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Teatros CDMX presenta su programación escénica para 2022

Con funciones de teatro, danza, música, cabaret y multidisciplina, la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México presentó esta tarde su programación para enero 2022.

A partir del 7 de enero, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el Teatro Benito Juárez, el Teatro Sergio Magaña y el Foro A Poco No, albergarán diversos espectáculos que contarán con la participación de los más destacados autores, directores, actores y creativos escénicos del país y de renombrados artistas extranjeros.

Para celebrar a los más pequeños con motivo del Día de Reyes, el recinto de Donceles recibirá la propuesta Moby Dick el sábado 8 de enero, a cargo de la compañía Lagú Danza, dirigida por Erika Méndez, que tiene como finalidad el fomento de la literatura a partir de la obra de Herman Melville.

Al respecto, Ángel Lara, integrante de la agrupación comentó: “Es una obra de teatro-danza, donde mezclamos la ficción de Moby Dick y el teatro, inmiscuida la danza del cuerpo como elemento principal de la obra (…) Nuestros elementos son muy sencillos, apelamos a la imaginación de los jóvenes y de los niños impere en la puesta para que ellos jueguen y disfruten de la obra”.

El mismo recinto albergará la propuesta de teatro cabaret, ESCORTita la vida, a cargo de la actriz, dramaturga y directora, Minerva Valenzuela. El montaje que celebra la vida y la dignidad de las trabajadoras sexuales, ofrecerá funciones del 13 al 16 de enero en el Foyer del teatro.

Sobre su participación, la creadora escénica expresó: “Es un recital acompañado de un piano en donde hablamos del trabajo sexual, hacemos un recorrido por los últimos 150 años que han ocurrido en el trabajo sexual en la Ciudad de México, aunque también hablo de otros países y estados, a través de canciones que pretenden hablar de trabajo sexual”.

El martes 18 de enero se presentará el musical Lasso en concierto. Algo que casi es un cuento de Navidad, a cargo de uno de los cantantes de mayor popularidad en Venezuela, Lasso. El concierto ofrece su versión presencial en México, a partir del cuento clásico de Charles Dickens.

Para finalizar sus actividades, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris realizará un homenaje póstumo al director y dramaturgo sinaloense Ángel Norzagaray, fallecido el pasado 27 de diciembre con dos funciones especiales de la obra, Conejos en el valle de la muerte, de Daniel Serrano, que fue dirigida por Norzagaray (junto con Héctor Jiménez), con funciones el 29 y 30 de enero.

Por su parte, el Foro A Poco No recibirá las obras, El mojado, de Jorge Domínguez, una revisión a los pros y contras del llamado “sueño americano”, con funciones del 13 al 23 de enero y la pieza multidisciplinaria titulada, El retablo de las maravillas, adaptada por Óscar Ulises Cancino, dirigida por Alfredo Monsiváis y Alhelí Ábrego, un mosaico de imágenes, música y escenas en las cuales el amor, las pasiones, la fortuna y el placer son los detonantes escénicos representativos del Siglo de Oro. Ambos espectáculos son de entrada libre con cupo limitado.

De igual forma, el Teatro Benito Juárez albergará las propuestas El hombre bravo del pueblo, bajo la dirección de Gerardo Del Razo, es una propuesta del Colectivo Leviatán, que se escenificará del 13 al 23 de enero; y Peer Gynt, texto clásico de dramaturgo noruego Henrik Ibsen, dirigido por Gabriela Kraemer, con la compañía Marionetitlán, que ofrecerá funciones del 27 de enero al 6 de febrero.

El Teatro Sergio Magaña ofrecerá propuestas de música y teatro para toda la familia, las funciones comenzarán con la presentación del ensamble Trombontepec, la comunidad del trombón, del 7 al 9 de enero.

Así como la representación de la obra, La certeza del amanecer escrita por Luis Eduardo Yee, dirigida por Alejandra Aguilar, con las actuaciones de Ariana Candela y Paulina Álvarez que se presentará del 13 al 23 de enero.

Acerca de la obra, la directora Alejandra Aguilar señaló: “Tuvimos la oportunidad de estrenar este texto en el preámbulo de la pandemia en 2020, en La Capilla, y fue el resultado de una coproducción. Esta es la continuidad de este proceso que se vio interrumpido por la pandemia”.

Para los más pequeños, se presentará la obra, El Hombre Elefante, adaptada por Mario Conde y dirigida y protagonizada por Abigail Espíndola, unipersonal recrea la vida del primer paciente diagnosticado con Síndrome de Proteo, del 22 de enero al 13 de febrero.

Para público joven en ese mismo recinto se escenificará El despertar del zombie, relato fantástico escrito por Javier Malpica y dirigido por Esteban Castellanos, tendrá funciones del 27 de enero al 6 de febrero.

La danza estará representada en enero con los espectáculos Trilogía para mirar despacio, conformado por tres coreografías creadas por Guillermo Aguilar, Isis Piña y Sergio Valentín, directores del Colectivo Querido Venado; y el segundo se trata de la celebración del 45 Aniversario de la Compañía Nacional de Danza Folklórica, la icónica agrupación fundada y dirigida por la maestra Nieves Paniagua.

Por Itaí Cruz, Fotos: Gerardo Castillo y Cortesía Teatros Ciudad de México

Entrevista con el músico Mauro Refosco sobre AMERICAN UTOPIA de David Byrne

American Utopia, de David Byrne, regresó al escenario de Nueva York con una producción que emplea tecnología de punta y que fue honrada a principios de 2021 con un premio Tony especial, en la edición número 74.

Además de la producción, otro de los diferenciadores del espectáculo que se presenta en el St. James Theatre es la presencia de miembros latinos en la banda, como Gustavo Di Dalva y Mauro Refosco, ambos originarios de Brasil.

Mauro se mudó a Nueva York en 1992 y ha tocado con David Byrne desde 1994, por lo que está por cumplir su 30 aniversario trabajando con él. Él es además el hilo conductor entre David y la mayoría de los percusionistas de la banda, a quien él suele recomendar para que audicionen para el show.

El músico tocó además con los Red Hot Chili Peppers en “I’m With You” (2011) y estuvo de gira con ellos a mediados de la década de 2010. También fue miembro del grupo Atoms for Peace que incluía al cantante de Radiohead, Thom Yorke; a Flea, bajista de Red Hot Chili Peppers; al productor veterano de Radiohead, Nigel Godrich; y al baterista Joey Waronker, de Beck y R.E.M. Éste último y Mauro formaron un nuevo grupo, Jomoro, y lanzaron su álbum debut: Blue Marble Sky, en junio del año pasado.

Mauro Refosco nos cuenta en exclusiva sobre su experiencia con el músico y como ha sido ser parte del espectáculo American Utopía de David Byrne.

Su historia con David Byrne

“Conocía a Talking Heads y los escuchaba cuando vivía en Brasil en los ochentas. Tuve la oportunidad de ver su show Rei Momo cuando fue a Sao Paulo, creo en 1991, y me sentí el hombre más afortunado del mundo cuando me eligieron en el 94 para formar parte de su banda. Sigo trabajando con David hasta la fecha; no de forma exclusiva pero muy frecuentemente”.

Cómo se integró al show

“Me involucré en American Utopia en 2016 cuando David me buscó para armar la sección de tambores de su show. Por mail me contó la idea de tener un escenario vacío y los músicos sobre el escenario cargando sus instrumentos en arneses”.

Cómo su cultura y conocimientos han sumado a la banda

“Con la selección de instrumentos que hago y con el vocabulario musical que adquirí en mis años de formación”.

Mantenerse activo durante la pandemia

“Fue como apretar el botón de pausa en muchos aspectos. Me fui a mi estudio, tanto para producir como grabar mi propia música, además de música con gente de todo el mundo que quería colaborar conmigo. También fue un buen momento para practicar instrumentos que ya no tenía tiempo de tocar”.

Volver al escenario (regresaron en septiembre)

“Es aún más especial estar en el escenario tocando en vivo para la gente después de toda la incertidumbre. Nos muestra que la relación público/artista es muy especial y tiene que continuar”.

Estar en Broadway

“La experiencia de Broadway ha sido increíble. Es como si el tour fuera hacia ti en vez de al revés. Poder presentar tantos shows, y a la vez estar cerca de casa y de la familia, ha sido lo mejor para mí. Además, poder tocar en el mismo teatro te permite ser meticuloso en todos los aspectos musicales de afinación y mantenimiento de los instrumentos y de la calidad del sonido”.

El significado de American Utopia para ti

“Significa que soy parte de una gran familia y es especial en mi corazón”.

Por qué el público de México y Latinoamérica debe ver el show
¡Vengan a vernos! En serio es un show especial. Te hará llorar y reír al mismo tiempo.

Puedes conocer más de su trayectoria en https://www.maurorefosco.com/
Adquiere boletos para el show en https://americanutopiabroadway.com/

Por Mariana Mijares, Fotos: Cortesía Boneau / Bryan-Brown (Matthew Murphy)

5 opciones para celebrar el Día de Reyes en el teatro

El teatro es, sin duda, una fantástica experiencia que incentiva la imaginación de las niñas y niños, además de ser un momento para convivir en familia.

Comedia, musicales y clásicos de Disney son algunas de las propuestas que recomendamos para acudir al teatro y consentir a los más pequeños en este Día de Reyes.

Acá te dejamos algunas propuestas para que te animes y vivas la magia del teatro

1. La Sirenita musical. Sumérgete en esta aventura acuática en compañía de Ariel, Sebastián y Flounder, basado en el cuento de Hans Christian Andersen sobre una sirenita que se enamora de un ser humano. La obra se presenta los domingos de enero en el Teatro Tepeyac.

2. A golpe de calcetín. La obra narra la historia de un niño de 10 años que recorre las calles de la capital vendiendo periódicos, cuando un misterioso personaje le ofrece comprarle todos sus periódicos a cambio de que le haga un favor. Ofrece temporada 8, 9, 15 y 16 de enero en el Teatro Helénico.

3. El soldadito de plomo. Es una tierna historia sobre un intrépido soldadito que se enamora de una bailarina que un día cae por la ventana, y deberá enfrentar diversas circunstancias para volver con su amada. Termina su temporada este sábado 8 de enero en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde.

4. Moby Dick. La compañía Lagú Danza presenta esta travesía marina sobre barcos, ballenas y batallas en medio de olas inmensas, basada en el clásico de Herman Melville, que narra la historia de un hombre común que sueña con vivir nuevas emociones. Ofrece una sola función este 8 de enero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

5. La peor señora del mundo. El texto escrito por Francisco Hinojosa y adaptado magistralmente por Martha Torres es una emotiva invitación a los pequeños a adentrarse en el mundo de la literatura, que cuenta la historia de dos amigas inseparables que encuentran en un baúl el cuento y sin percatarse el personaje cobra vida y las obliga a representar su historia. Regresa a partir del 23 de enero a La Teatrería.

Consulta otras opciones de teatro infantil, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Guillermo Castillo y FB Alejandro Medina

Anuncian el XXXIV Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro

Del 24 de enero al 6 de febrero, llegará a los distintos espacios del Centro Cultural del Bosque el XXXIV Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro, conformado por 30 montajes de diversas compañías independientes.

Organizado por la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y el Centro Mexicano de Teatro A.C. del Instituto Internacional del Teatro (ITI) de la UNESCO, esta fiesta escénica ofrecerá funciones con entrada libre en los teatros del Bosque Julio Castillo y Orientación, así como en la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque.

Durante la conferencia de prensa, Isabel Quintanar, fundadora y directora general del encuentro, externó: “El Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro surgió como un movimiento teatral desde 1985 que ha evolucionado conforme las necesidades escénicas. Es una plataforma para dar espacio y experiencia a teatristas que buscan lugares profesionales de presentación, así como la oportunidad de llegar a un público ávido de teatro que se reúne anualmente”.

Agregó: “El encuentro es un abanico de posibilidades de ver, oír y sentir el teatro; ofrece ópticas distintas de una misma historia, así como funciones maratónicas en las cuales lo más importante es encontrarse y compartir el amor hacia este maravilloso arte”.

En esta edición se podrán ver los trabajos de compañías provenientes de Nayarit, Tabasco, Tamaulipas, Aguascalientes, Guanajuato, Coahuila, Estado de México y de la Ciudad de México y se presentarán tres obras para niñas y niños: El Principito, Ojos de botellas de anís y La historia del domingo 7.

Además de montajes de autores clásicos como Juan Ruiz de Alarcón, Federico García Lorca y Nicolás Maquiavelo; contemporáneos como Alejandro Licona, Humberto Robles y Mario Ficachi, entre otros, y de autoría propia de las compañías que se presentan.

También habrá propuestas con formatos de vanguardia, como la DragÓpera, un híbrido entre ópera, teatro de cabaret y drag.

Sobre el encuentro

Desde hace más de tres décadas y con la firme intención de impulsar el quehacer escénico en todo el país, este encuentro también responde a la necesidad de abrir nuevos espacios para exhibir los proyectos de agrupaciones formadas fuera de los ámbitos de las escuelas profesionales de artes escénicas y compartir gran variedad de propuestas con los amantes del teatro.

Consulta la programación en la página: teatro.inba.gob.mx

Con información del INBAL, Fotos: Captura de pantalla

“Este texto llegó a mi vida en el momento adecuado”: Verónica Musalem habla sobre AFTER HOURS

El más reciente proyecto de la dramaturga y directora escénica Verónica Musalem surge durante el segundo año de una pandemia que parece no ceder y continúa generando estragos para la comunidad teatral. Factores como la necesidad de reactivar el mercado cultural y establecer nuevamente el contacto con el público en espacios seguros, fueron determinantes para que el proyecto cobrara vida.

En el montaje, la directora plantea una propuesta lúdica, con tintes cabareteros, donde la fiesta es explícita provocando una erupción de pasiones y placeres que estuvieron reprimidos durante el confinamiento más estricto.

El elenco que conforma esta historia está integrado por Ana Corti, David Sicards, y Jorge Escandón, acompañados por la música original de Julio Gándara.

Con el objetivo de ofrecer un espacio seguro ante la contingencia sanitaria y generar un ambiente propicio para la fiesta que plantea la historia, Verónica Musalem en colaboración con Noox, empresa mexicana dedicada al rescate, innovación e inversión de espacios inmobiliarios, ofrecen fusiones en una terraza urbana al aire libre que provoca una experiencia inmersiva en el espectador.

Al respecto, la directora menciona: “Esta es una obra que escribí cuando era más joven, como escritora y directora he profundizado en varios géneros y este texto llegó a mi vida en el momento adecuado. Desde un principio yo tenía la intención de redactar un texto corto, quería algo festivo porque durante el confinamiento me preguntaba mucho sobre cómo vivían este proceso los jóvenes, ya que también soy docente y mis alumnos me externaron sus inquietudes acerca del amor y el deseo durante el encierro”.

Esta obra pertenece a una trilogía de textos escritos por la dramaturga sobre el primer amor, que confiesa haber experimentado, la puesta refleja una relación compleja entre dos adolescentes, “Habla de cuando los jóvenes van a la fiesta y apenas se van a enamorar o de cuando ya están enamorados, pero que se encuentran en el proceso de descubrir y descifrar nuevas emociones”.

Y agrega: “Es una obra lúdica y divertida, donde la música de Julio Gándara, compositor y guitarrista acústico, sigue las frecuencias emotivas de los personajes, además de la parte vocal que Ana ofrece a través de su personaje. Entrar a Noox es una experiencia desde las calles que se encuentran a su alrededor, el público llegará a la terraza con el sonido de la música y se encontrará con una vista urbana bastante agradable, además de disfrutar de un shot de mezcal de bienvenida”.

After hours ofrecerá 6 funciones a lo largo del mes de enero, los días 6, 20, 21, 22 y 23 en Tonalá 149, en la colonia Roma, y el 13 de enero en Nogal 94, en la colonia Santa María la Ribera, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción.

3 Razones para ver A GOLPE DE CALCETÍN

Esta puesta en escena dirigida por Cristian David y Fernando Reyes Reyes, con la adaptación de Ileana Villarreal,  ofrece un espectáculo visual que maravilla a chicos y a grandes por el gran trabajo reunido detrás y sobre el escenario a través de una atmósfera visual onírica con actuaciones interdisciplinarias por parte del elenco que lo integra.

Una premisa entrañable y conmovedora es presentada en este montaje, donde el público será testigo del viaje de un joven héroe que descubre algunas de las complejidades de la vida en un contexto de vulnerabilidad, mismas que enfrentará en compañía de otros singulares personajes.

A continuación, 3 razones para ver A golpe de calcetín.

1) La historia. Esta puesta en escena es creada a partir del cuento A golpe de calcetín del escritor Francisco Hinojosa, cuentista, poeta y narrador mexicano. Narra la historia de Paco Poyo, un niño de 10 años que por motivo del difícil contexto económico posrevolucionario, tuvo que abandonar la escuela para recorrer a pie las calles de la Ciudad de México vendiendo periódicos, lugar donde un misterioso personaje le ofrece comprarle todos a cambio de que le haga un favor. Situación que lo conducirá a formar parte de los titulares de los diarios que él mismo vendía. Cabe señalar que la voz en off que guía la trama es del mismo autor.

2) Las interpretaciones. Los actores ofrecen un trabajo escénico basado en la comedia, el clown, improvisación, teatro físico y magia. Usan títeres, máscaras y botargas en todo momento mediante una interacción constante con grandes y diversos objetos, además de tocar varios instrumentos. El elenco es integrado por: Nohemí Espinosa, Diego Santana, Carmen Coronado, Claudia Ivonne Cervantes, Fabián Varona, Alejandra Mada, Cristian David, Fernando Reyes Reyes y Juan Pablo Villa, músico en escena.

3) La dirección. Cristian David y Fernando Reyes Reyes ofrecen al espectador una puesta en escena para toda la familia al interior de un mundo caótico y fantástico con un toque artesanal que el público disfruta a través del viaje que emprende Paco Poyo, donde la música, los objetos y las máscaras, lo guían para que tome buenas decisiones y logre vencer las situaciones complejas de la vida que se le presentan a su corta edad por medio de un mensaje entrañable a cualquier edad.

Ya lo sabes, no te pierdas de este montaje con funciones los días 8, 9, 15 y 16 de enero en el Teatro del Centro Cultural Helénico, ubicado en Av. Revolución 1500, para más información, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: BF Idiotas Teatro.

Entrevista con Mariana Garza, Alberto Estrella, David Hevia y Ruby Tagle sobre El CHARCO INÚTIL

El Charco Inútil, de David Desola, es el más reciente montaje de la directora Ruby Tagle con las interpretaciones de Mariana Garza, Alberto Estrella y David Hevia. Se desarrolla bajo una premisa de soledad “en un mundo hiper comunicado”, donde también se cuenta una historia de amor imposible y de locura, no como patología sino como vía de escape, como refugio a un insoportable dolor presente en la realidad.

En la obra, Oscar, un profesor de secundaria, luego de haber sido agredido brutalmente por un estudiante y humillado por sus compañeros, queda severamente traumatizado y abandona por completo la enseñanza. Por su parte, Irene, una mujer que, tras perder a su hijo en los atentados terroristas de Madrid del 2004, se inventa una nueva vida junto a él y crea un mundo imaginario en donde habitan los dos, refugiándose desesperadamente del dolor de su insoportable realidad.

Al respecto, Mariana Graza expresa: “Es una obra que aborda la locura como forma de escape al dolor de las situaciones complejas de la vida. Dicen que por algo te tocan los personajes que te tocan y yo me siento muy afortunada de poder habitar la piel de Irene e interpretar su dolor. Ella perdió a un hijo, evento trágico que no ha logrado resolver y por tal motivo se refugia en la locura, sin importar los tratamientos y la medicación que ha tenido a raíz de esta terrible pesadilla, ella simplemente no puede lidiar con la pérdida”.

Y agrega: “La historia se enfoca precisamente en eso, en las personas que, a partir de un acontecimiento tan lamentable, han decidido no vivir su dolorosa realidad. En el caso de Irene, su drama se convirtió en dominio de varias personas que opinaban con tranquilidad sin tener la mínima idea del horror de perder a un hijo, situación que entre nosotros calificamos como un suceso que no tiene nombre, es un dolor inimaginable”.

Por su parte, Alberto Estrella señala: “Lo maravilloso de una obra es que nunca hay una opinión igual, cada espectador ve cosas distintas, uno se identifica y se relaciona con la obra de acuerdo a su momento, ideología e idiosincrasia, en fin, yo veo a dos personajes que se encuentran en un momento muy especial en la vida, en donde se necesitan más que nunca”.

Y agrega: “Veo también una historia de amor, dicen que el amor saca lo más bonito de nosotros pero también lo más horrible. Entonces creo que este texto donde se dice que a pesar de lo frío de ese invierno, a pesar de lo terrible que puede ser la vida, hay gente que se enamora y es feliz. Como seres humanos queremos buscar un aliciente a nuestros problemas. En una situación complicada hay dos soluciones o refugiarse en las cobijas y en la soledad de la casa o enfrentar la situación encarando el dolor”.

Mientras que para David Hevia, la realidad es un constructo no muy claro, desde su perspectiva el concepto es igual a las capas de una cebolla, donde por más capas que se quiten no existe algo perfectamente estructurado que determine una revelación universal a lo que como sociedad comprendemos como tal.

“Mi personaje es una especie de conciencia o un recuerdo que aunque no se puede ver, existe. Algo que me gusta mucho del dramaturgo David Desola es que utiliza muchas referencias de Kafka. Cada uno ve la realidad de cierto modo y la realidad es como una cebolla, por más capas que quitemos, nunca vamos a encontrar una verdad absoluta. Lo mismo ocurre con lo trágico de la vida y el aceptar las situaciones complejas tal y como son”, señala.

Por su parte, la directora de escena Ruby Tagle expresa: “La obra me parece una pieza de relojería, es perfecta como está escrita, pero por otro lado me interesó mucho lo que no decía con las palabras, en general son parlamentos muy cortos de tres o cuatro líneas. Sin embargo, en la puntuación, en los puntos suspensivos dice tantas cosas y desde ahí es que lo estoy abordando y bueno, reunir a este elenco es una delicia, para mí es un gusto poder trabajar con ellos. El teatro manifiesta una mirada de la realidad, nos ayuda como espectadores a prestar atención hacia esas otras muchas posibilidades”, finaliza.

El Charco Inútil se presentará del 27 de enero al 20 de marzo en el Teatro del Centro Cultural Helénico, ubicado en Av. Revolución 1500, consulta precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Pierre Louis vs. Alfredo Gatica en BLUE ROOM

La dramaturgia de David Hare es analizada bajo la mirada actual de una sociedad moderna, cuyos vicios y comportamientos autodestructivos cobran sentido en el espectador bajo la dirección de Diego Del Río, en un montaje íntimo y dinámico que explora la forma de relacionarnos a través del sexo y sus implicaciones en nuestra interacción con los demás.

En esta puesta, los actores Pierre Louis y Alfredo Gatica dan vida a distintos personajes que a lo largo de 120 minutos invitan al espectador a reflexionar sobre la manera en que nos transforman los encuentros sexuales a lo largo de la vida. Sobre las distintas violencias de las que somos objeto y que hemos normalizado por medio de conductas poco racionalizadas que venimos repitiendo desde siglos atrás.

Al respecto, Pierre comenta: “Ha sido una obra que ha gustado mucho, hemos tenido funciones llenas. Compartir este montaje con Alfredo Gatica, uno de mis mejores amigos, ha sido un proceso que he disfrutado muchísimo, aunque no nos tocó compartir el mismo proceso creativo, por fuera siempre estábamos platicando y compartiendo algunas reflexiones al respecto”.

“Para mí es increíble este formato que plantea Diego al ofrecer dos conceptos completamente distintos sobre el escenario, con dos elencos independientes, permitiendo dos lecturas de un mismo texto a través de nuestras diferentes interpretaciones, y en este sentido, al ver a Alfredo junto con Naian me permitió observar un panorama más amplio sobre lo que yo estaba construyendo con mi actuación en compañía de Zuria”.

Para el actor, la cercanía hacia los personajes por los que transita la historia representaron una tarea compleja de análisis y posteriormente de personificación debido a su crianza y visión del rol femenino en la sociedad. “Los personajes que plantea la historia son lo más alejado a lo que soy comúnmente. Yo fui criado con mi mamá y mi abuela, entonces abordar estas violencias de género, producto del patriarcado, fue un reto porque afortunadamente no estuvieron presentes durante mi formación”.

Por su parte, Alfredo señala: “El compartir escena con Naian me ha funcionado bastante para transitar con mayor confianza dentro de los roles que interpreto en esta obra, porque ella tiene una gran capacidad para absorber y sintetizar información, así como un trabajo riguroso en el análisis de personaje que es admirable”.

El actor asegura que el trabajo con María Penella en la preparación corporal, de la cual estuvo a cargo, fue un proceso bastante enriquecedor y minucioso, debido a las implicaciones eróticas que se exacerban en el texto, siendo un factor primordial en este proyecto donde era necesario crear un círculo de confianza y de complicidad con su compañera de escena”.

“A Naian yo no la conocía, entonces al ser una obra donde los encuentros sexuales se convierten en pieza clave para la historia, el trabajo con María nos ayudó a sentir confianza mediante ejercicios de tacto y expresión corporal para saber el límite de hasta dónde podíamos llegar y sentirnos cómodos al mismo tiempo”, expresa.

Y agrega: “El actuar tantos personajes considero ha sido el mayor reto, porque tenemos menos de 30 segundos para cambiar de vestuario y entrar en la interpretación y al mismo tiempo son tantas cosas que como actor debes tener en mente como las indicaciones que en este caso el director nos hace en los ensayos, el trabajo con María, y mi proceso individual con Naian. En este sentido, Blue room ha sido un proyecto que me ha dejado grandes enseñanzas como actor, artista y creador”.

Para ambos actores, este proyecto representa dos historias distintas y potentes partiendo de un mismo texto en las cuales el público debe adentrarse y reflexionar junto con los personajes sobre la inmediatez del sexo en la cual nos encontramos inmersos en la actualidad, así como las distintas violencias que hemos normalizado a lo largo de los años.

No te pierdas esta puesta en escena con funciones de viernes a domingo en el Teatro Virginia Fábregas, ubicado en Velázquez de León 29, Col. San Rafael, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Diego Del Río

Regresa el exitoso experimento teatral, CONEJO BLANCO, CONEJO ROJO

La puesta en escena original del dramaturgo iraní, Nassim Soleimanpour, Conejo Blanco, Conejo Rojo regresa este 2022 al escenario con un gran y renovado elenco, a partir del 2 de febrero en La Teatrería.

En esta nueva temporada participarán 14 intérpretes que se enfrentarán al reto de escenificar esta obra que tanto los actores como el público desconocen y descubren juntos en escena.

Entre las personalidades de la escena nacional se encuentran Manuel Balbi, Anahí Allué, Diana Sedano, Jerry Velázquez, Arturo Barba, Montserrat Marañón y César Enríquez, por mencionar algunos.

El montaje surge por iniciativa de Soleimanpour, ante la prohibición de salir de su país crea un experimento escénico para comunicarse con el público de diversas partes del mundo. Con este experimento ha encontrado la libertad al ser capaz de conectarse con cualquier espectador.

La obra se ha traducido a más de 20 idiomas, y los lineamientos para su representación son muy sencillos, sin embargo, representan un gran reto para los actores, quienes no deben leer el libreto hasta el día de la función. De esta manera, cada noche uno de los participantes toma un sobre sellado, en cuyo interior se encuentra una obra que los pondrá a prueba sobre el escenario. Es importante señalar que la puesta es interpretada una sola vez por los actores.

Sobre el dramaturgo

Nacido en 1981, Nassim Soleimanpour es un fabricante independiente de teatro multidisciplinario de Teherán. Más conocido por su obra, Conejo Blanco Conejo Rojo, su trabajo ha sido galardonado con el Festival de Dublín Fringe Mejor Nueva Actuación, Summerworks Outstanding New Performance Text Award (Canadá) y The Arches Brick Award (Edimburgo Fringe). “White Rabbit Red Rabbit” fue producida originalmente por Volcano Theatre en asociación con Necessary Angel y Wolfgang Hoffmann. La dramaturgia fue proporcionada por Daniel Brooks y Ross Manson.

La segunda obra de Nassim, Blind Hamlet para la Actors Touring Company con sede en Londres, se estrenó en el Festival Fringe de Edimburgo 2014 y desde entonces ha realizado extensas giras por el Reino Unido y fue bien recibida en Bucarest y Copenhague. Nassim ahora vive en Berlín con su esposa Shirin y su perro Echo. Su tercera obra, BLANK se estrenó en noviembre de 2015 en el Dancing on the Edge Festival de Ámsterdam y Utrecht, seguida de actuaciones en el Radar Festival de Londres.

El último trabajo de Nassim, NASSIM, se estrenó en el Festival Fringe de Edimburgo en 2017 y ha recibido una amplia aclamación, incluyendo ganar un Primer Premio Fringe.

Conejo Blanco, Conejo Rojo ofrecerá funciones los miércoles del 2 de febrero al 4 de mayo, en La Teatrería, ubicada en Tabasco #152, Colonia Roma Norte, Delegación Cuauhtémoc, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía VIOGG

Entrevista con Enrique Arreola y Carmen Madrid sobre EL AUTOR

Tim Crouch, autor de teatro experimental inglés conocido por crear historias que dejan a un lado las convencionalidades normativas del teatro para sumergir al espectador en un juego de roles que rompen con la línea que separa de manera tajante al público de los actores, propicia la construcción mental del horror presente en la humanidad en su obra titulada El Autor, escrita en el 2009.

En esta ocasión, la reinterpretación que propone el director Benjamín Cann, tiene como objetivo exponer una serie de sucesos que muestran la parte más oscura de los seres humanos mediante interpretaciones sutiles y contundentes a cargo de Enrique Arreola, Miguel Santa Rita, Carmen Madrid Emilio Guerrero.

Al respecto, Enrique Arreola comparte: “La indicación de Benjamín siempre fue muy clara, mantener una especie de temple sin abandonar el tono que el argumento plantea. Como actores debemos generar una energía todavía más envolvente debido a la falta de elementos teatrales que se utilizan normalmente al representar un montaje, todo tiene que ser llevado de una forma sutil, mismo que es apreciable en algunos momentos donde nuestra voz baja de nivel para que el espectador agudice sus sentidos en cuanto al relato que está presenciando”.

Por su parte, Carmen Madrid menciona: “Para mí el mayor reto es justamente tener al público tan cerca, sin la famosa cuarta pared de por medio. Como intérpretes debemos dejarnos sorprender por las cosas que va proponiendo el dramaturgo, es una obra que requiere de una actuación sumamente orgánica pero con la potencia necesaria para enganchar al espectador que se encuentra hasta la última butaca”.

Para Enrique Arreola, siempre ha estado en discusión lo real de lo verdadero y es en ese sentido, que desde su perspectiva la historia se desenvuelve en ambas esferas, sin una línea que delimite el drama planteado en escena.

“Yo cuando leí el texto y el subtexto que propone el dramaturgo, no daba crédito a lo que mi mente comenzaba a crear al paso de las páginas, El Autor te habla directo y sin filtro sobre el horror de los seres humanos sin esta seguridad que propician las grandes representaciones trágicas, donde como espectador te sientes tranquilo al saber que saliendo de la sala todo acaba, en este montaje no, debido a la imaginación y participación activa que exige la obra”, señala.

“A raíz de nuestra construcción mental sobre las escenas que plantea la historia dependemos de esta sutileza que mencionamos para poder generar un clima de iguales en el interior del teatro y transmitir nuestras impresiones de forma frontal y sin rodeos. Somos prestanombres en una obra, el público debe de creer que no estamos haciendo un personaje. Sin embargo, a los personajes que estamos desarrollando, les pasan demasiadas cosas”, expresa Carmen.

Y agrega: “Un tema que me parece muy interesante, presente en la obra es la violencia a la que las actrices se ven enfrentadas en algunos proyectos y que ha sido normalizada, donde el director en cuestión no tiene muy presente el límite de hasta dónde puede llegar en su dirección actoral. Sin duda El Autor ha sido uno de los montajes más complejos emocionalmente que he hecho”, finaliza.

No te pierdas de esta propuesta escénica que se presenta de viernes a domingo en el Foro Shakespeare, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Póster de la obra.

Las 10 obras más buscadas de enero

A mitad de mes hacemos este recuento con las obras de teatro más visitadas por ustedes en Cartelera de Teatro durante el primer mes del 2022.

Echen un vistazo a los resultados:

10. Perfectos desconocidos. En esta historia, Eva y Alberto son los anfitriones de una cena que se saldrá de control, tras dejar abierta la caja de los secretos que cada celular guarda consigo. Disfruta de un gran elenco seleccionado para esta adaptación de la película homónima que celebrará sus 200 representaciones el próximo 21 de enero.

9. Blue Room. Basada en el texto “La Ronda”, de Arthur Schnitzler publicado en 1900, cuestiona las relaciones entre hombres y mujeres, desde el sexo hasta el poder, y cómo estas dinámicas siguen vigentes hoy en día. Sin duda, es una propuesta que te hará reflexionar sobre nuestras conductas. La obra llega a su fin de temporada el 16 de enero.

8. El Tenorio Cómico. La clásica temporada del Tenorio Cómico inició a principios de agosto. En esta obra los textos de Zorrilla pasan a segundo término, siendo suplidos por comentarios hilarantes llenos de humor de todos colores, frases ingeniosas, sketches políticos y de actualidad presentados por el elenco.

7. El juego que todos jugamos. En un collage de escenas que transitan por diferentes géneros, bajo la dirección de Rodrigo Mendoza se presenta El juego que todos jugamos de Alejandro Jodorowsky. Se trata de un texto que indaga en las conductas de los individuos, pasando por sus traumas, sus gustos, sus amores y sus fobias. Todo ello con el fin de mostrar al público: Cuál es el juego que nos disponemos a jugar cada día.

6. Como quieras ¡Perro Ámame! Una comedia romántica en la cual una mujer cuarentona, divorciada y no muy conforme por cómo el amor la ha tratado, decide escribir un libro en el cual compara a los hombres con perros. Durante 85 minutos y a través de 25 canciones, el público puede sentirse identificado, ya que aborda distintas generaciones y épocas.

5. Sola en la oscuridad. El thriller y suspenso son los elementos que componen esta propuesta que nos narra la historia de Susy, una mujer invidente que se ve envuelta en una intrigante trama, que deberá resolver con ayuda de sus otros cuatro sentidos. Durante cinco semanas Kika Édgar interpretará a Susy  en el Teatro México.

4. Dos más Dos. Esta divertida comedia sobre el intercambio de parejas, nos pone frente a la disyuntiva, al cuestionar cuáles son nuestros límites sobre el amor, el sexo y sobre todo, nuestro concepto sobre la fidelidad. Disfruta de esta divertida comedia en el sur de la ciudad, desde el Teatro Royal Pedregal.

3. La obra que sale mal. En la trama seguimos a una compañía de teatro amateur que se alista para estrenar El Asesinato En La Mansión Haversham, pero todo sale terriblemente mal. El resultado es una divertida comedia al más puro estilo del clown que entretiene por igual a chicos y grandes.

2. Aladdín. Basada en la película homónima de Disney de 1992, es considerada una de las obras más exitosas en el teatro musical, gracias a su gran despliegue de efectos especiales, iluminación, su majestuosa escenografía y por supuesto, su espectacular vestuario que serán la delicia de chicos y grandes.

1. José, el soñador. A unas semanas de que levante el telón, la expectativa que ha generado esta obra es alta, gracias a la participación de reconocidas estrellas de la escena como Carlos Rivera, Fela Domínguez y Kalimba. El musical comenzará su corta temporada a partir de febrero de 2022 en el Centro Cultural Teatro 1.

Por Itaí Cruz, Fotos: FB Jose el sonador y Alberto Clavijo

Majo Pérez vs. Marien Caballero en el papel de Angie en THE PROM

The Prom se ha caracterizado por ofrecer un mensaje de amor y respeto por medio de personajes que reflejan una completa gama de virtudes , temores, frustraciones y sueños, parecidos a los que como espectadores vivimos cotidianamente, permitiendo una conexión profunda y entrañable durante cada presentación.

Las actrices Majo Pérez y Marien Caballero le dan vida a Angie, bailarina profesional de Jazz e intérprete de teatro musical, misma que con su talento y gran sensualidad favorece en Emma, protagonista de la historia, la seguridad necesaria para habitar y sentirse cómoda en su propia piel.

Al respecto, Majo Pérez menciona: “A mí me dio mucho gusto cuando me enteré que Marien iba a estar en The Prom, yo la vi en Chicago y cuando salía al escenario no podía dejar de verla, tiene una presencia increíble y bueno en este personaje, que es justamente una bailarina muy completa, forjada en estos ritmos seductores, donde la corporalidad debe ser muy expresiva, qué te puedo decir”, está genial.

Y agrega: “Para mí representó un reto muy grande el habitar la piel de Angie porque donde me siento más cómoda es en la actuación y el canto, yo no cuento con toda esa preparación física a la hora del baile, entonces aprendí muchísimo de la interpretación de Marien. Me encanta que ambas comprendamos muy bien la importancia de este personaje por todo lo que engloba, Angie es parte del ensamble, entonces es como un homenaje a todas esas personas que siempre han estado ahí, no como protagonistas pero sí dándolo todo en cada función, generando vida a toda una producción”.

Por su parte, Marien Caballero afirma: “Este personaje tiene una energía muy humana, es muy amorosa y siento que transita la obra de manera distinta a los demás, en un principio puede parecer quizá un poco superficial en esta vaporosidad del mundo del teatro musical, pero en el segundo acto se puede ver más esa parte de su pasión por el escenario, entonces nuestra Angie pasa en compañía del público por esta gama de cambios para llegar a algo más profundo”.

Y agrega: “Nuestra preparación debe ser muy disciplinada, sinceramente hay que estar muy pendientes de nuestro cuerpo porque es nuestro principal instrumento. Angie es muy física, entonces sí debemos entrenar constantemente y trabajar primordialmente la parte de la elasticidad, la expresión corporal y la parte vocal para ofrecer nuestro mejor trabajo al público que compró entradas”.

Para Majo, es importante hacer ese “click” con el personaje y crear un vínculo, asegura que la dirección actoral a cargo de Diego Del Río propició una exploración de las inseguridades, miedos y limitaciones que como intérpretes tenían pero que el personaje al que darían vida, no.

“Una gran virtud, es que como actores pudimos hacer una exploración sin moldes del personaje, yo admiro muchísimo a Majo, entonces el trabajar juntas el personaje fue una experiencia sumamente enriquecedora. El poder ver a distintos actores diciendo las mismas líneas, haciendo las mismas coreografías pero de una forma tan distinta por las diferentes personalidades con las que cuenta cada uno, para mí representa algo mágico”, finaliza Marien.

Para ambas actrices representa un orgullo ser parte de un proyecto que apuesta por la inclusión y el respeto de la diversidad, donde aseguran el público se identifica de una u otra manera en el transcurso de la historia. Además, agradecen el buen recibimiento que el montaje ha tenido mediante cada aplauso de pie y cada función llena.

No te pierdas The Prom, con funciones de viernes a domingo en el Centro Cultural Teatro 2, ubicado en Av. Cuauhtémoc 119, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB de Majo y Marien

3 Razones para ver ALADDÍN

El clásico de Disney ha cautivado al público mexicano a través de una historia que invita a la diversión y a la constante sorpresa mediante una producción dinámica, colorida y mágica con vestuarios detallados, precisos efectos visuales que resaltan en la interpretación de cada uno de los profesionales reunidos en escena.

Aladdín se ha convertido en un espectáculo visual que emociona y traslada al espectador hacía la mítica Agrabah, ciudad donde los sueños se pueden hacer realidad con ayuda de un hilarante genio preso en una lámpara que a la menor provocación impresiona con sus poderes y su peculiar simpatía.

A continuación te presentamos 3 razones para ver Aladdín.

1. El elenco. Rodney Ingram (Aladdín) Irma Flores (Jazmín), Juan Pablo Martínez (Genio) y Salvador Petrola (Jaffar) lograron recrear los icónicos roles de esta historia, mediante un impresionante manejo de dirección (la misma de Broadway), estos profesionales logran transmitir las distintas emociones por las que transitan sus personajes con cada canción y momento emblemático de la historia original.

2. La producción. La obra se estrenó en el Teatro New Amsterdam en Nueva York en marzo de 2014, rompiendo records de entradas en ese reconocido teatro en 14 ocasiones, también ha sido vista por más de 10 millones de personas en todo el mundo debido a su sorprendente despliegue de producción, donde por poco más de dos horas, podrás disfrutar de constantes efectos especiales, un espectacular vestuario, músicos en vivo y más de 34 actores en escena.

3. El ensamble actoral. En este montaje no solo los actores que interpretan los personajes principales brillan, aquí todos los integrantes de la producción deben contar con gran experiencia en teatro musical, mismos que mediante cada número musical harán que tu corazón se emocione al compás del ritmo y perfecta sincronía corporal que ofrecen en cada escena, generando vida y energía a la obra.

Por ser un espectáculo visual que te atrapará, no te pierdas la oportunidad de habitar tierras mágicas por un día en el Teatro Telcel, ubicado en Lago Zurich #245, consulta precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Escenario Ocesa 

Kika Édgar está lista para protagonizar SOLA EN LA OSCURIDAD

Kika Édgar se ha caracterizado por ser una intérprete comprometida y dedicada en sus distintas facetas como cantante y actriz en comedias musicales, dramas y por segunda ocasión, ahora en rol protagónico de un thriller.

Susy Hendrix, rol principal en Sola en la oscuridad, se caracteriza por ser una mujer frágil pero con la suficiente fuerza y convicción de enfrentar cualquier reto que se le presente, en un contexto social donde las mujeres no tenían las mismas oportunidades que los hombres.

Al respecto Kika Édgar declara: “Me entusiasma formar parte de este montaje, me toca encarnar un personaje muy complejo, Susy es una mujer muy frágil y eso ha significado un reto para mí, debido a que estoy muy acostumbrada a explotar una energía inherente en mí, en cada papel que interpreto, entonces tuve que bajar un poco esa intensidad para poder transmitir con sutileza las diferentes facetas por las que transita Susy Hendrix“.

Y agrega: “No hay que dejar de lado que ella representa una mujer de una época donde las mujeres no tenían voz ni voto y por consiguiente no se les respetaba, ahora imagínense con una discapacidad visual de por medio”.

La actriz afirma sentirse muy bien recibida por todo el equipo que integra esta producción encabezada por Morris Gilbert. El productor asegura Kika hará un papel espectacular con toda la experiencia con la que cuenta y el encanto que la caracteriza, cabe señalar que la interprete únicamente ofrecerá funciones del 20 de enero al 13 de febrero.

La puesta narra la historia de Susy Hendrix , una ama de casa invidente, que se ve envuelta en una terrible situación con dos estafadores, que buscan una muñeca. En esa oscuridad, ella tendrá que usar sus otros sentidos, para sortear los engaños y chantajes en los que se ve involucrada para poder sobrevivir.

No te pierdas de Sola en la oscuridad con funciones de viernes a domingo en el Teatro México, Centro Teatral Manolo Fábregas, ubicado en Velázquez de León 31, para más información, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro.

Conoce la programación del 2022 que Teatro La Capilla tiene para ti

El Teatro La Capilla dio a conocer su programación de inicio de año, la cual arranca con el Ciclo de Teatro de los Estados, misma que ha sido modificada debido a la contingencia sanitaria que se vive actualmente, con funciones virtuales. También presentará diversas obras que se escenificaran de forma híbrida en los meses posteriores. Así como, propuestas de reciente creación surgidas de LAB Capilla y el regreso de La ira de Narciso bajo la dirección del fundador de la compañía Los Endebles, Boris Schoemann.

Al respecto, el director declara: “Hoy tuvimos una reunión con los representantes del ciclo (Teatro de los Estados) para realizar unas modificaciones a raíz de lo que está sucediendo con la pandemia en el país, esto con el afán de cuidar la salud de todos los involucrados en las propuestas escénicas, el personal del teatro y del público en general. Por esa razón las funciones serán presentadas de manera virtual”.

Y agrega: “Esto no quiere decir que bajaremos los brazos y en medida de lo posible, buscaremos reprogramar estas funciones durante el mes de marzo, esperando un mejor panorama en el tema de contagios”.

A continuación, las obras que comprende el Ciclo Teatro de los Estados.

Flores rojas (Guerrero)

Esta obra escrita y dirigida por José Uriel García Solís, será escenificada por la compañía De La Mancha Teatro el sábado 22 y domingo 23 de enero a las 18 horas.

Sabueso (Sinaloa)

Escrita y dirigida por Teresa Díaz del Guante, en ejecución de la compañía Terca Teatro, se presentará el sábado 29 y domingo 30 de enero a las 18 horas.

Bubble Gum (Coahuila)

De Edeberto “Pilo” Galindo, dirigida por Arnulfo Reveles, actuada por la compañía Detestable Teatro, ofrecerá funciones el sábado 29 y domingo 30 de enero a las 12:30 horas.

L-ATE, Adiós, un abrazo y un dulce para el camino (Michoacán)

Es escrita y dirigida por Manuel Barragán, interpretada por la compañía Vaso Teatro, será llevada a cabo el sábado 5 y domingo 6 de febrero a las 18 horas.

Abuelito Pajarito (Michoacán)

Propuesta escrita y dirigida por Manuel Barragán, en ejecución de la compañía Vaso Teatro, tendrá funciones el sábado 5 y domingo 6 de febrero a las 18 horas.

Programación del mes de febrero y marzo en La Capilla

Fishtank

Escrita y dirigida por Edith Toral. Compañía Las Moscas Que Vuelan Al Revés. Miércoles, del 9 al 23 de febrero a las 20 horas en formato presencial y por streaming.

Al cuerno por los toros

Escrita y dirigida por Mariana Batista, se presentará del 3 de febrero al 17 de febrero a las 20 horas de forma presencial y en streaming.

El viaje de Tadeo

De Gonzalo Herrerías, dirigida por Martha Mega, contará con funciones del 12 al 27 de febrero en el área de cafetería y jardín del teatro.

La garganta del cielo

Coproducción 2022 de Teatro La Capilla, de Diego Álvarez Robledo y Belén Aguilar. Compañías Principio Investigadores Escénicos y El Mirador Teatro, se presentará del 20 de febrero al 24 de abril a las 18 horas de forma presencial y por streaming.

¿Por qué no tengo cama?

Proyecto seleccionado en el Programa Incubadora 2021 de Teatro La Capilla, autoría de Karen Alicia, tendrá funciones del 1 al 29 de marzo a las 20 horas. Presencial y streaming.

Avería

Proyecto seleccionado en el Programa Incubadora 2021 de Teatro La Capilla. De David Almaga, del 2 al 30 de febrero a las 20 horas. Presencial y streaming.

Velociráptor

El proyecto de la compañía en Residencia 2020 de Teatro La Capilla, realizada por Abraham Salomón, se presentará del 4 al 6 de marzo. Presencial y streaming.

Mira la libélula

Coproducción 2022 de Teatro La Capilla, escrita y dirigida por Eduardo Orozco. Colectivo Berenjena, del 18 de marzo al 16 de abril. Presencial y streaming.

Now playing

Escrita y dirigida por Jimena Eme Vázquez, contará con funciones del 24 de marzo al 14 de abril a las 20 horas, de forma presencial y por streaming.

Compañía Los Endebles.

La ira de Narciso

De Sergio Blanco, bajo la dirección de Boris Schoemann. Compañía Los Endebles y Teatro en una Cáscara de Nuez, tiene contemplado ofrecer funciones los lunes de marzo y abril. (Por confirmar).

Ciclo Lecturas de antología

Lectura de las obras incluidas en la tercera antología para jóvenes audiencias. En formato presencial, los martes de febrero. (Por confirmar).

LAB Capilla

Presentación de tres propuestas teatrales surgidas del laboratorio de creación y formación. Montajes coordinados por Daniel Bretón, Cristian Magaloni, Irene Repeto y María José Jiménez, con funciones los sábados y domingos de marzo y abril.

Para conocer más información. Así como, precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Teatro La Capilla

Entrevista con Juan Meliá sobre los resultados del Observatorio Teatral

Los trabajos del Observatorio Teatral revelan la situación operativa de los foros en México, de acuerdo con este primer estudio algunas de las principales problemáticas a las que se enfrenta el gremio teatral es la centralización de la oferta cultural, problema innegable para el desarrollo de nuevos públicos. Así como, la escasa producción de obras y la carencia de patrocinios.

Al respecto, Juan Meliá, director de Teatro UNAM, declara: “El primer hallazgo te diría que es la necesidad de haber hecho este estudio, es muy particular lo que estamos viviendo todos con esta pandemia que nos rodea y que en el momento más álgido en el 2020, nos hizo darnos cuenta de que debíamos conformarnos mucho más como gremio”.

Y agrega: “En cuestión de teatro nos dimos cuenta que seguíamos contando con pocos datos sobre nuestro funcionamiento en la ciudad y en los demás estados, no teníamos luz sobre los mecanismos con los que se mantenía en pie el ámbito público ni el privado, es decir, era necesario construir más datos de manera colectiva sobre la operatividad en sus distintas ramificaciones”.

De acuerdo con Juan Meliá, de los 720 teatros que aparecen en el directorio del Sistema de Información Cultural (SIC) de la Secretaría de Cultura, ubicados en todo el país, el 80 por ciento son espacios públicos, y el 30 por ciento independientes o privados.

“Los encuestados respondieron a un cuestionario muy complejo, donde era necesario conocer a fondo el manejo de las salas desde la parte técnica, administrativa, artística y de difusión, donde más de 100 teatros respondieron, haciendo evidente la necesidad que había de responder”, declara.

Y agrega: “Del estudio se desprenden varias líneas de reflexión, en cada temática del cuestionario había la misión de hacer descubrimientos muy específicos, como las características del predio, también de la instancia que lo operaba y ahí la brecha de lo público e independiente se hizo más evidente”.

De acuerdo con el académico, en nuestro país los espacios que pertenecen a centros culturales están mucho más en el ámbito público que en el independiente, representando mayor esfuerzo para la difusión de proyectos emergentes, mismos que ocupan espacios en renta lo cual implica un riesgo mayor para su sustentabilidad.

En el rubro de lo administrativo, se preguntaba sobre las formas de contratación y el número del personal. Así como, el tamaño de su organigrama de trabajo.

“Hay más gente desempeñándose en aspectos técnicos y de vigilancia en lo público, en programación es mucho menor, también observamos que la forma de contratación temporal es mayor a contrataciones permanentes con muy pocas prestaciones”, afirma.

Y agrega: “La principal forma de subsistencia es vía taquilla con pocos patrocinios, donde el valor de la taquilla cambia drásticamente de lo público a lo independiente. Algo indudable en nuestro país es que los apoyos del ámbito público que se otorgan están mayormente enfocados hacia las compañías para poder presentarse y esto de manera indirecta favorece a las salas”.

Finalmente, Juan Meliá concluye que hay una necesidad de repensar las políticas de apoyos a las salas con el fin de aumentar su capacidad de producción, debido a que hay un gran número de espacios que no programan temporadas, teatros que trabajan la parte multidisciplinaria para poder sobrevivir.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Teatro UNAM.

Guana vs. Ricardo Maza en el papel de Maximiliano Bennett en LA OBRA QUE SALE MAL

Bajo la dirección de Mark Bell, este montaje se ha convertido en un referente de comedia física en el país, en el todo el elenco reunido debe estar a la altura de las exigencias que el texto pide, donde cualquier mínimo error podría afectar la integridad física de cada intérprete y romper con el ritmo de la obra.

Al respecto, Luis Rodríguez “Guana” expresa: “El principal reto del personaje es el trabajo corporal que requiere, muchas personas me han preguntado si realmente es más demandante este papel en comparación con algún otro que haya interpretado en teatro musical y sí, es uno de los personajes más cansados y más retadores, precisamente por eso, como actor todo el tiempo tienes que estar con la energía a tope porque la obra funciona únicamente de esa manera”.

Por su parte, Ricardo Maza declara: “Toda la compañía tiene que manejar un nivel de preparación bastante riguroso porque la obra exige movimientos precisos y una entrega constante, donde como intérprete debes estar alerta en todo momento para evitar accidentes. Es vital tener una condición física bastante buena para hacer a Maximiliano Bennett y estar atento a cualquier imprevisto, sin duda”.

“La obra es tan puntual que no puedes romper con el movimiento que se genera en escena con ninguna equivocación porque todo funciona como una señal para quizá aventar una luz, que se caiga algo de la escenografía, en fin, debes tener bastante desarrollados los reflejos para evitarte cualquier daño físico a ti y los compañeros porque sí han pasado muchísimas situaciones en escena que se tienen integrar a la obra y de esta manera evitar que el público lo note”, afirma Guana.

Ricardo asegura haber contado con un tiempo muy breve para ser parte de esta historia, poniendo al límite su compromiso y capacidad de aprendizaje.

“Mi acercamiento con la obra fue bastante complejo, entre a una familia que ya estaba formada, es decir, la compañía ya estaba completa pero debido a la situación que estamos viviendo se decidió incorporar a más actores. Sin embargo, me llevo la grata experiencia de haber conocido a personas extremadamente generosas que me arroparon increíblemente”, declara.

Y agrega: “Guana no me dejará mentir, pero este personaje no lo hubiera logrado entender ni poquito, si no fuera por la disposición que me brindó para poder realizar mi propia interpretación, la verdad es que me echo el hombro bien padre, me ayudaba a pasar textos, mejorar los movimientos, en fin, fue un proceso muy breve con el que todos los nuevos actores contamos para entrarle al proyecto, alrededor de dos semanas, entonces viví un proceso bastante acelerado pero sumamente enriquecedor con la ayuda que recibí de todo el equipo”.

Por su parte, Guana señala: “Tengo que reconocer que la verdad Maza sí se enfrentó a un toro bastante pesado por el poco tiempo que tuvo para debutar, yo fui testigo de como le macheteo, lo veías duro y dale con el libreto en los camerinos, preguntando. Y sí, finalmente somos una familia de la cual Ricardo ya es parte, entonces nuestra función como equipo también era apoyarlo para que la obra no se viera afectada por ningún detalle que llegara a ocurrir”.

Y agrega: “Yo no había tenido la oportunidad de trabajar con él y me dio un gusto enorme que se quedara con este papel, porque para mí es uno de los mejores que he interpretado o incluso podría colocarlo como mi favorito, por ser retador, por desarrollarse en la comedia física en totalidad en un proyecto tan bonito como lo es este”, concluye.

Ambos actores coinciden en las virtudes que este montaje ofrece al público, expresando la alegría de haber podido pertenecer a un espectáculo tan exigente en un personaje por demás complejo, mismo que puso al límite sus capacidades histriónicas a través de la constancia y la disciplina.

No te pierdas las últimas funciones de La obra que sale mal de viernes a domingo en el Teatro de los Insurgentes, ubicado en Insurgentes Sur 1587, para conocer precios y horarios, aquí.

Por: Ulises Sánchez, Fotos:

“Yo no compito con nadie, me gusta trabajar contra mis miedos”: Entrevista con Morris Gilbert

El productor Morris Gilbert cumple 47 años de actividad dentro de los espectáculos teatrales en nuestro país y en el extranjero. Un trabajo con el cual ha creado un prestigio dentro del medio. En este inicio de año, algunos de los proyectos que Morris suma a su compañía Mejor Teatro son el reestreno de GHOST, La sombra del amor; y los estrenos de  PerdidaMente, CLUE, 100 metros cuadrados y Dos locas de remate.

Al respecto, el productor expresa: “Yo todos los días siento que estoy empezando, siempre trabajo con la duda, no me la creo, y esa forma de pensar es lo que me ha permitido hacer tantas cosas. No me gusta pensar en el pasado, pero cuando hago el recuento de los años que me he dedicado al teatro, simplemente no lo puedo creer”.

Y agrega: “Yo no compito con nadie, me gusta trabajar contra mis miedos y enfrentar nuevos retos, esta carrera no es fácil, siempre habrá enemigos que buscan de alguna manera derribarte, pero yo no me fijo en nada de eso. Mi forma de valorar este tiempo transcurrido es cuando me doy cuenta de la gran cantidad de amigos que me ha dejado este trabajo y la increíble cantidad de proyectos que se han presentado sobre el escenario”.

Morris Gilbert asegura que uno de sus principales objetivos como productor fue profesionalizar aún más el talento, dinámica de trabajo que provocó el surgimiento de grandes estrellas que hoy son conocidas a nivel internacional.

“Yo le doy oportunidad al talento y me gusta que cuando se encuentra presente en alguien esa persona pueda desarrollarlo al máximo. Cuando llegué al medio me comencé a dar cuenta de los vicios que estaban presentes y otras cosas con las que yo nunca estuve de acuerdo, entonces uno de mis principales objetivos como productor fue profesionalizar aún más el talento”, asegura.

Añade: “Como productor debes desarrollar tu sensibilidad para encontrar a los intérpretes correctos, me enorgullece pensar en algunos ejemplos que se han dado, donde nadie apostaba por su permanencia o ni siquiera se les brindaba una oportunidad, pero algo en mi interior me deja ver el diamante en bruto que una persona puede llegar a ser, donde lo único que falta es un pequeño empujón”.

Sobre la nueva oferta que Mejor Teatro tendrá en cartelera este año, el productor declara: “Se me hizo temprano con este inicio de año, me gusta verlo de esa manera, porque durante los últimos meses del 2021 presentamos producciones que hoy continúan. A mí me gusta ofrecer espectáculos con larga duración, obras que se puedan guardar y que al regresar tiempo después al teatro, sigan vigentes y en el interés del público”.

Algunas de las producciones que actualmente realiza son: Perfectos desconocidos, Aladdín, Sola en la oscuridad,  Defendiendo al cavernícola, que recientemente superó las dos décadas de temporada con la interpretación de César Bono; a éstas, este año habrá que sumar 100 metros cuadrados, Dos locas de remate y AMO, misma que estelarizará Angélica Vale, y que reunirá canciones mexicanas de varias décadas. Al frente del equipo creativo que alista este proyecto se encuentran Isaac Saúl y Omar Rodríguez.

Otras de las producciones que verán la luz este año serán PerdidaMente, Clue y el reestreno de GHOST. La sombra del amor.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía

Estrena TORCH SONG en el Teatro Milán

La noche de ayer la puesta en escena Torch Song de Harvey Fierstein, mismo autor de La jaula de las locas y Kinky Boots, ofreció su primera función para medios y amigos cercanos en el Teatro Milán bajo la adaptación y dirección de Alejandro Villalobos con las actuaciones de Rogelio Suárez, Anahí Allué, Mariano Aguirre, Ginette Zavala, Gilberto Esparza y José Peralta.

Al respecto, Rogelio Suárez expresó en una entrevista para nosotros: “ Se trata de una obra tan bonita, con tanto que decir, que me llena de emoción poder formar parte de este elenco, por lo general hago mucha comedia musical pero en esta ocasión el poder interpretar este personaje ha sido fantástico”.

El montaje originalmente se presentó en el Actor’s Playhouse de Nueva York en 1982, un año después llegó a Broadway obteniendo varios reconocimientos, entre ellos dos premios Tony para Fierstein como actor y autor. En México fue presentada por primera vez en 1986 con la traducción de Carlos Monsiváis en una puesta encabezada por el reconocido actor Tito Vasconcelos.

En la historia los personajes transitan por la exploración de lazos afectivos que los hacen sentir seguros y acompañados en una estructura social rígida del Nueva York de finales de la década de 1970, donde el deber ser y el ser asfixiaba la libertad de las personas que no cumplían la norma, dentro de un escenario de luces neón artificiales.

Cada elemento de la obra se adentra en un fragmento de la vida de Arnold, su protagonista, reflejando pasajes autobiográficos del mismo autor. Es importante destacar que, aunque la obra trata sobre la comunidad LGBTQ+, en el fondo se trata de una historia universal de amor y supervivencia.

En esta producción el público podrá disfrutar del camino de Arnold hacia la felicidad de la mano de un profesor universitario, hasta su suspicaz y poco convencional relación con un joven modelo, donde el mayor reto de su vida será solucionar la complicada relación con su madre.

Torch Song se presentará a partir del 25 de enero, todos los martes en el Teatro Milán, ubicado en la calle de Lucerna #64, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Mariana Medina

Freddy Ortega prepara su debut en THE PROM

El actor Freddy Ortega se suma al elenco de la comedia musical The Prom como actor invitado en el papel de Memo, a partir del domingo 30 de enero, alternando funciones con Óscar Carapia, quien toma el cargo de director actoral residente.

Al respecto, el productor Marte Calderón declara: “Al principio cuando empezamos esto yo decía que no veníamos a hacer activismo y eso era parte de mi miedo y desconocimiento de muchas cosas. Sin embargo, al día de hoy, puedo decir que sí lo hacemos, en un lenguaje teatral de armonía y felicidad, donde hemos tocado muchísimas vidas”.

Y agrega: “Un gran número de personas han visto más de una función y es precisamente por la sorpresa de siempre disfrutar un espectáculo distinto al otro, donde se pueden ver distintas versiones de un mismo personaje. Una de esas tantas personas que aman la obra es Freddy Ortega, él se acercó con nosotros y nos dijo que quería formar parte de esta familia”.

Por su parte, Freddy Ortega señala: “Es una obra que desde que la ví la primera vez la disfruté muchísimo, no dejé de mover los pies en la butaca y a la fecha la he visto alrededor de 12 veces. El poder ser parte del musical ahora me llena de mucha felicidad, aunque las coreografías me tenían bastante nervioso al principio, pero gracias al apoyo de toda la producción y de Óscar Carapia en la parte del baile y la dirección, me siento más confiado, emocionado y conmovido ahora”.

Cabe señalar que el actor no cobrará por su trabajo, esto como forma de apoyar la difícil situación por la que se atraviesa.

Los productores de la obra hicieron un llamado a personas que estén interesadas en presentar esta comedia en otras partes del país para que los contacten. También invitaron a que se sumen patrocinadores para continuar con este mensaje de respeto e inclusión. Finalmente, Marte Calderón exhortó al público a acudir a las distintas funciones de la obra, en las cuales diversos actores alternan los personajes.

No te pierdas a Freddy Ortega en The Prom de viernes a domingo en el Centro Cultural Teatro 2, ubicado en Av. Cuauhtémoc 119 , para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro.

Las obras que llegan en febrero a cartelera

Durante casi dos años la cartelera mexicana ha sufrido un traspié con la pandemia, sin embargo, este 2022 promete ser un buen año para la escena nacional con diversos proyectos que tomarán los escenarios.

En febrero, los recintos de la capital se engalanan con nuevas propuestas que abordan todo tipo de géneros, desde la comedia, el drama, algunos con tintes biográficos y otros reflexivos que buscarán no sólo conmover, sino despertar la conciencia de los espectadores, muchos de ellos esperan ganarse el corazón de la audiencia.

Aquí te dejamos un listado con las obras que se apoderan de los escenarios:

ESTRENOS

Animales de compañía. En Llamas Producciones y La Rama de Teatro suben a escena esta propuesta de Estel Solé que cuestiona aquello que estamos dispuestos a hacer con tal de no estar solos. La obra cuenta con las actuaciones de Bárbara López, Mauricio Mancera, Mario Alberto Monroy, Viviana Serna y Adriana Larrañaga quienes arrancarán temporada el 11 de febrero en el Teatro Centenario Coyoacán.

Lo que queda de nosotros. Pas Producciones propone una nueva visión de esta emotiva historia que reflexiona sobre la pérdida y las consecuencias de dejar a un animal abandonado en la calle. Participan Tatiana del Real*, Memo Dorantes*, Cinthya Annel* y Said Sandoval, de manera alternada, acompañados por la música en escena de Carlos Gágaro. La temporada comienza el 5 de febrero en el Foro Shakespeare.

Quiero ser Nadia. Puño de tierra estrena esta obra escrita, dirigida y actuada por Valentina Sierra que gira en torno a un abuso infantil y todo lo que desencadenaron 30 años de silencio. La obra llegará el 4 de febrero a La Teatrería, como parte del Festival de Monólogos de RECIO.

Al cuerno por los toros. Bajo la producción de Juan Pablo A Ch., esta propuesta aborda el tema de la identidad, y cómo nos ven los otros en cuestiones como el amor, la amistad y la soledad. Cuenta con las actuaciones de Elías Toscano, Ditmara Náder, Pamela Ruz, Diego Martínez Villa, Pablo Gálvez y Tamara Niño de Rivera. La temporada comenzará el 3 de febrero en La Capilla Teatro.

Deseo infinito. Alberto Castillo escribe y dirige esta obra de ficción basada en momentos de la vida de Nahui Olin, Antonieta Rivas Mercado, Manuel Rodríguez Lozano y Dr. Atl,artistas mexicanos que fueron un parteaguas en la vida cultural del país. Participan Karen Vila, Sofía Sylwin, Francisco Mena. La obra llegará el 12 de febrero al Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque.

REESTRENOS

Damiana y Carola. El Centro Cultural Helénico recibe una nueva temporada de este thriller escrito y dirigido por Sergio López Vigueras que toca temas como el amor filial, el amor al hermano y el amor al espejo del otro. Cuenta con las actuaciones de Michelle Betancourt, Verónica Bravo y Federico Zapata. Las funciones comienzan el 8 de febrero en el Foro La Gruta.

Wenses y Lala. Los Tristes Tigres regresan una vez más con esta emotiva historia de amor y de vida de dos niños norteños interpretados por Adrián Vázquez y Teté Espinoza, a partir del 11 de febrero en el Teatro López Tarso.

Todos los peces de la tierra. El dúo formado por las actrices Gina Martí y Adriana Montes de Oca traen de nueva cuenta la historia de Marina, una soñadora chica que va narrando entrañables anécdotas de su infancia, su padre y su viaje a la Ciudad, lugar donde busca alcanzar sus sueños. La obra celebra su quinto aniversario con funciones en el Foro Lucerna, a partir del 16 de febrero.

The Pillowman. Ícaro Teatro, Pablo Perroni y Cuarta Pared reestrenan esta comedia negra que habla sobre un terrible tema: el asesinato de menores. La obra cuenta con un elenco renovado encabezado por Regina Blandón, Pablo Perroni, Montserrat Marañón, Enrique Arce Gómez, Alicia Paola, Adrián Pola, Catalina Zavala Richard, y comenzará sus presentaciones el 28 de enero en el Foro Lucerna.

Así que ya los sabes, ¡corre a llenar las salas durante el mes de febrero y disfruta de lo mejor del teatro nacional!

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

“Este ciclo es para todos aquellos que buscan adentrarse a espectáculos diferentes”: Entrevista con Itzhel Razo

Dramaturgias Ambulantes es un ciclo de artes vivas itinerante que ha trabajado de manera ininterrumpida desde el 2017, y gira alrededor del precepto del creador-intérprete como un poeta total. Se caracteriza por ser un nodo de investigación, producción, vinculación, difusión y creación artística.

Esta emisión presenta nueve espectáculos diferentes, gestados por nueve artistas interdisciplinarios consolidados y emergentes, quienes dirigen, actúan y en la mayoría de los casos, escriben y producen sus propios textos. El objetivo es promover proyectos, lenguajes y poéticas de la escena nacional.

Al respecto, Itzhel Razo, gestora del ciclo, comenta: “Se trata de un ciclo de artes vivas que incluye teatro, danza y performance con propuestas muy únicas y exóticas, es interdisciplinario lo cual lo vuelve muy atractivo. Todos los artistas que se presentan en esta edición tienen un lenguaje muy particular y unas formas de creación bastante alternativas que buscan conectar con el espectador rompiendo algunos esquemas tradicionales de expresión”.

Y agrega: “Cada uno en su especialidad es muy interesante e innovador, el público podrá disfrutar en un mismo rango de tiempo todas estas piezas con el plus particular de la virtualidad. El ciclo se divide entonces de dos maneras: el circuito on stage con todas las propuestas en vivo y las dramaturgias off stage con todas las ofertas virtuales. Sin embargo, este apartado no significa que se hará un teatro grabado, si no que las mismas piezas serán grabadas de manera cinematográfica, lo que significa la creación de contenido audiovisual de alta calidad para las artes escénicas”.

La directora afirma que la difusión del ciclo a través de este formato es un método que como creadores desean implementar para futuras presentaciones debido a la importancia del entretenimiento desde algún dispositivo producto de la compleja situación que enfrentan los espectáculos presenciales en la actualidad.

“A veces es complicado encontrar un espacio, un teatro o un foro para estas propuestas que únicamente suceden en festivales o en eventos de ese tipo. Sin embargo, pienso que son de una riqueza importante, se me vienen a la cabeza las personas que están estudiando teatro o que acaban de egresar, quienes pueden encontrar propuestas que no están a la mano”, declara.

Y agrega: “Cuando yo estudiaba la carrera me surgió la inquietud de explorar propuestas de ese tipo y me di cuenta de que no existía mucha oferta interdisciplinaria o performática que era lo que me interesaba explorar en ese momento, entonces este ciclo es ideal para todos aquellos que buscan adentrarse a espectáculos diferentes”.

En esta ocasión la Itzhel presenta dos montajes: Meditación, donde es coautora junto con José Alberto Gallardo y Osvaldo Sánchez, en Wilma dirige y actúa.

Dramaturgias ambulantes se presentará los lunes en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, del 31 de enero al 18 de abril, para consultar precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos:

“Nuestro interés únicamente es exigir mayor transparencia en los procesos”: Samuel Sosa habla sobre EFIARTES

El Colegio de Productores pidió a las autoridades revisar la operatividad de los estímulos fiscales (Efiartes) y su convocatoria que año con año se ha ido complejizando.  Samuel Sosa, presidente del colegio de productores, hace un llamado al diálogo con la Secretaría de Cultura y la Secretaría de Hacienda y Crédito Público para incentivar la participación de creadores escénicos nacionales que buscan presentar sus proyectos en gran formato.

Al respecto, Samuel Sosa considera que el gremio está bien organizado. “El Efiartes es un programa que analizamos año con año en el Colegio de Productores, nos compartimos dictámenes, evaluaciones, folios de inscripción, entonces tenemos una red de monitoreo sobre las problemáticas que engloba este apoyo”, explicó.

Para el presidente de la mesa directiva del colegio de productores, en los 10 años que lleva existiendo el estímulo fiscal, éste se ha venido complejizando y sus reglas se han vuelto más complicadas. “Hay poca claridad sobre cómo se evalúan los proyectos, cuántos se quedan en el camino por un tema administrativo, cuántos llegan a manos de los jurados, cómo son integrados estos jurados, qué criterios son utilizados, en fin, hay poca claridad en la organización y muchas preguntas no son contestadas”, señala.

Desde su perspectiva, existen dos factores fundamentales que habría que cambiar, por un lado las estrictas y engorrosas reglas de operatividad. Así como la opacidad y discrecionalidad en la evaluación de los proyectos, lo que ha dado como resultado una brecha que deja a un gran número de creadores que cuentan con proyectos atractivos sin una oportunidad para ser conocidos.

El problema no está en la comunidad artística que no sabe armar sus carpetas, el problema se encuentra del lado de la institución que pone cada vez más trabas en su convocatoria”, asegura Samuel Sosa.

El organismo de productores, hasta el momento, solo ha sostenido una reunión con Laura Elena Ramírez Rasgado, subdirectora general del INBAL, y con Daniel Miranda Cano, coordinador nacional de teatro del INBA. La cual, califica el presidente del colegio, como “muy estéril”. Al respecto explica que han sido “los únicos funcionarios que nos han atendido en reuniones cordiales donde su respuesta ha sido el deslindarse de la problemática, afirmando que es la Secretaria de Hacienda y Crédito Público, la encargada de este estímulo fiscal”.

Nosotros exigimos a la Secretaría de Cultura que obligue a la Secretaría de Hacienda a sentarse a la mesa, porque nunca en 10 años hemos podido agendar una cita con ellos que, con todo respeto, poco entienden de cómo hacer arte y cultura”, señala.

En la visión de Samuel Sosa sobre la operatividad ideal del apoyo, tendría que partir de una convocatoria sencilla. Esto permitiría que, ante la diversidad de las personas que hacen teatro y otras disciplinas, todos contaran con las mismas oportunidades de acceder a este apoyo.

“El otro día nos decía gente del INBAL que justo ellos dan diplomados y seminarios en todo el territorio para que la gente aprenda cómo aplicar a este estímulo fiscal y yo les decía que ya desde allí estamos mal, el que yo como creador deba tomar un diplomado para participar en una convocatoria pública hace quedar mal a la convocatoria en sí. Debe hacerse más accesible para todos”, expresa.

Y agrega: “Actualmente trabajamos en una propuesta de redacción sobre los lineamientos, no es la primera vez que elaboramos una propuesta diferente a la original, nuestro interés únicamente es exigir mayor transparencia en los procesos de evaluación y calificación , en la convocatoria de 2021 se marcó un precedente con el mayor número de proyectos presentados, alrededor de 140 para ser exactos, entonces es importante apoyar más gente creativa que sueña con mostrar su arte”.

De acuerdo con Samuel Sosa, los proyectos son revisados por 12 jurados divididos en grupos de tres, quienes en promedio evalúan 40 proyectos por grupo. “Yo que hago esas carpetas te puedo decir que son sumamente complejas, hay que leer currículums, propuestas de producción, de dirección, esquema financiero, ruta crítica, cotizaciones, contratos, derechos de autor. Me cuesta trabajo creer que tres compañeros con un tiempo muy corto logren revisar a conciencia con cabalidad, justicia y equidad cada una de ellas”.

Agrega: “Se leen a medias, se emiten juicios de valor, es a puerta cerrada con un pretexto de insaculación. Creemos que al cambiar estos mecanismos, más creadores podrán acceder al último oasis del desierto, porque ya no hay convocatorias de esa naturaleza, muchas ya no existen, otras más fueron creadas pero más en función de becas personales, sin el soporte necesario para levantar un espectáculo de gran formato”.

Finalmente, el integrante de la mesa directiva del Colegio de Productores asegura “No nos queda más que seguir intentando y aplicando, no es un afán de pelear ni de confrontar, se trata de ponernos claros en cuanto a la operatividad y cómo podemos revertir esos números negativos para que el país tenga el arte y la cultura que se merece”, concluye.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Teatro UNAM y cortesía Helénico.

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3 Razones para ver LAS MENINAS VS. EL SANTO OFICIO

El espectáculo que pone en evidencia la poca evolución que hemos tenido como sociedad al paso de los años a través de un fino humor y constantes referencias actuales de nuestro contexto nacional está de regreso, en esta ocasión Las Meninas vs. el Santo Oficio se presenta en el Teatro Milán hasta el 24 de febrero.

En este montaje, la dramaturgia de ​​Luis Huitron y Hugo Serrano se desarrolla bajo la dirección de Hugo Isaac Serrano. Las Meninas nos cuentan la forma en que operaba la Santa Inquisición y los horrores con los que castigaba a las almas perdidas que no tenían oportunidad de redención.

A continuación, 3 razones para ver Las Meninas vs. el Santo Oficio

1. Las actuaciones. Cristina Cortés, Christian Escorcia y Luis Huitrón protagonizan esta historia, en escena interpretan a María Bárbara, Alma María y la tía Celia, tres mujeres de la alta sociedad que vivieron en la época novohispana. Ellas nos exponen los motivos por los que la Santa Inquisición las perseguía a través de una exacta sintonía entre diálogos e interacciones, manteniendo al espectador atento con las memorables interpretaciones que ejecutan estos profesionales de la comedia y la historia nacional.

2. El humor. Otro factor fundamental para que el espectáculo conserve la atención del público por más de 90 minutos, es el fino humor en el que se desenvuelve la trama, aquí se vale reírse de nosotros los mexicanos, por medio de continuas referencias populares de nuestro cotidiano que las protagonistas utilizan para profundizar en sus terribles circunstancias, provocando hilarantes momentos de risa en la sala que provocan que más de una lágrima se nos escape.

3. La escenografía y el vestuario. El montaje se desarrolla en una sala de la clase alta, típica de la época, en ella las tres mujeres habitan lo que pareciera una pintura realizada por Diego Velázquez, donde sus ostentosos vestidos, joyas y peinados elaborados otorgan mayor sentido y color a la famosa referencia pictórica.

Así que ya lo sabes, no te pierdas de un espectáculo que se reinventa en cada temporada, donde las distintas temáticas abordadas por las protagonistas invitan al espectador a vivir una experiencia inigualable de risa catártica y contundente.

Las Meninas Novohispanas contra el Santo (Oficio) del 20 de enero al 24 de febrero en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, para conocer precios y horarios,aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro.








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