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Diario de Producción: Iluminación SOLA EN LA OSCURIDAD

Hace una semana comenzamos a compartirles una serie de textos denominados Diarios de producción una recopilación de apuntes escritos por la producción que está detrás del thriller Sola en la oscuridad, la nueva propuesta de Mejor Teatro.

La semana pasada publicamos el texto de Morris Gilbert, quien funge como productor de la obra, y Adrián Martínez Frausto, encargado de la escenografía. A continuación toca el turno de Víctor Zapatero, responsable de la iluminación.

La carrera de Zapatero como iluminador abarca principalmente danza, teatro y ópera, y en 2010 fue seleccionado como Director de Iluminación en el Festejo del Bicentenario. En teatro ha formado parte del equipo de producción de los montajes de El hombre de La Mancha, premiada como el Mejor diseño de iluminación en una obra musical en los Premios Metropolitanos de Teatro, así como Privacidad y Macbeth. Colaboró también en el montaje Omphalos, y su más reciente trabajo se puede apreciar en la puesta en escena del Teatro Insurgentes Blindness.

Aquí sus palabras:

La oscuridad presente en el discurso visual

Uno de los retos principales en el diseño de iluminación consiste en cubrir de luz cada área donde se sitúan los personajes dentro de la escenografía. Cada espacio tiene sus propios retos y en este caso tiene que ver con un espacio con poca altura y por lo tanto los ángulos de luz son complicados. Los espacios con alturas mayores ofrecen mucha distancia y áreas libres para que el haz de luz viaje libremente hasta llegar a su objetivo, pero en este caso, por tratarse de un sótano, no hay tanta flexibilidad y la posición de cada una de las luminarias debe ser calculada con mucha precisión para que pueda cumplir con su objetivo. Para calcular cada una de las posiciones me auxilio con programas de visualización donde se observa la luz que emite cada aparato dentro del espacio y así visualizar las áreas luminosas y las áreas oscuras.

La trama se desarrolla dentro de un departamento principalmente durante un atardecer y un anochecer. La luz debe ser muy diferente en cada una de estas escenas, como sucede en nuestros espacios cotidianos donde la luz del sol entra por una ventana en algún momento y al anochecer podemos adivinar la luz de una farola exterior y la calidad de la luz interior se vuelve más íntima y suave con el uso de lámparas interiores.

Las áreas oscuras también son parte del discurso visual. En esta obra, como el título lo indica, la trama se desarrolla en un espacio habitado por una mujer ciega. La oscuridad debe estar presente en el discurso visual para que los espectadores comprendan la misma sensación que vive la protagonista, quien al final de la obra se adueña de la situación, cuando el departamento queda totalmente a oscuras.

Por Víctor Zapatero, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

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Diana Bracho y Luisa Huertas son reconocidas con la Medalla Cátedra Ingmar Bergman

En reconocimiento a la trayectoria y aportaciones de Diana Bracho y Luisa Huertas al quehacer artístico de nuestro país, la Universidad Nacional Autónoma de México y la Coordinación de Difusión Cultural UNAM, a través de la Cátedra Extraordinaria Ingmar Bergman en cine y teatro, entregarán la Medalla Cátedra Ingmar Bergman a dos actrices que han marcado un precedente en la vida artística de nuestro país el próximo viernes 19 de noviembre.

Se trata de una distinción que celebra sus trayectorias, las cuales han tenido gran impacto en el teatro, cine y la televisión. Un homenaje a dos mujeres, profesionales en el oficio de la actuación, referentes del talento mexicano.

Al respecto, la actriz Diana Bracho asegura: “Me gusta pensar que se trata de un reconocimiento más que un homenaje, ¿verdad? Los homenajes no me gustan. Que con toda humildad me hace volver atrás y ver tantos años de trabajo, yo nunca he vivido en el pasado y actualmente me he visto obligada a revisar tantos años de trabajo apasionado, de entrega, de pasión y de respeto por lo que hago. Me siento muy honrada de verdad, es un reconocimiento que me hace sentir muy feliz”.

Y agrega: “Me da mucho gusto poder compartir esta distinción con Luisa Huertas, una extraordinaria actriz que cuenta con una carrera fantástica, yo digo que Luisa es una actriz de actrices, porque es reconocida por todo el gremio debido a su gran talento y calidad interpretativa”.

Cabe mencionar que en esta ceremonia Luisa Huertas será acreedora de la medalla 2021 y Diana Bracho recibirá la medalla del año 2020 debido a la imposibilidad de llevar a cabo la edición de ese año producto de la pandemia.

Por su parte, la actriz Luisa Huertas afirma haberse sorprendido mucho cuando recibió la noticia sobre este reconocimiento, provocándole inmensa alegría y agradecimiento, así como orgullo a su trabajo.

Recibir esta presea por parte de la Cátedra que es parte de la Universidad Nacional Autónoma de México de la cual me considero parte, pues soy puma de corazón, porque yo estudié en el Centro Universitario de Teatro, luego de haber estudiado la primera parte de mi carrera en el INBA para después convertirme en la directora del colegio vocal en esa escuela durante muchos años, además de que los teatros de la UNAM han sido mi casa durante gran parte de mi carrera”.

Y agrega: “Este reconocimiento es producto de una entrega total de lo que ha sido mi vida, mi enorme placer prácticamente desde niña, el haber decidido ser actriz y el haber puesto toda mi energía y capacidad en esa tarea y tratar de hacerlo lo mejor posible en base a lo que me enseñaron mis maestros y en lo que yo he ido aprendiendo a lo largo de la vida con cada uno de los directores con los que he trabajado. Sé que esta distinción es producto de la disciplina, del rigor y la aspiración de ser cada vez mejor para entregarle al público lo mejor de mí”.

Sobre el significado que esta presea tiene para Diana Bracho, la actriz asegura no sentirse en el pedestal y en cambio se queda con la sensación de reconocer su propio trabajo.

“Tengo un baúl en mi casa donde aviento fotos, artículos o críticas de algún trabajo mío, pero no acostumbro estar contemplando todo eso. Sin embargo, he tenido que adentrarme en los recuerdos debido al material de archivo que me fue solicitado por parte de los organizadores de la cátedra y me doy cuenta de que siempre he hecho cosas que he respetado y eso es algo de lo que me siento muy orgullosa”.

Acerca de sus planes a futuro, la actriz afirma no vivir pensando en el futuro y decide mejor concentrarse en el presente y en vivir plenamente, sin amarguras, sin cargar con nada que le pese, ya que desde su perspectiva el futuro pesa porque todo el tiempo están presentes las expectativas y asegura vivir con ellas es horrible.

Mientras que, Luisa Huertas ha encontrado en la docencia una pasión al dirigir desde hace 15 años el Centro de Estudios para el Uso de la Voz, escuela única en su tipo en Iberoamérica. Además asegura encontrarse dispuesta a continuar trabajando sobre los escenarios en propuestas que aporten algo al público que disfruta de su trabajo.

“He tenido la oportunidad de siempre estar en proyectos de los cuales me enamoro y siento que esa es una condición de privilegio, hacer lo que te gusta con obras o películas que dicen cosas necesarias es invaluable”, puntualiza.

La entrega de la Medalla Cátedra Ingmar Bergman se realizará en un programa especial de televisión producido por TV UNAM. La transmisión en vivo contará con los testimonios de colegas, amistades y estudiantes de las escuelas de cine y teatro, entre los que destaca la presencia de Arturo Ripstein, Busi Cortés, Carlos Carrera, Enrique Singer, Ernesto Contreras, Karina Gidi y María Rojo.

Por Ulises Sánchez, Fotos: IG Cátedra Ingmar

Las 10 obras más buscadas en noviembre

A un mes de que termine este año, les compartimos una lista con las obras más buscadas durante el mes de noviembre en la página por nuestros usuarios, estos resultados son arrojados de forma estadística, y sin ellos no sería posible realizar este conteo.

¡Corre a llenar las salas, el teatro te espera con las puertas abiertas!

10. La jaula de las locas. Una obra que se mantiene en nuestra lista, debido al talento actoral que conforma este divertido musical, que invita a celebrar la diversidad envuelta en canciones divertidas, ingeniosas e inolvidables. Le quedan pocas semanas en el Teatro Hidalgo.

9. Como quieras perro ámame. Es una comedia romántica donde una mujer cuarentona, divorciada y no muy conforme con sus relaciones amorosas, decide escribir un libro comparando a los hombres con perros y nos invita a descubrir si vale la pena creer en el amor. Se presenta de jueves a domingo en el Teatro Renacimiento.

8. Perfectos desconocidos. En esta historia, Eva y Alberto son los anfitriones de una cena que se saldrá de control, tras dejar abierta la caja de los secretos que cada celular guarda consigo. Disfruta de un gran elenco
seleccionado para esta adaptación de la película hómonima.

7. La obra que sale mal. En la trama seguimos a una compañía de teatro amateur que se alista para estrenar El Asesinato En La Mansión Haversham, pero todo sale terriblemente mal. El resultado una divertida comedia al más puro estilo del clown que entretiene por igual a chicos y grandes.

6. Blue Room. Basada en el texto “La Ronda”, de Arthur Schnitzler publicado en 1900, la pues cuestiona las relaciones entre hombres y mujeres, desde el sexo hasta el poder, y cómo estás dinámicas siguen vigentes hoy en día. Sin duda, es una propuesta que te hará reflexionar sobre nuestras conductas.

5. The Prom. En esta versión mexicana un grupo de estrellas de teatro musical de la capital, ponen en jaque a la comunidad de Salamanca, para defender a una adolescente que quiere ir a la fiesta de graduación con su novia. Entre melodías y divertidas situaciones esta obra nos invita a meditar la inclusión y al respeto.

4. Aladdín. Basado en la película homónima de Disney de 1992, es considerado como uno de los éxitos más grandes en el teatro musical, gracias a su gran despliegue de efectos especiales, iluminación, su majestuosa escenografía y por supuesto, su espectacular vestuario que serán la delicia de chicos y grandes.

3. Circo del Horror. Actos circenses tradicionales y números nunca antes vistos, con personajes emblemáticos del cine de terror como la niña de El Aro, Freddy Krueger, zombies y payasos tenebrosos envuelven este espeluznante espectáculo envuelto en una atmósfera de terror desde que el espectador ingresa a su butaca.

2. El Nuevo Tenorio Cómico. Este montaje toma de pretexto el clásico de la literatura española, ‘Don Juan Tenorio’, para presentar una comedia permeada de sketches políticos interpretada por un gran elenco que logra sacar una carcajada hasta el público más reacio.

1.Dos Más Dos. Esta divertida comedia sobre el intercambio de parejas, nos pone frente a la disyuntiva, al cuestionar cuáles son nuestros límites sobre el amor, el sexo y sobre todo, nuestro concepto sobre la fidelidad.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía SG Producciones y Manojo de Ideas

¡Ya comenzó la magia! Estrena el musical ALADDÍN en el Teatro Telcel

La noche de este miércoles, Aladdín, la nueva producción musical de Ocesa, levantó el telón del Teatro Telcel, después de permanecer por más de un año cerrado.

Los protagonistas Rodney Ingram (Aladdín) Irma Flores (Jazmín), Juan Pablo Martínez (Genio) y Salvador Petrola (Jaffar) lograron cautivar chicos y grandes con la historia de Aladdin, un joven huérfano que sobrevive robando en las calles de Agrabah y sueña con una vida mejor.

La producción cuenta con la misma dirección de Broadway e incluso el mismo protagonista, Rodney formó parte de esta fantástica historia previo al cierre de los teatros en Nueva York.

Durante poco más de dos horas, el público podrá disfrutar de impresionantes efectos especiales, un espectacular vestuario, músicos en vivo y más de 34 actores en escena.

El musical está basado en la película de Disney de 1992 y en cuentos populares, incluyendo Las mil y una noches presenta en escena las clásicas melodías, “Un mundo ideal” y “Orgullo de mí”, nuevas canciones creadas para la puesta e integrar nuevos personajes.

La alfombra fue conducida por Gloria Aura y Poncho Vera, y vimos desfilar a grandes estrellas y personalidades del teatro, el cine y la televisión como Carlos Fonseca, Regina Blandón, Margarita Gralia, Michelle Rodríguez, Dai Liparoti, y por supuesto a los productores, Julieta González y Morris Gilbert.

Aladdin se presenta de miércoles a domingo en el Teatro Telcel, ubicado en Lago Zurich #245, Col. Ampliación Granada cerca de Plaza Carso, consulta precios y horarios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Escenario Ocesa

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5 Musicales Imperdibles de Cartelera

Los musicales siempre son la mejor excusa para sacar al niño interior que llevamos dentro al dejarnos maravillar por la música, los pasos de baile, las actuaciones y espectaculares escenografías que nos envuelven en historias cargadas de energía, haciendo un recorrido por el amor, la melancolía, la alegría y todo aquello que representa la euforia de la vida.

Ya seas niño o adulto, estos espectáculos permiten desprenderse de la realidad y vivir, durante un lapso de dos horas, en universos musicales creados especialmente para explotar las habilidades artísticas de los intérpretes, brindar momentos de emoción y diversión al publico asistente.

Por eso en esta ocasión, en Cartelera de Teatro te presentamos los 5 musicales que no te puedes perder y están actualmente en temporada.

The Prom. En esta puesta en escena el público vibra al ritmo del gran despliegue de producción presentado en cada número musical. En esta versión mexicana, un grupo de estrellas de teatro musical ayudará a cumplir el sueño de Emma, una chica que vive en Salamanca, Guanajuato, quien desea asistir al baile de graduación en compañía de su novia, lo que provoca gran escándalo en su comunidad debido a sus pensamientos conservadores. Una historia donde se refleja la generosidad, el respeto y la inclusión.

Tu Cabeza en mi Hombro. En muchas ocasiones olvidamos que los adultos mayores también quieren divertirse, por esa razón este montaje es ideal para ellos y para los amantes de los grandes éxitos musicales del ayer, a través de una premisa de amor al estilo de los años sesenta, cargada de crinolinas, grandes y esponjosos peinados con la rebeldía juvenil característica de esos años.

La Jaula de las Locas. Si de un espectáculo clásico se trata, esta comedia es la ideal, aquí podrás vivir la experiencia de un club nocturno dedicado a presentar números musicales de diversos artistas expertos en la transformación escénica, a través de múltiples pelucas, tacones elevados, lápiz labial y un sinfín de lentejuelas, donde la frase “ser y no ser” adquiere mayor relevancia en las circunstancias de sus protagonistas, una pareja homosexual que busca hacerse pasar por una pareja heterosexual ante los padres de la novia de su hijo.

Y Llegaron las Brujas. Desde su estreno en 1992 es una obra emblemática de la Ciudad de México, donde cada noche es distinta, debido a que una de sus peculiaridades es que los actores juegan a improvisar, causando la hilaridad del público. El montaje cuenta la historia de Abril, una chica que vive sola y que recibe ayuda económica de una tía, a la cual no conoce, la noche del 4 de abril cumplirá años. Ese día, recibirá la visita de cuatro brujas que cambiarán su destino.

Aladdin. Si de espectacularidad, magia y sincronía se trata, este montaje será un espectáculo para soñar y adentrarse en el universo característico de Disney, a través de una historia inspirada en los legendarios cuentos populares contenidos en Las mil y una noches con las 5 canciones más representativas de la banda sonora original y canciones inéditas especialmente creadas para esta producción.

¡Así que ya lo sabes, no lo pienses más y vive la experiencia del teatro musical que puedes encontrar actualmente en cartelera!

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía

5 Datos curiosos sobre ESPÍRITU BURLÓN

A través de un paralelismo esotérico entre dos culturas, la puesta en escena Espíritu Burlón, cuenta la historia de Carlos (Odiseo Bichir), un escritor que busca la experiencia de las ciencias ocultas con ayuda de una médium bastante excéntrica para nutrir de contenido su próxima novela. Sin embargo, a raíz de esta vivencia se verá trastornado por la presencia de dos mujeres en su vida, debido a que madame Arcati (Haydeé Boetto), requiere de tres participantes para realizar la sesión que no llegará a buen término, porque traen a este plano a la primera esposa del escritor.

Es así como se desarrollan una serie de enredos que intriga y divierte al espectador mediante una premisa cómica que incentiva la reflexión a través de la risa. Por ser una historia divertida y actual, a continuación te presentamos 5 datos curiosos sobre Espíritu Burlón.

1- Primero el padre, ahora el hijo. Espíritu burlón se estrenó en 1941 con una presentación continua en los escenarios ingleses desde entonces, en nuestro país, fue montada por Alejandro Bichir años atrás, siendo retomada en la actualidad con la interpretación protagónica de su hijo Odiseo Bichir, quien ha expresado su alegría al trabajar en una obra conceptualizada previamente por la capacidad creativa e interpretativa de su padre.

2- El gusto de Odiseo Bichir por interpretar personajes inmersos en las ciencias ocultas. Luego de haber trabajado en obras como “La dama de negro” y “La cabra”, en esta ocasión el actor personifica a un exitoso novelista. Al respecto, el intérprete ha expresado su gusto por encarnar este tipo de personajes, resultándole divertido y profundamente imaginativo.

3- El retrato de una sociedad vigente. Durante un transcurso de 80 minutos, la puesta en escena retrata una estructura social perfectamente establecida de mediados del siglo XX, donde es expuesta la división de clases sociales, vigentes en la actualidad por medio del humor y la crítica presente en la pluma del dramaturgo británico Noël Coward.

4- La inagotable lucha de sexos. De acuerdo con el protagonista de esta historia, el reconocido actor Odiseo Bichir, la obra se desarrolla bajo la premisa de cómo es que nos relacionamos hombres y mujeres desde una mirada al interior del hogar, al presentar aspectos domésticos cotidianos para abarcar la universalidad de las luchas de poder y las guerras intelectuales, culturales o populares mediante el reflejo de lo absurdo de las relaciones humanas.

5- El paralelismo cultural entre Europa y México. De acuerdo con el director de la puesta, Juan José Tagle, a través de una trama inmersa en las ciencias ocultas se pretende realizar un paralelismo entre las creencias y los rituales que las sociedades europeas practican para contactar con el recuerdo y el espíritu de quienes ya no están, mediante una adaptación sutil del texto original, debido a que al ser una obra universal, permite vernos reflejados como mexicanos y recordar nuestros propios ritos.

Así que ya lo sabes, se parte de esta divertida sesión espiritista los sábados y domingos en el Teatro San Jerónimo Independencia; ubicado en Periférico Sur, Circuito Unidad Independencia 3400, para conocer precios, descuentos y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Carlos Alvar, FB María Inez Pintado

Diario de Producción: Diseño sonoro SOLA EN LA OSCURIDAD

Esta semana toca el turno de conocer el proceso creativo detrás del diseño sonoro del thriller, Sola en la oscuridad, producción de Mejor Teatro que llegará a partir del 2 de diciembre al Teatro México del Centro Teatral Manolo Fábregas.

La nueva propuesta busca desencadenar el miedo, la inquietud y un subidón de emociones entre el público asistente, desde los primeros minutos de la trama, que muestra una historia cargada de suspenso y eventos catastróficos.

Miguel Jiménez es co-fundador y director general de la empresa de audio profesional Iberia Sound. Sus créditos en teatro incluyen puestas en escena como Imagination, Mary Poppins, Wicked, El rey león y Voces contra el poder, entre otras.

Realizó el diseño de audio de las puestas en escena como El hombre de la Mancha (ganador del Mejor diseño de audio de los premios Metro 2018) Hello Dolly!, Agonía y éxtasis de Steve Jobs, Bule bule, Hairspray, Scooby Doo, La estética del crimen, Los últimos 5 años, , Privacidad, Canciones para un mundo nuevo, La sociedad de los poetas muertos, Sasha y Spot, La tía Mariela, El canto de la rebelión, Distroller el miusikul, A los 13, Suertudotas, Sugar y Juan y la muerte.

Su trabajo más reciente, incluye la puesta en escena Blindness, montaje del cual uno de los puntos más alabados es, precisamente, el del audio.

Aquí sus palabras

El diseño sonoro de Sola en la Oscuridad está conformado por dos partes. Por un lado el diseño de audio que abarca todo lo que se refiere a los componentes electrónicos que estamos utilizando como: altavoces, micrófonos y su colocación, ajuste y optimización del sistema, programación de consola y software de reproducción.

Teniendo todas estas herramientas la mezcla de sonidos que provienen del escenario y altavoces en sala, tiene que tener un cuidado especial, para lograr un sonido lo más natural posible pero que, a la vez, tenga el impacto que requieren algunas escenas de Sola en la oscuridad.

Queremos crear una experiencia auditiva que sin que el público se dé cuenta, poco a poco esté inmerso en la trama de la obra, utilizando recursos audibles que lo estimulen y lo lleven a sentir un poco de lo que están viviendo los personajes.

Foto: Mike Jiménez, diseñador asociado

 Por otro lado, el diseño sonoro se refiere a todos los ambientes, efectos de sonido y música original incidental que he creado junto con mi hermano, diseñador sonoro asociado, Mike Jiménez.

La importancia del sonido en la obra radica en que podemos dibujar la tensión en el aire por medio de la música, dándole al tiempo cualidades como densidad y suspensión a partir de la audición. Hemos buscado acompañar y comentar la trama de Sola en la Oscuridad por medio de universos sonoros aparentemente distantes, como orquestaciones con cuerdas o sintetizadores que en unidad con el resto de los componentes de la escena confluyan hacia un mismo destino, que es contar esta historia con la mayor cantidad de drama que radica potencialmente en el texto.

Algunas de las herramientas musicales utilizadas en este diseño son tomadas de la composición minimalista, que rige su movimiento con base en dosis repetitivas de sonido para que el escucha establezca una familiaridad en lo que percibe y, una vez que se genera esa complicidad, el compositor puede decidir hacia dónde dirigir la atención auditiva: seguir alimentando la sensación de seguridad o desequilibrarla haciendo aparecer un cambio armónico, un nuevo instrumento o el silencio inesperado.

Si bien la historia se lleva a cabo a finales de los años 50`s, hemos decidido mezclar sonidos viejos con algunos sintetizadores modernos para poder sorprender a cualquier público que vaya a disfrutar la obra al Teatro México.

Es un placer estar colaborando en esta producción y agradezco la invitación de Morris Gilbert.

Por Miguel Jiménez, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

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Miguel Septién habla sobre VISITANDO AL SR. GREEN, una obra con valores necesarios

A partir del 26 de noviembre podrás disfrutar de la nueva propuesta escénica dirigida por Miguel Septién, Visitando al Sr. Green. En la obra, escrita por Jeff Barón, conoceremos la relación entre un joven inmerso en sus ajetreadas ocupaciones laborales y un suspicaz anciano un poco irascible.

Acerca de esta nueva propuesta, Septién (The Pillowman, Ciudad Luminosa) nos habla sobre lo que podremos encontrar en escena.

“Se trata de una obra que se hizo aproximadamente hace 15 años, originalmente fue producida por Morris Gilbert. Es una obra que no tenía idea de que fuera tan querida por el público mexicano, pues hemos recibido varios mensajes de personas que la han visto con anterioridad, quienes nos han compartido sus ganas de ver esta nueva adaptación. Son mensajes que nos alegran, pero también nos hacen sentir un poco de presión por los sentimientos fuertes que la gente ya tiene con la historia”.

Y agrega: “Lo que estamos intentando hacer con esta nueva versión es una sintetización escénica de lo que la obra realmente significa, puede hacerse de forma muy realista, es una obra costumbrista en el espacio que pide para que se desarrolle el argumento. Mi interés era destilar los elementos esenciales que son necesarios para contar la historia y crear una propuesta altamente teatral, altamente sintetizada y limpia que permita a toda la gente enfocarse en la relación que se genera entre los dos personajes que mueven la trama”.

El director recibió la propuesta de los productores Sergio Mingramm y Alejandro Bracho para realizar esta versión nueva de la obra. Miguel trabajará con los actores José Ramón Berganza y Alberto Lomnitz, con éste último hace poco trabajó en Ciudad Luminosa.

“El público que no está familiarizado con la historia no se la puede perder, porque tiene valores que necesitamos recordar y recalcar mucho en este momento que vivimos. Es un texto que habla mucho sobre la otredad y nuestra forma de relacionarnos, permitiendo descubrir las barreras individuales que impiden abrirse a entender la experiencia que otra persona puede estar viviendo, eso es algo extremadamente necesario hoy y siempre”, añade.

Para el director contar historias Visitando al Sr. Green representa una gran oportunidad para recordar a las personas cómo el teatro puede jugar de diversas maneras, diferenciándose del cine, la televisión y otras fuentes de entretenimiento, debido a que, desde su perspectiva, el teatro sigue siendo el principal espacio para vivir los rituales que invitan a la convivencia, la interacción de ideas, la reflexión y la autocrítica.

Por último, Miguel Septién comparte  las reflexiones que tuvo al trabajar en un contexto hostil para los espectáculos escénicos derivado de la pandemia. En este sentido,  declara: “Llevaba una racha de aproximadamente 10 años sin parar de trabajar, donde descuide muchos aspectos personales y de salud que deberían ser prioritarios”.

Y agrega: “La manera en la que hacemos teatro en México tiene muchísimas ventajas, existe talento para aventar por la ventana. Sin embargo, solemos depender de procesos vertiginosos, armar cosas en periodos cortos y de alta presión, Creo que lo que me deja este periodo obligado y largo de descanso que tuvimos fue que hay cosas que deben ser prioridad, nuestra salud en todos los sentidos y nuestra paz, es algo por lo que siempre debemos abogar para nosotros mismos y más aún cuando somos cabezas de proyecto, abogando también por la salud de nuestro equipo de trabajo”.

Visitando al Sr. Green se presentará a partir del 26 de noviembre en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía PinPoint

Todo listo para la 41 Muestra Nacional de Teatro

La 41 Muestra Nacional de Teatro arranca sus actividades a partir de este jueves 25 de noviembre en diferentes sedes de la Ciudad de México y el estado de Morelos.

La convocatoria recibió 265 proyectos de puestas en escena de formato presencial, 42 puestas en escena virtuales y 62 propuestas de creaciones escénico-digitales, una gran cantidad fue de obras a cargo de un sólo actor o actriz. Las seleccionadas para la Muestra provienen de Jalisco, Nuevo León, Morelos y la Ciudad de México.

Las obras se presentarán en el Teatro El Granero, Xavier Rojas, Teatro Orientación y la Sala Xavier Villaurrutia, del Centro Cultural del Bosque, en la Ciudad de México; y una de ellas se transmitirá por la página web de la Muestra https://mnt.inba.gob.mx y sus redes sociales Facebook e Instagram /muestranacionaldeteatro y en Twitter: @MNTeatro; así como en las de la Coordinación Nacional de Teatro y del INBAL.

La obra inaugural será Un acto de comunión, del dramaturgo argentino Lautaro Vilo, interpretada por Antón Araiza, bajo la dirección de Julio César Luna. El autor tomó la noticia del “caníbal de Rotemburgo”, acontecida en Alemania en 2001. Se escenificará el viernes 26 y sábado 27 de noviembre, a las 19:00 horas, en el Teatro El Granero, Xavier Rojas.

Por su parte, el Colectivo Teatral Cactus, de Morelos, presentará El mar de papel, de Luis Aldama, dirigido por Sixto Castro Santillán, con la actuacipon del actor Luis Vegas, quien interpreta a un hombre que después de tomarse un año sabático es obligado por su padre a trabajar en una oficina, lo cual lo aleja de su más grande anhelo: navegar en el mar. La obra estará en el Teatro Orientación el domingo 28 de noviembre, a las 18:00 horas.

A continuación llegará Otto, dirigida por Isabel Romero y Alejandro Velis, el autor Oscar Serrano Cotán interpretará a un apasionado de la ópera que, cansado de la vida que tiene, decide construir un mundo en el cual, a través de juguetes y monigotes, realiza sus más oscuras fantasías. Con funciones en la Sala Xavier Villaurrutia el domingo 28 de noviembre a las 19:00 horas y el lunes 29 de noviembre a las 20:30 horas.

Imagina Producciones, de Jalisco, presentará La fila india, basada en la novela de Antonio Ortuño, una historia apasionante, a medio paso de la novela negra y con la mirada de un autor que registra cómo se descomponen las relaciones entre un individuo cualquiera y el país en que vive. Se presentará en la Sala Xavier Villaurrutia el martes 30 de noviembre y miércoles 1 de diciembre, a las 19:00 horas.

La actriz Verónica Langer presentará Detrás de mí la noche, escrita en coautoría con Noé Morales Muñoz, en la que compartirá el origen de su familia con los asistentes a la Sala Xavier Villaurrutia, el jueves 2 y viernes 3 de diciembre, a las 19:00 horas; y el sábado 4 de diciembre, a las 18:00 horas.

Nuevo León estará representado con la obra, El negro es la ausencia de luz (o de cómo llenar el vacío), de la autoría y dirección de Emanuel Anguiano, con la interpretación de Morena González, en el cual se aborda el tema del “apariencismo”, ya que la discriminación basada en el color de piel es un problema real en México. Se transmitirá el lunes 29 de noviembre a las 20:00 horas.

Consulta la programación completa de la #41MNT en la página: https://mnt.inba.gob.mx

Con información del INBA, Fotos: Yokabed Canizales y Cortesía Antón Araiza

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Las obras infantiles más populares de noviembre

Es bien sabido que el teatro es una gran herramienta educativa, pues ayuda a los pequeños a desarrollar su imaginación y creatividad, incluso sus capacidades motoras, así que ya los sabes, es momento de llevar a los reyes del hogar a disfrutar de la magia que el teatro nos brinda.

Las obras infantiles a menudo abordan temas como el amor, la aceptación, la amistad y el respeto, valores que son incentivados en los menores, a través de increíbles historias que son plasmadas en escena, que invitan al juego y la reflexión no sólo a los niños y niñas, también a los adultos que los acompañan.

Aquí te dejamos un listado con las 5 obras más populares durante el mes de noviembre:

5. La sirenita musical. Esta versión musical del cuento de Hans Christian Andersen, nos invita a sumergirnos en la historia de Ariel, una princesa que desea cumplir su más grande ilusión, conocer a los humanos. Disfruta de esta aventura acuática en compañía de marionetas y juegos de luces fluorescentes. Cuenta con funciones los sábados en el Teatro Tepeyac.

4. La liebre y la tortuga. Este es el espectáculo infantil más reciente del también compositor, David Tort. Está basada en la clásica fábula de Esopo, donde una liebre y una tortuga siempre discuten sobre quién es más rápida. Esta divertida adaptación incorpora canciones que serán del deleite de los pequeños. La obra se presenta los sábados en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde.

3. La peor señora del mundo. El texto escrito por Francisco Hinojosa y adaptado magistralmente por Martha Torres es una emotiva invitación a los pequeños a adentrarse en el mundo de la literatura, a través de la historia de dos amigas inseparables que encuentran en un baúl el cuento y sin percatarse el personaje cobra vida y las obliga a representar su historia. Se presenta los domingos hasta el 31 de octubre en La Teatrería.

2. El mago de oz el musical. A cargo de Alejandro Medina Producciones, esta divertida propuesta invita a viajar a chicos y grandes al mágico mundo de Oz, y vivir una gran aventura en compañía de Dorothy y su mascota, Totó y los singulares e inadaptados personajes que se une irán en el camino y juntos vencerán los obstáculos para llegar a Ciudad Esmeralda y conocer la gran mago. Ofrece funciones los sábados en el Teatro Tepeyac.

1. Un cuento de Navidad. El señor Scrooge. El clásico navideño regresa una vez más a los escenarios en esta adaptación que nos invita a buscar la felicidad y hacer el bien al prójimo. Se trata de una propuesta que combina música, canciones originales, un increíble vestuario, efectos especiales y sobre todo, la magia de la Navidad. La obra ofrece funciones sábados y domingos en el Teatro Tepeyac.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Consulta otras opciones de la cartelera infantil, aquí.

5 obras que ver en cartelera

Estamos a casi un mes de concluir este año, sin embargo, la cartelera no deja de sorprendernos, es así que hemos podido ver grandes estrenos como Aladdín y esperados reestrenos como La obra que sale mal.

Durante noviembre y comienzos de diciembre, la comedia y el drama se apoderan de las marquesinas nacionales con diversas producciones que hablan desde la sexualidad en nuestro días, pasando por hilarantes situaciones en una estética, hasta historias que nos hacen reflexionar sobre nuestra niñez.

Echa un vistazo a estas obras que ya estrenaron temporada y otras que están por llegar a las salas, ¡El teatro nos espera para vivir momentos únicos e irrepetibles!

Cosas raras. De la pluma de LEGOM, nos muestra una obra emotiva que toca temas como el abandono, la pérdida familiar y aquellos eventos que nos cambian para siempre y nos hacen crecer. La obra se presenta los viernes y sábado en el Foro Shakespeare.

Blue Room. Una obra que explora y cuestiona los comportamientos sexuales y eróticos, a través de distintos personajes de diversos estratos sociales, que invitan a dejarnos llevar por la curiosidad, y tal vez, un poco de morbo. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro Virginia Fábregas.

Lavar, Peinar y Enterrar. Este divertida comedia de humor negro se presenta en un espacio totalmente inesperado, una estética en la Colonia Roma, donde un secuestro y algunos cádaveres nos pondrán la piel de gallina, con esta historia que llega desde España con un elenco sin igual. Se presenta en el Salón D’Paula con funciones sábados y domingos.

Nombres de combate. Basada en la historia de familiar de su autor, la obra se sitúa en la época de las dictaduras militares en Argentina, especialmente entre los años 70 y 80, y ofrece al espectadores saltos de tiempo, va del pasado al presente, para contarnos qué fue de esta familia que decidió dejar el exilio en México y regresar a su natal Argentina. La obra se presenta martes y miércoles en el Foro La Gruta.

Visitando al Sr. Green. Desde su estreno ha sido una obra que ha cosechado grandes éxitos para sus protagonistas, a través del encuentro de un joven ejecutivo absorto en el trabajo y un hombre de la tercera edad un poco cascarrabias. Se trata de una historia profunda y conmovedora acerca de la amistad, la familia, y el perdón. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro Milán.

Por Itaí Cruz, Foto: Cartelera de Teatro y  Cortesía Helénico 

Diario de Producción: Producción ejecutiva SOLA EN LA OSCURIDAD

A una semana del gran estreno de Sola en la oscuridad, en esta entrada conoceremos la labor de Francisco Escárcega, responsable de la producción ejecutiva del montaje que llega al Teatro México del Centro Teatral Manolo Fábregas, el próximo 2 de diciembre.

Escárcega es licenciado en Comunicación por la Universidad Intercontinental, lleva más de una década en la industria del entretenimiento, especializándose en la producción y coordinación teatral. Comenzó su carrera en producción en Orange Producers y The Coca Cola Company México.

Se incorpora a las filas de Mejor Teatro en el 2010, donde ha sido Productor Ejecutivo y Supervisor de Producción de proyectos como: Canciones desde una cama sin tender, Sexy Laundry, Los Bonobos, Idiota, Los monólogos de la vagina, Vaselina, El hombre de la Mancha y Hello Dolly! Fue responsable por mas de 10 años de Mentiras el musical, y realizó la producción de su décimo aniversarios en el Auditorio Nacional, su concierto y disco sinfónico. Fue coordinador y tour manager de la gira de Mentiras y El Hombre de La Mancha. Simultáneamente ha producido independientemente puestas como Sylvia en La Teatreria e impartido cursos y clases en diferentes instituciones.

Aquí sus palabras

La producción ejecutiva en el teatro es uno de los puestos más ambiguos y amplios de nuestra industria, hoy después de más de 12 años de hacerlo sigo aprendiendo y conociendo las aristas de esta maravillosa labor.

Un productor ejecutivo en el teatro es una extensión de la labor del productor, es el responsable de que todas las piezas estén en su lugar para que la magia suceda; desde conocer el texto y participar el proceso de selección del texto, pasando por la selección (siempre junto con el productor) de posibles candidatos para formar un equipo creativo sólido, hacer equipo con el director para tener el mejor reparto, consolidar un poderoso equipo técnico y de producción. Todo esto en medio del caos de contrataciones, compras, presupuestos, nóminas, llamados de prensa y, ¿por qué no?, largas horas de terapias psicológicas con algunos de los involucrados.

Este proyecto específicamente ha sido un parteaguas de mi carrera en la producción teatral, como cada uno de los que inicio. En esta ocasión me toca trabajar hombro con hombro con el gran Enrique Singer, uno de los estandartes del teatro de nuestro país, me toca repetir con la poderosa Itatí Cantoral, trabajar con dos divertidas niñas y comenzar a hacer familia con esta hermosa compañía de talentosos actores y actrices. Todo esto de la mano, haciendo equipo, con un espectacular equipo de producción.

Después de 12 años de trabajar en este teatro rodeado de música y luces neón, estoy seguro que este misterioso y sombrío proyecto era lo que mi vida teatral necesitaba para seguir su curso, me hace muy feliz ver los resultados finales de este proyecto que muy pronto recibirá su primer aplauso .

Sola en la oscuridad es un proyecto que está cuidado desde cada una de sus esquinas y es una nomenclatura perfecta para ser un inmenso éxito de las marquesinas de nuestra ciudad.

Por Francisco Escárcega, Fotos: Mejor Teatro

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5 datos curiosos de LA OBRA QUE SALE MAL

Si piensas que por ser una obra que maneja un humor blanco y simple, no te vas a divertir, es porque aún no conoces La obra que sale mal, que está de regreso en los escenarios para provocarnos empachos de alegría, gracias a las divertidas ocurrencias y equívocos de los actores.

En la trama un grupo de actores de la Universidad Tecnológica de Tlalpan harán hasta lo imposible por representar la obra, Asesinato en la mansión Haversham, sin embargo, todo termina saliendo mal, haciendo honor a su nombre.

En esta temporada la obra se presenta en el Teatro Insurgentes con las increíbles actuaciones de Luis Rodríguez “Guana”, Daniel Haddad, Artús Chávez, Ari Albarrán, Iván Carbajal, Juan Carlos Medellín, Majo Perez, Daniel Bretón, Daniel Ortíz, Ana Sofía Gatica, Alex Gesso, Alondra Hidalgo, Yuriria Del Valle, Ricardo Maza y Jose Dammert.

Aquí te contamos sobre 5 datos que tal vez no conocías acerca de LOQSM:

1. Fue escrita por Henry Lewis, Jonathan Sayer, Henry Shields cuando aún eran estudiantes en Edimburgo, los jóvenes le pidieron a su maestro Mark Bell que los dirigiera, y se convirtió en todo un éxito en su ciudad.

2. La obra escaló desde Edimburgo, capital de Escocia en el Reino Unido, donde fue ganadora del Premio Olivier a la mejor comedia en 2015 y llegó en 2017 a la Gran Manzana, recibiendo el reconocimiento como mejor obra Broadway Audience Choice Awarden y mejor escenografía en los Tony Awards.

3. Desde su estreno en West End, es una de las comedias más valoradas tanto por el público como por la crítica, gracias a su mezcla perfecta entre Monty Python y Sherlock Holmes.

4. Se ha representado en más de 30 países, incluyendo Argentina, Guatemala, España y durante dos temporadas consecutivas fue la comedia más taquillera de Broadway.

5. En nuestro país, la obra se estrenó en 2018 en el Teatro Helénico, fue dirigida por el propio Mark Bell y contó con un elenco espectacular que incluyó a Irene Azuela (fue alumna de Bell), Juan Carlos Medellín, Artús Chávez, Ari Albarrán, Ana Sofía Gatica y Daniel Bretón, algunos de ellos se presentan en la nueva temporada.

Consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía PinPoint

Estrena VISITANDO AL SR. GREEN en el Teatro Milán

La noche de ayer se llevó a cabo el estreno de la obra de teatro escrita por Jeff Barón, la nueva puesta en escena dirigida por Miguel Septién bajo la producción de TOCA Teatro y Alejandro Bracho, con las actuaciones de Alberto Lomnitz y José Ramón Berganza.

Como padrino de esta producción se contó con la presencia del reconocido intérprete Edgar Vivar quien expresó su incontenible alegría por ver como los espectáculos presenciales comienzan a tener mayor movimiento nuevamente, resaltando la magia que se genera al interior de los teatros con cada presentación de los múltiples profesionales del quehacer escénico.

“Hoy estamos de fiesta, después de esta dolorosa y terrible situación que hemos vivido, por fin los teatros comienzan a generar nueva energía con tanto talento reunido esta noche, los felicito de corazón, es una historia conmovedora con actuaciones de primera”, declaro.

Minutos antes de la función, el director de la puesta, aseguro: “Me parece que la obra refleja un acto de amor muy conmovedor a través de la relación que se genera entre sus dos personajes, quienes encuentran la manera de pararse en un terreno común a pesar de lo diferentes que parecieran ser para escucharse y reconocerse”.

Visitando al Sr. Green narra la historia de Ross Gardiner, un joven ejecutivo que al manejar en la caótica ciudad de Nueva York, sin querer, casi atropella a un malhumorado anciano, el Sr. Green. El gobierno en vez de multar a Ross decide que tendrá que visitar todos los jueves al Sr. Green como servicio comunitario. El tiempo pasa y lo que parecen ser dos seres completamente diferentes, en realidad son más parecidos de lo que creen.

Visitando al Sr. Green se presentará a partir del 26 de noviembre en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

3 razones para ver BLUE ROOM

La forma en que nos relacionamos a través del sexo nos transforma, los pequeños momentos de intimidad absoluta que compartimos junto a otra persona en periodos cortos de entrega nos resignifican, enferman e incluso obsesionan.

¿Es el deseo carnal y la inmediatez del placer una evasión para la comprensión de nuestro verdadero ser? ¿Qué es tan insoportable de ver al apagar la luz y experimentar nuestra propia soledad? ¿Necesitamos la fugacidad de los amores fáciles con extraños para huir de nosotros y fingir una vida plena y de libre albedrío?

Todos estos cuestionamientos son abordados en Blue Room, la nueva propuesta escénica dirigida por Diego Del Río. Una historia que expone las formas de relacionarlos unos con otros a través de la sexualidad, patrones de comportamiento que repetimos desde hace más de un siglo.

Por ser una propuesta irreverente, dinámica y estar cargada de referencias actuales, a continuación te presentamos 3 razones para ver esta puesta en escena.

1- La vigencia del texto. Blue Room es una reinterpretación de la obra La Ronda (Reigen), del dramaturgo austriaco Arthur Schnitzler, publicada en 1900. Se trata de un estudio sobre la ideología moral y de clase de su época a través de una serie de parejas de personajes que se muestran justo antes o después de un encuentro amoroso. Al elegir personajes de todos los estratos sociales, la obra supone un análisis social de cómo el sexo transgrede las normas sociales de clase.

2- El elenco. La obra cuenta con las actuaciones de Zuria Vega, Naian González Norvind, Pierre Louis y Alfredo Gatica, a quienes veremos interpretar dos parejas diferentes durante la temporada, debido a que no alternan personajes. En escena cada actor se adentra a los claroscuros de las relaciones personales durante la interacción sexual.

3- La escenografía. La obra se desarrolla dentro de una dinámica habitación azul, donde podemos apreciar desde distintos ángulos, los momentos de furor, entrega, pasión y soledad que los protagonistas ofrecen al espectador.

Así que ya lo sabes, estas son algunas de las razones por las cuales no puedes perderte de esta fresca y versátil propuesta escénica, con funciones de viernes a domingo en el Teatro Virginia Fábregas, ubicado en Velázquez de León 29, Col. San Rafael, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Diego Del Río

Susana Alexander cierra el año vía streaming con LAS DOS ALEGRES CONSUEGRAS

A raíz de su éxito con las presentaciones de sus espectáculos en formato virtual desde hace un año, la reconocida actriz Susana Alexander se ha colocado como un referente de versatilidad en la presentación de shows teatrales vía streaming en nuestro país. Las dos alegres consuegras ofrecerá una nueva presentación este 4 de diciembre.

Durante este periodo, la intérprete asegura haber aprendido los diferentes procesos que requiere ofrecer una propuesta digital de calidad por lo cual se ha asociado con tres diferentes casas productoras que se han encargado de la parte técnica de cada show, quienes también han permitido que su público tenga un acceso más sencillo a sus contenidos.

“Cada vez hemos ido mejorando más, un vídeo tras otro, por mi parte en la comprensión de estas tecnologías y también el resto del equipo que se ha ido adecuando con más equipo de grabación con el objetivo de provocar en el público risas y alegría”, asegura.

En esta ocasión, la actriz presenta Las dos alegres consuegras, un espectáculo que relata la relación de Sarita, interpretada por ella, quien se auto-invita a tomar un café, a casa de su consuegra Rosita (Silvia Káter). Lo que parece ser una reunión un poco forzada y áspera, que comienza por el reclamo de unos toppers se transforma en una plática llena de carcajadas y confesiones atrevidas al paso de los cócteles.

“Este 4 de diciembre cierro el año presentando la comedia vía streaming con la que lo inicié,  una historia que desarrollamos en el escenario sin tener libreto mi talentosa compañera Silvia Káter y yo. Es un concepto muy padre, el público que ha tenido oportunidad de verla con anterioridad siempre me comparte comentarios muy positivos, me dicen que les encantó que los hicimos reír con locura, y es que es justamente ese nuestro objetivo, brindar un momento agradable de pura diversión donde el espectador pueda reír y olvidarse de tanta negatividad que vivimos diariamente”, declara.

Y agrega: “En esta ocasión decidí que la obra fuera clasificada como una comedia para adultos mayores, no porque yo dijera cosas obscenas en escena, sino porque abordó temas que retomo desde mis propias experiencias a esta edad, mismos que el personaje que interpretó desmenuza a su antojo a través de la borrachera que se pone junto con su comadre, porque los niños y los borrachos siempre dicen la verdad, entonces es el pretexto perfecto para contar cosas íntimas”.

Cabe destacar que Viaje al corazón de las palabras, Las dos alegres consuegras, Aquí estoy amor, Bendita menopausia y La noche de Romeo, son algunos de los espectáculos digitales en los que más de 10 mil personas en distintas latitudes han disfrutado del talento de la actriz desde la comodidad de sus hogares, refrendado así su éxito en el streaming.

Las dos alegres consuegras se presenta el 4 de diciembre en la plataforma virtual de Boletia, y estará disponible por 48 horas, consulta más información, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Manojo de Ideas

Diario de Producción: Vestuario SOLA EN LA OSCURIDAD

Este jueves 2 de diciembre llega a los escenarios, Sola en la oscuridad, propuesta que buscará llevar a los espectadores por un vaivén de emociones, a través de una historia impregnada de misterio, intriga, secretos y traiciones, protagonizada por la reconocida actriz Itatí Cantoral.

Esta semana toca el turno de conocer el proceso creativo detrás del diseño de vestuario, tarea que estuvo a cargo de Estela Fagoaga, quien cuenta con una Maestría en Moda y Mercadotecnia en la Universidad Anáhuac.

Estela es diseñadora de Modas egresada de Jannette Klein Fashion Design School y tiene una especialidad en diseño textil por la Escuela de Diseño del INBA. Formó parte de la Compañía Nacional de Teatro, coordinando el vestuario de 43 puestas en escena.

Entre sus trabajos más destacados se encuentran Hello Dolly!, Ghost la sombra del amor, Billy Elliot, Éramos tres hermanas, Otello, El vestidor, Niños chocolate, Noche de reyes, La comedia de las equivocaciones, El atentado, El diccionario, La expulsión, La dama boba, El corazón de la materia, Tío Vania, Pasión, El mercader de Venecia, La tequilera, La divina Ilusión, Buenas personas, Seminar, A 8 columnas, La tía Mariela y Titus.

Aquí sus palabras

Hablar del diseño de vestuario de una obra de teatro es referirse a tres puntos de partida que se interrelacionan y que hay que considerar a profundidad.

Antes que nada: lo que la historia pida, esto es de qué trata, en qué época está ubicada, qué plantea el autor. Por lo que hay que leer muchas veces para entenderla a profundidad.

En segundo lugar el montaje mismo, con el equipo creativo, empezando por el director; es él quien marca la pauta para el trabajo de todos los demás, y que siempre debemos estar coordinados. No por nada se habla de equipo creativo. Los colores, formas, diseños del vestuario que yo haga tienen que estar en conjunción con los del escenógrafo, el iluminador, el maquillaje… ¡todo!

No se trata de competir para que lo que tú haces destaque sobre el resto, sino de complementar, de construir un todo armónico, que sirva a la obra.

Y finalmente, el tercer elemento, es el elenco. No puedo diseñar en abstracto, sino en función de cada uno de los actores: su cuerpo, su cara, su estatura, su color de piel, su complexión…

Por ello, diseñar un vestuario es un proceso que arranca con una investigación, y se va construyendo paso a paso, tomando en cuenta los tres pilares anteriores.

En el caso de Sola en la oscuridad ha sido un proyecto fascinante porque siempre me emociona mucho sumergirme en una época distinta a la que vivimos. Aquí estamos hablando de finales de los años 50 y principios de los 60, en Nueva York. Una etapa de grandes cambios en el pensamiento, la vida cotidiana y que evidentemente se reflejan en la moda.

Habían pasado apenas unos cuantos lustros del fin de la II Guerra mundial, y Estados Unidos estaba volviendo a la normalidad, pero con sus valores trastocados y se estaban construyendo unos nuevos. Por ejemplo, hasta entonces la ropa había sido mucho más formal, especialmente para los hombres, y en aquellos años comenzaron a permitirse ciertas libertades que antes hubieran sido inimaginables.

Para lograr estos diseños he tenido la suerte de que hay miles y miles de imágenes en la red, que he podido consultar, estudiar, analizar y de ahí salen cada una de las prendas que se ven en escena.

Algunas, pocas (por ejemplo: las calcetas que usan las niñas) las he podido comprar. Las encontré en una bonetería del centro. ¡Y me llevé todas las que había!

Otras piezas, por ejemplo el vestido de la protagonista, tuvimos que generar nosotros el estampado, con serigrafía, porque esos colores y diseños ya no existen en el mercado.

Así, cada uno de los trajes, tiene su propia historia, que para mí es fascinante, y que me hace seguir enamorada de esta actividad tan rica y tan de conjunto que es ayudar a nacer una obra de teatro.

¡Vengan a disfrutarla!

Por Estela Fagoaga, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

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“Respeta lo que esté eligiendo la otra persona”: Angélica Rogel habla sobre ORGULLO

En la actualidad existen diversos movimientos sociales que buscan un cambio y la transformación de las injusticias a través de la información y la visibilización de distintas realidades, en el teatro dichas corrientes son expuestas y presentadas al público con el fin de generar reflexión e incentivar la conversación.

Orgullo de Alexi Kaye Campbell bajo la dirección de Angélica Rogel ofrece una historia que busca invitar al espectador a conectar con sus verdaderos instintos, explorar y encontrar ese lugar para ser feliz y luchar por él al exigir respeto.

Al respecto, la directora de teatro comparte: “Gran parte de esta vida tiene que ver con la sexualidad, tanto con nuestra identidad, gustos y preferencias, el primer montaje que hice se llamaba Placer y dolor y se trataba de una mujer que tenía muy poca cercanía con su sexualidad y con su identidad, la historia mostraba cómo iba descubriéndose a medida de las fantasías que va creando en su mente, entonces hablar de estos temas en el teatro es indispensable porque estamos visibilizando un fragmento de nuestra humanidad. Yo no podría imaginar el teatro sin estas ramas temáticas dentro de él”.

Y agrega: “Los escenarios se están llenando cada vez más con estas tramas. Sin ir más lejos, Corazón gordito la obra ganadora en los Premios Metropolitanos, del dramaturgo Saúl Enríquez, hablaba de una familia integrada por una mamá y sus dos hijas, una de ellas violentada sexualmente de pequeña. Estas historias nos ofrecen la oportunidad de construirnos y evitar continuar repitiendo patrones de comportamiento machistas dentro de un contexto bajo el yugo del patriarcado”.

De acuerdo con la directora, el brindar una visión de distintas realidades en escena representa un punto de encuentro crucial para el intercambio de ideas, generando un movimiento hacia el cambio. “Es necesario decir ‘sé lo que quieras, elige la pareja que quieras, haz lo que te haga sentir bien y respeta lo que esté eligiendo la otra persona”, asegura.

“En este sentido, el teatro siempre está alimentándose de lo que ocurre socialmente, entonces por eso podemos ver que existe un amplio porcentaje de propuestas escénicas que tocan estos temas actualmente y eso es propicio para establecer un canal de comunicación con el espectador y a nosotros nos interesa decirle vamos a transformarnos en mejores personas, respetémonos a pesar de toda la adversidad que existe”, expresa.

Angélica asegura que Orgullo es una obra atractiva desde el texto, porque retrata una realidad actual desde el pasado y expone como era señalada la unión amorosa de dos hombres, algo mal visto en su contexto, clasificándose como una desviación, pensamientos que hasta la fecha perduran. “Basta observar las escalofriantes terapias de conversión, estamos a más de cincuenta años de distancia y hoy en día todavía existen personas a las que les aberra una relación homosexual”, señala.

“El orgullo viene de conocerte, valorarte y aceptarte tal cual eres, con la posibilidad de encontrarte en el camino gente tóxica que por su ignorancia continúa repitiendo estos patrones heteronormativos, pero en estos casos son ellos los que tendrán que aguantarse y respetar los derechos de los demás”.

Y agrega: “Debemos ver y sobre todo aceptar que la sociedad es múltiple y que los colores son muchos, entonces trabajamos mucho desde ese lugar en pensar qué es el respeto, cómo nace, cómo es sentirse orgulloso de ser quien eres y cómo compartirlo con los demás. Nosotros somos personas a las que nos interesa mucho hablar de estos cuestionamientos con el fin de invitar al espectador a sentirse cómodo en su propia piel y seguro en el lugar en el que se encuentre”, concluye.

La puesta en escena ofrecerá funciones a partir del 1 de diciembre de miércoles a domingo en el Foro Lucerna del Teatro Milán, para conocer horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Con diversos espectáculos el FORO A POCO NO reabre sus puertas al público

La Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, a través de la Dirección del Sistema de Teatros, a través de la Dirección del Sistema de Teatros, anuncia la reapertura del Foro A Poco No, recinto que detuvo sus actividades debido a la emergencia sanitaria desde abril de 2020.

Después de un año y siete meses, reabre sus puertas el espacio íntimo que ha desarrollado, en sus doce años de vida, una vocación hacia el cabaret y los espectáculos de pequeño formato.

Durante el mes de diciembre el foro ofrecerá de manera gratuita una amplia variedad de espectáculos que representan las posibilidades que tiene este recinto.

Las actividades comienzan este viernes 3 de diciembre con la obra, Peer Gynt, autoría de Henrik Ibsen con música Edward Grieg, bajo la dirección de Gabriela Kraemer. A cargo de la agrupación Marionetitlan, la puesta incluye el uso de técnicas de teatro de objetos para ofrecer la historia de un joven que tiene que enfrentarse a sí mismo.

Mientras que el sábado 4 se presentarán dos propuestas: La primera ofrecerá función a las 13:00 horas, El mojado, a cargo de Jorge Domínguez, sobre un hombre que cruza la frontera en busca del sueño americano, sin embargo se topa con una realidad adversa. A las 19:00 horas llegará El Retablo de las Maravillas, un mosaico de imágenes y escenas representativas del Siglo de Oro Español. La música, el teatro y la poesía toman el escenario en la propuesta del Ensamble Áureo de la Asociación Teatral Juana de Asbaje (ATJA).

Los domingo 5 y 11 de diciembre a las 18:00 horas, se escenificará, Benito y Wataru, autoría y dirección de Ana Luisa Alfaro, la cual presenta a dos maestros del arte de contar historias, quienes lucharán con sus palabras para vencer a su contrincante y ganar el aplauso del público.

El sábado 11 de diciembre el recinto albergará la pieza coreográfica, Variaciones. La expresión de una realidad circundante, la cual se interna en la necesidad colectiva de expresar las formas cotidianas de la violencia en nuestra sociedad. Ese mismo día pero a las 19:00 horas (y el domingo 12 a las 13:00 horas) se presentará, El buen juez por su casa empieza, de Parafernalia Teatro, que muestra el desconsuelo del mejor juez del país al saber que la realidad política ha cambiado.

Los días 18 y 19 de diciembre a las 13:00 horas se contará con la música de A Love Electric, agrupación que mezcla diferentes géneros para crear una interesante propuesta sonora.

Para concluir, el sábado 18 de diciembre a las 19:00 horas y el domingo 19 de diciembre a las 18:00 horas,  se presentará De Azteca a Mexica-no, puesta multidisciplinaria en la cual se indaga en la historia de un viajero que se atreve a cuestionar su propio futuro.

Cabe señalar que en esta reapertura, destaca, como parte de las acciones para revitalizar la calle en la cual se encuentra el Foro A Poco No, la inauguración el viernes 3 de diciembre de una intervención a la fachada del recinto por parte de los artistas urbanos David Alvizo Cárdenas, Oswaldo Ernesto García Ramírez, David Genaro Ramírez Martínez, Ricardo Alfonso Santiago Sandoval y Brian Martín Montoya Espinosa, integrantes del programa Entre Barrios y Pueblos. Cultura Comunitaria Ciudad de México de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, quienes realizaron un mural con la técnica de graffiti en el cual plasman sus aproximaciones a temáticas tanto escénicas como de la actualidad.

Con información de la Secretaría de Cultura capitalina, Foto: Cartel oficial

4 Obras que conmemoran el Día Mundial de la Lucha contra el Sida

Desde el 1 de diciembre de 1988, esta enfermedad ha cobrado la vida de más de 25 millones de personas en el planeta, lo que la coloca como una de las epidemias más destructivas registradas en la historia.

En conmemoración del Día Mundial de la Lucha contra el Sida, en Cartelera de Teatro te presentamos 4 propuestas teatrales que retratan el tema y sus distintas problemáticas, mismas que brindan al espectador un panorama general y específico de las circunstancias que enfrenta una persona seropositiva.

1- FIERCE/Fiera. La obra está inspirada en testimonios de seres comunes que viven experiencias trascendentales alterando su perspectiva de lo que es amar y lo que significa la vida. Una mujer seropositiva, un bailarín dedicado al arte del voguing, una drag queen, un adolescente inmerso en las redes sociales, donde los actores y el público navegan en múltiples interrogantes ante los miedos, alegrías, la desesperación y  desesperanza que enfrenta una persona infectada.

2- Solo en el fin del mundo. La historia es protagonizada por Louis, un joven escritor homosexual quien después de 12 años de ausencia regresa al pueblo donde nació para reencontrase con su familia, descubriendo personas completamente ajenas a él a través de la furia presente en los claroscuros de los recuerdos y los finales no resueltos. Aunque Louis únicamente tiene la intención de anunciar que está muy enfermo y que va a morir de forma inminente, su llegada provocará el resurgimiento de rencores del pasado y de tensiones familiares latentes. Bajo esta premisa son expuestas las relaciones familiares al interior de la dinámica de un hogar, así como un retrato profundo sobre el padecer de una persona que vive con el virus.

3- Junio en el 93. Este montaje muestra una serie de relatos sobre el amor, el sufrimiento, el gozo y el arte como herramienta de sobrevivencia ante la adversidad. Es un ejercicio de memoria acerca de sucesos relacionados con el teatro y la crisis de salud producto de la epidemia. En 1993 un director de teatro convoca a un grupo de artistas escénicos para realizar un retiro en la ciudad de Xalapa, todo con el fin de dar pie a un proceso de investigación que se materializará en un montaje basado en la vida y obra de  uno de los más destacados escritores japoneses del siglo XX, Yukio Mishima.

4- Los chicos de la banda. Obra ganadora del Premio Tony 2019. Ubicada en el año de 1968, gira en torno a la fiesta de cumpleaños que un grupo de amigos homosexuales organiza para uno de ellos. La alegre fiesta se enturbia cuando aparece sorpresivamente un antiguo amigo heterosexual del festejado, quien no tiene idea de las preferencias de su antiguo amigo. Esta producción es considerada como la primera que toca la temática “gay” de una forma abierta y sin ningún pudor, poniendo sobre la mesa las distintas problemáticas a las que se enfrentaba la comunidad homosexual de ese entonces. Cabe señalar, que entre 1984 y 1993, cinco de los actores de la producción original, así como el director Robert Moore y el productor Richard Barr, fallecieron a consecuencia de la epidemia.

 

Así que ya lo sabes, descubre los distintos mensajes que estas producciones ofrecen, conoce más del tema y adéntrate a la experiencia escénica que ofrecen sus protagonistas.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía

Alan Estrada presenta canción oficial de su nuevo musical SIETE VECES ADIÓS

El actor Alan Estrada se estrena como escritor y director a través de esta nueva propuesta escénica en colaboración con los compositores Jannette Chao, Vince Miranda y el co-escritor Salvador Suárez, quienes reunieron su talento desde hace tres años para crear una historia que muestra las principales facetas del amor a través del baile y la música.

De acuerdo con los creadores, Siete veces adiós será una válvula de escape para el artista enamorado, un homenaje a cómo el amor ha creado las más bellas canciones y nos ha acompañado a lo largo de nuestras ilusiones y decepciones, mientras intenta hacer una radiografía de las relaciones en el siglo XXI.

A este proyecto se suma la productora Playhouse Entertainment encabezada por Carlos Vidaurri y Daniel Delgado que junto a Ola ke Ase Creativos presentan la primera canción del musical, Algo Como Lo Nuestro No Existe.

Al respecto, Jannette Chao menciona: “Estamos muy contentos de haber salido con esta canción en todas las plataformas durante la madrugada. Esta rola corresponde al disco Lado b de la obra, donde la música original será interpretada por el elenco que aún no se revela, pero que irá más enfocado al ensamble musical de la puesta. Sin embargo, por ahora quisimos hacer canciones Lado b, donde cantamos en algunos casos Alan, otros yo, otras Vince o los tres juntos, y justamente esa fue la razón principal de arrancar con esta melodía, interpretada por nosotros tres”.

Y agrega: “Es una canción icónica, más adelante vendrán más colaboraciones artísticas, esta composición la produce Tito Urias. Se trata de la canción central en la obra, y enarbola lo que queremos dar a entender en la historia que contamos, que son todas las etapas del amor desde la parte nostálgica, iracunda, desesperanzada, esperanzada, la idealista, etcétera. Quisimos exponer distintas radiografías de lo que la gente concibe como amor y como resultado la letra engloba la ilusión de querer encontrar a esa persona especial para sentirnos amados”.

Cabe señalar que la canción viene acompañada de un lyric video donde participa el artista plástico Oliver Marino, en el cual se revela el póster de la obra diseñado por Norberto Reyes (Articular Estudio) y Ápice Estudio.

Aquí te dejamos la primera canción de este musical original que levantará el telón en el 2022 en el Nuevo Teatro Ramiro Jiménez.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía VIOGG

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Diario de Producción: Dirección de escena SOLA EN LA OSCURIDAD por Enrique Singer

La espera ha terminado y este jueves 2 de diciembre levantará el telón Sola en la oscuridad, la nueva apuesta teatral de Mejor Teatro en el Teatro México del Centro Cultural Manolo Fábregas.

Durante algunas semanas hemos compartido con ustedes diversos textos escritos por el equipo creativo que conforma esta producción: Morris Gilbert, Estela Fagoaga, Adrián Martínez Frausto, Víctor Zapatero, Cynthia Muñoz, Miguel Jiménez y Francisco Escárcega.

Para concluir estos Diarios de Producción, presentamos el texto escrito por el director de escena, Enrique Singer, uno de los creadores escénicos más importantes de nuestro país en la actualidad.

Singer realizó estudios de Teatro y Letras Hispánicas en la UNAM, institución con la que a la fecha sigue colaborando en sus múltiples actividades artísticas. Ha fungido como Coordinador Nacional de Teatro, y miembro del Centro de Experimentación Teatral, director del Departamento de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México. Fue académico en la Escuela Nacional de Arte Teatral del INBA, el Centro Universitario de Teatro de la UNAM y en la escuela de actuación CasAzul Artes Escénicas Argos. Actualmente es director de la Compañía Nacional de Teatro.

Como director de escena ha participado que destacan Ricardo II y El cuento de invierno, de Shakespeare, El Marinero, de Pessoa; Edmond, Oleanna y Glengarry Glen Ross y La Anarquista, David Mamet; Hedda Gabler de Ibsen; El perro del hortelano, de Lope de Vega.

Aquí sus palabras

Muy afortunado alumbramiento

La tercera es la vencida, pienso en esta mexicanísima frase al ver a Itatí en el escenario mientras ensayamos. Ya habíamos tenido dos connatos de trabajar juntos y no se habían concretado… hasta ahora.

Y empiezo hablando de esto porque no se trata de una casualidad, sino resultado del trabajo en equipo, de un excelente equipo integrado por profesionales del teatro encabezados por Morris Gilbert.

Con Morris ya había tenido la oportunidad de trabajar hace once años, yo como actor en la puesta en escena de El diario de Ana Frank. Me quedé con un gran sabor de boca, que hoy ha sido ampliamente superado.

Los casi 50 años de experiencia y trabajo que tiene Morris como productor teatral se notan en cada uno de los aspectos del montaje. Todo está en el lugar que debe estar en tiempo y forma.

El conjunto de creativos que se ha reunido es inmejorable. Gracias Adrián, Estela, Víctor, Miguel, Cinthia por su talento, compromiso, responsabilidad… De verdad es un enorme placer tenerlos cerca para resolver cada uno de los múltiples detalles de este montaje, aparentemente sencillo, pero de una enorme complejidad.

Este agradecimiento tengo que hacerlo extensivo al equipo producción. Gracias, gracias, gracias Fran, Luchi, Kaori, Sandra… por formar parte de la red que sostiene la labor de los artistas, para que la obra llegue a buen puerto. Evidentemente mis abrazos son también para el elenco.

¡Bravo! por su entrega, profesionalismo y por supuesto talento de Luis, Sergio, Lenny, Marcial, Marco… actores consagradísimos; a las maravillosas Nina y María, niñas en la obra, adolescentes en nuestra realidad y futuras grandes actrices, como lo apunta ya su desempeño actual; finalmente aplauso para Itatí, actriz intuitiva, generosa, que, cual estrella que es, está llena de compromisos, y sin embargo, ha logrado una creación brillante como Susy. Valió la pena esperar a esta tercera oportunidad para estar juntos.

Y finalmente gracias al público, para quien hacemos todo lo que hacemos. El teatro sólo se produce cuando nuestro trabajo se muestra a los espectadores. Estamos a punto de cerrar la primera etapa de la historia de Sola en la oscuridad. El estreno es el “nacimiento” de esta obra, que comenzará a tener vida propia. En la que confiamos se encontrará con cientos, u ojalá miles y miles, de espectadores. Con cada uno tendrá su propia relación, que esperemos esté llena de suspenso…

Confiamos que el amor que hemos puesto cada uno de los teatreros que cooperamos en este alumbramiento se sienta y que Sola en la oscuridad tenga una larga, muy larga vida.

Ahí les encargamos a nuestra criatura.

Por Enrique Singer, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

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Antonio Zúñiga habla sobre la participación del Helénico en el Gran Festival Chapultepec

El Centro Cultural Helénico se suma a la celebración del Gran Festival Chapultepec que ofrecerá una amplia y diversa muestra de las distintas expresiones artísticas que existen en nuestro país de manera gratuita en el Complejo Cultural Los Pinos.

El evento está enmarcado dentro de la convocatoria, Circuito Nacional de Artes Escénicas en Espacios Independientes, creada como parte del Proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura.

Al respecto, el director del recinto, Antonio Zúñiga Chaparro nos comparte: “Estamos de manteles largos porque vamos a participar en el Gran Festival Chapultepec, que es una muestra representativa de las convocatorias que durante el año sacó la Secretaría de Cultura a través del Proyecto Naturaleza y Cultura que estuvieron abiertos y buscaron impulsar el trabajo de la comunidad cultural y artística del país”.

Agrega: “La convocatoria que nosotros lanzamos fue el Circuito Nacional de Artes Escénicas en Espacios Independientes en la que participaron un número considerable de agrupaciones del país”.

La convocatoria logró realizar 1,400 funciones, de 140 compañías de teatro y danza, en 176 foros independientes, en donde más de 2 mil artistas pudieron mostrar sus creaciones escénicas por todo el territorio nacional. Posteriormente se seleccionaron 16 de estos proyectos y sólo 7 formarán parte del Gran Festival Chapultepec.

En este sentido, Zuñiga señala: “Esta selección entre danza y teatro se presentará a partir del 3 y hasta el 5 de diciembre en los espacios del Complejo Cultural Los Pinos, junto con otros grupos. En total va a haber una participación de 56 grupos artísticos y más de 300 artistas de todo México estarán en esta muestra”.

Para salvaguardar la seguridad de los asistentes del Gran Festival, es indispensable el uso correcto del cubrebocas y seguir las indicaciones que brinden las autoridades, por ello los eventos se realizan al aire libre.

Acerca de esto, el funcionario puntualiza: “Estas obras se van a presentar en el Antiguo Helipuerto del complejo, van a ser al aire libre, va a haber 3 escenarios concurrentes en el mismo espacio abierto, de manera que los espectadores se van a poder mover de un lado a otro y vamos a tener ahí tapetes y sillas para las personas de la tercera edad. Vamos a cuidar la temperatura, el uso del cubrebocas y el gel antibacterial que todo mundo va a tener a disposición”.

Añade: “Toda la familia puede asistir y toda la familia puede disfrutar de estas obras y esto es concurrente junto con la programación que tiene el Cenart de teatro para títeres, que es una programación copiosa, y también el canto floral que se presenta en otro gran formato donde van a poder disfrutar de música en vivo”.

Las presentaciones comenzarán el viernes 3 de diciembre con la obra Un tren para la luna  a las 12:00 h y ese mismo día, pero a las 18:00 h se escenificará, Lo que estalla eterniza.

Al día siguiente, sábado 4 de diciembre se representará Kiwi, Desconexiones y Señoras, 11:00, 15:00 y 18:00 horas, respectivamente. Finalmente, el domingo 5 de diciembre llegará Cartas para Nicolás a las 15:00 horas y Cuttin’it a las 17:00 horas.

Cabe señalar que durante el evento se invitará a la población a donar un juguete que no use baterías, una cobija o una chamarra nueva o en buen estado, como parte de la iniciativa “Navidad en las montañas” que se realiza en favor de las comunidades de Guerrero.

“Estamos haciendo acopio de juguetes, cobijas, ropa nueva o en buenas condiciones para llevar a las montañas y las zonas más necesitadas del país. Estamos pidiendo a la gente que nos acompañe, vaya, se divierta y contribuya de manera altruista a que los niños de la montaña pasen una Navidad feliz”, concluyó el director del Centro Cultural Helénico, Antonio Zúñiga.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Helénico

Estrena en el Teatro México SOLA EN LA OSCURIDAD

La noche de ayer se llevó a cabo en el Teatro México, el estreno de la nueva propuesta teatral del productor Morris Gilbert, Sola en la oscuridad, con las interpretaciones de un elenco encabezado por la actriz Itatí Cantoral, Luis Gatica, Marco de la O, Lenny Zundel, Marcial Casale, Sergio Bonilla y María Perroni Garza.

En medio de aplausos y festejos, el productor expresó su alegría y entusiasmo al concluir el año con una nueva oferta de entretenimiento que invita al espectador a una historia cargada de tensión y misterio.

“Me siento muy contento y agradecido por tener la oportunidad de cerrar el año con un estreno, hecho poco común en el teatro pero que nos entusiasma en conjunto. Armar este proyecto no fue tarea sencilla pero trabajar bajo la dirección escénica del actual director de la Compañía Nacional de Teatro, el maestro Enrique Singer, fue sin duda un gran estímulo que propició que el trabajo de todo el equipo se desarrollara con mayor facilidad y gozo”, declaró.

Por su parte, la protagonista de la historia, la actriz Itatí Cantoral expresó: “Hoy es un día muy hermoso para mí, gracias por compartirlo con todos nosotros, gracias Morris por darme un personaje tan interesante, por contagiarme el entusiasmo de querer estar viva y compartir mis actuaciones con el público, al maestro Singer quiero agradecerle el amor, el respeto y la pasión que me inspiró por continuar contando historias sobre los escenarios”.

Sola en la oscuridad es un thriller en el que su protagonista, Susy, ha quedado ciega a causa de un accidente automovilístico. En su casa, comienzan a presentarse una serie de extraños personajes, a quienes une un objeto aún más extraño: una muñeca, que esconde un secreto que pondrá en peligro de muerte a cada una de las personas ligadas a ella.

El equipo creativo está integrado por Adrián Martínez Frausto (diseño de escenografía), Estela Fagoaga (diseño de vestuario), Víctor Zapatero (diseño de iluminación), Miguel Jiménez (diseño de audio), y Cinthia Muñoz (diseño de pelucas y maquillaje).

La puesta en escena se presenta de viernes a domingo en el Teatro México, del Centro Teatral Manolo Fábregas,consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos Cartelera de Teatro

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