosotros.

Precisamente, esta es la música que el público puede disfrutar en Bule Bule. Los éxitos de los años 50 y 60 del siglo pasado son el hilo conductor de esta comedia musical. Este montaje lo puede disfrutar el púbico que gusta la música de aquellas épocas. Una anécdota sencilla, la final de un concurso de canto entre Las Bombonettes y Los Pillos del Rock, es el punto de partida para mucha música y algunas bromas –con el toque inocente de aquellos años – y momento que hacen al público reír.

Acá te damos tres razones por las cuales ir a ver Bule Bule.

1. Música ligada a nuestra memoria colectiva. Este es un factor fundamental por el cual Bule Bule la puede disfrutar distintas generaciones. Ya sea que hayas vivido aquellas épocas, que fuera la música que escucharon tus padres o tus abuelos, cada una de las canciones la puedes reconocer y cantar, o por lo menos, tararear. Se trata de esa música que con el paso del tiempo se ha convertido en parte de nuestra memoria colectiva.

2. Nuevos talentos en un montaje con historia. A lo largo de los años, ya más de 10, por Bule Bule han pasado intérpretes que hoy ya tienen una carrera consolidada. Cada vez que se presenta en gira o que tiene una temporada, abre sus puertas a talentos que se están consolidando o que van arrancando en su carrera. En esta ocasión, cobijados por la experiencia y talento de Jose Luis Rodríguez “Guana” como el presentador, no es la excepción, en el escenario se puede disfrutar de grandes voces.

3. La nostalgia por algo que no se vivió nunca. Como ya dije, la música es tan poderosa que puede conectarnos con otra época. Para la mayoría de nosotros los años 50 y 60 del siglo XX son una época distante, sin embargo, en los acordes, las melodías, y la vestimenta de aquellos años tiene un sello inconfundible. Nos hace pensar en un tiempo donde México era un país que estaba plenamente en tránsito hacia la “modernidad”. Nos hace pensar en lo que nuestros padres, nuestros tíos y nuestros abuelos narran de esa época dorada del rock.

Así que ya lo saben, en el Teatro Milán pueden disfrutar de música interpretada por el elenco conformado por: José Luis Rodríguez “Guana”. Ana Rivero, Miranda Labardini, Carolina Heredia, Begoña Ibarreche , Jonathan Portillo (Enrique), Humberto Mont, Emiliano Ochoa, Esván Lemus y Chema Ortega. Todos bajo la dirección de Anahí Allué.

Es además, como una razón adicional, una buena manera de terminar el lunes con teatro, música y diversión. Nunca está de más comenzar la semana con el pie derecho.

Para más información, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro

Sin guión, ¡pero con mucho baile! Así fue la edición número 76 de los Tony Awards

La ceremonia de los Tony cumplió con los acuerdos de la WGA de no tener un guión escrito, lo que se hizo evidente desde el primer instante, cuando la anfitriona Ariana DeBose mostró un libro en blanco, para luego iniciar una llamativa coreografía que incluyó tonadas de musicales clásicos, melodías como “On Broadway” y ritmos latinos.

La actriz apantalló acompañada de un grupo de bailarines, todos coreografiados por Karla Puno Garcia y teniendo como telón de fondo una escenografía que mostraba el icónico George Washington Bridge, ubicado a metros del United Palace, recinto donde por primera vez tuvo lugar la ceremonia.

De este modo, a pesar de no tener un discurso divertido, bromas divertidas alusivas a los nominados o un guión escrito por los escritores agremiados de la WGA, los Tony pudieron llevarse a cabo con la intención -como remarcó la propia Ariana- de llevar Broadway a casa.

Quizá vean aquí un número que los inspire a viajar a Nueva York, o si no quieren viajar, a ver un show en un tour nacional. Para eso son los Tony, para inspirar, y tú eres fundamental para mantener las luces de Broadway prendidas”, subrayó la nominada al Tony como Mejor Actriz de reparto por The Donna Summer Musical.

Previamente, la también actriz ganadora del Oscar por West Side Story, hizo referencia a su ascendencia latina al destacar que el teatro donde estaban se ubicaba en Washington Heights (barrio habitado mayoritariamente por latinos), y como su papá es puertorriqueño, aprovechó para desear un ‘Happy Puerto Rican day’ (que tuvo lugar el domingo 11 de junio), y decir: ‘yo soy boricua, pa’ que tú lo sepas”.

Tras bromear diciendo que si el año pasado la ceremonia había sido desquiciada, ahora había que abrocharse el cinturón para la montaña rusa que se aproximaba, señaló que no habría teleprompters con diálogos sino solo monitores con cronómetros de tiempo para los discursos de aceptación. Todo para honrar las pautas del gremio de escritores y así poder celebrar sus contribuciones a esta temporada de Broadway.

Y como ya era tiempo de que Broadway ‘hablara por sí misma’, presentó el primer número de la noche: al elenco de New York, New York, que incluyó al mexicano Ángel Sigala. Esta producción se llevaría después el Tony por Mejor Escenografía.

“Es el show más ambicioso que he hecho. La obra tiene lugar en 73 ubicaciones, lo que representaba un reto por crear espacios que resultaran poéticos, pero también auténticos. Esta es una ciudad en la que la gente se reúne para crear y queríamos mostrar los contrastes, los impresionantes edificios, el icónico techo de Grand Central, el cielo debajo del puente de Brooklyn; esos momentos hermosos de la ciudad tenían que contrarrestar con las dificultades que enfrentan estos personajes que habitan en espacios minúsculos encimados unos arriba de otros”, compartió el escenógrafo Beowulf Boritt en la sala de prensa.

El primer ganador de las categorías actorales fue Brandon Uranowitz por Leopoldstadt, quien en su discurso dijo que este papel le había permitido reconectar con su identidad.

En algún momento sentí tristeza de que solo podía interpretar papeles de judíos, pero este trabajo cambió eso porque ahora siento mucho orgullo; uno que me ha hecho conectar con mi familia, y con mis ancestros. Nunca pensé que podía tener un propósito tan claro como el que me ha dado esta obra”, compartió el actor en la sala de prensa.

Casi de inmediato se entregó el premio como Mejor Actriz de Reparto en un Musical para Bonnie Milligan, quien interpreta a la tía de la protagonista en Kimberly Akimbo.

Durante sus intervenciones, Ariana continuó bailando, bromeando, y enfatizando que no tenían guión con frases como “Por favor, denle la bienvenida a quien sea que salga ahora en el escenario”.

Otra ganadora que inspiró en su discurso fue Suzan-Lori Parks, quien ganó por el Revival (reposición) de Topdog/Underdog, obra con la que ganó el Premio Pulitzer de Drama en 2002.

Quisiera que la gente no solo se refleje en la experiencia de la comunidad negra, sino recordar la oportunidad que significa estar vivos y que estamos conectados unos con otros. Esta una historia importante porque muestra a dos hombres negros viviendo juntos; gente que no tiene muchas oportunidades, pero cuando cuentas una historia con esas especificidades y se dirige tan increíblemente con creativos como Kenny, resuena con la gente; porque cada uno puede reflexionar sobre sus propias posibilidades”, señaló la también dramaturga de In The Blood (1999), Porgy and Bess (2011) y White Noise (2019).

Varias de las categorías técnicas, como Mejor Escenografía, Diseño de Iluminación y Diseño de Sonido fueron para Life of Pi, cuyos creativos señalaron como influencia principal la novela de Yann Martel. A la par, Carolyn Downing, la diseñadora de sonido, habló sobre el minucioso trabajo de incorporar los sonidos de los animales en el montaje, mismos que son generados por los manejadores de los títeres.

Todos los musicales nominados por Reposición presentaron números musicales: Into the Woods, Camelot, Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street y Parade, pero fue esta última, la producción protagonizada por Ben Platt y Micaela Diamond, la que se coronó con el Tony. También el director: Michael Arden, fue reconocido y en su discurso motivó a los jóvenes a ser ellos mismos.

Para todos los chicos trans, queer o no binarios allá afuera: te vemos, eres valioso, eres especial. De chico a mí me llamaron con la palabra ‘f’ (fagot, maricón) más veces de las que recuerdo, así que ahora les digo: ‘¡soy un maricón, con un Tony’”, dijo Arden provocando una emocionada ovación.

Aunque no ha tenido los mejores ingresos en la taquilla, el musical de Neil Diamond Musical: A Beautiful Noise, puso a todos a bailar con el emblemático tema “Sweet Caraoline”.

Como suele ocurrir cada año, otro de los momentos más emocionales de la noche fue el In Memoriam, esta vez protagonizado por Joaquina Kalukang, ganadora del Tony por Paradise Square y quien interpretó “Wishing You Were Somehow Here Again” de la ahora ausente Phantom of de Opera.

Además de presentaciones de otros nominados: & Juliet, Kimberly Akimbo, Shucked y Some Like It Hot, el elenco de Funny Girl, y especialmente Lea Michele, tuvieron oportunidad de lucirse con el emblemático tema “Don’t Rain On My Parade”. Este musical terminará en septiembre de 2023.

Otros logros históricos de esta ceremonia incluyeron el tener a dos actores que se definieron como no binarios obtener los premios de Mejor Actor de Reparto en un musical (Alex Newell por Shucked) y Mejor Actor Principal en un musical, para J. Harrison Ghee, por Some Like It Hot.

Desde que leí este libreto entendí que podía tener la oportunidad de ser alguien que inspirara a otros, y no es algo que me tomé a la ligera; lo atesoro y procuro honrarlo cada función”, dijo J. Harrison Ghee ante la prensa. “Espero que cada quien encuentre su libertad y pueda vivirla”.

La mejor obra fue Leopoldstadt un drama emotivo y desgarrador sobre la destrucción de una familia judía vienesa antes, durante y después del Holocausto. El elenco tiene a 38 actores, incluidos varios niños. La obra es de Tom Stoppard, quien luego de acumular 5 premios Tony por Mejor Obra, se volvió el dramaturgo más ganador de Broadway.

Los Mejores Actores en Obras fueron Jodie Comer, por Prima Facie, quien confesó que después de cada demandante función intenta consentirse con baños calientes, rica comida y buenos amigos, y Sean Hayes por Good Night, Oscar.

Ha sido toda una odisea, me sentí muy honrado de poder interpretar a uno de mis héroes”, contó Sean ante la prensa. “Tenía que tener la edad correcta, porque con la edad viene la experiencia, estás más cómodo con tu cuerpo y tienes más confianza para intentar cosas sin miedo a fracasar”.

La producción con más premios de esta edición fue Kimberly Akimbo, que acumuló un total de 5 Tony, incluidos Mejor Musical y Mejor Actriz Principal de un Musical para Victoria Clark.

Llevo varios años trabajando con jóvenes, así que uno de los mejores regalos que me ha traído este trabajo ha sido el trabajar con tantos chavos a los que a veces se les olvida que no tengo su edad. Ellos me dan mucha energía y me inspiran cada día”, señaló Clark ante la prensa. “Creo que este es un momento particularmente difícil para crecer, así que me gustaría ayudar, con educación, o como pueda, a quienes la estén pasando mal”, señaló la última actriz ganadora de la noche.

Los premios Tony se producen en colaboración con Tony Award Productions, empresa conjunta de Broadway League y American Theatre Wing, y White Cherry Entertainment. Ricky Kirshner y Glenn Weiss son los productores ejecutivos de White Cherry y Weiss fungió como director.

Por Mariana Mijares, Fotos: Getty Images for Tony Award Productions

Obras con funciones especiales en Lengua de Señas Mexicana (LSM)

La comunicación desempeña un papel fundamental en el entendimiento humano, el lenguaje es uno de los principales métodos que como humanidad utilizamos para unirnos, comprendernos, expresar nuestras emociones, así como transmitir información o mensajes, con el fin de interactuar con nuestros semejantes.

Sin embargo, no todas las personas tenemos esta capacidad, en este caso, las personas sordas muchas veces están limitadas en su comunicación, no obstante, desde 1867, Lengua de Señas Mexicana (LSM) comenzó un largo peregrinar hasta 2005, cuando obtuvo su aprobación oficial y se impulsó su difusión en todo el territorio nacional.

Desde el 10 de junio de ese año, se conmemora el Día Nacional de la Lengua de Señas Mexicana (LSM), desde entonces, cada año, organizaciones realizan eventos con el fin de dar visibilidad a este lenguaje, que forma parte del patrimonio lingüístico de nuestro país.

Por su parte, el teatro también pone su granito de arena para que las personas sordas puedan disfrutar y acceder a este arte, te compartimos un listado con las obras que ofrecerán funciones especiales con intérpretes LSM:

Costo de vida. Humberto Busto, Elena del Río, Arly Velásquez Peñaloza y Sandra Jiménez Loza dan vida a este relato que nos habla sobre la necesidad de contar con alguien, en algún punto de nuestras vidas, tengamos o no una discapacidad. Contará con intérprete los días 13 y 20 de junio en el Teatro Helénico.

Lo que queda de nosotros. Sara Pinet y Raúl Villegas te esperan para vivir la conmovedora historia de Nata y Toto, el próximo lunes 19 de junio en el Teatro Orientación.

Wilma. El unipersonal de Itzhel Razo sobre una niña yucateca de ascendencia irlandesa que creció siendo rechazada en su propia tierra por su propia familia, también contará con una función especial el próximo viernes 23 de junio en la Sala Xavier Villaurrutia.

Adentro de mí. Ana Laura Ramírez Ramos explora el tema de la gordura, con este monólogo cabaretero que nos incita a ser más empaticos, tolerantes con el cuerpo de los demás. La función con intérprete ocurrirá el viernes 30 de junio en Teatro La Capilla.

¡Apúntalo en tu agenda para que no se te pase la fecha!

Por Itaí Cruz, Fotos: Teatro La Capilla y Cartelera de Teatro

“Llegarle a las y los espectadores directo con una historia honesta”: Raúl Villegas sobre LO QUE QUEDA DE NOSOTOROS

La temporada de Lo que queda de nosotros, en el Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández, está próxima a terminar. Sobre esto platicamos con Raúl Villegas, quien al lado de Sara Pinet interpreta la obra.

El actor comparte que estos casi diez años de existencia del montaje ha sido una gran experiencia. “Ha sido muy bella, porque hemos hecho una familia”, nos dice en entrevista para Cartelera de Teatro.

Lo que queda de nosotros, bajo la dirección de Alejandro Ricaño, nos cuenta la historia de Toto y Nata. Toto, interpretado por Raúl Villegas, es un perro con tres patas, y Nata (Sara Pinet) es una adolescente que perdió a sus padres. Por esta razón, ella decide, para no volver a sentir afecto, abandonar a Toto, quien sufre un accidente, a pesar de esto Toto emprende un viaje de regreso a casa. Cuando Nata se reconcilia con su dolor sale en busca de Toto, pero será una búsqueda complicada. Se trata de un montaje que echa mano de un tono cómico-dramático que conecta y emociona al público.

 

¿Cómo ha cambiado la obra a través de los años?

La obra tuvo una pausa obligada por la pandemia. En este sentido, Raúl Villegas nos explica que ahora que se han reencontrado con la obra no se están repitiendo las funciones como las dieron antes. “Estamos viéndola desde otro punto de vista, creo que es imposible no ver la vida distinta después de una pandemia”, señala.

A lo largo de los años, nos dice el intérprete, ha sido muy bello encontrarse con estos personajes “que han crecido”. Explica que ni él ni Sara ven ya a Toto y a Nata -sus personajes- como los veían antes. Ahora son, destaca, personajes más grandes, en “edad y fisonomía, es un perro un poquito distinto del que era antes”.

Profundizamos con el actor sobre el impacto que la pandemia tuvo. Al respecto, nos dice que esa experiencia modificó el significado de la obra para ellos. La obra toca puntos como la muerte, señala, y “la muerte es distinta después de la pandemia”. En este sentido, subraya que la muerte estuvo más cerca, y “nosotros y nosotras estuvimos más cerca de la muerte en muchos sentidos”.

En lo personal, agrega, la pandemia cambió su vida. Sobre esta experiencia reflexiona: “Empecé a hacer otras cosas, empecé a ver que mi vida no era solo actuar. Entonces, regresar al teatro con este personaje que amo tanto ha sido muy bello. Tratar de encontrar qué es lo que ama Toto de la vida y qué es lo que yo amo de los escenarios, y qué es lo que amo de Toto”.

 

Un montaje pensado para jóvenes audiencias que conecta con los adultos

Sobre el fenómeno que se ha dado con Lo que queda de nosotros, que a pesar de haber sido pensada como un montaje para jóvenes audiencias convoca a público adulto, nos dice que ha sido muy interesante. Nos explica que fue algo paulatino cómo comenzó a llegar un público más adulto a las funciones.

Al respecto, narra: “De repente vimos que a mitad de la temporada venían más papás que niños, venían cinco adultos por cada niño, de repente ya no venían niños. Si no me equivoco, solo tuvimos una temporada en horario de jóvenes audiencia, probamos en horario nocturno y tuvimos una respuesta muy bella de la gente”. Posteriormente, nos comparte, realizaron funciones para secundarias, y la niñas y niños “tenían una respuesta enternecedora”.

Sobre este particular, reflexiona, “creo que sigue atrapando más adultos, o por lo menos se generó esa idea, que es una obra, sin duda, para jóvenes audiencias, pero el grueso de nuestro público son adultos y adultas”.

 

Trabajo en equipo

El proceso de creación y montaje de la obra, nos dice Raúl, ha sido muy bello y un trabajo en equipo. Nos explica que en un principio era una obra muy distinta, su director, Alejandro Ricaño, tenía pensadas una escenografía y un vestuario muy distintos. Luego, señala, “tras prueba y error nos fuimos dando cuenta que lo que necesitábamos era lo menos posible en escena”.

En este sentido, señala: “nuestro fuerte son nuestro músicos que están atrás y el texto, tratar de dar una actoralidad divertida, divertirnos en escena”.

 

Una obra para acercarse al teatro

Cuestionamos a Raúl sobre si Lo que queda de nosotros es una opción para acercarse al teatro. Su respuesta es categórica: “Yo creo que a mí me hubiera gustado que ese fuera mi acercamiento al teatro”. El actor considera, sobre este aspecto, que se trata de una obra perfecta para quien nunca ha ido al teatro, “porque tiene lo maravilloso de un montaje simple”. Es decir, abunda, “le avienta la pelota” a la audiencia y a su imaginación con lo que está sucediendo sobre el escenario.

El actor agrega que la obra: “Busca llegarle a las y los espectadores directo con una historia honesta, con una actoralidad y una musicalidad donde cuatro personas se están divirtiendo. Creo que eso es a lo que tratamos de invitar a la gente que está en la sala y yo creo que por eso nos ha ido tan bien”.

Para Villegas el teatro es su trabajo y en él, nos dice, “me divierto, me la paso bomba, me gusta mucho, pero el día que lo descuido tantito, que no voy y le meto rigor a algo, […] que no he encontrado la llave para ajustar las tuercas es horrible”. Sin embargo, agrega que al mismo tiempo es como meditar, y también hay momentos de “soledad en el teatro”. En este sentido, explica que, por ejemplo, en esta obra hay un momento en el que solamente está con Sara y con la música de los dos intérpretes que los acompañan y “lo que pase afuera en el mundo, no me importa, creo que es eso”.

 

Próximos proyectos

Para finalizar, Raúl Villegas nos adelanta que se encuentra preparando con Angélica Rogel una obra en la que compartirá escenario con Gabriela Guraieb. Sobre el proyecto nos platica que el texto lo escribió Rogel, pero se hizo un trabajo en el que se compartieron ideas, “pero el texto lo acabó cimentando Angélica”.

Además, nos dice, en octubre se presentará en otra obra que en 2021 realizó en Alemania. En la obra, nos comparte, la mitad del equipo es mexicano y la otra mitad es alemán. La obra tuvo funciones en Colonia, Alemania, y ahora dará, nos dice, 7 funciones en México.

Para más información sobre Lo que queda de nosotros haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Facebook Lo que queda de nosotros

3 razones para ver LA GOLONDRINA

Hace unas semanas fui a ver La golondrina, no sabía qué esperar, sin embargo, el resultado fue tremendo. Me hizo sentir miles de emociones que me sacudieron hasta las entrañas, desde la historia qué hay detrás, las actuaciones y los temas que ahí se abordan todo me sorprendió.

Entiendo que las obras con una fuerte carga dramática no suelen estar en el gusto de todos, no obstante, te garantizo que no te vas a arrepentir, es una obra redonda de la que saldrás conmovido y con muchas reflexiones.

El autor se basó en una tragedia ocurrida en 2016, y desde su estreno, la obra resultó ser un éxito entre los amantes del teatro. Por tal motivo, BH5 y Oscar Uriel la trajeron a nuestro país, para ser interpretada por la primera actriz Margarita Sanz, acompañada por los jóvenes talentos de Germán Bracco y Alejandro Puente (quienes alternan personaje), y no pudieron escoger un mejor elenco.

Si todo lo anterior no te convence, aquí te doy 3 razones para que te lances este mismo fin de semana al Teatro Milán:

1. El dolor nos hace humanos. Esta es una de las frases que más resonaron en mi mente, mientras veía el montaje. En escena, serás testigo de debates aguerridos entre Amelia (Sanz), una maestra de canto, y Ramón (Bracco/Puente) un joven que ha llegado para tomar lecciones de canto, sobre el dolor y cómo lo vive cada uno, donde terminan descubriendo que tienen más conexiones de las que imaginábamos.

2. Una historia potente. Desde que ingresas al teatro, la escenografía e iluminación te hacen sentir que estás ante una propuesta un tanto íntima, hecho que potencia el relato. Esto se agradece porque, como público no hay distractores, logrando que la atención se mantenga desde el inicio al final, con todo y los subidones de emociones que nos presenta la obra, hasta llegar al clímax, donde es imposible no sentirse conmovido.

3. El equilibrio entre la experiencia y juventud. La actriz Margarita Sanz se presenta como una mujer severa, un poco antisocial, con guiños de humor negro, que no ha superado la pérdida de su hijo, a pesar de acudir a miles de grupos de ayuda en la iglesia. Por su parte, el actor German Bracco (función a la que acudí) interpreta a un joven lleno de luz y vibrante, que se transforma gradualmente en un hombre osado que no está dispuesto a acallar su voz. De esta manera, podemos gozar con las actuaciones de estos talentosos actores, que saben llevarnos por este vaivén de emociones, que cuenta con algunos momentos cómicos que sirven para tomar un respiro, y darnos el golpe de gracia.

Como un plus, la obra ha sido seleccionada para competir en los Premios del Público Cartelera 2024, no te la pierdas de viernes a domingo, hasta el 30 de julio, consulta más información, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Ady Reyes

“Se vale venir a darse un taco de ojo”, señala Gerardo González al presentar elenco de LA FIESTA

La fiesta, de David Dillon, regresa a escena el 29 de junio después de 27 años de haber sido montada en México. En esta ocasión, la dirección del montaje corre a cargo de Gerardo González y la producción de César Riveros. Ambos fueron parte del elenco en la versión anterior y ahora, de la mano de Mejor Teatro, anunciaron el próximo inicio de temporada y el elenco que participará en ella.

En conferencia de prensa se presentó al elenco conformado por Luis Orozco, David Ortega, Miguel Salas, Lalo Arredondo, Rodrigo Cuevas, John Germán, Alex Mont, Óscar Ugalde, Diego Tenorio y Dan Cervantes.

González señaló que ha sido un trabajo entrañable y divertido, “porque a fin de cuentas, esto es una fiesta”. En este sentido, subrayó que la obra requiere de actores capaces, pero también de ciertas características físicas. “Aunque han pasado 27 años y las cosas están cambiando, pero de alguna manera se vale venir a darse un taco de ojo“, destacó.

El director, además, recordó que la obra fue en su momento un éxito maravilloso. El hacerlo ahora, dijo, le ha dado la oportunidad de tratar de entender a cada uno de los personajes. El mantener el texto con referencias a los noventa y no actualizarlo, señaló González, forma parte de esa nostalgia.

César Riveros, productor de la obra, destacó que la selección del elenco se dio a través de un proceso largo. Durante este tiempo, dijo, se buscó talento actoral y talento físico, y después de las audiciones se realizó un taller del cual salieron los 10 actores.  Al respecto, Guillermo Navarro, director adjunto, explicó que el taller les permitió observar las características artísticas y posibilidades de cada actor. Esto, agregó, permitió que “el grupo se consolidara”. Sobre el elenco, destacó que no solo se trata de ver a siete personajes que en una fiesta se desnudan. Por el contario, dijo, “hay un trabajo artístico que tiene que ver precisamente con la comedia. La comedia no es un género que nos permita tener fallas”, por lo cual se quiere de una capacidad técnica, afirmó.

Para más información de La fiesta, que se presentará en Marketeatro, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez, Foto: Cartelera de Teatro.

 

 

Obras de teatro para disfrutar este Día del Padre

Este domingo es el Día del Padre, un pretexto perfecto para convivir con él y buscar planes juntos. El teatro es una gran opción y hay propuestas para todos los gustos. Te compartimos algunas obras que puedes disfrutar con papá este fin de semana.

Carlota e Imperio. Si tu papá le gusta la historia de México, esta primera propuesta que te hacemos es un combo: Carlota e Imperio. Dos montajes de la Infinita Compañía que se presentan en un escenario majestuoso, el Castillo de Chapultepec. Cada uno nos habla dos personajes centrales del Segundo Imperio Mexicano. La primera nos habla desde la mirada de Carlota, la segunda, obviamente, desde la perspectiva de Maximiliano de Habsburgo, quien ya preso esperando su final hace una revisión de su aventura mexicana. Este plan tiene además la gran ventaja que alrededor del Castillo hay una enorme cantidad de restaurantes y museos. Es decir, puedes hacer un plan completo para celebrar a papá.

Lobas . Si tu papá es más bien futbolero, Lobas puede ser una opción. Ojo, el centro de la historia es la relación entre las jugadoras de un equipo de fútbol rápido. Sin embargo, la obra tiene el gran acierto de poderse abordar desde distintas perspectivas. Por un lado está la visión de estas chicas, sus problemas y aspiraciones, pero por el otro la autora sabe reflejar muy bien esa sensación de camaradería, competencia, desencuentros y encuentros que se pueden dar al interior de una cancha de fútbol o de un vestidor. Lobas, de Sarah Delappe, bajo la dirección de Paula Zelaya Cervantes, se presenta en el Foro Lucerna.

Tengamos el sexo en paz . Si tu relación con tu papá es relajada y de confianza, una opción es ir a ver la comedia de Darío Fo, Franca Rame y Jacopo Fo. El montaje, bajo la dirección de Hugo Arrevillaga, habla de varios aspectos de la sexualidad en un tono picante y divertido, no exento de crítica a la sociedad que ve estos temas como tabú. Tengamos el sexo en paz  se presenta en el Teatro 11 de julio y cuenta con las actuaciones de Raúl Coronado y Sugey Ábrego.

¿Por qué será que las queremos tanto? Este texto del dramaturgo argentino Daniel Dátola es el pretexto perfecto para reunir en el escenario a cinco comediantes de larga data y más larga experiencia como Luis de Alba, Alejandro Suárez, Benito Castro, César Bono y Carlos Bonavides, quienes alternan funciones. ¿Por qué será las queremos tanto? habla un grupo de amigos que se reúnen en un bar para hablar de “ellas”, de amores y desamores, de matrimonio y de divorcios. La anécdota es sencilla, pero efectiva y permite a los actores hacer gala de toda su experiencia. La obra se presenta en el Nuevo Teatro Versalles.

Dos más dos. Acá tenemos otra obra que con humor aborda un tema picante, la cual se presenta en el Teatro Royal Pedregal. Una comedia que nos habla de dos parejas, una convencional y otra liberada que entran en un juego que, aparentemente, romperá con la rutina de una de estas parejas. En el montajes actúan Mauricio Islas, Sabine Moussier, Wdeth Gabriel y Alejandro Ávila. Dos más dos, estrenada en México en 2017, puede ser una buena opción para pasar un buen rato y reírte con papá.

Mamma Mia! Esta obra funciona para todos los gustos, se trata de toda una experiencia en la cual puedes disfrutar con papá de la música de ABBA, tomando unos tragos y pasando un momento relajado en el Teatro de los Insurgentes, que para la ocasión se ha transformado en la Taberna de Donna. Para pasarla bien en Mamma Mia! no tienes que ser un fanático de los musicales, simplemente tienes que dejarte llevar por la experiencia y disfrutar de el ambiente festivo que se genera.

Defendiendo al cavernícola. Esta propuesta no está en fin de semana, pero puedes adelantar -o posponerla un poco- para el jueves. ¿Por qué? Porque este monólogo interpretado por César Bono es ya todo un clásico en la cartelera de la Ciudad de México. Se trata de un texto que habla sobre los roles y los papeles en la sociedad que se establecen entre hombres y mujeres, todo esto visto desde el punto de vista masculino. En esta obra se puede ver César Bono hacer gala de las tablas sobre los escenarios. Defendiendo al cavernícola se presenta en el Teatro López Tarso, Centro Cultural San Ángel.

Obviamente en nuestra cartelera encontrarás muchas, pero muchas obras más para disfrutar al lado de tu padre este fin de semana. Esta solo es una guía de algunas ideas que te pueden servir. Cuéntanos si aplicaste alguna, o sí se te ocurre otra obra para ver en este Día del Padre.

Por Óscar Ramírez Maldonado. Fotos: Cortesía 

3 razones para ver LAVAR, PEINAR Y ENTERRAR

Buscando opciones dentro de la cartelera, me topé con la comedia Lavar, peinar y enterrar. Historias de una estética en serie,  montaje que llamó mi atención por su peculiar trama que invita a pasarla bien, en la que terminas muy relajado por tanto reír.

Esta obra tuvo una breve temporada en un sitio poco convencional, un salón de belleza, donde pocos tuvieron la oportunidad de asistir. Sin embargo, como diría la gran Pilar Boliver, “los dioses del guadalquivir”, se alinearon y la obra llegó al Centro Cultural Helénico, a finales de mayo para ofrecer su primera temporada en un recinto teatral.

Esta comedia de humor negro fue escrita por el dramaturgo español Juanma Pina y se presenta en nuestro país, bajo la dirección de Pilar Boliver con las actuaciones de Angélica Bauter, Ignacio Saucedo, Shiky, Aldo Guerra y Juan Carlos Martín del Campo, quienes logran hacer pasar a la audiencia momentos de júbilo y risas durante los 90 minutos que dura la puesta.

Si estás buscando una obra que te haga reír, aquí te doy tres razones para que corras a ver esta propuesta que se presenta sábados y domingos en el Foro La Gruta:

1. Reír sin pretensiones. En esta comedia verás a cuatro distintos personajes que te mantendrán al filo de tu butaca: una cultura de belleza (Bauter), un peluquero (Saucedo), y dos pseudo ladrones (Shiky y Guerra) cuya vida se entrelaza de forma inesperada una noche cualquiera en un salón de belleza. En conjunto este elenco te hará reír sin parar con sus ocurrencias, diálogos, pero, sobre todo, por su gran manejo de la comedia y humor negro, sin caer en los típicos clichés.

2. Guerra avisada no mata soldado. Un refrán que va muy bien con esta comedia que nos plantea, aquello que seríamos capaces de hacer por defender lo que consideramos valioso. En ella, la dueña del local se ve en peligro de perder su negocio, algo que le ha costado con los años, así que no está dispuesta a dejarles el terreno libre a estos maleantes. Con mucha astucia y con ayuda de su fiel empleado, la estilista elucubra un plan para pasar de víctima a socia. 

3. Desenterrando los fantasmas del pasado. Si bien esta comedia nos conduce por hilarantes momentos, también nos confronta con aquellos secretos que ocultamos en el baúl, en este caso, el sótano, cadáveres que creíamos olvidados y por azares del destino, la vida nos obliga a hacerles frente. Por inverosímiles que parezcan las diversas situaciones aquí expuestas, el humor nos ayuda a creer que la dueña salió ilesa de esa extraña noche, y nosotros con una gran sonrisa.

No te pierdas esta comedia que se ha convertido en todo un suceso en España, que ahora puedes disfrutar en nuestra cartelera hasta el 30 de julio, en el Helénico, si quieres conocer más información, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz

Obras que nos llenan de Orgullo – 1ra parte

Desde hace un tiempo, el mes de junio es considerado como el Mes del Orgullo o el Mes del Pride, y cada vez son más recintos los que abren sus puertas durante estas fechas, para ofrecer un abanico de propuestas dirigidas a la comunidad LGBTIQ+ y al público en general que esté interesado en conocer la mirada de este sector tan importante de nuestra sociedad.

Este año no sólo contamos con la 7° edición del ciclo Entre lenchas, vestidas y musculocas de los Teatros de la Ciudad de México, por primera vez la Coordinación Nacional de Teatro también se suma a esta fiesta de colores con el ciclo Albricias diversas. Esto es un indicador de que la oferta escénica seguirá creciendo año con año.

Si eres un seguidor de nuestra cartelera o estás buscando qué ver, ya sea una comedia, un drama o un musical, en esta primera parte, te dejamos una selección con algunas propuestas que están en temporada:

1. Junio en el ‘93. Un drama que nos invita a hacer un ejercicio de memoria, sobre las experiencias de Alejandro Reyes, el mejor actor de su generación, en los años 90 que vivía con VIH. Sin embargo va más allá del repaso de su vida, pues está colmado de momentos emotivos y sobre todo, humanidad y colectividad. La obra se presenta hasta el 2 de julio en el Foro de las Artes del Cenart.

2. Smiley. Esta comedia que ha saltado de las tablas a la pantalla nos cuenta la historia de una pareja gay que se conoce por casualidad, con personalidades opuestas y que lo único que los une, a primera vista, es el amor. Se presenta todos los jueves en La Teatrería.

3. Jota-cola-mariconas. En este performance cabaretero podrás ser testigo de una sesión espiritista que busca contactar a cuatro figuras emblemáticas LGBT mexicanas, para derribar los preceptos más arcaicos del heteropatriarcado. Ofrece funciones del 16 al 18 de junio en la Sala CCB.

4. Pachecas después del funeral. Si eres fan de Pachecas en su versión pastorela, en esta ocasión, las hermanas Rosas Moreno están de vuelta con toda la irreverencia que las caracteriza. Esta vez la historia se centra en su regreso a Belén, donde se topan con una terrible tragedia que pondrá la casa de cabeza. La obra se presenta hasta el 9 de julio en el Teatro de la República.

5. Yo fui una de las 41. Esta propuesta plantea reivindicar la humillación que sufrieron los asistentes al baile de los 41, y lo más importante rescatar la trascendencia de este pasaje histórico poco conocido por la sociedad mexicana, que al mismo tiempo sirve como una suerte de homenaje. Se mantiene en temporada todos los viernes en Re-Crea Teatro.

6. Todo el mundo habla de Jamie. Este musical lleno de color y juventud nos invita a luchar por nuestros sueños por inverosímiles que parezcan e ignorar los prejuicios de los demás. En este relato un joven hará todo lo posible por lograr su más grande anhelo, convertirse en una famosa drag queen. La obra se presenta de viernes a domingo en el Teatro Manolo Fábregas.

¿A cuál te vas a lanzar, qué obra recomendarías? Comparte y comenta

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

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3 razones para ver ALETEO

Bajo la dirección de Aurora Cano la Compañía Nacional de Teatro está buscando nuevos caminos y ampliar los alcances que ya tiene. El ciclo Teatro de Arte Mexicano es una muestra de ello. Este ciclo, integrado por cuatro montajes, busca indagar sobre la identidad del teatro mexicano. Para ello, autoras y autores mexicanos contemporáneos revisitan mitos y leyendas de nuestro país desde un trabajo interdisciplinario, que integra música y artes visuales.

El ciclo inició con Fruto en la sequía, y ahora continúa con Aleteo, escrita por David Gaitán y dirigida por Isabel Toledo. En esta propuesta el autor y su directora apuestan por establecer el diálogo a partir de personajes femeninos empoderados, que en momentos de crisis deben tomar decisiones, y de una participación del público y el azar en el rumbo que ha de tomar la historia.

El texto de Gaitán parte del mito de los pueblos originarios mesoamericanos que relaciona el rugido del jaguar con los movimientos de tierra, con los terremotos. Desde ahí el autor profundiza en la experimentación que en varios de sus textos ha realizado sobre la participación del público y el azar.

Te decimos 3 razones por las cuales debes ver Aleteo.

1. Ser parte del rumbo de la narración. No se trata de un formato convencional de teatro en la que la historia que verás tiene un único final. Aquí, a partir de “puntos de quiebre” podrás elegir uno de dos caminos que seguirá la obra. Son caminos que se bifurcan a partir de la decisión que elija la mayoría del público. El otro “punto de quiebre” apuesta por el azar para definir el desenlace de la historia. Es un texto estructurado que varía en su desarrollo a partir de estos momentos.

2. El diseño de arte. Este ciclo, ya con esta segunda obra, tiene un sello muy particular en lo que se refiere a escenografía, iluminación, vestuario, música e inspiración visual. El diseño inspirado en el trabajo de la artista visual Libertad Alcántara crea un espacio amplio y limpio, que aprovecha toda la profundidad del escenario del Teatro del Bosque Julio Castillo. El equipo que realiza este trabajo está integrado por Jesús Hernández (escenografía), Matías Gorlero (ilumnación), Laura Marnezti (vestuario) y Miriam Romero (diseño multimedia).

3. Música que se integra a la narrativa. La composición musical y el diseño sonoro de Diego Espinosa se integran con el hilo de la historia. Se siente totalmente orgánico con lo que estamos presenciando sobre el escenario. Es por momentos etérea e hipnótica, otras llena de energía. El ritmo y sonoridad que los músicos Carlos Matus y Edwin Tovar más que aportar al montaje son un elemento fundamental del mismo.

Así que ya lo sabes, si te gusta el teatro contemporáneo que apuesta por la participación del público –no te asustes, no tienes que subir al escenario, solamente emitir tu voto en el momento en el que se te requiera- y por una estructura que puede que puede tener diversos resultados, Aleteo es para ti.

Para más información de Aleteo, horarios y boletos haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Sergio Carreón Ireta

MAMMA MIA!, cuarta obra seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024

Mamma Mia! es la cuarta Obra Seleccionada de los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024. Este montaje es una fiesta, una experiencia y pura diversión. La música de ABBA nos ofrece un espectáculo lleno de brillo, color y luz.  Además cuenta con reconocidos talentos del teatro musical, encabezados por Lisset, que invitan a cantar y bailar durante 2 horas sin parar.

Aquí tendrás la oportunidad de vivir esta historia en un entorno no convencional,  el Teatro de los Insurgentes se convierte en la taberna de Donna, donde podrás tomar algunas bebidas y pasar un gran momento.

Lisset, Alejandro de la Madrid, Marisol del Olmo, Francisco Rubio, Gicela Sehedi, Armando Arrocha, Luja Duhart y Sofía Carrera son el elenco que da vida a esta obra junto con un talentoso y experimentado ensamble.

Bajo la producción de Tina Galindo, Claudio Carrera, Daniel Vilafañe, Alfonso j. González y Nicolás Vale Mamma Mía! se presenta en el Teatro de los Insurgentes, en el marco del 70 aniversario del emblemático recinto.

El equipo creativo del montaje está conformado por Jason A. Sparks en la dirección y la coreografía, Gabriela Aldaz Perroni en la dirección y coreografía residentes, Adrián Martínez Frausto en el diseño de escenografía, Regina Morales en el diseño de iluminación y Estela Fagoaga en el diseño de vestuario. En el diseño de audio está a cargo Miguel Jiménez, y en el diseño de imagen Pilar Boliver

Para toda la información del montaje, boletos, horarios y descuentos, haz clic aquí.

10 años de IMPERIO, una obra sobre los últimos días de Maximiliano de Habsburgo

Maximiliano de Habsburgo es uno de esos personajes que tiene seguidores y detractores. Apela a la nostalgia de algunos por un Imperio Mexicano. En otros casos, nos habla –más allá de las virtudes o no que haya tenido – de un periodo de nuestro país que fue fundamental para la conformación de una identidad nacional a través de la lucha de que sostuvo Juárez y los liberales en contra de la imposición imperialista. Precisamente hoy, 19 de junio, se cumplen 167 años de que fue fusilado en el Cerro de las Campanas el segundo emperador mexicano.

Se trata de un personaje que, a partir de lo que se ha dicho después de que cayó el Segundo Imperio, tiene una leyenda blanca y una leyenda negra. Ya sea desde la visión de quienes tienen simpatía por la República –entre los que me cuento – o quienes ven en Maximiliano a una víctima de las circunstancias, la realidad, como con todo personaje histórico, es que fue un producto de su época. Fue, innegablemente, una ficha en el plan colonial del Imperio Francés de Napoleón III para extender sus dominios. Fue como todo ser humano alguien con ambiciones y pasiones, con sus propios ideales, y por los cuales perdió la vida.

El teatro y Maximiliano

Pero, ¿qué tiene todo esto que ver con el Teatro? No solamente a Maximiliano lo podemos relacionar, directamente, con una de las tradiciones más arraigadas del teatro en México: Don Juan Tenorio. Ya que fue en 1865 que José de Zorrilla dirigió esta obra en nuestro país, a petición expresa de Maximiliano. De hecho, el emperador mandó a construir un teatro en Palacio Nacional para ello.

Fuera de esta anécdota teatral, en la literatura, el cine y el teatro se han cruzado muchas veces la figura de Benito Juárez y Maximiliano. La historia de ambos y en la manera en que se enfrentaron tiene mucho de épico y de tragedia, material inmejorable para narrarse una y otra vez. Juárez y Maximiliano, con 26 años de distancia y más de 10 mil kilómetros de distancia, nacieron en lugares tan distintos uno del otro como Viena y Gelatao. Ambos, quedaron irremediablemente unidos por un proceso histórico.

Imperio, una obra sobre los tres úlitmos días de vida de Maximiliano.

En este género de obras históricas entra Imperio, obra que la Infinita Compañía presenta desde hace 10 años, y que acaba de iniciar su nueva temporada en el Castillo de Chapultepec. Sobra decirlo, el recinto está estrechamente ligado con la historia que Ernesto Godoy interpreta bajo la dirección de Rodrigo González. Imperio es una adaptación de Rodrigo González y cuenta con la música original e interpretación en vivo de Alonso J. Burgos

Para hablar más de este montaje, basado en la novela de Héctor Zagal, platicamos con Godoy, quien da vida a Maximiliano. El actor, nos dice que es una obra en la que la gente se conmueve. Se trata, nos dice, sobre los tres últimos días de vida de Maximiliano de Habsburgo.

Un pueblo que no tiene memoria está condenado a repetir su pasado.

En este sentido, destaca, se trata de un drama. El actor puntualiza: “Es un hombre condenado a muerte. Un hombre que ya sabe que va a morir. Un hombre que sabe que tiene las horas contadas y que estuvo en el pedestal más alto de la Nación y ahora va a ser ‘hecho justo por armas’, como dijo Benito Juárez cuando lo fusilaron, es lo que van a venir a ver”.

El intérprete agrega que es importante que la gente siga yendo a ver la obra, y que siga interesada “en este muy peculiar episodio de la historia de México”. En este periodo, destaca, estuvieron personajes como Benito Juárez representando a la República y por el otro los conservador y Maximiliano en este Segundo Imperio Mexicano”.

Al respecto, considera que “un pueblo que no tiene memoria está condenado a repetir su pasado, para no repetir los errores del pasado hay que venir a enterarse”.

 

Un honor y un privilegio poder pisar los mismos mármoles que pisó el emperador Maximiliano.

Para preparar este personaje, Godoy quien lleva siete años dándole vida, nos dice que lo hizo a través de estudio y de mucho juego de imaginación.

Además señala, que actuar esta obra en el Castillo de Chapultepec es “un honor y un privilegio poder pisar los mismos mármoles que pisó el emperador Maximiliano de Habsburgo”. Si bien han cambiado mucho las dimensiones de la Ciudad de México y la cantidad de población en el país desde la época en la que la obra sucede, “México sigue siendo uno de los lugares más espectaculares, hermosos y apasionantes de todo el planeta”, afirma el actor.

Godoy señala que en 30 años de trayectoria artística el teatro es de lo que más ha disfrutado por el contacto directo con el público. En él, explica, se puede ver y recibir la energía de la gente. “Ese riesgo de estar presenciando algo en vivo es algo único”, el único lugar donde se da es en el teatro, reflexiona.

Para más información de Imperio, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cortesía La infinita Compañía.

“Un monólogo indispensable en estos tiempos de violencia”: María Aura habla sobre DIOS TE HARÁ INVENCIBLE CON ESTA ESPADA

Dios te hará invencible con esta espada es “un monólogo indispensable en estos tiempos de violencia”, nos dice María Aura en entrevista. La actriz en este montaje da vida a Juana de Arco, y nos explica que con esta propuesta “combatimos el horror con belleza, e intentamos poner nuestro granito de arena ante una situación de violencia como la que vivimos en nuestro país”.

La obra, escrita y dirigida por Alonso Barrera, utiliza al personaje de Juana de Arco para hacer una comparación actual de la violencia contra las mujeres en México. Si bien habla un poco del personaje, señala Aura, “sobre todo hace una reflexión sobre todos los tipos de violencia que existen contra la mujer en la actualidad”.

El monólogo actualmente se presenta, hasta el próximo 29 de junio, en el Teatro Casa de la Paz. En él, considera su intérprete, el público encontrará muchas emociones. En este sentido, señala: “Les aseguro que no saldrán indiferentes de este montaje”. Se trata, en palabras de María Aura, de una obra fuerte y cruda, que ayuda a reflexionar y conectar con emociones que muchas veces no queremos ver.

Una reflexión sobre las mujeres en la actualidad

Sobre la Juana de Arco que interpreta, advierte que es un poco diferente. Al respecto, subraya que “tiene un viaje emocional del inicio hacia el final de la obra”. Es una mujer que de ser profundamente religiosa y pelear por Dios, el rey y por la iglesia, “poco a poco se va dando cuenta y se va desilusionando. Va descubriendo que todas estas figuras paternalistas la van abandonando y la van dejando sola, hasta el grado de quemarla en la hoguera”.

En este sentido, la actriz destaca que a partir de ello se hace una reflexión sobre las mujer en la actualidad. Esta reflexión, dice, aborda:  “cómo de alguna manera también el gobierno, la iglesia, Dios, la sociedad, las hemos ido dejando solas, y cómo lo único que nos queda es unirnos como sociedad, como mujeres, ayudarnos y acompañarnos para detener esta espeluznante ola de violencia que aqueja a nuestro país”.

Un reto emocional

María Aura señala que a diferencia del primer monólogo que interpretó en 2015, ahora se trata de un reto mucho más emocional. En este sentido, explica, que en el caso de El año de Ricardo fue difícil pero se trataba de un personaje muy distante de ella.

Sobre este reto reflexiona: “Ahora interpreto a Juana de Arco, pero de alguna manera se acerca mucho a mi. Entonces, el reto en esta ocasión es un reto mucho más emocional, quizá, que en El año de Ricardo que era un reto quizá mucho más físico y mental”.

Parte del reto, nos explica la actriz, es que si bien es “una Juana de Arco que no existió”, las situaciones de las que se hablan, a pesar de ser la mayoría ficticias, la conectan con un dolor real. Al respecto, dice: “eso ha sido difícil, es duro, es una obra emocionalmente muy pesada”.

Otro de los retos que ha enfrentado María en este montaje ha sido el memorizar todo el texto. Se trata, nos explica, de un texto muy poético y hermoso por momentos, lo cual implica un reto.

Sobre este punto explica: “Para el público es una obra que dura una hora y ocho minutos, es muy corta. Pero para memorizar, siendo que soy la única en escena que habla, es una obra difícil y pesada, pero también por lo mismo muy satisfactoria. Hacer algo difícil siempre nos deja más tranquilos”.

La preparación del personaje, nos dice la intérprete fue intensa. Para hacerlo, nos dice, tomó clases de tiro con arco, además de una preparación física y emocional. Al respecto y sobre la intensidad emocional de Juana de Arco, entre risas, nos dice: “Me preparé mucho, pero no sabía lo que venía, no fue suficiente todo lo que yo me preparé”.

Es algo que hacemos todas juntas

Si bien María Aura es la única actriz que habla en escena, destaca el trabajo de Fernanda Bañuls, Victoria Viesca y Carmen Jerusalén, quienes la acompañan en escena. “Apoyan mucho con personajes incidentales, apoyando en que se recreen estás imágenes y estas situaciones de violencia”, nos dice. Ellas, junto con las transformaciones de la escenografía, son “las encargadas de ir creando todas estas atmósferas”, puntualiza.

Al respecto, Aura señala que “es emocionante estar las cuatro juntas, porque se los digo cada función, yo no podría hacerlo sola. Yo necesito de ellas aunque no hablen, necesito de su energía, de su apoyo, de su concentración. Y sé que es algo que hacemos todas juntas y también con el público que nos acompaña cada noche”, afirma.

Esta obra cuenta además con la voz de Mario Iván Martínez narrando algunos pasajes. Sobre ello, María destaca que además de ser un gran actor, “tiene un manejo de la voz impresionante” que aporta mucho al montaje.

¿Cómo nace Dios te hará invencible con esta espada?

Dios te hará invencible con esta espada, nos cuenta la actriz, surge a partir de que un amigo de ella y Alonso Barrera les dio hace algunos años un monólogo sobre Juana de Arco. Sin embargo, nos dice, esa obra no decía lo que nosotros en ese momento necesitábamos decir, “pero sembró una semilla de un personaje muy feminista para hablar de un tema en el que nosotros teníamos que hablar”.

Se trata, abunda María Aura, de un tema que era un tema indispensable. Un tema que durante mucho tiempo habían observado y leído noticias, “sintiendo esta impotencia, este enojo, furia, dolor de decir, ¿qué podemos hacer nosotros como artistas ante una situación de violencia tan desesperada”.

A partir de ello, Alonso Barrera escribe este texto que sale de las entrañas y del corazón, considera la actriz.  Por ello, afirma: “Para mí, Alonso es sumamente talentoso, es brillante, pero yo siento que esto es lo mejor que ha escrito nunca en su vida, porque surgió de un lugar desesperado”.

El feminismo no es solamente de las mujeres, el feminismo es algo de todos

Sobre el proceso, agrega, una vez escrito el texto se trabajó con varias mujeres feministas, intelectuales, artistas, actrices, dramaturgas, en fin, para también dialogar. Al respecto explica que Alonso Barrera se sentía inseguro de “ser un hombre escribiendo sobre un tema feministas”. Sin embargo, agrega Aura, “yo le decía, es que el feminismo no es solamente de las mujeres, el feminismo es algo de todos”. La violencia no es algo que solamente ataque a las mujeres, nos ataca a todos, y como sociedad, como familia, como artistas teníamos que decir algo, levantar la voz, y fue lo que hicimos con esta obra”.

La actriz nos comparte que Alonso sentía como mucha inseguridad, quizá, de ser un hombre escribiendo sobre un tema feminista. Sin embargo, agrega: “Yo le decía, es que el feminismo no es solamente de las mujeres, el feminismo es algo de todos”, y la violencia no es algo que solamente ataque a las mujeres, nos ataca a todos y como sociedad, y como familia, y como artistas teníamos que decir algo, levantar la voz, y fue lo que hicimos con esta obra.

Una obra que genera emociones y provoca cosas

Sobre la reacción del público, nos dice que es una obra que genera emociones y provoca cosas, “que es finalmente lo que queríamos”. En general, nos dice, “todas las funciones son muy catárticas”, en las cuales a la mitad de la obra siente al público llorando. “Es una obra que nos toca a todos, […] y quizá todos sentimos esta impotencia que sentimos Alonso y yo, y por la cual hicimos esta obra”.

Para más información de la obra, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía PinPoint Comunicación.

Anuncian al elenco de ANASTASIA, la nueva producción de OCESA

Esta mañana en conferencia de prensa, los productores Morris Gilbert y Julieta González se dieron cita con los medios de comunicación para anunciar al tan esperado elenco del musical Anastasia, la nueva producción de OCESA.

Al respecto, Julieta González expresó: “El musical se estrenó en Nueva York en 2017, es un musical que está basado en la pélicula animada de 1997, ha sido una de las películas animadas más exitosas en la historia del cine familiar. Habíamos hecho el intento de tenerla hace unos años, tuvimos problemas de derechos, preferimos esperarnos para tener todo más claro, quisimos hacerlo después de su estreno en Nueva York, pero la espera terminó y ya estamos acá“.

Agregó: “El año pasado tuvimos nuestro aniversario número 25, donde celebramos haber realizado 25 musicales, Anastasia será nuestro musical número 26″.

Por su parte, Morris Gilbert, declaró: “Se dice fácil, pero son 26 musicales al hilo (…) Sólo quiero acotar que a Terrence McNally, el autor, lo conocemos muy bien, nos tocó la suerte de hacer varias de sus obras aquí en México, tal vez recuerden sus visitas. Es un hombre importantísimo del teatro, una enciclopedia teatral, lo admiramos muchísimo“.

Añadió: “La temática de la obra es muy interesante, hay toda una leyenda, uno nunca termina por saber qué es verdad y qué es mentira, es una bonita historia y además con lo que está pasando en el mundo es más vigente que nunca (…) Tenemos los grandes éxitos de la película como son Una vez en diciembre, Viaje al pasado y tenemos dos canciones especificamente creadas para la puesta teatral. Es una versión corregida y aumentada“.

El musical contará con las participación estelar de Mariana Dávila en el papel de Anya, la gran emperatriz será interpretada por Irasema Terrazas, el papel del villano lo interpretará el actor Carlos Quezada, la condesa Lily será Gloria Toba; Manuel Corta y Javier Manante le darán vida a Vlad y Dimitri, respectivamente; La pequeña Anastasia será interpretada por Sara Smith, Majo Rangel y Danna Villazón.

En el ensamble participan Abel Fernando (cover Vlad), Carlos Salazar (Cover Dimitri y Gleb), Luigi Vidal (Cover Dimitri), Erick Santiago, Enrique Cessa, Raymundo Montoya, Claudio González, Carlos Pérez Banega (Cover Vlad y Gleb), José Antonio Domínguez (Swing / Capitán de Danza).

Así como, Irma Flores (Cover Condesa Lily), Andrea Curello (Cover Emperatriz Viuda/ Condesa Lily), Samantha Salgado (Cover Emperatriz Viuda), Stephanie Juárez, Melissa Ortega, Paula Calvo (Cover Anya), Sofía Filio, Flor Acevedo (Swing /Asistente de Capitán de Danza) y Roberta Alamán (Cover Anya).

¿De qué trata?

Con música de Stephen Flaherty y Lynn Ahrens y libreto de Terrence McNally, Anastasia cuenta la historia de una joven mujer fuerte intentando descubrir los misterios de su pasado. El musical contiene temas de la película, incluida la canción nominada al Óscar, así como números originales.

Inspirado en la cinta animada de 1997, el musical teatral se estrenó en Broadway el 24 de abril de 2017, y se convirtió de inmediato en un éxito entre el público y la crítica especializada. Estuvo nominada a dos Tony Awards en 2017, dos Drama League Awards, nueve Drama Desk Awards y trece Outer Critics Circle Awards.

La obra levantará el telón el próximo 3 de agosto al Teatro Telcel, ubicado en Lago Zurich #245, Col. Ampliación Granada, habrá una venta anticipada del 22 al 25 de junio, consulta más información, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Obras que nos llenan de Orgullo – 2da parte

Hace una semana te dimos un adelanto de algunas de las obras que abordan distintos temas con enfoque en la comunidad LGBTIQ+, así que a unos días de conmemorar la máxima fiesta de la diversidad, te traemos una nueva selección para que armes tu plan teatrero.

Después de ir a marchar, estas opciones son ideales para seguir celebrando:

1. Vedette. Si lo que estás buscando es un show cabaretero con música, color e increíbles coreografías, donde además puedes disfrutar de uno que otro trago. Creado por Óscar Carapia, esta propuesta emula los shows de las mejores capitales del mundo y los más famosos cabarets, además ofrecerá una función pride este sábado 24. Las funciones son en el Foro Stelaris, del Hotel Fiesta Americana.

2. Orlando y Mikael. Los Arrepentidos. Si tu plan es pasar un momento de reflexión, este drama basado en las experiencias reales de sus protagonistas, es ideal. Aquí podrás ver una propuesta contada para y por personas de la comunidad trans, sobre dos hombres que cambiaron de sexo dos veces. Un tema que va más allá del género, al centrarse en la búsqueda de cada persona por encontrar su identidad. Las funciones son todos los viernes en La Teatrería.

3. Tapando el ojo al macho. Ahora bien, si quieres reír sin parar, lánzate a ver esta comedia que se mofa de los convencionalismos teatrales. La historia muestra a dos cadetes de la milicia que se van de fiesta, previo a su graduación, sin embargo, la noche da un giro inesperado cuando el sexoservidor que contratan cae muerto, por lo que se ven en aprietos tratando de ocultar su identidad sexual. Las funciones son este 22 y 29 de junio en el Teatro Tepeyac.

4. Giro Negro. Si estás buscando una propuesta atrevida y sin inhibiciones, esta es una opción. Aquí conocerás a unos singulares personajes: chichifos, meseros y una chica travesti que te harán pasar una noche inusual en un club nocturno, donde conocerás las historias que los han llevado a ese lugar. Las funciones son los sábados en El Centro Cultural El Foco.

5. Soy Alejandra, soy etiqueta, soy humano.  En este montaje te adentrarás en la mente de una persona trans, y nos deja ver la violencia y discriminación que llegan a sufrir las personas por su orientación, y no sólo eso, también lanza una fuerte crítica a lo que significa hoy en día, ser hombre o ser mujer.  Las funciones son los sábados en Teatro La Capilla.

6. Mentidrags. Si eres un fanático del teatro musical, no podía faltar en nuestro listado, la versión drag de uno de los musicales nacionales más exitosos. Pintorescas pelucas, mucha brillantina y prominentes tacones son algunos de los componentes de esta versión que rinde homenaje a la comunidad con mucho humor. Además te invita a seguir la fiesta, ya que lobby se convierte en un after party, donde podrás seguir cantando las famosas canciones de la puesta. Las funciones son los jueves y sábados en el Teatro Aldama.

¡Festejemos juntos, juntes y juntas la diversidad en todo su esplendor!

Por Itaí Cruz, Fotos: FB Comadres Teatro y Cortesía PinPoint

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Rodrigo Murray estrena obra con escenografía del reconocido escultor Sebastián

Después de haber tenido 8 funciones el año pasado en el Teatro Xola, el monólogo Leonardo llega al Teatro Helénico. Este unipersonal, escrito, dirigido e interpretado por Rodrigo Murray, repasa tres momentos importantes en la vida de Leonardo da Vinci. “Obviamente, hago un trayecto muy sintético, porque la vida de un genio como la de Leonardo no podría ser explicada en una hora y cuarto”, puntualiza su autor en entrevista.

A la par de de la historia de Leonardo, explica Rodrigo Murray, se cuenta la de un actor llamado Rodrigo que está interpretando un monólogo sobre el genio florentino. Se trata, nos dice, de “el teatro dentro del teatro”.

En este montaje destaca el actor, va de un siglo al otro, de finales del siglo XV y principios del XVI al siglo XXI. Los tres momentos que aborda el texto son tres momentos de fracaso de Leonardo da Vinci. En este sentido, subraya: “Curiosamente este genio también fracasó, y los fracasos yo creo que los entendió y los comprendió, de tal suerte que no eran una derrota sino un fracaso, y el fracaso lo lleva a escalar la pirámide del éxito”.

Ese es, nos dice, el mensaje que quiso imprimir en este trabajo que le llevó un poco más de 15 años realizar.

Sobre el monólogo nos dice que es un trabajo que a él le gustaría ver como espectador. En este sentido, subraya, se trata de una obra interesante, divertida y llena de humor. Subraya, que Leonardo da Vinci era un hombre con mucho sentido del humor, además de una vocación de ayudar a la humanidad.

 

Leonardo4, una pieza de Sebastián en el Escenario

Un elemento particular de este montaje es que el actor comparte escenario con una pieza monumental, creada por el artista plástico Sebastián. Se trata, nos dice Murray de la obra llamada Leonardo4, la cual permite ver “las cuatro dimensiones que ocupa el espacio en una transformación topológica”. Esta pieza se va transformando en distintas figuras.

Al respecto, el también director, señala: “Cuando está cerrado es un cubo, pero nos muestra las paredes internas, entonces se transforma en, yo quiero pensar, Florencia o Milán de 1500 y también en un departamento en México, en la Ciudad de México en el año 2023”.

Al platicar sobre la pieza de Sebastián en el escenario, el actor afirma que es su coprotagonista. Hace poco más de una década, nos narra, conoció a Sebastián y platicando con él sobre este monólogo le mostró el modelo transformable de la pieza, la cual realizó a finales de los años 70.

El modelo original de la pieza, nos platica el director, mide 30 centímetros por lado, y para la obra se escaló a dos metros por lado. “Entonces, es un cubo que está puesto en el escenario”, dice.

Sobre esta colaboración, Murray nos recuerda que uno de los primeros trabajos que Sebastián realizó fue justamente dentro del diseño de vestuario.

Con el artista plástico, nos dice el autor y director, ha tenido oportunidad de platicar muchas veces, pues se han vuelto buenos amigos. En este sentido, reflexiona que el desarrollo del arte escénico no solamente se refiere al teatro y al actor, sino también “a lo que está ocurriendo en la escenografía”.

 

Dirigirse a sí mismo, “un acto de desfachatez”

El acto de escribir el texto y dirigirse, nos dice en tono de broma Rodrigo Murra, es “un acto, sin duda, de desfachatez, soy un descarado”. En seguida nos comenta que la razón de ello es que al ser un proyecto que le llevó tantos años realizar, era casi imposible coordinar fechas con otras personas. Es, nos dice: “Un trabajo que, verdaderamente, hago yo desde el origen, desde hace un poco más de 15 años, y me era difícil poder comunicar y tener los tiempos para poder colaborar con otros, por eso me aventé a hacerlo yo solo”.

El equipo creativo del montaje está conformado, además de por su autor y director, y el escultor Sebastián, por Luis Ernesto Martínez Novelo “LU”, bajista de La gusana ciega, en la música; Félix Arroyo en el diseño de iluminación; y Marcela Valiente, en el diseño de vestuario. Con este equipo,nos dice el actor, está trabajando hace un par de años.

Como parte del trabajo de preparación, Rodrigo Murray tardó un año ensayando con la pieza de Sebastián. El objetivo era, señala: “Llegar a entender todos los movimientos que tiene”, y agrega, además de 10 años planeando el monólogo junto al artista plástico.

En este sentido, explica que las ocho funciones en el Teatro Xola el año pasado sirvieron para probar cosas de la pieza y del texto. “Obviamente, no soy un dramaturgo que escriba todos los días, entonces, afortunadamente, funcionó bien”, destaca.

¿Por qué el público no se puede perder Leonardo?

El público debe ir a ver Leonardo por varias razones, nos dice Murray. Entre ellas, que se trata de una experiencia como ir a un museo, ver cómo se mueve la pieza de Sebastián. “La pieza de Sebastián es una belleza”, destaca.

Además,nos explica, el montaje aborda una historia atractiva y en ella cuenta cosas de Leonardo que posiblemente no conoce sobre él. En este sentido, nos dice, “era un hombre de carne y hueso”, con el cual nos podemos sentir identificados con su parte humana.

Sobre esto, reflexiona: “El reía, él lloraba, él amó, él comió, y son ese tipo de cosas que a nosotros los sere humanos nos gusta identificarnos con un personaje y pensar que en algún momento pudiéramos llegar a ser un genio como él”.

 

“La realidad estuvo a punto de jugarme una broma macabra”

El actor recuerda que el día del estreno, el 6 de abril de 2022, sufrió a mediodía un accidente en motocicleta. El percance, nos dice, lo dejó con una muñeca fracturada, y tuvo que realizar la función con un yeso en la muñeca. Esta anécdota, señala Murray, es curiosa, pues en la obra interpreta a un actor que constantemente habla de que la obra no se podrá realizar. “La realidad estuvo a punto de jugarme una broma macabra”, nos dice, pero al final la función se pudo dar, “aquel viejo dicho de los actores, el show debe continuar”, remata.

 

El teatro, un proceso de sanación

Sobre lo que significa el teatro en su vida, Rodrigo Murray nos dice: “Yo me casé con el teatro y tengo dos amantes, el cine y la televisión”. Se trata de una terapia y de su vida, confiesa, “no puedo estar un semestre sin hacer teatro”.

El teatro se trata para nuestro entrevistado de un lugar de escape, entretenimiento y aprendizaje, “es gran parte de mi vida”.

El teatro es también un proceso de sanación, tanto para el espectador como para el actor, señala. Hacer teatro, afirma, es muy liberador.

Para más información de la obra, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos:Mariana Xareni.

Orlando y Mikael: Los arrepentidos quinta obra seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024

Orlando y Mikael: Los arrepentidos, de Marcus Lindeen,  es la quinta Obra Seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024. Se trata de teatro documental que nos habla desde un lugar muy humano. El texto trata sobre la búsqueda y la exploración que todos realizamos, de una manera u otra,  durante la vida. El diálogo entre dos personajes solos sobre el escenario atraviesa temas como la identidad y el derecho que toda persona tiene a experimentar, buscar y encontrar su propia esencia.

La historia real de estos dos personajes es muy actual y el montaje tiene el acierto de poner en el papel de Orlando y Mikael a dos actrices trans. Abre así el diálogo sobre la diversidad  y muestra con honestidad un tema que nos acerca como seres humanos y que rompe prejuicios.

Roshell Terranova y Dana Karvelas, y Libertad Palomo y Terry Holiday son las dos duplas de actrices que alternan para dar vida a Orlando y Mikael. Dotan a estos personajes de una verdad particular y que conmueve. Bajo la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui, Orlando y Mikael: Los arrepentidos nos habla desde un lugar en el que vemos la vulnerabilidad del otro, sus anhelos. 

Como ha señalado su director, este montaje, desde la empatía, habla  sobre la complejidad de la identidad de género y los desafíos que enfrentan las personas transgénero.

Integran el equipo creativo de la obra: Josefina Echeverría Angulo en el vestuario; Xóchitl González en la iluminación; Tareke Ortiz en la música original y María Renée Prudencio en la traducción del texto.

Para más información, boletos y descuentos de la obra haz clic aquí

Pulmones

5 datos sorprendentes sobre la obra PULMONES y su relación con el cambio climático

Inició temporada Pulmones en el Foro Lucerna del Teatro Milán. Bajo la dirección de Alonso Íñiguez actúan Regina Blandón y Xavier García, y a partir del 10 de agosto Adriana Montes de Oca se reintegra a la obra para realizar el papel de “M”.

La obra habla sobre el cambio climático y el calentamiento global y cómo modifica nuestras vidas. En Pulmones, su autor, Duncan MacMillan, habla de este tema a partir de una pareja y el cuestionamiento de si vale la pena traer a un niño a este mundo.

La obra fue escrita en 2011, y su autor ha señalado que hace poco más de 10 años cuando escribió el montaje no se sentían los efectos climáticos que en la obra se ven tan cercanos y como se ven el día de hoy.

Se trata de una obra que abre preguntas sobre este tema fundamental desde la comedia y a partir del amor.

Aquí te cuento cinco cosas sobre el montaje y sobre el cambio climático.

1. La producción de México de Pulmones tiene una huella de carbono neutra. Se trata de la primera obra en México con estas características. Para calcular la huella de carbono que genera la obra se tiene el apoyo de ingenieros ambientales para calcularla. Para lograr este objetivo se han tomado medidas como uso de materiales reciclados para la escenografía y el vestuario. Una vez finalizada la temporada, se compensará la huella resultante dedicando una parte de cada boleto vendido a la reforestación.

2. ¿Cuántos bebes nacen en el mundo durante el lapso que dura una obra de teatro? En el costado del escenario se ubican contadores electrónicos que van señalando el número de nacimientos en el mundo que durante el desarrollo de la obra suceden. La cifra al final de cada función es impresionante.

3. El medio ambiente, una preocupación del autor. Pulmones no es la única obra que Duncan MacMillan, su autor, ha realizado sobre la crisis climática. En 2014 estrenó la obra 2071, que coescribió con el científico climático Chris Rapley, del University College London. La obra se presentó por primera vez en el Royal Court Theatre de Londres.

4. El tema del cambio climático es algo complejo y multifactorial. Según distintos estudios, cada niño en un hogar -dependiendo de la fuente- puede generar entre 20 y 56 toneladas de dióxido de carbono al año. Es importante notar que en promedio las emisiones de co2 de cada persona en el mundo ronda las 5 toneladas por año. Sin embargo, es un tema de desarrollo, como muchas cosas en el planeta, un estadounidense promedio produce 15.66 toneladas, mientras que un mexicano ronda las 3.5 toneladas y una persona en Haití apenas .3 toneladas.

5.  Limitar las emisiones. El objetivo de la meta climática es mantener por debajo del 1.5 grados Celsius desde la era preindustrial con el fin de limitar o paliar los impactos del cambio climático. Según datos de Climate Action Tracker, si los países mantienen sus metas del Acuerdo de París, para 2100 es posible limitar a 2.7 grados este incremento, con las políticas actuales se llegaría a 3.6 grados y de no hacer nada, se dispararía hasta 4.5 grados.

Pulmones es una obra perfecta para reflexionar sobre este tema y nuestro impacto como individuos sobre el medio ambiente. Si quieres saber más sobre este tema puedes consultar los materiales que genera el Grupo Intergubernamental de Expertos sobre el Cambio Climático, Naciones Unidas y otras organizaciones ambientales.

Para saber más sobre Pulmones, horarios, boletos, y más haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

El poder del teatro LGBTQA+: El impacto del documento frente a la ficción

El título nos lo indica: sucedió hace treinta años, cuando la forma de vivir y asumir la vida -y la muerte- era distinta a la de nuestros días.

Un joven actor, el más destacado de su generación, está en Xalapa para interpretar una obra sobre el escritor Yukio Mishima, bajo la dirección de uno de los más importantes creadores de la vanguardia de esos años. El recorrido del actor por la tragedia del escritor japonés va en paralelo con la propia: Junio tiene VIH y será su estancia en la ciudad veracruzana la que detone todos sus demonios, instintos y deseos, mientras convive con su amiga trans, Venus, con el exigente director y con los hombres de la ciudad. La pulsión de muerte y la pulsión de vida como una misma, sobre el escenario, sobre las calles xalapeñas.

Escrita a partir de las memorias del actor Alejandro Reyes, Junio en el ’93 es uno de los éxitos más sonados y recientes del teatro mexicano. Un texto de Luis Mario Moncada dirigido por Martín Acosta -dos creadores que, al igual que Reza, irrumpieron con fuerza en la escena de aquellos años noventa- que se ocupa, a través de un montaje íntimo y poderoso, de evocar cómo era el vivir con VIH tres décadas atrás y cómo esa pandemia se vivió dentro del ámbito del teatro. Para eso, ficción y documento se dan la mano, aunque es éste último el que prevalece. Los nombres de los personajes son otros, sí, pero lo que les sucede en escena es lo que les sucedió en la vida.

Moncada y Acosta lo saben y en su obra no hacen más que rendir un tributo a la vida y obra de Alejandro Reyes, al mítico montaje de Mishima de Abraham Oceransky y, por supuesto, a una época en la que el VIH era visto y vivido desde un ángulo muy distinto al de hoy en día.

Junio en el ’93 se beneficia de estupendos actores: Baruch Valdés, Miguel Jiménez, Medín Villatoro y Mel Fuentes, actriz que ha resultado toda una revelación y que, por fortuna, ha aprovechado los elogios hacia su trabajo para continuar explorando y experimentando sobre la escena, tal como lo hace con el monólogo Blanco Fácil, en el cual dirige a Santiago Salazar, autor del texto en el que comparte los momentos más relevantes con respecto a su transición y su búsqueda constante no por ser un hombre, no por ser una persona trans, sino simplemente ser en este mundo. El documento se expresa de primera mano, sin intermediarios: Santiago ha escrito su historia para compartirla frente al público y éste revive con él, desde la convención teatral, sus andanzas.

En esta estela de historias trans, destaca en nuestra Cartelera de Teatro el retorno de Orlando y Mikael: Los arrepentidos, una obra que tuvo que ser primero un documental televisivo en el que los protagonistas reales tomaron la palabra, para luego subir al escenario con dos actores. Hace 10 años, la obra fue escenificada en México por Sebastián Sánchez Amunátegui, quien entonces dirigió a Margarita Sanz y Alejandro Calva, dos referentes de la actuación en nuestro país.

Una década más tarde, el director retoma el montaje, pero ahora con una diferencia fundamental en su concepto: Orlando y Mikael son incorporados por cuatro actrices trans, cuatro mujeres que conocen los encantos y demonios de la transición y, sobre todo, de la búsqueda de ser en la vida quien realmente se desea ser. Actualmente Roshell Terranova, Dana Karvelas, Libertad Palomo y Terry Holiday interpretan esta obra que, más que testimonial, resulta confesional, íntima.

No es gratuito el que la actual cartelera esté plena de obras que abordan la diversidad y la disidencia sexual y afectiva. Dentro y fuera del escenario hay una conciencia y una lucha cada vez más apasionadas y visibles para poner en su justo sitio los derechos y el respeto hacia la comunidad LGBTQA+ y, con ello, eliminar todas las fobias que social y políticamente se han impuesto en contra de la diferencia.

Aunque, hay que decirlo, si bien en nuestro tiempo vemos una proliferación de propuestas que rescatan el testimonio y el documento para dar a conocer algunas de tantas historias cotidianas a las que se enfrenta la población LGBTQ+.

A lo largo de nuestra historia teatral ha habido notables ejemplos de éstas obras, como Y sin embargo se mueve, el espectáculo en el que José Antonio Alcaráz y un elenco que incluía a Tito Vasconcelos -quien a lo largo de su impecable trayectoria ha abordado el documento, el archivo y el testimonio desde la trinchera cabaretera- daban cuenta, en primera persona, de lo que era ser homosexual en el México -y en el Distrito Federal- de 1980.

Obras escenificadas y celebradas en nuestro país como Un corazón normal de Larry Kraemer, bajo la dirección de Ricardo Ramírez Carnero, Yo soy mi propia esposa de Dough Wright, uno de los puntos más altos de la trayectoria actoral de Héctor Bonilla.

O bien, obras que actualmente están en cartelera como Todo mundo habla de Jamie o Noche de reinas son obras que parten del documento y, aunque se cuele algo de ficción en sus diálogos o en sus situaciones, impera la conciencia de que eso que está sobre el escenario sucedió tal vez hace varias décadas o quizá hace no muchos años, pero sucedió y puede encontrar su evocación más justa sobre las tablas.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía

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La UAM presenta su primera compañía de teatro con el estreno de ATRACCIONES LEAR

La Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) presentó su primera compañía de teatro con el estreno de la obra, Atracciones Lear, compuesta en su totalidad por miembros de la comunidad universitaria, que presenta una corta temporada en Teatro Casa de la Paz.

Esta iniciativa a cargo de Arnaud Charpentier, subdirector de Artes Escénicas, surgió ante la necesidad de tener algo representativo de la Universidad.

Al respecto, Charpentier explica: “Lo raro es que la UAM no tenía una compañía de teatro, yo pensé que existía, y nos dimos cuenta que no. Cada unidad tiene actividades artísticas y por supuesto hay teatro, pero no tenía algo representativo y nos dimos cuenta de que el Teatro Casa de la Paz, a nivel geográfico, podía ser un buen centro para que se juntará gente de varias unidades”.

Por lo cual, el subdirector se dio a la tarea de lanzar una convocatoria que resultó muy exitosa, al recibir más de 200 solicitudes a las que respondieron, alumnos, maestros, personal administrativo de todas las unidades que conforman la institución educativa.

En este sentido, el Arnaud resalta: “Cuando lanzamos esta convocatoria recibimos más de 200 postulaciones, nos pareció muchísimo, no pensamos que tuviéramos tanto interés. Decidimos tomar las 20 primeras que respondieron, y encontrar el presupuesto para lanzar las premisas de una compañía universitaria con un director o directora invitada que cambiará cada semestre”.

Tras un proceso de selección, la compañía creada por y para los universitarios, comenzó sus primeros ensayos, con el acompañamiento de un director invitado que en esta primera etapa corre a cargo de Eduardo Castañeda.

Con relación a esto, Arnaud comparte: “Teníamos muchas propuestas y talleres de parte de la comunidad artística, de directoras y directores. En aquel momento estaba pensando trabajar sobre un taller con Eduardo Castañeda, y en lugar de hacer su propuesta de taller, le propuse ser el primer director interno de la compañía UAM, cosa que aceptó con mucho gusto, porque siempre ha colaborado con la UAM”.

Añade: “Le gustó la idea y redactamos juntos la convocatoria con las especificaciones. Al principio pensamos que fuera solo para estudiantes, pero después decidimos integrar a toda la comunidad de la UAM. Se abrió a profesores, trabajadores y les pedimos una pequeña carta de intención”.

Luego de un proceso arduo de audiciones, esta primera compañía quedó integrada por miembros de la comunidad universitaria de muy diversos planteles y especialidades, desde personal administrativo, profesores, investigadores, doctorantes, alumnos de licenciaturas como Física, Psicología, Arquitectura y Diseño Industrial, entre otras.

Después del taller de audiciones que se dio a principios de febrero, Eduardo escogió a 14 actores y actrices, que vienen tanto de la UAM Iztapalapa, Cuajimalpa, Xochimilco, Azcapotzalco”, indica el subdirector.

Esta primera compañía presentó su primera obra, Atracciones Lear, basada en el Rey Lear de W. Shakespeare, dirigida y adaptada por Castañeda, en un ambiente tropical cubano que se montó en 15 semanas y vio la luz el pasado 24 de junio en el Teatro Casa de la Paz.

La propuesta narra los sucesos después de la guerra desatada entre sus hijas. El reino de Lear queda aislado y en una guerra de trincheras, cada uno de los bandos se declara heredero legítimo. Por su parte, Lear se encuentra atrapado junto con la compañía de bufones, como fenómeno de feria, quienes recrean una y otra vez la comedia de su desgracia, uniendo los pedazos de historia que va recordando Lear y haciendo su mejor esfuerzo para hacerla divertida.

Si bien el subdirector señala que la compañía no está a la altura de la ENAT o el CUT, espera que gradualmente el proyecto tome relevancia y genere más interés de la comunidad, incluso poder llegar a participar en festivales:

Con relación a esto, Arnaud Charpentier,  expresa: “Empezamos de manera humilde, invitamos a un profesional para montar este proyecto en 15 semanas, es muy corto, es una compañía amateur, pero poco a poco, a lo largo de los semestres va a progresar y esperamos lanzar la importancia de la semilla de las artes escénicas de la UAM”.

Agrega: “La idea es que la compañía tenga una pequeña temporada en Teatro Casa de la Paz y luego se irá de gira a las unidades de la UAM que cuenten con un auditorio o no, que se pueda adaptar a todos los espacios, y a la larga, pueda presentarse en festivales externos, universitarios. Nos inscribimos al FITU, en un Festival cultural de Guanajuato, la idea es que poco a poco vaya representando a la UAM”.

Atracciones Lear se presenta este 30 de junio y 1 de julio en Teatro Casa de la Paz, ubicado en Cozumel 33, Col. Roma, las funciones son de entrada libre y está abierto a público en general, para más información da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Teatro Casa de la Paz

Actorxs que nos llenan de Orgullo

El teatro siempre ha sido el refugio ideal para todos aquellos que se sienten incomprendidos. Los espectadores se encierran en una sala teatral donde el área de butacas se queda sin luz para que ellos se concentren en lo que sucede arriba del escenario y así puedan conectarse con la historia que los actores cuentan. Los asistentes lloran, ríen, se identifican y quizás, se irán a sus casas con alguna reflexión a cuestas que posteriormente provoque un cambio en ellos.

En ocasiones, los intérpretes escogen meticulosamente las obras a representar porque algo en el proyecto les llamó la atención o porque se reconocieron en la trama y consideran que es de suma importancia transmitir esas historias a los demás. Resulta fundamental brindar mayor atención a personajes del colectivo LGBTQA+ para que el público escuche sus relatos y empatice con ellos. Afortunadamente cada día surgen más obras con estas temáticas y México cuenta con actores comprometidos y capaces de contar dignamente estas historias arriba del escenario.

A continuación, Cartelera de Teatro presenta una lista de personalidades que han decidido visibilizarse públicamente como parte del colectivo y que con frecuencia llenan de colores la cartelera mexicana gracias a su talento, esfuerzo y dedicación.

1. Martín Saracho. Actor de 31 años que ama su profesión y cree firmemente que siempre hay que meterle pasión a lo que sea que te dediques. Le gusta mucho escribir y piensa que es muy importante ser agradecido con los otros y con uno mismo. Le ha tocado participar en series (El club, Amarres), películas (Háblame de ti) y obras de teatro (Estúpida historia de amor en Winnipeg, La piedra oscura, Siete veces adiós) con temática LGBT+. Alguna vez un conocido del medio artístico le cuestionó si no le importaba que lo encasillaran con personajes homosexuales y Martín le respondió con otra pregunta: ¿a ti te importa que te encasillen con personajes heterosexuales? Saracho considera que sus personajes han sido distintos a pesar de tener en común la misma orientación sexual. Está orgulloso de haberlos encarnado, siente que cuando era niño no existían referentes suficientes en los medios y le hubiera gustado verse identificado. Está seguro que la representación de personajes gays en los medios puede llegar a salvar vidas y le encanta que las nuevas generaciones ya puedan disfrutar de historias inclusivas que ayuden a sanar el dolor y el miedo. Se siente un actor pleno al participar en la versión Él y Él del exitoso musical Siete veces adiós (escrito y dirigido por Alan Estrada que a principios de 2023 confirmó en redes sociales y ante los medios de comunicación que él era un hombre gay). Saracho siente que nunca había visto que una obra musical se centrara en el rompimiento de una pareja homosexual de una forma tan verdadera, cruda y emotiva. Lo anterior lo motivó a integrarse al proyecto que hasta el momento considera uno de los mejores aciertos de su carrera.

2. Sergio Velasco Es un actor de origen español que actualmente participa en la obra Smiley de Guillem Clua. Desde hace ocho meses es uno de los conductores del programa Con todo respeto que se emite vía youtube y se centra en brindar noticias del mundo drag y del colectivo en general. Le da mucho gusto ver que en los últimos años la cartelera mexicana cuente con montajes con temática LGBT+ como Junio en el ’93, The prom, Afterglow, Los arrepentidos, etc. Velasco prefiere las historias donde el conflicto no se centra en la salida del clóset del personaje y eso es lo que más le atrajo de Smiley, una comedia donde los personajes viven plenamente su sexualidad y en su universo no existe nadie que los juzgue por su orientación. Afirma que ser un actor abiertamente gay no significa que sólo debes interpretar personajes inmersos en el colectivo LGBTQA+, pero le encanta la idea de volverse un referente para ayudar a otros a ser valientes y aceptarse como son.

3. Julls Granados. Es actor, cantante, bailarín y drag. Al considerarlo como un artista completo, creativo y talentoso, el coreógrafo y director Óscar Carapia le aconsejó que creara un personaje drag. Así nació “La Lupe”, una mujer disruptiva, barbona, de cráneo reluciente, pestañas postizas y maquillaje estridente que hace seis años contó su historia por primera vez en el Teatro Bar El Vicio bajo el título La mujer hecha hombre. Actualmente se presenta los fines de semana en el Foro Stelaris del Fiesta Americana Reforma en el show musical Vedette. Aquí, la Lupe funciona como la host ideal del espectáculo que se encarga de animar al público e involucrarlo en un ambiente de ensueño. Con casi dos metros de estatura, es irreverente y políticamente incorrecta, le tira a todo lo que “se supone” no se le debe tirar y logra carcajadas estruendosas en los asistentes. Granados no está de acuerdo con ningún tipo de censura en el arte y cree fielmente que hay que tratar cualquier tema por más escabroso que parezca. Cuando empieza el show, le gusta preparar a su público: primero se molesta a él mismo para que los demás vean que no le afecta su propia crueldad y así después pueda llevarse “pesado” con los espectadores. Siente que la representación LGBTQA+ predomina en el teatro musical, pero que aún hace falta trabajar mucho para que también esté presente en los otros géneros.

4.Valeria Vera Empezó su carrera artística siendo una niña. A los 11 años formó parte del grupo musical A.T.M. y algunos años después se integró en la agrupación B.A.S.E. Tiene una larga trayectoria en teatro, cine y televisión. Entre sus principales trabajos arriba de los escenarios se encuentran: Hoy no me puedo levantar, Avenida Q, Amor sin barreras, Chicas católicas, Ni princesas ni esclavas, Principito Awake y actualmente interpreta a Lamore en la versión Él y Él del musical Siete veces adiós. Valeria Vera nunca ha ocultado su orientación sexual y siempre ha sido honesta con ella misma y con su entorno. En una entrevista reciente para El Sol de México comentó lo siguiente: “El tema de la inclusión en la industria del espectáculo nos ha generado romper con los moldes y estereotipos, por más incómodo que sea, me hace ser una mujer con un amor propio, segura de quién soy, de amar a las personas, todo esto lo llevamos a escena”.

5. Jerry Velázquez. Es un actor y cantante mexicano. Hace seis años fue uno de los protagonistas de la serie LGBTQA+ Con lugar transmitida por YouTube. Actualmente actúa en el musical Mentidrags y en la comedia Smiley, dos propuestas que le llegaron casi al mismo tiempo y de las cuales se siente muy afortunado de participar. Considera que una de las grandes virtudes de la versión mexicana de Smiley es la adaptación (Joserra Zúñiga junto con el elenco) ya que ha logrado una mayor conexión con el público al utilizar referencias populares y chistes del colectivo LGBTQA+ en México. Le ilusiona que en la cartelera de la CDMX cada vez existan más obras con temática gay pero le gustaría que no se convirtieran en propuestas acogidas únicamente por el colectivo, sino que cualquier persona tuviera la curiosidad por escuchar estas historias. A Velázquez le gusta pensar que él como artista puede ser un referente positivo para otras personas, alguien que vive su vida en plenitud, que se siente retado y realizado profesionalmente y que busca un crecimiento en el arte; de esta forma espera que su vida pueda ayudar a otras personas que no la están pasando tan bien para darles seguridad y confianza de que tarde o temprano las cosas mejoran y se puede alcanzar la felicidad.

6. Regina Voce (la reina de la voz). Es una de las drags mexicanas más famosas a nivel internacional. En 2021 participa en el reality show de Paramount+ Queen of Universe y en 2023 se integra a las filas de Drag Race Mexico. Anteriormente su nombre artístico era Anuar Kuri; participó en obras musicales como: Jesucristo Superestrella, Los Miserables, Rock of ages, The hole, Timbiriche el musical, entre otros. Kuri recorrió el mundo al formar parte del elenco del Cirque du Soleil. En 2016 concursó en el programa televisivo La voz México donde destacó por su rango vocal y por atreverse a cantar arriba de unos enormes tacones. Actualmente se presenta en las obras Mentidrags (donde interpreta a Yuri) y Todo el mundo habla de Jamie, así como en el espectáculo Dragaret. Él no buscaba ser drag, considera que esta expresión artística lo encontró a él y al convertirse en Regina Voce se siente una creadora escénica más auténtica, única y especial que puede disfrutar de su femineidad y expresarse al máximo como le plazca. Piensa que el que un actor o actriz pertenezca al colectivo LGBTQA+ hace que al representar personajes de estas características el trabajo se haga con mucha pasión y respeto y con una enorme necesidad de que las historias sean contadas dignamente. Tiene la idea de seguir haciendo muchos proyectos bajo el nombre de Regina Voce y le gustaría convertirse en una especie de sanadora para transmitir que la vida es extraordinaria y bella.

7. Joaquín Bondoni. Es el actor más joven de nuestra lista (20 años). En 2018 se dio a conocer en la televisión mexicana al interpretar un personaje homosexual en la telenovela Mi marido tiene más familia y debido al éxito, un año después, volvió a interpretar al mismo personaje en la serie Juntos, el corazón no se equivoca. En teatro ha participado en Aristemo el musical, Distorsión y actualmente se encuentra en cartelera con la obra Todo el mundo habla de Jamie donde interpreta a un adolescente que sueña con ser una drag queen. En una reciente entrevista, Bondoni señaló que este montaje no es exclusivo del público gay, sino que la debería de ver todo el mundo porque todos somos parte de una sola cosa y Jamie nos recuerda la importancia que tiene cualquier ser humano. Aunque se ha dado cuenta de que “ser como es” (en un país homófobo) puede llegar a incomodar a otras personas, no le importa, Bondoni afirma que en la vida te va mucho mejor siendo tú mismo.

8. César Enríquez. Es un actor, dramaturgo, productor, director y activista (forma parte del colectivo Poder Prieto). Él mismo se define como un ser humano que está en continua deconstrucción tanto en su identidad como a nivel artístico. Se le considera una figura importante dentro del cabaret en México. Mientras estudiaba actuación sintió el rechazo de algunos maestros por considerarlo demasiado “femenino”; así que por un tiempo escondió algunos rasgos de su personalidad para darle gusto a los demás, aunque no se sintiera pleno. Cuando empezó a escribir, se dio cuenta que tenía que exponer lo que él sentía: hablar sin tapujos de su identidad. Enríquez empezó a crear personajes femeninos para representarlos él mismo en el escenario con la intención de darle voz a todas esas personas que durante años habían sido silenciadas. Triunfó con su monólogo La Prietty Guoman, una historia que
tiene como personaje central a una prostituta transexual (Enríquez considera que es el grupo más vulnerable y abandonado dentro del colectivo LGBTQA+). Recientemente interpretó a Lamore en el musical Siete veces adiós. Entre sus trabajos más representativos se encuentran Fierce/Fiera, Por jodidos y hocicones mataron a los actores y Noche de reinas.

9. Libertad Palomo. Dio mucho de qué hablar en 2001 cuando se mostró al mundo como una mujer transexual, después de haber tenido una amplia trayectoria como villano de telenovelas. Durante algún tiempo se sintió encasillada con los papeles que le ofrecían; en teatro interpretó a Bugambilia para la obra Aventurera y en televisión destacó en la telenovela Los Sánchez interpretando un personaje trans. Al sentirse limitada por los personajes que le otorgaban se puso a producir y a generar su propio trabajo con la intención de explorar otro tipo de proyectos. En junio de 2023 regresó a los escenarios con el montaje Orlando y Mikael: los arrepentidos. bajo la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui. Aquí interpreta a un hombre transgénero que se arrepiente de haberse reasignado como mujer. Aceptó este personaje por considerarlo todo un reto y por darle atención a la constante crítica a la que se someten las personas trans, incluso dentro de la comunidad LGBTQA+. Libertad es una artista comprometida con su profesión y afirma que ella es capaz de interpretar tanto papeles masculinos como femeninos.

10. Marcos Radosh. Es un actor que muy seguido está presente en la cartelera teatral mexicana. Destacan sus participaciones en las obras Pequeñas grandes cosas, El hilador y en el monólogo El show debe continuar. Pablo Cué (Rebeca), Raúl G. Meneses (Malena) y Marcos Radosh (Janet) dan vida al concepto Las mamás presentan con el que han presentado distintos shows (Una noche en Navidad, Noche de Juegos, etc.). Radosh respeta y admira el trabajo de “las dragas” y afirma que lo que él y sus compañeros hacen no entra en ese terreno y tiene que ver más con la construcción de personajes dentro de la farsa con un humor blanco, juguetón e incluso absurdo. Se siente afortunado de que estos personajes sigan creciendo con el paso del tiempo y que lleven alegría al público que les recompensa su trabajo abarrotando sus espectáculos y regalándoles sus risas y aplausos. De la mano de Eduardo Soto, hace tres años “las mamás” abrieron su canal en YouTube donde tienen un programa semanal (con más de 74,000 suscriptores). Radosh considera que actualmente hay una gran apertura para los espectáculos drags y obras LGBTQA+ y siente que eso genera más visibilidad y aceptación. No le gustan los montajes que siguen mostrando clichés o estereotipos de la comunidad gay utilizados en décadas pasadas, cree firmemente que el mundo ha evolucionado y que hay muchas historias interesantes que contar.

Por Kerim Martínez, Fotos: Cortesía

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MEDEALAND, un personaje que dinamita uno de los mitos más potentes del patriarcado

Medealand, de la dramaturga sueca Sara Stridsberg, está por finalizar temporada en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del CCU. La obra reinterpreta a Medea, bajo la dirección de Esther André la historia sucede en la mente de este personaje mitológico.

Medea se coloca al lado de grandes personajes que cualquier intérprete gustosamente daría vida. Está al lado de Ricardo III y de Lady Macbeth en la galería de personajes que consagran a una artista.

Paula Watson encabeza el elenco de Medealand, en entrevista nos platica que se trata de uno de esos textos que al leerlo sabes que deseas hacer. Hacer una Medea, señala, para cualquier actriz es un reto increíble, es una oportunidad donde dices, “lo tengo que hacer, aunque dé terror”.

La actriz, explica, conectó con el personaje y le generó muchas preguntas. la sensación “fue como un terremoto interior saber qué podría ocurrir y, afortunadamente, congeniamos bien la directora y yo”.

Un personaje que dinamita a otro mito

El mito de Medea es un mito sobre el cuál se ha escrito mucho, un personaje sobre el cual se han realizado más de 500 versiones. Es un personaje central en la literatura occidental, sin embargo, durante mucho tiempo ha sido visto desde el lado negativo. Mientras que en la tradición literaria Jasón -padre de sus hijos- , comandando a los Argonautas, es el héroe audaz, ella fue mucho tiempo vista como la mujer vengativa capaz de matar a sus propios hijos.

Es reflejo de una sociedad griega que tenía miedo a la diferencia. Se trata de un personaje contrario a los modelos femeninos de la época, es una disidente en muchos sentidos. Posee atributos que la hacen temible ante la mirada masculina: mujer de inteligencia privilegiada, con poderes mágicos, independiente y extranjera en el mundo griego. Una especie de contraparte del ingenioso Ulises; sin embargo, lo que en el héroe griego se reconoce como ingenio en ella se ve como uso caprichoso de sus capacidades.

Afortunadamente, al paso de los años, la figura de Medea se ha ido viendo bajo otra luz, bajo una luz más justa. La directora ha dicho que “es un personaje que dinamita a otro mito, uno de los más potentes del patriarcado: el de la maternidad” (Gamboa Nicolás, “Medea, una mujer que exige justicia”, Gaceta UNAM, 5 de junio 2023).

El trabajo de acercar un mito tan grande

Paula Watson nos cuenta que el proceso de Medealand fue un proceso largo que duró tres meses. Para preparar el papel inició en solitario, como suele hacerlo, leyendo y viendo muchas versiones de Medea. A partir de ello, fue preguntarse qué Medea deseaba hacer -para lo cual, dice sonriendo, todavía no tiene respuesta-.

Estos personajes míticos tan grandes y complejos los sentimos lejos, explica la actriz. “El trabajo fue acercarla, traerla al estrato más individual y personal” para entender sus pasiones, sus emociones y poder accionar desde ahí.

Posteriormente, narra, comenzaron los ensayos, durante los cuales se realizaron muchas improvisaciones, pues la directora traía un método de mucha improvisación dentro de los personajes. “Hubo momentos muy ricos de improvisaciones que también fueron alimentando y complejizando el personaje”, señala. Esto le permitió ver otros lados de Medea para encontrarla muy humana y capaz de ser incongruente incluso.

“Un personaje tan complejo que me obligó a actuar diferente”

Medea es una sobreviviente, prueba de ello es que de las 92 obras que se sabe que escribió Eurípides, sólo 19 se conservan, entre ellas, la tragedia Medea. Sus características hacen que darle vida sea un reto.

Uno de los retos que tuvo Paula Watson fue trabajar la línea y el arco de “un personaje tan complejo que me obligó a actuar diferente”. Al respecto explica, que si bien normalmente ella piensa mucho en la circunstancia del personaje y hace un estudio, “me di cuenta que a la hora de entrarle no me servía”. En este sentido, señala, el tema exige lugares donde ella no ha estado, el “dolor de matar a tus hijos, ¿cómo representas eso?, es muy difícil”.

Entonces, fue conectar desde lo más presente con quien tiene en escena, “construir el personaje a partir de eso, de los impulsos más primarios que intuía y que tenía. Fui menos metódica que otras veces, ese fue un reto para mí”. Agrega, “realmente fue aventarme al abismo y ahí descubrir, ir haciendo mi estructura de alguna manera”.

Otro reto importante, reconoce, fue la cantidad de texto. El reto en una temporada con cinco funciones a la semana, explica, es sostener la energía, y mantener la mente y la atención “donde tiene que estar”. No poner ningún juicio sobre el personaje, deshacerse de los juicios, “ser consciente todo el tiempo de cómo embestir la ficción desde otro lugar, fue un reto muy gozoso”.

Actoralidades trabajando en favor de la obra

En este montaje, destaca Watson, se logró en el elenco una amalgama de personas generosas y talentosas que alimentan e imprimen algo al montaje. Son gente, señala, en las cuales confía y de quienes aprende. Se trata de distintas actoralidades trabajando en favor de la obra.

La dirección, a cargo de Esther André, fue un proceso muy profundo. En él hubo mucha indagación, fue exigente y confrontador. Esto, agrega la actriz, llevó a un resultado donde -por lo que han percibido- se conecta e impacta a la audiencia. “Se trabajó hacia adentro, y eso lo agradezco mucho, es una obra que no tolera quedarse encima, sino ir cada vez más hacia adentro”, señala.

El montaje golpea a las mujeres de formas distintas, “no más, ni menos, solamente diferente”. Esto, dice, la ha conmovido, pues es importante poder conectar y generar en la gente que confronte sus emociones, “que a veces en esta sociedad es lo que más necesitamos”. Estas emociones, nos ayudan “como seres humanos a indagar en nosotros mismos y, de cierta forma, tal vez a ser mejores seres humanos”.

Para Watson todo el proceso fue muy estimulante, pues como actriz y creadora es interesante apostar a las cosas que suceden en escena. “Todo el tiempo es un teatro muy vivo”, afirma.

El teatro es “un espacio sagrado en el que genera contacto”

Sobre su trabajo en teatro se dice muy afortunada, pues se trata de su vocación desde la infancia. Poder ejercer su vocación y vivir del teatro, señala ha sido “glorioso”. Se trata del espacio al que dedica la mayor parte de su atención; es, para ella, un espacio sagrado en el que genera contacto y relación consigo misma y con los demás.

Al respecto, subraya: “Ese contacto presente, siento que como humanidad es lo más primitivo que hay y que me conecta, nos conecta, y que lo necesitamos todo el tiempo, recordarlo, recordarlo, vernos en el otro, en la otra. Para mí es el espacio más bonito y feliz que tengo, la verdad”.

Lo que está por venir para la actriz

Finalmente, Paula Watson nos adelantó que está por estrenar Barbarie, una obra de Sergio Blanco bajo la dirección de Luis Eduardo Yee, la cual se presentará también en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz. Además, se presentará con Assira Abate en Toto y Pez, escrita por Luis Eduardo Yee, la cual se trata de una obra para infancias.

Para octubre, nos cuenta, se presentará en el Cervantino una obra que viene de Alemania y en la cual tuvo la oportunidad de trabajar el año pasado, “comandada por David Gaitán”. Adicionalmente, también presentará en el sótano del Teatro del Bosque Julio Castillo un proyecto que ella realizó con su Fonca: Ricitos de Oro no habla alemán.

Para más información de Medealand, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Teatro UNAM / José Jorge Carreón.

Especial Día del Orgullo LGBTIQA+: El teatro como radiografía de la sociedad

El 28 de junio se celebra el Día Internacional del Orgullo LGBTQA+. Se trata de una fecha que, originalmente, conmemora los disturbios de Stonewall, en 1969 en la ciudad de Nueva York. Esa fecha se marca como el inicio del movimiento de defensa de los derechos de la comunidad LGBTQ+.

El teatro es una herramienta para visibilizar y para hablar de una sociedad. En la cartelera de la Ciudad de México hay un buen número de montajes que tocan la temática de la diversidad desde distintos géneros y desde distintas ópticas. Junio en el 93, Orlando y Mikael: Los arrepentidos, La golondrina, Todo mundo habla de Jamie, Smiley, y el Ciclo Albricias Diversas de la Coordinación Nacional de Teatro o Entre lenchas, vestidas y musculosas del Sistema de Teatros de la CDMX son solo unos ejemplos.

El teatro es un “agente de cambio, de transformación, somos agentes de concientización”, dice el actor y director Juan Ríos. Mientras que el director escénico Sebastián Sánchez Amunátegui sostiene que la diversidad de la sociedad es un tema del que hay que estar hablando, “por más que un grupo no lo quiera ver, esto ya está ocurriendo, el mundo ya es diverso”.

Para celebrar este día nos acercamos para platicar sobre él con ambos directores, la actriz trans Dana Karvelas, el actor  Jerry Velázquez, la creadora escénica Myrna Moguel, la actriz y directora Pilar Boliver y con el elenco de Pachecas después del funeral. A fin de cuentas, es su visión la que nos habla de esta diversidad que queremos celebrar.

 

Vínculos en una sociedad diversa

El teatro es un espacio que se presta, por su naturaleza, a la diversidad. Es un lugar donde podemos vernos reflejados en el otro y ver a la sociedad reflejada. Ahí podemos ver lo mejor y lo peor de nuestro entorno: preocupaciones colectivas, retos y desafíos, deudas históricas y rezagos.

La diversidad es un tema que el director Sebastián Sánchez Amunátegui aborda en sus montajes frecuentemente. Su visión es hacer teatro desde las cosas que le interesan y con las que comulga. En este sentido, su postura es que hablar de la temática LGBT+ es importante, “siempre desde una perspectiva que todas caben en las obras”.

Entre las obras con esta temática que del director he visto recuerdo algunas como Tiernas criaturas, Estúpida historia de amor en Winnipeg, Mi querido capitán o actualmente Orlando y Mikael: Los arrepentidos. En ellas el tema no es sí la orientación sexual de los personajes, si bien es desde donde se aborda una historia, la verdadera profundidad está en los vínculos que estos personajes desarrollan dentro de determinado entorno social.

Al respecto, señala Sebastián, se trata de historias que están marcadas por el entorno de una sociedad y de la vida cotidiana. Abordar sus montajes desde la comunicación entre los seres humanos es lo que unifica los discursos: “Siempre busco hablarles de lo que me interesa a mí como gay. Hablar de los vínculos que yo genero en la sociedad, me gusta reflejarlos en el teatro, pero esos vínculos son en una sociedad diversa”.

La realidad a través del tiempo ha ido cambiando

Narrar y escuchar estás historias genera dinámicas de transformación, tanto para los creadores como para el público. Para el actor y director Juan Ríos (Los chicos de la banda, Happy, Afterglow) se trata de ver en el teatro una radiografía de nuestra sociedad. “Se trata de concientizar, de hacer consciente a la población, de hacer consciente a la sociedad de lo que ocurre” para finalmente aprender algo.

En este sentido, Ríos Cantú, considera que hay obras que han sido fundamentales para revolucionar las conciencias. Entre ellas, menciona a Los chicos de la banda y Un corazón normal.

Los chicos de la banda estrenada en 1968, habla de lo que sucedía en Nueva York en aquel entonces a través de 8 personajes “cuya preferencia sexual, era, digamos, lo diferente a lo que se consideraba normal, en el sentido de estar siguiendo la norma”. Al respecto, puntualiza, en aquel entonces se consideraba un delito la práctica homosexual.

En los años ochenta, Un corazón normal habla de lo que el gobierno de los Estados Unidos hizo con relación a la información sobre los primeros afectados por el VIH. En su momento la enfermedad fue calificada como incurable, y “mató a tantas y tantas personas por el hecho de no haber informado adecuadamente el gobierno lo que estaba sucediendo con la comunidad gay”, explica el director.

Finalmente, a estas obras, Ríos suma Afterglow, que actualmente dirige. En las tres obras los personajes juegan desde realidades completamente diferentes, desde ser una práctica proscrita en los años 60 del siglo pasado, hasta una pareja en la actualidad legalmente casada. Sobre este punto, advierte: “Vemos que la realidad a través del tiempo ha ido cambiando, si no consideramos que el teatro ha sido parte fundamental de esto, me parece que estaríamos muy equivocados”.

Desde dónde contar las historias

La manera en que el teatro puede transformar a la gente atraviesa por los puentes que se tienden entre creadores y público. Dana Karvelas, quien da vida a Orlando en Orlando y Mikael: Los Arrepentidos, siente que en el teatro se crea una energía diferente. “Si pones una obra de teatro con cierto tema, a lo mejor ríspido o medio polémico, por así decirlo, de alguna manera vas a crear algo en la gente que la vaya a ver, vas a crear que saliendo de ahí ellos van a tener un tema de conversación”.

Karvelas destaca, en este sentido, que cualquier representación artística, sea cine o teatro, sirve para generar conciencia. Se pueden tocar, nos dice, temáticas más fuertes y abordarlas desde otro punto de vista.

Para el director Sebastián Sánchez Amunátegui es importante no hablar desde el sufrimiento, sino hacerlo desde el arrojo, “desde el yo soy así y desde aquí me lanzo”. En ese sentido, “el sufrimiento puede ser una consecuencia de mis acciones como personajes de mis obras, pero ese sufrimiento lo tenemos todos de distinta manera, es interesante ver cómo lo viven los personajes, pero no es un discurso de sufrimiento”.

Lo que hay que hacer, señala, es presentar personajes que sufren, pero que también se divierten. “Lo que genera mayor inclusión es mostrar a los personajes en su riqueza, no generar discurso maniqueos […] de lo bueno y lo malo, que ya son temas bastante caducos”. agrega.

Sánchez Amunátegui explica que ahí radica lo interesante de los personajes, “busco esos textos, donde los personajes son arrojados y eso es lo que hace que sean divertidos, y al mismo tiempo que haya un mensaje y que haya una postura”. La vida cotidiana, afirma, no es sufrimiento, es ir adelante con lo bueno y con lo malo.

¿Quiénes narran estas historias?

En los últimos años se ha ido dando un cambio paulatino en quiénes narran las historias. En este sentido, Jerry Velázquez considera que hace algunos años estas historias con temática LGBTQA+ las hubieran contado hombres heterosexuales cisgénero. Actualmente, estas historias están siendo representadas por personas “que viven día a día estas realidades”, como nos dice el actor.

El quien cuenta estas historias es un tema muy importante y fundamental para cambiar el enfoque de la sociedad. Para Jerry, la importancia de esto radica en que se trata de sectores de la población que siempre han sido discriminados. “Aquí tienen la oportunidad de ser ellos al 100% y poder interpretar estos personajes”, puntualiza.

Sobre cómo se cuentan estas historias, Dana Karvela destaca el hecho de que en Orlando y Mikael: Los arrepentidos, se hayan elegido actrices trans. “Eso ya es un cambio de mentalidad”, afirma. Subraya que el público también ha cambiado, si bien hay un público asiduo al teatro, considera, “también hay un nuevo público para el teatro”. Se trata de un salto en la mente de muchas personas de cómo se perciben ahora las identidades trans.

Se trata sobre la verdad y la potencia,afirma Karvelas. Sobre esto explica: “La identidad trans no es un personaje, es una identidad. El personaje es que sea bailarina, que sea abogada, que vende chicles, ese es el personaje. La otra es una identidad”.

Un tema de educación

El principal enemigo de la diversidad es la ignorancia. Sobre ello nos platica el elenco de Pachecas después del funeral. Para Checho Alazcuaga “La coña”, quienes se sienten ofendidos son personas que envejecieron y no van con el progreso, que no se abren a panoramas nuevos y diferentes.

Se trata, agrega, de un tema de educación: “Un papá debe hablar con sus hijos y decirles que hay un panorama aparte de papá, mamá, hermanitos y hermanitas… hay hermanes”. Se debe buscar, considera, que un papá bien educado eduque a su hijo “para entender que el mundo y el universo son muy grandes”.

Julls Granados “La Lupe” sostiene que el problema no es el teatro ni el tipo de teatro y su contenido, “el problema del teatro en México es el público que lo asiste a ver, o que no va, o que va a los partidos de fútbol en vez de ir al teatro”.

Pachecas en su momento causó mucho ruido porque hace muchos años tener lo que ahora son drag queens en el escenario no era bien visto, explica Samuel Zarazúa. “Creo que es ir avanzando, y Pachecas es una obra que rompió con muchos tabúes y rompió paradigmas”, afirma.

Sobre este punto, Ramsés Molina “Déborah la grande” señala que es agradable ver como van cambiando las cosas y toman su curso. Pachecas, nos dice, fue precursora para que en la actualidad haya diversas propuestas con drag queens en el escenario. “Eso habla de que no solo pertenecemos a una vida nocturna, sino que podemos estar en cualquier medio, y en cualquier lugar como ambiente laboral”.

Finalmente, Eduardo Flores “Felina la mexicana”, nos dice, “nos quitamos el velo de los ojos y comenzamos a hacer lo que tanto queremos, un progreso, una transgresión, pero en buena onda”.

El Pride tiene que ser justo el día en que todos nos juntamos

Sobre el Pride, señala Sánchez Amunátegui, es una fecha que hay que celebrar, sin embargo, acota, “me gustaría que fuera todavía más diversa”. En este sentido, reflexiona, la sociedad contemporánea es cada vez más segmentada, “en el siglo XX era muy fácil porque las luchas eran muy marcadas”. “Se tiene que volver más rico en esa segmentación, es decir, aunque estemos todos segmentados, y pensemos distinto, y todos estemos desde una trinchera cada vez más separada de la del otro, el día de el Pride tiene que ser justo el día en que todos nos juntamos”.

Sin embargo, advierte el director de Los Arrepentidos, es importante no ser panfletarios. El peligro de ser panfletario pasa por encasillarse y perder alcance hacia el otro. Lo Sánchez Amunátegui lo resume así: “Al ser panfletario creo que lo que nos pasa es que ya no ponemos en unas cajitas que va a ser muy difícil moverse de ahí. Uno va descubriendo la vida y uno va, a partir de eso, entendiendo su discurso. El discurso puede cambiar, todos los discursos tienen que ir cambiando, hay que evolucionar, la palabra sería evolucionar, los discursos tienen que evolucionar todo el tiempo”.

Capacidad crítica y autocrítica

Por su parte, Juan Ríos considera que la comunidad debe tener una capacidad autocrítica. “Finalmente los primeros que marchaban, marchaban para no morir, para no ir a la cárcel, para no ser juzgados, para no ser estigmatizados, y cada vez más se ha ido convirtiendo en una fiesta en la que esa exigencia de derechos también se puede ver como una ofensa para algunas personas”. En este sentido, reflexiona, “también la forma es fondo, y tenemos que seguir buscando que estas formas sean las correctas”.

Sostiene en este sentido que es importante que “siga existiendo esta visibilidad para nuestra comunidad, pero también debemos ser claros en esas peticiones”.

“Creo que tenemos que como comunidad también tener esa capacidad crítica y autocrítica de qué realmente estamos celebrando, es una celebración, o sigue siendo una petición, seguimos dando un pronunciamiento, me parece que es importante que sigamos pronunciándonos ante las injusticias. Si bien hay avances desde el 68 hasta acá, en lo que hemos conseguido, en lo que se ha creado socialmente a nivel de conciencia, aún hay mucho por hacer”.

Momento de unirse, de despertar, de festejar

Sobre el Pride, Dana nos dice que desde la primera vez que fue hasta ahora ha habido un cambio. Ahora, señala, hay mucha gente y muchas familias,”me gusta que se haga eco de muchas cosas”. Sin embargo, señala también que una parte que no le gusta es que se “crea mucha separación entre los colectivos”.

“Creo que es momento de unirse, de despertar, de festejar”, dice la actriz. Si bien es un festejo, subraya también que hay gente a la que le tocó vivir épocas muy difíciles, “la misma Terry, le pasaron cosas, y tú ves a Terry y es feliz”.

Finalmente, Pilar Boliver, quien ha caminado junto a la comunidad LGBTQA+ durante mucho tiempo nos dice que “se trata de un movimiento que tiene que ver conmigo, porque creo en los seres humanos. Yo no creo en la preferencia sexual ni en la de género, ni en el género que quieres o te toca ser, creo en los seres humanos y creo que hoy por hoy está muy visibilizado, pero falta mucho trabajo por hacer”.

En nuestro país, considera la actriz y directora, existe todavía mucha homofobia, transfobia, y misoginia. “Claro que hay que salir al Pride, por el orgullo, por el parade, también creo que hay muchas cosas que se tienen que hacer para la dignificación de nuestra adorada comunidad, porque yo me considero eso, ser humano y soy parte de esa comunidad”, reflexiona.

Hay avances, pero aún hay mucho por hacer

Si bien, todavía existen muchos problemas y discriminación, también hay avances en todos los campos y en la visibilización. La sociedad ha cambiado, los avances se dan de manera lenta pero constante.

Para la actriz trans Dana Karvelas, la visibilidad ha aumentado, sin embargo hace falta todavía que la gente comprenda muchas cosas sobre la diversidad sexual. La reflexión que hace en este tema es que “el teatro tiene mucho que aportar, porque son temáticas no muy comunes, la manera en las que las aborda el teatro y la manera en que la gente las ve […] pueden generar un discurso interno diferente”.

Sobre este particular, Sebastián Sanchez reconoce que hay muchos problemas todavía, pero también está convencido que las cosas son como son, “un coche que ya no va a frenar”.

Juan Ríos coincide en este punto. Como ejemplo, pone el director, Afterglow, en donde se presenta “una realidad mucho más acorde con nuestros días, donde ya la luchas parece que quedaron atrás, aún hay mucho por hacer, pero la lucha por la aceptación, por la validación, por sus derechos, por sus libertades de acción ya no son el tema”.

Ambos directores coinciden en que el teatro tiene que seguir hablando de estos temas y seguir abriendo preguntas.

El actor Jerry Velázquez considera que se trata de un camino que se va recorriendo paso a paso por las barreras tan fuertes que existen, “pero cada vez con más contundencia y cada vez dando pasos más grandes”. Como ejemplo pone la cartelera teatral en la CDMX, “repleta de títulos LGBTQA+”, y expresa su deseo que esto se replique en los medios audiovisuales mexicanos.

El teatro es para hacerse preguntas

El teatro ha jugado un papel fundamental y muy valioso en la visibilización de la diversidad y en el avance. ¿Actualmente, hacia dónde debe ir al teatro en este tema ya que se han conseguido algunos avances?

Ríos Cantú destaca que muchas veces no se es consciente de la labor que como agentes de cambio y transformación les toca hacer desde la parte creativa. El teatro, agrega Juan Ríos, le parece que debe tener una función social también y debe ser de alguna manera útil.

En este sentido, Sebastían Sánchez nos dice que “el teatro es para hacerse preguntas, no para responderlas. Yo creo que lo que hace el teatro es preguntarse cosas”. Esto, en el teatro “muy panfletario o en el teatro muy gay”, no sucede, pues no se hacen preguntas, se dan respuestas, obligaciones del deber ser.

El teatro debe ir más allá

Sobre este particular, Dana Karvelas considera también que el teatro debe ir más allá, “no debe regresar, sino ir más allá”. Señala que para ello debe haber más arrojo de las producciones y poner más obras con este tipo de temáticas, que el tema “cada vez se vaya haciendo, por así decirlo, más común, que se vaya haciendo más cotidiano”.

Se trata, señala Dana, de un eco en la sociedad y el tema de la diversidad se va volviendo cada vez más cotidiano y más común, no nada más en el teatro, sino a nivel personal.

Por su parte, la creadora escénica y actriz Myrna Moguel, cuyo trabajo se relaciona con la identidad, la memoria y la expansividad -es decir la manera de trabajar con disidencias y generar proyectos que hablen a distintas personas-, nos dice que una de las preguntas es cómo, sin que sea solo una moda, se puede construir una mirada hacia otros lugares. “Creo que es muy importante entender desde el hecho escénico, desde la creación, cómo poder hablar, por ejemplo, en el caso de Fierce esa era la pregunta, ¿Cómo desestigmatizar y no decir que el VIH viene solamente de tener ciertas prácticas sexuales?”.

El tema, nos dice Myrna, es cómo generar discursos desde una deconstrucción de tu propia mirada.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado. 

3 razones para ver ORLANDO Y MIKAEL: LOS ARREPENTIDOS

Hace 10 años tuve la oportunidad de ver en el Teatro Helénico el montaje de Los arrepentidos interpretado por Margarita Sanz y Alejandro Calva. Sebastián Sánchez Amunátegui, director de aquel montaje, decidió remontar la obra en 2023. Ahora, bajo el nombre de Orlando y Mikael: Los arrepentidos, el director presenta el mismo texto escrito por Marcus Lindeen, pero con una sustancial e importante diferencia: el elenco está integrado por actrices trans.

Libertad Palomo y Roshell Terranova alternan en el papel de Mikael, mientras que Dana Karvelas y Terry Holyday alternan como Orlando. Es una de esas obras que tocan temas importantes, que vienen desde lo más profundo de los dos personajes que se enfrentan en un diálogo muy honesto. El diálogo, como los personajes, son reales, existieron y nos dicen desde esta obra algo trascendente: todos tenemos el derecho de buscar y encontrar nuestra propia esencia.

Se trata de un texto que llega al espectador y lo hace reflexionar. Es como ser parte del diálogo entre los dos personajes en escena; es –a partir de la experiencia de otro- entender nuestras propias búsquedas. En esta propuesta encontramos un montaje limpio, que recrea la entrevista entre ambos personajes, apoyada con la iluminación de Xóchitl González y elementos multimedia. El vestuario diseñado por Josefina Echeverría recrea el de los personajes reales, con matices para cada dupla que le imprime un sello diferenciador a cada una.

Se trata de una obra que no te puedes perder, si aún tienes duda de por qué ir a verlo, aquí te damos tres razones más para hacerlo.

1. Orlando y Michael. Esta obra se trata de teatro documental, los casos de ambos personajes son reales. El encuentro entre ambos en verdad sucedió y a partir de éste el dramaturgo sueco, Marcus Lindeen, escribe el texto. Al escuchar los diálogos de Orlando y Michael uno, inevitablemente, siente empatía, se percibe la fragilidad de ambos y por momentos su fuerza. Como público somos testigos de una conversación intensa, íntima, llena de matices.

2. Las actrices sobre el escenario. La verdad y la potencia que dan las duplas conformadas por Libertad y Terry, y Roshell y Dana es difícil de encontrar en cualquier montaje. Las cuatro saben desde la experiencia lo que nos dicen sus personajes. De manera muy clara y directa me lo explicó Dana en entrevista: “La identidad trans no es un personaje, es una identidad”. Lo que afirma Dana, se percibe con toda fuerza sobre el escenario.

3. Un montaje lleno de matices. La dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui logra conjuntar todos los elementos para crear una propuesta efectiva y que toca al espectador. Es destacable que a cada dupla el director le da un rumbo y rasgos distintivos. En lugar de buscar homologar personajes e intenciones, el director aprovecha las capacidades de sus actrices para crear sí, el mismo personaje, pero con matices particulares.

Ahora, es muy importante decirlo, Orlando y Mikael: Los arrepentidos es una obra que toca un tema fuerte, pero no pasarás todo el tiempo escuchando un drama. Los personajes de la obra tienen la capacidad de dialogar en ciertos pasajes con humor, nostalgia e incluso esperanza.

Si te gusta el teatro documental que aborda temas vigentes e importantes, y que tiene un mensaje, no te puedes perder este montaje. Además, un dato adicional, por todas estas razones se trata de la quinta Obra Seleccionada en los Premios del Publico Cartelera de Teatro 2024.

Para más información de Orlando y Mikael: Los arrepentidos, boletos, horarios y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Jerry Velázquez, Smiley

En el teatro podemos crear conciencia y generar un cambio: Jerry Velázquez

La obra Smiley, del autor catalán Guillem Clua (La golondrina, La revoltosa) ha sido todo un fenómeno. Se ha montado en países como España, Chile, Puerto Rico, Atenas, Chipre, Perú, Italia, Uruguay, Estados Unidos, Venezuela, Australia, Singapur, Colombia, Brasil y actualmente en La Teatrearía en México. Incluso, Netflix lanzó en 2022 una serie basada en la obra.

En la versión mexicana de la obra participan, alternando funciones, Jesús Zavala, Jerry Velázquez, Martín Barba y Sergio Velasco.

Platicamos con Jerry Velázquez sobre su participación en la obra y otros temas.

¿Cómo llega a Smiley?

Sobre cómo llega al proyecto, Jerry nos dice que en un principio no estaba seguro de aceptar. Cuando el director de la obra, Joserrá Zúñiga lo invitó el año pasado a participar, el actor estaba priorizando hacer televisión. “Joserrá Zúñiga me invitó desde el año pasado, ni siquiera había salido la serie y me mandó el texto”, sin embargo le dijo que no sabría si estaría disponible, comparte.

Pasado el tiempo, ya cuando el proyecto era un hecho nuevamente recibió el actor la invitación del director, para entonces Jerry ya estaba participando en Mentidrags, situación que facilitó las cosas, pues Óscar Carnicero es productor en ambos proyectos.

A partir de ello, nos dice, se acordaron algunas fechas, ya que la producción había decidido tener diferentes elencos. “Ahí todo se acomodó, hablé con la misma producción, que también lleva Mentiras, y me dijeron, ‘órale, va’, y pues aquí ando dobleteando muy contento”, explica.

Jerry Velázquez se estrenó oficialmente en el papel el 15 de junio, ese día pudimos platicar con él. En esa ocasión nos dijo que la primera función siempre tiene cierta magia, “es muy especial, porque va la gente que tiene muchas ganas de ver la obra y la energía es muy bonita”.

Una oportunidad de ser ellos al 100% y poder interpretar estos personajes

Al ser junio el mes del orgullo LGBTIQA+, y siendo este el tema de Smiley, una pregunta obligada para el actor era cómo ve las historias que actualmente se están contando y cómo han cambiado las cosas en los últimos años.

“Probablemente, hace algunos años estas historias las hubieran contado hombres heterosexuales cisgénero, estoy completamente seguro”, señala el actor. Sin embargo, ahora no solamente hay escritas muchas de estas historias, sino que están siendo además representadas por personas que “viven día a día estas realidades, y creo que eso es importante”, destaca.

Según la Encuesta Nacional sobre Discriminación (ENADIS) 2022 realiza da por el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (Inegi), de la población de la diversidad sexual y de género, 37.3 % refirió haber vivido alguna experiencia de discriminación en los últimos 12 meses.

La importancia de que se estén dando estos cambios de visión, radica para Jerry Velázquez en que se trata de sectores que han sido discriminados “por su forma de verse, su forma de hablar, su forma de moverse, y aquí tienen la oportunidad de ser ellos al 100% y poder interpretar estos personajes”.

Sobre este tema, expresó su deseo de que en los medios audiovisuales se siga por ese camino. “Creo que en cualquier momento va a empezar a pasar, y así como vemos ahora la cartelera repleta de títulos LGBTIQ+, espero que suceda lo mismo con las producciones mexicanas de películas y series”, puntualizó.

Un camino que va paso a paso

Todo esto, agrega, se trata de un proceso, señala el actor. Es un camino que va paso a paso debido a las “barreras tan fuertes que hay en nuestro día a día, vamos paso a paso, pero cada vez con más contundencia y cada vez dando pasos más grandes”, afirma.

Dentro de sus proyectos, nos adelante, está el realizar un corto. Se encuentra trabajando en él desde hace un año y medio, sin embargo, confiesa, “lo dejo y lo retomo”. Se trata, señala, de un corto muy cercano a él y que tiene que ver con la religión y con ser gay. “Espero que muy pronto salga”, expresa.

El teatro y la pandemia

Para Jerry Velázquez el teatro tiene dos facetas. Una es divertirse y salir de la realidad para escuchar una historia, “disfrutar e imaginar, crear y usar la imaginación y pasarla bien”. La otra, atraviesa por retratar la realidad y hablar de cosas que importan, “con las que podemos crear conciencia y generar un cambio en la forma de pensar de la gente”.

Sobre su experiencia en la pandemia, nos platica que a él le tocó realizar proyectos que lo forjaron más como actor. En ese periodo hizo mucho de Backdoor, Chico conoce chica y los Antinavideños, entre otras cosas.

“Empecé a hacer cine, series y siento que cuando regresé al teatro, entonces ya traía todo este background y toda esta experiencia”. Además, agrega, había un público ansioso de salir, de ir al teatro, de ver cosas en vivo. “La gente quiere salir, la gente quiere experiencias reales, y en un tiempo donde las redes sociales y la pantalla lo es todo, es lindo que veamos las salas llenas”, subrayó.

Para más información de Smiley, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Luis Reyes.

Las obras más destacadas de enero a junio

Terminamos la primera mitad del año, en donde vimos historias principalmente de temática LGBTIQA+, que ocuparon todos los género teatrales, desde la comedia hasta el drama, pasando por cuestiones experimentales.

Para hacer un corte de caja, recurrimos a nuestro colaboradores con el fin de rescatar lo más relevante del teatro nacional de enero a junio, algunas continúan en temporada y les quedan pocas funciones, otras más, ya terminaron, sin embargo, como siempre suele suceder en el teatro, guardamos un atisbo de esperanza para que vuelvan sino este, en un próxima temporada.

El cuerpo en que nací. Las actrices María Perroni Garza, Paulina Treviño y Tamara Vallarta dieron vida a esta historia adaptada por Bárbara Perrín, sobre la historia de una niña durante finales de los años 70, que se enfrenta al reto de crecer y encontrar su identidad entre las locuras liberales de la época, una familia tan rara como cualquiera y el cuerpo en el que le tocó nacer. La gran sorpresa de esta puesta, sin duda, fue la caracterización de María, quien nos demostró la gran actriz que puede llegar a ser.

Inteligencia actoral. En esta propuesta un grupo de actores de diversas generaciones encabezados por Carlos Aragón, Dobrina Cristeva, Diana Sedano, Fernando Rebeil, Verónica de Alba, Roberto Beck y Elena del Río nos presentaron esta propuesta futurista sobre el destino de los histriones y la humanidad frente al uso de la IA, poniendo en duda a más de uno sobre lo que observaba en escena.

Del mago al loco. Una revelación del Tarot. De la imaginación y dirección de Claudio Valdés Kuri, la compañía Ciertos Habitantes conformada por Lourdes Ambriz, Edwin Calderón, Claudia Canchola, Rodrigo Carrillo Tripp, Luis Eduardo Castro, Eduardo Delgado, Marcos Escalante, Xóchitl Galindres, Hugo Gallegos, Guillermo García Proal, Mario Gómez Villarreal, Maru Jones, Aline Lemus Bernal, Valentina Manzini, Dulce Medina, Fabrina Melón, Luz Adriana Ortega, Juan Manuel Pérez, Gemma Quiroz, Natanael Ríos, Claudio Valdés Kuri, Rodrigo Vázquez Maya, celebró sus primeros 25 años de trayectoria con el estreno de esta propuesta que se adentra en la psique humana, mediante un juego escénico que recurre al uso de las cartas del tarot.

Algodón de azúcar. Los actores y actrices Alejandro Morales, Romina Coccio, Carolina Garibay, Miguel Romero, Francisco Mena fueron los encargados de contarnos esta historia que trastocó a todo aquel que pudo apreciarla, clown, farsa, humor negro fueron los elementos que esta propuesta utilizó para contarnos una historia dolorosa sobre los clarosucuros de la infancia.

Todo el mundo habla de Jamie. Una comedia musical que ha conquistado a todos por su gran despliegue de producción y sobre todo, por el corazón que cada integrante de esta compañía brinda en cada función. Nelson Carreras*, Joaquín Bondoni*, Rogelio Suárez, Alberto Lomnitz, Tanya Valenzuela, María Filippini,, Efraín Berry, Luz Aldán, encabezan el reparto de esta historia sobre un joven que sueña con convertise en una drag queen.  Le quedan pocas funciones, así que corran a verla.

La reina de belleza de Leenane. Este drama marcó el regreso de una de las grandes actrices de nuestro país, Sofía Álvarez, que estuvo acompañada por un gran elenco, Ana Graham, Antonio Vega y Roberto Beck. Estos magníficos actores y actrices nos llevaron a conocer la historia de una madre y su hija, y cómo el amor filial puede volverse tan tóxico.

Emilia. Una obra histórica conformada por primera vez por un elenco y producción totalmente femenino, Aída López, Amorita Rasgado, Coty Camacho, Emma Dib, Haydeé Boetto, Mariana Gajá, Lucía Uribe, Assira Abbate, Gabriela Betancourt, Karime Alonso y Luz Adriana Carrasco. Todas ellas nos invitaron a descubrir a Emilia Bassano, una mujer fuera de los cánones de su época, cuyo legado sigue haciendo eco en las mujeres que la descubren e incitando que aquellas que ya la conocían la vuelvan a ver con otros ojos.

La golondrina. La imponente primera actriz Margarita Sanz nos da una cátedra de actuación, pero no está sola, la acompañan dos jóvenes actores German Bracco y Alejandro Puente, quienes se suman a este drama que nos llega hasta las entrañas, que va más allá de su premisa, al indagar en el dolor, la pérdida, las cosas que obviamos, los silencios que nos carcomen. Esta obra continúa en temporada hasta finales de julio.

Esta es nuestra voz, sin embargo, como público, ustedes siempre tienen la última palabra, ¿qué obra sumarían a este listado? 

Por Itaí Cruz, Fotos: Magnífico Ent. y Cortesía Coord. Nal. de Teatro 

Los estrenos que llegan en julio a la CDMX

Durante julio, musicales de gran formato, así como teatro infantil pensado en las primeras infancias, iluminarán las marquesinas de la capital, por lo que será un mes completamente familiar, donde nadie querrá quedarse fuera.

Estamos hablando de El Mago (The Wiz) y Vaselina Timbiriche, dos esperadas propuestas que han causado revuelo entre los teatreros y la audiencia, desde su anuncio. Todos estamos ansiosos porque suban el telón y poder ver a estas grandes figuras de los 80’s y, por supuesto, a las nuevas caras que esperan conquistarnos con su gran talento.

Mientras que, los pequeños de la casa podrán disfrutar de historias pensadas en sus inquietudes y que les harán volar la imaginación. Además recordemos que el mes de julio trae consigo la 6° edición del Mes del Teatro para Bebés que se presenta en La Titería.

Para conocer un poco más de las obras que levantan ya el telón, sigue leyendo, estamos seguros de que encontrarás alguna opción para acudir este fin de semana:

El Mago (The Wiz). Esta propuesta está protagonizada por Lucerito Mijares, heredera del gran talento vocal de sus padres, María del Sol, que regresa a la tablas, con esta historia que nos cuenta una versión de El Mago de Oz, pero no vienen solas, estarán acompañadas por rostros conocidos del teatro nacional. Si bien, la obra comenzará sus funciones el último día de junio, será uno de los estrenos más importantes del mes. La obra se presenta de viernes a domingo en el Teatro Hidalgo.

Un par.Los creadores José Agüero y Adrián Hernández, fundadores de la compañía méxico-argentina, Teatro Al Vacío, suben a escena para contar una historia a través del juego, sin palabras, con imágenes y acciones sobre las relaciones de poder y autoridad. Si tienes hijos de 4-6 años, es una buena opción para introducirlos al mundo de las artes escénicas con esta compañía dedicada a crear experiencias para niños de 0-6 años. La temporada comienza este 1 de julio en la Sala Xavier Villaurrutia.

Trino, en búsqueda de su poder interior. Una propuesta familiar que nos invita a luchar por nuestro sueños que mezcla la ficción con creencias populares mexicas y españolas, utilizando marionetas, títeres de sombra, máscaras y un dispositivo multimedia, con las actuaciones de Paulina Soto Oliver, Clarissa Malheiros, Conchi León y Ángel Luna. La temporada correrá todos los domingos, a partir del 2 de julio con funciones dobles en el Foro Shakespeare.

Somos nosotros. Siguiendo la línea de las obras que nos hablan de las relaciones donde se inmiscuye un tercero, llega esta comedia argentina para sacar a la luz aquellas preguntas que pasan por nuestra cabeza y que, en muchas ocasiones, no nos atrevemos a decir. El elenco contará con los rostros conocidos de Ana González Bello, Antonio Alcántara, Tato Alexander, Jhans Rico, Mario Alberto Monroy. Comenzará sus funciones a partir del 7 de junio en el Foro Lucerna

Vaselina Timbiriche. Mariana Garza, Alix Bauer, Benny Ibarra, Diego Schoening y Erick Rubín integrantes de la famosa banda Timbiriche volverán a usar crinolinas y cuero, para contar la emblemática historia de Sandy y Dany, pero no vienen solos, contarán con estrellas de talla de Angélica Vale, Kalimba, Yahir, sumadas a la experiencia de Lupita Sandoval. Esta propuesta promete ser una singular reunión de grandes figuras del teatro musical nacional. La temporada levantará el telón el 13 de julio en el Centro Cultural Teatro 1.

¿Ya tienen sus boletos? ¿A cúal se van a lanzar?

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartel oficial, iEve González

3 razones para ver ENSOÑACIÓN

El teatro es un territorio que se presta para explorar. El acto de comunión y presencialidad sucede donde está un público que desea escuchar una historia y un equipo creativo que busca narrar algo. Ensoñación es teatro, pero también es una indagación poética. Nos habla de la pérdida, del sueño.

De la autoría de Mariela Asensio, bajo la dirección de Aída del Río, este montaje es un pieza de teatro no convencional que, a través de lo onírico propone una experiencia distinta. Con las actuaciones de Gabriela Steck, Gerónimo Espeche y Saúl Villa, la obra se presenta los sábados en una locación secreta en un lugar de la colonia Roma.

Aquí te cuento tres razones por la cuales debes ir a ver Ensoñación.

1. Una experiencia teatral fuera del teatro. El montaje hace un guiño a los speakeasy de la época de la prohibición en los Estados Unidos. Para asistir necesitar reservar tus entradas, las cuales incluyen un trago de bienvenida. Una vez realizado el proceso se te hará saber el lugar donde se realizará la función y una contraseña que tendrás que decir en la puerta. La idea es dar a la audiencia una experiencia teatral distinta. Se trata de una obra que puede disfrutar el público asiduo al teatro y también el público que no está tan acostumbrado al teatro.

2. Poesía que toma el escenario. “El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse, habla y grita, llora y se desespera”, decía Federico García Lorca, y, precisamente, de eso trata Ensoñación, es un texto que habla de la pérdida, del duelo y de cómo, a través del sueño, transitamos por estas experiencias como individuos. La poesía está presente en cada línea de esta obra, son reconocibles los versos del escritor italiano Cesare Pavese, como Verrà la morte e avrà i tuoi occhi y Creación. Poemas que apelan al sentimiento de pérdida y el asombro del ser humano ante la muerte.

3. Un territorio onírico. El espectador en este montaje se encuentra ante los territorios del sueño y del subconsciente. El surrealismo es una constante. Nos recibe y es una presencia contante La Palmista de Leonora Carrington, un personaje nocturno que alude a la protección. La escultura de la artista, en un puppet realizado y accionado por Saúl Villa, se convierte en un personaje de la obra. Articula, como un resorte venido del territorio intangible del sueño, la historia que nos cuenta Gabriela Steck y Gerónimo Espeche. Como alegoría del sueño o la pesadilla nos guía por un universo onírico donde el aplastante sentimiento de una pérdida nos dice también que nada es permanente, que todo ser humano puede resurgir incluso de los momentos más oscuros de la vida.

Sí te gustan las propuestas diferentes y el teatro en espacios no convencionales, Ensoñación es una obra que debes ver. Se trata de una experiencia que, seguramente, disfrutaras.

Para más información de la obra, horarios y reservaciones, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

 

SUSANA ALEXANDER: Cómo ser una buena madre teatral

Son dos mujeres muy distintas. Una es una mujer madura, divorciada, que apenas se instala en el escenario le comenta a su madre que esa misma noche se suicidará: su figura, su voz y sus gestos son opacos, lúgubres, contrastantes con la jovialidad e inmadurez de su interlocutora; el anuncio detona un diálogo sin tregua entre madre e hija, un intercambio de ideologías personalísimo y dolorosamente universal.

La otra también es una mujer madura, de andar y hablar vivaces, con un ser y estar en la vida que corresponde plenamente tanto con el estereotipo como con el arquetipo de la madre mexicana que cuida, regaña, sobreprotege, violenta y cura sin querer queriendo a cada miembro de su familia; solo que más que mexicana, se trata de una madre judía. Ambas mujeres, totalmente opuestas entre sí, han existido en nuestros escenarios gracias a una sola mujer, a una artista que, al darles vida, encontró dos de sus más representativos triunfos teatrales: Buenas noches, mamá y Cómo ser una buena madre judía. Ambas mujeres han sido, son, Susana Alexander.

Nació en 1943 en la Ciudad de México y para 1955 ya era pionera de la televisión mexicana junto a su madre, la actriz, directora y traductora Brígida Alexander. Cinco años después ya se hallaba debutando en el teatro, gracias a que la primera actriz Beatriz Aguirre la recomendó con la joven promesa de la dirección teatral, José Luis Ibáñez, quien la aceptó en su montaje de Variaciones para cinco dedos de Peter Schaffer, en donde la joven actriz alternó junto a Rita Macedo y Héctor Gómez, logrando un debut triunfal ante el público y la crítica. Desde entonces, el nombre, la figura y las pasiones de Susana Alexander han estado ancladas al teatro.

Tras esa primera experiencia teatral, la joven actriz fue convocada a participar en obras como Yocasta o casi, escrita y dirigida por Salvador Novo -junto a Ofelia Guilmáin-, Álbum de familia de Peter Ustinov dirigida por José Luis Ibáñez, Peer Gynt de Henrik Ibsen y Yerma de Federico García Lorca, ambas dirigidas por José Solé, Romeo y Jeannette de Jean Anohuill dirigida por Maruxa Vilalta, La noche de los asesinos de José Triana dirigida por Juan José Gurrola, La isla de las cabras de Ugo Betti bajo la dirección del también actor Carlos Ancira.

La experiencia que fue ganando se conjugó con la inquietud de ir más allá. Al inicio de la década de los setentas, su madre y ella compraron los derechos de la obra Aquelarre de Friederich Ch. Zauner y, para producirla, formaron una cooperativa con la directora de la obra, Nancy Cárdenas y la actriz Blanca Sánchez; en algún momento de la obra estuvo también Irma Lozano.

El producir y protagonizar una obra le develó a Susana la posibilidad de asumir distintas facetas del quehacer teatral y, con ello, convertirse en una completa mujer de teatro. Más aún: en una estrella del teatro. “Blanca e Irma eran estrellas y yo no era nadie, así que dije: yo soy del teatro, voy a ser una estrella del teatro, me voy a dedicar a eso, me voy a hacer mi propia carrera. Eso hice y creo que hice lo correcto. Hoy en día veo gente luchando con la televisión, con que te den llamado y te den cosas muy feas. Yo puedo hacer mis propias producciones”, comentó en una entrevista de 2015 para el podcast Sin Cortesías.

En realidad, para nada era una desconocida, pues a la par de su creciente trayectoria teatral, tenía también notables personajes dentro de la televisión, medio que aprovechó para estar en contacto con el gran público y lograr que ocupara una butaca en alguna de sus muchas puestas en escena.

Durante varios años, la presencia de Susana Alexander fue fundamental para el desarrollo de telenovelas y series -antes llamados programas unitarios- y, la mayoría de las veces de la mano del productor y director Ernesto Alonso, consiguió lo que pocos actores han logrado en el género: hacer genuinas creaciones de personaje, como las villanas que realizó en Lucía Sombra, Ana del aire, Aprendiendo a amar, La traición y Cuando llega el amor, que hoy en día continúan en la memoria de más de un televidente.

Por fortuna, a la actriz no le hizo mella el relego que fue sufriendo en la televisión desde la década de los noventa y hasta nuestros días, pues siempre ha estado inmersa en un proyecto teatral ya sea propio o ajeno.

A la tarea de productora se sumó la de traductora -cuando sus obras no eran traducidas por doña Brígida, las traducía Susana- y la de directora.

En los años setenta partió becada a Londres para estudiar dirección y, cuando regresó, su quehacer teatral quedó completado, pues la primera obra que dirigió en nuestro país resultó por demás elogiada: El primero del dramaturgo estadounidense Israel Horovitz, a quien le unió una gran amistad hasta la muerte de éste en 2020 y de quien también dirigió Basur-eros. La decisión de dirigir El primero la llevó a rechazar la invitación para sumarse a la entonces nueva Compañía Nacional de Teatro.

Gracias a Susana Alexander hemos conocido en México a autores tan importantes como Horovitz y el británico Arnold Wesker. De él produjo, dirigió y protagonizó exitosamente, junto a Roberto D’Amico, Las cuatro estaciones -el exquisito texto que Ignacio López Tarso deseaba actuar junto a María Félix, pero La Doña se negó- y, más adelante, ya en el nuevo milenio, lo retomó únicamente como directora, con Ludwika Paleta y Bruno Bichir como protagonistas.

Aunque la actriz ha logrado levantar la mayoría de los proyectos que se ha propuesto, uno de los que se ha resistido es precisamente otro texto de su amigo Wesker -fallecido en 2016-, que lleva varios años queriendo escenificar junto a D’Amico.

Otra autora importante que pudimos conocer gracias al empeño de la actriz es la estadounidense Margaret Edson, cuya obra mayor y merecedora del Premio Pulitzer, Wit, fue escenificada por Susana Alexander como Punto y coma, logrando a finales de la década de los noventa uno de sus éxitos más sonados, ya en plena madurez y absoluto dominio de sus capacidades de traducir, producir, dirigir y protagonizar.

Montajes como Las criadas de Genet en dirección de Dimitrios Sarrás, Electra de Eurípides en dirección de José Solé, Los hijos de Kennedy de en dirección de José Luis Ibáñez, No tengo… no pago de Dario Fo en dirección de Manolo Fábregas y, más cerca de esta época, Locos por el té son otros triunfos de la Susana actriz, quien compartió el escenario con histriones que, como ella, están considerados como referentes de la actuación en nuestro país: Ofelia Guilmáin, Carmen Montejo, Adriana Roél, Mercedes Pascual y Héctor Bonilla, por mencionar a algunos.

Hace algunos años, antes de que la pandemia mundial modificara todo, fue invitada por el productor, director y actor Jorge Ortiz de Pinedo para protagonizar junto a él la comedia Cosas de papá y mamá.

Precisamente, cuando la pandemia obligó a los creadores escénicos a tomar dos opciones: o darse una pausa, o encontrar alternativas para expresarse y entretener a la audiencia. A este segundo grupo se sumó Susana Alexander de forma tan comprometida y apasionada, que ella misma se autonombró “la reina del streaming”.

Y vaya que desquitó con creces ese mote. La actriz llevó a las pantallas digitales otra de sus facetas teatrales, que viene desarrollando y complementando desde hace casi cinco décadas: los espectáculos unipersonales -o en dupla- en los que, a través de la poesía y la literatura, se permite hablar -así se llama uno de ellos, Si me permiten hablar- de temas tan diversos como la vida, la muerte, el amor, el sexo, las madres, los padres, los maestros, los alumnos.

Entre todos los placeres que obtiene Susana Alexander al estar arriba del escenario, ella misma ha confesado que éste es el mayor: el poder decir palabras de los grandes poetas y autores mexicanos y universales, como por ejemplo Rosario Castellanos o Abigael Bohórquez.

Madre solo hay una y como yo ninguna, Viaje al corazón de las palabras, Las dos alegres consuegras; Aquí estoy amor y Las mujeres no tenemos llenadero son algunos de los espectáculos que pudieron verse a través de la pantalla luego de haber sido creados para ofrecerlos no solamente al público teatral, sino a públicos específicos como maestros, estudiantes o empresarios, siendo ésta una de las labores más importantes para Susana como artista.

Volviendo al streaming, para ella dar el paso a la virtualidad fue muy sencillo, pues además de que maneja desde hace varios años un canal de YouTube llamado La cana al aire, le es muy claro que la pantalla de un celular es el equivalente a lo que han sido el cine y la televisión y que no se trataba de otra cosa más que ponerse frente a una pantalla aún más chica para que todos pudieran verla.

En el nuevo milenio, la actriz ha hecho mancuerna con productores como Juan Torres y Guillermo Wiechers, quienes además de producirle el segundo montaje de Las cuatro estaciones, le produjeron la obra Cómo envejecer con gracia que hizo junto a su amiga Blanca Sánchez y un segundo montaje de Yo madre, yo hija de Loleh Bellon que en los años ochenta dirigió y protagonizó en el papel de la hija, con Carmen Montejo en el personaje de la madre. En la nueva propuesta, Susana dirigió a Mariana Garza como la hija, mientras ella asumió ahora a la madre. En una develación de placa de esta obra, el público tuvo la oportunidad de disfrutar, en la última escena, a una ya anciana Carmen Montejo revivir junto a Susana Alexander sus personajes.

La mancuerna de Susana y doña Carmen tuvo otro de sus puntos más altos bajo la dirección de Manolo Fábregas en Buenas noches, mamá, de Masha Norman, en la que, si bien la Montejo lucía los dotes acostumbrados, la Alexander sorprendió a propios y extraños al entrar en escena convertida en alguien radicalmente opuesto a cualquier personaje que hasta entonces hubiera interpretado. Susana, eterna defensora de la vida y el humor, lograba con su personaje una legítima defensa del suicidio y el derecho a morir.

Y aunque todos los ejemplos anteriores dan cuenta de los universos que habitan en la actriz, directora, dramaturga, traductora y productora -y eterna hacedora de café como táctica para que todos pasen a saludarla al camerino del teatro en el que se encuentre-, si hay un personaje que resume lo que es Susana Alexander, esa es la madre judía.

La adaptación del libro Cómo ser una buena madre judía, de Dan Greenburg, a cargo del director Gerard Huiller en 1979, fue un vehículo para el lucimiento de la actriz -quien confiesa que al principio le era muy difícil hablar con acento judío, pues para ella era lo más natural al escucharlo de su madre y le era imposible imitarlo-, quien retomó la obra en 1993 pero ya con una adaptación y dirección propias; tan propias y exitosas, que dieron paso a secuelas: Yo soy una buena madre judía, Yo soy una buena madre, abuela y suegra judía y La madre judía no.2. En 2020 falleció el actor Enrique Becker, quien desde 1979 interpretó al padre judío, para homenajearlo, Alexander presentó en streaming ¡Ahora soy una buena viuda judía!

Susana Alexander cumple 80 años de vida inmersa en la temporada de la obra uruguaya Si te mueres, te mato, en donde comparte escenario con Azela Robinson, bajo la dirección de Leticia Amezcua. 80 años de los cuáles casi 70 los ha dedicado a estar en el escenario en un ejercicio constante de autocrítica, evaluación y evolución.

Mientras ha intentado hacer comunidad junto a sus pares actores, directores y productores, se ha deslindado de todos ellos para crear rutas, formas y fondos nuevos. Ahí está su versión de El principito, ahí está su escenificación del enorme memoir de Joan Didion, El año del pensamiento mágico, ahí está produciendo y dirigiendo a “sus hijas” Mariana Garza y Sophie Alexander-Katz en Instrucciones para una muerte feliz.

Ahí está Susana Alexander, siempre corriendo -porque sabe que como productora “comercial”, debe trabajar día y noche para vender un boleto-, siempre un paso adelante -no quita el dedo del renglón de traernos a algún autor que no conozcamos- y, al mismo tiempo, en pleno estadío de tranquilidad y bienestar, porque sabe que, como buena madre teatral, ha hecho lo correcto y todos, pese a los sobresaltos cotidianos, todos a su alrededor están bien. Porque la tienen a ella.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía Manojo de Ideas

“Dirigir es un poco como comandar el barco”: Entrevista con Rebeca Trejo

Los caminos por los que los creadores escénicos se mueven los van llevando a diversos lugares. Es el caso de la actriz y directora Rebeca Trejo (Acá en la tierra, Un obús en el corazón), egresada del Centro Universitario de Teatro de la UNAM, y licenciada en Administración de Empresas, también en la UNAM.

“Ya tengo muchos años, primero como actriz, y a la par incursionando mucho en el mundo de la producción, ya sabes que en este ámbito uno le entra a todo lo necesario para poder levantar los proyectos, gestionarlos, darles más vida, girarlos”, nos dice la creadora escénica en entrevista.

Rebeca ha llevado la producción ejecutiva y la administración de más de una veintena de producciones y es integrante de la compañía Los Bocanegra.

En 2019 incursionó en la dirección teatral, con Acá en la tierra. “Me llegó una historia de Luis Eduardo Yee, que es Acá en la tierra, que es la primer obra que dirigí, que ahorita está en el Teatro Orientación en temporada, cuenta la anécdota de un niño que no se podía formar en ninguna fila, entonces yo pensé que era una anécdota muy sencilla pero muy contundente, porque no se identificaba con parámetros establecidos de género”, narra.

Un dato curioso es que, todavía sin terminar la obra, ella le dijo a Luis Eduardo Yee que la anécdota era tan contundente que podía ser un cortometraje. “Me aventuré, escribimos la carpeta y metimos un apoyo a Procine y nos lo dieron. Mi primera dirección fue el cortometraje de esa historia, y posteriormente se acercó a mí una productora que vio el cortometraje y le interesó mucho y me dijo, vamos a hacerlo teatro”.

Es un poco como comandar el barco

La directora realizó sus primeros acercamientos con la dirección por su trabajo como castinera y coach actoral, al ver y dirigir a otros actores y actrices en ese mundo. “Mi escuela fueron mis mismos compañeros actores”, señala.

Sin embargo, también sus años dentro de la producción fueron una parte fundamental en su incursión dentro de la dirección. Se trata, nos dice, de las ganas de contar historias y las tablas que le han dado tantos años en escena como actriz y “produciendo, siendo observadora”.

El teatro es sin duda una disciplina en la que lo colectivo cuenta. Al respecto la también actriz subraya que si bien ha sido un reto para ella, siempre está la colaboración con el dramaturgo y el equipo “con el cual te alías y haces colaboradores”.  Sobre esto, reflexiona: “Es un poco como comandar el barco, hacerlos partícipes de lo que tú visualizas, encontrarte con ellos artísticamente, llegar a acuerdos”.

En este sentido resume que esto ayuda mucho en la dirección, “saber que no estás sola, saber que hay un conjunto de gente muy valiosa, muy creativa y muy capaz que te va a respaldar”.

Historias que hablan de la búsqueda de identidad del personaje

La segunda obra que dirigió Rebeca Trejo es Un obús en el corazón, de Wajdi Mouwad. Como actriz y productora conoce bien el universo del dramaturgo canadiense de origen libanés. De hecho, en el 2010 fue parte del elenco de Incendios, obra del autor que fue todo un fenómeno en el teatro de nuestro país y la cual todavía muchos recordamos.

Sobre Un obús en el corazón nos platica que comenzó a trabajar con ella hace dos años. “He leído muchos textos de él, y esta obra me gustó muchísimo porque es un monólogo, y es también una historia muy concreta”, señala Trejo. La obra a partir de una anécdota que pareciera sencilla, agrega, contiene una serie de historias que hablan de la búsqueda de identidad del personaje, en la que todos nos encontramos constantemente.

Una intuición que ha ido desarrollando a lo largo de varios años

El montaje, interpretado por Bernardo Gamboa, confiesa la directora, es un texto que ha sido un gran reto. Al ser un monólogo la directora tuvo que encontrar la manera de abordarlo. Para entender cómo hacerlo, Trejo realizó una indagación e investigó sobre la manera en que los actores “buscamos los personajes”. Se trata, explica: “De hacer un concepto con el cual pudiera empatar todos los artistas, esa es la historia, uno va un poco con la intuición, no con la intuición primera, sino una intuición que ha ido desarrollando a lo largo de varios años”.

Rebeca ha estado con las obras de Wajdi Mouwad siempre de los dos lados, actuando y produciendo. “De alguna forma esa capacidad estaba siempre de los dos lados, porque aunque no dirijas, estás viendo qué se necesita, teniendo un ojo externo siempre, no del lado de la dirección, pero sí del lado de ver la obra un poco desde afuera”.

La directora tiene una relación especial con el dramaturgo canadiense-libanés, “conecto muy fácilmente y muy rápidamente, justo por todos los textos que ya he trabajado como actriz y como productora”. Sin embargo, reconoce que fue un reto el tomar las decisiones sobre el montaje.

Temas con los que todos los seres humanos “empatamos muy bien”

El trabajo de Wajdi Mouawad habla de conflictos y temas muy humanos. A pesar de que al ser de origen libanés su obra podría parecer ajena, se trata de textos que generan emociones en el público.

Sobre esto, nos dice Rebeca, el autor habla sobre la búsqueda de identidad, sobre la guerra y la violencia, los encuentros y desencuentros, de la memoria, temas con los que todos los seres humanos “empatamos muy bien”.

Para la directora y actriz, en estos temas no hay divisiones ni países, pues en casi todas sus obras el autor habla de pérdidas, “en ese sentido, todos las hemos tenido de alguna u otra forma”.

Un obús en el corazón se reestrena este 3 de julio en el Teatro El Galeón. El remontaje, nos adelanta la directora, mantiene casi el mismo formato y se realizaron adecuaciones mínimas. “Se rescató mucho de la esencia, pero se aportaron otras cosas, cada espacio es distinto”, señala, y agrega, “el tiempo también te da otras posibilidades, mirar las cosas desde otro lado y potenciar otras”.

Hábitos que como sociedad tenemos que ir rompiendo

Al platicar sobre los retos particulares que enfrenta una mujer en la dirección, Rebeca Trejo nos dice: “No me gusta ponerme en esos lugares, porque de repente sí existe. Hay, no una desigualdad, son costumbres, hábitos que como sociedad tenemos que ir rompiendo poco a poco”.

La Directora destaca que en algunos casos son cosas muy arraigadas y hay un trato diferente. Como ejemplo, dice, a veces está el caso del trato con los técnicos. “Al ser mujer les cuesta más trabajo escucharte. Tienes que Imponerte, lo cual no me gusta hacer, de repente pareciera que tendrías que actuar como hombre para que te escuchen, hablar fuerte y ser malo. No quiero, no me gusta y no lo voy a hacer”, señala al respecto.

Para Rebeca Trejo el objetivo es ser escuchada sin tratar de parecer hombre para generar autoridad. “Ha sido difícil, no demasiado, vengo un poco ayudada por mi etapa de productora, donde ya tenía que lidiar con esas cosas”, señala.

Tenemos que seguir trabajando y construyendo todos

En este sentido, resume así el tema: “Creo que sí existe, no me gusta verlo como un obstáculo grave, pero sí algo que incomoda a veces y que tampoco me quiero victimizar porque me quita tiempo cuando tengo que estrenar una obra o estar a cargo de un proyecto”.

Finalmente, señala que, por ejemplo, en Acá en la Tierra ha estado rodeada prácticamente por mujeres, lo cual la ha hecho sentir muy acompañada. Lo mismo, agrega, sucede con Un obús en el corazón, “está Bernardo, que también es hombre, pero es muy generoso, escucha, y creo que también está buscando esa ruptura de parámetros”.

“Creo que estamos buscando un cambio, creo que vamos avanzando, creo que falta mucho, pero de todos, incluyendo mujeres, hombres, creo que lo importante es observarlo. No hacerlo evidente ni atacar a nadie pero sí ver que ahí hay algo que tenemos que seguir trabajando y construyendo todos”, puntualiza.

Proyectos que vienen

Entre los proyectos que tiene Rebeca Trejo en lo que resta del año está Toto y Pez, un texto escrito y dirigido por Luis Eduardo Yee. En esta obra participa como actriz y en la producción junto con Paola Salgueiro.

A la par, señala, se encuentra tratando de escribir otro texto “para seguir este impulso”. Sin embargo aclara que no le gusta plantearlo como “ya tengo que dirigir”, sino que prefiere “algo que vaya llegando, que fue lo que pasó en Acá en la Tierra y Un obús, fue como un instinto”.

Al respecto, destaca: “Admiro a quien dirige dos o tres obras al mismo tiempo, la verdad es que no sé cómo lo hacen, pero yo me tomo mi tiempo para decir”. Es decir, explica, se toma un tiempo para decidir cuando un proyecto ya está cerrado y empezar otro más para saber “qué quiero decir y por qué, y hacia dónde me voy a ir”.

Para más información de Acá en la tierra haz clic aquí, para información de Un obús en el corazón clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Natalia Bermúdez.

La productora Julieta González revela los secretos detrás de ANASTASIA, EL MUSICAL

Había una vez una familia que vivía en Rusia a principios del siglo XX, los Románov, pero el zar y su familia fueron asesinados por los revolucionarios bolcheviques durante la Revolución Rusa y la Guerra Civil, que concluyó con una dinastía de 304 años.

Este es el punto de partida de Anastasia, que inicia con un prólogo en el que vemos un fragmento de la infancia de la protagonista y luego, años después, cuando los bolcheviques invaden el palacio en medio de un baile. Mientras los Rómanov intentan escapar, Anastasia intenta recuperar la caja de música que le había regalado la emperatriz María Fiódorovna Rómanova. Más tarde, la emperatriz recibe en París noticias de que toda la familia ha sido ejecutada.

Después de estrenar por primera vez en Hartford, Connecticut, Anastasia, el musical estrenó en Broadway en el Broadhurst Theatre en abril de 2017 y, desde entonces, empezaron a hacerse producciones en todo el mundo. Aunque originalmente se traería a México antes de la pandemia, las cosas se dieron hasta ahora, por lo que podremos ver la escenografía original y gran parte de los vestuarios.

La producción con música de Lynn Ahrens y Stephen Flaherty, y libreto de Terrence McNally, responsable de trabajos como Master Class, El beso de la Mujer Araña y The Full Monty, llegará al Teatro Telcel, a partir del 3 de agosto.

En entrevista exclusiva, te contamos los secretos de Anastasia, en voz de su productora: Julieta González, directora de teatro y eventos familiares de OCESA y productora del musical.

Del cine al escenario

La película en la que se basa esta historia se estrenó en 1997 y desde entonces marcó a más de una generación.
Empecé a oír de la película primero a través de mi sobrina, que ahora ya tiene 28 años, que fue niña Anastasia. Entre esa generación, creo que después de La Bella y Bestia es una de las películas que más ha gustado. Yo debo confesar que no había visto la película, la vi en un avión camino a ver la obra cuando tuvo su temporada en Nueva York y me gustó muchísimo”, comparte, Julieta González.

Cuando estrenó en Connecticut el 13 de mayo de 2016, la obra presentó ciertas adecuaciones de la cinta original, por ejemplo, que en la obra no aparece Rasputin, sino un villano llamado Gleb, un general de los bolcheviques que recibe la orden de matar a Anya.

Me gustaron los cambios de esta historia llevada al teatro, me parecen muy acertados, es mucho más dramatizada por supuesto, pero sigue siendo una historia de amor, de amistad, de familia, de búsqueda de la propia identidad. Está cayendo muy bien en el ánimo de la gente que sabe que la vamos a traer”, apunta la productora.

Una protagonista empoderada

La película animada se diferenciaba en que era una de las primeras princesas que no pertenecía al universo de Disney, y a la vez, nos presentaba a una mujer independiente y valiente.

Me parece que es una historia de lucha, de superación, de sueños cumplidos. Me gusta mucho el tema de la búsqueda personal de esta joven que no sabe quién es, que no sabe de dónde vino y que anhela encontrarse. Eso es algo que nos llega a todos en algún momento de la vida, tengas o no tengas familia, el definir quién eres”, considera Julieta.

Agrega: “Anya tiene la misión de encontrar quién es. Esta lucha femenina de encontrar tu lugar en el mundo es una parte que me gusta mucho. Decía yo, en la conferencia de prensa, que es de las primeras princesas empoderadas. Es una chica luchona, que sobrevive una guerra y que se avienta la aventura de atravesar Europa para ir en busca de su pasado y de reafirmar su presente. Nos identifica a muchas mujeres, a través de casi un cuento de hadas”.

Encontrando al elenco

Así como en la película se veía que toda Rusia se vuelca a buscar a Anastasia cuando estaba perdida, esta producción también vivió su propia odisea para encontrar a la protagonista.

Nosotros habíamos hecho una convocatoria y ya teníamos elenco, no firmado, pero seleccionado. Desafortunadamente los dueños de los derechos tuvieron algunos problemas, porque hubo algún reclamo sobre el título y un tema legal que después se resolvió afortunadamente a favor de ellos. La obra todavía estaba montada en Nueva York cuando nosotros íbamos a hacerla, y ese era uno de los problemas, que teníamos que construir una nueva escenografía. Los productores: Stage Entertainment, son buenos amigos nuestros, así que los acompañamos y los esperamos. Fue una decepción no haberla podido montar en 2019 como estaba planeado, pero cuando finalmente se dio la oportunidad, ya había pasado mucho tiempo, había pasado una pandemia, y decidimos hacer todo el proceso de nuevo”, rememora.

De este modo, se realizaron audiciones nuevamente, y en estas se encontró a la protagonista: Mariana Dávila, quien había colaborado con Mejor Teatro en Cirque Musica Querida.

Mariana salió en este proceso y fue muy bien acogida por el equipo creativo, es una chica muy fresca con una voz divina. Tenemos un elenco joven con algunos actores que habían estado en otros musicales con nosotros, y gente que viene de otras producciones: Carlos Quezada, Manuel Corta, Javier Manante, Gloria Toba e Irasema Terrazas, que su papel nos preocupaba porque necesitábamos una muy buena voz, porque tiene una canción muy alta, pero que también alguien que fuera buena actriz. Tuvimos la fortuna de que ella quisiera adicionar y estamos felices de que nuestra primera Christine (en El Fantasma de la Ópera), hace 25 años, ahora sea nuestra Emperatriz”, evoca.

Ante los rumores de que en la empresa a veces puede ‘vetarse’ a los actores si trabajan con otros productores, Julieta subraya que están abiertos a trabajar con todos.

Nosotros para nada tenemos ese tema de los vetos, nuestras convocatorias son totalmente abiertas y lo que reina es el talento. Como tú sabes nosotros nos dedicamos -al menos en los musicales-, a hacer réplicas, réplicas de las producciones originales, y lo único que hacemos es poner el talento a disposición del equipo creativo y ellos escogen. Podemos tener alguna opinión, algún tipo de recomendación, pero siempre tratamos que se elija a quien mejor pueda representar el papel, porque quien manda es la obra, no somos los productores”, precisa.

Escenografía de la produción original

Al concluir el musical de Nueva York, en marzo de 2019, toda la escenografía se almacenó y después regresó a Europa, pues la empresa productora que también han producido Tina y 3 Musketeers, es de origen holandés.

Finalmente resultó que la propia producción de Broadway estaba disponible, que había que hacerle upgrades (mejoras) a temas de construcción, y renovar algunas cosas porque se pasó tres años en el almacén. Después viajó a Brasil, donde se renovó también parte del vestuario”, señala González.

La trama incluye momentos muy apantallantes, como la guerra, que requiere de efectos especiales.

La historia está muy bien armada, muy bien contada, y hasta es un poco fuerte por momentos, por las escenas de la guerra, también está matizado el asesinato de la familia. No nos cuesta mucho trabajo, es un tema muy técnico en el que todos los efectos especiales, la música, y todos los elementos suman para que la escena sea perfecta”, adelanta.

Vestuario de época

Para vestir a los actores con atuendos que trasladen al público a Rusia de principios de siglo, se conservaron varias de las piezas de la producción original.

Se renovó parte del vestuario, además de todas las pelucas y toda la zapatería, justo acabamos de pasar justamente el periodo de pruebas con el elenco. La mayor parte del vestuario ya casi está listo, hay que hacer algunas cosas nuevas, y más zapatos. Es una producción que tiene momentos muy vistosos, como una escena en la ópera en París, es un vestuario muy lucidor. Como siempre les vamos a presentar lo mejor, en este caso la exacta producción de Nueva York, solo mejorada”, detalla.

La protagonista tendrá obviamente algunos de los vestuarios más lucidores, que están en proceso de terminarse.

Se prueba todo el vestuario al nuevo elenco, hay algunas piezas que les quedan, otras que no. Generalmente renovamos todos los trajes de los principales, que llevan piezas totalmente nuevas”, indica.

Recreando el ballet ruso

Al ser una historia que tiene lugar en Rusia, una de las mecas del ballet, la producción mexicana realizó una búsqueda para encontrar bailarines que tuvieran conocimiento de ballet clásico.

Por las escenas justamente de Rusia y de ballet, el musical está muy apoyado en bailarinas de ballet, que luego las bailarinas no son fáciles de encontrar en México, tampoco los bailarines, pero hay como dos hombres y dos mujeres que son bailarines de ballet. Ya tenemos un capitán de danza que está trabajando ahora mismo con la coreógrafa asociada, que es la que estará porque la coreógrafa original -que vino la primera vez a hacer las audiciones- lamentablemente murió en febrero de este año”, revela.

Canciones que viajan en la memoria

Este montaje tendrá el mismo libreto que se usó en Madrid, con algunas adaptaciones. Además, si viste la película, probablemente recordarás temas como “Una Vez En Diciembre” (Once Upon a December) y “Viaje Tiempo Atrás” (Journey to the Past), que en México fueran interpretados por Thalía. Y justamente como el nombre de la segunda canción, actualmente la productora del musical está en un viaje para poder obtener los derechos de las letras.

Empecé una pequeña batalla por los derechos de “Viaje Tiempo Atrás”, que todavía no tengo ni perdida ni ganada, la sigo luchando. El tema es que es difícil llegar al fondo de quién tiene esos derechos, estoy en la búsqueda -a través de mis amigos de Disney, que ahora son los dueños del catálogo de Fox- para que podamos conseguir esa canción, y si no para el estreno, que después podamos usar la letra de ese tema que se cantó en la película animada”, añora.

Incluso, Julieta no descarta la posibilidad de contar con Thalía para alguna función especial.

Eso estaría divino, ¡vamos a empezar a buscarla desde ahora!”, señala.

Preventa y precios especiales

La preventa se dio a finales de junio y ahora la venta general ya está abierta al público.

A veces las preventas con tarjetas no siempre tienen el efecto que uno quisiera, pero es un primer lanzamiento. Ya una vez que se abre la venta general, estamos mucho más claros en lo que sigue y cómo van las entradas, pero estoy muy sorprendida porque efectivamente ha despertado buen ánimo”, comparte Julieta.

Al igual que en obras como El Rey León y Aladdin, la productora explica que se planean precios especiales para venta anticipada; es decir, quienes compren con mayor anticipación para su función, obtendrán un mejor precio.

Nosotros tenemos un plan promocional en el que buscamos vender boletos y recuperar nuestras inversiones. No queremos que la gente se espere, lanzamos precios diferentes de acuerdo con el día en que los compras. Estamos cumpliendo en el Teatro Telcel 10 años y ese plan nos ha ayudado a que la gente planifique mejor su visita al teatro y obtenga mejores beneficios”, recomienda.

Finalmente, Julieta se declara feliz de estar arrancando este proyecto, y sobre todo, de poder compartir esta historia con el público mexicano.

Estamos felices de regresar al Telcel y de seguir encabezando el teatro musical en México, estoy también muy agradecida con OCESA que nos ha permitido jugar. Revivir esa historia de nuestra infancia va a ser una experiencia muy bonita y me gustaría mucho que las familias se den la oportunidad de venirnos a ver”, concluye.

Por Mariana Mijares/ Fotos: Cortesía Escenario OCESA (Lulú Urdapilleta)

Anuncian estreno de GENERACIÓN AMARGA, obra que cambió la geografía del teatro británico

En conferencia de prensa se presentó la obra Generación amarga (Looking Back in Anger). El montaje estrenará el próximo 15 de julio en el Teatro Rafael Solana, ubicado en Coyoacán.

La obra cuenta con las actuaciones de José Ángel Bichir, Frida Astrid, Ela Velden y Jero Medina, bajo la dirección de Enrique Singer y Tanya Selmen.

El texto de John Osborne, escrito a finales de los años 50, significó un antes y un después en el teatro británico. Si bien la obra sucede originalmente en Inglaterra, en el montaje que está por estrenar se traslada al México de mediados de los años 90. En este sentido, Enrique Singer señaló que se quiso acercar la obra al público mexicano.

El actor José Ángel Bichir expresó su gusto de regresar al teatro con un texto “realmente contundente, poderoso, fuerte y que exige a todos los niveles”. En este sentido, recalcó que se trata de una obra que les exige como intérpretes. El teatro, destacó, es un lugar mágico y vivo tanto para el espectador como el espectador es un actor ritual.

Ela Velden compartió que lo que la atrajo de la obra fueron los personajes femeninos. Son personajes, dijo que aparentan ser una cosa y en los años 90 todavía las mujer vivían otra realidad. “Los personajes evolucionan, se transforman y se convierten en las mujeres que quieren ser”, lo cual, como actriz, señaló, le gusta mucho.

Singer destaca que se escogieron los mediados de esa década porque “fue un periodo, para una cierta generación, muy difícil”, en el cual además comenzaron a cambiar las relaciones interpersonales entre hombres y mujeres. Entonces, abundó, sucedieron cosas como “el error de diciembre”, con el cual mucha gente perdió muchos bienes. “Se vino una devaluación tremenda, el Fobaproa, etcétera. La clase media tenía aspiraciones” y pensábamos que íbamos a arribar al primer mundo, este momento de nuestra historia hizo que “toda una generación se decepcionara”.

Todo esto, señala Enrique Singer, se sumó además a que en el mundo hubo una decepción política, pues en 1989 había caído el Muro de Berlín, y el socialismo deja de ser una opción. Por estas razones, destaca, el título de la obra cambia a Generación Amarga, “es un momento en donde los jóvenes de aquella época sufren las consecuencias de perder sus aspiraciones”.

Al respecto, el director señaló que es una obra con gran contenido social y psicológico. Se trata de una obra, explicó, que por un lado conjuga un espíritu de confrontación política y social, y por el otro un estudio profundo sobre el alma de las personas.

Por su parte, Tanya Selmen destacó que ha sido un gran momento el congeniar con Singer en la dirección. Con ello, dijo, pudieron juntar esa visión masculina y femenina en lo psicológico y social de los personajes. Esto, agregó la directora, le ha dado un equilibrio a la propuesta.

Selmen explicó que en Generación amarga se puede ver a “personajes llevados por el miedo y el dolor”. Son personajes con los que nos podemos identificar en cualquier época, subrayó, “con esta frustración cuando los sueños se terminan”.

Jean Bernard, productor de la obra, señaló que se trata de una obra controversial, importante y fundamental para el teatro. “Cambió para siempre la geografía del teatro británico en la postguerra de la Segunda Guerra Mundial”, dijo. Antes de esta obra el teatro británico era un teatro por y para las élites, después de esta obra el teatro se convirtió en un instrumento de reflexión social, explicó.

Colocó por primera vez frente al público toda la rabia y la frustración de toda una generación de jóvenes que estaban viviendo una crisis después de la guerra, reflexionó el productor.

Para más información de la obra, boletos, horarios y más, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

5 obras infantiles para disfrutar en julio

Durante julio, te invitamos a acudir al teatro en familia, sabemos que las vacaciones de verano están cada vez más cerca. Si tienes pequeños en casa y estás buscando algunas opciones que los acerquen a las artes escénicas, nosotros te ayudas con esta selección que estamos seguros, cautivaran la atención de los infantes.

Ve planeando tu agenda teatral y disfruta de la amplia cartelera que tenemos en la capital:

1. A la orilla del mar. A cargo de la compañía TRIBU Producciones esta obra, dirigida especialmente a niñas y niños a partir de los 6 años, narra la importancia de perder el miedo a la muerte. En este relato conocemos la historia de tres generaciones de mujeres que se preparan para vivir una gran aventura marina, que las unirá para ser aún más fuertes. Se presenta los domingos hasta el 30 de julio en el Foro Shakespeare.

2. Gallo verde copetón. La compañía Mandinga Mar trae a escena esta propuesta interactiva, para niños y niñas de 3 a 5 años, que se inspira en Chucho Reyes Ferreira, uno de los más reconocidos artistas plásticos mexicanos, entre colores, cirqueros y bailarinas, conocerán la obra de Reyes realizó sobre papel de china. La obra contará con una breve temporada hatsa el 16 de julio en el Teatro Benito Juárez.

3. Misión Alfa 261535: en busca de la abuela. Animista Teatro de una manera didáctica y divertida nos cuenta la historia de Daniela, una pequeña que perdió a su abuela y emprende un viaje al espacio para reencontrarse con ella. En esta obra, la compañía invita a los adultos a romper con los prejuicios que a menudo tenemos con lo niños, cuando no queremos hablar de ciertos temas. Se presenta los sábados en Un Teatro.

4. Pedro y Tamara. La compañía Los Bocanegra es la encargada de presentar este montaje, dirigido a niños a partir de 5 años, que cuenta con títeres de papel, proyección de video y música en vivo para contar una historia fantástica sobre un minero que hace un pacto con La Muerte, pero su esposa intentará burlarse de ella, complicando así el ciclo de la vida. La temporada correrá los sábados y domingos, hasta el 30 de julio en el Foro La Gruta.

5. La otra flauta mágica. Una propuesta de teatro en atril infantil basada en un antiguo cuento alemán del siglo XIX, que integra títeres, actores y música en vivo, a cargo del Quinteto de Alientos S R, de Mirella Martínez. La obra se presenta, sábados y domingos, hasta el 30 de julio en el Teatro María Tereza Montoya.

Si deseas consultar otras opciones de nuestra cartelera infantil, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Danza UNAM, Animista Teatro

Regina Blandón y Xavier García hablan de PULMONES, una obra “divertida y necesaria”

La crisis climática es una realidad. El Secretario General de las Naciones Unidas, António Guterres, en 2019 advirtió que “estamos perdiendo la carrera de la emergencia climática; no obstante, podemos ganarla”.

Se trata de un tema que a todos nos atañe. Ningún lugar del planeta está exento de sufrir los devastadores efectos del cambio climático. La Organización de las Naciones Unidas señala que si bien la ciencia nos dice que este fenómeno es un fenómeno irrefutable, “no es demasiado tarde para detener su avance”.

Pulmones, del dramaturgo inglés Duncan MacMillan, pone el foco en el tema. A partir de la maternidad y la paternidad en medio del cambio climático, plantea la pregunta: ¿Tiene sentido traer una nueva vida a este mundo? La obra, dirigida por Alonso Íñiguez, inició su segunda temporada en el Foro Lucerna del Teatro Milán.

Platicamos con Regina Blandón y Xavier García, quienes junto con Adriana Montes de Oca, alternando con Regina, ponen el tema de la emergencia ambiental sobre la mesa.

 

¿Quiénes son los personajes de Pulmones?

El personaje que Regina Blandón interpreta es una mujer con ecoansiedad. Este término se refiere, según la Asociación Estadounidense de Psicología, al “temor crónico de un cataclismo ambiental que se produce al observar el impacto aparentemente irrevocable del cambio climático y la preocupación asociada por el futuro de uno mismo y de las próximas generaciones”.

En este sentido, la actriz nos dice, que se trata de algo muy real y su personaje está muy preocupada por el medio ambiente y por ser buena persona. Por esta razón, el tema de la maternidad “le hace cortocircuito en la cabeza”

Por su parte, Xavier García nos explica que su personaje, llamado H, se plantea con su pareja el dilema de si quieren tener o no hijos. Si bien H es una persona racional, que tiene los datos y los números de lo que puede pasar muy claros, es al mismo tiempo una persona no tan consciente sobre el cambio climático. “Es mucho más sencillo decir, ¿sabes qué?, vivamos esta vida. Definitivamente, a fin de cuentas ese amor nos va a ayudar a sobrellevar este mundo”, señala.

 

Razones para ver la obra

El actor nos dice que el público se va a encontrar con una comedia muy divertida, que te puede llevar de llorar de risa a llorar de tristeza. Con esto, nos dice, “rompe esa estructura defensiva que podríamos tener y te llega muy profundo”.

Un aspecto en el que se destaca Pulmones es que es la primera obra de teatro en México con huella de carbono neutra. Se trata, nos dicen sus intérpretes, además de una obra de un proyecto ambientalista.

Finalmente, dice García, la obra plantea preguntas muy importantes. Al respecto afirma: “No hay tema más importante del que la humanidad tendría que estar preocupada que de la crisis climática, y aquí, a través de una historia de amor muy cercana, podemos juntos hacernos esas preguntas.

Regina, por su parte, destaca que Pulmones es una obra divertida y necesaria. “Van a salir con muchos cuestionamientos, que eso es lo que hace una buena obra de teatro. Es reflexiva y la van a pasar muy bien”, puntualiza.

Además, la actriz considera que cualquiera que haya tenido pareja alguna vez en la vida se va a ver “reflejado, reflejada o reflejade” en algún personaje de la obra.  En este sentido,  dice, “es una obra muy bien escrita, completamente íntima”, en la cual el público siente que está escuchando una conversación que no debería estar escuchando. La gente, señala Regina, se va a encontrar “con muchas sorpresas, muchas risas y muchos momentos muy conmovedores”.

 

Como el teatro, esta obra habla sobre el amor

Regina Blandón considera que este montaje habla de este tema tan importante “no desde un punto aleccionador, sino desde un punto de que hay que darnos cuenta, hay que despertarnos”. Señala que estamos viviendo una época que no es de “medias tintas”, y en ese sentido “hay que tomar acción, hay que ser empáticos y hay que ser amorosos”. Esto, nos dice, es lo que hace el teatro.

Sobre este punto reflexiona que en una sala de teatro no se sabe, a pesar de que es un acto colectivo, individualmente en qué manera va a resonar la obra en alguien. Que resuene el mensaje de alguna manera en alguien, considera, ya es importante. “Como el teatro, esta obra habla sobre el amor, el teatro es un acto amoroso, porque al final estamos tratando de transmitir una historia”, destaca la actriz.

En este sentido, agrega que eso es lo mágico del teatro, que sin que te des cuenta te están contando algo, te están haciendo pensar, te ves reflejado o te ayuda a entender a la persona que está a tu lado. “Desde ese lugar muy mágico, que nada más el teatro tiene, podemos hablar de temas como éste que nos atañen a todes”, y finaliza, “creo que como es un lugar tan amoroso y tan mágico, el mensaje pasa más fácil”.

Para más información de la obra, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Biby Gaytán y Ana Paula Capetillo encabezan el elenco de AMOR SIN BARRERAS

En conferencia de prensa el productor Gerardo Quiroz presentó al elenco del montaje Amor sin barreras (West Side Story). Biby Gaytán junto con Ana Paula Capetillo encabezan el elenco de este icónico musical, en los papeles de Anita y María, respectivamente.

Biby Gaytán se dijo privilegiada de compartir el escenario con gente talentosa y de la que aprende día a día. Agregó que está feliz de poder revivir este montaje, que hace 20 años protagonizo bajo la producción también de Quiroz, ahora desde otra perspectiva. El poder compartir escenario con su hija, dijo, “ni en el mejor de los sueños imaginé“. En los ensayos, comentó, el estar con su hija le cuesta contener la emoción y mantener la calma en un montaje como éste, en el cual hay un cúmulo de emociones.

Por su parte, Ana Paula Capetillo agradeció la confianza del productor y del equipo creativo. “Me siento muy privilegiada de compartir escenario con mi mamá y con el elenco increíble, que todos son talentosísimo”, dijo.

Como parte del elenco, debutando en teatro musical, estarán Luis “Potro” Caballero, Axel Muñiz y Marco León, bajo la dirección artística de Óscar Carapia.

Axel Muñiz se dijo emocionado de debutar en este montaje y con muchas ganas de mostrar su capacidad. Por su parte, Marco León, destacó el privilegio de hacer teatro y “más con un clásico como Amor sin Barreras”.

Gerardo Quiroz, señaló que con este montaje este equipo sigue dándole vida a Amor sin barreras. Se trata, agregó, de una obra que sigue vigente en el contexto de la marginación y del juicio hacia los migrantes. “Desde nuestra trinchera, con este trabajo,  queremos que haya más igualdad, que no haya diferencias de raza, de criterio. No que por una ideología el amor pueda ser destruido”, dijo.

Por su parte, el director artístico, Óscar Carapia, explicó que Amor sin Barreras es una obra que cambió la historia del género. En el montaje, dijo, se requirió por primera vez de actrices y actores que cantarán, bailaran y cantaran al mismo nivel. No es, además, una obra feliz, sino que está basada en una de las grandes historias de la dramaturgia universal, Romeo y Julieta.

Carapia, destacó que lo que en esta versión de la obra, por sobre todo, hay “una directriz muy clara que es el talento humano”. En este sentido, adelantó que lo que sobresaldrá en el escenario es el talento del elenco y del equipo creativo.

El equipo creativo de la obra lo completan Salvador Núñez en el diseño de escenografía, Marcela Valiente en el diseño de vestuario, Jonatan Kent y Juan Pablo Escutira en la coreografía, Hugo Robles como director vocal y Juan Manuel Miguez en la dirección musical.

Para más información del montaje, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

 

3 razones para ver EL MISTERIOSO CASO DE LA SOMBRA

El teatro tiene esa virtud de liberarse de géneros y clasificaciones, es decir, el buen teatro, a fin de cuentas, es buen teatro y puede ser disfrutado por el público. Este precisamente sucede con  El misterioso caso de la sombra, una obra para jóvenes audiencias que podemos disfrutar todos.

La obra, dirigida y escrita por Juan Cabello, nos cuenta la historia de Mikael, que tendrá que resolver un gran misterio que mantiene nuestra atención durante aproximadamente hora y veinte que dura el espectáculo.

Con funciones los domingos a las 12 horas la obra se presenta en el Teatro Milán. Acá te cuento tres razones por las que debes ir a ver este montaje con los pequeños y los jóvenes del hogar.

Una historia importante, contada de una forma entrañable. El misterioso caso de la sombra es teatro dirigido a jóvenes audiencias, y no solamente para divertir, sino para hablar de un tema importante (el cual no les contaremos para no revelar el resultado de la investigación del protagonista). Lo interesante es poder conectar con públicos jóvenes y acercarlos al teatro, y a través de una historia interesante y divertida tocar temas que de otra forma pueden ser complicados de abordar.

La dirección de Juan Cabello es muy precisa en lo que desea contar. Logra el gran reto de no solo lograr una propuesta que agrada a las jóvenes audiencias, sino que también conecta con el publico adulto. Con una propuesta estética muy interesante, nos lleva de vuelta a los años noventa, cuando sucede esta historia. La escenografía, iluminación y la música juegan a favor del montaje, que es una opción ideal para un domingo a mediodía.

Complicidad sobre el escenario. Jatzke Fainsod, Amanda Farah, Fernando Canek, Alejandra Chacón y Maya Ricote nos llevan a vivir esta aventura. Sobre el escenario se siente un elenco compacto, que nos hacer realmente sentir complicidad entre ellos. Como público podemos percibir esa sensación familiar sobre el escenario. Jatzke Fainsod, como protagonista de la historia, desde el inicio de la obra toma las riendas y nos lleva por el misterio que juntos hemos de descubrir.

Si no sabías que hacer este domingo, pues El misterioso caso de la sombra es ideal. El Teatro Milán se ubica en la Colonia Juárez, donde puedes visitar algunos museos además e ir a comer algo después en plan familiar.

 

Para más información del montaje, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Paulina Chávez.

LEONARDO, sexta obra seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024

Leonardo es la sexta Obra Seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro. Se trata de un monólogo que es una mirada sobre Leonardo da Vinci, pero también una mirada al teatro desde el teatro. Rodrigo Murray da vida a un actor que interpreta al genio renacentista, y desde ahí nos hace reflexionar sobre nuestras propias vidas. Tiene como escenografía una obra realizada por el escultor mexicano Sebastián que le da otra dimensión al montaje, se convierte en la coprotagonista de esta historia.

Una comedia que nos cuenta cómo, a través de sus fracasos, Da vinci alcanzó la inmortalidad que tanto deseaba y pone en el escenario, a un ser de carne y hueso que tenía más en común con nosotros de lo que podríamos creer. Se trata de una obra divertida y dinámica que conecta con el público fuerte y de manera honesta.

Este unipersonal fue escrito y dirigido por Rodrigo Murray, quien además realiza una interpretación sólida, se le ve disfrutar y jugar sobre el escenario. Durante el desarrollo de la obra el actor va desplegando y modificando la pieza de arte realizada por Sebastián. Escenografía y actor parecen realizar una danza sobre el escenario.

El montaje cuenta con la música realizada por Luis Ernesto Martínez Novelo, “LU”, bajista de La gusana ciega; la iluminación de Félix Arroyo; y el diseño de vestuario de Marcela Valiente.

Para más información, horarios y boletos de este montaje haz clic aquí.

 

 

En SOMOS NOSOTROS se cuestionan los límites y los acuerdos de pareja

Somos nosotros es una comedia que habla sobre lo que sucede cuando, dentro de una pareja, alguien se enamora de alguien más. La obra inició temporada este fin de semana en el Foro Lucerna, del Teatro Milán. Bajo la dirección de Ariel del Mastro, y escrita por Macarena del Mastro y Marcelo Caballero, se estará presentando hasta el próximo 30 de julio.

La obra narra la historia de Él (interpretado por Mario Alberto Monroy) y Ella (Tato Alexander), una pareja con diez años de casados y un hijo. En la pareja, nos dice Mario Alberto, todo funciona muy bien, hasta que a Ella: “Se le ocurre ampliar su mundo, hacer cosas más allá de las fronteras de la casa y quiere leer, y ahí es donde conoce a alguien más”.

Por su parte, Mer (Ana González Bello) y Dady (Antonio Alcántara) son una pareja amiga de Él y Ella. Son parte del club de lectura en el que Ella conoce a Julián (Jhans Rico). Son, explica Tato, “otro espejo, otro reflejo del mismo tema, pero bajo otros ojos”.

Temas controversiales que nadie se atreve a cuestionar tanto

Ana González Bello destaca que se habla sobre la monogamia y se plantean preguntas sobre si existen otras opciones y otras formas de relacionarse.

En este sentido, Tato Alexander señala que son temas “controversiales que nadie se atreve a cuestionar tanto y mucho tiene que ver con la comunicación, qué tanto se dice y qué tanto no se dice”. Son preguntas muy importantes que hay que hacerse, afirma.

Para Antonio Alcántara, el texto explora los límites de la pareja y del amor, “lo que uno tiene como concepto del amor, como del otro, pero siempre con humor”. Esto, agrega, se aborda de una manera lúdica y gozosa.

Sobre el mismo punto, Jhans Rico explica que se trata sobre todo aquello que tradicionalmente se nos ha inculcado desde pequeños. “Justamente, creo que eso es lo más divertido, que cada uno tenemos una postura diferente de cómo vemos las relaciones y cómo podría llegar a ser si tenemos un poco más de apertura”.

En este sentido, el elenco coincide en que esta obra, desde el humor, plantea preguntas sobre las relaciones.

Comunicación con la pareja y acuerdos con la otra persona

Ana González Bello nos comparte que a ella le gusta la monogamia, y los acuerdos. Sin embargo, agrega, estar en un compromiso con alguien no nos vuelve seres asexuales y puede haber el caso donde alguien más puede llamarte la atención, sin que esto signifique que algo más suceda.

Al respecto, Antonio agrega que se trata de comunicación con la pareja y de los acuerdos que se tengan con la otra persona y contigo mismo. Se trata de entender con qué te sientes cómodo, con qué puedes lidiar y con que no, “nadie tiene la vida resuelta, todos estamos viendo qué pasa, pero a mí sí me gusta ser congruente con lo que creo que soy”.

Antonio Alcántara lo resume de la siguiente manera: “A mí también me gusta la monogamia, me gusta, pero creo que sobre todo basándome en la comunicación con la otra persona, entonces, siempre hay acuerdos que pueden renovarse”.

¿Qué encontrará el público en Somos nosotros?

En el montaje, nos dice Tato, el público encontrará comedia, pero antes que nada preguntas. Al respecto, Luis Alberto Monroy agrega que encontrará el absurdo del ser humano en una relación constituida por hombre y mujer bajo parámetros católicos y conservadores.

Se trata, considera Antonio Alcántara, de “seres patéticos y torpes, intentando llegar a acuerdos, comunicarse y amarse”.

Finalmente, Jhans Rico, nos dice que podremos ver “personajes sin máscara [… ] la gran mayoría de los seres humanos en la vida real vivimos con una máscara, y estos personajes son justamente sin ello, es decir, cómo seríamos en la vida real sin intentar ser quien no somos realmente”.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía PinPoint.

20 años del Festival Internacional de Cabaret buscando una una sociedad más justa y feliz

En conferencia de prensa se anunciaron las compañías que participarán en el en la edición número 20 del Festival Internacional de Cabaret (Ficab). En el Salón Tenampa, en el corazón de la Ciudad de México, Luz Elena Aranda, directora del Ficab; Cecilia Sotres y Nora Huerta, consejo fundador del festival e integrantes de las Reinas Chulas; y Argel Gómez Concheiro, director general de Grandes Festivales Comunitarios de la Secretaría de Cultura de la CDMX, dieron los detalles de la fiesta cabaretera.

Luz Elena Aranda recordó que hace 20 años Las Reinas Chulas decidieron hacer una pequeña muestra con tres obras de teatro de cabaret. Estas obras dirigidas por ellas y actuadas por sus alumnas y alumnojs  de sus talleres de cabaret, explico, “fue la semilla de lo que hoy conocemos como el Festival Internacional de Cabaret”.

La misión del festival, explica su directora, es transformar conciencias a través del arte y la risa, “para promover una ciudadanía más crítica y reflexiva, y así contribuir a la construcción de una sociedad más justa, placentera y feliz”.

Este año el slogan del festival es “Te escucha, lo dice, te ves”,  el cual habla, señaló Aranda, de la relación directa que existe entre el cabaret y la gente. “Al final el cabaret es eso, el cabaret es un género teatral que responde directamente a la gente, a lo que la gente piensa, a lo que la gente siente, a lo que nos duele y nos preocupa”, señaló. Dice cosas desde el escenario con otras palabras y con otros lenguajes para hacer que la gente se vea reflejada, puntualizó.

En esta edición del festival se dejó de ser solamente un festival en la Ciudad de México, destacó la organización. Si bien desde hace un par de años se venían realizando esfuerzos para descentralizar el festival, en esta ocasión finalmente se contará con tres sedes: Ciudad de México, Tijuana y Oaxaca.

En cada sede habrán diversas actividades, las cuales “no solo vienen de la Ciudad de México, sino actividades que se hacen también en estos lugares”. En las sedes participarán cabareteros y cabareteras de Tijuana y Oaxaca.

36 compañías participan en esta edición del festival. Además, se realizarán seis actividades de aprendizaje abiertas al público en general y de entrada libre, llamadas Festi Académico. Éstas últimas, explica Cecilia Sotres, buscan combatir el estereotipo de que el cabaret se hace a la carrera y es un “género menor”. Por el contrario, subrayó, se trata de un teatro muy profundo, crítico y subversivo.

Para hacer cabaret, agregó la directora y actriz, se necesita dominar cuestiones técnicas relativas al canto, el baile y la actuación, además de una observación incisiva de la realidad. En este sentido, considera que profundizar en los temas requiere un quehacer y un oficio que se puede compartir. “Esta parte académica es para mí, y para el festival ,fundamental”, advierte.

Por su parte, Nora Huerta adelantó que “será una fiesta muy hermosa”. A lo largo de 20 años, dijo, todas, todos, todes los artistas que han pasado por acá han dejado un “cacho de su corazón”. Informó que el festival arrancará con una doble función. Una de ellas Stand-Rap en el Foro A Poco No y la otra en el Teatro de la Ciudad donde presentará Nora y las pecadoras.

Finalmente, Argel Gómez afirmó que el festival no tiene por qué agradecer a las autoridades el apoyo. “Para nosotros es un honor que el Festival Internacional de Cabaret esté en la Ciudad de México“, destacó. Al respecto, subrayó que son pocos los festivales en nuestro país que logran durar tantos años y dejar tanta huella. El festival, afirmó, “es una escala, una parada fundamental en la vida cultural de la Ciudad de México”.

El festival contará con sedes con boleto pagado y sedes gratuitas y se realizará entre el 2 y el 26 de agosto. Entre las sedes con boleto pagado estarán el Teatro Bar el Vicio y el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ambos en la CDMX. Además, en este tipo de sedes están el Foro A Poco No (CDMX), el Centro Cultural Tijuana (Baja California) y la Antigua Bodega de Papel (Tijuana, Baja California).

Entre las sedes gratuitas están la Red de FAROS de la CDMX y el Centro Cultural de España en México (CDMX). En Baja California participará el Centro Cultural Tijuana. Mientras que en Oaxaca se suman la Estación Morelos y La Locomotora Faro Escénico.

El Festival es una iniciativa de Las Reinas Chulas Cabaret y Derechos Humanos, en coproducción con la Secretaría de Cultura de la CDMX, con apoyo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México.

Para más información de la programación, sedes y actividades haz clic aquí,  o en el sitio oficial del festival.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Lucero Mijares literalmente se rompe la pierna y debuta en EL MAGO

Este martes estrenó de manera oficial El Mago, y fue, sin exagerar, memorable. Lucero Mijares salió a escena después de que el domingo pasado, previo a la función, como se dice en el argot teatral, “se rompiera una pierna”.

El productor Juan Torres señaló que con este estreno se honró la máxima de “el show debe continuar”.  Al respecto, informó, que el domingo Lucero sufrió un accidente en el cual se fracturó la cabeza de la tibia. Para la compañía, confesó, “fue un momento muy retador”.  Antes de saber la gravedad de la lesión, la actriz y cantante realizó la función del domingo pasado. “Dio la función como nunca, le dolió como nunca”, señaló el productor.

Este anunció sorpresivo se dio después de la alfombra amarilla en la que participaron personajes como Chantal Andere, Mario Iván Martínez, Lola Cortés, Lisset, entre otros. Al finalizar la función el publico correspondió el esfuerzo de Lucero Mijares con un prolongado y gran aplauso.

Con una leve adaptación en el texto – una lesión en la pierna de Dorothy -, Lucero subió este martes a escena en una andadera ortopédica para dar función.

Al finalizar, Lucero y Manuel Mijares acompañaron a su hija para platicar con los medios sobre la situación que se vivió y la decisión de continuar con el espectáculo.

Lucero Mijares narró el contratiempo que sufrió. “En este caso fue un tropiezo, iba en las escaleras, aquí en el teatro. La función empezaba a las cinco, y a las cuatro cincuenta me caí, se me resbaló el pie, se me fue de lado”, explicó. Si bien no podía apoyar el pie y le dolía, decidió dar la función.

Agregó que en un principio pensaron que se trataba de un esguince o una torcedura. Al finalizar esa función la revisaron en el hospital y le encontraron una fractura en la tibia. Adelantó que, por lo menos, la recuperación tardará seis semanas: “Así que, si vienen por acá, me seguirán viendo igual”. Al respecto, tanto la actriz como el productor adelantaron que no se considera que haya un cambio en el papel protagónico de la obra.

En este sentido, compartió que cuando le confirmaron en el hospital la fractura le dijo al productor por qué no llamaba a otra actriz, a lo que él respondió, “porque El Mago se hizo para ti”.   En ese momento, dijo “me cayó el veinte. Si el doctor me deja, esto debe continuar por más adolorida que esté, por lo menos que haya descansado, por el terrible día que esté teniendo, el show debe continuar“.

Lucero, al hablar sobre la lesión de su hija, consideró que es muy impresionante y sorprendente, “no creo que fuéramos (ella o Mijares) capaces de hacer esto”.  En este sentido, agregó: “Lo que vimos hoy con Lucero Mijares es, creo yo, que ha puesto la vara demasiado alta. Yo creo que ha puesto el ejemplo en este teatro de algo muy impactante”.

La cantante reconoció todo el apoyo de la producción y del productor Juan Torres, “ha sido un equipo impresionante”. Sobre su hija, consideró “es un ejemplo a seguir, yo creo que hoy nos ha despertado una admiración impresionante” y agregó, “creo que esa vocación es la que muchas personas incluso a edades adulta no han encontrado en su vida”. Además, consideró que se trata de un gran augurio para el comienzo de la carrera de Lucero Mijares, “creo que vamos a recordar esta anécdota para toda la vida y así como las grandes estrellas del mundo artístico tienen grandes anécdotas en sus comienzos, creo que esta es una gran anécdota”.

Manuel Mijares comentó sobre la decisión Lucero de continuar, es algo que ha visto desde pequeña. “Lo ha visto en su propia madre, cuando nace José, ella estaba en Teletón, fue a los 15 días de que naciera”, y ella tenía que estar ahí y llevar al niño para amamantar.

Tanto los padres de Lucero, como el productor explicaron que la decisión de continuar fue una decisión que platicaron entre todos con la autorización de los médicos. En este sentido, destacaron,  los doctores dijeron que no había ninguna contraindicación.

La temporada de la obra continuará como se tenía planeado en el Teatro Hidalgo, con funciones los fines de semana, finalizando 13 de octubre.

Para más información de El Mago, boletos y horarios, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro. 

3 razones para ver DISNEY ON ICE: FROZEN Y ENCANTO

Uno de los shows más atractivos de la temporada de vacaciones es el espectáculo de patinaje sobre hielo, Disney On Ice que en esta ocasión nos presenta dos de las historias más recientes de la Casa del Ratón: Frozen y Encanto.

Desde hace 20 años, el coloso de Reforma ha albergado los distintos shows y este año llegarán a las 1000 representaciones. Además, nuestro país siempre ha sido considerado como la primera parada fuera de Estados Unidos, por lo que verás el totalmente nuevo.

Así que si tienes pequeños en casa, rompe el cochinito y lánzate a ver este fantástico espectáculo cuya calidad vale mil por ciento, aquí te damos 3 razones para que acudas al Auditorio Nacional:

1. Talento nacional. En la compañía podemos encontrar un sinfín de nacionalidades, en especial a varios mexicanos como es el caso de Estibaliz Fernández (CDMX), quien interpreta a Mirabel, personaje de Encanto, así como Jacobo Montemayor (MTY) y Lili Osorno (Edo.Mex), quienes no sólo participan en el ensamble, también son los hostess del espectáculo, que nos hacen sentir muy orgullosos del gran talento que tenemos en nuestro país.

2. Un mundo encantado. Desde su creación, Disney nos ha regalado universos llenos de magia, color y actos acrobáticos sorprendentes que han logrado conquistar la atención de chicos y grandes. Este año tocó el turno del mundo helado de Frozen y la colorida historia de Encanto, a través de estupendas coreografías, patinaje digno de una competencia profesional, efectos especiales y acrobacias que nos brindan un show de talla internacional, las familias mexicanas pueden disfrutar de sus personajes consentidos en un espectáculo totalmente en vivo.

3. Creando recuerdos memorables. Durante 2 horas, los papás y mamás volverán a su infancia. De esta manera, es imposible no contagiarse por las emociones que provocan las ya clásicas melodías. Al escucharse los primeros acordes de Libre soy y No se habla de Bruno, el recinto explota y aquello se vuelve una fiesta llena de risas, bullicio y sonrisas que nos llenan el corazón.

No lo olvides, Disney On Ice: Frozen y Encanto se presenta por corta temporada de miércoles a domingo hasta el 30 de julio en el Auditorio Nacional, para más información da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Escenario Ocesa

5 musicales imperdibles en julio

Los musicales son un género imprescindible en nuestra cartelera, y es quizá uno de los géneros más exigentes, pues son varias las facetas que los intérpretes necesitan para afrontar un papel, también deben cantar y bailar, todo en conjunto para que el público logre conectar con la historia.

Hoy en día podemos ver desde producciones sencillas hasta obras fastuosas que nos invitan por igual a reír, cantar y bailar, y, sobre todo, a pasar un gran momento de entretenimiento, porque el teatro musical es eso, un divertimento que nos alivia y desestresa del frenesí que impera en la ciudad.

Te armamos una selección con algunas de las propuestas que están en temporada:

Bule Bule, el show. Esta propuesta evoca una de las épocas doradas de nuestro país, los años 50 y 60, que hoy nuestros abuelos o padres, recuerdan con cariño. Si lo tuyo es cantar y bailar con Popotitos, Bule Bule, Agujetas de color de rosa, no puedes perderte este musical que no sólo te hará moverte en tu butaca, tambié fungirás como jurado en una noche que no querrás olvidar. Se presenta todos los lunes hasta el 7 de agosto en el Teatro Milán.

Desde Cero. Al inicio decíamos que el musical es muy exigente, pero, qué pasa cuando no hay libreto, ni ensayos, donde los actores y actrices deben usar todas sus herramientas para armar un montaje desde cero, esto sin duda ha sido el gran atractivo de esta propuesta que cada noche nos invita a vivir un momento teatral único, peculiar y con un elenco diferente. La temporada continúa todos los miércoles en el Teatro Ramiro Jiménez.

Todo el mundo habla de Jamie. Este imponente musical se presenta por primera vez fuera de Londres y en español, es decir, llegó primero a tierras aztecas antes de la Gran Manzana, y eso es digno de elogiar. La compañía que funciona a la perfección, logra transportarnos a las calles de Sheffield en Inglaterra donde se gestó la historia de Jamie, un adolescente que lucha por conseguir su sueño de ser una drag queen. Un tema muy ad hoc en estos tiempos que corren. Se presenta de viernes a domingo hasta el 30 de julio en el Teatro Manolo Fábregas.

El Mago (The Wiz). Un musical nuevo que ha entrado a nuestra cartelera y espera cautivar a la audiencia. Con la joven voz de Lucero Mijares, y las experimentadas voces María del Sol y Eugenio Montessoro, esta historia nos muestra personajes singulares y un tanto exagerados con influencias del steampunk, un vestuario llenos de color que esperan trasladarnos al fantástico mundo de Oz. Las funciones son de viernes a domingo en el Teatro Hidalgo.

SOR-PRESAS A-MÉN! Una comedia familiar que está de vuelta en los escenarios para seguir contando la historia de un grupo de monjas que intentan recaudar fondos para ayudar al convento. Entre risas, situaciones hilarantes, este grupo de religiosas encarnadas por un elenco completamente masculino, te harán reír, bailar y cantar sin parar. La obra se presenta ahora los martes en el Teatro Milán.

Descubre otras opciones de teatro musical, dando clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Diego Oviedo y Rocío Rubio

3 razones para ver LEONARDO

Las grandes figuras de la historia atraen nuestra imaginación. Personajes que, en un determinado contexto histórico, mostraron una capacidad especial para construir, crear o en algunos casos destruir. Personas que a través de su genio levantaron imperios o crearon obras artísticas que marcaron el alma de la humanidad. Inventores que con sus ideas modificaron el rumbo del futuro.

Precisamente de esto nos habla Leonardo, con Rodrigo Murray. En el escenario Leonardo, interpretado por un actor – al que da vida Murray -, nos habla de momentos de su vida que reflejan no solamente su genio, sino a un hombre de carne y hueso.

Aquí te compartimos tres razones por las cuales no te puedes perder este montaje.

1. El escultor Sebastián como escenógrafo. El artista plástico es uno de los creadores más reconocidos de nuestro país. Estamos acostumbrados a ver sus obras monumentales en nuestras calles y avenidas. ¿Quién no ubica la Cabeza de caballo en Paseo de la Reforma? Tal vez no por ese nombre, pero El Caballito de Sebastián, o simplemente El caballito, es una figura familiar para casi todos los habitantes de la CDMX. Para Leonardo, Sebastián realizó la obra Leonardo4, en la cual podemos ver, “las cuatro dimensiones que ocupa el espacio en una transformación topológica”, como nos ha explicado Rodrigo Murray. Es un verdadero lujo ver en el escenario esta creación artística que se va transformando con la ayuda de Murray, más que una escenografía es la coprotagonista del actor.

2.Un juego de paralelismos. Rodrigo Murray nos regala una interpretación precisa, se divierte, nos hace cómplices y disfruta todo lo que hace sobre el escenario. El actor construye un interesante juego y paralelismo entre Leonardo, el personaje del actor, y él mismo como actor. Se trata además de un monólogo, el actor tiene que estar plenamente metido en el texto, y Murray lo hace de principio a fin.

3. Una mirada a Leonardo da Vinci. El texto, escrito por el propio Rodrigo Murray – quien además dirige – tiene la virtud de hablarnos del personaje desde su aspecto humano. Estamos acostumbrados a recordar a los personajes de estas dimensiones como personas que desde un principio sabían su lugar en los libros de historia. Sin embargo, no es así, ellos se parecen a nosotros más de lo que imaginamos: amaron, tuvieron temores y esperanzas. Y sí, Leonardo perseguía la inmortalidad, pero es a través de los fracasos que alcanzó esa gloria.

Así que ya lo sabes, Leonardo es un texto divertido, que nos habla del genio renacentista, pero también del teatro desde el teatro. Es una comedia ante todo, pero que nos hace reflexionar y pensar en nosotros mismos.

Para más información de Leonardo, horarios y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

5 obras de teatro con una historia curiosa

El arte está lleno de anécdotas, leyendas y casualidades. Una casualidad o un hecho fortuito pueden dar lugar a una creación memorable. Por ejemplo, es famosa la anécdota que contaba el poeta Renato Leduc sobre cómo escribió su famoso soneto “Aquí se habla del tiempo perdido que, como dice el dicho, los santos lo lloran”, el cual sería después un todavía más famoso bolero en voz de Marco Antonio Muñiz: Tiempo.

Según el cronista y poeta, el poema –luego transformado en canción- nació de una apuesta entre sus compañeros de clase en San Ildefonso. La apuesta consistía en escribir un soneto con el pie “hay que darle tiempo al tiempo”. Leduc no cayó en cuenta que, como le recordó burlonamente el escritor y abogado Julio Torri cuando no logró escribir el poema, la palabra tiempo no tiene rima. Con esa espina clavada, Leduc aquella misma noche pensó toda la noche en sobre la palabra tiempo, y escribió el memorable poema que inicia: “Sabia virtud de conocer el tiempo; / a tiempo amar y desatarse a tiempo”.

El teatro no está libre del azar y de algunos datos curiosos. Aquí te contamos sobre cinco obras de teatro que tienen una anécdota curiosa que tal vez no conocías.

Hamlet

La tragedia, cuyo título original es La tragedia del Hamlet, príncipe de Dinamarca, según los expertos está basada en fuentes anteriores. Se habla de que Shakespeare toma como base la leyenda de Amleth y otra obra isabelina, hoy perdida, titulad Ur-Hamlet o Hamlet original.

Sin embargo, más allá de las fuentes mencionadas, algunos estudiosos piensan que la inspiración para escribir la obra fue la muerte del único hijo varón del dramaturgo. Poco después de la muerte prematura de su hijo, de 11 años, William Shakespeare escribió su célebre obra. Un dato que refuerza esta versión es el parecido entre el nombre del protagonista de la obra y el hijo del autor, que se llamaba Hamnet.

 

Cats

El musical compuesto por Andrew Lloyd Weber es uno de los musicales que tuvieron mayor permanencia en Broadway y en el West End. Aquí lo curioso es que la historia es una adaptación de los poemas humorísticos del poeta estadounidense T.S Eliot sobre la psicología de los gatos bajo el título de El libro de los gatos habilidosos del viejo Possum (Old Possum’s Book of Practical Cats), publicado en 1939.

Originalmente los poemas los incluyó en las cartas que escribía a sus nietos, firmadas bajo el  nombre de Old Possum. Si además del teatro te gusta la poesía, échales un ojo, pues en verdad son poemas divertidos, llenos de ingenio e imaginación.

Volviendo al camino que recorrieron los poemas de Eliot para transformarse en un musical, fue en 1954 que Alan Rawsthorne, compositor inglés,  tomó seis de ellos para crear su obra para narrador y orquesta: Gatos habilidosos (Practical Cats). De manera simultánea otro compositor, también inglés, llamado Humphrey Searle, realizó una obra narrada basada en los poemas: Dos gatos habilidosos (Two Practical Cats). En 1981 Andrew Lloyd Webber estrena en Broadway su adaptación sobre los poemas de Eliot bajo el título Cats.

 

La obra que sale mal

Actualmente La obra que sale mal tiene una exitosa temporada en México, desde que llegó a nuestro país en el 2018. La obra, escrita por Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields, bajo la dirección de Mark Bell estrenó en el Teatro Old Red Lion de Londres en el 2012, y actualmente se ha vuelto en una de las obras con mayor permanencia en el West End, presentándose en el Duchess Theatre. Ha sido tanto el éxito de la obra que la obra se ha representado ya en 30 países.

Lo interesante de esta obra es que nació de manera casi semiprofesional. Cuándo llegó a México la obra, su director, Mark Bell, señaló: “Unos estudiantes me trajeron un texto de una obra que se llamaba La obra que sale mal. Me pareció que el texto estaba bien, no tenían dinero, accedí a dirigirla y montarla en un teatro pequeño que tenía 40 butacas”.

Uno de sus coautores, Jonathan Sayer, ha narrado en entrevistas que cuando se escribió la obra compartía con Lewis y Shields un pequeño departamento. Los tres trabajaban en bares, call centers y restaurantes y durante las tardes escribían la obra.

 

El mago, Wicked y El mago de Oz

Todas ellas están basadas en el libro infantil El maravilloso mago de Oz (The Wonderful Wizard of Oz), de Lyman Frank Baum con ilustraciones de W. W. Denslow. El libro se publica en 1900. Este cuento es uno de los primeros dirigidos al público infantil que toman personajes y lugares de los Estados Unidos, teniendo como antecedente las novelas Las aventuras de Huckleberry Finn y Las aventuras de Tom Sawyer.

Este libro, según los economistas Krugman y Obstfeld, en su libro Economía Internacional, tomando como fuente a otro economista, Rockoff, la historia es ni más ni menos que es una alegoría sobre varias cuestiones políticas y económicas de los Estados Unidos a finales del siglo XIX, entre ellas, el patrón oro, que estaría rerpesentado por Dorothy.

Otro dato curioso es que en 1928 el libro fue censurado en Detroit, pues se consideró de poco valor educativo y que promover la cobardía.

 

Amor sin barreras (West Side Story)

Este musical es un viejo conocido. Estrenado en 1957 se convirtió en un clásico dentro del género. La obra, inspirada en uno de las grandes historias del teatro universal, Romeo y Julieta, revolucionó el teatro musical en muchos sentidos.

Un ingrediente que hizo de este musical un ícono es la música. El score musical de la obra tiene potentes orquestaciones con toques de jazz y música latina. Esto fue obra de Leonard Bernstein, quien en su momento fue el director de orquesta más famoso y reconocido en los Estados Unidos. De hecho, dentro de la música sinfónica, a nivel mundial, Bernstein está considerado dentro de los mejores directores del siglo XX.

Entre su trabajo como compositor están tres sinfonías, dos óperas, una misa y el score de cinco musicales de teatro. En su estilo incorporó diversos géneros y estilos.

 

Estas son solo algunas obras con algo curioso en su historia. Como éstas muchas más deben tener una historia digna de contarse. Si conoces alguna compártela con nosotros en los comentarios.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Gilda Villarreal.

5 propuestas en temporada en el Centro Cultural del Bosque

Seguro has pasado miles de veces por Reforma y si nunca has visitado el Centro Cultural del Bosque, sigue leyendo, porque aquí te contamos un poco sobre su historia, así como las propuestas que están en temporada.

Su origen se remonta a una iniciativa del entonces presidente Miguel Alemán Valdés que mandó construir un complejo exclusivo para la exhibición ecuestre. Fue inaugurado el 21 de julio de 1962 como Unidad Artística y Cultural del Bosque y desde entonces, el complejo se ha caracterizado por presentar espectáculos de teatro y danza, y al mismo tiempo, ha servido como foro de experimentación artística, discusión y reflexión entre las diversas manifestaciones escénicas, que van desde lo convencional hasta lo más vanguardista.

El CCB cuenta con una ubicación ideal, por un lado está a unos pasos del Bosque de Chapultepec y también está muy cerca del Auditorio Nacional, además cuenta con una librería, una cafetería y un estacionamiento gratuito en el que sólo se necesita el boleto para ingresar.

Aquí te dejamos una selección de obras que puedes disfrutar en temporada:

Radio Piporro y los nietos de don Eulalio. Escrita, dirigida e interpretada por Víctor Hernández, acompañado por Roberto Cazares en la interpretación, el montaje se entreteje entre la ficción, un falso documental, datos históricos de Nuevo León y autobiografía de los actores. Ofrece funciones de jueves a domingo hasta el 23 de julio en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky.

Manuscrito 512. Escrito y dirigido por José Luis Cruz, es un proyecto teatral con tintes dramáticos que narra la historia de un pergamino mágico que hechiza a quienes lo leen o tocan. Con funciones de jueves a domingo en la Sala Xavier Villaurrutia.

Un obús en el corazón. El texto autobiográfico de Wajdi Mouawad nos describe un capítulo de intensa violencia que el autor presenció mientras vivía en Líbano durante la guerra civil. Se presenta hasta el 22 de septiembre en el Teatro El Galeón.

Xólotl. La propuesta de Zona de títeres cuenta con marionetas, canto, música electroacústica, performance y video, presenta la historia de Nezahualcóyotl quien tiene apenas 15 años y atestigua el asesinato de su padre, el rey Ixtlilxóchitl. Ofrece funciones de jueves a domingo hasta el Teatro El Granero.

Un Par. Teatro Al Vacío, suben a escena para contar una historia a través del juego, sin palabras, con imágenes y acciones sobre las relaciones de poder y autoridad. Ofrece funciones sábado y domingo, hasta el 20 de agosto en la Sala Xavier Villaurrutia.

¿A cuál te vas a lanzar?

Por Itaí Cruz, Fotos: Sandra Hordóñez y Gabriel Silva

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El teatro toma espacios no convencionales

El teatro sucede donde se da el acto colectivo de juntarse a narrar y escuchar una historia. Es en sí mismo una experiencia, y cada vez son cada vez las propuestas que buscan sumar elementos diferentes a esta experiencia. Si bien nunca será superado la experiencia teatral dentro de un teatro, la sensación y la expectativa de la tercera llamada, el telón que se abre o las luces que iluminan un espacio oscuro, actualmente hay diversas propuestas que buscan experimentar en otros espacios.

En la cartelera podemos encontrar grandes espectáculos que dentro de un recinto teatral ofrecen una experiencia más lúdica al espectador. Este es el caso de de Mamma Mia!, que en el Teatro de los Insurgentes realizó en las primeras filas cambios para acondicionar la Taberna de Donna y que el público pueda tomar de un trago mientras disfruta de la función.

Los espectáculos de cabaret en la Ciudad de México se han mantenido desde hace años en espacios donde la experiencia es lúdica, existen lugares emblemáticos como el Teatro Bar el Vicio en Coyoacán, donde la barra y la cocina permanecen abiertas durante el espectáculo para dar servicio a los espectadores. En esta línea, Vedette Show se presenta en el Foro Stelaris, del hotel Fiesta Americana. Es un espectáculo que desde una visión actualizada lanza una mirada al antiguo cabaret, reviviendo aquellas grandes temporadas que se vivían en la década de los 50, 60 y 70.

Obras como Ensoñación, buscan espacios más reducidos e íntimos para narrar historias que desde la poesía y lo onírico conectan con el espectador. Esta obra, bajo la dirección de Aída del Río, se presenta en un lugar secreto en la Colonia Roma, del cual el espectador se entera al realizar su reservación. Al estilo de los speak easy de los años 20 e inicios de los 30 del siglo XX, se tiene que dar una contraseña al llegar al lugar indicado en la puerta.

Propuestas como Imperio y Carlota llevan a recintos históricos emblemáticos, como es el Castillo de Chapultepec, el acto teatral. Ahí estas dos obras nos hablan de un episodio de nuestra historia desde el lugar en donde habitaron los protagonistas de estos espectáculos: Carlota y Maximiliano. Ambos espectáculos, bajo la dirección de Rodrigo González no podrían tener un escenario más idóneo.

Otro lugar con mucha historia, en este caso relacionada con el cine mexicano, que ha abierto sus puertas a la experiencia teatral es la Casa del Indio Fernández, en donde se está realizando temporadas de Teatro en Breve.

Existen además otras opciones, como lo es el proyecto de Teatro en Plazas Públicas, organizado por el Sistema de Teatros de la CDMX y que desde hace 10 años lleva puestas escénicas a los habitantes de la ciudad de manera gratuita para acercarlos a este tipo de espectáculos.

Una propuesta más reciente es el Drinky Fest, que este año realiza su primera edición. Se trata de llevar teatro a bares, restaurantes y cafeterías. El festival inicia con 16 montajes que se presentarán en sedes como Centenario 107, Terraza Calacas, pizzas del Perro Negro de Coyoacán, el Cocoliche Restobar, Xolio-Foro Bar, Carlota Café y La Gaya Scienzia.

Éstas son solo algunas opciones de teatro no convencional o que ser realiza en lugares no convencionales. En nuestra cartelera puedes encontrar muchas más, te invitamos a navegarla para encontrar el espectáculo ideal para ti.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro y Cortesía PinPoint.

Inicia temporada TODOS ERAN MIS HIJOS del gran dramaturgo nortemericano Arthur Miller

Los textos de Arthur Miller, el gran dramaturgo norteamericano del siglo XX, son una garantía. El autor narra historias que atraviesan por temas que, a la distancia de varias décadas, nos siguen tocando. Ver uno de estos textos sobre el escenario se vuelve una experiencia que normalmente mueve al espectador. Este lunes inició temporada en el Foro La Gruta Todos eran mis hijos, bajo la dirección de Diego del Río. La puesta en escena entre sus aciertos tiene el de respetar y poner en el foco el texto del autor y contar con un elenco que logra una interpretación muy eficaz.

Se trata de un proyecto independiente, que se realiza como una cooperativa, según señaló su director. Ha sido, dijo Del Río, “un proceso muy íntimo”, una producción que se ha levantado con buenas intenciones y donaciones de conocidos y colegas.

Todos eran mis hijos es un texto fundamental en la obra de Miller. Es una dura crítica a la sociedad estadounidense y su doble moral. Una visión sin concesiones sobre el costo que ese país pagó por su hegemonía mundial: la vida de sus hijos, literal y figuradamente. Nos habla en el contexto de los años inmediatos a la finalización de la Segunda Guerra Mundial en los Estados Unidos, pero tiene un alcance universal al cuestionar cómo el ser humano, bajo el sistema que salió victorioso de la guerra, es capaz de hacer, permitir y justificar actos injustificables.

La puesta en escena de Diego del Río cuenta con las actuaciones de Arcelia Ramírez, Pepe del Río, Ana Guzmán Quintero, Gonzalo de Esesarte, Fabiola Villalpando, Nicolás Pinto, Angélica Bauter, Evan Regueira y Eugenio Rubio. El texto del autor fluye en voz del elenco, mantiene la tensión y la atención del público durante los tres actos que componen la obra, cerca de tres horas de intensidad que se van en un suspiro.

El equipo creativo lo completa Isabel Becerril, encargada del diseño de vestuario, escenografía e iluminación. La producción ejecutiva corre a cargo de Marla Almaráz.

Arthur Miller es uno de los máximos representantes del realismo norteameriano. Es también uno de los más grandes y controvertidos dramaturgos estadounidenses del siglo XX.

A los 28 años estrena su primera obra en Broadway, Un hombre con mucha suerte, la cual, contrario a su nombre, no tuvo tanta suerte. Del montaje solamente se realizaron cuatro representaciones. Sin embargo, tan solo cuatro años después, en 1947, estrenaría Todos eran mis hijos, la cual duró casi un año en cartelera y le hizo acreedor al premio del Círculo de Críticos de Teatro de Nueva York.

Entre sus obras más famosas están también Muerte de un viajante (1949), Las brujas de Salem (1953) y Panorama desde el puente (1955).

Para más información, horarios y boletos de la obra haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelrera de teatro.

5 sorprendentes curiosidades sobre VASELINA que tal vez no sabías

Desde su anuncio, Vaselina Timbiriche ha causado un gran revuelo entre los fanáticos y amantes del teatro, que regresa para hacer vibrar a las generaciones crecieron en los años 80 y que gozaron con las interpretaciones de la famosa agrupación infantil mexicana.

Hoy conoceremos un poco sobre esta nueva versión, pero antes, para ir calentando motores te compartimos algunos datos curiosos sobre Vaselina, para que vayas alistando la chamarra de cuero, los tenis, las faldas con crinolina, pero sobre todo, la mejor actitud para divertirte y cantar con los queridos Timbiriches.

Sigue leyendo y conoce a detalle por qué este musical es de los favoritos del público:

Origen. Sus creadores se inspiraron en los años 50, situando la historia en una escuela secundaria de Chicago, mientras que el título alude a la subcultura de los “greasers”, un movimiento juvenil de clase trabajadora de aquella época en Estados Unidos.

Éxito. El musical debe su éxito o mejor dicho, posicionamiento en el ideario colectivo, gracias a la versión cinematográfica hecha por Oliva Newton-John y John Travolta, que logró capturar la esencia del montaje, tal como la imaginaron Jim Jacobs y Warren Casey, y no sólo eso, se convirtió en la película musical más taquillera del siglo XX.

Melodías. En la producción original de Broadway, conocimos una de las melodías más entrañables, como: Summer Nights y Grease, sin embargo, las 2 más recordadas Hopeless Devoted to You y You’re the One, That I Want, no formaban parte del repertorio inicial. En México, Amor primero, se convirtió en todo un éxito tras la representación de los Timbiriches, incluso llegó a pensarse que la canción era del grupo y no del montaje.

Julissa. Sin duda, el musical no sería lo mismo, ella compró los derechos para montarla en nuestro país y no sólo eso, también llevó a cabo la traducción de las letras y canciones, para que Benny, Sasha, Mariana, Alix, Paulina, Diego y Erik, los famosos timbiriches fueran los encargados de darle vida a la historia de Danny y Sandy, que se conviritió en la obra más vista de 1984 y 1985, hasta que el terremoto de 1985 destruyera los Televiteatros (hoy, Centro Cultural Teatro 1 y 2).

Semillero de talentos. Esta versión contó con la presencia de hijos de famosos quienes comenzaban sus pininos en la actuación y que hoy en día son figuras reconocidas a nivel internacional, tal es el caso de Thalía, Eduardo Capetillo, Edith Márquez, (quienes formaron parte tiempo después de Timbiriche), así como Stephanie Salas, Héctor Suárez Gomis, Lolita Cortés, Usi Velasco, Angélica Ruvalcaba, José Antonio Noriega, Cecilia Tijerina.

Vaselina gira en torno a Danny Zuko y Sandy Dumbrowski, dos estudiantes de secundaria que, tras disfrutar de un maravilloso romance de verano, vuelven a encontrarse por sorpresa en el Rydell High School. Sin embargo, Danny no es la persona que conoce Sandy, es un chico arrogante e insensible. En esta nueva escuela, Sandy no sólo tendrá que lidiar con la actitud de Dany, también tendrá que lidiar con Betty Rizzo, la chica más popular del instituto y líder de las Pink Ladies.

No te pierdas Vaselina Timbiriche de jueves a domingo en el Centro Cultural Teatro 1, ubicado en Av. Cuauhtémoc 19 altos esq. Puebla, Col. Roma, consulta horarios, precios y descuentos aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Prensa DANNA

Estrena VASELINA con Timbiriche en noche de música y nostalgia

Este miércoles el Centro Cultural Teatro 1 se llenó de música y nostalgia con la alfombra roja y el estreno para invitados de Vaselina. Un público emocionado por escuchar nuevamente canciones que fueron parte de su vida como Noches de Verano, Freddy mi amor, Iremos Juntos y Eres todo mi amor, entre muchas otras, celebraron con gritos y aplausos los primeros acordes de cada una de ellas.

En la alfombra roja desfilaron un gran número de miembros de la comunidad artística y teatral. Pero tampoco faltaron personalidades del deporte y del periodismo.

Entre los asistentes estuvieron Jacqueline y Chantal Andere, Angélica María, Fernanda del Castillo, Erik Hayser, Lisset, Plutarco Haza, Anahí Allué, Violeta Isfel, Fela Domínguez, Mónica Huarte, Lucero Mijares, Moisés Suárez, Paola Gómez y Maca Carriedo, entre muchos otros.

También se pudo ver a productores como Juan Torres y Guillermo Wiechers, periodistas como Álvaro Cueva, Gustavo Adolfo Infante y Enrique Burak.

El reto acercarse a este material una vez más

Previo al inicio de la función, el elenco sostuvo una pequeña conferencia de prensa con los medios. Ahí, Benny Ibarra recordó que hace cincuenta años sus padres vieron esta obra en Broadway y decidieron traerla a México. Ha sido algo tan importante, dijo, que “nos tiene reunidos 50 años después cantando estas canciones que son parte de la banda sonora de todos los mexicanos, de nuestra generación, de la generación de nuestros padres, y sin duda de las nuevas generaciones”.

La obra con un elenco encabezado por Benny Ibarra, Mariana Garza, Erik Rubín, Alix Bauer, Diego Schöening, María León, Andrea Legarreta, Angélica Vale, Yahir y Kalimba, ha representado un reto para intérpretes y productores.

“Era un gran reto para Alex Gou y para Erik Rubín como productores el acercarse a este material una vez más, pues se ha hecho muchas veces”, dijo Ibarra. El músico y actor dijo además que como intérpretes enfrentan el reto de conmoverse nuevamente con esta historia, y luego el reto más grande: “conmover a las personas”.

En este sentido, Mariana Garza señaló que se encuentran emocionados, agradecidos y orgullosos de lo que provoca la obra en las personas.

Un punto y aparte en el teatro de nuestro país

Mariana destacó que, si bien mucha gente cuestionaba el por qué Vaselina nuevamente, se trata de “una Vaselina que nunca nadie antes ha visto, ni siquiera nosotros”. Aseguró que “esta producción va a ser un punto y aparte en el teatro de nuestro país”.

Alix Bauer consideró que hacer Vaselina es un gran reto. “Quizá sería hasta más fácil hacer algo nuevo, porque no existen las comparaciones. No existe el lo hicieron mejor o lo hicieron peor”, dijo. Por ello, agregó, es un gran reto, pero que lo hacen “con toda la ilusión y con todo el amor”.

Finalmente, el productor Alejandro Gou explicó por qué se tienen contempladas solo 12 semanas de temporada. Los integrantes del elenco tienen compromisos previos que incluyen conciertos y televisión. “Juntarlos fue cuestión de mucho tiempo y de unir agendas, pero ojalá, nos vamos a sentar con cada uno de ellos, con sus managers, podamos alargar. Tenemos peticiones de toda la república mexicana, Estados Unidos, Latinoamérica”, dijo el productor.

La preparación física y emocional

Vaselina requiere de una preparación física y emocional  para el elenco por lo que significa para ellos. En este sentido, Mariana Garza manifestó que “hacer teatro es un combo. Creo que eso es lo que lo hace único, es lo que nos permite hacer un acto de reciprocidad. Todo lo que nos mueve a nosotros como intérpretes, todo lo que tenemos que aprender e ir asimilando y domando junto con lo que hay que hacer”.

Sobre este tema destacó el trabajo del director de escena de la obra, Mauricio García Lozano, “uno de los mejores directores del país”. También agradeció al coreógrafo del montaje, Carmelo Segura, pues ha aportado nuevos lenguajes a la obra.

Al respecto, el productor Alex Gou afirmó que el elenco se encuentra en su mejor momento.

Timbiriche siempre va a estar junto de alguna manera o de otra

Alix Bauer habló sobre la nostalgia y los reencuentros. Al respecto compartió que siempre la invitación está abierta cuando hay un proyecto, “invitar a toda la familia Timbiriche”. El estar o no, explicó, depende de una decisión personal de acuerdo con los tiempos, a la vida profesional y personal, incluso, a cómo se sienten. “Nosotros, los cinco que estamos aquí, coincidimos en las ganas, en los tiempos, en el momento, por eso estamos aquí”, dijo.

Sobre un posible reencuentro Alix señaló: “Siempre habrá un reencuentro, siempre, Timbiriche siempre va a estar junto de alguna manera o de otra”.

El elenco de Vaselina lo completan Leonardo de Lozanne, Alex Ibarra, Verónica Jaspeado, Lupita Sandoval, Guana, María Elisa Gallegos, Carmen Sarahí, y un gran ensamble. En el equipo creativo se encuentra Armando Reyes como director artístico; Benny Ibarra en los arreglos, producción y dirección musical; Jorge Ferrari en el diseño de escenografía corpórea y digital; Maxi Vecco en el diseño de video; Pablo Gutiérrez y Soho Ávila en el diseño de iluminación.

Para más información, horarios, descuentos y boletos del montaje haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro. 

4 reestrenos teatrales que no te puedes perder

Hay obras que año tras año vuelven a cartelera, algunas con elencos renovados o con los mismos actores, que regresan a sus primeros escenarios o que se presentan en otros recintos, eso sí, sin dejar de mostrarnos la trama original que nos asombró desde el principio.

Acá te contamos cuáles son las obras que regresan a cartelera en julio-agosto y que no te puedes perder:

Indecente. Una de las obras consentidas por nuestros lectores y que fue ganadora a Mejor Obra, en la pasada entrega de los Premios del Público Cartelera de Teatro 2023, está de vuelta en el escenario que la vio nacer y en esta ocasión se sumarán al reparto César Chagolla y Fernando Canek, mientras que en la parte musical Silvestre Villaruel, Carliz Benítez y Francisco Verden también formarán parte de esta nueva temporada. Las funciones serán de viernes a domingo hasta el 20 de agosto en el Teatro Helénico.

Wilma. Una historia que ha estado girando en diversos recintos de la capital, alista una nueva temporada en el Centro Nacional de las Artes, para seguir contanto las vivencias de Itzhel Razo, su autora, así como las luchas que tuvo que enfrentar desde su niñez. Las funciones serán de jueves a domingo hasta el 10 de septiembre en el Foro de las Artes.

El Cuidador o ¡Mamá las llaves del coche no van en el refri! Con este unipersonal, Sergio Ochoa rinde un homenaje a su madre, la también actriz Leonorilda Ochoa, quien falleció a causa del Alzheimer. La obra nos muestra cómo este padecimiento puede cambiar la vida de las personas y cómo lo enfrentan quienes están a su alrededor. La temporada comenzará el 15 de agosto en el Teatro Xola Julio Prieto.

Julieta tiene la culpa.  Las actrices Verónica Merchant, Carmen Mastache y Sofía Sylwin se reúnen de nueva cuenta en este montaje que plantea un universo paralelo donde Nina, Blanca y Julieta, tres mujeres icónicas de la literatura universal, se ven obligadas a convivir y debatir sobre sus visiones de la vida. Las funciones comenzarán el 16 de agosto en el Teatro López Tarso.

Así que si no tuviste oportunidad de ver alguna de ellas, este es un buen momento para que alistes tu próxima visita teatral.

Por Itaí Cruz, Fotos: Pili Pala y Cortesía VIOGG

5 propuestas en temporada en TEATROS CIUDAD DE MÉXICO

El Sistema de Teatros de la Ciudad de México es una de las instituciones que nos ofrece una abanico de propuestas, cuyos recintos se ubican en distintos puntos estratégicos de la zona centro de la capital.

Hace una semana te contamos sobre el CCB, y ahora toca el turno de Teatros CDMX, el cual se compone por 5 recintos: el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, Teatro Benito Juárez, Teatro Sergio Magaña, Foro A Poco No, Teatro del Pueblo, en cada uno podemos difrutar de espectáculos teatrales, dancísticos, musicales e incluso conciertos con artistas nacionales e internacionales.

Aquí te dejamos una selección de obras que puedes disfrutar en temporada:

María.La bruja Tlahuipochi Dirigida por Marco Dzul esta obra retoma la leyenda de Tlahuipochi, una mujer que extraía la sangre de los niños, se convertía en bola de fuego y salía volando de los cerros para buscar a los recién nacidos. Ofrece funciones de jueves a domingo hasta el 23 de julio en el Teatro Sergio Magaña.

Variaciones Schrödinger Escrita y dirigida por César Chagolla, de forma un tanto poética, aborda el duelo, las desapariciones forzadas en México, así como las consecuencias que enfrentan las familias, derivado de este terrible suceso.  Se presenta de jueves a domingo hasta el 30 de julio en el Teatro Benito Juárez.

Insomnes Escrita e interpretada por Ulises Martínez y Hech Rivas, la obra de corte testimonial se apoya en la danza, el canto, el combate escénico y en la acrobacia para hablarnos sobre la violencia doméstica, la utopía revolucionaria, así como los juegos de infancia, la represión política y la muerte. Con funciones de jueves a domingo hasta el 30 de julio en el Foro A Poco No.

Mexicanias.  Dirigido por Guadalupe y Teodora Javier Quiñones, esta propuesta dancística nos acerca a la historia de la danza en nuestro país y los eventos que a lo largo de más de 500 años la ha moldeado y transformado. Ofrecerá funciones de jueves a domingo del 27 al 30 de julio en el Teatro Sergio Magaña.

Deshuesadero suite Escrita, dirigida e interpretada por Carolina Pimentel, Alfredo Romero y Daniel Loyola, esta sátira escénica resalta el uso del movimiento, la máscara y la música para exponer las atrocidades que suceden en la desapariciones forzada y el tráfico humano. Llega del 3 al 13 de agosto con funciones de jueves a domingo en el Teatro Benito Juárez.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Teatro Ciudad de México

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Anna Ciocchetti, Issabela Camil, Ivonne Montero e Ime Garza en el musical infantil PRINCESAS, UN MUSICAL REAL

Este jueves se dieron a conocer los detalles de Princesas, un musical real en conferencia de prensa. El elenco encabezado por Anna Ciocchetti, Isabela Camin, Ivonne Montero e Ime Graza, y el productor Antonio Escobar platicaron sobre el montaje infantil dirigido por Alejandra Ortega. Este musical, que estrenará el próximo 6 de agosto, mezcla la historia de tres princesas: La Sirenita, Elsa de Frozen y la Bella Durmiente.

Ivonne Montero, destacó que se trata de su quinta participación en teatro infantil. “Me encanta la comedia musical para niños, me encanta el teatro para niños”, dijo.

Por su parte, Issabela Camil destacó que el proceso si bien el canto no es su fuerte ha tenido experiencia en ello. Agregó, que está entrenando nuevamente la voz, “no me considero cantante, pero me considero una actriz que puede abordar el canto”.

La actriz Anna Ciocchetti destacó que es importante darle entretenimiento de calidad a los niños, “que se acostumbren a ver buen teatro”. Eso, agregó, hace buenos consumidores de teatro para el futuro.

En el mismo aspecto, el productor Antonio Escobar destacó que es necesario un buen teatro infantil que demuestre que se puede hacer un musical infantil de primer nivel. En este sentido, dijo que se tendrá “una gran iluminación”, escenografía tradicional y animación para lograr los ambientes. Explicó además que en el proceso de casting los primero fue el filtro vocal, posteriormente el coreográfico y la actuación.

Finalmente, Ime Garza, dijo que este proyecto la ayudado a despejarse de la muerte de Julián Figueroa. Su hijo, dijo, está encantado de que sea La Sirenita. “Creo que me está haciendo mucho bien estar aquí con este elenco”, compartió.

Para más información del montaje, horarios, boletos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Inicia segunda Temporada de INDECENTE con Fernanda Castillo como madrina

Este jueves inició la segunda temporada de Indecente en el Teatro Helénico.  La obra, escrita por Paula Vogel y dirigida por Cristian Magaloni, se presentará por 5 únicas semanas.

Como madrina de la temporada estuvo la actriz Fernanda Castillo. Uno regresa al teatro, dijo, porque el teatro “hace esto que hicieron en el escenario. El teatro te revoluciona, el teatro nos habla a todos con un lenguaje diferente, pero sobre todo porque el teatro nos conecta“.

La actriz agradeció al elenco su entrega genuina, intima y hermosa en esta obra. “Ya veo porque todo el mundo sale tan emocionado y tan conmovido, tan conectado con el teatro después de ver esta obra”, señaló.

La productora Ana Kupfer agradeció a toda la producción, al equipo creativo y al elenco. Dedicó además esta temporada a Eloy Hernández, con quien inició este proyecto y quien falleció en el 2021.

El elenco de la obra está integrado por Alberto Lomnitz, Elizabeth Guindi, Ana Guzmán Quintero, Majo Pérez, Roberto Beck, Jorge Lan y Federico Di Lorenzo. Esta semana estará alternando en Fernando Kanek. Los músicos en escena son Leo Soqui, Cecilia Becerra y Rodrigo Garibay, con ello alternan Silvestre Villaruel, Carliz Benítez y Francisco Verden.

Indecente fue la gran ganadora de los premios de Público Cartelera de Teatro 2023. No solamente obtuvo el reconocimiento como Mejor Obra, sino también los premios a Mejor Dirección, Mejor Actriz para Majo Pérez, Mejor Dramaturgia y Mejor Diseño de Arte.

Para más información del montaje, boletos, horarios y descuentos haz clic aquí.

 

Por  Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía PinPoint.

3 razones para ver TRINO EN BÚSQUEDA DE SU PODER INTERIOR

Si te gustan los cuentos basados en historias fantásticas que nos contaban en la infancia, no te puedes perder Trino en búsqueda de su poder interior, un montaje entrañable que nos remite a nuestros días de juegos y travesuras.

La propuesta es una creación original de Paulina Soto Oliver, dirigida por Alberto Lomnitz, que cuenta con las actuaciones de la propia Paulina, Clarissa Malheiros, Conchi León y Ángel Luna, creadores con una amplia trayectoria escénica.

Aquí te damos 3 razones para que te lances con la familia este sábado o domingo al Foro Shakespeare:

1. Enalteciendo las tradiciones mexicanas. Esta propuesta combina elementos propios de la religión con creencias indígenas para traernos una historia entrañable sobre un niño que debe luchar contra sus inseguridades. Además, la autora ha compartido que la escritura del texto le llevó 10 años, y está basada en un cuento que su abuela materna le contaba cada noche, donde hacía hincapié en situaciones que vivió en su infancia, como una suerte de cuentos orales, que ahora se combinan en este montaje lleno de ingenio, que se vuelve una delicia a la vista.

2. Un viaje poderoso. Teatro de sombras, títeres, el poder de la voz y la música se conjuntan en esta obra que logra transportarnos al pueblo que habita Trino (Paulina), junto a su madrina (Conchi) y demás personajes que vamos conociendo como el pequeño Tomates (Luna). Aquí la historia explota la imaginación de los asistentes, utilizando una pantalla blanca que nos muestra los distintos lugares de la vida cotidiana de Trino, como la casita donde vive, el granero, la iglesia, así como los parajes de Santa María Tonantzintla (Puebla), aunque el relato, podría ocurrir en cualquier otro pueblito de nuestro país, gracias al poder de la imaginación.

3. Sanando el corazón. Con ayuda de Nahui (Clarissa) una sabia chamana y un lobo mágico, Trino enfrentará su más grande temor: el miedo al rechazo, logrando por fin sanar su corazón. Este momento es una de las escenas más impactantes de la obra, no sólo para los pequeños, también para los adultos, quienes logran sorprenderse con la aparición del lobo, una marioneta gigante que es manejada por Clarissa y Conchi, mientras que Trino y Tomates, son manipulados por Paulina y Ángel, sin embargo, pareciera que ninguno de los actores están en escena, al conseguir que como espectadores estemos atentos a la ficción.

Le quedan pocas funciones y te garantizamos que valdrá la pena asistir, además te ofrecemos descuentos para apoyar tu bolsillo y acudas con toda la familia, sólo da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Austria

Descubre algunos datos sobre EL MAGO, el musical que interpretó en cine Michael Jackson

Actualmente en el Teatro Hidalgo se presenta El mago (The Wiz), un montaje interpretado por Lucero Mijares, María del Sol y un gran elenco. Se trata de una versión producida por Juan Torres de la obra que estrenó en Broadway en 1975, llevándose un total de 7 premios Tony, incluido mejor música. Es una versión afroamericana “urbana” del Mago de Oz.

La música de esta obra echa mano de una mezcla de géneros y fusiones de soul, jazz, R&B, Godspell y dixieland.

Dos años después, en 1977 se rodó una versión cinematográfica de la obra. En la cual participó ni más ni menos que el Rey del Pop, Michael Jackson. En esta versión el papel de Dorothy lo realizó Diana Ross, para lo cual se realizó un pequeño ajuste, pues en lugar de ser una niña la cantante da vida a una maestra de Harlem. El resto de la historia es básicamente la misma que la del musical de Broadway.

En 1978 se estrena esta película que se convierte en un hito para la carrera de Michael Jackson. En la película participó también el exitoso cómico Richard Pryor en el papel de El Mago.

Michael Jackson, quien murió en 2009, da vida al Espantapájaros en la cinta y en ella trabajó con el afamado productor Quincy Jones, quien se convertiría en una pieza fundamental en el gran éxito posterior del cantante. Si bien, ambos coincidieron en casa de Samy Davis cuando Jackson tenía 12 años, algunos años antes, fue mientras trabajaban en El Mago, como ha narrado el propio Jones, Michael le dijo: “Necesito que me ayudes a encontrar un productor. Me estoy preparando para hacer mi primer álbum en solitario”.

En esto jugó un papel importante el destino y la casualidad. Quincy Jones, a pesar de que el autor del musical, Charlie Smalls, le pidió personalmente que participara en el proyecto como director musical, el músico debido a la gran cantidad de proyectos que tenía en ese momento se negó en un primer momento. El propio director de la película le insistió durante dos años -anteriormente ya había trabajado juntos en varias película-, finalmente Jones accedió cuando le dijo a Lumet que nunca había trabajado en un musical, a lo que el cineasta respondió que él tampoco.

De la mano de Quincy Jones Michael Jackson grabó sus tres discos más exitosos: Off the Wall, Thriller y Bad.

Volviendo al El Mago, el trabajo de Jones fue definitivo para el resultado final de la banda sonora del filme. Reunió una orquesta con 300 integrantes y un coro de 160 voces, un número impresionante de músicos reunidos.
En esta adaptación cinematográfica de El mago se usaron como locaciones atracciones abandonadas de Coney Island, la plaza del World Trade Center (de las Torres Gemelas hoy desaparecidas). También se puede apreciar la silueta del edificio Chrysler.

El director de esta película fue Sidney Lumet, quien en 1957 dirigió 12 hombres en pugna, basado en un guion televisivo de Reginald Rose. Originalmente transmitida por televisión en 1954, la historia fue adapta para teatro en el 1955 y para el cine en 1957.

El director también dirigió en 1976 la película Network, que en el 2017 tuvo una adaptación para teatro y que en nuestro país se presentó en el 2022 con una versión interpretada por Daniel Giménez Cacho. En el 77 Lumet dirigió una adaptación para cine de la controvertida obra teatral Equus.

Lumet durante su carrera, que duró 50 años, dirigió 44 películas. El único musical que realizó fue precisamente El mago.

Así que ya lo sabes, El Mago tiene mucha historia. Tú puedes ser parte de ella lanzándote al Teatro Hidalgo para descubrir la nueva versión que nos ofrece el elenco integrado por Lucero Mijares, María del Sol, Eugenio Montessoro, Óscar Acosta, Marisol Meneses, Crisanta Gómez, Juan Fonsalido, Dulce Patiño, Federico Di Lorenzo y Felipe Álvarez.

Para saber más sobre el montaje, boletos, horarios y mucho más, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Imágenes: Fotogramas de The Wiz.

7 datos curiosos sobre Arthur Miller, el autor de TODOS ERAN MIS HIJOS

Arthur Miller nació en 1915 en Nueva York, desde que escribió su primera obra en 1936, a los 21 años, prácticamente no dejó de escribir en 7 décadas. Fue autor de 38 obras de teatro, el éxito definitivo lo alcanza en 1949 con Muerte de un viajante, por la obra recibió un premio Pulitzer, tres premios Tony y el premio de Críticos Teatrales de Nueva York el cual anteriormente había ganado con Todos eran mis hijos en 1947.

Como todo personaje que alcanzó la fama, el gran dramaturgo estadounidense Arthur Miller tiene aspectos en su vida que tal vez no conocías, algunos de ellos controvertidos. Aquí te contamos algunas claves para entender al autor de Todos eran mis hijos.

Un segundo lugar insuperable. Se considera como el segundo dramaturgo de lengua inglesa cuyas obras se montan más en el mundo. Sí, adivinaron, el primero es, evidentemente William Shakespeare.

La cacería de brujas. Entre 1950 y 1957 en los Estados Unidos se desató el macartismo, también conocido como la “caza de brujas”. El senador republicano Joseph McCarthy en el 50 denunció una “conspiración comunista” en el mismísimo Departamento de Estado. Esto, en el contexto de la Guerra Fría, significó un éxito para el repulbicano. A partir de ahí se dedicó a realizar una serie de procesos basados en acusaciones infundadas y procedimientos ilegales, dirigidos en contra personas sospechosas de simpatizar con el comunismo. Esto tuvo un gran impacto en los círculos artísticos e intelectuales, entre los perseguidos estuvo Arthur Miller, quien siempre se negó a dar nombres o delatar a otras personas. De hecho, en Las brujas de Salem el autor hace una alegoría del macartismo.

El autor frente a las cámaras. En 1947, el autor realizó un cameo para la cinta El justiciero del director cinematográfico Elia Kazán (La muerte de un viajante, Un tranvía llamado deseo, ¡Viva Zapata!, Al este del paraíso), quien era su gran amigo.

Una amistad rota. La amistad con Kazán finalizó precisamente por la persecución que, bajo el macartismo, ambos sufrieron. A diferencia de Miller, que a pesar de ser citado a comparecer ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses nunca reveló nombres, el cineasta decidió dar nombres de comunistas dentro de su gremio. A partir de esto, Arthur Miller nunca volvió a hablar con quien fuera su amigo.

El escritor se casó tres veces. La primera de ellas en 1940 con Mary Grace Slattery, su novia del colegio, en 1956 se divorcian. Ese mismo año se casa con Marilyn Monroe, con quien estuvo casado hasta 1961. Finalmente, en 1962 contrajo matrimonio con Inge Morath, con la que permaneció unido hasta que ella muere en 2002.

Arthur y Marilyn. Como una especie de presagio sobre su relación, el día de su boda civil sucedió un accidente de tránsito. El coche de unos periodistas que perseguían a la pareja salió del camino y se impactó con un árbol. Como resultado, una reportera murió.

Su descendencia. Arthur Miller tuvo cuatro hijos: Jane y Robert con Mary Slattery; Rebeca y Daniel, con Inge Morath. Daniel nació con síndrome de Down y se dice que el autor decidió que fuera internado en una institución pública. Miller nunca hablaba de él y solamente lo incluyó en su testamento recibiendo una parte igual que sus hermanos de la herencia. Rebecca es escritora, actriz y guionista, y está casada con el reconocido actor Daniel Day-Lewis.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Luis Quiroz y Wikipedia

5 datos sobre GENERACIÓN AMARGA, interpretada por Ela Velden y José Ángel Bichir

Generación amarga está en temporada en el Teatro Rafael Solana en Coyoacán. Bajo la dirección de Tanya Selmen y Enrique Singer esta obra narra la historia de un matrimonio, Víctor (José Ángel Bichir) y Amelia (Ela Velden) que viven con frustración y resentimiento. En esta relación, serán parte fundamental Elena (Frida Astrid) y Sergio (Jero Medina).

El texto de esta obra, fue un parteaguas en el teatro inglés a mediados del siglo XX y fue un éxito. La obra rompió con el teatro elitista de la época y habló de las clases medias y obreras inglesas de la posguerra. Aquí te contamos algunos datos sobre esta obra estrenada en Londres en 1956,escrita por John Osborne y bajo la dirección de Tony Richardson.

Distintos nombres, una sola obra. El texto de Osborne tiene por título Look Back in Anger. En México se ha presentado al menos en dos ocasiones, la primera de ellas en 1958 bajo la dirección de Xavier Rojas y la segunda en la década en los noventa, dirigida por Carmina Narro. El montaje de Rojas tuvo por nombre Rencor del pasado, y el de Narro Recordando con ira. Sobre el nombre de la actual versión, en conferencia de prensa el productor Jean Bernard Tenaille y el codirector Enrique Singer explicaron que Generación amarga era un título que daba un poco más la idea de una generación decepcionada y sin esperanza, como de la que habla la obra.

Una secuela poco exitosa. Poco más de cuarenta años después del estreno de Look Back in Anger, su autor escribió una secuela llamada Déjàvu. El texto se escenificó por primera vez en 1992 y ubica al protagonista de la obra, ahora de mediana edad, quejándose sobre la situación del país, mientras su hija, Alison, plancha como lo hacía su madre en la obra de 1956. Este montaje no tuvo éxito en taquilla, y fue la última obra que escribió Osbourne, quien murió en 1994.

Punto de inicio de un movimiento. A raíz de la obra, surgió el  llamado “angy young men”, que podría traducirse como jóvenes enojados. En este grupo escritores y dramaturgos de clase obrera y clase media, inconformes con la sociedad británica, se oponían al teatro contemporáneo como un mero entretenimiento y reflejaban en sus trabajos la vida real. En este grupo, entre varios otros, participaron el propio Osbourne, Kingsley Amis e incluso Harold Pinter.

Lo doméstico como escenario. A los autores de este estilo de realismo doméstico se les conoce también como dramaturgos de “fregadero de cocina”. El adjetivo surge porque utilizaban el lenguaje cotidiano y la franqueza para transmitir su mensaje. Un crítico de la época, Eric Keown, sobre Look Back in Anger y su autor dijo que “se basa profusamente en un vocabulario visceral”.

En 1959 se estrenó la versión cinematográfica interpretada por Richard Burton. El actor británico fue nominado en siete ocasiones en su carrera al premio Óscar, y en los años 50 fue uno de los más reconocidos intérpretes de Shakespeare. Incluso se le consideraba el sucesor de Sir Laurence Olivier.  Burton aceptó este papel por $125,000 dólares, una cifra mucho menor de la que solía cobrar. Por su parte, Osborne cedió los derechos por tan solo 2,000 libras. La película, de acuerdo con la revista Kinematograph Weekly, tuvo un desempeño en taquilla británica mejor al promedio. Con un presupuesto de 250 mil libras, el filme recaudó –contando los ingresos en Estados Unidos y Canadá- 1.1 millones de dólares. Fue además nominada a cuatro premios BAFTA y a un Golden Globe.

Generación amarga cuenta con escenografía realizada por Sergio Villegas y Félix Arroyo, y el vestuario de Adriana Pérez Solís

Para más información del montaje, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Rodrigo Caravantes.

Ríe a carcajadas con estos shows de stand up

Para que cierres la semana y el mes con mucha diversión, te traemos una selección con algunos de los espectáculos de stand up comedia que se mantienen en temporada para que rías a carcajadas y te olvides del estrés del día a día.

Si eres un fanáticos de la comedia, improvisación o stand up, echa un vistazo a estas opciones y lánzate con tus amigos o pareja a disfrutar de los comediantes nacionales:

Mi primera cita + Stand up. Quién no ha experimentado las vicisitudes de las primeras citas, pues esta comedia te hará reír sobre los enredos que se suscitan en esos primeros encuentros, además en esta nueva temporada,  ahora suma un show previo de stand up, así que no te pierdas las nuevas funciones con sus ya conocidas versiones (Ella y Él / Ellas y Ellos), desde el Foro Mitz, ubicado al poniente de la ciudad.

La Lotería del stand up. Te imaginas un show de comedia que combina el clásico juego de la lotería, pues de esto se trata, este show donde escucharás las vivencias de un sireno, un catrín, un valiente, un borracho y una diablita, que te harán reír a pierna suelta. Desde su estreno ha alojado a comediantes ya reconocidos como Ricardo Pérez, Ray Contreras, Enrique Vázquez y Javier Ibarreche. Su temporada es permanente todos los viernes en el Espacio Urgente del Foro Shakespeare.

Comedy Factory. Si andas por la Roma, no te olvides de visitar este lugar que se encuentra ubicado en un casa con 100 años de antigüedad, donde también podrás encontrar una barbería, un estudio de tatuajes y un estudio de grabación. Gracias a su distribución aquí podrás disfrutar de bebidas y alimentos, mientras ríes con las rutinas de los comediantes que se presentan los viernes y sábados.

X Somos Chavxs. Si alguna vez escuchaste el podcast, no te puedes perder esta reunión de este divertido colectivo, que se reúnen de nueva cuenta para hacernos vivir una noche mágica colmada de carcajadas con sus vivencias, ocurrencias y más. Sólo este 28 de julio en el Teatro Xola Julio Prieto.

Estas son algunas opciones para que comiences a disfrutar tu fin de semana, si deseas consultar otras propuestas, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Foto: FB Terraza Cozumel y foroshakespeare.com

Miller, Osborne y Blanco: Dramaturgos transgresores de sus épocas

En su sentido más aristotélico, una obra de teatro inicia con un relativo orden que algo o alguien se encarga de romper, de transgredir. Entonces sucede el conflicto y con ello, la disputa entre los personajes y la sucesión de situaciones que han de llevar a su resolución – sea trágica, feliz o todo lo contrario-. Eso mismo sucede con la historia del teatro mismo.

Al relativo orden que hay en los procesos teatrales desde que el texto es escrito hasta que finaliza su temporada, de vez en vez hay dramaturgos que llegan a romper con lo que hasta entonces estaba establecido y proponen un cambio rotundo en las reglas del drama, cimbrando las estructuras teatrales y dando paso a un nuevo orden que ya vendrá alguien más a romper, a transgredir.

En nuestra Cartelera de Teatro hay tres notables ejemplos -dos ya estrenados y uno por estrenar- de lo que significan sus dramaturgos en cuanto a la alteración del cotidiano teatral de su época.

El teatro de Estados Unidos en el Siglo XX tuvo su punto más alto en los autores del “realismo norteamericano”, que inició en la década de los treinta con Eugene O’Neill (autor del Largo viaje del día hacia la noche) y siguió en los cuarenta con Tennessee Williams (Un tranvía llamado deseo) y Arthur Miller (La muerte de un viajante) –Edward Albee surgió años después, ya hacia la década de los sesenta-. Los tres irrumpieron con tanta fuerza en la escena norteamericana que hoy en día sus obras son genuinos y retadores clásicos.

Es el caso de All my sons, que Miller estrenó en 1947 logrando un completo éxito de crítica y público gracias a la visión de Miller sobre las relaciones entre padres e hijos, afectadas por un hecho histórico como la entonces recién concluida Segunda Guerra Mundial.

Su segunda obra escenificada le dio a Miller el pase directo al olimpo de la dramaturgia universal. Y, aunque el impacto de Death of a salesman es aún mayor dentro de la cultura teatral y popular norteamericana, Todos eran mis hijos destaca por criticar el sueño americano y las consecuencias del capitalismo de forma tan feroz que provocó que el autor fuera interrogado por el Comité de Actividades Anti-Estadounidenses durante la célebre “cacería de brujas” de los años cincuenta.

En su estreno en Nueva York en 1947, la obra fue dirigida por Elia Kazan. En México, la obra fue estrenada hasta 1958 por Seki Sano, con Virginia Manzano y José Elías Moreno, padre en los personajes protagónicos de Joe y Kate Keller, los padres de familia que ocultan un secreto fundamental. En 2010 la obra tuvo una reposición importante, bajo la dirección de Francisco Franco y con Fernando Luján y Diana Bracho como protagonistas. En Nueva York y Londres se ha escenificado en varias ocasiones, siendo las más recientes las protagonizadas por Annette Benning y Tracy Letts en Broadway y por Sally Field y Bill Pullman en el West End.

Actualmente, Todos eran mis hijos se presenta en un montaje íntimo en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico gracias a la traducción y dirección de Diego del Río, con su padre, Pepe del Río y Arcelia Ramírez encabezando el reparto. El director aprovecha que, aunque lejos quedó ya la Segunda Guerra Mundial, muy cercano está el clima de violencia que se expande cada vez más y más en nuestro país, el cual es incapaz de dejar indemne a alguien, haya o no vivido alguna situación relacionada. Con esta puesta en escena, Del Río continúa su propuesta de trabajo hacia un teatro de cámara -que inició al principio de su carrera con Tribus y retomó en el reciente montaje de Los humanos-, buscando más la mancuerna con una compañía que con una productora teatral.

Siguiendo la estela de los norteamericanos, los británicos dejaron de lado las vanguardias del absurdo, del expresionismo y el existencialismo para meterse de lleno al realismo y, desde allí, criticar la marcada diferencia de clases de la Inglaterra de la década de los cincuenta. Casi diez años después que Miller cimbrara al público estadounidense, en 1956 John Osborne hizo lo propio con el respetable inglés al presentarle, Look back in anger, una obra que hablaba de lo que realmente estaba sucediendo en las casas de la clase obrera de Gran Bretaña: un descontento brutal, una ira creciente que se apoderaba de los jóvenes.

El enojo de los personajes era el enojo de sus autores y, por ello, a esa generación de dramaturgos y narradores se le conoce como la de los “angry young men”, los “jóvenes iracundos”. Aunque autores como Harold Pinter y Arnold Wesker entran con alguna de sus obras en esta etiqueta, lo cierto es que en el terreno del teatro el más notable hasta nuestros días es Osborne.

El estreno de la obra en Londres generó críticas diversas y, aunque es considerado un clásico del teatro británico del Siglo XX, no ha tenido tantas reposiciones como se esperaría. En Nueva York se estrenó en 1957 y en México en 1958, con el título Rencor del pasado, bajo la dirección de Xavier Rojas, el director que más se adentró en los terrenos del realismo, aderezándolo con el formato de teatro círculo o teatro arena que permite el Teatro El Granero.

En la década de los ochenta en Londres, la actriz Judi Dench dirigió la obra, con Kenneth Branagh y Emma Thompson, mientras que en el México de los noventa la dramaturga y directora Carmina Narro la escenificó bajo el título Recordando con ira.

Tres décadas después, los jóvenes iracundos regresan a un México en el que sería bueno saber qué tan enojados, felices o indiferentes están los jóvenes. Bajo la dirección de Enrique Singer y Tanya Selmen, el texto de Osborne ha vuelto como Generación amarga, en la traducción de Alfredo Michel Modenessi, con Ela Velden y José Ángel Bichir como protagonistas.

Con este montaje, además de poner sobre la mesa las nuevas formas de abordar – y, sobre todo, contrarrestar- asuntos como el machismo y la violencia hacia la mujer, el productor Jean Bernard continúa su propuesta de presentar clásicos del siglo XX como ya sucedió con A puerta cerrada y La gata sobre el tejado caliente.

Varias décadas después del estreno de Look back in anger, ya en el nuevo siglo y en nuestra propia lengua, si alguien ha sido transgresor de las reglas al llevar un concepto propio de la narrativa hacia el teatro y llevarlo por los más distintos escenarios del mundo, ese es Sergio Blanco, el dramaturgo uruguayo afincado en Francia que a través de la autoficción se ha permitido lanzar una crítica descarnada sobre el instinto, el erotismo y la intimidad, entre temas que ha explorado en obras tan elogiadas como Tebas Land, La ira de Narciso y Kassandra, que han tenido afortunados montajes en varias ciudades del mundo y en nuestro país.

Próximamente Teatro UNAM presentará Barbarie, texto que el autor escribió en 2009 y estrenó en 2010. A diferencia de las obras que de él conocemos, ésta involucra a varios personajes que están en disputa debido a que han naufragado y deben sobrevivir a como dé lugar.

Ésta es una oportunidad para conocer al Sergio Blanco anterior a las autoficciones pero siempre interesado en poner el dedo en la llaga a través de frases punzantes que surgen de un juego de inteligencias que no da tregua. Luis Eduardo Yee, quien ya dirigió el monólogo Kassandra, dirige para la ocasión a todo un ensamble actoral.

Sofía Sylwin, Francia Castañeda, Paula Watson, Emiliano Ulloa, Hamlet Ramírez, Ricardo Rodríguez y Pablo Marín, quienes ya se han reunido en escena en ocasiones anteriores -por ejemplo, en la exitosa Manada, versión de Las tres hermanas de Chéjov-, serán los bárbaros que estarán sobre el escenario dispuestos a demostrar porqué Sergio Blanco está considerado como uno de los principales dramaturgos de lengua española.

Y por qué aún en un formato más convencional, Blanco es capaz de romper, como sus predecesores Miller y Osborne, las reglas del juego para proponer nuevas a fin de que, más temprano que tarde, sean transgredidas por alguien más. De eso se trata el teatro. Para eso están las reglas en este juego de la escena.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Wikipedia, MUBI y Dramatologia

Las obras que se van y no te puedes perder este 2023

Después de salas llenas, de reestrenos, cortas temporadas, estas obras se volvieron imprescindibles en nuestra cartelera nacional y están a punto de terminar su temporada, sólo tienes este fin de semana para comprar tus boletos y no perder la oportunidad de disfrutar de estas impactantes y divertidas propuestas.

¡Corre a las salas y no pierdas la oportunidad de ver alguna de ellas!

La golondrina. Una obra que nos ha cimbrado no sólo por la potencia de sus actuaciones, en especial, el poder ver a la primera actriz, Margarita Sanz dándonos una cátedra de actuación, acompañada por la sensibilidad de los jóvenes y talentosos Germán Bracco y Alejandro Puente ha llegado a su fin de temporada este domingo 30 de julio en el Teatro Milán.

Trino en búsqueda de su poder interior. Una propuesta infantil que no puedes dejar de ver en familia, su creadora rescata con gran ingenio y emotividad, muchas de nuestras creencias y tradiciones nacionales, donde relata aquellas historias que alguna vez nuestros abuelo o bisabuelos nos llegaron a contar, todo envuelto en teatro de sombras y títeres que se vuelven un gozo a la vista. La obra culmina su temporada este domingo 30 de julio en el Foro Shakespeare.

La obra que sale mal. Una compañía que ha logrado conquistar a más de una generación, gracias a su muy particular y peculiar manejo del humor donde toda situación se vuelve irrisoria, y no pasa desapercidibida para el espectador, quien sale con una gran sonrisa al final de la función. Esta es otra obra que después de mucho tiempo bajará el telón el próximo domingo 30 de julio en el Foro Cultural Chapultepec.

Todo el mundo habla de Jamie. Un musical que también llegó a robarnos el corazón gracias a la complicidad entre el elenco y producción, y nos mostró la primera versión de esta potente historia juvenil sobre la intimidación, el rechazo y el bullying, lamentablemente se despide este domingo 30 de julio en el Teatro Manolo Fábregas.

Ya lo sabes, estas obras dejan los escenarios, así que aprovecha y compra con nuestros descuentos exclusivos, danco clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

Celebrará MONÓLOGOS DE LA VAGINA 8000 representaciones con función especial con 12 actrices en escena

En conferencia de prensa virtual Mejor Teatro anunció la celebración por las 8000 representaciones de Monólogos de la vagina. La obra, escrita por V (antes Eve Ensler) y dirigida por Jaime Matarredona se ha presentado ya en nuestro país por 23 años. Morris Gilbert, productor de la obra, destacó que es histórica e irrepetible la duración de esta temporada de 23 años.

En el año 2000 las mujeres que arrancaron la temporada fueron Andrea Legarreta, Stephanie Salas, Sofía Álvarez, Pilar Boliver, Ana Karina Guevara y las siempre recordadas Lilia Aragón, Adriana Roel y la doctora Anabel Ochoa. Han sido ya 140 las mujeres que a lo largo de estos años han participado en el montaje.

El 10 de agosto arrancarán los festejos con una develación de placa en el Nuevo Teatro Libanés en la que estarán presentes una docena de actrices que han participado en el montaje.

En este sentido Kika Edgar destacó que ese día se estarán celebrando exactamente 8020 representaciones con una función especial y diferente. El 10 de agosto, estarán más de 12 actrices en escena, dijo, entre ellas están confirmadas Dalilah Polanco, Carmen Muñoz, Diana Lein, Beatriz Martínez, Andrea Escalona, Paty Duval, Pilar Boliver, Ana Karina Guevara, Gloria Aura, Elba Jiménez, Susana Moscatel y ella misma, además de las que se vayan sumando.

Sobre este tema, Morris Gilbert adelantó que como madrinas estarán la escritora Elena Poniatowska y María del Rosarío Espinosa, triple medallista olímpica. Además, dijo, está por confirmar la actriz Blanca Guerra.

Jaime Matarredona señaló que ha sido una aventura extraordinaria. Teniendo el gusto y el privilegio de trabajar con tantas actrices y no actrices en el montaje. Cada oportunidad nos permite redescubrir lo que está implícito en los textos, dijo.

Ana Karina Guevara, recordó que le tocó ser de las primeras 8 actrices que estrenaron la obra en la Sala Chopin. Destacó que en un inició muchas actrices rechazaron participar en el montaje por lo que los textos decían.

En este sentido compartió que en el inicio tenía mucha incertidumbre sobre cómo reaccionaría el público, sin embargo, fueron aumentando, hasta el grado que la actriz le tocó dar hasta 60 funciones al mes. Adelantó que como parte de la celebración habrá nuevos monólogos los cuales se realizaron cuando en la Ciudad de México se realizó una función especial con Salma Hayek, Jane Fonda y la propia Eve Ensler.

Gloria Aura dijo ser privilegiada de ser parte de esta transformación social y de conciencias que representa este texto. La obra ha traspasado el teatro y ha sido activamente participación altruista, por ello, Aura anunció que para continuar con este compromiso social de Los monólogos de la vagina está organizando para octubre una visita de convivencia de algunas actrices del elenco al Centro Federal de Readaptación Social No. 16, CPS Femenil Morelos. Asimismo, como parte de esta actividad, se planea entregar productos de higiene personal para las 1200 mujeres privadas de la libertad.

Elba Jiménez, por su lado, agregó que la obra incluye además a los hombres a quienes les enseña muchísimo. Esto, señaló, es algo muy importante. La actriz fue la encargada de anunciar que se lanzará la convocatoria para que todas las mujeres que quieran escribir un monólogo. Los tres textos seleccionados se incuirán en una función especial durante el mes de septiembre. Se trata, consideró, de ua oportunidad increíble para brillar y seguir conectando con la gente en México. Las bases de esta convocatoria se darán a conocer el próximo 10 de agosto.

Por su parte, Susana Moscatel habló sobre la experiencia de vida que ha sido Monólogos de la vagina, al poder compartir escenario con grandes actrices y personalidades. Al respecto, anunció que el 19 de octubre, día del aniversario en que se estrenó la obra en México, se realizará una función especial de homenaje póstumo para las actrices que han sido parte del elenco y han muerto ya.

La periodista, informó que la función estará dedicada en honor a Adriana Roel, Anabel Ochoa, Carmen Montejo, Cecilia Romo, Chela Castro, Irma Lozano, Lilia Aragón, Ofelia Guilmain, Pilar Pellicer, y Rosa Angela Balbó.

Para más información del montaje, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Mejor Teatro.

5 datos curiosos sobre ANASTASIA, EL MUSICAL que llegará en agosto al Teatro Telcel

Anastasia, el nuevo musical de Ocesa está a punto de levantar el telón, y ya nos urge ver el despliegue de producción que nos tiene preparado esta nueva apuesta teatral que por fin veremos en nuestro país.

La historia ambientada en la época de los últimos zares de Rusia, contará con un gran elenco encabezado por Mariana Dávila, Irasema Terrazas, Carlos Quezada, Manuel Corta, Javier Manante, Robert Alamán, Paula Calva, Melissa Ortega, Esteban Juárez, Samantha Salgado, Irma Flores, José Antonio Domínguez, Eric Santiago, Carlos Salazar, Abel Fernando, Majo Rangel, Gloria Toba, y la actriz infantil, Sara Smith en el papel de la pequeña Romanova.

Aquí te contamos algunos datos sobre este impactante musical que se presentará de miércoles a domingo en el Teatro Telcel:

1. Este montaje está inspirado en la película animada de Fox, que fue lanzada en 1997, es una de las primeras cintas donde no figura la famosa, Casa del Ratón, como muchos suponen. Así que estás a tiempo de ver el filme, que te ayudará a comprender mejor toda la trama y te hará disfrutar mucho más de la producción que la acompaña.

2. Si bien podría pensarse que esta propuesta se asemeja un poco a Frozen, el clásico helado de Disney, pero no es así, este montaje nos adentrará a las frías calles de San Petersburgo, y a entrañables momentos en París, como cuando Anya visita la Ópera. Cada lugar nos hará viajar en el tiempo y conocer cómo era Rusia en aquellos años.

3. El malo de la historia no será el místico Rasputín, sino Gleb, un general bolchevique,que se debate entre su lealtad al régimen comunista y sus sentimientos por Anya, por lo que será un fuerte competidor de Dmitry, ambos lucharán por robarse el corazón de la zarina.

4. Seguro tú también tarareaste Una vez diciembre en voz de Thalía, y aquí podrás volver a ese momento de tu niñez, cuando Anya recuerda su pasado y poco a poco sus memorias vuelven a su mente. Sin embargo, no es todo, además de las ya conocidas melodías, podrás escuchar dos canciones específicamente creadas para la puesta teatral.

5. No es la típica historia de princesas, tal como lees, aquí vemos a un personaje femenino muy fuerte cuya trama no gira en torno a un príncipe. Esta joven, llena de miedos e inseguridades, está en búsqueda de sus orígenes, su identidad, situación con la que cualquier persona puede identificarse.

Anastasia el musical se presenta en el Teatro Telcel, a partir de este 3 de agosto, las entradas están disponibles en taquilla y ticketmaster, para más información, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Escenario OCESA

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3 razones para ver MAMÁ SE FUE A LA LUNA

La Luna ha capturado siempre la imaginación del ser humano. Es, como escribió Jaime Sabines: “un remedio para muchos males”. El esfuerzo por observar de cerca a la luna, y posteriormente poner un pie sobre ella, tiene una larga data. Ya Leonardo da Vinci (1452-1519) habla en sus cuadernos de notas de fabricar lentes para ver a nuestro satélite natural de cerca. Existen diversas opiniones respecto a quién realizó el primer mapa lunar, pero muchos coinciden en que el primero apareció ya en 1600.

Antes que Julio Verne, el poeta y dramaturgo Cyrano de Bergerac –el personaje real, no el imaginado por Edmond Rostand – nos llevó con su libro El otro mundo a la superficie de la Luna. Este libro estaba dividido en dos partes: Historia cómica de los Estados e imperios de la Luna e Historia cómica de los Estados e imperios del Sol. Un verdadero gozo para quien haya tenido la oportunidad de leerlo.

¿Pero a qué viene todo esto? Pues a que en Un Teatro, ubicado en la Colonia Condesa, se está presentando Mamá se fue a la Luna. Una obra poco convencional, refrescante, que a partir de una anécdota íntima y familiar toca fibras internas del público. Aquí te damos tres razones por las que debes ver este montaje.

1. Un montaje con corazón. Es tal vez el punto más importante de estas razones. Más allá de las opiniones diversas que toda obra genera, Mamá se fue a la Luna es una obra original y propositiva, emotiva, tierna. Es la voz de una nueva generación que toma la voz para contar sus historias de manera honesta y directa. A partir de una anécdota de vida el autor reescribe y transforma parte de la narrativa de su propia historia, y al público le regala una bocanada de aire fresco.

2. Un rompecabezas musical de los ochenta (y un poquito de otras décadas). Si bien no se trata de un musical, en esta propuesta la música y el baile forman parte fundamental. Fragmentos de piezas icónicas en español e inglés, y un par de canciones originales, van contrapunteando y dando sentido a lo que sucede sobre el escenario. Es imposible no sentir –para quienes en aquel entonces vivimos el paso de la infancia a la adolescencia- una nostalgia que acaricia al corazón. Para los más jóvenes, es un vistazo a un pasado no tan remoto.

3. Un sistema solar lleno de colores. La escenografía (Antonio Saucedo Aspe), la iluminación (Damián Martínez) y el vestuario (Miriam Quijano) nos refieren, sí, a un hogar en la Ciudad de México hace algunas décadas, pero también a un sistema solar lleno de color y movimiento, poblado por terrícolas, astronautas y selenitas. Es una apuesta creativa y arriesgada, que navega bien y logra superar el tráfico de una veintena de intérpretes sobre el escenario de manera efectiva.

Así que ya lo sabes, en Mamá se fue a la Luna puedes encontrar una propuesta diferente. Bajo la dirección de Clemente Vega, el elenco encabezado por Ana Guzmán, Samanta Salgado, Mónica Bejarano y Carmen Vera, esta obra nos regala un grato momento en Un Teatro, ubicado frente al Parque España. Un plan ideal para una noche de miércoles.

Para más información del montaje, boletos y horarios, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Martín Trinidad.

ENSAYO detona la creación desde un lugar muy poético: Entrevista con Sonia Couoh

El 3 de agosto estrena en el Teatro El Milagro Ensayo, de Pascal Rambert. Bajo la dirección de Juan Manuel García Belmonte. El elenco del montaje está conformado por María Inés Pintado, Sonia Couoh, Daniel Martínez y José Carriedo.

Sonia Couoh, con casi 20 años de una sólida carrera, vuelve al escenario con esta obra del dramaturgo, director y coreógrafo Pascal Rambert, quien ha recibido diversos premios por su trabajo, entre ellos el Premio de Teatro de la Academia Francesa, por el corpus de su obra. Para hablar de esta obra que, como anteriores trabajos del autor francés, parte de la palabra para detonar acciones, situaciones y conflictos, platicamos con ella.

“El teatro, sin duda, es el territorio del actor”

Los textos de Rambert se caracterizan por ser retadores. “El teatro, sin duda, es el territorio del actor, y me parece que Pascal Rambert con sus textos y con esta obra, con Ensayo, nos lo deja clarísimo”, señala Couoh.

Esta obra detona la creación desde un lugar muy poético, lo cual plantea muchos retos y oportunidades. “Se siente un abismo absoluto al enfrentarse a un texto como éste, pero lo que hemos tenido que hacer, lo que hay que hacer, es justamente confiar en la dramaturgia, en la dirección y confiar en tu trabajo como actor”, explica.

El texto de Pascal Rambert, reflexiona Sonia, se debe abordar sin pensarlo demasiado y así ir encontrando los caminos, los conflictos y las relaciones. Para la actriz, “en el texto está todo. En el texto está claramente las personalidades de los personajes, está claramente las situaciones que los están atravesando”.

“Monólogos que estamos compartiendo todo el tiempo”

Se trata de un texto con una estructura complicada que representa una serie de retos. En el texto no hay mayúsculas, ni minúsculas, ni signos de puntuación. Durante la obra, el autor eslabona cuatro monólogos de los personajes. Monólogos que se suceden el uno al otro.

Explica la actriz que es un texto que como intérpretes los mantiene en el aquí y en el ahora. “Son monólogos en los que los cuatro somos protagonistas de las historias, son monólogos que estamos compartiendo todo el tiempo. El primer monólogo hace el planteamiento”, señala.

Durante cada monólogo cada personaje plantea, desde su punto de vista, la situación. “Te está confrontando, te está ‘golpeando’ con la palabra de alguna manera, nosotros, el otro, está ahí a la escucha y espera su turno, pero no es una espera pasiva, es una espera activa de estar con el otro”, explica la actriz.

Un tema de una vigencia brutal

La obra plantea el conflicto sobre la ruptura de una compañía de teatro después de 20 años de trabajar juntos. Los personajes tienen, como en otras obras del autor, el nombre de quién los interpreta. María Inés Pintado interpreta a una de las actrices, José Carriedo es el dramaturgo, Daniel Martínez es el director, y Sonia Couoh es la otra actriz.

Se trata de un tema de una vigencia brutal, señala Sonia Couoh. Pues, no solamente plantea el rompimiento de esta compañía, plantea los conflictos de un equipo de trabajo, “de la sociedad misma que trabaja en equipo”.

En este sentido, agrega, no solamente se trata de lo laboral, sino con la crisis de la amistad, del amor, de la familia. “Después de 20 años de trabajo y de colaborar, pues también estos cuatro personajes son amigos, son una familia, son una estructura con toda una serie de dinámicas que muchas de ellas se han vuelto tóxicas”, apunta.

La obra también pasa por la crisis que actualmente atraviesa la sociedad. En este sentido, Couoh destaca que esta crisis también se siente en lo artístico y en lo cultural. La actriz refiere que se han dado una serie de cambios en el quehacer artístico, pues desde el boom de las series y las plataformas el cine y el teatro como lo conocíamos y se hacía ha cambiado.

“El público está absolutamente volcado por la novedad”

Son cambios que, dice la actriz, nos están rebasando. Por un lado, destaca, las escuelas de actuación y las compañías de teatro han dejado de ser sostenibles a lo largo del tiempo. Por el otro, agrega, “el público está absolutamente volcado por la novedad, por la novedad exprés”, lo cual en el teatro no se ha terminado de entender.

Ante ello, considera, “vamos a tener que modificar una serie de cosas, porque de otra manera, nosotros estamos sintiendo, con esta obra específicamente, que somos un animal en peligro de extinción”.

Ante este escenario se necesitan revalorar muchas cosas. Es necesario, subraya Sonia, “hacerle entender a las nuevas generaciones la importancia de lo que hacemos”.

Todo esto es parte también del consumismo en el que vivimos, considera la intérprete, el cual es sumamente peligroso. Este aspecto, nos dice, también lo aborda el montaje y plantea preguntas como “¿En dónde estamos parados?”.

“Le habla a los jóvenes y a las nuevas generaciones”

Ensayo es una obra que apela y confronta a las nuevas generaciones. Que les habla de movimiento, de salir adelante, de tomar la estafeta. “Le habla a los jóvenes y a las nuevas generaciones, hay textos que dicen ‘levántense jóvenes, qué les hemos dejado, qué sigue’, sin duda, eso nos está atravesando como sociedad en todos los sentidos y en nuestro gremio también”, nos dice.

En este sentido, nuestra entrevistada señala que como actores deben mantenerse firmes y defender lo que hacen y desde dónde lo hacen. Defender la importancia del arte, la cultura y el teatro. Para ello, agrega: “Nos vamos a tener que modificar de alguna manera para poder conectar con las nuevas generaciones, tenemos que encontrarlo sin perder, evidentemente, lo sólido de lo que hacemos. Tenemos que encontrar la manera de comunicarnos y de hacer entender la importancia del teatro y la importancia de la experiencia viva desde el teatro.

La actriz espera que las nuevas generaciones asistan a ver Ensayo y las impacte, porque habla de conflictos humanos que son universales. Estos temas como el amor, la muerte, la creación artística provocan una reflexión profunda y el cuestionamiento sobre lo que hacemos y por qué lo hacemos, nos dice.

Se trata de generar en ellos preguntas y reflexión. “Las palabras son tan poderosas que confío en que eso les va a permitir la reflexión profunda, y que van a salir del teatro cuestionando sus vidas y sus intereses personales, sus intereses respecto a lo que consumen y a su quehacer”.

¿Qué encontrará el público en Ensayo?

Ensayo, para la actriz, es un texto muy poderoso, en el cual cada uno de los personajes plantea su punto de vista, y con los cuales el espectador se puede identificar. Con cada uno de ellos, considera, el público puede conectar y estar de acuerdo o no.

Sobre los personajes, agrega, “empezamos a ver sus puntos de vista, todos son, sin juzgarlos, viables, todos son válidos, y todos son interesantes”.

Sonia resume: “Todos absolutamente hemos pasado por ahí, por el amor, por la amistad, por el trabajo, por las traiciones, por las infidelidades, en fin, una serie de cosas que nos atraviesan y que atraviesan a las nuevas generaciones, sin duda alguna, porque somos humanos, me parece que por ahí podemos conectar”.

Tres razones por las que el público debe ver esta obra, nos dice Sonia, son:

  • Al salir “se van a llevar una reflexión sobre el ser humano
  • Se trata de “un texto poderoso sobre la existencia humana”.
  • Encontrarán “una reflexión sobre el arte y la cultura, y la pertinencia del arte en la existencia humana”.

Ensayo se presentará en el Teatro El Milagro del 3 al 20 de agosto del 2023.  Posteriormente, entre el 7 y el 10 de septiembre se presentará en el Teatro del Bicentenario de León y el Teatro Cervantes, en Guanajuato.

Para más información de la obra, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Mario Morales.

Estamos en un momento muy emocionante para hacer teatro: Aurora Cano, directora artística de la CNT

En esta ocasión nuestra entrevista especial está dedicada a Aurora Cano, quien ha desarrollado una fructífera trayectoria como artista escénica, actriz y directora teatral. Es la creadora del DramaFest en 2004, que está por cumplir 20 años de historia.

Se trata de la primera mujer en ocupar la dirección artística de la Compañía Nacional de Teatro (CNT). Desde hace poco más de un año, la directora dirige la institución y ha dado aire fresco a su propuesta.

Hablamos con ella de sus estudios, de su inició dentro de la dirección escénica, el DramaFest, y por supuesto, sobre su gestión al frente de la Compañía Nacional.

“Tuve la fortuna de educarme con los grandes maestros de la escena”

Formalmente, Aurora Cano inicia sus estudios en el Núcleo de Estudios Teatrales (NET). Ahí estudia en paralelo dirección con Ludwig Margules y actuación con Juan José Gurrola. Posteriormente, al escindirse el Núcleo, se mantiene estudiando dirección bajo la guía de Margules y Gurrola, y a tan solo una cuadras de ahí, actuación como Héctor Mendoza.

Esta experiencia, nos platica, la influyó de una manera absoluta. Al salir de la preparatoria, la directora y actriz decidió ir “detrás de los maestros”. Al respecto, agrega, “me marcó muchísimo, para bien o para mal, para bien porque tuve la fortuna de educarme con los grandes maestros, considero, de la escena, a los que les debo mi formación y admiro muchísimo”.

En el Núcleo de Estudios Teatrales, Cano fue parte de una generación de “gente muy destacada”. Entre ellas, enumera a Karina Gidi, Mónica Dionner, Enrique Arreola, Lydia Margules, José Antonio Cordero y Rubén Ortiz. “Los que estudiamos en esa escuela, en ese momento, somos gente que estamos ahorita en activo, la gran mayoría”, nos dice.

DramaFest, un laboratorio de investigación sobre teatro contemporáneo

En 2004 Aurora Cano crea el DramaFest. En el festival se ha colaborado con países como Reino Unido, Alemania, Estados Unidos, Finlandia, Argentina, Chile, España, Australia, Francia, Suiza y Rusia.

Este se pensó originalmente como un laboratorio de investigación sobre teatro contemporáneo. “Había la inquietud de hacer un análisis de lo que se estaba escribiendo, tanto en México como en otros países en donde el teatro tiene un impacto social”, explica. La idea era profundizar en los mecanismos que hay detrás de esas dinámicas o comunidades teatrales, que “eran capaces de impactar socialmente o de convocar a públicos más grandes, un poco para estudiar cómo operaba lo contemporáneo”.

Desde un principio, señala su creadora, el DramaFest se vinculó a la escritura. Esto debido a que hace 20 años se había dejado de lado la dramaturgia nacional contemporánea. Al respecto, recuerda la actual directora de la CNT, era un escenario distinto al actual, en el cual se montaban, fundamentalmente, autores de otros países. “Había habido una especie de ruptura entre directores y dramaturgos nacionales, había poca comunicación, por eso me parecía relevante que se abriera esta discusión sobre quiénes estaban escribiendo en México”, refiere.

El festival desde un principio abrió un diálogo con los estados de la República en cada edición. En este sentido, se busca saber el panorama y que está sucediendo en el presente y en los textos que se están generando.

El inicio en la dirección de escena

La primera obra que dirigió Aurora Cano fue Histeria, de Terry Johnson, esto en el marco del DramaFest que se realizó con Inglaterra y Reino Unido. “Es lo primero que ya formal o profesionalmente hago”, nos dice. A partir de esto, nos comparte, inicia una historia muy larga con el DramaFest de convocar a directores y a dramaturgos mexicanos y no mexicanos para generar proyectos en torno a lo contemporáneo”.

Aurora Cano inició su camino en la dirección en 2004. “Me tardé un poco en empezar a dirigir, empecé trabajando más sobre el escenario. También fue una decisión absolutamente consciente, […] te enriquece muchísimo el haber vivido, el haber tenido la experiencia de estar en un escenario antes de dirigir”, comparte.

En este sentido, recuerda que históricamente, por ejemplo, en Inglaterra se tardó mucho en que se creara una carrera de Dirección. “La dirección la asumían los actores después de cierta trayectoria, o los dramaturgos”, la formación en dirección es algo más reciente en la historia del teatro, explica.

En esta tradición, señala, era importante para la directora tener “horas de vuelo sobre las tablas y experiencia, adquirir un poco más de conocimiento real de la profesión”. Sin embargo, agrega que desde un principio participó en un proyecto de directores con el que había diálogo, investigación y se trataba de generar espacios de creación.

Se trata, nos dice, de toda una aventura con el DramaFest. “En paralelo, yo como directora arranco, empiezo a trabajar ya no dentro del festival, ya no dentro del festival, empiezo a hacer diferentes proyectos que me interesaban a mí como directora”, recuerda.

“Poner en juego ciertas estructuras de percepción moral”

Para Aurora Cano, todos los proyectos en los ha participado han sido importantes, pues “han sido parte de un camino”. Al respecto, dice, “considero que en algún punto de la vida me di cuenta que mi interés fundamental estaba en generar perturbación moral“. Entre risas, confiesa: “Ese fue un momento importante”.

Se trata, explica, de poner en juego ciertas estructuras de percepción moral que hay en torno a todo, desde el amor hasta el poder. Son elementos que se ven, ejemplifica, en obras que ha dirigido como Cervantes versus Shakespeare, Lady Hamlet, Moscú o en Arianda en Naxos. Ha sido un camino, considera, en el que como directora se ha ido encontrando con sus intereses, su voz y con lo que le gusta explorar.

Desde un realismo inicial, el trabajo de Cano ha ido cambiando rápidamente hacia otras posibilidades estéticas como el expresionismo. “Ha sido un camino de exploración estética, por decirlo de alguna forma, gradual […] he ido descubriendo, tanto en las formas como en el fondo, cuál es el interés”, subraya.

Un tema de liderazgo intelectual

Sobre el tema de las mujeres en la dirección escénica, Aurora lo resume de esta manera: “He hecho muchas cosas y en ningún lugar he sentido ningún tema de diferencia de género, salvo en la dirección de escena. Es un tema de liderazgo intelectual, hay un prejuicio contra el liderazgo intelectual, es decir, no hay un problema en que tú seas una artista escénica, ya sea en el teatro, ya sea en la música, no hay ningún problema. No hay ningún problema con que tú seas autora, porque se entiende la autoría como una experiencia generada en la intimidad […] El problema con la dirección es que convergen un liderazgo creativo, un proyecto de creación, con un tema de liderazgo de un equipo, de un grupo de gente”.

Sobre el particular agrega que existe un paradigma adicional al creativo, el cual tiene que ver con este liderazgo intelectual. Históricamente, considera, ha existido cierta resistencia, escepticismo y prejuicios que hacen que como mujer sea más difícil acceder a los apoyos para poder levantar proyectos.

Sin embargo, apunta: “Creo que para todo el mundo es difícil, pero yo esto es algo que he venido analizando a posteriori. No es algo que me haya determinado, yo finalmente soy una persona que va tras lo que quiere y lo hace. No podría decir qué tan difícil ha sido para los demás, sí te puedo decir que mi percepción es que sí, sí ha sido difícil, muchísimo más difícil y lo sigue siendo”.

En este sentido, Aurora Cano coincide con otras directoras en el punto que una mujer tiene que demostrar una solvencia mucho más grande que un hombre para recibir distintos tipos de apoyos.

Que la discusión esté en las propuestas estéticas, en los contenidos, en los tipos de lenguaje

De sus primeras experiencias en la dirección escénica, la directora artística de la CNT nos dice que fueron experiencias que ella misma generó. “He tenido que abrir las puertas gestionando esos espacios yo misma y combatiendo las dificultades o los impedimentos”. Se trata, explica, de un aprendizaje intenso al involucrarse en “tremendas batallas para poder generar espacios de creación”.

Romper prejuicios, comparte la directora, ha sido complicado, pero “yo que a pesar de eso, y a partir de que empecé a dirigir, ya no paré. Seguí dirigiendo, empecé a encontrar el tipo de proyectos que me entusiasma hacer y los equipos con los que me entusiasma trabajar”.

Sobre el tema, destaca, que el anhelo debe ser llegar a un punto en el que se deje de tomar como consideración cualquier perfil de género. “Que realmente la discusión esté en las propuestas estéticas, en los contenidos, en los tipos de lenguaje. Creo que esa es la conversación que por lo menos a mí me interesa que se genere”, puntualiza.

Se trata de un proceso social muy complejo, en el cual en el arte y el teatro -dice la creadora escénica- el foco debe estar en investigar y hablar sobre las propuestas estéticas de cada una de las creadoras.

La compañía Nacional, “para cualquier director no hay una invitación más emotiva y entrañable”

La Compañía Nacional de Teatro se fundó por decreto presidencial en 1977, entonces sus integrantes eran itinerantes y había una gran rotación en su personal. En 2008 se reestructuró la CNT, bajo la dirección de Luis de Tavira, y se le dotó de un elenco estable. Posteriormente relevó Enrique Singer a De Tavira en 2016. En junio de 2022 fue nombrada directora artística Aurora Cano, convirtiéndose en la primera mujer en dirigir la compañía.

La invitación, nos explica su actual directora, fue sorpresiva y se dio a partir de un acercamiento de los actores de la compañía. “Comienza con un acercamiento del corazón de la compañía, que son sus actores […] fue profundamente conmovedor, creo que para cualquier director no hay una invitación más emotiva y entrañable que eso”, señala.

El primer acercamiento con la Compañía Nacional de Teatro generó en la directora escénica una serie de cuestionamientos sobre lo que significa una compañía o un teatro nacional.

La experiencia del DramaFest y su trabajo paralela como directora de escena colocó a Aurora Cano en la lógica de detonar procesos de teatro contemporáneo en diálogo con otros países y con México. “Es un paradigma distinto entrar a un teatro que, de alguna manera, sí representa a una comunidad, específicamente, en este caso, la comunidad teatral de México”, explica. Por ello, agrega, uno de los temas que, como resultado de este diálogo de muchos años, le parecieron fundamentales “tiene que ver con que yo percibo que no ha habido suficiente sincretismo en el teatro en México“.

Investigación identitaria

Al respecto, la directora de la Compañía Nacional señala que en la música, en la comida, en las artes visuales sí se ha dado un sincretismo: “Hay temas identitarios fuertísimos que tienen que ver con este sincretismo de esta pluriculturalidad que es un país como México, que es una potencia cultural“.

Si bien menciona ejemplos como las pastorelas y otros intentos de sincretismo en el teatro, considera que “hemos estado, de alguna manera, resonando lo que es el canon fundacional europeo“.

Esta es la razón por la que al tomar la dirección de la Compañía Nacional, sugirió que, además de acceder al repertorio universal y a nuestro patrimonio dramático de la dramaturgia mexicana, se abriera una tercera línea de investigación. Esta línea, destaca, apunta hacia una investigación identitaria que explore estos posibles lenguajes, no como una cuestión “arqueológica, sino desde lo contemporáneo, desde la riqueza que tenemos en este momento de herramientas en el teatro contemporáneo”.

Como resultado de esto surge el ciclo de Teatro de Arte Mexicano, un proyecto de cuatro montajes que la CNT lanzó. Se trata de montajes que tienen que ver con mitos y leyendas mexicanas. El abordaje de estas historias, aclara Cano, no es desde el punto de vista de un revisionismo histórico, sino desde la posibilidad de hablar de temas locales.

Generar espacios de búsqueda que tengan que ver con México

El ciclo, explica la directora y actriz, es una especie de laboratorio, en el cual se invitó a dramaturgos y directores mexicanos. El proyecto: “Está en diálogo con la plástica contemporánea, cada una de estas obras habita a un artista visual mexicano contemporáneo, se interviene patrimonio musical nacional y reinterpreta, es decir, es un proyecto específico el Teatro de Arte Mexicano de investigación identitaria que yo siento que sí hacía falta en un teatro nacional en un país como México, que tiene esa inabarcable riqueza histórica”.

Adelantó que al finalizar el ciclo, al cual le restan dos obras, entre ellas La conversión del Diablo, de Carlos Pascual y Martín Acosta, es probable que el ciclo sea un laboratorio permanente. Al respecto, señala: “Quizá no repetir exactamente el mismo protocolo que fue comisionar textos, invitar directores, sino a lo mejor hacer un laboratorio laboratorio desde el origen, del que surjan las propuestas, pero finalmente la esencia del Teatro de Arte Mexicano sí tiene que ver con este interés de convocar a los artistas”.

Aurora Cano destaca la vocación que siempre ha tenido la CNT, una vocación contemporánea y abierta. Esto, agrega, le ha permitido “habitar a nuestros autores nacionales históricos, desde Juan Ruiz de Alarcón y Sor Juana hasta nuestros escritores vivos, pero que también permite acceder al repertorio universal. Lo que sí me parece que faltaba era generar estos espacios de búsqueda que tengan que ver con México, con las referencias locales”.

Un momento muy emocionante para hacer teatro

La directora de la Compañía Nacional confiesa que estamos en un momento muy emocionante para hacer teatro: “El siglo XXI está abriendo a debates tremendos, estés a favor, en contra, o lo que sea, pero todo está en debate, qué estás montando, por qué lo estás montando, desde dónde, quién habla, quién no habla, qué representa el que habla, puede o no un tipo de actor habitar o no, es apropiación o no, o es ofensivo para ciertas comunidades representar así a tus autores, etcétera”.

Si bien es una situación compleja y es “un poco angustioso”, destaca nuestra entrevistada, es “profundamente emocionante el momento que estamos viviendo como comunidad, porque nos obliga a reflexionar muy profundamente sobre de qué manera estamos reflejando la experiencia humana”.

Es un momento, agrega, muy interesante para invitar a los creadores de teatro, “de las más diversas posibilidades” a que con la Compañía Nacional entren a los debates.

“El teatro es un amor tremendo, profundo e inevitable”

Al platicar sobre la importancia del teatro en su vida, la creadora escénica expresa que se trata de “una inevitabilidad, es como un amor, digamos que uno no elige de quién se enamora y para mí el teatro es un amor tremendo, profundo e inevitable“.

Para ella, nos dice en otro momento de la plática, la función del teatro siempre ha sido soltar una bomba y correr. Provocar el debate entre el público.

Sobre esto, explica que hay diferentes niveles de entretenimiento, “el teatro que no va y genera la bomba, y genera pleitos y genera discusiones y abre las preguntas, está muy mal; pero también estamos en una época en la que también se hace un teatro panfletario que trata de decirle a la gente cómo es la vida o cómo debe ser. Ahí también fracasamos un poquito, cuando nos ponemos a decirle a la gente lo que es bueno y lo que es malo”, reflexiona.

Se trata de un momento difícil para generar proyectos que no caigan en lo panfletario, pero que tampoco sean complacientes. “Eso me parece que es una coyuntura muy emocionante para estar al frente de la Compañía Nacional y esperemos sobrevivir a la aventura, porque sí es una aventura compleja”, confiesa.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Compañía Nacional de Teatro

Bárbara López y Luis Arrieta protagonizan FINLANDIA, la última obra de Pascal Rambert

La última obra escrita por el afamado dramaturgo y coreógrafo francés Pascal Rambert, Finlandia, llega por primera vez a México, bajo la adaptación y dirección de Rodrigo Nava, a partir del 28 de agosto en el Teatro Milán.

Los protagonistas de esta historia serán la actriz Bárbara López (Animales de compañía) y el actor Luis Arrieta (Tom Pain), quienes intepretan a una pareja que discute sobre su pasado y repiensa su futuro en una gélida madrugada en un cuarto de hotel en Helsinki.

En conferencia de prensa, el director Rodrigo Nava, (Enfermos de Amor, Prueba perfecta) explicó: “Estamos muy contentos de presentarles este proyecto. Cuando leí Finalndia sabía que era un texto que representaba un gran reto para mí como director y para los valientes actores que aceptaran hacer esta obra. Es un texto difícil, complicado y, sobre todo, oscuro, por el tema. Las parejas al final estamos acostumbradas a ver el amor bonito, el amor romántico, pero creo que el amor es algo mucho más complejo”.

Agrega: “Y en Finlandia lo podemos ver, cuando vemos a una pareja en una disputa, en una lucha salvaje, utilizando todos sus instintos para defenderse, para defender probablemente lo que más quieren, su hija, se vuelve un texto interesante y en el que creo que todos nos vamos a podemos reflejar, porque se habla del pasado de la relación, el presente de la relación y los posibles futuros”.

Por su parte, Luis Arrieta, que regresa al teatro, indicó:”Yo estoy muy emocionado de estar de regreso en el teatro porque, justo cuando llegó la pandemia, yo estaba haciendo una obra y terminando iba a hacer dos más, pero nunca se hicieron, y llevó casi tres años sin estar en el escenario y para mí como actor es fundamental regresar a este intercambio único que sucede entre el actor y el espectador, que es irrepetible.“.

Añadió: “Estoy agradecido de que Rodrigo me haya invitado a esta obra, y ya lo decía Rodrigo, el amor es un tema complejo complicado, profundo, que nos va a dar para hacer obras de teatro, literatura, contar historias para el resto de nuestras vidas. (…) Esta es una obra que explora el amor, que al final Pascal introduce en estos dos personajes que tiene cosas específicas, pero al vez son universales“.

Mientras que la actriz, Bárbara López (que se dio a conocer en la telenovela, Vino el amor), señaló: “Esta obra me ha soprendido mucho, es una exploración del amor, que es un tema infinito y se puede ver de todos los ángulos. Creo que este ángulo del que trata Finlandia es muy interesante, donde logramos ser parciales e imparciales por varios momentos y lo hace muy especial. Aún no hemos llegado al final de la exploración de la obra, estamos seguros que la van a disfrutar muchísimo”.

Se trata de un montaje que expone cómo dos personas que han vivido las mismas experiencias tienen opiniones contrarias al respecto, un íntimo enfrentamiento cuya única arma es el filo de las palabras.

La obra es una producción de Retro Casa Productora, a cargo de Nava y Miguel Matus; Javier Ángeles, es  el productor asociado, encargado de la escenográfía y fue también el vínculo con Pascal Rambert.

Finlandia llegará del 28 de agosto al 23 de octubre con funciones los lunes en el Teatro Milán, ubicado en ucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Los estrenos que llegan en agosto a la CDMX

Durante la primera parte de agosto llegan a cartelera diversos dramas y musicales que nos harán reflexionar sobre el amor, la pareja, los mitos, la amistad, el arte y aquello que nos atañe como sociedad, que estamos seguros harán vibrar a la audiencia, pero, sobre todo, iluminarán las marquesinas de la capital.

Estas son las propuestas que comienzan ya su temporada:

1. Los aliens. Roberto Beck dirige esta propuesta basada en el texto de Annie Baker sobre dos jóvenes enojados se sientan detrás de una cafetería de Vermont y hablan sobre música y Bukowski. Con las actuaciones de Cristian Magaloni, Obeht Torres y David Calderón, esta obra nos sumergirá en viaje por la música,  la amistad, el arte, el amor y la muerte. A partir del 2 de agosto en El Círculo Teatral.

2. Anastasia, el musical. Basado en la historia de la zarina perdida, Escenario Ocesa se alista para regalarnos esta propuesta musical llena de magia, música y con una gran producción que nos remontará a la época de Rusia, cuando Anya (Anastasia) va en busca de su identidad y recuperar su memoria perdida. Mariana Dávila, Irasema Terrazas, Carlos Quezada, Manuel Corta, Javier Manante, entre otros, serán los encargados de dar vida a esta obra que levanta el telón este 3 de agsoto en el Teatro Telcel.

3. Ensayo. Dirigido por Juan Manuel García Belmonte, llega esta historia escrita por Pascal Rambert en la que disecciona la crisis del mundo occidental, a través de las interpretaciones de María Inés Pintado, Sonia Couoh, Daniel Martínez y José Carriedo, quienes nos hablan del fracaso del arte y las ideologías. Las funciones comienzan este 3 de agosto en el Teatro El Milagro.

4. Éxtasis Medea. En esta adaptación del mito griego, Ximena Escalante, donde la autora retoma el mito y le da un giro de tuerca al mostrar a una Medea que no asesina a sus hijos y que indaga en sus complejidades. Las actrices Carolina Politi y Ximena Rubio serán las encargadas de contarnos esta propuesta con una óptica feminista. Las funciones comenzarán este 4 de agosto en el Foro Lucerna.

5. Pieza en proceso. La performer Myrna Moguel escribe y dirige esta pieza donde podremos atestiguar los prejuicios, los impedimentos, la exclusión y la desvalorización que sfuren los artistas por no cumplir con el requisito del performer estético, y contará con las actuaciones de Erika Bernal, Marco Antonio Martínez, Maricarmen Graue y Alejandro Rojas. Las funciones arrancan este 4 de agosto en el Teatro Santa Catarina.

¿Y ustedes qué obra se les antoja más?

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Teatro UNAM y cartel oficial

Noche de magia y esplendor en el estreno de ANASTASIA, EL MUSICAL

Entre intensas lluvias, pero con mucho entusiasmo anoche se llevó a cabo el estreno oficial Anastasia, el musical, inspirado en la película animada de Twentieth Century Fox, que ofrecerá temporada de miércoles a domingo en el Teatro Telcel.

Los protagonistas Mariana Dávila (Anya), Irasema Terrazas (Emperatriz viuda), Carlos Quezada (Gleb), Javier Manente (Dimitri), Manuel Corta (Vlad), y Gloria Toba (Condesa Lily), serán los encargados de contar la historia ambientada en la época de los últimos zares de Rusia.

Durante poco más de dos horas, el público podrá disfrutar de impresionantes efectos especiales, un espectacular vestuario, músicos en vivo y más de 30 actores en escena para transportarnos por un viaje que conjuga historia, música y teatro.

Al finalizar, el productor Morris Gilbert compartió: “Es una noche única e irrepetible. Honestamente siento que me va a dar un infarto de tanta emoción. Este es el producto del trabajo de toda esta hermosísima compañía, de los que ven en el escenario y los que están atrás. Quisiera agradecer a esta compañía, creo que hemos vivido una experiencia nuna antes vista”.

Añadió: “En esta puesta en escena, en todo el periodo de ensayos, no ha habido ni un solo problema, todo ha fluido de la manera más mágica y eso es gracias a todos ustedes, se han portado como enormes profesionales, y todos los que estamos en Anastasia, todos los que están en lso departamentos, todo el equipo es verdadermente amoroso y eso se nota en el escenario”.

Por su parte, Julieta González puntualizó: “Morris decía en broma hace rato, los productores siempres estamos buscando problemas que solucionar, esa es nuestra chamba, aquí no hemos encontrado muchos problemas, así que de pronto nos dejan fuera de toda esta chamba”.

Agregó: “Muchísimas gracias ha sido maravilloso, gracias a ustedes por estar con nosotros, gracias OCESA por dejarnos jugar con ustedes en este teatro y corran la voz”.

Mientras que, Iñaki Barcos, promotor de eventos familiares de Ocesa, extrenó: “Ha sido un increíble público, creo que ha sido espectacular esta compañía, tenemos que agradecer a personas muy importantes que nos ha acompañado a lo largo de estos meses”.

Algunas de las personalidades que desfilaron en la alfombra morada fueron Mario Iván Martinez, el elenco de La Fiesta, Mariana Ochoa (OV7), Anahí Allúe, Pedro Prieto, Kika Edgar, Los Rules (influencers), Tanya Valenzuela, Luz Elena González, Plutarco Haza, Cositas, entre otros.

La trama gira en torno a la leyenda de La Gran Duquesa Anastasia Nikoláyevna de Rusia. Diez años después de la ejecución de la familia Imperial Rusa durante la revolución bolchevique, surgen los rumores de que la hija menor del Zar ha sobrevivido. Una puesta en escena que combina la historia verídica de los Romanova y la belleza magistral de la película.

Anastasia, el musical se presenta de miércoles a domingo en el Teatro Telcel, ubicado en Lago Zurich #245, Col. Ampliación Granada, por Plaza Carso, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: IG Escenario Ocesa/Santiago Covarrubias

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3 razones para ver ENSAYO

Pascal Rambert es un dramaturgo que a partir de las palabras detona conflictos y acciones. El autor aborda en sus textos temas pertinentes, nada sencillos, temas que confrontan, y lo hace desde un punto de vista poco complaciente.

Además de escritor y dramaturgo, Rambert es coreógrafo y director escénico y audiovisual. Por el conjunto de su obra recibió en 2016 el Premio de Teatro de la Academia Francesa. A la cartelera de la Ciudad de México nuevamente llegan obras de este autor. Finlandia, que estrenará el próximo 28 de agosto, y Ensayo que inicia temporada este 3 de agosto.

Precisamente de ensayo les platicaremos. Con una muy corta temporada en el Teatro El Milagro, finaliza el 20 de agosto, es una obra que no se deben perder. Y hay muchas razones, pero aquí les digo tres que son, a mi parecer, fundamentales.

1. Un microcosmos en crisis. El colapso de una compañía teatral que lleva 20 años junta es el punto de partida. Desde este microcosmos en crisis, Rambert refleja a toda una sociedad que colapsa, que no ha sabido recomponerse después del derrumbe de las ideologías y de sus sueños. Nos habla de un mundo que ha cambiado demasiado rápido, dejando a unas generaciones con el vacío de lo que en el camino perdieron, y a otras, que no heredarán más que un mundo de inmediatez y ruinas. Ensayo atraviesa temas fundamentales como la creación, la esperanza, el amor, los sueños, el desencanto, el vacío, la amistad y la traición.

2. Elenco en perfecta sincronía. Es verdaderamente un placer cuando podemos hablar de un elenco totalmente nivelado, que funciona en prefecta sincronía, sobre todo en un texto como éste, que requiere atención y entrega. Sonia Couoh, María Inés Pintado, José Carriedo y Daniel Martínez matizan y lanzan las palabras de Rambert con la intensidad que requiere lo que están diciendo y sintiendo sus personajes. Cuando les toca ser receptores silenciosos del monólogo de sus compañeros, no son un receptores inertes, son parte de la escena que reacciona y se conmueve.

3. Una experiencia teatral completa. Ensayo es un texto que desde lo poético detona en sus intérpretes el proceso de creación y en el público la catarsis. Al igual que en otros textos del autor, las palabras tienen un peso y una función, cada una de ellas evoca sensaciones y conceptos. Cada oración que forma busca una reacción emocional o intelectual, o ambas. Por sí solas, las palabras del autor en boca de los actores son una experiencia. Puestas en marcha sobre el escenario son una experiencia estética y teatral completa. El acto teatral sucede y no se queda en artificio, el público sale tocado, es imposible abstraerse de la reflexión después de asistir a esta obra.

Así que ya lo sabes, si lo tuyo son textos potentes y que tocan ideas y fibras profundas, Ensayo es una opción. Es además, ideal para un plan de fin de semana -se presenta de jueves a domingo- ya que se presenta en el Teatro El Milagro, ubicado en la Colonia Juárez, donde podrás encontrar un gran número de opciones para comer, cenar, tomar un trago o un café, antes o después de la función.

Para más información del montaje, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

3 razones para ver PIEZA EN PROCESO

Pieza en proceso es una producción de TransLímite [alternativa-escénica] y Teatro Ciego MX y Teatro UNAM. Nace como una creación colectiva que cuestiona desde la diferencia el quehacer artístico de la propia compañía.

Myrna Moguel dirige a Erika Bernal, Marco Antonio Martínez, Maricarmen Graue y Alejandro Rosas. La dramaturgia, realizada por Moguel, nace de las voces y textos del propio elenco, de Fernanda Árcega, Juan Carlos Saavedra y la propia directora.

Esta propuesta escénica incluye, para quienes así lo deseen, un Touch Tour. Se trata de una experiencia muy enriquecedora para las personas ciegas o con debilidad visual, a través de un recorrido guiado por el escenario el público puede involucrarse “una cartografía de sensaciones”, en la cual las texturas son fundamentales.

1. Teatro como agente de cambio. Pieza en proceso es una obra performativa que busca expandir los límites del discurso escénico y del cuerpo. A partir de un laboratorio creativo, directora e intérpretes lanzan un cuestionamiento sobre su propio quehacer artístico y tender puentes y generar empatía en el público, usando el teatro como un agente de cambio social.

2. Una narración sensitiva. Al ser una obra dirigida para un público amplio y diverso, el montaje usa una serie de recursos que, sin llegar a ser teatro sensorial, estimulan otros sentidos además de la vista. Sonidos, texturas e incluso olores sirven como un refuerzo de lo que en escena se está narrando y potencia el discurso artístico que encierra la obra.

3. Poesía en un texto lleno de fuerza. Un elenco integrado por tres artistas que viven con ceguera y un actor normo visual crean a través de su vivencia este texto que Myrna Moguel, la directora del montaje, transformó en dramaturgia. En escena conviven espacios de ficción y espacios reales. Palabras llenas de fuerza y poesía, música e imágenes nos llevan como espectadores a entender que no es un mundo aparte el que viven las personas con alguna discapacidad, sino es el mismo mundo el que todos compartimos el mismo mundo.

Si te interesa el teatro que investiga e indaga en temas que normalmente no se abordan, definitivamente Pieza en proceso es una opción para ti. Ahí, en el Teatro Santa Catarina, por cerca de 70 minutos ,vivirás una experiencia diferente y saldrás con más preguntas que respuestas, como debe ser cuando se presencia un montaje que nos confronta con temas importantes.

Además, podrás disfrutar de la hermosa plaza de Santa Catarina, en pleno Coyoacán y antes puedes sentarte a esperar en uno de los restaurantes o cafés que rodean la plaza o se encuentran a unos pasos de ella.

Para más información de Pieza en proceso, horarios y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

5 propuestas en temporada en el Centro Cultural Helénico

Si vives al sur de la ciudad, seguro conoces el Centro Cultural Helénico, este complejo cultural, en el que podemos difrutar de un sinfín de propuestas escénicas y además, mientras esperas la tercera llamada puedes degustar un rico café o merienda en El Péndulo, recorrer sus pasillos y encontrar tu próxima lectura.

Estas son algunas propuestas que puedes disfrutar en familia, pareja, amigos y de manera individual que se presentan actualmente en los diferentes espacios que lo constituyen:

Leonardo. Este monólogo escrito, dirigido e interpretado por Rodrigo Murray, en donde el histrión se adentra en la parte más humana de esteextraordinario genio y artista del Renacimiento, por si fuera poco, el actor también  interactúa con una monumental pieza diseñada por el escultor Sebastián, bautizada como Leonardo 4. La obra se presenta sábados y domingos, hasta el 27 de agosto en el Teatro Helénico.

Indecente. Escrita por Paula Vogel,  dirigido en nuestro país por Cristian Magaloni, el montaje está basado en la polémica historia escrita por Sholem Asch, El dios de la venganza, donde una compañía arriesga hasta sus vidas con tal de llevarla a los escenarios más importantes del mundo. La obra regresó para ofrecer una corta temporada en el recinto que la vio nacer con las actuaciones de Alberto Lomnitz, Elizabeth Guindi, Ana Guzmán Quintero, Majo Pérez, Roberto Beck, Jorge Lan, Federico Di Lorenzo, César Chagolla y Fernando Canek. Las funciones son de viernes a domingo, hasta el 20 de agostom en el Teatro Helénico.

Todos eran mis hijos. Este gran clásico de la dramaturgia contemporánea dirigido por Diego del Río, nos habla sobre las consecuencias que se suscitan tras la guerra, donde somos testigos de cómo las personas impulsadas por la sed de dinero pueden rebajarse hasta cualquier punto para adquirir riqueza. Cuenta con un gran elenco encabezado por Arcelia Ramírez, Pepe Del Río, Ana Guzmán, Gonzalo de Esesarte, Fabiola Villalpando, Nicolás Pinto, Angélica Bauter, Evan Regueira y Eugenio Rubio. Las funciones son lunes y martes en el Foro La Gruta.

Joy Robota. Esta ópera prima de Laura Baneco busca incentivar la imaginación y el juego, así como reflexionar sobre el papel de los padres en de la crianza, a través de la historia de una niña de siete años, cuya madre se va a trabajar a otro país durante seis meses, por lo que su padre se hará cargo de ella, sin embargo, se da cuenta que no la conoce y no sabe cómo criarla. La temporada correrá del 12 de agosto al 3 de septiembre, en el Foro La Gruta.

Variaciones sobre el café. Tras una investigación realizada en una comunidad oaxqueña productora de café, sus autoras, Mariana Blanco y Alicia Laguna, presentan este trabajo como una invitación a contemplar y reflexionar sobre los procesos que hay detrás de lo que consumimos. La propuesta se presentará del 12 al 27 de agosto con funciones sábados y domingos en el Foro 4 Espacio Alternativo.

Estas son algunas opciones que nos brinda este espacio colmado de cultura, historia y tradición, no pierdas la oportunidad de visitarlo y disfrutar del teatro nacional.

Por Itaí Cruz, Fotos: Roberto Sosa y Cortesía Helénico

Kika Edgar se integra como invitada especial a MAMMA MIA!

Este domingo Kika Edgar debutó como Donna en Mamma Mia! en el Teatro de Los Insurgentes. La actriz alternará en el papel, que durante la temporada ha interpretado Lisset. Edgar será la protagonista de este musical durante 12 domingos en la función de las 13:30 horas.

Mamma Mia! inició temporada en marzo pasado, y después de más de 100 representaciones, se integra Kika Edgar al elenco como invitada especial.

Al finalizar su presentación como Donna, la actriz y cantante dijo estar emocionada. Mamma Mia! se trata de “un proyecto increíble que nos viene a inyectar a todos buena vibra, valores, cosas bonitas en cuestión de familia, de la amistad, también”, dijo.

El elenco de la obra está integrado por Lisset, quien continúa en el resto de las funciones como Donna, Alejandro de la Madrid, Marisol del Olmo, Francisco Rubio, Gicela Sehedi, Armando Arrocha, Luja Duhart, Sofía Carrera. Además cuenta con un ensamble compuesto por actrices y actores que tienen una gran trayectoria en el teatro musical.

Para más información de Mamma Mia!, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Foto: Cortesía Presna Danna.

5 propuestas que te ofrece la 20° edición del Festival Internacional de Cabaret

La 20° edición del Festival Internacional de Cabaret ya arrancó, además de actividades académicas, esta fiesta cabaretera te ofrece un sinfín de propuestas que puedes disfrutar en diversos espacios de la capital, así como en las sedes alternas en Tijuana y Oaxaca, algunas son de entrada gratuita y otras tiene un costo de entrada.

Aquí te compartimos 5 propuestas para que disfrutes este semana y ¡No te las pierdas!

Lesbiana de cepa

En este espectáculo de stand up, Adriana Chávez presenta este show con un toque irreverente y mucho humor negro para visibilizar los cuerpos y las experiencias de las mujeres lesbianas, hablar de la salud mental, entre otros topicos que desafían las normas y expectativas impuestas por el patriarcado. La función será este jueves 10 de agosto en el Foro A Poco No.

Cuentos para no dejar de soñar

Una propuesta de teatro cabaret para los más pequeños a cargo de Talia Loaria, que combina teatro físico, música y baile que invitan a conocer la vida de grandes personajes como Malala, Harvey Milk, Nina Simón y muchos más, que reflexionan sobre el racismo, la discriminación, la homosexualidad, violencia de género y la ecología, en un ambiente familiar y amable para todas las edades. Las funciones serán el jueves 10 de agosto en el Centro Cultural La Pirámide y el viernes 18 de agosto en el FARO Tecómitl.

Zoylo… prohibido

Pueblo López presenta este monólogo musical cabaretero que busca evocar la nostalgia y los recuerdos del siglo XX, a través de la historia de un hombre de la tercera edad que cuenta con una sabiduría y visión casi chamánica,  que al mismo tiempo, cuestiona su propio machismo. Se presenta este viernes 11 de agosto en en el Foro A Poco No.

Los daños maravillosos

Las Reinas Chulas, Nora Huerta y Cecilia Sotres, acompañadas por Oswaldo Ferrer y el periodista Jairo Calixto de forma ingeniosa y mordaz, nos hablan de los acontecimientos más recientes de la política nacionaL, a través de la historia de la Señora Cataño, una señora bien, de clase, elegante y distinguida que tiene tres hijas, a quienes defenderá a toda costa. Las funciones serán este sábado 12 de agosto en el FARO Oriente, jueves 17 de agosto en el FARO Cosmos y viernes 25 de agosto en el FARO Azcapotzalco.

Benda’ Muxe’ / Mi hermana muxe’

El creador César Enríquez trae a escenae una propuesta surgida de un laboratorio escénico con mujeres muxes (personas que disfrutan su feminidad y masculinidad) de Santo Domingo Tehuantepec, Oaxaca, en la que nos cuenta las leyendas e historias de esta comunidad. Las funciones serán el domingo 13 de agosto en el Teatro Bar El Vicio.

Recuerda que el 20° Festival Internacional de Cabaret se presenta hasta el 26 de agosto en diversos espacios de la CDMX, si deseas consultar la programación completa, da clic aquí o entra a su pagina oficial (festivaldecabaret.com).

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Pop Comunicación

Marina de Tavira y Juan Manuel Bernal encabezan CONSENTIMIENTO

Consentimiento, de Nina Reine, estrena el próximo 31 de agosto en el Teatro Helénico. En conferencia de prensa se dio a conocer los detalles de el montaje producido por Incidente Teatro, bajo la dirección de Enrique Singer.

Marina de Tavira, productora de la obra, señaló que este es el proyecto más reciente de Incidente Teatro, compañía que hace 12 años creó con Enrique Singer. En esta “aventura teatral”, señaló la actriz, como gente de teatro buscan dramaturgias “que digan eso que queremos decir a través del teatro”. Se trata de buscar textos que confronten, que cuestionen y que “en el mejor de los casos nos puedan hacer mejores personas”.

En Consentimiento, explicó De Tavira, la autora nos presenta un espejo incómodo. “Un espejo, como hace la comedia, no estoy diciendo que en este caso sea solo una comedia, presenta a los personajes desde su vicios, desde aquello que nos incomoda, y que con suerte nos hará tomar conciencia de lo que debemos transformar como sociedad”, explicó.

Esta obra, aclaró la actriz y productora, tiene que ver con la comedia desde el punto de vista académico en términos de análisis de los géneros dramáticos. En este sentido, explicó, “son los personajes viciosos, no son los personajes ejemplares de la tragedia, sino resalta esa miseria de la condición humana y cuestiones muy dolorosas”. Son cosas de las que duele reír, agregó, pero la risa es también un medio de catarsis, tiene que ver mucho más con el carácter de los personajes y estructura que con un efecto.

En este aspecto, comentó Singer, “es una obra que va a la inteligencia, no va a las emociones”, es interesante  y tiene momentos de risa pero es una pieza profunda.

En el encuentro con los medios estuvieron presentes el elenco de la obra integrado, además de por Marina de Tavira por Juan Manuel Bernal, Arturo Barba, Daniela Schmidt, Alfonso Borbolla, Adriana Llabrés y Jana Raluy.

Juan Manuel Bernal confesó que le gustaría ser espectador de esta obra. Es una comedia “de espejo”, señaló, “en donde el espectador seguramente se va a llevar una gran reflexión“. En este sentido, Alfonso Borbolla consideró: “Las buenas comedias no se actúan como comedias. Es una obra tremenda, terrible, en donde yo creo van a tener más tragos amargos que carcajadas. Las carcajadas se necesitan para poder llegar al final de esta historia”.

Se trata de una obra que dará mucho de que hablar y muchas reflexiones interesantes y será toda una experiencia para el público, apuntó Daniela Schmidt. Al respecto, consideró Arturo Barba, se trata de una de esas cosas que como actor se quieren hacer. Siempre, agregó, se buscan proyectos como este en el que haya un compromiso artístico con el mensaje.

Adriana Llabrés destacó que esta obra no te da una moraleja ni te dice qué pensar. Solamente, agregó, “te pone un retrato de situaciones que te hacen pensar”.

Se trata, señaló Enrique Singer, de una obra de relaciones humanas que gira alrededor de la necesidad de virtud. En ella un grupo de amigos, casi todos ellos abogados, tienen una amistad profunda y en cierto momento ven girar su relación en torno a un caso de un violador. Uno de los amigos es es el fiscal que acusa y otro el abogado defensor.

A partir de la relación de estos amigos, las esposos, los esposos y los hijos, Reine construye un universo de traiciones, de mentiras, certezas y relaciones que llevan a muchas crisis, señaló el director. El texto, agregó, aborda temas como el perdón, el arrepentimiento, la empatía y la justicia. En este sentido, reflexionó, la pregunta es qué es la justicias, para qué sirve, si existe o es una venganza. Se trata, remató, sobre una gran reflexión sobre la sociedad contemporánea y del consentimiento como punto central en nuestras relaciones, no el consentimiento sexual, sino en todos los ordenes de las relaciones humanas.

El diseño de escenografía es de Adrián Martínez Frausto. El diseño de vestuario es de Adriana Pérez Solís. Ángel Ancona fue el diseñador de iluminación. Música original y diseño sonoro de Alejandro Castaños. Maricela Estrada en maquillaje y peinados. Daniela Parra en la producción ejecutiva. El traductor y adaptador de la obra es Alfredo Michel Modenessi.

Para más información de Consentimiento, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Llega JULIETA TIENE LA CULPA al Teatro López Tarso para su tercera temporada

Julieta tiene la culpa anunció una tercera temporada, ahora en el Teatro López Tarso del Centro Cultural San Ángel. La obra, en alianza de BarCo Drama y Mejor Teatro, se presentará en el recinto los miércoles durante ocho semanas. Lo anterior, lo anunciaron en conferencia de prensa Barbara Colio, autora y directora del montaje, el productor Morris Gilbert y el elenco de la obra.

La obra, que cuenta con las actuaciones de Verónica Merchant, Carmen Mastache y Sofía Sylwin, regresa después de dos exitosas temporadas, una en el Teatro Helénico y otra en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del CCU. El montaje además se ha presentado en el Teatro Mayor de Colombia, en Tijuana, en Querétaro y otras partes del país. Además, dijo su autora, otros montajes de esta obra se están preparando para presentarse en Madrid, España, y también en Brasil.

Verónica Merchant consideró que Julieta tiene la culpa es una obra pertinente y que tiene mucho que decir. Es una obra, agregó, para muchos públicos. Por ello dijo estar contenta de que la obra entre a un circuito diferente del que estaba, que era el circuito cultural.

Si bien la obra habla de la mujer, la actriz destacó que es muy importante que la escuchen todos. “Es una obra que a cada uno le toca y le dice lo que le tiene que decir” a través de personajes muy humanos, expresó.

Por su parte, Carmen Mastache destacó que con su personaje; Nora, sube a escena una ama de casa, una esposa, y se ve lo que sucede en su interior. Se trata de un perfil que es raro que suba a escena, “y es importante que se visibilice”.

Carmen Mastache coincidió en que en principio es un equipo eminentemente femenino tratando de darle voz a intereses e inquietudes femeninas. Sin embargo, agregó, “a la luz de las dos temporadas anteriores nos damos cuenta que encuentra resonancia y eco en muchísimos ámbitos”.

Sofía Sylwin agradeció la oportunidad de reencontrarse con un texto maravilloso y poderoso. El cual, reflexiona, toca fibras y heridas muy importantes de nuestro tejido social. En este sentido, destacó: “Lo hace desde un lugar sensible, pero también desde un lugar cariñoso, también desde un lugar doloroso, pero también desde el humor”. Este proyecto, agregó, ha resonado tanto en ellas como en el público con quien lo comparten.

Julieta tiene la culpa es una obra entrañable, que resuena, conecta y sacude a la gente, considera Bárbara Colio. La obra ha generado un fenómeno con la respuesta de la crítica y el público, que agotaba funciones. Con esta alianza, destacó la dramaturga y directora, se busca darle un nuevo “empujón” al montaje para que lo puedan ver quienes quedaron con ganas de hacerlo.

Colio explicó que no porque en la obra haya tres mujeres solamente la tienen que escuchar las mujeres, por el contrario, subrayó, es una obra sobre el ser humano. “No es una obra de mujeres, es una obra sobre cualquiera que haya tenido un deseo en su vida y no haya sido capaz de cumplirlo”, afirmó.

La dramaturga destacó que la obra nace del deseo de crear y de deconstruir mitos que han marcado nuestra conducta como seres humanos. Para escribir esta obra, explica, tomó a tres personajes femeninos emblemáticos de la literatura dramática universal: Blanche DuBois, de Un tranvía llamado deseo; Nora Helmer, de Casa de muñecas; y Nina de La gaviota.

Estos personajes, afirma la dramaturga, son personajes que toda actriz quiere interpretar y sin embargo son personajes femeninos que terminan mal. Ante esto, dice la autora, ella se cuestionó siempre que terminaran mal, que no tuvieran amigas, alguien con quién hablar, “lo que hago yo es darles amigas, hacerlas amigas a ellas”. Subrayó que para ver la obra no es necesario conocer las obras en las que se inspiran los personajes.

Al respecto dice: “El interés era poner a estas tres mujeres en un espacio donde tuvieran que platicar, […] se encuentran, se reconocen, se dicen sus verdades y mantienen sus mentiras hasta cierto punto. Aparece la maldad, pero también una gran generosidad. Entonces, es toda esta relación que hay entre estas tres mujeres”. En la obra se habla de tres personajes femeninos icónicos, y “Julieta tiene la culpa”, explicó, porque el cuarto personaje icónico sería Julieta Capuleto. Al respecto, agregó Sofía Sylwin, Julieta es un poco el espejo antagónico de muchas de las cosas que les suceden a las tres protagonistas.

Por su parte, Morris Gilbert reconoció el gran talento de la autora y dramaturgo y de las tres actrices. Asimismo, destacó que una preocupación personal para él ha sido que el teatro en México “se está achicando”. Explicó que cuando inició su carrera los teatros trabajaban de lunes a lunes. Por ello a través de alianzas como está se está logrando tener el Centro Cultural San Ángel con programación de miércoles a domingo. La idea, agregó, es buscar que esté trabajando el teatro de lunes a lunes.

Para más información del montaje, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro. 

TODOS ERAN MIS HIJOS, séptima obra seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024

La séptima obra seleccionada de los Premios del Público Cartelera de Teatro es Todos eran mis hijos. Se trata de un texto fundamental de la dramaturgia y del realismo americano. Escrito por Arthur Miller en 1947 sigue siendo una obra vigente. Inspirada en una anécdota real, Todos eran mis hijos es una dura crítica al sueño norteamericano, y a la manera en la que este sueño trastoca los valores, donde el éxito económico basta para justificar lo injustificable.

Bajo la dirección de Diego del Río y la actuación de un elenco encabezado por Arcelia Ramírez y José del Río apuesta por las interpretaciones y el texto. La primera actriz sobre el escenario entrega al público un papel intenso, el de una madre que ante la realidad prefiere creer una mentira, o tal vez, sostener concientemente esa mentira.

El equipo creativo y los actores logran una propuesta equilibrada y –a pesar de la distancia- el espectador puede transpolar lo que ve en el escenario a la actualidad y cuestionarse los mecanismos que mueven a nuestras sociedades.

El elenco lo completan Ana Guzmán, Gonzalo de Esesarte, Fabiola Villalpando, Nicolás Pinto, Angélica Bauter, Evan Regueira y Eugenio Rubio. Apoyados por el diseño de vestuario, escenografía e iluminación de Isabel Becerril, Todos eran mis hijos nos transporta a los Estados Unidos de la post guerra.

Este drama nos hace reflexionar sobre las responsabilidades individuales y sociales que como miembros de una comunidad tenemos. Estamos ante un texto fundamental en dentro de la obra del gran dramaturgo estadounidense Arthur Miller. Se presenta en el Foro la Gruta del Centro Cultural Helénico los lunes y los martes.

Para más información, horarios y boletos de este montaje haz clic aquí.

Entre perpetuar la traición y armar el rompecabezas: La traducción teatral en la Ciudad de México

Tan cierta como contundente es la frase italiana traduttore – traditore que, al pasarla al español conserva su impacto y su sentido: traductor – traidor. En el teatro, si no existieran los traidores, nos privaríamos del goce de escuchar en nuestra lengua textos que, precisamente por ser trasladados a otros idiomas, le han dado la vuelta al mundo. Gracias a quienes han vertido las palabras de autores extranjeros podemos disfrutar -o sufrir- mientras Hamlet se dice a sí mismo “Ser o no ser”, cuando Blanche afirma: “Yo siempre he dependido de la bondad de los extraños” o ante la sentencia de Nawal: “La infancia es un cuchillo clavado en la garganta”.

Aunque en México existe una tradición de traducción teatral, se trata de uno de los oficios teatrales que hoy en día sigue luchando por su pleno y justo reconocimiento (basta decir que, si no la mayoría, sí la mitad de programas de mano y reseñas críticas consultadas para éste artículo no mencionan, ni por accidente, al traductor). Empero, eso no ha impedido que a lo largo de los años haya dramaturgos, escritores, directores, actores o productores que se han interesado en menor o mayor medida por traer a nuestra lengua a autores de diversas latitudes y épocas.

Tan solo hay que considerar que la primera gran renovación teatral del siglo XX fue fruto del interés de los poetas Salvador Novo, Xavier Villaurrutia y Celestino Gorostiza por presentar en nuestro país obras de la vanguardia europea, por lo cual tradujeron a autores como O’Neill y Cocteau. Pasada la época de los Contemporáneos, Novo continuó traduciendo obras que también dirigió. La más emblemática, el estreno en México de la sensación francesa, Esperando a Godot de Samuel Beckett.

Entre los muchos sectores en los que nuestro país se benefició con el recibimiento a los exiliados españoles, destaca el de la traducción teatral. León Felipe, Federico Patán y Angelina Muñiz Huberman tienen sendas traducciones de Shakespeare -de hecho, los tres tradujeron Noche de Epifanía en distintas épocas-. Tomás Segovia tradujo versiones importantes de Hamlet, Salomé de Oscar Wilde y Las relaciones peligrosas de Christopher Hampton, entre otras. Evidentemente, el Cisne de Avon es uno de los autores a los que más se les ha traducido, siendo actualmente el más constante el trabajo del también académico Alfredo Michel Modenessi, quien además ha traducido lo mismo a Marlowe que a Sartre o Alan Ayckbourn.

La traducción ha sido un oficio inherente a creadores escénicos como Brígida Alexander, José Luis Ibáñez -quien además tradujo varias comedias musicales-, Ludwik Margules, Juan José Gurrola, Susana Alexander, Luis de Tavira, Otto Minera, Alberto Lómnitz, Víctor Weinstock, David Olguín, Martín Acosta, David Hevia, Boris Schoemann, Mauricio García Lozano, Aurora Cano, David Psalmon, Angélica Rogel y Diego del Río.

Para Boris Schoemann, quien a su vez retoma lo que los autores que ha traducido le han dicho, “el traductor es el autor. Los autores saben que para ser conocidos en distintas partes del mundo tienen que tener traductores que se convierten en el autor de la versión en el idioma que maneja. Una traducción teatral no es algo para meter en Google Translator u otros programas mejores, pues realmente conlleva una parte de creación literaria, de dar a entender el subtexto, el humor y la poética del autor, cosas que si no estás completamente metido en el trabajo de un otro dramaturgo, no serían fácilmente traducibles. Por eso, el traductor se vuelve el autor en el idioma al que traduce”.

Schoemann, quien ha actuado textos que ha traducido, como Hasta luego de Antoine Jaccoud y dirigido sus traducciones de La divina ilusión de Michel Marc Bouchard y Tierra oceana de Daniel Danis, afirma: “El traductor tiene que tomar decisiones, inventar frases o palabras a partir de las invenciones mismas de los autores, ser un puente entre el idioma fuente y el de recepción, pensar en el público que lo va a recibir y en la manera de entender tal o cual concepto que a veces es extremadamente localista: ¿qué haces: lo dejas tal cual aunque nadie lo entienda o encuentras un equivalente en tu lengua? No hay respuesta: hay una respuesta distinta para cada tipo de obra y esa es parte de la labor del traductor: saber si hace adaptaciones o no, en función de la obra y de su nivel de comprensión del idioma del que traduce.

Algunas traducciones de Schoemann están publicadas por Ediciones El Milagro y Los Textos de La Capilla, en donde también hay varias traducciones de Humberto Pérez Mortera, uno de los traductores y docentes de traducción más presentes. Junto a la traductora Naxeli Yrizar encabeza un proyecto encomiable: la editorial Libros de la Casa, con obras francófonas -la mayoría para jóvenes audiencias- traducidas al español.

Nadxeli explica que, aunque en su propuesta las obras primero son publicadas para buscar ser escenificadas, ella como traductora teatral piensa siempre en la escena más que en la página: “Creo que los textos teatrales están pensados para la escena, siempre. Entonces, en su estructura tienen todas esas pistas. Quizá no estoy pensando en la escena como lo pensaría alguien que lo está montando, como una directora o una actriz, porque es distinto el sentido en que descifras todas las capas que te vas imaginando mientras vas leyendo el texto. Pero los traductores somos, primero que nada, lectores. Lees pensando en las historias, en las capas del personaje, pero ahí están las pistas: el humor, la oralidad y se trata de ver qué de lo que funciona en el texto de origen puede funcionar en el texto en español“.

Agrega: “A veces, si trabajas más de cerca con gente que está pensando en un proyecto particular, sí te pide cosas específicas, como conservar algunos nombres en la lengua original o hacerlos más fáciles pasándolos al español. Lo que sí creo que es muy importante es, idealmente, leer junto con actores y actrices los textos, como para irlo probando y poder ajustar esas cosas que de pronto tú no ves, pero sí lo ven los especialistas de la escena: cosas que tienen que ver con la acción, con capas, con tonos que pudieron escaparse y que tú ves que ellos completan. Y ajustar palabras para que no se tropiecen al pronunciarlas”. Este convivio entre la página y la escena sucedió recientemente con la publicación y posterior escenificación -a cargo de la directora Marcela Castillo– de la obra de la dramaturga belga Celine Delbeq, El niño salvaje.

Juan Carlos Franco es dramaturgo, director y periodista cultural y editor. Desde esas trincheras ha enfrentado también la traducción de textos del inglés al español, como Shopping and Fucking de Mark Ravenhill. Para él, “un buen traductor teatral necesariamente tiene que ser un excepcional lector y tiene que tener algún tipo de técnica o conciencia teatral. Siento que los mejores traductores de teatro deberían ser también dramaturgos o tener una formación por ese lado. Creo que la formación de la traducción para teatro tiene una relación muy estrecha con la dramaturgia, con su técnica y sus aproximaciones.”

Añade: “Siento que la traducción es una a una parte de la maquinaria teatral, de producción y de creación que no se le toma en cuenta lo suficiente y eso se nota bastante en escena. Hay obras en las que la traducción es muy deficiente; rara vez lo es por una deficiencia de lenguaje, sino más bien se debe a que la traducción necesita hacerse ciertas preguntas que solo se adquieren con la práctica y que tiene que ver con un factor de adaptación que es propio de la poesía y de la dramaturgia. Para mí la traducción es como un rompecabezas a solucionar y mientras más herramientas tengamos se soluciona mejor y quizás también más fácil. Y ese rompecabezas son palabras, expresiones y traslaciones de imágenes y metáforas hacia otra cultura: a la nuestra”.

El problema, enfatiza Franco, es que sigue haciendo falta la justa visibilización de esta labor: “Valdría la pena que en esta industria siguiéramos la corriente que está empezando a moverse en la literatura de empezar a poner en el póster, en la marquesina, en la portada del libro, el nombre del traductor. Eso es muy importante, porque básicamente es un cocreador de la pieza”, remata Franco, quien aguarda a que el siguiente año se ponga en escena su traducción de la aclamada pieza británica La herencia de Matthew López, bajo la dirección de José Manuel López Velarde.

Finalmente, Fernanda del Monte nos comparte un poco del proceso de traducción de Cleansed de la británica Sarah Kane, que se estrenará a finales de este año bajo la dirección de Sixto Castro. Para ello, ha partido no solamente de su expertise como dramaturga, sino también de su calidad de investigadora y dramaturgista: “Lo que me interesaba era mantener la voz de Sarah Kane. Como la he estudiado mucho, he estudiado sus obras e hice una versión libre de su obra Psicosis 4:48, en ésta ocasión me parecía que la traducción debía ser muy cercana al tono, a la voz, a la escritura y al texto frío y sintético de algunos de sus personajes. Leí algunas traducciones al español de España que a mi parecer la convertían en una escritura torpe. Entonces decidí cuidar mucho la sintaxis, que el tempo del diálogo fuera casi el mismo, que se mantuviese el ritmo del diálogo, pues eso es fundamental en la dramaturgia: una escribe a partir del ritmo, de la sintaxis y, cuando eso se pasa a otro idioma, puede perderse”.

La traducción teatral se ha enriquecido con los aportes de figuras literarias como Sergio Pitol, Margo Glantz, José Emilio Pacheco, Carlos Fuentes, Esther Seligson, Federico Campbell, Luis Zapata y Juan Villoro, entre otros, así como de profesionales de la traducción literaria como, por ejemplo, Pilar Sánchez Navarro, Claudia Cabrera y Adrián Chávez.

Dramaturgos como Gabriela Román, Edgar Chías, Alberto Castillo, Ileana Villarreal, Paulina Barros Reyes Retana, directores como José Sampedro, Joe Rendón, Alejandro Villalobos y actores como Tina French, Jerónimo Best, Roberto Cavazos, Fernando Canek, Violeta Sarmiento, Francia Castañeda, Olinda Larralde, Beatriz Luna, Juan Carlos Medellín, José Antonio Falconi, entre otros, han permitido que conozcamos en nuestra lengua obras importantes.

Destaca la constancia del director Miguel Septién y también del actor Enrique Arce -quienes lo mismo han traducido textos que musicales- y de la también dramaturga y directora Paula Zelaya Cervantes y de las también actrices Pilar Ixquic Mata, María Renée Prudencio, Stefanie Weiss y Ana Graham; esta última, junto a Antonio Vega ha logrado sostener por más de veinte años una compañía teatral anclada en la traducción de textos contemporáneos -algunos de ellos en colaboración con Weiss-, como lo demuestra el reciente montaje de La reina de belleza de Leenane de Martin McDonagh.

En cuestiones de musicales, algunos traductores notables, amén de los ya mencionados, del ya desaparecido Marco Villafán y de la legendaria Julissa, son dignos de mencionar Susana Moscatel y Álvaro Cerviño.

No son los únicos, pero tampoco son muchos más, o quién sabe. Aunque cada vez más los gremios y las agrupaciones de traductores promueven visibilización del traductor tanto en los libros como en carteles y programas de mano, la realidad es que todavía hay una deuda al respecto con quienes ejercen este oficio.

Ojalá que así como hay un interés continuo en productores, directores, dramaturgos, y actores por traer a nuestra lengua textos clásicos a novísimos de distintos puntos del planeta, sea también un interés de productores, publirrelacionistas, periodistas e investigadores el hacer valer el crédito y la visibilidad del traductor, ese traidor cuyas traiciones son más bien dones para nuestro teatro y, por qué no decirlo, para el teatro de todo el mundo.

Por Enrique Saavedra, Fotos: María Fernanda Pérez, Fernanda Olivares

Regina Blandón debuta como el primer Emmanuel drag king en MENTIDRAGS

Este jueves debutó Regina Blandón en el papel de Emmanuel en Mentidrags. Los encargados de dar la bienvenida a la actriz a la compañía fueron José Manuel López Velarde, autor y productor de la obra, y Óscar Carnicero, también productor. El dramaturgo dijo, que –también a nombre de sus socios Gou Producciónes y BoBo – se trataba de “celebrar esta noche importantísima”.

Al finalizar la función Regina Blandón agradeció la invitación a formar parte del montaje. En este sentido dijo que es un sueño compartir el escenario con el elenco de Mentidrags. En su función de estreno Regina actúo al lado de Jerry Velázquez, Fher Soberanes, Regina Voce y Rogelio Suárez.

La actriz se integra a la obra como el primer Emmanuel drag king. Su vestuario, destacó Óscar Carnicero, fue totalmente diseñado por José Manuel López Velarde.

Como padrino de Regina estuvo Alan Estrada, quien dijo a la actriz que disfrutó ver como brilló en el escenario. Destacó su interpretación y agregó: “Si algo me mueve el corazón es ver cómo te quiere la gente, eso es porque te lo mereces, porque has trabajado muchos años”.

El actor y cantante señaló que es muy importante que Regina Blandón forme parte de una obra como Mentidrags. “Eres una aliada de la comunidad, lo que haces en redes, cómo le das voz a mucha gente que no tiene el alcance que tú tienes”, agregó.

Ademá,s subrayó que el arte drag ya está mucho más allá de la vida nocturna. En este sentido, consideró: “El arte drag ya está presente en donde se merece. En muchos escenarios, en la música, en el teatro, en el arte, y por supuesto puede estar también cerca de los niños, aunque mucha gente piense que no, el arte drag puede ser educativo”.

Para más información del montaje, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro. 

Cinco datos sobre LA CASA DE BERNARDA ALBA que te sorprenderán

Federico García Lorca es una figura fundamental de la literatura española y latinoamericana, de la literatura universal. Estamos a unos días de que se cumplan, entre el 18  y el 19 de agosto, 87 años del cobarde asesinato que le quitó la vida al poeta y dramaturgo andaluz.

Al hablar de la muerte de García Lorca, el poeta mexicano Efraín Huerta compartió en un ensayo periodístico, titulado “El mar y la muerte de García Lorca”, lo que como “revolucionario y artista” sintió ante la noticia. Ahí escribe el poeta mexicano que los fascistas consideraron al autor enemigo de la “sagrada causa civilizadora”. Continúa diciendo que creyeron cubrirse de gloria asesinando “a uno de los hombres más inteligentes del mundo, uno de los mejores dramaturgos del mundo, a uno de los más grandes líricos de los últimos tiempos”.

La obra de García Lorca es inmensa y potente. Entre las obras de teatro que el autor escribió se encuentra la ya clásica La casa de Bernarda Alba. Una obra que narra la historia de la tiránica Bernarda y sus cinco hijas, a quienes pretende imponer un luto de 8 años por la muerte de su último esposo. Llena de poesía y simbolismos, nos habla desde la España conservadora y rural de principios del siglo XX. Muchos expertos han visto en la obra una alegoría de lo que en el momento de ser escrita se fraguaba en España y que desencadenaría la guerra civil. También  ven en ella un canto a la búsqueda de la libertad.

Te contamos cinco datos sobre este maravilloso texto del poeta español.

1. La obra fue la última que escribió Federico García Lorca. El autor escribió la obra en 1936, y poco después fue fusilado por tropas sublevadas contra la Segunda República española. La guerra civil española estalló el 17 de julio de ese año, y el poeta fue ejecutado la madrugada del 18 de agosto bajo la acusación de “ser espía de los rusos, estar en contacto con estos por radio, haber sido secretario de Fernando de los Ríos (destacada figura del socialismo español) y ser homosexual”. En la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes se puede consultar un manuscrito original de la obra, fechado el 19 de junio de 1936, un mes antes de su muerte.

2. Parte de una trilogía. El célebre texto es parte de una trilogía junto a otras dos conocidas obras del autor: Bodas de sangre y Yerma. Juntas conforman la llamada trilogía de las tragedias.

3. Nueve años de espera. La casa de Bernarda Alba se publicó y se representó por primera vez en 1945 en Buenos Aires, Argentina. El papel de Bernarda Alba lo interpretó Margarita Xirgú, actriz y directora española muy vinculada con la obra de García Lorca. La actriz al momento del asesinato del autor se encontraba en México montando Yerma. En 1939 cuando Franco toma el poder, la actriz vivía en Argentina y decide no volver a su país. La obra se presentó en España hasta 1950.

4. La obra española más montada en el mundo. García Lorca es el poeta español más leído. Además, La casa de Bernarda Alba es la obra escrita en castellano que más se monta en el mundo. Es difícil obtener cifras al respecto, pero la obra ha tenido montajes en inglés, alemán, japonés, ruso, entre muchos otros, y se ha traducido incluso a caracteres chinos no simplificados.

5. Una obra, infinidad de versiones. La obra, como ya mencioné, se ha montado en muchos lugares, y también de muchas formas. Existen desde montajes con elencos totalmente compuestos por hombres hasta versiones musicales de la obra. Ejemplo de esto es la versión de 2006 de Michael John LaChiusa que se presentó en Off Broadway. Sin embargo, México es pionero en ello, en 1996 Fred Roldán produjo en el Foro de la comedia La casa de Bernarda Alba, el musical, interpretada solamente por hombres. Actualmente un nuevo montaje de esta obra, adaptada por Alexandro Celia, se presenta en el Teatro Wiblerto Cantón, bajo la producción de Mauricio Roldán.

Ya conoces un poco más de este texto fundamental, así que no pierdas la oportunidad de verlo en cualquiera de sus versiones.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía de La casa de Bernarda Alba, el musical.

 

“No existía antes una Dorothy glamorosa”: Entrevista con Víctor y Jesse, diseñadores de vestuario

El vestuario de El Mago, que actualmente se presenta en el Teatro Hidalgo, cuenta con más de 230 piezas espectaculares realizadas por Jair Campos. Sin embargo, el vestuario de la protagonista, Lucero Mijares, es una creación realizada por Víctor y Jesse, diseñadores que han vestido a muchas celebridades y han realizado vestuario para series, programas de televisión y teatro.

Se trata de una pieza, nos comentaron en entrevista los diseñadores, que tomó 160 horas de trabajo de un equipo integrado por 10 personas. Este equipo, señalan, trabajó en este elaborado diseño desde su concepción hasta la finalización de la pieza.

Entre los trabajos que han realizado Víctor y Jesse se encuentran el vestuario de series como Monarca, Diablero, El juego de las llaves, Señorita 89 y Narcos México. En teatro participaron en la creación de piezas del vestuario de José el soñador, entre ellas las de Carlos Rivera y Kalimba.

La experiencia de trabajar en El Mago, comparte Víctor, ha sido maravillosa y espectacular. “Ante todo, lo más importante para nosotros fue la libertad con la que nos dejaron trabajar y crear la pieza que quería el productor y el director”, nos dice.

Sobre el vestuario de Dorothy, interpretada por Lucero Mijares, Víctor comenta que si bien el personaje no es festivo en la idea original, para este montaje buscaron crear algo “mágico”.

Jesse coincide con lo anterior y señala: “Es una pieza que no existía en el planteamiento dramático. No existe ese cambio de vestuario, no existía antes una Dorothy glamorosa y festiva, como lo querían Juan Torres y Lucero. Entonces, sí fue una tarea complicada aterrizarlo, y después de sacar la idea”.

Los diseñadores nos explican que su inspiración fueron los vitrales. Se trata de una representación gráfica que cuenta una historia, lo cual hizo que esto hizo que el proceso de elaboración fuera complejo.En este sentido, destacan, el objetivo era lograr lo que se planteó desde las primeras reuniones de producción, “que el vestido tuviera estos efectos de luz a la hora de determinados números dentro de la puesta”.

El primer acercamiento al diseño de vestuario para teatro de Víctor y Jesse fue José el soñador. Nos platican que esto se dio de manera fortuita, pues originalmente ellos iban a vestir solamente el personaje de La narradora, que en su momento interpretaría Yuri. Sin embargo, por la pandemia y distintas circunstancias, Yuri no participó en el proyecto, con lo que pensaron que ellos quedarían fuera también. Cuando se retomó el proyecto el equipo de producción decidió incluir la dupla de diseñadores para vestir a Fela Domínguez, que interpretó a La narradora. “Ya en el proceso de hacer a Fela Domínguez nos integramos también con Carlos Rivera y con Kalimba, luego hicimos también a Erik y a Leonardo, y ya nos fuimos involucrando con más personajes de la obra”, narra Jesse.

Al respecto, Víctor destaca que si bien también en ese proyecto tuvieron libertad creativa, ya que era un montaje nuevo, los estilos ya estaban más establecidos. “El director creativo ya tenía claro cómo veía a los personajes”, dice.
Para diseñar para teatro, nos explica la dupla de diseñadores, se deben tomar en cuenta diversos factores y sobre todo la funcionalidad en la puesta en escena. “Diseñar para teatro es totalmente diferente a todo lo que hacemos, porque al final del día el cliente no es quien usa la ropa”, destaca Jesse. El cliente es el dramaturgo, el director y el productor, agrega.

Un aspecto muy particular que han encontrado en el diseño para teatro es que se requiere “aterrizar la idea que tienen los creativos para que haga match con lo que el director ha hecho, y con lo que el público va a percibir”, explica Jesse.

El teatro, consideran los diseñadores, les ha permitido desarrollar una parte creativa que tenían dormida, la cual “ni siquiera pensábamos en la posibilidad de hacerlo hasta que llegó esta gran oportunidad (José el soñador)”.

El diseño de vestuario teatral ha permitido a Jesse y Víctor entrar en un proceso totalmente distinto. En el cual el uso de los materiales, la durabilidad y muchos otras cosas se tienen que tomar en cuenta. Es, nos dicen, totalmente diferente de lo que se hace para un show o un programa de televisión. En este sentido, destacan: “Las piezas tienen que durar mucho, tienes que considerar la iluminación, diseños de iluminación, y hay que hacer muchas pruebas, para poder llegar y aterrizar bien qué funciona dentro de la puesta en escena”.

Finalmente, nos adelantan que ya tienen una nueva propuesta para trabajar en otra puesta en escena. Si bien no nos dicen en cuál, nos adelantan que se trata también de un musical y la oferta es que vistan a toda la compañía. Se trata, nos dice Víctor, “de una obra a la que le tenemos mucho cariño de manera personal”.

Para más información de El mago, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Pin Point.

 

3 razones para ver TODOS ERAN MIS HIJOS

Las grandes historias, las que permanecen, casi nunca hablan solamente de lo evidente. Sus personajes, sus anécdotas, normalmente son una parábola o una alegoría sobre otros temas. Eso hace a una obra universal, el que sea capaz de traspasar fronteras y épocas.

Héroes que tardan 20 años en encontrar su camino a casa, príncipes que desean vengar la muerte de su padre, pueblos que ante la injusticia se unen, detrás de esas historias siempre hay subtextos, imágenes y símbolos que nos remiten a otros temas. De eso están hechos los textos que sobreviven al paso del tiempo.

Uno de estos textos es Todos eran mis hijos, escrita en 1947 por el dramaturgo estadounidense Arthur Miller. Actualmente, en el Foro La Gruta se presenta una versión de este clásico del realismo americano. Te platico tres razones por las cuales debes ver este montaje.

1. Por la fuerza de su texto y lo que nos dice. En esta tradición de las historias que sobreviven al tiempo y se mantienen vigentes se encuentra Todos eran mis hijos. La anécdota de una familia en la que un secreto se devela y pone de manifiesto sus temores, la manera en que han construido sus vínculos y relaciones, y sus aspiraciones, es solo el punto de partida para hablar de algo más grande. La obra no solo habla de una familia en los Estados Unidos de la postguerra en un entorno semirural, hos habla sobre todo de lo ético y lo moral, de un sistema en el que lo injustificable se puede justificar si se disfraza de éxito. Nos habla sobre las consecuencias de nuestros actos, sobre la responsabilidad que tenemos en lo individual y como miembros de una sociedad.

2. Un elenco a la altura del texto. Arcelia Ramírez y José del Río encabezan un elenco que llena con fuerza al Foro La Gruta. Un montaje así requiere de actuaciones precisas, más cuando toda la propuesta está apoyada fundamentalmente sobre el texto. Ana Guzmán, Gonzalo de Esesarte, Fabiola Villalpando, Nicolás Pinto, Angélica Bauter, Evan Regueira y Eugenio Rubio mantienen por cerca de tres horas una historia intensa que requiere de total concentración y potencia.

3. Un montaje que respeta y se apoya principalmente en su texto. La dirección de escena pasa por tomar decisiones complicadas. En este caso, montar Todos eran mis hijos en una puesta limpia, con solamente los elementos escenográficos indispensables en un espacio íntimo, es una decisión – a mi parecer- acertada, pero que implicaba cierto riesgo. El texto de Miller es un texto que tiene potencia, respetarlo por completo y apoyarse fundamentalmente en él y en el elenco resulta en una propuesta equilibrada, que establece un vínculo con su público. Sin duda un acierto de Diego del Río, quien dirige el montaje.

Así que si te gusta el realismo y los textos potentes con interpretaciones intensas Todos eran mis hijos es para ti. Siempre es un placer regresar sobre las obra de Arthur Miller, y esta es una oportunidad para ello. Es, además, una oportunidad de iniciar tu semana con teatro, ya que la obra tiene funciones los lunes y martes. Finalmente, otra razón extra que te puedo dar es que se trata de la séptima obra seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro.

Para más información, horarios y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Los Colochos Teatro celebra 13 años de existencia con residencia en el Foro Shakespeare

Los Colochos Teatro anunció su residencia en el Foro Shakespeare para celebrar 13 años de existencia de la agrupación y los 40 años del recinto. La residencia estará integrada por tres de los cuatro montajes que la compañía tiene en su repertorio: Silencio, Mendoza y Reina.

En conferencia de prensa Erandeni Durán, Mónica del Carmen, Marco Vidal y Juan Carillo, integrantes de la compañía, ofrecieron los pormenores de su residencia. Con estos montajes, Colochos Teatro, considera, se probará como una compañíá de repertorio.

Juan Carrillo destacó que la compañía cumple 13 años el 25 de agosto. La compañía “nació por inquietudes teatrales, inquietudes políticas un poco, inquietudes expresivas“, explicó. En sus inicios participaron en el proyecto de Salas de Urgencia , del cual, dijo Carrillo, “creo que somos hijos”. El proyecto fue un laboratorio iniciativa del Sistema de Teatros y consistía en realizar exploraciones escénicas en las casas de los espectadores. Ahí pudieron experimentar muy cerca del espectador, que en ese ámbito de confianza realizaba críticas objetivas y duras. Este proceso, dijo, los marcó y fue un parteaguas porque fue la antesala para el proyecto que los consolidó como compañía: Mendoza.

Mónica del Carmen destacó que Mendoza es un Macbeth adaptado a la Revolución Mexicana. La obra, dijo la actriz “resume la historia de este país”. Nos da la oportunidad, agregó, “de conmovernos y horrorizarnos en comunidad y hacer una reflexión sobre lo que se avecina si seguimos enalteciendo a los gobernantes”.

Por su parte, Erandeni Durán habló sobre Silencio, un Otelo que sucede en un contexto médico. La obra además contará con traducción simultánea a Lengua de Señas Mexicana (LSM).

Finalmente, sobre Reina, Marco Vidal comentó que es la adaptación de la compañía de El Rey Lear, en la cual “hemos convertido al Rey Lear en reina”. Al respecto destacó que una de las características de Colocho Teatro está “en retar las convenciones espaciales, textuales, del contexto de la relación que tenemos artistas mexicanos con lo que nos está rodeando”. Esta versión, consideró, que despierta más preguntas importantes que dar conclusiones.

Los Colochos Teatro nos hablan un poco de cómo ha cambiado la resonancia de estos textos después de 13 años.  Nos comentan que arrojan “material para que cada quién, de alguna manera, fuera de la estructura general, se lleve el espectáculo que desea ver“.  En este sentido,  señala Juan Carrillo, sus montajes  cambian más por una necesidad expresiva teatral que por una necesidad política social, pues en esto último no han habido muchos cambios.

Con lo anterior coincide Marco Vidal al señalar que la compañía tiene una búsqueda sobre lo que desean decir. Ésta se ha ido modificando, agregó, en el diálgo con el público. En Shakespeare, considera, han encontrado la facilidad de que es “absolutamente humano. Ahí lo político pasa a ser parte de  este universo total, pero yo creo que nuestra búsqueda es, en  primera instancia, mucho más estética que política”.

Silencio, es un montaje a partir de Otelo de William Shakespeare, realizada por Juan Carillo, Mónica Portillo y Martín Becerra, bajo la dirección de Juan Carrillo. Mendoza, a partir de Macbeth del bardo inglés, en una versión de Antonio Zúñiga y Juan Carillo, también bajo la dirección de Carrillo. Reina, es una obra a partir de El Rey Lear de Shakespeare con una versión de Marco Vidal, bajo la dirección de Juan Carrillo, y contará con la actuación de Paloma Woolrich.

Por Óscar Ramírez Maldonado. Foto: Cartelera de Teatro

5 datos curiosos de Sergio Blanco, autor de BARBARIE y LA IRA DE NARCISO

Sergio Blanco es uno de los dramaturgos latinoamericanos más reconocidos en la actualidad. El director franco-uruguayo radica en París. En varias ocasiones ha dicho que su lengua materna el español y su lengua “paterna” el francés.

En su carrera ha recibido diversos reconocimientos, entre ellos el Premio Nacional de Dramaturgia del Uruguay, el Premio de Dramaturgia de la Intendencia de Montevideo, el Premio del Fondo Nacional de Teatro, el Florencio como mejor dramaturgo, el Premio Internacional de la Casa de las Américas. Sus obras Tebas Land y La ira de Narciso han obtenido el premio británico Award Off West End en Londres. Barbarie obtiene en 2010 la primera mención en el Premio Internacional Casa de las Américas.

Actualmente en la cartelera de la Ciudad de México se encuentran Barbarie, en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del CCU, y La ira de Narciso, en el Teatro La Capilla. Aquí te platicamos sobe cinco datos curiosos sobre el autor de estos montajes.

1. El autor escribió en 2015 Ostia, una obra que habla de la relación entre una hermana y un hermano. El nombre hace alusión a una ciudad costera italiana, en la cual en 1975 fue asesinado, en circunstancias poco claras, el cineasta Pier Paolo Pasolini. Este texto, como muchos del autor, es una autoficción, y por su deseo expreso esta obra solamente la pueden interpretar él y su hermana Roxana Blanco.

2. El manuscrito de su obra Cuando pases sobre mi tumba (2019), fue escrito con tinta mezclada con polvo de sangre de un toro que murió en una corrida. Con esta mezcla “dibujó”, durante dos meses por siete horas diarias, las palabras de la obra. La obra finalmente llenó cinco cuadernos, los cuales ha dicho el dramaturgo, se expondrán en unos años en el Museo de Arte Moderno (MoMa) de Nueva York. Finalmente este texto, al ser transcrito en ordenador y convertirse en el texto final, ocupó 51 cuartillas.

3. Las obras de Sergio Blanco se han traducido a diversas lenguas y se han publicado en varios países. Sus montajes han participado en festivales internacionales y sus obras se han montado en los cinco continentes. Esto hace de Sergio Blanco uno de los dramaturgos en lengua española que más se representa en la actualidad.

4. En 1993 recibe una beca para estudiar dirección teatral en la Comédie Français; para 1998 se radica definitivamente en París. Su sueño con la capital francesa, ha contado el autor, comenzó en su adolescencia. En alguna entrevista ha señalado que el día en que llegó a París supo que no se iría. En su juventud, ha dicho, “era una especie de Madame Bovary que no pensaba en otra cosa más que en París” (Página 12, 23 de abril de 2017).

5. Su primera obra la escribe y la dirige en 1991: Vida y muerte del rey Ricardo III, una adaptación del texto de Shakespeare. Siendo estudiante en la Facultad de Humanidades, filología y lingüística decide montar una obra y llama a su hermana Roxana Blanco, quien es actriz y por la cual tuvo sus primeros contactos con el teatro, y al actor Roberto Suárez. El resultado es esta adaptación que recibe el premio Florencio Revelación, el cual lo beca en Francia.

Ahora que ya conoces más sobre este autor franco-uruguayo no pierdas la oportunidad de ver alguna de sus obras. Sergio Blanco se ha desarrollado principalmente en la autoficción.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro. 

3 razones para ver JULIETA TIENE LA CULPA

¿Qué tienen en común una ama de casa, una estudiante de teatro y una profesora sin trabajo? Esa es la premisa de Julieta tiene la culpa, un montaje que provoca, desafía, pero sobre todo, nos invita a reconstruir a Nora, Nina y Blanca, tres personajes escritos por Chéjov, Tennessee e Ibsen.

Esta obra estrenó en 2021 en Teatro Helénico, después pasó al Foro Sor Juana Inés de la Cruz de Teatro UNAM e incluso cruzó las fronteras, al ofrecer una temporada en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo en Colombia y ahora regresa a la CDMX para ofrecer una breve temporada.

Si no has visto este montaje, aquí te damos 3 razones para que te lances a verla en el Teatro López Tarso:

1.Bárbara Colio. La dramaturga y directora Bárbara Colio se dio a la tarea de escribir este montaje que plantea un encuentro fortuito entre tres figuras femeninas, icónicas de la literatura universal, quienes se ven obligadas a convivir y debatir sobre sus visiones de la vida. La valía de la propuesta es que no es necesario conocer sus historias, ni siquiera haber leído las obras, pues la autora las presenta como mujeres que podemos reconocer en el día a día.

2. Mujeres poderosas. El elenco que conforma el montaje incluye a tres imponentes mujeres que rompieron con los estereotipos de su época. Verónica Merchant (Blanca), Carmen Mastache (Nora) y Sofía Sylwin (Nina) brillan en cada intervención sin opacarse entre sí, y logran transitar entre diversas emociones, y al mismo tiempo nos atrapan con su gentileza, cinismo, moralidad.

3. Una obra para todos. Si bien es una obra que se presenta al inicio bajo una óptica femenina, no es exclusiva para las mujeres, ya que uno de los temas centrales que se muestran es el deseo, una condición inherente de todo ser humano. Es así como el mensaje se potencializa, esperando que haga eco en los espectadores.

Julieta tiene la culpa ofrecerá una corta temporada con funciones todos los miércoles en el recinto ubicado en el Centro Cultural San Ángel, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

5 propuestas en temporada en el Teatro Xola Julio Prieto

El Teatro Xola Julio Prieto está ubicado en una de las zonas más buscadas por los habitantes de CDMX para vivir, gracias a su cercanía con importantes vías de acceso, parques, áreas verdes, comercios, pero, sobre todo, recintos culturales.

El espacio fue inaugurado el 19 de mayo de 1960 con la obra Marco Polo, de Eugene O’Neil, dirigida por Ignacio Retes, con la actuación de José Gález, José Elías Moreno, Claudio Brook y Leonor Llausás, y desde entonces ha albergado un sinfín de propuestas de todos los géneros.

Aquí te dejamos una selección con algunas de las obras que puedes disfrutar en actualmente:

El cuidador o ¡Mamá, las llaves del coche no van en el refri! Este unipersonal escrito, dirigido y actuado por Sergio Ochoa que nos habla sobre el amor y la memoria. Donde el actor nos narra las vicisitudes que atravesó como cuidador de su madre, la también actriz Leonorilda Ochoa, quien falleció a causa del Alzheimer. La obra se presenta los martes hasta el 19 de septiembre.

Niño perdido. Escrita por Quecho Muñoz, esta obra nos confronta con nuestro niño interior al hablar de aquellos sueños frustrados e ilusiones que dejamos de lado, nos convertimos en adultos, y nos invita a creer que los milagros sí existen. La obra lleva 7 años en cartelera, con funciones todos los miércoles.

12 princesas en pugna. Una comedia muy ácida sobre el mundo de las princesas de Disney, donde nada es lo que parece, es la propuesta de Quecho Muñoz, que cuenta con 12 años en cartelera que fueron interrumpidos por la pandemia. Uno de los grandes aciertos de la puesta es que no es un montaje estático, sino que ha evolucionado con el paso del tiempo. Las funciones son todos los jueves.

Lavar, peinar y enterrar. Historias de una estética en serie. Escrita por el dramaturgo español Juanma Pina, dirigida por Pilar Boliver, esta comedia de humor negro está colmada de momentos hilarantes y un tanto increíbles, que nos incitan a buscar aquellos cádaveres que escondemos en el sótano, o baúl. Se presenta los viernes hasta el 25 de agosto.

Busco al hombre de mi vida, marido ya tuve. Una comedia que regresó a los escenarios nacionales con figuras emblemáticas de la pantalla chica como Isabella Camil, Anna Ciocchetti, Olivia Collins, Lourdes Munguía, Ivonne Montero. De ahí su gran aceptación entre el público, quienes acuden cada fin de semana a reír con las diversas situaciones que atraviesan este grupo de mujeres intentando encontrar al amor de su vida. Las funciones son sábados y domingos.

Cómo verás, la programación que te brinda este recinto es bastante nutrida, si quieres conocer otras opciones, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción/ Luis Quiroz 

3 razones para ver EL INTERCAMBIO

El intercambio es una comedia escrita por el español Ignacio Nacho. En España este texto se estrenó la versión teatral casi simultáneamente a que era rodada la versión cinematográfica. En la Ciudad de México, actualmente se puede ver la versión mexicana de este texto, la cual se presenta en el Teatro Jorge Negrete y es una adaptación realizada y dirigida por Freddy Ortega.

El elenco de este montaje está integrado por Gerardo González, Anahí Allue, Mauricio Barcelata, Moisés Suarez, Julls Granados, Melissa Ortega y Christian Diez.

Esta puesta en escena nos narra la historia de Jaime y Eva, que para celebrar su 15 aniversario de casados decidieron participar en un intercambio de parejas. Las situaciones divertidas comienzan cuando se dan cuenta que ni Máximo ni Dómina –la pareja con la que realizarán esta experiencia- son la pareja que imaginaban. Esta anécdota sencilla es el punto de partida para narrar la historia.

Te contamos tres razones por las que puedes ver esta comedia.

1. Humor directo y desenfadado. Como en gustos se rompen géneros es importante, antes que nada, aclarar que El intercambio es una comedia de gags. El humor que maneja la adaptación echa mano de doble sentido y palabras que algunas personas pueden considerar no aptas para todo público. Una vez aclarado esto, te platicamos que se trata de una adaptación para México del texto español. Es un humor que funciona bien si gustas del humor directo y desenfadado, o estás de ánimo para reír con la comedia que caracteriza a los exitosos Mascabrothers.

2. Un elenco equilibrado. Todos los intérpretes sobre en escena cuentan con experiencia en teatro, lo que les permite resolver de buena manera sus personajes y hacer reír al público. Sin embargo, es justo hacer un reconocimiento especial para Gerardo González, Anahí Allue y Moisés Suarez. Los tres tienen una larga y muy sólida carrera teatral, los podemos ver tanto en obras de sala como en musicales. Tres intérpretes que el público siente cercanos y que son garantía de calidad en el escenario.

3. Un ritmo que se mantiene. La obra logra mantener al público atento, entre otras cosas, por su ritmo. En las comedias de este género es necesario un buen timming en cada uno de sus segmentos, en el cierre de cada intercambio entre sus personajes y entre cada segmento y el resto del montaje. Freddy Ortega, sin lugar a dudas, conoce y maneja bien estos tiempos y sabe transmitirlo en la dirección que realiza del montaje.

Ya lo sabes, sieste tipo de comedia es lo tuyo, no debes perderte El intercambio, seguramente te hará pasar un rato divertido.

Para más información, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

3 razones para ver AVISTAMIENTO DE BALLENAS

El amor es algo que nos toca a todos. ¿Pero cómo sucede? ¿Hay recetarios e instrucciones en este proceso? ¿El amor es cosa de causalidades o de casualidades? ¿Cómo nos transforma? De todo esto y más habla Avistamiento de ballenas. un montaje divertido, que toca temas que – a través del humor – nos llevan a la reflexión.

Bajo la dirección y dramaturgia de Angélica Rogel, la obra cuenta con las actuaciones de Gabriela Guraieb y Raúl Villegas. La convención que se nos plantea en escena es que estamos ante una actriz y un actor explorando en un laboratorio escénico el amor y sus causas. A partir de ello la audiencia se vuelve partícipe del montaje

Aquí te platico tres razones por las que debes ver Avistamiento de ballenas.

1. Un juego escénico. El montaje utiliza distintas herramientas para narrarnos una historia que habla de territorios personales y relaciones amorosas. A través de algunas interacciones con el público, rompiendo la cuarta pared, y algunos elementos de improvisación esta obra indaga en hasta dónde el público puede involucrarse en el proceso creativo. Un juego que se vuelve realmente disfrutable. No, no te preocupes, no te subirán al escenario ni tendrás que hacer nada, tal vez solamente contestar un par de preguntas que ayudarán al desarrollo de la historia.

2. Complicidad sobre el escenario. Gabriela Guraieb y Raúl Villegas interpretan sobre el escenario a Nadia, que a su vez interpreta a Silvia, y a Fede, que a su vez es Tony. La química entre ambos es innegable. Esto genera una complicidad especial sobre el escenario, el público se siente cómodo y se involucra. La obra fluye naturalmente a través del estupendo trabajo de Gabriela y Raúl.

3. Un territorio creativo lleno de propuesta. El equipo creativo, encabezado por Angélica Rogel, logra – como dice la propia directora – sumar en este proyecto. “Cada una de ellas ha llegado a este territorio creativo con propuestas y con herramientas para construir un hermoso lugar”, dice en el programa de mano la directora. Todos los elementos, desde la iluminación, la escenografía y un baterista en vivo, Homero Torres, juegan a favor del montaje. Todos estos factores crean una experiencia para el espectador.

Ya lo sabes, si quieres reírte y pasar un buen rato con una obra un poco diferente, este montaje es una opción. Además, se presenta los martes, el pretexto perfecto para iniciar la semana con teatro.

Para más información, horarios y boletos haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Héctor Ortega.

Inicia temporada FIN DE PARTIDA, profético texto de Samuel Beckett

Constantemente escuchamos o leemos que Samuel Beckett es un clásico del siglo XX. Sin embargo, este siglo XXI bien podría otorgarle ya –con toda justicia – el rango de un clásico, sin ninguna otra etiqueta.

Beckett no solamente escribió teatro, no hubo género literario en el que no incursionara, incluso, escribió para radio, televisión y cine. Los dos pilares de su obra, Esperando a Godot (1953) y Fin de partida (1957), hoy todavía resuenan. Con 70 años de existencia el primero, y el segundo con 66, ambos siguen siendo poderosos y vigentes. El autor irlandés vio con claridad hacia dónde se dirigía la sociedad y el mundo.

Precisamente ayer estrenó en el Teatro el Granero, Xavier Rojas el montaje de Fin de partida, realizado por la compañía El Ghetto, fundada por Agustín Meza. En ella 4 personajes en un ambiente cerrado, en un mundo devastado, acabado y estéril, nos hablan de la condición humana. Diálogos absurdos que no lo son, que con humor negro profundizan en los dilemas que como individuos y como miembros de un colectivo enfrentamos.

Agustín Meza dirige a Luis Alberti, Medin Villatoro, Alejandro Obregón y Rosario Sampablo. Desde que el público ingresa al foro, con el escenario dispuesto en el centro, lo recibe un fuerte olor a incienso y sabe que está ante una propuesta que es a la vez un homenaje y una interpretación propia. Los elementos en el escenario y el elenco inmediatamente nos conectan con la imagen que el texto del autor ha dejado en la mente de quien lo haya leído.

El texto de Beckett tiene una belleza profética en sus palabras, es desolador y divertido simultáneamente. El diseño de escenografía e iluminación, realizado por Carolina Jiménez posee una estética propia, pero que irremediablemente nos remite a un ambiente profundamente beckettiano. Lo mismo sucede con el vestuario y con la música, compuesta e interpretada en vivo por Steven Brown. Todos los elementos toman y dan vida a partir del texto del autor.

La obra tendrá una corta temprada en el Centro Cultural del Bosque, con funciones los lunes y los martes hasta el 19 de septiembre. Simultáneamente, a partir del 21 de agosto y hasta el 3 de septiembre, tendrá funciones en el Teatro El Milagro de jueves a domingo.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

 

 

 

4 obras que reinterpretan la mitología griega

El teatro y la mitología están unidos desde hace miles de años. Para los poetas trágicos de la antigua Grecia los mitos fueron una fuente de inspiración constante. Desde entonces, mito y teatro han compartido muchas veces el escenario.

Desde versiones clásicas de las grandes tragedias hasta reinterpretaciones, las mitologías siguen hablando a lo más profundo de nuestra condición humana.

En la cartelera de la Ciudad de México podemos encontrar propuestas que, ya sea desde una relectura o como punto de partida para crear una progresión dramática, se inspiran en los mitos griegos.

Aquí te platicamos de cuatro de ellas.

Éxtasis Medea

La dramaturga y directora Ximena Escalante en muchas de sus creaciones ha explorado el universo de la mitología griega. En esta ocasión a partir del mito de Medea realiza una reinterpretación del mito y rescata una versión anterior al texto de Eurípides. A partir de ahí, la creadora escénica imagina cómo hubiera sido el encuentro entre la hechicera semidivina y Creúsa, la hija del Rey Creonte por quien Jasón la ha abandonado. Como en una de las versiones del Mito original, aquí Medea no asesina a sus hijos.

Actúan Carolina Politi y Ximena  González Rubio, quienes dan vida a estas dos mujeres que, para Ximena Escalante, son dos caras de la misma moneda. Éxtasis Medea actualmente está en temporada en el Foro Lucerna.

La Ira de Narciso

En este monólogo su autor, Sergio Blanco, toma el mito de Narciso como punto de partida para crear un juego en el que se nos narra un relato. El personaje es un escritor que dictará una conferencia sobre la poética en Narciso y la transformación de lo real.

Bajo la dirección de Boris Schoemann, Cristian Magaloni da interpreta al actor narrador de esta obra. La obra de Blanco es una autoficción que desde Narciso crea una compleja dramaturgia en la que Magaloni interpreta al autor y a distintos personajes. La obra se presenta los viernes en el Teatro La Capilla.

La manzana de la discordia

Desde el clown La manzana de la discordia adapta y resignifica La Ilíada de Homero, y la Guerra de Troya. Se trata de una creación colectiva bajo la dirección de Iona Weissberg y Aline De la Cruz.

El montaje es una producción de Brujas Producciones, Teatro UNAM y la DGAPA-PAPIIT de la UNAM. La Dirección General de Asuntos del Personal Académico de nuestra máxima casa de estudios, a través del Programa de Apoyo a Proyectos de Investigación e Innovación Tecnológica (PAPIIT), coproduce esta propuesta. El fin de este programa universitario apoyar y fomentar el desarrollo de la investigación y la formación de grupos de investigación.

Pero no, no piensen que irán a ver algo académico y formal, por el contrario, se encontrarán con canciones populares mexicanas, redes sociales y un humor con el que se rompe la formalidad de los textos clásicos. La obra, interpretada por Rodrigo Murray, Óscar Piñero, Jerónimo Best, Fernando Córdova y Nohemí Espinosa, se encuentra en la recta final de su temporada en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, del CCU.

Amazonas

En el Teatro María Tereza Montoya se presenta esta obra. En ella se habla de la caja de Pandora y de la participación de la reina Pentesilea en la defensa de Troya. Con ciertas libertades literarias la obra se sumerge en el mito de la caja de Pandora, de la cual no escapó la única cosa buena que habían puesto los dioses en ella: la esperanza. Amazonas busca hablar al espectador sobre la pérdida y lo que nos queda ante ella.

Esta obra escrita como por Mar Cruz, Frine Rocío y Michelle Amaro, quien también dirige, cuenta con las actuaciones de Anahí Medina, Frine Rocío, Claudia Olivia, Mafer Valencia, Vero Muñoz, Karen Gaona, Mónica Araiza, Jheraldy Palencia y Xóchitl Juárez.

 

Estas son solo algunas propuestas que actualmente abordan la mitología desde otra mirada. En nuestra cartelera puedes encontra muchas obras más de distintos géneros, te invitamos a navegar por ella. ¡El teatro te espera!

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: José Jorge Carreón / Teatro UNAM.

Lucero Mijares brilla tras lesión en EL MAGO

Lucero Mijares anunció el día de hoy ante los medios de comunicación que ya está recuperada de la fractura que sufrió hace unas semana. La actriz señaló que se siente muy contenta, muy libre y apoyada por la compañía de El Mago.

La protagonista de El Mago estuvo acompañada en conferencia de prensa por el productor Juan Torres, María del Sol, Federico di Lorenzo, Juan Fonsalido, Óscar Acosta y el director de la obra Ricardo Díaz. Se anunció que se tiene contemplado continuar con la temporada de manera regular hasta el 15 de octubre.

La actriz señaló que continuará con terapia y rehabilitación para tener su pie al 100%. En este sentido agregó que ya podrá dar funciones sin necesidad de un apoyo. Adelantó que por algunas funciones utilizará unos tenis diseñados para su personaje, y eventualmente regresará a las icónicas zapatillas.

El productor Juan Torres destacó que están listos para, después de 5 semanas de funciones que ha dado Lucero con ayuda de un carrito y una bota ortopédica, continuar por 8 semanas más con su protagonista totalmente recuperada. Sobre la cantante dijo que hizo frente a una responsabilidad “con mucho honor y con mucho valor”.

La obra, a partir de este momento, agregó su director, el público tendrá la obra en su “segunda normalidad”.  “A partir de septiembre el plan es que este teatro esté lleno para todas aquellas personas que estaban esperando verla no en la versión sobre ruedas, sino ya en versión sobre pies”, apuntó.

Sobre las críticas en redes sociales que ha recibido, Lucero dijo que ha tenido a los mejores maestros, que son sus padres. “Creo que me han educado como una joven mujer de la generación anterior, me siento afortunada porque tengo como un escudo ante eso”, agregó.

Por su parte, María del Sol sostuvo que Lucero es un ejemplo para las nuevas generaciones y para las generaciones más grandes. Al respecto, destacó que tiene “un amor, una pasión, un respeto, un compromiso con el teatro”.

Sobre El mago, señaló María del Sol, es una obra que tiene mucho esfuerzo, mucho amor y mucho trabajo. Es una obra, agregó, “que tiene un mensaje, en estos  tiempos tan difíciles que estamos viviendo” que deja al publico con la mente, el corazón y el alma llenos.

Sobre la situación que vivió la compañía, Juan Fonsalido señaló que cuando vio actuar a Lucero en carrito lo inspiró al ver su actitud. Óscar Acosta coincidió, pues considera que fue ella quien les dio fuerza para seguir adelante con este proyecto y les dio una gran lección porque los empujó a seguir adelante.

En este sentido, Fede di Lorenzo, resumió: “El personaje es una niña que tiene que resolver cosas, y estaba pasando exactamente lo que en la vida real. Una niña resolviendo cosas, con preguntas y respondiendo esas preguntas. Glinda, la bruja buena, es la que le dice que la fuerza y todas las decisiones están en tu interior”. Era, dijo, como si estuviera sucediendo lo que sucede en la obra, lo cual es algo muy anecdótico pero muy inspirador.

Sobre la posibilidad de alargar temporada, el productor explicó que se tienen negociados los derechos hasta el 15 de octubre. Sin embargo, agregó Juan Torres, le encantaría hacerlo: “El proyecto se lo merece, Lucero se lo merece, María se lo merece, estos maravillosos actores, Fede, Juan y Óscar, que están representando a todos sus compañeros, se lo merecen”. En este sentido, expresó su deseo de que la agencia que otorga los derechos se los otorgue por más tiempo. Esto, subrayó, dependerá de muchas cosas, pero sobre todo de “que el público nos sigua favoreciendo con su presencia”.

Para más información de El mago, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro. 

 

Día Mundial del Actor: El método de ser actor

“Al igual que los caballos, los actores son dioses”, dijo en alguna entrevista la gran actriz Ofelia Guilmain. En esa sentencia va un enigma que nos recuerda que, sean o no deidades, los actores no son cualquier persona. Hay algo que les impide ser simples seres mortales.

No sabemos si es porque su oficio implica el salir de sí mismo para ser otra persona, lo cual no es tan sencillo como se lee: lo que en el teatro se trata de convertirse o transformarse en un personaje, en ámbitos como el de la psicología y la psiquiatría se trata de un problema de salud. O porque aquello que sobre el escenario es capaz de conmover hasta los huesos, afuera del escenario sería considerado como una vil mentira, un engaño. El equilibrio entre cordura y locura, entre mentira y verdad parece algo sencillo de lograr. Pregúntenle a un actor si es tan fácil.

Se dice que el primer actor en el mundo fue el griego Tespis, pues dejó de narrar las rapsodias de la época y se asumió como el personaje de éstas. En Grecia, cuna del arte dramático, los actores se expresaban a través de máscaras.

El teatro isabelino, el romanticismo alemán… tuvieron sus propias formas de expresión. Y autores como Denis Diderot, filósofo francés apasionado de las artes escénicas, deja constancia de lo que era la actuación en el siglo XVIII: una representación; el actor le hace creer al público que está sintiendo eso que está representando para lograr una reacción emotiva en el público. Hay otras teorías actorales en el teatro clásico, pero es la de Diderot la más notable y estudiada hasta nuestros días.

Sería hasta finales del siglo XIX cuando, gracias a las obras del dramaturgo ruso Antón Chéjov que se instaura una nueva forma de asumir la actuación, pues al ser dirigidas por Konstantin Stanislavski, fue necesario replantearse todo sobre la manera de estar sobre el escenario y abordar un personaje.

Si hasta hoy hay películas o series en las que para hablar de actuación se refieren a Stanislavski, es porque hasta hoy nos persigue la influencia del actor, director y teórico ruso, cuyo método para el análisis, creación e interiorización de un personaje dio la vuelta al mundo, llegando a Estados Unidos en donde ya en el siglo XX fue adaptado por Lee Strasberg. Las formas y entendimientos sobre el arte del actor se han beneficiado con las teorías de actores y directores como Vsevólod Meyerhold, Bertold Brecht, Jerzy Grotowsky, Jacques Lecoq, Tadeus Kantor, Peter Brook, Uta Hagen, Anne Bogart, Eugenio Barba, entre otros.

En México, la gran renovación actoral ocurrió cuando, precisamente tras la estela de Stanislavski, el director japonés Seki Sano llegó a nuestro país con un método basado en el del docente ruso, el cual erradicaba la vieja escuela española, basada en grandilocuencias y sistematizaciones.

Antes que Sano, figuras como Salvador Novo, Xavier Villaurrutia, Celestino Gorostiza y Julio Bracho contribuyeron a dotar de nuevas herramientas a los actores que participaron en sus montajes de obras de la vanguardia europea y estadounidense.

Desde la irrupción de Seki Sano y la actualidad de nuestro teatro ha pasado ya ocho décadas, las cuáles se han visto nutridas por los aportes de diversos directores y docentes que han puesto sus métodos, técnicas y herramientas al servicio primero del aprendizaje y luego de la profesionalización de una vasta cantidad de personas que han elegido la actuación no como un hobby, como socialmente se sigue pensando, sino como un oficio, una profesión, una vida.

De las teorías de actuación contemporáneas en nuestro país, sigue teniendo relevancia la del dramaturgo, director y formador de notables generaciones de actores, Héctor Mendoza, para quien actuar es reaccionar activamente a estímulos ficticios“.

Varios de los actores que hoy son considerados los grandes actores de nuestro teatro, fueron sus discípulos directos. Empero, en México los métodos, técnicas y herramientas actorales se han visto beneficiadas por una vasta cantidad de directores y docentes, pero, sobre todo, por los actores mismos.

De hecho, muchos de los grandes docentes y creadores de métodos y herramientas actorales primero son grandes actores y, uno de los beneficios que hay al momento de estudiar con ellos es que durante el día se le puede ver impartiendo un conocimiento en el aula y por la noche se le puede ver aplicando ese conocimiento en el ejercicio de su profesión, sobre el escenario.

Actores que actúan, actores que también son dramaturgos, actores que también son directores, actores que son narradores, actores que son cantantes, actores que son músicos, actores que también son maestros, actores que -cada vez más- son productores, actores que son traductores, actores que dirigen espacios teatrales, actores que son funcionarios culturales, actores que a la par del teatro hacen cine y televisión, actores que odian la televisión, actores que buscan estar más en cine, actores que si no es en el teatro simplemente no se hallan. Actores que saben que, al final del día, no hay mejor método ni técnica que la propia, la que ensayo tras ensayo, función tras función, se decanta.

No sabemos si, como decía La Guilmain, los actores al igual que los caballos son dioses, pero los actores de teatro en México mucho tienen de divino, pues ahí están, noche tras noche -o mediodía tras mediodía si es matiné-, sobre el escenario, ante a un público que por alguna razón eligió el teatro y no ir al cine o quedarse en casa a ver Netflix.

Ahí están cuando la mayoría de ellos no cuentan con un servicio de seguridad social que lo ampare como a cualquier trabajador, ahí están teniendo que privilegiar la filmación de la serie antes que la temporada teatral que morían por hacer; ahí están corriendo de teatro a teatro, de personaje a personaje, dando una función a mediodía y otra en la tarde, haciendo una obra entre semana y otra el fin de semana; ahí están aguardando a que los inviten a actuar, ahí están generando sus propios proyectos, ahí están preparándose constantemente en talleres que los dotarán de nuevas técnicas y herramientas para fortalecer su personalísimo método: el método de ser, simple, llana y complejamente, un actor.

Por Enrique Saavedra

5 obras para celebrar el Día Mundial del Actor

Este 26 de agosto celebramos un año más a todos aquellos creadores que dejan todo de sí en el escenario y que nos hacen vibrar, reír, llorar y emocionarnos con sus impactantes interpretaciones.

No hay nada mejor que festejar el Día Mundial del Actor con mucho teatro, aquí les traemos algunas recomendaciones que les garantizamos que los dejarán sin aliento.

Todos eran mis hijos. Un montaje que nos habla sobre los embates y consecuencias de la guerra. Si bien este montaje cuenta con un gran elenco, Arcelia, Ana y Fabiola son quienes logran acentuar el abanico de sentimientos por los que transita la obra, y que consiguen meternos de lleno en la trama. Se presenta los lunes y martes en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

Anastasia, el musical. Esta super producción musical e histórica, cuenta con una carta fuerte, Mariana Dávila, quien logra robarse las miradas cada que sale a escena. Dávila canta y baila como si estuviéramos viendo a una princesa de cuentos. No podemos dejar de lado el carisma y comicidad de Gloria Toba, Javier Manente y Manuel Corta, sumados a Mariana, logran conmovernos con la historia basada en la leyenda de Anastasia,  la última descendiente de los Romanov. La obra se mantiene en temporada en el Teatro Telcel.

Las Meninas. Con mucha gracia y un peculiar estilo, Christian Escorcia, Luis Huitrón, Gina GranB han conquistado al público con cada serial histórico donde dan vida a diferentes personajes históricos, con sus claroscuros, pero sobre todo, invitando al espectador a conocer más de nuestra historia. Esta temporada está dedicada a la Revolución Mexicana, y se presenta todos los jueves en el Teatro Milán.

Todo el mundo habla de Jamie. Este musical que está por cerrar el telón nos regaló extraordinarias actuaciones a cargo de Flor Benítez, Vanessa Bravo, Alberto Lomnitz, Nelson Carreras y Joaquín Bondoni. Si aún no has visto este montaje, aún tienes tiempo de emocionarte con este increíble reparto que reúne diversas generaciones en el escenario. Las funciones son de viernes a domingo en el Teatro Manolo Fábregas.

El Mago (The wiz). Otro musical que regresa más fuerte, con la recuperación de Lucerito, su protagonista, nos brinda cada noche impactantes interpretaciones a cargo de Marisol Meneses, Crisanta Gómez y Juan Fonsalido, quienes nos ponen la piel de gallina cuando salen a escena a cantar sus solos. La obra se mantiene en temporada de viernes a domingo en el Teatro Hidalgo.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Manojo de Ideas y Escenario OCESA

3 razones para ver TIERRA DEL FUEGO

Tierra del Fuego nos invita, desde el conflicto palestino-israelí, a reflexionar sobre la importancia de escuchar la historia del otro. No es un tema menor, es un tema totalmente relevante en el mundo que vivimos. El poder de este texto –sin restar importancia en ningún sentido al conflicto en Medio Oriente- trasciende la localización geográfica donde sucede.

El tema toca personalmente a su autor. Mario Diament, nacido en 1942 en Buenos Aires es de ascendencia judía. El autor sirvió en el ejército de Israel, combatiendo en la Guerra de los Seis días y posteriormente fue corresponsal de guerra en la Guerra del Yum Kipur.

La obra, según ha dicho su autor, algunos la señalan como pro-sionista y otro como pro-palestina, sin embargo, afirma, “pensar una cosa o la otra es un error”. En este sentido, ha explicado que la obra no cuestiona el derecho de Israel a existir, sino la ocupación, y defiende el derecho del pueblo de Palestina a existir. Se trata de una historia que funciona como reflejo de estos conflictos no resueltos.

La Tierra del Fuego es una provincia en Argentina, es un lugar real, pero en esta historia cobra el peso de un lugar simbólico. Es ese lugar donde podemos dar una oportunidad al amor y no al odio. La Tierra del Fuego, en sí misma es un lugar paradójico, como Medio Oriente, como muchos lugares que se encuentran envueltos en conflictos. El nombre de esta provincia austral evoca al calor, sin embargo, surge del frío; en 1520 la tripulación de Fernando de Magallanes se refría a ella como Tierra del Fuego por el gran número de fogatas que se veían en tierra, encendidas por los pobladores del lugar para combatir el frío.

Aquí te doy tres razones por las que debes ver La Tierra del Fuego.

1. Un texto relevante. El único camino para abrir el diálogo y encontrar caminos para la paz es escuchar la historia del otro. Esta es la idea que subyace en el texto del autor argentino; no es un camino fácil, pero vale la pena intentarlo. A pesar de un conflicto añejo, lleno de pérdidas para ambos lados, esta historia nos habla de la posibilidad de encontrar caminos en la empatía. Estamos ante una historia que conmueve y lleva a la reflexión.

2. El elenco mantiene el equilibrio en el tono y las emociones. Un tema así fácilmente podría transitar hacia el melodrama, y perdería toda su fuerza. Sin embargo, a lo largo de la función, en todo momento, la intensidad responde al momento que se nos narra y potencia el mensaje con el accionar de los intérpretes. Paola Arrioja y Horacio García Rojas, que llevan el peso de la narración a lo largo del montaje, construyen con verdad la relación que van creando sus personajes.

3. Un obra pensada para vivir las interacciones. En el texto original tres medios círculos concéntricos contienen la acción. La historia se desarrolla con los actores siempre presentes sobre el escenario. En la adaptación que se presenta en el Foro Shakespeare, es el escenario rectangular el espacio que contiene la acción. Ahí, con tan solo una mesa y algunas sillas, transcurre la obra. Los actores esperan su turno de intervenir en la obra. La iluminación destaca las interacciones entre ellos. La atención del público está puesta en la acción, en lo que se dice, y no en el entorno.

Tierra del Fuego es una de esas obras que mueven al espectador. Habla de un tema duro, difícil, pero sobre el cual, si escuchamos con atención lo que nos plantea su autor, podemos encontrar algo de esperanza al final del camino. Finalmente, para eso sirve el teatro, para abrir nuestra visión, para abrir nuestros corazones.

Bajo la dirección de Tiago Correa, actúan Paola Arrioja, Horacio García Rojas, Emmanuel Okaury, Juan Aguirre, Paco de la O y Diana Quijano, quienes nos narran esta ficción basada en hechos reales que vale la pena escuchar.

Para más información, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Obras de Pascal Rambert en los escenarios mexicanos

Pascal Rambert es uno de los dramaturgos franceses más destacados de la actualidad. Sus textos se han traducido y montado en diversos países. México no es la excepción, tan solo en fechas recientes pudimos disfrutar de Ensayo y esta semana estrenó Finlandia.

Los textos de Rambert son poéticos y hablan de temas duros. Tienen la cualidad de sumergirse en los aspectos menos luminosos de la condición humana.

El autor, nacido en 1962, es parte de esa generación que vio cambiar aceleradamente la sociedad y vivir la crisis del mundo occidental. Sus textos, ya sea que hablen del amor de pareja, del amor filial, de la creación artística, tienen un componente profundamente político y social. Sus palabras no nos dejan indiferentes, requieren de los intérpretes y del público atención, nos golpean y tocan fibras en la audiencia.

Aquí te contamos de cinco textos del autor que –si tienes la oportunidad- no puedes perderte. Uno de ellos lo puedes disfrutar actualmente en la Ciudad de México, y el otro en Guanajuato.

Finlandia

Se trata de uno de los textos más recientes de Rambert. En él una pareja, con una relación desgastada, cuarteada por las diferencias que ha ido naciendo entre ellos, discuten y se confrontan. Indagan sobre si hay futuro todavía para esa relación, se atacan y utilizan las palabras como armas.

El amor en esta historia del dramaturgo francés se ha convertido en un territorio árido, en una guerra, en un enfrentamiento de poder. Bárbara y Luis (cuando sus obras se montan, los personajes de Rambert se llaman como quienes los interpretan) pelean y usan a su hija como el último vínculo entre ellos y como una manera de ejercer el poder en contra del otro.

Bárbara López y Luis Arrieta se “enfrentan” en el escenario del Teatro Milán, bajo la dirección de Rodrigo Nava.

 

Ensayo

En Ensayo Pascal Rambert narra el colapso de una compañía teatral que ha trabajado durante 20 años junta. Crea un microcosmos en crisis para, desde ahí, hablar del colapso de una sociedad. Estamos ante un mundo que no ha sabido recuperarse de la pérdida de ideologías y sueños, y tampoco se ha sabido adaptar a los cambios acelerados que le han planteado nuevos retos. Se trata de una obra que atraviesa temas como la creación, el amor, la amistad, la traición, el desencanto y, en cierta medida, la esperanza.

Un montaje de esta obra se presentó recientemente en el Teatro El Milagro, bajo la dirección de Juan Manuel García Belmonte. Interpretada por María Inés Pintado, Sonia Couoh, Daniel Martínez y José Carriedo, esta propuesta expresa toda la potencia del autor francés.

A pesar de que ya terminó su temporada en El Milagro, si tienen la oportunidad pueden disfrutar de este montaje entre el 7 y el 10 de septiembre, pues tendrá algunas presentaciones en el Teatro del Bicentenario de León y el Teatro Cervantes, en Guanajuato.

 

Clausura del amor

Cuando hablamos de Pascal Rambert no podemos no mencionar Clausura del amor. En 2018, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris se realizó un doble programa bajo la dirección del propio Rambert, que incluyó Le debut del’A (El debut del A) y Clôture de l’amour (Clausura del amor). Al anunciar esta doble función en conferencia de prensa, el autor explicó que ambas obras hablan del amor desafortunado.

Específicamente sobre Clausura del amor dijo que exhibe: “El momento de la ruptura les transforma, las palabras se vuelven violentas y saben dónde hacer daño”.

En nuestro país Clausura del amor se había presentado anteriormente, en un montaje dirigido por Hugo Arrevillaga y con la traducción de Humberto Pérez Mortera. Interpretado por Arcelia Ramírez y Antón Araiza la obra tuvo cuatro temporadas entre el 2014 y el 2019.

 

Hermanas

En 2019, Arcelia Ramírez y Hugo Arrevillaga coinciden nuevamente en una obra escrita por Rambert: Hermanas. En ella, Arcelia compartió escenario con Fernanda Castillo, dando vida a dos hermanas que las separa el odio.

En aquella ocasión, antes de estrenar en el Teatro Milán, Arcelia Ramírez dijo: “Los textos de Pascal Rambert son materiales poderosísimos, donde estos personajes existen a partir de la destrucción del otro. Es un combate a muerte. Pascal Rambert habla de muchas otras cosas, es un discurso, político, filosófico, ético y humano”.

 

Desaparecer

Un par de años después de haber dirigido en el Teatro de la Ciudad, el director y autor repitió la experiencia de dirigir en México. En marzo de 2020, presentó en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario con Desaparecer.

Este proyecto fue una colaboración de la Compañía Nacional de Teatro del INBAL, Cultura/UNAM, a través de la Cátedra Bergman, Teatro UNAM; el Centro Universitario de Teatro, la Universidad de Guadalajara y el Instituto Francés de América Latina (IFAL).

Esta historia trata sobre un joven cineasta que sale de viaje al desierto para filmar imágenes sin seres vivos. Después de varias semanas nadie sabe nada de él y sus familiares y amigos llenan su ausencia con la imaginación. En ella actuaron Concepción Márquez, Arcelia Ramírez, Sofía Espinosa, Emilio Carrera Quiroga, Fernando Álvarez, Julieta Egurrola, María del Mar Nader Riloba y Antonio Rojas.

Escrita específicamente para montarse en México, se trata, de “una obra sobre la pérdida. El dolor de la ausencia. La angustia frente a un cuerpo que no regresa. Que no se encuentra. No está enterrado. Un fantasma que vive en el pecho de todos”, escribió su autor. El montaje tenía planeado presentarse de 28 de febrero al 5 de abril de 2020, sin embargo, suspendió la temporada por la emergencia sanitaria por el Covid-19.

 

Estos son algunos de los montajes de obras de Pascal Rambert que hemos podido ver en la Ciudad de México. ¿Viste alguno de ellos? ¿Recuerdas algún otro? Compartelo en el foro.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro. 

3 razones para ver ANASTASIA, EL MUSICAL

Si te gustan los cuentos de hadas pero donde las princesas salen del arquetipo, no te puedes perder Anastasia, el musical que llegó para conquistar a todas aquellas generaciones que crecieron con esta princesa valiente que buscaba a toda costa su identidad.

Después del éxito obtenido con Aladdín, Ocesa se da a la tarea de traer esta fastuosa producción sobre la última descendiente de los Romanov, cuya leyenda ha trascendido en el tiempo y es considerada como uno de los misterios de la historia rusa.

Aquí te damos 3 razones para que programes tu próxima visita al Teatro Telcel y te dejes seducir por el encanto de Anastasia:

1.Un viaje por la historia. Uno de las principales atractivos de este musical es el uso de la tecnología que juega un papel fundamental, gracias al video y video mapping, podemos deleitarnos con la belleza del salón del palacio de los zares, conocer las zonas más pobres de San Petersburgo a inicios de la Revolución, así como los jardínes de Francia y hasta la ópera de París. Si bien la obra retoma aspectos de la cinta animada, la obra deja de lado la parte mágica y profundiza más en la realidad que azotaba al país, haciendo más verídica y vivida la experiencia.

2. Un elenco de primera. Los actores y actrices que conforman este montaje te dejarán con ganas de más, desde su protagonista Mariana Dávila (Anya/Anastasia) que se roba las miradas cada que sale a escena, hasta los momentos juguetones de la Condesa Lily y Vlad (Gloria Toba y Manuel Corta, la simpatía de Javier Manente como Dimitri, pasando por las contradicciones de Gleb, a cargo de Carlos Quezada, así como los recuerdos y anhelos de la Emperatriz viuda personificada por Irasema Terrazas, sin olvidar a todo el ensamble, todos están estupendos. Es así que podemos disfrutar de sus actuaciones ataviados con hermosos vestuarios representando a la alta alcurnia, hasta ejemplificar a los pobres afectados de la guerra.

3. Más allá de un cuento de hadas. Esta historia va más allá de lo que podemos ver a simple vista, pues durante poco más de dos horas, la obra profundiza en temas como la migración, la falta de identidad, la lealtad, y sobre todo, la lucha por los ideales con melodías esperanzadoras y otras sumamente desgarradoras, nos remite a aquellos momentos por los que pasaban los rusos cuando se suscitó el conflicto armado interno que desplazó y fragmentó familias que huían en busca de esperanza.

No esperes más y corre a ver esta versión musical con toda la familia que se presenta de miércoles a domingo en el recinto ubicado en Lago Zurich #245, Col. Ampliación Granada, a un costado de Plaza Carso, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Escenario Ocesa

TIERRA DEL FUEGO, octava obra seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024

Como la octava Obra Seleccionada de los Premios del Público Cartelera de Teatro tenemos a Tierra del Fuego, de Mario Diament. La adaptación y la dirección de este montaje corren a cargo de Thiago Correa. Se trata de un texto fuerte y que conmueve. De manera directa y sin contemplaciones, para ningún bando, lanza una mirada sobre el conflicto palestino-israelí.

Tierra del Fuego es una ficción basada en hechos reales. La anécdota es un punto de partida para abrir la discusión, desde ahí podemos profundizar en la importancia de escuchar al otro para encontrar caminos para la paz. La obra escrita por Diament trasciende el lugar geográfico y el tiempo donde se ubica. Nos habla a todos los seres humanos, que en el contexto actual, necesitamos entendernos y reconocernos en el otro para enfrentar los retos que tenemos como humanidad.

El elenco conformado por Paola Arrioja, Horacio García Rojas, Emmanuel Okaury, Juan Aguirre, Paco de la O y Diana Quijano mantienen un tono emotivo que nos centra en el problema. En un tema tan complejo sería muy fácil perderse, director y elenco mantienen el rumbo durante toda la puesta. La escenografía e iluminación de María Vergara tienen la virtud de ser parte sutil de lo que pasa en el escenario, de centrar al espectador en las palabras que surgen de los personajes.

Estamos ante una puesta en escena que, sí, a partir del drama, construye una historia que al final nos muestra una esperanza. Se enciende esa luz al final del túnel que nos dice que la empatía es un motor que puede modificar el rumbo de las cosas. Nos muestra un lugar simbólico, en donde podemos apostar por el amor y no por el odio. El montaje se presenta miércoles y jueves en el Foro Shakespeare.

Para más información de Tierra del Fuego, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

La Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro anuncia sus nominaciones 2022 / 2023

El próximo 3 de octubre la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT) realizará su gala de entrega correspondiente a al 2022-2023 en el Teatro de la Ciudad. Por ello, el día de hoy dio a conocer las nominaciones de este año. En este periodo se evaluaron producciones teatrales estrenadas entre el 1 de julio de 2022 y el 30 de junio de 2023. En promedio, se valoraron un total de 276 representaciones escénicas, de ellas 147 resultaron preseleccionadas. Como resultado de este ejercicio resultaron nominadas 51 obras en 26 categorías.

Los dos montajes con más nominaciones este año son, con 15 cada uno: Indecente y Todo el mundo habla de Jamie.

Los trabajos escogidos son el fruto de un extenso proceso de consenso llevado a cabo por el jurado, el cual está conformado actualmente por 17 miembros, incluyendo periodistas, fotoperiodistas, reseñistas y críticos de teatro. Todos estos profesionales están activos en medios impresos y digitales de renombre, encabezados por Melba Vidal y Gustavo Gerardo Suárez.

Entre los miembros se encuentran Juan Carlos Araujo, Enrique Saavedra, Mariana Mijares, Fernanda Albarrán, Carmen Zavaleta, Belinda Lorenzana, Mauro Marines, Iván Pasillas, Alfredo Millán, Jaime Rosales, Ricardo Castillo, Roberto Sosa López, Rodrigo Becerra, Isael Almanza, Carlos Duchanoy, Viridiana Narud y Oscar Ramírez Maldonado.

Además, cuentan con la valiosa asesoría de Adrián Chávez en Traducción / Adaptación y de Paola Izquierdo en el ámbito de Cabaret, la coordinación logística está a cargo de Sandra Narváez.

Para este nuevo ciclo, se sumarán tres nuevos elementos al grupo de jurados: Gina GranB, quien inicialmente formará parte del comité de musicales, y también Ed Quezada y José Quezada.

El premio a la trayectoria teatral se entregará a la primera actriz Angelina Peláez. Mientras que la ceremonia se llevará a cabo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, recinto que ha sido la sede de la ACPT durante cinco años consecutivos.

La planeación del evento corre a cargo del equipoliderado por Cristian David, Fernando Reyes, Alejandro Cervantes y Alberto Reyna, así como un equipo de producción encabezado por Erick Saul y Erika Medina.

NOMINACIONES

Revelación Femenina

  • Félix Vanessa / Lun
  • Léo Danse Alós / Abismo
  • Patty Larrañaga / Helen Keller ¡La Increíble Historia!
  • Sandra Jiménez Loza / Costo de Vida
  • Vanessa Bravo / Todo el Mundo Habla de Jamie

Revelación Masculina

  • Arly Velásquez / Costo de Vida
  • Carlo Basabe / Afterglow
  • Juan Daniel García Treviño / El Corrido del Rey Lear
  • Nelson Carreras / Todo el Mundo Habla de Jamie
  • Salomón Saldaña / El Hámster del Presidente

Teatro para Jóvenes Audiencias

  • Al Otro Lado del Pasillo /Producciones Tràete al Polux y Kawsay Producciones
  • El Hámster del Presidente /Once Once Producciones
  • El Misterioso Caso de la Sombra / Nocturno Teatro
  • Instrucciones para Armar una Esperanza / El Hormiguero Colectivo
  • Quijote y Panza / Colectivo Teatral Mexicano Los Alichanes

Espectáculo de Cabaret

  • Archivos del Horror /TOCA Producciones
  • Cómo Deconstruirse del Patriarcado sin Morir en el Intento /La Teatrera Solitaria y Brava Teatro
  • La Ópera o la Nacha /Compañía La Nave de las Locas y Compañía de Teatro Cabaret
  • Las Vecinas de la Calle J / Marco Flores, Roberto García
  • Oraculeras /Alberto Cerz, César Chagolla, Sergio Carazo Cardona

Actriz en Rol de Soporte

  • Cecilia Ramírez Romo / Violencia
  • Dulce Mariel / Violencia
  • Gabriela Núñez / Violencia
  • Pilar Flores del Valle / Los Humanos
  • Romina Coccio / Algodón de Azúcar

Actor en Rol de Soporte

  • Alberto Lomnitz / Indecente
  • Carlos Aragón / Inteligencia Actoral
  • Miguel Ángel López / Violencia
  • Miguel Romero / Algodón de Azúcar
  • Roberto Beck / Indecente

Dramaturgia Mexicana

  • Flavio González Mello / Inteligencia Actoral
  • Gabriela Ochoa / Algodón de Azúcar
  • Itzel Lara / Instrucciones para Sembrar un Jardín
  • Valeria Fabri / Lun
  • Valeria Loera / Violencia

Diseño de Escenografía

  • Anabel Altamirano / Violencia
  • Daniela García Moreno / Emilia
  • Emilio Zurita / Indecente
  • Eva Aguiñaga / La Reina de Belleza de Leenane
  • Jorge Ballina / Todo el Mundo Habla de Jamie

Diseño de Vestuario

  • Giselle Sandiel / Abismo
  • Giselle Sandiel / Algodón de Azúcar
  • Letal / Mentidrags
  • Libertad Mardel / Fieras
  • Sara Salomón / Indecente

Diseño Sonoro

  • Carlos Matus / Violencia
  • David Martínez / El Show de Terror de Rocky
  • Genaro Ochoa / Algodón de Azúcar
  • Juan Pablo Villa / O Podrías Besarme
  • Miguel Jiménez / Indecente

Música Original

  • Carlos Matus / Violencia
  • Eliseo Santillán , Fernando Canek , Leo Soqui / Indecente
  • Genaro Ochoa /Algodón de Azúcar
  • Haller Miguel, David Federico Suzawa , Juan Manuel Torreblanca , Daniel Mena, Dago / Desde Cero
  • Miguel Francisco Manríquez Fernández / Persona

Diseño de Iluminación

  • Ángel Ancona / Algodón de Azúcar
  • Emilio Zurita / Indecente
  • Melissa Varish / Violencia
  • Patricia Gutiérrez Arriaga / La Reina de Belleza de Leenane
  • Tania Rodríguez/ Reina

Coreografía / Movimiento Escénico

  • Alan Uribe Villarruel / Jauría
  • Graciela Aldaz Perroni / Indecente
  • Hugo Curcumellis / Todo el Mundo Habla de Jamie
  • Vicky Araico / Lobas
  • Vladimir Rodríguez / Del Mago Al Loco una Revelación del Tarot

Traducción / Adaptación

  • Alejandro Villalobos / Todo El Mundo Habla de Jamie
  • Ana Graham / Antonio Vega / La Reina de Belleza de Leenane
  • Enrique Arce Gómez / Indecente
  • Estefanía Norato / Xhail Espadas Ancona / Fieras
  • Paula Zelaya Cervantes / Niñas y Niños

Actriz en Rol de Soporte en Musical

  • Carla Heyfte / El Show de Terror de Rocky
  • Gicela Sehedi / Mamma Mia!
  • Luz Aldán / Todo el Mundo Habla de Jamie
  • Valeria Vera / Siete Veces Adiós. Él y Él
  • Vanessa Bravo / Todo el Mundo Habla de Jamie

Actor en Rol de Soporte en Musical

  • Alberto Lomnitz / Todo el Mundo Habla de Jamie
  • Alex de la Madrid / Mamma Mia!
  • José Grillet/ Nación Primordial
  • Juan Fonsalido / El Show de Terror de Rocky
  • Rogelio Suárez / Todo el Mundo Habla de Jamie

Dirección de Escena en Musical

  • Angélica Rogel / Desde Cero. Un Musical Improvisado.
  • Alejandro Villalobos , Alberto Lomnitz / Todo el Mundo Habla de Jamie
  • Emiliano Dionisi / Los Monstruos
  • José Manuel López Velarde / MentiDrags
  • Rafa Maza / El Show de Terror de Rocky

Dirección de Escena

  • Angélica Rogel / La Reina de Belleza de Leenane
  • Angélica Rogel /Jauría
  • Cristian Magaloni / Indecente
  • Diana Sedano / Violencia
  • Gabriela Ochoa / Algodón de Azúcar
  • Claudio Valdés Kuri/ Del Mago al Loco una Revelación del Tarot

Monólogo

  • El Coyul / Pelo de Gato
  • El Show Debe Continuar / Eduardo Soto
  • Niñas y Niños /Solovino Producciones
  • Wilma / Porta Teatro
  • Zombi / Sandra Dubsky, Hugo Arrevillaga

Elenco

  • Del Mago al Loco una Revelación del Tarot
  • Indecente
  • Jauría
  • Lobas
  • Todo el Mundo Habla de Jamie
  • Violencia

Actriz en Rol Principal

  • Ana Guzmán Quintero / Indecente
  • Ana Sofía Gatica / Jauría
  • Majo Pérez / Indecente
  • Margarita Sanz / La Golondrina
  • Mireya González / Violencia
  • Paula Watson / Medealand

Actor en Rol Principal

  • Alejandro Calva / Casa de Mascotas
  • Alejandro Morales / Algodón de Azúcar
  • Jorge Lan / Indecente
  • Juan Carlos Vives / Furor
  • Marcos Radosh / El Show Debe Continuar
  • Roberto Beck / Inteligencia Actoral

Actriz en Rol Principal en Musical

  • Anahí Allué / Los Monstruos
  • Carolina Heredia / Bule Bule, El Show
  • Flor Benítez / Todo el Mundo Habla de Jamie
  • Gloria Aura / El Show de Terror de Rocky
  • Majo Bernal / Los Musicales de Brod Güey
  • Caro Vélez / Nación Primordial

Actor en Rol Principal en Musical

  • Beto Torres / El Show de Terror de Rocky
  • Fer Soberanes / MentiDrags
  • Joaquín Bondoni / Todo el Mundo Habla de Jamie
  • Martín Saracho / Siete veces Adiós. Él y Él
  • Nelson Carreras / Todo el Mundo Habla de Jamie
  • Regina Voce / MentiDrags

Musical del Año

  • Desde Cero. Un Musical Improvisado / Playhouse Entertainment, Once Once Producciones y Nuevo Teatro
  • El Show de Terror de Rocky / Jaime Calpe y Rafa Maza
  • MentiDrags / Bobo Producciones, Gou Producciones y La Teatrería
  • Todo el Mundo Habla de Jamie / 33 Productores
  • Bule Bule, El Show / Playhouse Entertainment
  • Los Monstruos/ Late Producciones

Obra del Año

  • Algodón de Azúcar /Teatro UNAM y Seguros Inbursa
  • Del Mago al Loco una Revelación del Tarot / Teatro de Ciertos Habitantes
  • Indecente / Ana Kupfer, Yosi Bernstein e Ivonne Márquez
  • Inteligencia Actoral / Erizo Teatro
  • Jauría/ LaTe Producciones y Artes Hartas
  • La Golondrina/ BH5 STUDIOS y Óscar Uriel
  • La Monja Alférez / La Compañía Nacional de Teatro (CNT)
  • La Reina de Belleza de Leenane/ Por Piedad Teatro
  • Reina / Los Colochos Teatro
  • Violencia / Centro Cultural Helénico / La Compañía Nacional de Teatro (CNT)

Con información de la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro

Los estrenos que llegan en septiembre a Cartelera

El mes patrio llega con un abanico de propuestas escénicas, dramas, comedias, cabaret infantil, humor negro, pasando por lo paranormal son algunas de las producciones que podremos disfrutar en septiembre en la Ciudad de México.

Aquí les contamos sobre los estrenos que están por levantar el telón y ya nos urge ver:

1. Consentimiento. Considerada la obra teatral inglesa más polémica de los últimos tiempos, escrita por Nina Raine, llegará  bajo la dirección de Enrique Singer con las actuaciones de Juan Manuel Bernal, Marina de Tavira, Arturo Barba, Daniela Schmidt, Alfonso Borbolla, Adriana Llabrés y Jana Raluy, con el fin de incitar un debate entre hombres y mujeres por su controvertida e inquietante trama. Tendrá una corta temporada con funciones de jueves a domingo en el  Teatro Helénico.

2. Avenida Q. Un musical que se ha presentado varias veces en nuestro país, regresa a la escena con la dirección de Laura Guzmán y las actuaciones de Michell Amaro, Delia Velasco, Patricio Solórzano, Daniel Haddad, Ana Pau Marín, Isaac Jarkin, Tatiana Sierra y Diana Ixchetl, en conjunto con marionetas cantan sobre el racismo, la pornografía, las drogas, la homosexualidad y la política. Las funciones son los sábados en CARUSO Concert Hall.

3. Las quesadillas de mis pesadillas. Escrita y protagonizada por Andrés Carreño, esta obra de cabaret para niños nos invita a reflexionar sobre el miedo y la violencia doméstica, a través de la historia de un peculiar vampiro. Las funciones serán los sábados y domingos de septiembre y octubre en el Foro Shakespeare.

4. 2:22 Una historia paranormal. Bajo la dirección de Gabriel Mata-Cervantes, los actores y actrices Diego Klein, Alejandra Ambrosi, Erika de la Rosa y Jorge Losa se adentrarán en una propuesta que navega entre sucesos paranormales, una historia que en su estreno en Inglaterra, sacudió al público. La temporada correrá del 22 de septiembre al 29 de octubre en el Teatro Xola Julio Prieto.

5. Creadores de mundos. Escrita por Johnna Addams, con la dirección de Paula Zelaya Cervantes, llega esta comedia romántica un tanto peculiar sobre la salud mental, que nos muestra a una pareja que navega entre la realidad y la fantasía. Llegará 12 de septiembre al 12 de diciembre a La Teatrería.

Cómo verás septiembre viene con todo, ¿qué obra se te antoja más?

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro y caertel oficial

“El teatro debe de ponernos en una situación de incomodidad, de reflexión y de discusión”: Ximena Escalante

Ximena Escalante es dramaturga, directora escénica y docente. Su trabajo ha alcanzado reconocimiento nacional e internacional. Ha recibido diversos reconocimientos y estímulos como el Premio Nacional de Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón, la beca de la Rockefeller Foundation, la beca Guggenheim, y ha sido parte del Sistema Nacional de Creadores, por mencionar solo algunos.

Escalante estudió la licenciatura de Escritura y Ciencias Teatrales en la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) de Madrid. También realizó estudios de dirección de escena en el Centro Universitario de Teatro y talleres en la Escuela de Escritores de la Sogem.

Para hablar de su fructífera carrera, platicamos con la autora de obras como Freda y otras griegas, Andrómaca Real, Electra despierta, Neurastenia, Las relaciones (sexuales) de Shakespeare (y Marlowe), Tennessee en cuerpo y alma, Grito al cielo con todo mi corazón y Éxtasis Medea, entre otras.

Me recuerdo pensando en hacer teatro

La dramaturga y directora creció en una familia de teatro, en espacios rodeados de elementos teatrales. Criarse en un ambiente de teatro fue determinante para ella, “hasta donde yo me acuerdo de mí misma, siempre me recuerdo pensando en hacer teatro”, nos confiesa.

Si bien desde muy pequeña tomó clases de actuación y pensaba en ser actriz, nos cuenta, en realidad siempre lo que hizo -incluso antes de leer y escribir- fue crear historias. En este sentido, recuerda, “ tardé mucho en entender que en realidad lo que a mí me interesaba era la dramaturgia, la escritura de teatro, muy por encima de la actuación y la dirección”.

Ximena Escalante inicia su formación profesional en el Centro Universitario de Teatro, donde estudia dirección de escena y forma parte de la primera generación de la Escuela de Escritores de la Sogem. También toma talleres de dramaturgia con figuras como Hugo Argüelles, Vicente Leñero y Jesús González Dávila.

El entorno en que crecí y mi vocación se han llevado bien

“Llegó un punto en el que decidí hacer una educación más formal, fue cuando me fui a vivir a España, y ahí hice la carrera de dirección y también de dramaturgia”, señala. En este sentido, explica que no es que en México la formación no fuera formal, sino que en ese entonces en el CUT o en la Escuela de Escritores la formación duraba dos años, a diferencia de la RESAD que la carrera duraba 5 años. “Me parece que toda formación artística, como cualquier otra formación, requiere tiempo, dos años no son suficiente, se necesita realmente tiempo”, subraya.

Al realizar sus estudios en España, Escalante logra combinar la dramaturgia y la dirección. Sin embargo, al ser madre, la dramaturgia se convierte en su actividad principal porque le permitía hacer las dos cosas: escribir teatro y cuidar a sus hijos.

Al respecto, explica, “tengo una pasión muy fuerte hacia la dirección de escena, pero no es una actividad a la que me pueda dedicar constantemente, debido a que mi trabajo como dramaturga me demanda muchísimo tiempo”. Sin embargo, agrega, actualmente se encuentra en un punto de su vida en el que puede equilibrar tiempos y espacios entre la escritura, la docencia y la dirección de escena. En resumen, nos dice riendo, “el entorno en que crecí y mi vocación se han llevado bien”.

El teatro es en la vida de nuestra entrevistada, un quehacer cotidiano, tanto escribiendo, dirigiendo y enseñando : “Todos los días hago teatro”, apunta. El teatro es para ella, nos dice, “un propósito de vida, un quehacer, un propósito, y el sentido de mi vida”.

En momentos de grandes crisis en mi vida, la mitología me ha salvado

La obra de Ximena Escalante, en gran parte, ha girado en torno a la reinvención y en revistar textos clásicos y mitos. Así como a indagar en la biografía y los procesos creativos de escritores y creadores.

Al cuestionar sobre cómo nace su interés por estos temas, destaca que no tiene una respuesta, pues esto se va dando en el proceso de la creación. Desde muy pequeña, rememora, la mitología era un tema que la atrajo, “siempre ha sido una obsesión en mi vida, desde muy niña hasta la fecha”.

Se trata de un tema inagotable, en el cual, destaca, entre más se adentra y descubre, más son sus ganas de continuar buscando y reconociendo. “Me atrevería a decir que en momentos de grandes crisis en mi vida, la mitología me ha salvado. Recurrir al estudio de la mitología, y escribir con lo que investigo me ha salvado la vida”, afirma.

Sobre los textos literarios, explica: “Toda obra literaria tiene algo de mítico, es decir, es algo que sucede [… ] Por ejemplo, las obras de Shakespeare, las obras de Ibsen, que son los autores con los que yo he trabajado, crean una historia que también ha sido basada en otra historia o que también ha sido recuperada de una leyenda o de un mito. Ellos crean su propia versión de las cosas”.

A su vez, nos dice, esta versión también puede ser versionada. Para la autora y directora de Éxtasis Medea, tanto la literatura como la mitología no están terminadas. “Son hilos que se pueden seguir deshebrando y podemos hacer con ellos lo que queramos”, reflexiona, “ese es el sentido del mito y de la literatura, que podemos jugar con ello”.

Demostrar que tenía esa capacidad encima de todo

Sobre el inicio de su carrera y las dificultades que en la dirección escénica enfrentan las mujeres, nos dice que está convencida de que sí cuesta más trabajo. Como ejemplo, nos narra que en la carrera en el CUT sufrió un doble bullying por ser precoz en su formación y por ser mujer. Sus compañeros le apodaban “El niño”, nos dice, porque quería hacer una profesión predominantemente masculina.

Más tarde, Ximena Escalante se enfrentó a la desvalorización de su trabajo. En este sentido, recuerda, en muchas ocasiones la fuerza de su trabajo y sus éxitos fueron cuestionados por algunos colegas hombres, quienes asumían que se debían al atractivo sexual. “Este tipo de cosas nos pasan a todas las mujeres seamos sexys o no. Una mujer cuando de alguna manera tiene un posicionamiento o va tomando cierta ventaja, hasta hace algunos años, siempre se dudaba que sus éxitos y sus logros no se hubieran vinculado a dar favores”.

Esto, en su caso, nos dice, no fue así: “He sido mujer de muy pocas parejas, muy dedicada a mi trabajo y a mi familia”. Esta visión que desvaloriza, nos confiesa la directora y dramaturga, fue algo duro al inicio de su carrera. Ahora, destaca, está en una edad en la que el reconocimiento y los éxitos han sido conquistados por ella y por otras mujeres a partir del trabajo.

Otro reto que ha tenido que enfrentar la directora es que mientras que los hombres no tenían que demostrar nada, las mujeres debían demostrar que eran inteligentes y que tenían capacidad. Había que demostrar que las cosas se conseguían no por favores o por atractivo, sino por capacidades, “ tenía que demostrar que tenía esa capacidad encima de todo”.

A una mujer de la fortaleza y la magnitud de Medea se le acuchilló en su punto más débil

En Éxtasis Medea, Ximena Escalante reivindica y defiende a la Medea original. Sobre este tema señala que en su idea, la acusación de que Medea mató a sus hijos es un linchamiento social, “como muchos linchamientos que se han creado en distintos momentos históricos”.

La acusación, explica, surge de que se trataba de una mujer independiente, libre y que decide, lo cual la hacía una mujer peligrosa. ¿Cómo tratar a una mujer peligrosa?, pregunta la directora, a lo cual responde: “Acusándola en su punto más débil, y este punto, en el caso de Medea son sus hijos”. Al respecto, reiteró, que a una mujer de la fortaleza y la magnitud de Medea se le acuchilló en su punto más débil, cuando en realidad fue la ciudad de Corinto quien mató a sus hijos para limpiar su fama lanza la acusación en contra de ella.

Los próximos proyectos de la autora son el resto de la tetralogía de la que forma parte Éxtasis Medea. Nos adelanta que el texto sobre Clitemnestra está listo y próximamente la comenzará a preparar el montaje, estrenando posiblemente en enero. El nombre de la obra será Éxtasis puro. Además, agrega, están en camino también las versiones de Helena y después la de Yocasta.

Teatralidad cruda

Éxtasis Medea, destaca su autora y directora, ha tenido un recibimiento que la tiene sorprendida, pues han tenido el teatro lleno. Se trata, considera, de una obra polémica con muchas capas de discusión.

Por un lado, dice, está la revisitación de la idea original de que Medea no mata a sus hijos, lo cual sorprende a mucha gente. Otro aspecto polémico es el tema de la sororidad. Al respecto, señala Ximena, rescató la parte del mito en que Medea ejecuta a Creúsa, lo cual en un momento en el que“ los feminismos son tan fuertes, expongo la crueldad de una mujer hacia otra mujer”.

Finalmente, nos habla del montaje en sí. Esta puesta en escena tiene un estilo de teatralidad cruda, con el cual la autora y directora expresa lo que para ella es un montaje griego. El espectador se encuentra con una caja negra con piso reflejante que magnifica todo, ahí las actrices no tienen posibilidad de esconder nada. “Todo es transparente, crudo y grotesco”, nos dice, a esto se suma la iluminación que “no permite distraerse con nada”, más que fijar la atención en Carolina Politi y Ximena González Rubio, quienes interpretan la obra.

El teatro debe de ponernos en una situación de incomodidad

La autora señala que estos elementos pueden resultar, para algunas personas, en una puesta en escena incómoda. “Soy muy consciente que el espectador recibe un impacto de incomodidad”, apunta. Esta incomodidad, reflexiona, puede resultar fascinante para algunas personas, y para otras puede ser casi insoportable.

Sobre este punto, Ximena Escalante destaca que esto ella lo ve como un logro, pues, afirma, “creo que el teatro debe de ponernos en una situación de incomodidad, de reflexión y de discusión”.

Asimismo, destaca que en la temporada de Éxtasis Medea han logrado tener un público muy diverso. Esto, dice, es algo que debe suceder en el teatro, tener variedad de públicos y no un público determinado. Esta obra, esta obra, nos dice, eso ha sucedido, lo cual la tiene muy contenta.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Ximena Escalante.

3 razones para ver ÉXTASIS MEDEA

Éxtasis Medea, escrita y dirigida por Ximena Escalante, es una reinterpretación del mito a partir de una versión previa a la famosa tragedia de Eurípides. La dramaturga nos narra el enfrentamiento entre Medea y Creúsa. Jasón – héroe griego y líder de los argonautas – ha abandonado a Medea para casarse con Creúsa, hija del rey Creonte de Corinto, lo que desatará el deseo de venganza de Medea.

Este encuentro surge de la imaginación de su autora, nos habla desde otra perspectiva del mito. En la obra se enfrenta la visión de dos mundos que están por colisionar.

Te podemos asegurar que esta puesta en escena es toda una experiencia. Se trata, además, de una oportunidad de ver este texto escrito y dirigido por una de las dramaturgas mexicanas más relevantes en la actualidad.

Aquí te compartimos 3 razones por las que debes ver Éxtasis Medea.

1. Un universo femenino, lleno de sutileza y fuerza. Un ritmo hipnótico se despliega ante nosotros, la coreografía escénica de Itzhel Razo es potente y sugerente. Las interpretaciones de Carolina Politi y Ximena González Rubio cautivan. Las actrices dan vida dos mujeres antagónicas y poderosas que plantean su visión del mundo en un encuentro lleno de matices.

2. Un íntimo universo mitológico. La dirección de Escalante deja habitar a las actrices el mundo limpio, crudo e íntimo diseñado por el equipo creativo de la obra. La iluminación y escenografía de Víctor Zapatero, el vestuario de Eloise Kazán y la música de Mauricio García Lozano conforman este universo mitológico en donde el foco está sobre la interpretación de las actrices.

3. El mito original. Ximena Escalante recupera el mito original de Medea, a partir de la literatura mitológica. Reivindica a la poderosa hechicera que, desde la narrativa masculina, fue transformada en asesina de sus propios hijos. La autora nos presenta una Medea que no mata a sus hijos y es ella misma lleva a cabo su venganza en contra Jasón, a través de Creúsa, antes de ser desterrada.

Éxtasis Medea es parte de una tetralogía que la dramaturga y directora está preparando sobre figuras femeninas de la mitología griega. Los textos que completan el ciclo hablarán sobre Clitemnestra, Helena y Yocasta. Así que, no lo dudes, corre a ver esta propuesta que reinterpreta el célebre mito.

La obra se presenta en el Foro Lucerna del Teatro Milán los fines de semana. No está de más recordarte que el recinto se ubica en la colonia Juárez, un lugar ideal para organizar un plan donde el teatro sea el plato fuerte.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Héctor Ortega.

Algunos datos que tal vez no conocías de LAGUNILLA MI BARRIO

Lagunilla mi barrio está por cumplir un año de funciones en el Centro Cultural Teatro 2. El montaje realizó su estreno oficial el 23 de septiembre de 2022, bajo la dirección y adaptación, junto con Daniel Chávez,  de Ariel Miramontes, mejor conocido como Albertano.

Este montaje es una coproducción entre Alejandro Gou y Claudio Carrera. Éste último, quien actualmente produce Mamma Mia! en el Teatro Insurgentes, ha dicho que durante 20 años buscó con quienes realizar este proyecto. La idea, dijo hace un año Carrera, es celebrar a esta icónica película y sus “ personajes maravillosos”.

Aquí te platicamos cinco datos sobre Lagunilla mi Barrio.

Lagunilla mi barrio, un referente del cine mexicano. La cinta, con guión de Fernando Galiana y Adolfo Torres Portillo, fue dirigida por Raúl Araiza. Contó además con la fotografía de Alex Phillips (hijo). Se estrenó en 1981 y fue, en el cine comercial, una de las pocas que logró destacar en una época en la que dominaba el llamado cine de ficheras.

Un gigante del teatro. La película, en la que se inspira la obra, contó con las actuaciones de Lucha Villa, Héctor Suárez, Leticia Perdigón, entre otros, encabezados por ni más ni menos que Manolo Fábregas, el “Señor Teatro”, quien actuó en más de 100 obras de teatro y produjo alrededor de 100 montajes. 

Debut teatral a los 69 años. Laura León es una figura reconocida y querida por el público. A pesar de que desde finales de los años 70 del siglo pasado inició su carrera en la música, el cine y la televisión, en su larga carrera no había incursionado en el mundo teatral. La versión teatral de Lagunilla mi barrio marcó su debut en el teatro un par de meses antes de cumplir 70 años.

Un musical poco convencional. Estamos acostumbrados a musicales con score originales, de los cuales se desprenden piezas que se vuelven icónicas. En el caso de la obra interpretada por Ariel Miramontes y Maribel Guardia la historia es un poco distinta. El musical se inserta más en el estilo que hizo famoso el musical Mentiras, es decir, echa mano de canciones populares ya reconocidas. En el caso de Lagunilla mi barrio la música incluye temas de Los Bukis, Los Ángeles Azules, Molotov, OV7, Los Ángeles Negros

Actor, adaptador y director. Ariel Miramontes y su alter ego, Albertano, son una pieza central en el montaje. El actor, quien es egresado de la licenciatura de Artes Dramáticas del INBA, realiza la adaptación y dirige el montaje, mientras que Albertano lo protagoniza. Además, Miramontes ha narrado que cuando era estudiante en Bellas Artes vivió en la Calle de Belisario Domínguez, en el Centro Histórico, a solo tres calles de La Lagunilla.

La obra cuenta con un elenco confirmado por Laura León “Tesorito”, Ariel Miramontes “Albertano”, Maribel Guardia, Freddy y German Ortega “Los Mascabrothers”, Daniel Bisogno, Lisardo, Violeta Isfel y Alma Cero. La escenografía es de Sergio Villegas y el diseño de iluminación de Ángel Núñez. El vestuario es creación de Estela Fagoaga.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Los Colochos Teatro inaugura residencia en el Foro Shakespeare celebrando 13 años de trabajo

Los colochos Teatro inició este fin de semana su residencia en el  Foro Shakespeare. Con esto la compañía celebra 13 años de existencia y se suma a los festejos por los 40 años del foro.  Viernes, sábado y domingo la compañía tuvo actividad en el recinto ubicado en Zamora 7. El viernes con la presentación de Silencio, el sábado con Mendoza y el domingo con Reina, al final de cada una de las funciones contaron con invitados especiales para apadrinar la temporada.

Los tres montajes son adaptaciones de obras de William Shakespeare: Silencio retoma la historia de Otelo; Mendoza es una adaptación a Macbeth; y Reina, con la actuación de Paloma Woolrich es una reinterpretación del Rey Lear.

Silencio abrió la programación, se trata de una divertida y a la vez escalofriante adaptación al ser vista desde el contexto de un México actual. Como padrino de la obra estuvo Daniel Giménez Cacho. El actor destacó que Los Colochos Teatro haya cumplido 13 años de actividad dadas las condiciones en que vive el país. “Me dedico a esto, sé lo que representa, sé el esfuerzo que es esto que han hecho y el trabajo que cuesta y realmente es insólito que hayan cumplido 13 años”, subrayó.

El sábado tocó a Mendoza arrancar funciones. Como madrina y padrino estuvieron presentes Yolanda Ventura y Mario Iván Martínez. Mendoza, destacó la actriz, es una transformación brutal de la obra, “maravillosa y dolorosa”.

Mario Iván Martínez dijo estar impresionado por las cualidades de esta “puesta inusitada”. En este sentido, recordó que William Shakespeare retomaba muchas tramas ya escritas. Al tomarlas, explicó, sus personajes viven y se vuelven tridimensionales, “lo que hace esta compañía es algo muy similar, retoma este texto de William Shakespeare que ahora nos habla de distinta forma”.

Yolanda Ventura afirmó que presenciar a esta compañía de repertorio fue emocionante y conmovedor. Sobe esto dijo: “Que cumplan 13 años con obras así, con este compromiso social, con esta crítica, con esta inteligencia, con esta brillantez, que haya viajado por muchísimos lugares del mundo, […] no solo es maravilloso, es esperanzador, es una luz maravillosa”.

Finalmente, el domingo, para apadrinar Reina, estuvieron el director Diego del Río y el actor Luis Arrieta.

Diego del Río destacó el talento de la actriz Paloma Woolrich, “una artista única, porque es una persona única”, quien encabeza el elenco de la obra.

Por su parte, Luis Arrieta, además de coincidir con el director, destacó sobre Los Colochos Teatro: “Hay algo muy poderoso en lo que tienen ustedes ahorita, hay una confianza de todos con todos”. Agregó que es una compañía en la que hay mucho amor entre sus integrantes, “y como espectador eso es algo invaluable.

Silencio, bajo la dirección de Juan Carrillo, cuenta con las actuaciones de Alfredo Monsivais, Erandeni Durán, Roam León / Leonardo Zamudio (alternan funciones), Yadira Pérez y Martín Becerra. Se presentará hasta el próximo 27 de octubre los viernes, para más información de la obra haz clic aquí.

Los sábados, hasta el 28 de octubre, se presentará Mendoza. La obra es también dirigida por Juan Carillo y el elenco lo integran Marco Vidal, Mónica del Carmen, Erandeni Durán, Leonardo Zamudio, Martín Becerra, Germán Villarreal, Ulises Martínez, Alfredo Monsivais / Roam León (alternando funciones) y Yadira Pérez. Aquí para más información de la puesta en escena.

Paloma Woolrich, Marco Vidal, Roam León y Juan Carrillo (quien también dirige) son el elenco de Reina, que tendrá funciones los domingos hasta el 29 de octubre. Haz clic aquí para más información.

 

Con información de Itai Cruz, María José Brunet y Óscar Ramírez, Fotos: Cartelera de Teatro.

3 razones para ver CONSENTIMIENTO

En esta ocasión te invitamos a ver Consentimiento, montaje que transita entre el drama y la comedia negra, que aborda temas y lenguaje legal con una historia que nos incómoda y nos pone a reflexionar sobre qué tan balanceada es la impartición de justicia.

Incidente Teatro es la responsable de traer a nuestro país esta propuesta que conquistó al público y la audiencia en Londres, escrita por Nina Raine, una de las autoras contemporáneas más reconocidas de aquel país.

Aquí te damos 3 razones para que acudas a verla, sobre todo, porque tendrá una muy breve temporada de jueves a domingo en el Teatro Helénico:

1. Pone en jaque nuestros preceptos. Sí, tal como lees, esta obra plantea un dilema moral que nos hace cuestionar temas como la verdad, la ética profesional, así como los preceptos culturales, a través de la historia de un grupo de abogados, sus casos y cómo impactan en su propias relaciones personales.

2. Dos historias, dos visiones. Aquí seremos juez y parte de este relato que nos presenta dos historias de violación: la primera se realiza en los tribunales y la otra, en la intimidad de un matrimonio. Es ahí donde surgen un sinfín de preguntas, en torno al consentimiento, palabra que también da título a este montaje, que van desde lo sexual hasta lo personal, que logran mover nuestras entrañas.

3. Un destacado elenco. Todo lo anterior no sería posible, sin las adecuadas actuaciones encabezadas por Marina de Tavira, Juan Manuel Bernal, Daniela Schmidt, Arturo Barba, Alfonso Borbolla, Adriana Llabrés y Jana Raluy, quienes consiguen arrancar momentos hilarantes entre el público, derivado de situaciones terriblemente incómodas, donde cada diálogo te hace empatizar o no, con lo que sucede en escena.

Cosentimiento se presenta hasta el 1 de octubre en el recinto de Av. Revolución 1500, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz

Faisy y Alejandra Barros en ESCAPE ROOM, una obra que lleva al límite a sus personajes

Escape Room es una comedia, con toques de suspenso y terror, dirigida por el director catalán Joel Joan. Bajo la producción de Tina Galindo y Claudio Carrera, en sociedad con Morris Gilbert y Mejor Teatro, este montaje llegará al Nuevo Teatro Libanés el 29 de septiembre. Se trata de una obra que ha tenido exitosas temporadas en Barcelona, Madrid y Perú. En conferencia de prensa se presentó el elenco integrado por Faisy, Alejandra Barros, Juan Martín Jáuregui y Paly Duval.

La obra, se informó, es distinta al teatro convencional al que estamos acostumbrados. En ella cuatro amigos se encuentran en un escape room en la Colonia Doctores. En los alrededores de ese lugar han sucedido una serie de asesinatos, lo cual dará elementos de un thriller. Un escape room es un lugar de entreteniento en el cual para salir del cuarto hay que resolver una serie de acertijos. Durante el desarrollo de la función, como en un escape room, hay un reloj con una cuenta regresiva que marca el tiempo para llegar al final.

Faisy dijo estar muy feliz de cerrar el año con teatro. “Después de una pandemia no hay nada que me sane tanto el corazón como subirme en estas tablas acompañado de gente con la que conecto”, afirmó. En el contexto que vivimos, reflexionó, la comedia es terapéutica y es un buen conducto para abrir la comunicación. En este sentido, agregó, hay textos que se tienen que hacer y que el público agradece.

Juan Martín Jáuregui señaló que desde que leyó la obra se encontró con un texto divertido y ritmo avasallante. Destacó que el tener como director al autor de la obra ayuda mucho para entender el rumbo por el cuál se debe ir. Por su parte, Alejandra Barros coincidió: “Qué privilegio tenemos de podernos sentir guiados por el escritor de la obra, el actor de la obra, y el director de la obra”.

En este sentido, Paly Duval explicó que es mágico trabajar en esta puesta en escena. Como actriz, dijo, salir de la zona de confort siempre es un reto y como artista se agradece mucho.

Joel Joan, coautor de la obra junto con Héctor Claramunt y director del montaje original en Cataluña y Madrid, explicó que Escape Room en Barcelona tuvo una temporada de 3 años con más de 450 representaciones. Además, dijo, se hizo una película sobre la obra. Destacó que es un “sueño hecho realidad estar en México”. Sobre esto, comentó a Cartelera de Teatro que tenía ilusión de presentar su obra aquí. “Hay mucha tradición teatral, mucho teatro y es la capital de latinoamérica“, señaló.

En la obra, dijo, el público pasará un rato no solo sorprendente, sino casi alucinante, a través del viaje emocional de los personajes. Va más allá, explica, de cómo los personajes van a salir del cuarto, lo mágico de este escape room es a dónde lleva a los personajes. “Solo cuando estás al límite es cuando aparece tu verdadero yo“, apuntó el director.

El montaje es el original que se presentó en Barcelona y Madrid, pero el texto cuenta con la adaptación para México de Enrique Arce. Sobre este punto, aclara Joan, Arce acerca el texto al público mexicano en el espacio y en el tiempo. Destacó que las distintas versiones son distintas, “porque el mapa político y social de este país es otro que el de España, que el de Cataluña”.

El director explicó que la obra es una “caja de sorpresas” en la cual pasan muchas cosas. Para ello se deben solucionar una serie de temas técnicos escenciales para que transcurra el relato. En este sentido, señaló, la propuesta escénica es prácticamente igual a la que se presentó en Barcelona. Sin embargo, comentó, en la versión mexicana participa en la escenografía Emilio Zurita. El escenógrafo se inspira y replica algunas cosas del montaje catalán, pero “la adaptación que ha hecho del escenario es magnífica”, está adapatada al teatro y a las circunstancias.

La obra ha tenido un gran recibimiento, pues además de la temporada en Barcelona, se presentó en Madrid durante tres años y en Perú batieron récord de audiencia, pues en 35 funciones la vieron 35 mil espectadores. El productor Claudio Carrera destaca en este sentido que esta obra es un “dispositivo, una maquinita, un reloj perfecto por cómo funciona y cómo está escrita”.

El diseño de iluminación de la obra es de María Vergara y el vestuario corre a cargo de Adriana Pérez Solis. El diseño sonoro es de Miguel Jiménez.

Para más información de Escape Room, horarios, boletos y más, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

3 razones para ver EL MAGO

El mago / The Wiz estrenó hace dos meses. A pesar de un arranque literalmente accidentado, ya que Lucero Mijares sufrió una fractura en el tobillo, la obra no se detuvo. Su productor, Juan Torres, está celebrando con este montaje sus 25 años de carrera.

La protagonista de la obra ya está totalmente recuperada y la obra ha entrado en una nueva etapa, en la que Lucero no requiere de ningún apoyo ortopédico para realizar las funciones.

La obra, que se presenta en el Teatro Hidalgo, es una versión con música con influencia afroamericana de El mago de Oz. La obra se estrenó en 1975 en Broadway y dos años más tarde, en 1977 se rodó la versión cinematográfica, con las actuaciones de Diana Ross y Michael Jackson.

Aquí te decimos tres razones para ver El mago.

1. La voz de Lucero Mijares acompañada de un gran elenco. La voz de la protagonista de este montaje potente y bien colocada. Lucero Mijares, heredera de la capacidad vocal de sus padres Lucero y Manuel Mijares, se pone al frente de esta compañía y demostró su compromiso con el teatro al salir a escena incluso con una pierna fracturada. La joven actriz comparte el escenario con grandes figuras del teatro musical: María del Sol, Eugenio Montessoro, Óscar Acosta, Marisol Meneses, Crisanta Gómez, Juan Fonsalido, Dulce Patiño, Federico Di Lorenzo, Felipe Álvarez.

2. Una producción monumental. El montaje cuenta con más de 237 vestuarios realizados por Jair Campos, además de un vestuario realizado exclusivamente para Lucero Mijares por Víctor y Jesse. La escenografía diseñada por Óscar Acosta consta de trece cambios, mecanismos giratorios y una pantalla de 19 metros de largo por 6.5 metros de alto.

3. Música con raíz afroamericana. La música de El mago, escrita por Charlie Smalls, es una mezcla de influencias, géneros y fusiones de soul, jazz, R&B, Godspell y dixieland. El resultado es muy afortunado, tiene un ritmo y un sabor especial, que lo aleja un poco de la música que estamos acostumbrados a escuchar en un musical.

La temporada de El mago está planeada para terminar el próximo 18 de octubre. Sin embargo, según ha dicho el productor, está buscando ampliar la temporada por algunas semanas más. Pero no te confíes, mejor ve ahora a ver este músical que marca el debut en teatro de Lucero Mijares.

Para más información, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía PinPoint.

Datos que no sabías sobre SI TE MUERES… ¡TE MATO!

Después de estar un año en cartelera, la comedia Si te mueres… ¡Te mato! está por terminar temporada. Interpretada por Susana Alexander y Azela Robinson, la obra narra cómo dos cuidadoras de una anciana de origen serbio tendrán que hacer lo imposible por mantener su trabajo.

Un hecho inesperado es el arranque de esta historia llena de humor negro. Con funciones los fines de semana Si te mueres… ¡Te mato! se presenta en el Teatro Fernando Soler. Según ha anunciado la producción restan solamente algunas semanas y algunas presentaciones en Cancún, Mérida y Chetumal para que el montaje baje el telón.

Aquí te contamos algunos datos sobre este montaje que no te puedes perder. Es toda una experiencia ver juntas en el escenario a la maestra Alexander y Azela Robinson.

Primer trabajo juntas. La química sobre el escenario de Susana Alexander y Azela Robinson es extraordinaria. El entendimiento y la dinámica entre ellas hacen que la obra fluya de manera natural. Cualquiera pensaría que ambas actrices han compartido escena en un sinnúmero de proyectos. Sin embargo, esta es la primera ocasión en que Alexander y Robinson trabajan juntas. Esperamos verlas pronto en otro proyecto, pues logran una mancuerna muy disfrutable.

Dos nombres para una misma obra. El título original del montaje es Radojka, y no, no se trata de una obra europea. El título original de la obra, escrita por los uruguayos Fernando Shmidit y Christian Ibarzábal hace referencia a la señora de origen serbio que Lucía (Susana Alexander) y Gloria (Azela Robinson) cuidan. Radojka es una palabra serbia que significa Alegría, y también es el nombre de la anciana en cuestión.

Una obra montada en plena pandemia. El primer montaje de la obra se hizo en Argentina y se hizo en plena pandemia. La actriz Patricia Palmer, una de las protagonistas de la versión argentina, ha narrado como empezaron a montarla en exteriores y con cubreboca en diciembre de 2020. La obra estrenó en junio de 2021, durante uno de los picos de la pandemia en el país sudamericano.

Una obra de exportación. El texto de Shmidit e Ibarzábal, desde que se estrenó en Argentina, ha sido un éxito en varios países. El montaje se ha puesto en lugares como Uruguay, República Dominicana, Colombia, España, Perú, Paraguay. La versión mexicana, que está por terminar, tuvo un muy buen recibimiento del público que la mantuvo por un año en cartelera.

No te pierdas la oportunidad de ver juntas en el escenario a Susana Alexander y Azela Robinson. Todavía quedan algunas funciones para que rías y disfrutes de esta comedia.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Jorge Astorga.

3 razones para ver COMO QUIERAS… ¡PERRO ÁMAME!

En la cartelera de la Ciudad de México las obras con más de 10 años de permanencia son pocos. Una de ellas es Como quieras…¡Perro ámame!, un musical escrito por  Diego de Erice y producido por SG Producciones. Lograr algo así no es nada fácil, se necesita de una obra que conecte con el público.

Este montaje tiene solamente dos personajes en escena, pero cuenta con un elenco de 6 actrices y actores que van alternando funciones. Evidentemente, con un montaje que ha durado tanto en cartelera, su elenco ha tenido cambios a lo largo de los años. Sin embargo, una constante en el elenco es su autor Diego de Erice, quien en actualmente es acompañado por Karina Luna, Daniel Gama, Erika Tahis, Ricardo Hernández, Carlos Fonseca.

Aquí te contamos tres razones por las cuales debes ver este montaje.

1. Música que todos reconocerán. Al tratarse de una obra musical, la primera razón que te damos son los temas musicales que ayudan a que se vaya hilvanando la historia. Si lo tuyo es la música pop y las canciones que hablan de amor, esta es la obra para ti. Durante el espectáculo,  Samantha y Max, los personajes de este musical, utilizan  para narrarnos esta historia temas musicales reconocidos de diversos autores e intérpretes, entre ellos Armando Manzanero, Sin Bandera, Gael García Bernal, Joan Sebastian, Ricardo Montaner y Ricardo Arjona, entre otros.

2. Una historia de amores y desamores sin cortarse las venas. Esta obra nos habla del amor, un tema que, sin lugar a dudas, todos conocemos y hemos vivido. Desde el humor los personajes de esta obra nos hablan de las relaciones y de sus conflictos. Es una obra que sin drama ni complicaciones nos dice que, a pesar de todo, el amor siempre vale la pena.

3. Un elenco variado. Como ya te comentamos en esta obra alternan tres actrices y tres actores. Además de ser una necesidad en un montaje con tantos años en cartelera, un elenco que alterna le da la posibilidad al público de ver más de una vez la misma obra y descubrir el toque personal que cada intérprete le da a los personajes. Si eres fan de alguna o alguno de los integrantes del elenco, tienes la oportunidad de verlo interactuar con distintos compañeros en escena.

Si te gustan los musicales y las historias de amor corre a ver Como quieras… ¡Perro ámame!  y descubre por qué ha durado tantos años en cartelera.

Consulta horarios, costo de boletos y obtén tus descuentos haciendo clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: FB Como quieras… ¡Perro ámame!

5 propuestas en temporada en el Foro Shakespeare

El Foro Shakespeare es reconocido como uno de los lugares más significativos para los artistas y creadores, gracias a su ubicación privilegiada, que incluye una librería especializada en artes escénicas, un teatro íntimo y un acogedor café-bar.

Aquí te dejamos algunas propuestas que se presentan actualmente en el Foro, para que te animes a visitarlo:

1. ESCORTita la vida (recital grosero). Escrita, dirigida y actuada por la actriz Minerva Valenzuela, mejor conocida como “ladelcabaret”,  dignifica la vida de las trabajadoras sexuales, a través de una cuidadosa selección de canciones representativas de diferentes estilos y distintas épocas, acompañadas de un piano, a cargo de Sara Vélez. Se presenta todos los lunes de septiembre, octubre y noviembre.

2. Tierra del Fuego. Escrita por Mario Diament con adaptación y dirección de Tiago Correa, la obra reflexiona sobre las causas y consecuencias de la violencia político militar, a partir de la historia de una ex azafata israelí, víctima de un atentado. La obra se presenta miércoles y jueves hasta el 4 de octubre.

3. Silencio. A cargo de Juan Carrillo, Mónica Portillo y Martín Becerra, creadores pertenencientes a Los Colochos, se inspiran en Otelo de W. Shakespeare para crear la historia un médico con sordera que acaba involucrado en un trágico incidente en el que su prometida, quien también es su intérprete, pierde la vida debido a los celos injustificados. Las funciones son los viernes hasta el 27 de octubre.

4. La lotería del stand up. Este show de stand up cuenta con un elenco alternante y está basado en la tradicional lotería mexicana, escucharás las vivencias de un sireno, un catrín, un valiente, un borracho y una diablita, que te harán reír a pierna suelta. Las funciones son todos los viernes.

5. Hombre perro. Inspirada en “La historia del hombre que se convirtió en Perro” de Osvaldo Dragún, es protagonizada por la actriz chilena, Jacinta Egaña Kaulen, quien también adapta y actúa, nos habla sobre la precarización laboral y cómo se relaciona con ciertos tipos de masculinidades hegemónicas. Las funciones los domingos hasta el 24 de septiembre.

Estas son algunas opciones que puedes disfrutar en el recinto de Zamora 7, si deseas consultar otras propuestas, da clic, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro y Teatro La Capilla

Tres décadas de LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA: empoderamiento y lucha contra la violencia

Los monólogos de la vagina están por cumplir 27 años de su estreno mundial y 23 años de haber llegado a México. Desde entonces se ha convertido en uno de los montajes constantes en la cartelera de la Ciudad de México.

La obra está conformada por una serie de monólogos que, normalmente, interpretan tres actrices en cada función. La obra es parte fundamental del proyecto V-Day, que busca poner fin a la violencia en contra de las mujeres. Todos los años, entre el 1 de febrero y el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, se realizan en todo el mundo funciones para recaudar fondos para combatir la violencia contra la mujer.

Aquí te contamos algunos datos que tal vez no sabías de Los monólogos de la vagina.

La obra se escribió y se montó por primera vez en 1996. Eve Ensler, su autora, la escribe a partir de 200 entrevistas con mujeres. En estas charlas hablaron de sexo, relaciones amorosas y violencia contra la mujer. La obra se estrenó el 8 de octubre de 1996 en Nueva York, y la versión original de la obra incluía a una sola actriz.

A México la obra llegó cuatro años después. Bajo la producción de Mejor Teatro la obra realiza su primera función el 19 de octubre del año 2000. Después de 23 años la obra ha realizado ya más de 8 mil funciones en nuestro país.

Desde el año 2000, en la versión mexicana de la obra han participado 140 actrices y mujeres destacadas en distintos ámbitos. En la primera temporada participaron: Andrea Legarreta, Stephanie Salas, Sofía Álvarez, Pilar Boliver, Ana Karina Guevara y las grandes actrices Lilia Aragón y Adriana Roel, así como la doctora Anabel Ochoa, estás últimas tres ya fallecidas.

El alcance y popularidad de la obra hizo que en el 2000 el Madison Square Garden se dieran cita 18 mil personas. Con el recinto lleno se realizó una función especial en la que participaron la periodista Oprah Winfrey, la cantante de rock Melissa Etheridge, la rapera Queen Latifah, además de las actrices Brooke Shields, Calista Flockhart, Glenn Close, Jane Fonda, Margaret Cho,Marisa Tomei, Rosie Pérez, Teri Hatcher, Whoopi Goldberg y Winona Ryder.

Se trata de una obra que alcanzó el éxito mundial. Fue ganadora de un premio Obie, el premio que reconoce las obras en Off-Broadway. Además ha sido traducida a más de 45 idiomas y se ha presentado en alrededor de 120 países. Cuenta también con una serie inspirada en la obra, producida por HBO.

Estos son sólo algunos datos sobre esta emblemática obra. No te pierdas la oportunidad de disfrutarla. Aquí puedes consultar, horarios, boleto y obtener descuentos.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro

Piden permiso a espíritus con ritual para iniciar temporada de 2:22, UNA HISTORIA PARANORMAL

Este lunes se anunció que el próximo 22 de septiembre iniciará temporada en el Teatro Xola Julio Prieto la obra 2:22, una historia paranormal. La obra, escrita por Dany Robins, se estrenó en el West End de Londres en el 2021 y ahora llega al Ciudad de México bajo la dirección de Gabriel Mata- Cervantes. El elenco del montaje está integrado por Diego Klein, Alejandra Ambrosi, Erika de la Rosa y Jorge Losa.

La obra es un thriller que narra la historia de Eli (Alejandra Ambrosi) y Sam (Diego Klein), su esposo. La pareja se muda a una misteriosa casa en la que Eli comienza a sentir una presencia fantasmal, mientras que Sam se apega a la lógica y la razón. Los hechos dan un vuelco cuando invitan a cenar a sus amigos Laura (Erika de la Rosa) y Fer (Jorge Losa).

Alejandra Ambrosi se dijo emocionada de ser parte de este proyecto que tiene un texto maravilloso con muchas capas. Se habla, comentó, de muchos temas, entre ellos, de una pareja en crisis matrimonial. Se trata de una obra, afirmó la actriz, que tiene una “profundidad tremenda”. Al respecto, Diego Klein, señaló que es un thriller psicológico en el que “suceden cosas”.

Al hablar sobre la obra, Jorge Losa destacó su amor por el teatro, y más un teatro que lo conecta con lo paranormal, que siempre lo ha acompañado en su vida. En este sentido, narró ciertas experiencias extrañas que ha vivido desde que comenzaron los ensayos de la obra.

Por su parte, Erika de la Rosa afirmó que el texto va mucho más allá de las experiencias paranormales, pues hace la pregunta: ¿Quién es realmente tu fantasma? Se trata, dijo, de una pregunta muy difícil de responder, pero, “por ahí es por donde creo que puede entrar la identificación del público con la historia que les vamos a contar”.

Antonio Calvo, productor del montaje, destacó que 2:22, una historia paranormal es una experiencia distinta, una propuesta teatral diferente. La gente que está montando y todo el equipo es interdisciplinario para lograr una verdad que conecte con el público, señaló.

En la obra participan también Miriam Rascol, Dan Cervantes, Diego Medellín y Melina D’Angelo. Con Calvo coproudcen la obra Rebeca Moreno y Coco Valles.

Las obras de teatro manejan mucha energía

Antonio Calvo encabezó con su elenco una ceremonia para pedir permiso a los espíritus del teatro Xola para realizar la temporada. Para realizarla se convocó a los medios de comunicación y estuvimos presentes.

En este sentido, explicó que todas las obras de teatro manejan mucha energía y es el ritual más antiguo de la humanidad. El teatro, agregó, “fue la primera manifestación artística que el hombre inventó y era para comunicarse con la naturaleza, con los espíritus y un espejo de sí mismo”.

Sobre la decisión de realizar un ritual, dijo que fue recomendación de parapsicólogos que consultaron. “Cuando haces una obra de teatro que además toca temas paranormales, invoca espíritus, toca todos esos temas, se intensifica un poco más esa cuestión”, explicó.

Antes de iniciar, señaló a los medios de comunicación: “Lo que vamos a hacer es un ritual para pedirle permiso a todas las presencias que hay en este teatro, a que nos den permiso de hacer esta obra”.

Para más información del montaje, horarios, boletos y más, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

¡Viva México! Celebra las fiestas con estas 5 imperdibles obras en cartelera

Este mes patrio, disfruta de un caleidoscopio escénico con obras que transitan entre la comedia y el cabaret hasta viajes a través de la historia y reimaginaciones de los grandes clásicos de la literatura universal.

Estas propuestas nos invitan a cuestionar qué tanto ha evolucionado o cambiado nuestra mentalidad, sin dejar de lado, nuestro distintivo sentido del humor, la algarabía, el color y los sabores que nos caracterizan como mexicanos.

Por esta razón, te traemos algunas recomendaciones para que asistas al teatro y celebres desde la tablas:

1. Lagunilla, mi barrio. Un clásico del cine nacional llevado al teatro que evoca los años dorados del cabaret en México, acompañada por música y humor, además de un gran elenco que te hará pasar un gran momento de entretenimiento familiar. Las funciones son de viernes a domingo en el CC Teatro 2.

2. Las Meninas. Un serial escénico que se ha convertido en todo un fenómeno en nuestro país, gracias al carisma e ingenio de las tías, quienes nos relatan, de manera amena e ingeniosa, diversos episodios de la Historia Nacional. Aunque este episodio se basa en la Revolución, la puesta nos invita a adentrarnos en la profundidad de los personajes que dieron forma a la historia de nuestra nación. Las funciones son todos los jueves en el Teatro Milán.

3. Vedette, show. Este espectáculo adaptado a nuestra época, rinde homenaje a los grandes shows del cabaret de los años 70, donde las plumas, las lentejuelas y las variedades eran los elementos principales de la noche. Aquí podrás deleitarte con un talentoso elenco femenino, aderezado con el humor de “La Lupe”, la drag queen encargada de conducir cada función. Las funciones son todos los viernes y sábados en el Foro Stelaris dentro del Hotel Fiesta Americana.

4. Silencio, Mendoza y Reina.  Tres obras a cargo de la compañía Los Colochos, basadas en los grandes clásicos de W. Shakespeare,  que se desarrollan en un contexto contemporáneo donde el miedo, la locura y la búsqueda de poder siguen siendo dominantes en nuestra sociedad. Cada una de estas obras se representa una vez a la semana, los viernes, sábados y domingos, en el Foro Shakespeare.

5. Ixtab, caminando por los aires. Una propuesta que combina el teatro y la música, cargada de simbolismos y musicalizada con elementos prehispánicos como las sonajas y coyoleras. A través de la historia de una niña que evoca a su madre y emplea la siembra del maíz como metáfora, se exploran las profundas repercusiones en las vidas de Barciana y su madre. Esta obra estará en el Teatro El Granero del CCB del 21 al 24 de septiembre.

¿Sabías que? Durante el siglo XIX, tradicionalmente la ceremonia de El Grito se realizaba en los teatros, así que esta es una buena forma de gritar ¡Viva México! desde los escenarios.

Por Itaí Cruz, Fotos: Estudio Shai y Cortesía Los Colochos Teatro

Medea en el teatro mexicano: Entre venganza y generaciones cambiantes

En esta creencia de que los actores se comportan en la vida cotidiana al igual que los personajes que interpretan, alguna vez un reportero de televisión le preguntó al actor Juan Ferrara si su madre se llevaba a casa a los personajes que hacía en teatro o en la tv. La respuesta de Ferrara fue inmediata: dijo que, evidentemente, no. Y enseguida dio un ejemplo contundente: mi mamá interpretó a Medea. Si ella se comportara en casa como sus personajes, ya nos hubiera matado a mis hermanas y a mí. En efecto, la madre del actor, la gran exiliada española Ofelia Guilmáin tuvo en Medea uno de sus más resonados éxitos teatrales, en la década de los setenta.

Aunque en México ya se había presentado en los años treinta una versión de la Medea del filósofo y dramaturgo latino Séneca, en traducción de Miguel de Unamuno y estelarizada por la legendaria actriz española-uruguaya Margarita Xirgu y años más tarde fue interpretada por la mexicana María Teresa Rivas, fue en los años sesenta, gracias al proyecto de Teatros del Seguro Social que diversos clásicos griegos fueron escenificados, en la traducción mexicana del Padre Ángel María Garibay.

Junto con Edipo Rey de Sófocles, la Medea de Eurípides -el material original a partir del mito griego- resultó uno de los triunfos más fuertes de la época.

Bajo la dirección de José Solé y la actuación de Guilmáin,  así se inició una historia teatral en la que un texto estrenado en el año 431 a.C., sigue siendo objeto de revisiones, adaptaciones y versiones a cargo de diversos dramaturgos y directores, sigue siendo oportunidad inmejorable para que las actrices que la interpretan den un Do de Pecho, sigue impactando a las generaciones de espectadores que la han visto en su concepción original o en alguna de sus versiones y, sobre todo, sigue poniendo sobre la mesa un tema que fudamenta los cambios políticos, sociales y culturales del tiempo actual: el justo lugar de la mujer en cada ámbito del mundo, la erradicación de la violencia de género al igual que de los machismos y micromachismos ejercidos desde siempre.

El mito retomado por Eurípides se trata de una mujer extranjera que vive en Corinto, casada con el héroe Jasón, con quien tiene dos hijos. Ante el abandono de Jasón para casarse con Creúsa, la hija de Creonte, el rey de Corinto, Medea es desterrada pues Creonte sabe que Medea es bruja y hechicera, es decir, es una mujer fuerte y sabia que podría tomar venganza. En plena boda, Medea provoca la muerte del rey y la princesa para luego dar muerte a sus propios hijos.

El impacto de la Medea protagonizada por Guilmáin en los sesenta fue tal, que volvió a escenificarla una década después, ahora bajo la dirección de Rafael López Miarnau. Otra de las grandes actrices de esa época que dio vida a la hechicera fue María Teresa Rivas.

Las otras grandes versiones de Medea, como la de Séneca -escrita hacia el año 50 a.C.-, la de Pierre Corneille -escrita en 1635- y la de Jean Anohuill -estrenada en 1946- no son otra cosa que apuntes y comentarios sobre la tragedia de Eurípides. La de Anohuill fue presentada en México en 1952, en traducción de Luisa Josefina Hernández, como una de las obras de la vanguardia francesa que tanto interesaban a su director, Salvador Novo, quien eligió a una actriz mítica para interpretar al mito: María Douglas.

Tres muy distintas Medeas fueron interpretadas por tres de nuestras grandes actrices: En 1981, Ana Ofelia Murguía la encarnó, bajo la dirección de Manuel Montoro, logrando uno de los puntos más altos de la mancuerna entre la actriz y el director.

Una década después, Marta Verduzco hizo lo propio dirigida por José Caballero. En ésta propuesta, el tono trágico cedió ante un tono de pieza realista, con ruegos y maldiciones más susurrados que grandilocuentes.

Al igual que ocurrió en la década de los sesenta con los Teatros del Seguro Social y luego en los setenta con el Instituto Cultural Helénico, en pleno año 2000 se retoman los clásicos griegos en la cartelera teatral, en lo que hoy son los foros del Sistema de Teatros de la Ciudad de México. En ese marco, Marta Aura incorporó a la hechicera bajo la dirección de María Muro, siendo la primera vez en nuestro país que el clásico estuvo bajo la óptica de una mujer.

A partir del mito, del clásico de Eurípides y de las versiones de Séneca y Anohuill, otros creadores escénicos han presentado sus propias revisiones y apuestas sobre el personaje y su especial situación.

Así lo hicieron en los noventa José Acosta en De nota roja con Teresa Rábago como una Medea en el Metro del D.F., Rocío Carrillo con el espectáculo Medea, el mito.

Diferente a todas estas producciones fue la que en los años ochenta tuvo a Tito Vasconcelos como co-autor, co-director y protagonista: Una noche con Medea, adaptación que respetaba el tono trágico, mientras todos los personajes eran interpretados por hombres.

En el nuevo siglo, la creadora franco mexicana Mahoalli Nassourrou con Medea redux de Neil Labute que, traducida por Noé Morales, ella misma actuó y co-dirigió.

Por su parte, David Hevia escribió y dirigió Play Medea -que sucedía al interior de una carpa de fiestas- permitiéndole a Carolina Politi ofrecer una de sus varias memorables actuaciones teatrales.

De igual forma, Medea material del dramaturgo alemán Heiner Müller fue la bandera del proyecto de impacto social del Foro Shakespeare, bajo la dirección de Itari Marta, quien reunió a mujeres con y sin experiencia dentro de la actuación para poner el dedo en la llaga sobre el tema de la violencia de género.

Recientemente, el creador argentino afincado en México, Gonzalo Villanueva, propuso Medea o la llaga en el vientre, con un ensamble de actores que exploraba el mito desde el trabajo corporal.

Si bien ha habido acercamiento de las creadoras escénicas al texto, lo cierto es que ha prevalecido la visión masculina sobre el mito. En éstos tiempos la Cartelera de Teatro se ha visto permeada por nuevas Medeas.

Una de ellas, estrenada en 2019 y a punto de reestrenarse con tres funciones especiales, está escrita por Antonio Zúñiga y dirigida por Mauricio García Lozano, primero con Ilse Salas y ahora con Diana Sedano como protagonista. La Medea de Zúñiga vive en Tlaxcala y está relacionada con la prostitución, la trata de personas y es notorio el contexto de violencia de género que le rodea e influye en sus pasiones y decisiones.

Ni en Tlaxcala ni en Corinto, la protagonista de Medealand de la dramaturga sueca Sara Stridsberg vive en sí misma, confinada en un hospital psiquiátrico en donde es visitada por su madre, personaje totalmente nuevo que dota a la protagonista de nuevas reflexiones y de nuevos cuestionamientos y al público de una respuesta distinta a la eterna pregunta: ¿por qué lo hizo? Traducida y dirigida por Esther André González, esta tierra de Medea fue habitada en todas sus dimensiones por Paula Watson.

Una década después de haber incorporado a una Medea contemporánea e imponente en colaboración con Hevia, Carolina Politi volvió a hacerlo, ahora bajo la visión de Ximena Escalante, autora y directora de Éxtasis Medea, en la cual propicia un encuentro entre las dos esposas de Jasón, Medea y Creúsa, quienes sostienen un diálogo seductor y honesto que conduce hacia un final muy diferente al esperado, que nos hace entender que a lo mejor Medea no es necesariamente una filicida maldita, sino simple y llanamente una mujer libre que si a alguien ama es a sus hijos. El mito explorado desde su raíz, fuera de los vicios impuestos por la sociedad que lo ha trasladado de época en época.

Las protagonistas de éstas obras han coincidido al declarar en entrevistas que al encarnar a Medea lo hacen a sabiendas de la resonancia que tiene el tema de la mujer, la maternidad, la violencia, el abandono y la pérdida de los hijos en una sociedad como la nuestra y cómo con sus interpretaciones buscan ir más allá de la simple etiqueta de filicida que le ha sido impuesta a la princesa griega para ofrecerle otras interrogantes, otras explicaciones: otras verdades.

Si cada década debe tener un Hamlet como dicen por allí, en éste país tal vez lo más justo es que cada década -o cada año, o cada mes, como ha sucedido- tengamos una Medea.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía

AVISTAMIENTO DE BALLENAS, novena obra seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024

Avistamiento de ballenas es la novena Obra Seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024. Este montaje es un ejercicio liberador para el público y el equipo creativo. Es una propuesta fresca y distinta que tiende puentes con el espectador de una manera direrente a la que estamos acostumbrados.

A través de este montaje, su directora Angélica Rogel y sus intérpretes, Gabriela Guraieb y Raúl Villegas, nos hablan sobre el significado del amor en esta época. Nos habla de territorios personales y relaciones amorosas. Se trata de un juego escénico donde las distintas herramientas que se usan hacen al público partícipe del montaje. Avistamiento de ballenas indaga en hasta donde el público puede involucrase en el proceso creativo de una obra.

Bajo un formato de falso documental, nos adentramos en un espacio lúdico en el que se reflexiona si el amor es casual o causal. En una especie de improvisación de largo aliento, en la que se rompen o estiran las reglas establecidas, el público es participe de esta reflexión.

Se trata de una historia que toca una parte emotiva, pero desde una perpectiva que no alecciona ni busca los territorios oscuros del amor. Desde el humor mira más bien hacia su parte luminosa y sorpresiva, hacia esos hechos que van conformando el amor como un suceso único cada vez que sucede, como un avistamiento de ballenas.

De una manera limpia y sencilla, todos los elementos sobre el escenario, desde la iluminación de Ana Luisa Gama, la escenografía y vestuario de Airam Nanti, el diseño coreográfico de Richie Rodríguez y las percusiones en vivo de Homero Torres juegan a favor del montaje. Crean para el espectador una experiencia distinta.

Para más información, horarios, boletos y más sobre este montaje, haz clic aquí.

¡Teatro para dar el grito este 15 de septiembre!

Sabemos que no todos se guardan en casa este 15 de septiembre, algunos prefieren pasar las fiestas nacionales, ya sea en un bar, en el cine, y por supuesto en el teatro. Si eres de éstos últimos y andas buscando qué ver este viernes, acá te traemos un listado con algunas obras que ofrecerán funciones para que te lances a disfrutar de lo mejor del teatro nacional.

La Dama de Negro. Si te gusta el terror y el suspenso, no te puedes perder este clásica y longeva puesta que lleva más de 20 años en nuestros escenarios. La función es a las 20:30 h en el Teatro Ofelia.

Mamma mía! Ahora bien si te encantan los musicales, no te pierdas esta producción que te hará cantar y bailar al ritmo de las icónicas melodías de ABBA. La función es a las 20:30 h en el Teatro de los Insurgentes.

Consentimiento. Si disfrutas del drama y te interesan las cuestiones legales, esta historia te dejará un sinfín de reflexiones sobre el tema del consentimiento. La función es a las 20:00 h en el Teatro Helénico.

El intercambio. Si tu plan es reír a pierna suelta, esta obra te hará pasar un momento de entrenimiento, su trama versa sobre una pareja que busca salir de la monotonía y se adentra en el intercambio de parejas. La función es a las 20:00 h en el Teatro Jorge Negrete.

La ira de Narciso. Ahora bien, si eres un amante de los monólogos, está propuesta es ideal porque el actor no sólo rompe la cuarta pared de forma constante, también indaga en reflexiones filosóficas y artísticas, partiendo del mito de Narciso. La función es a las 20:00 h en el Teatro La Capilla.

El camerino de Ofelia. Si te gustan las adaptaciones que parten de personajes icónicos de la literatura, te recomendamos esta comedia que plantea una crítica hacia el amor romántico. La función es a las 20:30 h en el Foro Shakespeare.

Por Itaí Cruz, Fotos: FB El camerino de Ofelia/Ariel Cerebelina

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3 razones para ver LA DAMA DE NEGRO

Son casi tres décadas las que La dama de negro se ha mantenido en cartelera. Esta historia se ha colocado en el gusto del público y todo este tiempo lo ha mantenido al borde de la butaca. Producido por Antonio Calvo y Carlos Bracho, este montaje se ha convertido en todo un referente de la cartelera en la CDMX-

Bajo la dirección de Rafael Perrín han pasado en esta obra un buen número de actores. Actualmente la interpretan, alternando funciones, Odiseo Bichir, Alejandro Tommasi, Rafael Perrín, Ernesto D’alessio, Benjamín Rivero, Fabián Pazzo y Ricardo Morell.

Si en tres décadas no la has visto, tienes que irla a ver. Aquí te decimos tres razones por las que deberías de verla.

Una adaptación efectiva. La obra es una adaptación de Stephen Mallatrat a la novela de Susan Hill, y el trabajo del adaptador logra una gran eficacia. Arthur Kipps, el protagonista de la historia, necesita compartir con alguien la experiencia que vivió y lo ha mantenido aterrorizado por años. Para ello recurre a John Morris, un director y actor que lo ayudará a convertir esa experiencia en una puesta en escena. Es decir, el terror se lleva a las entrañas del propio teatro, donde el espectador es testigo de esta historia.

Una propuesta depurada por los años. La dirección de Rafael Perrín tiene como pilar fundamental el estimular la imaginación del público. Genera los ambientes y situaciones de terror con un gran ritmo. En los momentos justos integra momentos de comicidad que aligeran y preparan al espectador para vivir el sobresalto. Son ya muchos años realizando esta obra y eso se nota sobre el escenario.

El público como parte de la escenificación. La escenofonía de Antonio Calvo, la escenografía de Roberto López Jaramillo y el diseño de iluminación de César Perrín Trujillo logran construir un ambiente y un espacio en el que el espectador se vuelve parte de la puesta en escena y sea partícipe. El uso del patio de butacas en ciertos momentos genera la complicidad del público y da fuerza a la propuesta del director.

Estamos además a unas semanas de que llegue el Día de Muertos y Halloween, es una temporada ideal para asistir a La dama de negro. Si ya la viste puedes disfrutarla nuevamente, si no, es el pretexto ideal para ponerte al día con esta obra que, como ya dijimos, es todo un clásico en la cartelera de esta ciudad.

Para más información, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cortesía de la producción.

El Gran Teatro Nacional: un monumento perdido

Antes de que el Palacio de Bellas Artes fuera el teatro más imponente de la Ciudad de México existió el Gran Teatro Nacional. Estamos en fechas patrias y es un buen momento para hacer un ejercicio de memoria. De imaginar cómo era el Centro Histórico cuando en él existía este teatro monumental, con sus muros de más de 17 metros de alto. En su momento fue uno de los teatros con mayor aforo en América Latina, con 2 395 butacas.

El Gran Teatro Nacional cerraba la actual avenida Cinco de Mayo a la altura de la calle de Vergara, hoy conocida como Bolívar. Se construyó entre 1842 y 1844, el arquitecto Lorenzo de la Hidalga y el empresario Francisco Abreu convencieron al presidente de ese entonces que era necesario un teatro a la altura de las ciudades europeas. El presidente en cuestión era, ni más ni menos, que el controvertido Antonio López de Santa Anna. El teatro abrió sus puertas el 10 de febrero de 1844

El recinto tuvo diversos nombres durante sus casi 60 años de existencia. En un principio llevó el nombre de Gran Teatro de Santa Anna. Cuando cae López de Santa Anna el teatro toma el nombre de Gran Teatro Nacional y posteriormente Gran Teatro Vergara. Sin embargo en 1853, cuando regresa al poder el dictador, retoma su nombre original hasta su caída definitiva. En el Segundo Imperio tomó el nombre de Gran Teatro Imperial, y la dirección la tomó el autor de Don Juan Tenorio, José de Zorrilla.

Finalmente, restaurada la República, Benito Juárez lo renombra como Gran Teatro Nacional, nombre que llevó hasta que en 1901 fue demolido para extender la avenida Cinco de Mayo y dar paso al Nuevo Teatro Nacional. Este nuevo teatro es el que hoy conocemos como el Palacio de Bellas Artes. El nuevo recinto inició en 1904 su construcción, como parte de las celebraciones del centenario de la Independencia. Sin embargo, en 1910, con el estallido de la Revolución, sus trabajos se detuvieron por un par de décadas. Fue hasta 1934 que abrió sus puertas el nuevo edificio.

Regresando al Gran Teatro Nacional, en él debutó Ángela Peralta. En 1854 se estrenó ahí, para las fiestas de Independencia el 15 de septiembre, el Himno Nacional Mexicano. Los intérpretes del hinmo esa velada fueron la soprano Claudina Florentini y el tenor Lorenzo Salvi.

Antes de la construcción del Gran Teatro Nacional, el teatro más importante de la Ciudad de México era el Teatro Principal, ubicado también sobre la calle de Bolívar. Este otro teatro existió durante casi 200 años, y lo inauguró el virrey Revillagigedo en 1753 con el nombre de Coliseo Nuevo (la historia de este recinto merece un artículo aparte).

Así como hoy son reconocibles en la georgrafía de esta ciudad el Teatro de los Insurgentes, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el Teatro Julio Castillo, el Teatro Telcel, el Teatro Helénico o el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, el Gran Teatro Nacional fue el epicentro de la actividad escénica de la ciudad.

El Gran Teatro Nacional es una de esas edificaciones que fueron parte del paisaje de esta ciudad cambiante. Es un recinto que aún podemos ver en pinturas, litografías y antiguas fotografías. En él se escribió parte de la historia de las artes escénicas de nuestro país.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Imágenes: Grabado anónimo del siglo XIX y óleo de Pedro Pedro Gualdi, siglo XIX.

5 datos históricos del teatro en México

El teatro en México tiene una larga historia. En la época prehispánica se realizan conmemoraciones y fiestas religiosas, procesiones y ritos que representaban leyendas, mitos y hechos memorables. En ellas había danza, música y canto. Con la llegada de los misioneros españoles, el teatro se utilizó para evangelizar a los pueblos, y nacieron importantes formas sincréticas como las pastorelas.

Durante la colonia, en la Ciudad de México el teatro era una forma importante de expresión y de entretenimiento. Serge Gruzinski, en su libro, La ciudad de México, una historia habla de ello en distintos capítulos. El autor nos dice que se montaban obras de Sor Juana Inés de la Cruz, Lope de Vega, de Calderón de la Barca, de Luis de Sandoval Zapata, Agustín de Salazar y Torres, entre otros.

“Las producciones del Siglo de Oro español despiertan tal entusiasmo que muchas de ellas, traducidas y adaptadas al náhuatl – lengua de los indios de la ciudad de México -, se presentan ante la curiosidad de un público compuesto por notables y de nobles indígenas que se precian de descender de los príncipes prehispánicos”, señala Gruzinsky.

Te compartimos algunos datos que probablemente no sabías sobre el desarrollo del teatro en México.

El primer teatro formal en la Nueva España fue el Coliseo de México. Se crea entre 1671 y 1673 en el patio del Hospital Real de los Naturales, que se ubicaba en lo que hoy es el Eje Central y la calle Victoria. Se trataba de una estructura de madera que tenía que ser constantemente reparada.

El primer teatro de mampostería. El virrey Juan Francisco de Güemes, conde de Revillagigedo, decide que la ciudad requiere de un mejor teatro. En 1753 se inaugura el Coliseo Nuevo en la esquina de la calle Colegio de Niñas (Bolívar) y Acequia (16 de septiembre).

¿La primera obra mexicana? El origen del teatro en México, con elementos prehispánicos y europeos, tiene su origen desde el siglo XVI. Como ya hemos dicho, los frailes encontraron en el teatro una gran herramienta para la evangelización. El autor Fernando Horcasitas (El teatro náhuatl. Épocas novohispana y moderna, UNAM, México, 2000) señala que los frailes franciscanos al estudiar la cultura náhuatl se dan cuenta de que existía una rica tradición dramática prehispánica y deciden adoptarla para lograr sus objetivos. Según este autor la primera representación se monta entre 1532 y 1535, se trataba de Diálogos entre la Virgen María y San Gabriel.

El primer dramaturgo nacido en la Nueva España. Según la Real Academia de Historia de España, el primer “dramaturgo mexiano” es Juan Pérez Ramírez, nacido en la Nueva España en 1545. Se sabe que fue “hijo de conquistador”, se ordenó como sacerdote y conocía el náhuatl y el latín. Solamente se conoce de él una obra: Desposorio espiritual entre Pastor Pedro y la Iglesia Mexicana. Se trata de una pieza de circunstancias en verso, en un solo acto, se presentó en la catedral de la Ciudad de México en 1574.

La primera obra en el México independiente. No se tiene mucha información sobre la actividad teatral durante la Guerra de Independencia y en los años posteriores. Sin embargo, como señala Enrique Olavarría y Ferrari (Reseña histórica del teatro mexicano), con la entrada del Ejército Trigarante a la Ciudad de México el teatro se volvió en un espacio público para exaltar la independencia recién adquirida. Apenas un mes después de consumada la independencia, y como parte de los festejos, se estrenó el 27 de octubre de 1821 la obra México libre, de Francisco Ortega.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado. Imagen: Dibujo por Julio Ruelas. 1900. Foto: Félix Miret. Ca. 1910.

Algunos datos sobre ¿¡¿POR QUÉ NO NOS CASAMOS?!?

Adrián Cué escribe, dirige y actúa el montaje ¿¡¿Por qué no nos casamos?!?. En él nos habla sobre el amor y sobre el matrimonio.

Su autor considera que la obra es una oportunidad para que la gente, a través de la risa, se identifique. Para el actor y cantante se trata, además, de una forma en la que el público puede reflexionar sobre sus relaciones, su vida, el matrimonio – si es que lo tiene -, o decidir si desean casarse o entablar una relación de pareja.

Acá te contamos algunos datos sobre este montaje que tiene casi ya 10 años en cartelera.

A lo largo del tiempo ha estado en cinco espacios distintos en distintas zonas de la ciudad. La obra arrancó funciones en el Foro Cultural Coyoacanense, posteriormente pasó al Teatro Rodolfo Usigli, al extinto Teatro NH, al Teatro de la República y finalmente al Foro Sylvia Pasquel, donde actualmente se presenta.

En esta década de solamente ha detenido sus funciones por la pandemia. Esta actividad constante ha llevado a que la obra acumule más de 1,500 representaciones ya.

Nueve intérpretes la han realizado. La obra ha contado con la participación de distintas actrices y actores. Entre las actrices que han participado en ¿¡¿Por qué no nos casamos?!? están Adriana Vargas, Ana Pamela, Nancy Gamma, Odette Dupeyrón y Gaby Fernández. Los actores, además de Adrián Cué, son Adrián Rubio, Rodrigo Cuevas y ahora se incorpora al montaje Ignacio Riva Palacios.

Cambios a través del tiempo. A lo largo de su historia esta obra ha realizado cambios en su texto y en su escenografía con el objetivo de actualizarse. Las mejoras en su escenografía han sido cuatro hasta llegar a la que actualmente tiene.

Lista para atravesar fronteras. La obra después de mantenerse tanto tiempo en la cartelera de esta ciudad, estrena el 22 de septiembre un montaje en Guatemala. Además se están preparando versiones para presentarse en Colombia y en España.

Estos son algunos datos de Por qué no nos casamos. Para más información, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cortesía de la producción.

Por primera vez en México EL COJO DE INISHMAAN, una comedia irreverente y provocadora

El cojo de Inishmaan es parte de la trilogía de las islas Aran, del dramaturgo irlandés Martin McDonagh. Bajo la producción de la Sociedad Artística Sinaloense (SAS), este montaje llegará por primera vez a México el 28 de septiembre. En conferencia de prensa, encabezada por su director, Fernando Bonilla, y Leonor Quijada, directora de la Sociedad Artística Sinaloense, se informó sobre los detalles del montaje.

El elenco de la obra está integrado por Sofía Álvarez, Sergio ZuritaJuan Carlos Beyer, Tina French, Gabriela Murray, Aldo Escalante,David Juan Olguín Almela, Demetrio Bonilla y Meraqui Pradis. El equipo creativo lo integra Jerildy Bosch en el vestuario y Sergio Villegas en la iluminación y la escenografía. La obra tendrá funciones de viernes a domingo hasta el 4 de noviembre en el Teatro Rafael Solana.

Sofía Álvarez, destacó que su personaje, Eileen, es una de las tías de Billy, “El Cojo”. Ella es la razón y el sostén de la casa. Una mujer fuerte, seria y religiosa que se encarga de que su hermana y Billy puedan sobrevivir en un mundo hostil, señaló.

Esta obra, agregó la actriz, “es un concierto donde cada quién tiene específicamente un tempo para estar”. Se trata de una obra tan bien escrita que los diálogos “simplemente salen”. Lo anterior, confesó, tal vez en parte porque hace algunos meses interpretó otra obra del mismo autor: La reina de belleza de Leenane.

Sergio Zurita destacó que su personaje, Johnnypateenmike, es un personaje odioso y miserable que vive a través de difundir los chismes del pueblo. Para construirlo tomó como inspiración a actores como Arturo Alegro, Luis de Icaza y Héctor Ortega, además de personajes como el Pato Lucas y Cartman de Shout Park. La idea, subrayó, es que sea un personaje odioso pero que haga reír.

David Juan Olguín Almela, interpreta a Billy “El cojo”, quien le da nombre a la obra. El joven actor señaló que su personaje es la antítesis del personaje de Sergio Zurita, pero no por ello sin tener un lado oscuro. Se trata, explicó, de un personaje que no se encuentra a sí mismo. En este sintido, al igual que el resto de los personajes jóvenes, interpretados por Demetrio Bonilla (Bartley) y Meraqui Pradis (Helen), comparten la necesidad de salir de la isla.

Fernando Bonilla destacó que la oportunidad de dirigir una obra de Martin McDonagh, específicamente El cojo de Inishmaan y montarla por primera vez en México era algo que no podía rechazar. Al respecto consideró que el autor es el mejor dramaturgo vivo del mundo. “Es un autor de una magnitud inconmensurable” y que va a ocupar un lugar muy relevante en la historia del teatro, afirmó.

Compartió que en el 2004, bajo la dirección de José Caballero, tuvo la oportunidad de participar como actor en El teniente de Inishmore. Aquella fue una de las primeras obras de McDonagh que se montaron en México y junto con El cojo de Inishmaan, es parte de la trilogía de Aran. La pieza que cierra la trilogía es Los espíritus de la isla (The Banshees of Inisherin), filme nominada al Óscar a mejor película.

El cojo de Inishmaan, explicó su director, es una obra con un sentido del humor irreverente, provocador y punzante. Además, agregó, se trata de un autor polémico, incómodo y muy inteligente que ha sido censurado en varias partes del mundo. A partir de la comedia, dijo, confronta y provoca sensaciones contradictorias en la audiencia.

A través de esta obra, consideró Bonilla, se pueden encontrar muchos paralelismos entre Irlanda y México. La puesta en escena, explicó, respeta el espíritu original de la obra, pero constantemente se trata de “pelotear” con el espectador un espejeo entre la realidad de ambos países. En este sentido, aclaró que el objetivo es que el público se ría y se divierta pero “no es una risa estéril que se provoque y se esfume”, sino que provoque una reflexión.

Al iniciar el proceso de la obra, explicó el director, pidió a su elenco y al equipo creativo que no amarraran en el realismo. Al respecto, agregó, optaron por liberarse y crear un universo con una lógica propia.

Para más información de la obra, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro. 

5 datos que tal vez no sabías de AMOR SIN BARRERAS

Amor sin barreras (West Side Story) es uno de los musicales más famosos, tanto su versión teatral como la cinematográfica. La historia, inspirada en Romeo y Julieta de William Shakespeare, es todo un referente.

La obra, escrita por Arthur Laurents y Stephen Sondheim con música de Leonard Bernstein, estrenó en Broadway el 26 de septiembre de 1957. Su versión cinematográfica se estrenó en 1961.

Actualmente se presenta el montaje en el Teatro Centenario Coyoacán, bajo la producción de Gerardo Quiroz y la dirección artística de Óscar Carapia.

Te contamos 5 datos que probablemente no conocías de este clásico que está por cumplir 66 años de haber sido estrenado.

1. Este musical anteriormente ha tenido dos montajes profesionales en México, uno en 1976 y otro en el 2004. Éste último, bajo la dirección de Alejandro Orive y Mauricio García, y la producción de Gerardo Quiroz. En esa ocasión el elenco contó con la participación de Biby Gaytán, Chantal Andere, Jaime Camil y Eduardo Capetillo.

2. En el actual montaje de Amor sin barreras, el personaje de María lo realiza Ana Paula Capetillo. La joven actriz es hija de Eduardo Capetillo y Biby Gaytán. En el montaje de 2004, Biby dio vida al persoanaje que ahora interpreta su hija. En esta ocasión, Biby Gaytán tiene la oportunidad interpretar a Anita.

3. La producción que se presenta actualmente, además de ser el debut de Ana Paula Capetillo, también marca el inicio de la carrera teatral de dos jóvenes más: Axel Muñiz, hijo de Coque Muñiz y nieto de Marco Antonio Muñiz, y Luis “Potro” Caballero.

4. La obra se estrenó en Broadway en 1957 bajo la dirección y coreografía de Jerome Robbins. El montaje tuvo un impresionante recibimiento y realizó 732 funciones antes de iniciar una gira en 1959 por los Estados Unidos. La obra ha tenido muchas reposiciones en Broadway y en el West End de Londres.

5. El montaje original de la obra recibió seis nominaciones para los Premios Tony, obteniendo los premios de Mejor Coreografía y Mejor Diseño Escénico. La película de 1961 obtuvo, por su parte, 10 premios Óscar.

Ahora ya conoces un poco más de este icónico musical. Como dato adicional te platicamos que el score de la obra lo escribió Leonard Bernstein, quien fuera uno de los directores de orquesta más famosos y reconocidos de su época, no solo en Estados Unidos, sino en todo el mundo.

Amor sin barreras lo puedes disfrutar los fines de semana en el Teatro Centenario, muy cerca del Centro de Coyoacán. Un plan ideal para ir al teatro y disfrutar, antes o después, en alguno de los muchos lugares que ofrece Coyoacán a sus visitantes.

Para más información, horarios y boletos de la obra, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Marina de Tavira amadrina temporada de CREADORES DE MUNDOS, una obra sobre la ficción y la realidad

Este martes Marina de Tavira fue la madrina del inicio de temporada en La Teatrería de Creadores de mundos, de la dramaturga Johnna Adams. La obra, traducida y dirigida por Paula Zelaya Cervantes, es interpretada por Anna Mansi y Hugo Luna. El montaje se estará presentando todos los martes hasta el próximo 12 de diciembre.

Al finalizar la función, Marina de Tavira señaló que nada celebra más que “que la reunión de las personas alrededor del teatro”. Sobre la obra consideró que es una historia que describe lo que es en esencia el quehacer actoral. “Es la creación de mundos, la creación de la ficción. Yo entiendo la ficción como la creación de un mundo”, explicó.

Los personajes de esta obra, agregó la actriz, nos alertan sobre el peligro de anestesiarnos frente a la capacidad de crear ficciones. Finalmente, subrayó que la capacidad de crear ficción y toda ficción tiene como punto de arribo la realidad: “De ahí volamos a crear mundos para aterrizar en ella, y es donde encontraremos finalmente el mayor gozo”.

Paula Zelaya destacó el corazón, las ganas de hacer teatro y el amor al teatro de Anna Mansi y Hugo Luna. Esto, dijo, hace que los equipos alrededor de los proyectos se formen con cariño.

El montaje es la primera producción de Rakún Producciones. Anna Mansi, impulsora del proyecto, agradeció a todo el equipo creativo que levantó Creadores de mundos, una obra que “se siente con mucho corazón”.

El equipo creativo de la obra está compuesto por Gerardo Javier Ángeles en el diseño de escenografía; María Vergara en el diseño de iluminación; y Fernanda García en el diseño de vestuario. Dulce Mariel fue la encargada del diseño sonoro, mientras que María Penella coordinó las escenas de intimidad. En la asistencia de dirección está Lilly Maldonado y en la producción ejecutiva Allan Flores.

Para más información de la obra, horarios y boletos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Celebra 30 años LA LLORONA: CHOKANI, una de las leyendas más conocidas de México

Una de las producciones más esperadas por los capitalinos rumbo al Día de Muertos es la tradicional representación de La Llorona que este año cumple 30 años de realizarse en el Embarcadero de Cuemanco, que comenzará sus presentaciones, a partir del 6 de octubre.

En conferencia de prensa, Nayeli Cortés Castillo, actriz que da vida a La Llorona desde hace más de una década, compartió: “Para nosotros es muy importante llegar a todos los lugares que podamos, a través de los medios de comunicación, para dar a conocer este evento que cumple 30 años. Un camino que ha estado lleno de amor, de lágrimas, de trabajo, de sueños y de esperanzas, porque es una derrama ecónomica xochimilca”.

Agrega: “Estamos en nuestra casa, estamos en nuestros canales, no sólo de los xochimilcas, de los mexicanos, porque Xochimilco es Patrimonio Cultural de la Humanidad, por estas chinampas, porque  sigue siendo parte de esta gran ciudad, es un paseo a través del tiempo”.

Durante poco más de 2 horas, el público recorrerá los canales de Xochimilco dentro de una trajinera hasta llegar a la enigmática isla de Tlilac donde podrá revivir una de las leyendas más conocidas de México, en un espectáculo que combina teatro, música prehispánica y contemporánea, en un ambiente familiar.

“Tlilac, para mí, es el corazón de Xochimilco, ahí es el lugar idóneo para que aparezca La Llorona, porque es el cruce de caminos y un gran cuerpo de agua. Los invitamos a este viaje al pasado donde van a poder conocer, sentir, vivir y escuchar a este personaje que no es una leyenda, está vivo!” concluye Cortés Castillo.

A lo largo de sus 30 años el espectáculo ha recibido a miles de visitantes nacionales y extranjeros que buscan formar parte de esta mágica experiencia, motivo que ha permitido colocarla en uno de los más importantes eventos de la temporada de DIA DE MUERTOS en la Ciudad de México y que, año con año, se renueva sin perder la esencia de este emblemático personaje. Es así que La Llorona, o Chokani, se presenta como un personaje infaltable en el folclor mexicano, a veces temido y siempre en el pensamiento de un pueblo que se aferra a sus tradiciones.

Nathalie Veronique, titular de la Secretaría de Turismo de la CDMX, externó: “Estamos aquí con la emoción de dar a conocer los datos generales de La Llorona, La Chokani, que ya cumple 30 años de celebrarse y cuyo objetivo es difundir la maravillosa cultura de Xochimilco, sus canales enigmáticos con una fusión de arte, teatro, danza y música, que hace que sea una puesta en escena única en el mundo”.

Agrega: “En esta ocasión los organizadores la nombraron La Chokani, que significa “la que llora” en náhuatl, para darle la importancia a las lenguas originarias, (…) los invitamos. Empieza el 6 de octubre, van a ser 36 funciones”.

La puesta en escena se presentará del 6 de octubre al 18 de octubre con funciones de viernes a domingo y además ofrecerá funciones especiales los días 31 de octubre, 1 y 2 de noviembre en el Embarcadero Cuemanco, para más información, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Mariana Medina

¡Diversión en Escena! 5 propuestas para niñxs y adolescentes

Llevar a los niños y adolescentes al teatro es una experiencia enriquecedora que va más allá de una simple actividad de entretenimiento, ya que ofrece un abanico de posibilidades donde los pequeños pueden echar a volar su imaginación.

Aquí te traemos una selección con algunas de las obras que podrás encontrar en cartelera para que asistas con toda la familia:

Lu y solito. Es la historia de un conejo y un zorro que desafían las leyes tradicionales que los separan, con ayuda de otros animalitos del bosque demostrarán que la amistad es más fuerte que las reglas. Las funciones son los sábados y domingos, hasta el 29 de septiembre, en La Teatrería.

¡Qué viene el lobo! En esta tierna historia, un lobo decide escaparse del zoológico para ir en búsqueda de sus sueños, y convertirse en un lobo de cuento, para poder vivir miles de aventuras. Las funciones son sábados y domingos, hasta el 15 de octubre en la Sala Xavier Villaurrutia.

Ese amor de Romeo y Julieta. Una versión del clásico de W. Shakespeare, sucede en 1950 entre los personajes que habitan la cocina de los Capuleto, donde se desencadena un encuentro entre dos jóvenes de familias enemigas. Las funciones son sábados y domingos en la Explanada del CCU.

Dano y los infierno’s game. Narra la relación de cuatro adolescentes de secundaria, que están unidos por los videojuegos. A través de desafíos, aprenderán que la amistad es su refugio y la clave para forjar su propio camino. Se presenta los sábados, 23 y 30 de septiembre en El77 Centro Cultural Autogestivo.

Desde el caparazón de la tortuga. La historia sigue a una niña con el don de escuchar a las estrellas y sus amigos, que personifican la esperanza, la bondad, la amistad y el tiempo, quienes buscan vivir plenamente, más allá de este mundo consumista y ensimismado. Se presenta sábados y domingos, hasta el 1 de octubre en el Teatro Helénico.

Si deseas conocer la cartelera infatil, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz y José Jorge Carreón

 

“El teatro para mí es algo irrenunciable”: Entrevista con Marina de Tavira

Si bien la vida de Marina de Tavira cambió en 2019 luego de ser nominada al Oscar por la película Roma, ha seguido en ella el deseo de regresar a los escenarios, donde se siente verdaderamente feliz, y en casa.

Tras Blindness, proyecto para el que prestó su voz y que se estrenó durante la pandemia, la actriz regresa al escenario en Consentimiento,montaje bajo la dirección de Enrique Singer que actualmente se presenta en el Teatro Helénico y que ella coproduce como parte de Incidente Teatro. Esta casa productora ha sido también responsable de Traición, de Harold Pinter (2012); La mujer justa, de Hugo Urquijo (2015); La Anarquista, de David Mamet (2016) y El Río de Jez Butterworth (2018).

Aquí nuestro intercambio con Marina sobre su amor por los escenarios, las contradicciones del personaje que interpreta y el consentimiento como concepto cada vez más relevante, y siempre indispensable.

Volver al teatro

Marina empezó a hacer teatro en 1986, y aunque a lo largo de tres décadas de trayectoria ha participado en sin fin de proyectos de cine y televisión, sigue regresando a donde se siente más en casa: el teatro.

El teatro para mí es algo irrenunciable, la forma en la que siempre me pensé actriz fue en el teatro, ahí encuentro algo que no encuentro en ningún otro medio: la relación viva entre las personas, ese momento único entre actriz, actores y espectadores donde realmente se completa la ficción; porque todo lo que hacemos está destinado a ser visto, escuchado y vivido por otros. En el teatro eso sucede en un momento vivo y eso no se le parece a nada, y también porque es uno de los lugares donde soy más feliz”, comparte.

La vida después de la nominación al Oscar

Tras las nominaciones de Marina y Yalitza Aparicio por Roma, sus vidas tuvieron un giro y una gran revuelta, aunque los cambios han empezado a asentarse.

Ese momento de mi vida arrojó luz sobre un trabajo de muchos años, y eso fue una gran sorpresa y una gran alegría que me haya tocado vivir algo así. Efectivamente a raíz de eso han cambiado cosas, llegan más proyectos, ya no tienes que buscar tanto, pero también curiosamente ahora trabajo menos; algo en mí se asentó y ya no tengo ansiedad de ningún tipo de reconocimiento”, confiesa.

De hecho, el poder tomarse más pausas entre los proyectos con los que se involucra le ha permitido enfocarse en ella misma.

Quiero disfrutar la vida, es un momento donde estoy disfrutando de cosas a las que antes no les había podido dedicar tiempo, y realmente el tiempo pasa volando, entonces realmente escojo pocas cosas y solo elijo aquellas donde encuentro lo que quiero decir y no tanto el reconocimiento o alcance mediático que vayan a tener”, enfatiza.

Repetir mancuerna con Singer

Esta es la séptima obra que Marina colabora con Enrique Singer, a quien, cuenta, le debe mucho.

Fue quien me puso las alas para que hiciéramos Incidente Teatro, para ayudarme a generar mis propios proyectos y ha sido un cómplice muy importante, yo diría clave en mi vida en el teatro. Sin duda hemos ido creciendo, nuestra comunicación se ha profundizado mucho. Él también es actor, entonces como director sabe ponerse en la piel de los actores y de las actrices y cada vez hemos generado una comunicación más profunda, y también más divertida; ahora nos molestamos mucho, nos reímos. Cada texto nos hace crecer y sin duda Consentimiento nos ha hecho reflexionar sobre muchas formas de expresarnos que hemos ido adquiriendo a lo largo de los años, sobre todo las generaciones de más atrás -las nuestras y las de antes-, que no se daban cuenta de la fuerza del lenguaje, que el lenguaje también habla del pensamiento y que por lo tanto influye en la cultura. Consentimiento es un viaje alrededor de eso”, ahonda.

El antecedente de este proyecto

Otro de los trabajos que la actriz señala como antecedente para este montaje fue La Anarquista donde al personaje de Marina, a diferencia de los protagonistas de Consentimiento, sí le interesaba la verdad.

A estos abogados lo que les interesa es que la vida sea como un partido de tenis con contrincantes, más que la verdad. Max (Juan Manuel Bernal) dice que los abogados siempre buscan la verdad y yo creo que ahí hay una enorme ironía, porque como se ve en el momento en el que está interrogando a Gina, lo que quiere es ganar y lo que menos le interesa es la verdad. En La Anarquista de David Mamet había una enorme obsesión de la criminóloga (el personaje que yo hacía), por encontrar la verdad más profunda, esa que estaba adentro del personaje que encarnaba Lisa Owen. Es interesante la analogía, y sin duda, como proyecto, Incidente Teatro sí busca que un texto lleve a otro y que en ese sentido vayamos construyendo un discurso. Creo que eso importante para una compañía o productora: ser capaces de construir un discurso”, remarca.

Un tema contemporáneo

La primera impresión que la actriz se llevó de Consentimiento sigue siendo la misma ahora después de haber empezado la temporada y ya habiéndola confrontado con el público.

Es una obra compleja que no hace concesiones, que no está ahí para complacer ni para dar moralejas sino que simplemente plantea preguntas, que pone a unos personajes a jugar, a confrontarse con sus debilidades, contrastes, contradicciones, mentiras y que nos va a lanzar la pregunta sobre la capacidad que tiene la ley de llegar a ser justa y a dejarnos preguntas sobre el consentimiento, que a veces incomodan, para que nos llevemos esa conversación a la mesa y pensemos en el tema. Que sea una palabra que utilicemos cada vez más y más, y tratemos de irle entendiendo, porque si bien siempre ha sido importante, ahorita está sobre la mesa, es una palabra que las nuevas generaciones utilizan y que tenemos que seguir pensando desde distintos ángulos”, considera.

Personajes con contradicciones

Los actores de esta obra están conscientes de que los personajes que interpretan no son necesariamente ‘buenos’, más bien seres humanos que cometen errores como sucede en la vida real.

Cathy (su personaje) me parece atractiva porque no es unilateral, la obra no es un melodrama con buenos y malos, ella tiene sus propias contradicciones; es decir, quiere ser de una manera y es de otra, toma la bandera de la empatía pero también es capaz de hacerle daño a una de sus amigas más queridas por querer tomar venganza, ojo por ojo. Los seres humanos somos contradictorios y las personas nos lastimamos unas a otras; a veces sin querer, pero nos lastimamos por no pensar en nuestras acciones, y Cathy es así; me interesó darle vida por eso, porque no es un personaje blanco y negro, es complejo, y si bien no resulta todo el tiempo agradable, es interesante de interpretar”, explica.

Su rol como productora

Aun cuando sea la productora de un proyecto, llega un momento en el que cuando todo está avanzado, Marina se enfoca solo como actriz, pero para llegar a ese punto hubo mucho trabajo previo.

Como productora escojo la obra, busco los financiamientos, me involucro en la conformación del reparto, de los creativos y creativas y después suelto; sin embargo siempre hay una conciencia cuando eres generadora del proyecto. Me pasa que siempre estoy muy preocupada de que todas y todos estén bien: que se sientan bien tratados, que haya café en los ensayos, algo de comer, y bueno, consentirlos. Siempre hay una presión extra porque al final eres responsable de todos los detalles y eso no se te olvida. Pero en ese sentido me gusta mucho trabajar con Enrique, porque de pronto él toma la batuta, asume el rol y yo me convierto en actriz y ya después sigo buscando textos”, cuenta.

El consentimiento como parte de la vida

Esta obra versa sobre el consentimiento desde diferentes perspectivas, una de ellas la que vive uno de los personajes: Gina, quien denuncia haber sido violada. Además la obra también plantea otro tema relevante: la violación conyugal.

Ese tema es uno de los enigmas de la obra que la autora regresa al espectador, que lo apunta. Porque si se violan los acuerdos de pareja, el consentimiento se ve afectado y por supuesto entra el concepto legal de consentimiento. Estamos empezando a hablar de eso de una manera muchísimo más evidente, por ejemplo en España, con el caso de ‘la Manada’, de donde parte la obra de Jauría. Esta palabra es fundamental y las palabras nos ayudan a ser mejores. Qué bueno que sea parte de nuestro lenguaje común”, remarca.

Próximos proyectos

Tras concluir la temporada de Consentimiento, Marina se enfocará en otros dos proyectos teatrales y a esperar el estreno de algunas películas.

Uno de teatro es Un tranvía llamado deseo, con Diego del Río, que es un clásico, y un personaje emblemático. Siento que de la mano de Diego encontrará su por qué hacerla otra vez, me entusiasma muchísimo. Con Incidente Teatro también tenemos otro proyecto ya en el horno, pero les adelanto que tiene que tiene que ver con la mitología griega, con los clásicos desde una mirada nueva, de una dramaturga mujer y también de la mano de Enrique Singer”.

También estoy muy emocionada porque en octubre, en el Festival de Morelia se estrenará Latido, la película que hice con Katina Medina Mora producida por Inna Payán, una proyecto de un equipo conformado por mujeres, con la fotógrafa Nur Rubio Sherwell, co protagonizada por Camila Calónico. También espero que pronto se estrene la película que filme en Argentina con otra directora: Celina Murga, que también me tiene muy feliz”, concluye.

Por Mariana Mijares, Fotos: Cortesía Helénico

3 razones para ver ROSY

Conchi León protagoniza Rosy, de la autora brasileña Cecilia Ripoll. Se trata de la segunda ocasión en que la actriz, dramaturga y directora da vida al personaje principal en una obra que no produce su compañía, Sa’as Tun.

El texto fue ganador en 2017 del concurso Núcleo de Dramaturgias SESI. En la versión mexicana de la obra participan creadores reconocidos como Patricia Gutiérrez en la escenografía, Víctor Zapatero en el diseño de iluminación, Ian Reta en el diseño sonoro y Anabel Ortega en el diseño de vestuario.

En el escenario acompaña a Conchi León un elenco que integra intérpretes de gran experiencia. Teté Espinoza, Anton Araiza, Juan Cabello, Muriel Ricard y Romani Villicaña completan el elenco de este montaje. Estos talentos combinados le dan una vitalidad muy espeical al montaje.

Bajo la producción de Nocturno Teatro, Rosy se presenta de viernes a domingo en el Foro Lucerna, del Teatro Milán. La dirección y traducción son de Alejandro Velis.

Te decimos tres razones para ver Rosy.

1. Teatro contemporáneo que conecta. Rosy es un montaje que logra una conexión emotiva y visceral con el público. A través de un universo lúdico y de humor logra llevar a la ficción al espectador y aceptar la convención teatral que el equipo actoral y creativo le propone.

2. Temas incómodos que es necesario tocar. Esta divertida comedia negra toca temas incómodos y realidades que en Latinoamérica y otros países son una realidad. A partir de la premisa de si se debe hacer lo correcto por medios incorrectos, la obra nos habla de la justicia, la corrupción y la generosidad. En este sentido, su director señala que es una obra que habla de la falta de comida, pero sobre todo sobre la escasez de afectos.

3. Música y baile. Además de ser divertida y tocar temas importantes, el diseño sonoro, el baile, la música y las canciones interpretadas por el elenco juegan un papel importante en el montaje. Son un elemento que ayuda a la narración y al ritmo de esta historia. En un trabajo colectivo, coordinado por Ian Reta, todo el elenco participó en la selección de la música. Ésta incluye tintes de hip-hop, cumbia, música clásica, entre otros géneros.

El poder del teatro permite que este montaje, a pesar de que habla de realidades dolorosas, provoque risas y reflexión. Rosy nos habla de resiliencia, ingenio y solidaridad. Es una gran alegoría de América Latina. Como señala su director: “Es una historia de generosidad y amor, en donde la escasez material y afectiva se compensan con risas y una buena comida”.

La temporada de Rosy durará hasta el 26 de noviembre, para horarios, boletos y más, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Mario Iván Martínez presentará VAN GOGH, UN GIRASOL CONTRA EL MUNDO en el Teatro de la Ciudad

Este viernes, Mario Iván Martínez se reunió con los medios de comunicación para anunciar la única función de Van Gogh, un girasol contra el mudo en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Será el sábado 7 de octubre que el reconocido actor suba al escenario de ese icónico recinto.

El actor y director señaló que en su pensamiento Van Gogh nos exhorta a arriesgar y es el camino que tomó en el arte. “La búsqueda constante de su identidad a pesar de las vicisitudes y de la incomprensión”, subrayó. En este sentido, dijo, este proyecto habla de su necesidad de seguir autogestionando sus proyectos. Es un proyecto que ha tenido múltiples aristas y su dosis de riesgo y de aventura, compartió.

Este unipersonal, escrito por el propio intérprete y dirigido por Luly Rede, se adentra en la vida del pintor neerlandés. En este sentido, el autor señala, abordó la vida del pintor como el explorador y saca a la luz aspectos de su vida poco conocidos. La obra trata, explica, de pintar un panorama más amplio y extenso del hombre. Se trata de un personaje contradictorio, que era por un lado “sensible, culto, todo un poeta y por otro un hombre intolerante, torpe en sus relaciones con las mujeres, prostibulario…”.

En el montaje no solamente se enfoca en el pintor, sino que se destaca la figura de la escritora feminista Johanna Bonger de Van Gogh, cuñada del artista y heredera de su obra y de su legado epistolar.

El proyecto nace cuando Mario Iván Martínez dio su voz para el documental Vincent, pinceladas de un genio, hace seis años. El día del estreno decidió disfrazarse como el pintor y presentó un prólogo escénico para el evento. Ahí se sembró la semilla de interés en el personaje, dijo. Al comenzar a investigar, narró: “Me percaté de que el personaje llegaba a mi vida en el momento más propicio, para retarme como productor, como escritor y como actor”.

La obra se presentó originalmente en 2019, con las actuaciones de Fernando Memije y Salvador Petrola alternando, con Paula Comadurán en los personajes femeninos. La obra se presentó en el Teatro Helénico y en el Nuevo Teatro Libanés, donde los sorprende la pandemia.  Sin embargo, la actual versión está pensada para un solo actor. Sobre ello, explica el autor que con la emergencia adapta muchas de sus obras para transmitir en línea, entre ellas esta obra, “para que no fuera un remedo de la obra para tres actores, sino que pareciese fue concebida originalmente como bululú (género en el que un solo actor interpreta todos los personajes”.

Durante el espectáculo en escena habrá diálogo y alternancia con proyecciones de pinturas de Vincent Van Gogh. Cada uno de los aspectos de la puesta en escena tiene su lugar, enfatizó Mario Iván Martínez. Al respecto dijo: “Está muy pautada la participación gráfica, visual, actoral y musical”.

El actor anunció además que, una vez terminada la temporada de Conociendo a Cri Cri este fin de semana en el Teatro Hidalgo, iniciará temporada con ¿Qué me cuentas Don Quijote? en el mismo teatro. La obra tendrá funciones en octubre y noviembre, para dar paso en diciembre a su otro espectáculo Una Navidad de cuentos, fábulas y villancicos.

Para más información Van Gogh, un girasol contra el mundo, horario y boletos, haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Sistema de Teatros CDMX.

Devela primera placa EL MAGO con Pati Chapoy como madrina

La función de este viernes de El Mago se convirtió en una celebración. El montaje develó su primera placa conmemorativa con motivo de los 25 años de carrera de su productor. Como madrina del evento estuvo la periodista de espectáculos Pati Chapoy.

Al finalizar la función de la obra interpretada por Lucero Mijares, María del Sol, Eugenio Montessoro, Óscar Acosta, Marisol Meneses, Crisanta Gómez, Juan Fonsalido, Dulce Patiño, Federico Di Lorenzo, y Felipe Álvarez, se realizó e acto de develación.

Juan Torres señaló que se trató de un día muy importante para él, y agradeció al público por su presencia en los teatros del país. El productor, destacó, que ha logrado cumplir su sueño de vivir su vida en el teatro.

En este sentido, dijo, que más allá de ser productor, es “un espectador que ama con todo su corazón el teatro”.  “Mi vida en el teatro ha sido hermosa. Ha sido un regalo de la vida y quiero hoy celebrar porque no solamente estoy cumpliendo 25 años de carrera, sino estoy celebrando 8 años de estar en este maravilloso recinto que es el Teatro Hidalgo”.

En este teatro dijo, sobrevivieron a un sismo y a la pandemia. Al respecto, agregó: “Hemos sobrevivido a lo que escuché hace 25 años en mi vida y en mi carrera, escuche, ‘no vas a vivir del teatro, del teatro nadie vive, tienes que hacer otra cosa, no vas a ser rico, vas a ser feliz, pero no vas a tener dinero’. Siempre escuchaba, desde hace 25 años que el teatro era el eterno moribundo. Por eso quiero agradecer hoy a Dios, al teatro y a la vida que me hayan dado la oportunidad de estar a su lado y de su mano 25 años”.

Antes de invitar a la madrina de develación al escenario, Juan Torres agradeció a todo el equipo involucrado en El Mago. Además, dio un agradecimiento muy especial a su familia y a su padre. “Él físicamente no está, hace unos años dejó de estar conmigo físicamente, pero está en la butaca de honor. Hoy, delante de ustedes, quiero agradecerte a ti papá, que me enseñaste a amar con toda mi fuerza y el corazón el teatro”, expresó emocionado.

Pati Chapoy felicitó a la compañía y dijo: “El teatro vive, querido Juan, por personas como tú, y por todos los que están en el escenario. El teatro va a continuar porque hay muchas historias para platicar”. La periodista recordó que ha estado en todas las obras que ha producido Juan Torres, “me da mucho gusto ver cómo cada día haces mejor lo que el día anterior hiciste”.

En esta función especial acompañaron al productor figuras del teatro y del espectáculo para celebrar este primer cuarto de siglo de carrera. Juan Torres aprovechó, además, para anunciar que la obra extiende su temporada hasta el próximo 12 de noviembre.

Para más información de El Mago, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Lecciones que aprendimos de TODOS ERAN MIS HIJOS

Todos eran mis hijos de Arthur Miller es una obra atemporal que nos desafía a examinar cuestiones éticas y morales. A través de la tragedia de los Keller, la obra ofrece una serie de lecciones y reflexiones profundas sobre temas universales que siguen siendo relevantes hoy en día.

Aquí hay algunas lecciones clave que podemos aprender de la obra:

1. La responsabilidad y la culpa. Una de las primeras y más impactantes lecciones que toca la obra es sobre la responsabilidad de nuestras acciones y cómo las decisiones éticas pueden tener consecuencias devastadoras.

2. La presión social. Otra de las grandes enseñanzas que nos deja la obra, es que nos invita a cuestionarnos hasta qué punto estamos dispuestos a conformarnos con las expectativas sociales, en lugar de seguir nuestra propia brújula moral.

3. El costo humano tras la guerra. En toda guerra se dice que hay vencidos y vencedores, sin embargo, el costo humano y las consecuencias tras un conflicto armado son brutales y las familias continúan siendo las más afectadas.

Si ya viste la obra, ¿qué otra lección te dejó?

Gracias a la buena aceptación del público, la obra extendió su temporada, por lo que si aún no has podido verla, tienes hasta el 3 de octubre para acudir al Foro La Gruta.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz

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3 razones para ver CREADORES DE MUNDOS

La ficción es un territorio que construimos diariamente. En ella podemos crear en nuestra mente sitios a donde escapar a veces. En cierta medida, cada uno somos mundos que se enriquecen de nuestra imaginación y la de otros. El amor es también imaginar al otro y compartir su mundo. Es a veces también renunciar a nuestro propio mundo que hemos construido en soledad. Aceptar en él a un extraño, o mejor dicho, a un nuevo habitante.

De todo esto nos habla un poco Creadores de mundos que se presenta los martes en La Teatrería. Bajo la dirección de Paula Zelaya Cervantes, este texto de Johnna Adams cuenta con las actuaciones de Anna Mansi y Hugo Luna.

La obra nos cuenta la historia de Max y Wendy. Ellos son parte de un ensayo clínico que busca liberarlos con medicamentos de los delirios que surgen de sus trastornos de personalidad. Al paso de los días, al conocerse más, ambos se enamoran. En esta situación, esta pareja tendrá que decidir si vale la pena dejar atrás los mundos que han construido en su imaginación.

Aquí te contamos tres razones por las cuales ver Creadores de mundos.

1. Una defensa de la imaginación. Esta obra nos habla de un caso extremo, los personajes enfrentan trastornos de personalidad que los abstraen en mundos imaginarios. Pero esto es solo un pretexto, el punto de partida para hablarnos de algo más. En este caso nos lleva a reflexionar sobre la importancia de crear ficciones y no anestesiarse ante ellas. De crear mundos, no que nos aíslen, sino que se comuniquen con otros mundos. Se trata de un texto que nos llevan a reconsiderar la realidad y nuestro rol en ella.

2. Una fuerza poética difícil de describir. En el texto de Adams se enfrentan dos poéticas distintas. Una expansiva y luminosa, que apunta a la inmensidad, la de Wendy; otra concentrada y oscura, una especie de miniatura, un mundo cerrado en sí mismo, la de Max. En el encuentro de ambos personajes estos mundos vislumbran una esperanza de subsistir en el otro. Es también una gran metáfora del amor en este sentido.

3. Un texto contemporáneo con humor. Creadores de mundos es un texto contemporáneo lleno de humor y que mueve a la reflexión filosófica. En él encontramos personajes que nos hablan de la imaginación y del amor, pero al mismo tiempo nos hacen reír.  La dirección de Paula Zelaya y las actuaciones de Anna Mansi y Hugo Luna le dan un tono fresco y cercano a este montaje, y conecta en distintos niveles con el público.

Una razón adicional a las que ya hemos dicho es que se trata del primer proyecto de Rakún Producciones. Siempre es bienvenido una nueva casa productora  busca levantar proyectos y traer textos de calidad al público de esta ciudad.

El equipo creativo del montaje está integrado por Gerardo Javier Ángeles, diseño de escenografía; María Vergara, diseño de iluminación; y Fernanda García, diseño de vestuario. El diseño sonoro es de Dulce Mariel y la coordinación de escenas de intimidad de María Penella. En la asistencia de dirección está Lilly Maldonado y en la producción ejecutiva Allan Flores.

Para más información, horarios, boletos y descuentos de Creadores de mundos haz clic aquí.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Anuncian temporada de PETER PAN QUE SALE MAL, una comedia universal y ambiciosa

Este martes, en conferencia de prensa, se anunció el inicio de temporada de Peter Pan que sale mal. Con la presencia del elenco, el director del montaje y sus productores Jerónimo Best y Camila Brett (Próspero Teatro) y Billy Rovzar (Lemon Studios) se informó que la temporada iniciará el 13 de octubre.

La obra cuenta con el elenco que participó en la obra que sale mal: Ari Albarrán, Daniel Bretón, Iván Carbajal, Artús Chávez, José Dammert, Alex Gesso, Daniel Haddad, Alondra Hidalgo, Ricardo Maza, Juan Carlos Medellín, Daniel Ortiz, Majo Pérez y Luis Rodríguez “El Guana”. En esta ocasión, se une al elenco Ana Sofía Quintanilla y Miguel Tercero.

Este montaje es una producción original de Mischief Worldwide, y se presentará en el Foro Cultural Chapultepec de viernes a domingo. El texto es de los mismos autores que La obra que sale mal: Jonathan Sayer, Henry Shields y Henry Lewis.

En esta ocasión la Agrupación Dramática de la Universidad Tecnológica de Tlalpan, la ADUTT, a quienes conocimos en La obra que sale mal, montará -o intentará montar- Peter Pan, el clásico de J. M. Barrie.

Peter Pan que sale mal cuenta con la dirección de Adam Meggido, director original de las puestas en Londres y Broadway. Meggido señaló que “van a conocer con más profundidad a esos personajes. Van a saber más de ellos, mientras interpretan a Garfio, Peter Pan y Wendy”. En este sentido, agregó “tendrán todo con lo que ya están familiarizados y más”. Además señaló que la agrupación ficticia trata de contar Peter Pan con “la misma historia, los mismos personajes, pero como las cosas salen mal podrías tener una percepción diferente de lo que pudo haber sido Peter Pan. Tal vez te cambie la idea de qué es lo que realmente hace a un héroe. Está llena de la magia y la maravilla de Peter Pan, con la comedia y el desastre de la ADUTT”.

Ari Albarrán comentó que es una obra técnicamente complicada, con un mecanismo mayor que en La obra que sale mal. En este montaje, dijo, la escenografía es mucho más compleja. Esto hace, explicó, que además de los retos que implican los tiempos de la obra, se suma la seguridad de sus compañeros y de ellos mismos al momento de actuar.

Al respecto, la actriz se dijo sorprendida por el trabajo tan grande que se ha llevado a cabo con el montaje. “Ha sido titánico”, expresó. Esta obra, afirmó, la van a poder ver “500 veces y ver algo nuevo cada vez, porque hay mucha gente en escena y está pasando mucho en escena”. En este sentido, Juan Carlos Medellín coincidió que han sido varios los retos, entre ellos el aprender a cantar, bailar, “todo es más loco, todo es más rápido”.

Por su parte, Majo Pérez consideró que ha sido todo un viaje. Destacó que algo muy divertido ha sido el jugar a volver a ser niños y “divertirnos de esa manera”. “No importa la edad que tengan, van a venir a reír, van a venir al final a tener una esperanza de que todo va a salir bien”, señaló la actriz.

Artús Chávez recordó que cuando era niño tuvo la oportunidad de ver -varias veces- a Olivia Bucio como Peter Pan y “El Loco” Valdez como Garfio en el Teatro Insurgentes. “Esa y el Show de los Muppets es una de las razones por las que yo decidí estudiar teatro, porque Peter Pan y El show de los Muppets, cuando yo era niño, me enloquecían. Ahora puedo hacer las dos, porque Peter Pan que sale mal es un poco El show de los Muppets y Peter Pan, es una locura de personajes súper idiotas equivocándose todo el tiempo, haciendo las cosas mal, divertidísima, familiar”, explicó.

En el montaje, se adelantó, el público podrá ver un gran giratorio sobre el escenario, vuelos fallidos,problemas con la electricidad, golpes y explosiones. Si bien en el montaje cuenta con el diseño original de escenografía, iluminación y vestuario de los montajes de Londres y Broadway, estos han sido adaptados por talento mexicano.

La adaptación del texto es del propio Jerónimo Best. Como adaptadores están: Emilio Zurita en la escenografía; María Vergara en la iluminación; Estela Fagoaga en el vestuario; y Miguel Jiménez en el sonido.

Jerónimo Best explicó que el proyecto lo querían traer a México desde el 2020. Sin embargo, dijo, no se logró por “obvias razones”. Expresó que esperan que si bien la temporada está planeada en un inicio para tres meses, la obra dure mucho tiempo en cartelera.

Adam Meggido, director de la obra, contó que en un principio los creadores de la obra – quienes fueron sus alumnos – lo buscaron para que dirigiera hace 10 años su primer proyecto. En aquel entonces, narró, les respondió que estaba muy ocupado. Aquel proyecto, era, señaló entre risas, La obra que sale mal, la cual se ha montado desde entonces en todo el mundo. Posteriormente, cuando le comentaron que estaban preparando una nueva obra de inmediato aceptó dirigirla.

El director consideró que Peter Pan que sale mal es, en todos los sentidos, “más grande, más audaz, más salvaje, más graciosa y más ambiciosa”. La obra es, agregó, una comedia muy universal que todo el mundo puede disfrutar. “No intenta ser política, no intenta dividir”, puntualizó.

Con el montaje en México, ya es la onceava producción de la obra en la que Meggido participa, por lo cual se dijo muy emocionado. La obra acaba de estar en Broadway y Los Ángeles, el próximo año iniciará un tour en Estados Unidos; en el Reino Unido está por iniciar gira y por regresar al West End; también se ha presentado en Canadá, Italia, Australia y Nueva Zelanda.

Jerónimo Best subraya que es una obra familiar. En este sentido, puntualiza que “cuando decimos para toda la familia, por lo general, los adultos no se la pasan bien o los niños no se la pasan bien, pero aquí realmente todas las generaciones se la pasan bien, y ahí está La obra que sale mal para comprobarlo”.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Datos que no conocías sobre EL JUEGO QUE TODOS JUGAMOS

El juego que todos jugamos es una obra que, desde su primer montaje en 1971, se ha puesto infinidad de veces. Compañías profesionales, amateurs y estudiantiles han montado este texto de Alejandro Jodorowky.

Actualmente, y desde hace siete años, se presenta, bajo la dirección de Rodrigo Mendoza esta obra. En su actual temporada, el Juego que todos jugamos tiene funciones en el Teatro Wilberto Cantón. Actúan Axel Santos, Sergio Suárez, Kevin Holt, Romina Suárez, Alexis Ceballos y Damiana.

En 1983, Malkah Rabell se preguntaba en su columna “Se alza el telón” en el periódico El Día: “¿por qué esta ‘obra’ de Jodorowsky sigue vigente?”. La novelista y periodista polaca destaca que desde que se hizo famosa la obra “todavía impresiona a público, crítica y gente del teatro en general, y lo vuelven a montar en los lugares menos esperados”. (Rabell, Malkah. “El juego que todos jugamos”. El Día, 1983. Reseña Histórica del Teatro en México 2.0-2.1. Sistema de información de la crítica teatral)

Hoy, a 52 años del estreno de El Juego que todos jugamos, la pregunta que lanzó Rabell sigue siendo válida. No tenemos la respuesta, lo que sí sabemos es que un texto icónico como éste y su autor tienen muchas anécdotas e historias detrás de sí. Aquí te contamos algunos datos que probablemente no conocías.

1. El escritor y director nació en Chile en 1929, treinta años después, en 1959, llega a México como parte de la compañía del famoso mimo Marcel Marceau. Jodorowsky trabajó durante 5 años para él, fue uno de sus estudiantes más destacados y amigo cercano. Escribió varias rutinas para él, entre ellas La jaula, El fabricante de máscaras y El devorador de corazones.

2. En México, junto con personajes como Carlos Ancira y Beatriz Sheridan, quienes fueron alumnos de Seki Sano, Jodorowsky crea El Teatro de Vanguardia, agrupación con la que se montan obras de Teatro del absurdo desde una perspectiva realista.

3. En 1962 funda junto con Roland Topor y Fernando Albarral el Movimiento pánico. La primera obra de este movimiento que se presenta en México es La ópera del orden, cuya escenografía fue realizada por cuatro jóvenes artistas en aquel entonces: Alberto Gironella, Lila Carillo, Manuel Felguérez y Vicente Rojo.

4. El juego que todos jugamos se montó en 1971, con la participación de Macaria, Alma Muriel, Pili Ballona, José Alonso, Juan Ferrara y Pablo Albert. Éste último era un pintor que participó en la puesta en escena. Posteriormente Verónica Castro sustituyó a Alma Muriel en el montaje.

5. Como referencia para el texto, el autor de origen chileno tomó como referencia textos sociológicos y psicológicos como El arte de amar de Erich Fromm, Escucha hombre pequeño de Wilhelm Reich y Yo estoy bien, tú estás bien de Tomás Harris.

Ahora que sabes un poco más de este texto ya clásico y sobre su autor, no pierdas la oportunidad de ver la obra. Aquí puedes encontar más información del montaje, boletos, horarios y descuentos.

 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Charly Duchanoy.

Lecciones que aprendimos de CONSENTIMIENTO

Escrita por la dramaturga británica Nina Raine, Consentimiento  llegó para sacudir nuestras ideas y poner sobre la mesa el dilema del consentimiento, desde todos los ámbitos sociales, con las impecables actuaciones lideradas por Mariana de Tavira, Juan Manuel Bernal, Daniela Schmidt, Arturo Barba, Alfonso Borbolla, Adriana Llabrés y Jana Raluy.

La obra de Incidente Teatro culmina sus presentaciones, tras una corta temporada en el Teatro Helénico, este 1 de octubre, aborda temas complejos y controvertidos relacionados con el consentimiento sexual y las relaciones interpersonales, aquí traemos a colación, algunas lecciones clave que podemos aprender de la obra:

1. La ambigüedad. Uno de los principales temas que destaca la obra es la complejidad del consentimiento sexual y cómo éste puede dar lugar a malentendidos, confusiones y en este caso, problemas legales. De ahí la importancia de la comunicación clara y abierta entre las parejas.

2. El valor de la empatía. La obra resalta en diversos momentos la importancia de la empatía, un sentimiento esencial que nos sirve para comprender y apoyar a las personas que han sido afectadas por experiencias sexuales traumáticas.

3. Los retos del sistema legal. Otro de los puntos que se muestran en escena son las limitaciones y desafíos que enfrenta el sistema legal, respecto a los casos de consentimiento y agresión sexual, donde la búsqueda de justicia resulta, en muchas ocasiones, complicada y traumática para las víctimas.

¿Ya viste la obra, cuéntanos qué otra lección te dejó?

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz

Que 20 años no es nada… 40 mucho menos: el Teatro en Ciudad de México en 1983

Del siglo pasado, la década de los ochenta es una de las más ricas en cuanto a su producción teatral. Los hoy conocidos como “grandes maestros” convivieron con las figuras que estaban afianzándose, luego de iniciar en la década anterior y, obviamente, con las nuevas promesas surgidas a lo largo de esos diez años.

Todos ellos confluyeron en la cartelera de teatro de aquel entonces y, al mirarla, es imposible no querer rescatar un año en particular: 1983. El teatro presentado en la Ciudad de México vivió uno de sus años más gozosos gracias al estreno de obras teatrales que hoy en día siguen siendo un referente para las generaciones que actualmente habitan nuestros escenarios.

Dos años antes de que el entonces llamado Distrito Federal (DF) cambiara por completo su vida social y cultural por el sismo de 1985, los foros se llenaban para ver lo mismo a figuras reconocidas por estar en ese momento en la televisión, que a personalidades propias del teatro y el cine.

Así, el público acudió al Teatro El Granero para aplaudir la dupla de Claudio Obregón y Miguel Ángel Ferriz en Una vida en el teatro bajo la dirección de Benjamín Caan. Los tres dieron a conocer por primera vez en nuestro país a un dramaturgo fundamental del drama norteamericano y universal: David Mamet.

En el Helénico, estaban los bien conocidos Augusto Benedico y Enrique Álvarez Félix en Alerta en misa de Bill C. Davis en traducción y dirección de José Luis Ibáñez, gozando de una larga temporada, al igual que las comediantes Evita Muñoz “Chachita” y Virma González en Los amores criminales de las vampiras morales de Hugo Argüelles, dirigidas por Gerard Huillier, también en El Granero.

Otra dupla importante fue la que conformaron en el hoy de futuro incierto Polyforum Siqueiros el joven Gonzalo Vega y el experimentado Héctor Gómez, quienes bajo la dirección de Arturo Ripstein interpretaron los icónicos personajes de, El beso de la mujer araña, la novela de Manuel Puig. Antes de ser una película de Hollywood y un musical de Broadway, la novela fue adaptada para la escena por su propio autor y resultó un éxito para los actores y para el cineasta, quien solamente en dos o tres ocasiones se ha animado a levantar un proyecto teatral.

Otro notable cineasta, aunque éste sí siempre anclado al teatro, José Estrada, dirigió la adaptación teatral de otra novela de un destacado autor LGBTQ+, De pétalos perennes de Luis Zapata, que ofrecía el encuentro entre la joven y prometedora Leticia Perdigón y uno de los “monstruos sagrados” de nuestro teatro: Beatriz Sheridan. Ambas interpretaron sus personajes primero en el teatro y luego en la radio.

Un año antes, Sheridan ya había estrenado la adaptación cinematográfica de la novela: Confidencias de Jaime Humberto Hermosillo. Varios años antes, la gran actriz había interpretado el icónico personaje de Blanche DuBois en Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams.

En ese 1983, el clásico regresó a la escena, ahora en el Teatro Manolo Fábregas, bajo la traducción de José Emilio Pacheco y con la dirección de Marta Luna, una de las directoras más prolíficas en esos años. Jacqueline Andere fue la encargada de incorporar a Blanche, acompañada por Humberto Zurita como Stanley Kowalski y Diana Bracho como Stella.  Aunque Andere y Zurita son actores formados en el teatro, en ese tiempo eran visitados por un público que los veía protagonizando la telenovela El Maleficio, una de las más famosas de la historia del género.

Y, de hecho, constan las crónicas que se han hecho sobre el montaje, que éste resultó un trabajo que satisfizo los intereses comerciales del proyecto pero que, al estar bajo la sombra de la mítica puesta en escena de Seki Sano en 1949 (sí, muchos, muchos años antes), fue susceptible de opiniones encontradas y controvertidas por parte de los especialistas y la comunidad.

Empero, Jacqueline Andere mereció un premio a la mejor actriz del año, mientras que la bella traducción de José Emilio Pacheco fue publicada por la Universidad Autónoma de Sinaloa y fue retomada en la década de los noventa, cuando Diana Bracho decidió encarnar a Blanche DuBois, bajo la dirección de Francisco Franco.

Regresando a Marta Luna, en ese año también dirigió a otra estrella de la cultura y la farándula: Ofelia Medina, quien protagonizó la traducción de Federico Campbell de una de las obras más escenificadas de Harold Pinter, Traición.

El gran triunfo comercial de ese año fue el estreno de El vestidor, la obra de otro autor británico, Ronald Harwood, con la traducción y dirección de José Luis Ibáñez y la actuación de Ignacio López Tarso y Héctor Bonilla, quienes en pleno Teatro de los Insurgentes sostenían un duelo actoral que hasta hoy resuena en esas tablas y en la memoria de quienes lo presenciaron.

Con ésta puesta en escena se logró lo que hasta hoy en día sigue siendo deseado en nuestro medio teatral: la perfecta comunión entre un formato de producción comercial, un buen texto, un estupendo director y, sobre todo, dos excelentes actores de teatro con un fuerte imán de taquilla gracias a sus notables participaciones en el cine y la televisión.

Éxito rotundo de público y crítica, El vestidor gozó de una larga temporada y, al año siguiente, los premios al mejor actor recayeron en ambos histriones. Se trató de un año muy activo para Ibáñez, pues también dirigió a Silvia Pinal en la obra de Mario Vargas Llosa, La señorita de Tacna, otra obra que mereció opiniones encontradas por parte del público y la crítica.

En otro polo del teatro, en 1983 surgió una propuesta que tuvo una larga vida en México y, más que aquí, en el extranjero. Donna Giovanni es la adaptación femenina y feminista de la ópera Don Giovanni de W.A Mozart a cargo de Jesusa Rodríguez y el grupo DIVAS A.C., que tenía como integrantes a Francis Laboriel, Regina Orozco, Astrid Hadad, Victoria Gutiérrez y Daniel Giménez Cacho.

Ellos iniciaron sus presentaciones en el Teatro de la UNAM y de ahí dieron funciones en varias partes del mundo durante varios años. El montaje, que ha sido ampliamente estudiado fuera de nuestro país, consolidó a Rodríguez como una figura teatral transgresora y fuerte y, definitivamente, fue el gran preámbulo para el trabajo de cabaret político que desarrolló durante la década de los noventa.

En Casa del Lago, otro recinto de la UNAM, Héctor Mendoza puso en escena un ensayo teatralizado con el que inició la unión entre dramaturgia y teoría teatral que distinguió algunos de sus montajes más emblemáticos. En este caso, Hamlet, por ejemplo es una de las propuestas más vanguardistas del gran maestro de actores. En la obra, tres actores disertan sobre los grandes temas y los pequeños detalles de la obra de Shakespeare: Mabel Martín, Jorge Humberto Robles y Josefo Rodríguez se interpretaban a sí mismos y, mientras discutían, actuaban fragmentos de la tragedia.

En ese año también sucedió el encuentro de dos figuras excepcionales de nuestro teatro, aunque el resultado de éste no fue el más elogiado: El brillo de la ausencia de Carlos Olmos fue dirigida por el que, en contraste, fue el director más importante de esa década, Julio Castillo. La compleja pieza sobre refugio político no fue lo más logrado de estos creadores ni es lo más recordado de sus protagonistas: Irma Lozano y Alma Muriel.

En otro extremo, en ese año se estrenó la versión de Julissa a la ópera pop de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, Joseph and The Amazing Technicolor Dreamcoat, que para términos prácticos fue titulada simplemente José el Soñador, el cual fue interpretado por Memo Méndez junto a la cantante Olga María como la Narradora. De sobra está decir que, en México, se trata de uno de los espectáculos musicales más apreciados y reconocidos por el público y que, luego de una primera producción con una larga temporada que incluyó a otros Josés y otras Narradoras -como la notable María del Sol-, ha tenido dos reposiciones en el nuevo milenio.

Y, para cerrar los polos, regresamos a la UNAM para consignar dos obras que, de forma y fondos muy distintos, resultaron dos de los más sonados éxitos del teatro universitario del siglo XX.

Tras escuchar un casete con el texto traducido por una señora que estaba muy interesada en que conociera la obra, el actor, dramaturgo y director Héctor Ortega llevó a escena, bajo la dirección de José Luis Cruz, la obra más conocida del comediógrafo italiano, Darío Fo: La muerte accidental de un anarquista.

Bajo la piel de El Loco, Ortega logró uno de sus mayores éxitos como el gran humorista teatral que fue. Si bien el reparto incluyó a Rosa María Bianchi, Verónica Lánger, Joaquín Garrido y Emilio Ebergenyi, entre otros, el espectáculo le perteneció por completo al comediante que, literalmente, hacía y deshacía sobre el escenario de los Teatros Santa Catarina, primero y posteriormente Juan Ruiz de Alarcón.

Tras estas temporadas, la obra continuó en otros recintos de la Ciudad de México para luego salir de gira hacia distintos países de América Latina, en donde debido al fuerte clima político que se vivía entonces, el éxito de ésta obra mayor del teatro político fue contundente. Aunque años después recibió elogios por interpretar a Moliére en la obra homónima de Sabina Berman y a Fray Servando Teresa de Mier en 1822 de Flavio González Mello, el nombre y la genialidad de Héctor Ortega quedaron unidos, por muchas buenas razones, a la genialidad de Fo y al título de esta sátira tremenda que, por desgracia, sigue siendo vigente.

En un tono diametralmente opuesto, es decir, una tragedia contemporánea e íntima, De la vida de las marionetas, la adaptación teatral de la película de Ingmar Bergman a cargo de Juan Tovar, es considerada como uno de los puntos más altos no solamente de la trayectoria de su director, Ludwik Margules, sino del teatro universitario y de la escena nacional de la segunda mitad del siglo XX.

Con escenografía de Alejandro Luna, el montaje sucedido en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz es un referente para entender los alcances del arte teatral en nuestro país, gracias a la comunión entre el texto de Bergman sobre un hombre sumido en sus tormentos y represiones, la dirección de Margules -para muchos, se trata de su obra maestra-, la escenografía de Luna y las actuaciones de un elenco espléndido encabezado por Fernando Balzaretti, uno de los más sólidos actores de nuestro país muy tempranamente desaparecido. Junto a él, Rosa María Bianchi, Julieta Egurrola, Luis de Tavira, Emilio Echevarría, Farnesio de Bernal, entre otros, lograban un concierto escénico que, según constan las crónicas y testimonios de los involucrados, alteró profundamente las vidas de quienes allí participaron e incluso de quienes la presenciaron en una temporada breve, que por distintas razones no pudo ampliarse y que, por muchos motivos, fue suficiente para convertirla en una puesta en escena canónica.

Han pasado cuatro décadas desde que se estrenaron, varias de estas producciones siguen siendo de referencia para las nuevas generaciones, aunque no las hayan visto, aunque tal vez ni siquiera sepan sobre ellas, pero el efecto que consiguieron sobre los hacedores teatrales que en ellas participaron y en aquellos creadores teatrales que fueron sus espectadores, sigue siendo notable en los eventos que habitan en nuestra Cartelera de Teatro actual, ya sea siguiendo la estela de alguno de ellos o yendo en franca contracorriente.

En ambos casos cuestionando, reformulando y rehaciendo las formas y fondos éticos, artísticos, y de producción, a fin de que, como sucedió en aquel 1983, la ciudad esté plena de muchos teatros que, con sus similitudes, diálogos, diferencias y disidencias, hagan uno solo: el buen teatro.

Por Enrique Saavedra, Fotos: 








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