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Hace una semana comenzamos a compartirles una serie de textos denominados Diarios de producción una recopilación de apuntes escritos por la producción que está detrás del thriller Sola en la oscuridad, la nueva propuesta de Mejor Teatro.

La semana pasada publicamos el texto de Morris Gilbert, quien funge como productor de la obra, y Adrián Martínez Frausto, encargado de la escenografía. A continuación toca el turno de Víctor Zapatero, responsable de la iluminación.

La carrera de Zapatero como iluminador abarca principalmente danza, teatro y ópera, y en 2010 fue seleccionado como Director de Iluminación en el Festejo del Bicentenario. En teatro ha formado parte del equipo de producción de los montajes de El hombre de La Mancha, premiada como el Mejor diseño de iluminación en una obra musical en los Premios Metropolitanos de Teatro, así como Privacidad y Macbeth. Colaboró también en el montaje Omphalos, y su más reciente trabajo se puede apreciar en la puesta en escena del Teatro Insurgentes Blindness.

Aquí sus palabras:

La oscuridad presente en el discurso visual

Uno de los retos principales en el diseño de iluminación consiste en cubrir de luz cada área donde se sitúan los personajes dentro de la escenografía. Cada espacio tiene sus propios retos y en este caso tiene que ver con un espacio con poca altura y por lo tanto los ángulos de luz son complicados. Los espacios con alturas mayores ofrecen mucha distancia y áreas libres para que el haz de luz viaje libremente hasta llegar a su objetivo, pero en este caso, por tratarse de un sótano, no hay tanta flexibilidad y la posición de cada una de las luminarias debe ser calculada con mucha precisión para que pueda cumplir con su objetivo. Para calcular cada una de las posiciones me auxilio con programas de visualización donde se observa la luz que emite cada aparato dentro del espacio y así visualizar las áreas luminosas y las áreas oscuras.

La trama se desarrolla dentro de un departamento principalmente durante un atardecer y un anochecer. La luz debe ser muy diferente en cada una de estas escenas, como sucede en nuestros espacios cotidianos donde la luz del sol entra por una ventana en algún momento y al anochecer podemos adivinar la luz de una farola exterior y la calidad de la luz interior se vuelve más íntima y suave con el uso de lámparas interiores.

Las áreas oscuras también son parte del discurso visual. En esta obra, como el título lo indica, la trama se desarrolla en un espacio habitado por una mujer ciega. La oscuridad debe estar presente en el discurso visual para que los espectadores comprendan la misma sensación que vive la protagonista, quien al final de la obra se adueña de la situación, cuando el departamento queda totalmente a oscuras.

Por Víctor Zapatero, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

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En reconocimiento a la trayectoria y aportaciones de Diana Bracho y Luisa Huertas al quehacer artístico de nuestro país, la Universidad Nacional Autónoma de México y la Coordinación de Difusión Cultural UNAM, a través de la Cátedra Extraordinaria Ingmar Bergman en cine y teatro, entregarán la Medalla Cátedra Ingmar Bergman a dos actrices que han marcado un precedente en la vida artística de nuestro país el próximo viernes 19 de noviembre.

Se trata de una distinción que celebra sus trayectorias, las cuales han tenido gran impacto en el teatro, cine y la televisión. Un homenaje a dos mujeres, profesionales en el oficio de la actuación, referentes del talento mexicano.

Al respecto, la actriz Diana Bracho asegura: “Me gusta pensar que se trata de un reconocimiento más que un homenaje, ¿verdad? Los homenajes no me gustan. Que con toda humildad me hace volver atrás y ver tantos años de trabajo, yo nunca he vivido en el pasado y actualmente me he visto obligada a revisar tantos años de trabajo apasionado, de entrega, de pasión y de respeto por lo que hago. Me siento muy honrada de verdad, es un reconocimiento que me hace sentir muy feliz”.

Y agrega: “Me da mucho gusto poder compartir esta distinción con Luisa Huertas, una extraordinaria actriz que cuenta con una carrera fantástica, yo digo que Luisa es una actriz de actrices, porque es reconocida por todo el gremio debido a su gran talento y calidad interpretativa”.

Cabe mencionar que en esta ceremonia Luisa Huertas será acreedora de la medalla 2021 y Diana Bracho recibirá la medalla del año 2020 debido a la imposibilidad de llevar a cabo la edición de ese año producto de la pandemia.

Por su parte, la actriz Luisa Huertas afirma haberse sorprendido mucho cuando recibió la noticia sobre este reconocimiento, provocándole inmensa alegría y agradecimiento, así como orgullo a su trabajo.

“Recibir esta presea por parte de la Cátedra que es parte de la Universidad Nacional Autónoma de México de la cual me considero parte, pues soy puma de corazón, porque yo estudié en el Centro Universitario de Teatro, luego de haber estudiado la primera parte de mi carrera en el INBA para después convertirme en la directora del colegio vocal en esa escuela durante muchos años, además de que los teatros de la UNAM han sido mi casa durante gran parte de mi carrera”.

Y agrega: “Este reconocimiento es producto de una entrega total de lo que ha sido mi vida, mi enorme placer prácticamente desde niña, el haber decidido ser actriz y el haber puesto toda mi energía y capacidad en esa tarea y tratar de hacerlo lo mejor posible en base a lo que me enseñaron mis maestros y en lo que yo he ido aprendiendo a lo largo de la vida con cada uno de los directores con los que he trabajado. Sé que esta distinción es producto de la disciplina, del rigor y la aspiración de ser cada vez mejor para entregarle al público lo mejor de mí”.

Sobre el significado que esta presea tiene para Diana Bracho, la actriz asegura no sentirse en el pedestal y en cambio se queda con la sensación de reconocer su propio trabajo.

“Tengo un baúl en mi casa donde aviento fotos, artículos o críticas de algún trabajo mío, pero no acostumbro estar contemplando todo eso. Sin embargo, he tenido que adentrarme en los recuerdos debido al material de archivo que me fue solicitado por parte de los organizadores de la cátedra y me doy cuenta de que siempre he hecho cosas que he respetado y eso es algo de lo que me siento muy orgullosa”.

Acerca de sus planes a futuro, la actriz afirma no vivir pensando en el futuro y decide mejor concentrarse en el presente y en vivir plenamente, sin amarguras, sin cargar con nada que le pese, ya que desde su perspectiva el futuro pesa porque todo el tiempo están presentes las expectativas y asegura vivir con ellas es horrible.

Mientras que, Luisa Huertas ha encontrado en la docencia una pasión al dirigir desde hace 15 años el Centro de Estudios para el Uso de la Voz, escuela única en su tipo en Iberoamérica. Además asegura encontrarse dispuesta a continuar trabajando sobre los escenarios en propuestas que aporten algo al público que disfruta de su trabajo.

“He tenido la oportunidad de siempre estar en proyectos de los cuales me enamoro y siento que esa es una condición de privilegio, hacer lo que te gusta con obras o películas que dicen cosas necesarias es invaluable”, puntualiza.

La entrega de la Medalla Cátedra Ingmar Bergman se realizará en un programa especial de televisión producido por TV UNAM. La transmisión en vivo contará con los testimonios de colegas, amistades y estudiantes de las escuelas de cine y teatro, entre los que destaca la presencia de Arturo Ripstein, Busi Cortés, Carlos Carrera, Enrique Singer, Ernesto Contreras, Karina Gidi y María Rojo.

Por Ulises Sánchez, Fotos: IG Cátedra Ingmar

A un mes de que termine este año, les compartimos una lista con las obras más buscadas durante el mes de noviembre en la página por nuestros usuarios, estos resultados son arrojados de forma estadística, y sin ellos no sería posible realizar este conteo.

¡Corre a llenar las salas, el teatro te espera con las puertas abiertas!

10. La jaula de las locas. Una obra que se mantiene en nuestra lista, debido al talento actoral que conforma este divertido musical, que invita a celebrar la diversidad envuelta en canciones divertidas, ingeniosas e inolvidables. Le quedan pocas semanas en el Teatro Hidalgo.

9. Como quieras perro ámame. Es una comedia romántica donde una mujer cuarentona, divorciada y no muy conforme con sus relaciones amorosas, decide escribir un libro comparando a los hombres con perros y nos invita a descubrir si vale la pena creer en el amor. Se presenta de jueves a domingo en el Teatro Renacimiento.

8. Perfectos desconocidos. En esta historia, Eva y Alberto son los anfitriones de una cena que se saldrá de control, tras dejar abierta la caja de los secretos que cada celular guarda consigo. Disfruta de un gran elenco
seleccionado para esta adaptación de la película hómonima.

7. La obra que sale mal. En la trama seguimos a una compañía de teatro amateur que se alista para estrenar El Asesinato En La Mansión Haversham, pero todo sale terriblemente mal. El resultado una divertida comedia al más puro estilo del clown que entretiene por igual a chicos y grandes.

6. Blue Room. Basada en el texto “La Ronda”, de Arthur Schnitzler publicado en 1900, la pues cuestiona las relaciones entre hombres y mujeres, desde el sexo hasta el poder, y cómo estás dinámicas siguen vigentes hoy en día. Sin duda, es una propuesta que te hará reflexionar sobre nuestras conductas.

5. The Prom. En esta versión mexicana un grupo de estrellas de teatro musical de la capital, ponen en jaque a la comunidad de Salamanca, para defender a una adolescente que quiere ir a la fiesta de graduación con su novia. Entre melodías y divertidas situaciones esta obra nos invita a meditar la inclusión y al respeto.

4. Aladdín. Basado en la película homónima de Disney de 1992, es considerado como uno de los éxitos más grandes en el teatro musical, gracias a su gran despliegue de efectos especiales, iluminación, su majestuosa escenografía y por supuesto, su espectacular vestuario que serán la delicia de chicos y grandes.

3. Circo del Horror. Actos circenses tradicionales y números nunca antes vistos, con personajes emblemáticos del cine de terror como la niña de El Aro, Freddy Krueger, zombies y payasos tenebrosos envuelven este espeluznante espectáculo envuelto en una atmósfera de terror desde que el espectador ingresa a su butaca.

2. El Nuevo Tenorio Cómico. Este montaje toma de pretexto el clásico de la literatura española, ‘Don Juan Tenorio’, para presentar una comedia permeada de sketches políticos interpretada por un gran elenco que logra sacar una carcajada hasta el público más reacio.

1.Dos Más Dos. Esta divertida comedia sobre el intercambio de parejas, nos pone frente a la disyuntiva, al cuestionar cuáles son nuestros límites sobre el amor, el sexo y sobre todo, nuestro concepto sobre la fidelidad.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía SG Producciones y Manojo de Ideas

La noche de este miércoles, Aladdín, la nueva producción musical de Ocesa, levantó el telón del Teatro Telcel, después de permanecer por más de un año cerrado.

Los protagonistas Rodney Ingram (Aladdín) Irma Flores (Jazmín), Juan Pablo Martínez (Genio) y Salvador Petrola (Jaffar) lograron cautivar chicos y grandes con la historia de Aladdin, un joven huérfano que sobrevive robando en las calles de Agrabah y sueña con una vida mejor.

La producción cuenta con la misma dirección de Broadway e incluso el mismo protagonista, Rodney formó parte de esta fantástica historia previo al cierre de los teatros en Nueva York.

Durante poco más de dos horas, el público podrá disfrutar de impresionantes efectos especiales, un espectacular vestuario, músicos en vivo y más de 34 actores en escena.

El musical está basado en la película de Disney de 1992 y en cuentos populares, incluyendo Las mil y una noches presenta en escena las clásicas melodías, “Un mundo ideal” y “Orgullo de mí”, nuevas canciones creadas para la puesta e integrar nuevos personajes.

La alfombra fue conducida por Gloria Aura y Poncho Vera, y vimos desfilar a grandes estrellas y personalidades del teatro, el cine y la televisión como Carlos Fonseca, Regina Blandón, Margarita Gralia, Michelle Rodríguez, Dai Liparoti, y por supuesto a los productores, Julieta González y Morris Gilbert.

Aladdin se presenta de miércoles a domingo en el Teatro Telcel, ubicado en Lago Zurich #245, Col. Ampliación Granada cerca de Plaza Carso, consulta precios y horarios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Escenario Ocesa

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Los musicales siempre son la mejor excusa para sacar al niño interior que llevamos dentro al dejarnos maravillar por la música, los pasos de baile, las actuaciones y espectaculares escenografías que nos envuelven en historias cargadas de energía, haciendo un recorrido por el amor, la melancolía, la alegría y todo aquello que representa la euforia de la vida.

Ya seas niño o adulto, estos espectáculos permiten desprenderse de la realidad y vivir, durante un lapso de dos horas, en universos musicales creados especialmente para explotar las habilidades artísticas de los intérpretes, brindar momentos de emoción y diversión al publico asistente.

Por eso en esta ocasión, en Cartelera de Teatro te presentamos los 5 musicales que no te puedes perder y están actualmente en temporada.

The Prom. En esta puesta en escena el público vibra al ritmo del gran despliegue de producción presentado en cada número musical. En esta versión mexicana, un grupo de estrellas de teatro musical ayudará a cumplir el sueño de Emma, una chica que vive en Salamanca, Guanajuato, quien desea asistir al baile de graduación en compañía de su novia, lo que provoca gran escándalo en su comunidad debido a sus pensamientos conservadores. Una historia donde se refleja la generosidad, el respeto y la inclusión.

Tu Cabeza en mi Hombro. En muchas ocasiones olvidamos que los adultos mayores también quieren divertirse, por esa razón este montaje es ideal para ellos y para los amantes de los grandes éxitos musicales del ayer, a través de una premisa de amor al estilo de los años sesenta, cargada de crinolinas, grandes y esponjosos peinados con la rebeldía juvenil característica de esos años.

La Jaula de las Locas. Si de un espectáculo clásico se trata, esta comedia es la ideal, aquí podrás vivir la experiencia de un club nocturno dedicado a presentar números musicales de diversos artistas expertos en la transformación escénica, a través de múltiples pelucas, tacones elevados, lápiz labial y un sinfín de lentejuelas, donde la frase “ser y no ser” adquiere mayor relevancia en las circunstancias de sus protagonistas, una pareja homosexual que busca hacerse pasar por una pareja heterosexual ante los padres de la novia de su hijo.

Y Llegaron las Brujas. Desde su estreno en 1992 es una obra emblemática de la Ciudad de México, donde cada noche es distinta, debido a que una de sus peculiaridades es que los actores juegan a improvisar, causando la hilaridad del público. El montaje cuenta la historia de Abril, una chica que vive sola y que recibe ayuda económica de una tía, a la cual no conoce, la noche del 4 de abril cumplirá años. Ese día, recibirá la visita de cuatro brujas que cambiarán su destino.

Aladdin. Si de espectacularidad, magia y sincronía se trata, este montaje será un espectáculo para soñar y adentrarse en el universo característico de Disney, a través de una historia inspirada en los legendarios cuentos populares contenidos en Las mil y una noches con las 5 canciones más representativas de la banda sonora original y canciones inéditas especialmente creadas para esta producción.

¡Así que ya lo sabes, no lo pienses más y vive la experiencia del teatro musical que puedes encontrar actualmente en cartelera!

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía

A través de un paralelismo esotérico entre dos culturas, la puesta en escena Espíritu Burlón, cuenta la historia de Carlos (Odiseo Bichir), un escritor que busca la experiencia de las ciencias ocultas con ayuda de una médium bastante excéntrica para nutrir de contenido su próxima novela. Sin embargo, a raíz de esta vivencia se verá trastornado por la presencia de dos mujeres en su vida, debido a que madame Arcati (Haydeé Boetto), requiere de tres participantes para realizar la sesión que no llegará a buen término, porque traen a este plano a la primera esposa del escritor.

Es así como se desarrollan una serie de enredos que intriga y divierte al espectador mediante una premisa cómica que incentiva la reflexión a través de la risa. Por ser una historia divertida y actual, a continuación te presentamos 5 datos curiosos sobre Espíritu Burlón.

1- Primero el padre, ahora el hijo. Espíritu burlón se estrenó en 1941 con una presentación continua en los escenarios ingleses desde entonces, en nuestro país, fue montada por Alejandro Bichir años atrás, siendo retomada en la actualidad con la interpretación protagónica de su hijo Odiseo Bichir, quien ha expresado su alegría al trabajar en una obra conceptualizada previamente por la capacidad creativa e interpretativa de su padre.

2- El gusto de Odiseo Bichir por interpretar personajes inmersos en las ciencias ocultas. Luego de haber trabajado en obras como “La dama de negro” y “La cabra”, en esta ocasión el actor personifica a un exitoso novelista. Al respecto, el intérprete ha expresado su gusto por encarnar este tipo de personajes, resultándole divertido y profundamente imaginativo.

3- El retrato de una sociedad vigente. Durante un transcurso de 80 minutos, la puesta en escena retrata una estructura social perfectamente establecida de mediados del siglo XX, donde es expuesta la división de clases sociales, vigentes en la actualidad por medio del humor y la crítica presente en la pluma del dramaturgo británico Noël Coward.

4- La inagotable lucha de sexos. De acuerdo con el protagonista de esta historia, el reconocido actor Odiseo Bichir, la obra se desarrolla bajo la premisa de cómo es que nos relacionamos hombres y mujeres desde una mirada al interior del hogar, al presentar aspectos domésticos cotidianos para abarcar la universalidad de las luchas de poder y las guerras intelectuales, culturales o populares mediante el reflejo de lo absurdo de las relaciones humanas.

5- El paralelismo cultural entre Europa y México. De acuerdo con el director de la puesta, Juan José Tagle, a través de una trama inmersa en las ciencias ocultas se pretende realizar un paralelismo entre las creencias y los rituales que las sociedades europeas practican para contactar con el recuerdo y el espíritu de quienes ya no están, mediante una adaptación sutil del texto original, debido a que al ser una obra universal, permite vernos reflejados como mexicanos y recordar nuestros propios ritos.

Así que ya lo sabes, se parte de esta divertida sesión espiritista los sábados y domingos en el Teatro San Jerónimo Independencia; ubicado en Periférico Sur, Circuito Unidad Independencia 3400, para conocer precios, descuentos y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Carlos Alvar, FB María Inez Pintado

Esta semana toca el turno de conocer el proceso creativo detrás del diseño sonoro del thriller, Sola en la oscuridad, producción de Mejor Teatro que llegará a partir del 2 de diciembre al Teatro México del Centro Teatral Manolo Fábregas.

La nueva propuesta busca desencadenar el miedo, la inquietud y un subidón de emociones entre el público asistente, desde los primeros minutos de la trama, que muestra una historia cargada de suspenso y eventos catastróficos.

Miguel Jiménez es co-fundador y director general de la empresa de audio profesional Iberia Sound. Sus créditos en teatro incluyen puestas en escena como Imagination, Mary Poppins, Wicked, El rey león y Voces contra el poder, entre otras.

Realizó el diseño de audio de las puestas en escena como El hombre de la Mancha (ganador del Mejor diseño de audio de los premios Metro 2018) Hello Dolly!, Agonía y éxtasis de Steve Jobs, Bule bule, Hairspray, Scooby Doo, La estética del crimen, Los últimos 5 años, , Privacidad, Canciones para un mundo nuevo, La sociedad de los poetas muertos, Sasha y Spot, La tía Mariela, El canto de la rebelión, Distroller el miusikul, A los 13, Suertudotas, Sugar y Juan y la muerte.

Su trabajo más reciente, incluye la puesta en escena Blindness, montaje del cual uno de los puntos más alabados es, precisamente, el del audio.

Aquí sus palabras

El diseño sonoro de Sola en la Oscuridad está conformado por dos partes. Por un lado el diseño de audio que abarca todo lo que se refiere a los componentes electrónicos que estamos utilizando como: altavoces, micrófonos y su colocación, ajuste y optimización del sistema, programación de consola y software de reproducción.

Teniendo todas estas herramientas la mezcla de sonidos que provienen del escenario y altavoces en sala, tiene que tener un cuidado especial, para lograr un sonido lo más natural posible pero que, a la vez, tenga el impacto que requieren algunas escenas de Sola en la oscuridad.

Queremos crear una experiencia auditiva que sin que el público se dé cuenta, poco a poco esté inmerso en la trama de la obra, utilizando recursos audibles que lo estimulen y lo lleven a sentir un poco de lo que están viviendo los personajes.

Foto: Mike Jiménez, diseñador asociado

 Por otro lado, el diseño sonoro se refiere a todos los ambientes, efectos de sonido y música original incidental que he creado junto con mi hermano, diseñador sonoro asociado, Mike Jiménez.

La importancia del sonido en la obra radica en que podemos dibujar la tensión en el aire por medio de la música, dándole al tiempo cualidades como densidad y suspensión a partir de la audición. Hemos buscado acompañar y comentar la trama de Sola en la Oscuridad por medio de universos sonoros aparentemente distantes, como orquestaciones con cuerdas o sintetizadores que en unidad con el resto de los componentes de la escena confluyan hacia un mismo destino, que es contar esta historia con la mayor cantidad de drama que radica potencialmente en el texto.

Algunas de las herramientas musicales utilizadas en este diseño son tomadas de la composición minimalista, que rige su movimiento con base en dosis repetitivas de sonido para que el escucha establezca una familiaridad en lo que percibe y, una vez que se genera esa complicidad, el compositor puede decidir hacia dónde dirigir la atención auditiva: seguir alimentando la sensación de seguridad o desequilibrarla haciendo aparecer un cambio armónico, un nuevo instrumento o el silencio inesperado.

Si bien la historia se lleva a cabo a finales de los años 50`s, hemos decidido mezclar sonidos viejos con algunos sintetizadores modernos para poder sorprender a cualquier público que vaya a disfrutar la obra al Teatro México.

Es un placer estar colaborando en esta producción y agradezco la invitación de Morris Gilbert.

Por Miguel Jiménez, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

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A partir del 26 de noviembre podrás disfrutar de la nueva propuesta escénica dirigida por Miguel Septién, Visitando al Sr. Green. En la obra, escrita por Jeff Barón, conoceremos la relación entre un joven inmerso en sus ajetreadas ocupaciones laborales y un suspicaz anciano un poco irascible.

Acerca de esta nueva propuesta, Septién (The Pillowman, Ciudad Luminosa) nos habla sobre lo que podremos encontrar en escena.

“Se trata de una obra que se hizo aproximadamente hace 15 años, originalmente fue producida por Morris Gilbert. Es una obra que no tenía idea de que fuera tan querida por el público mexicano, pues hemos recibido varios mensajes de personas que la han visto con anterioridad, quienes nos han compartido sus ganas de ver esta nueva adaptación. Son mensajes que nos alegran, pero también nos hacen sentir un poco de presión por los sentimientos fuertes que la gente ya tiene con la historia”.

Y agrega: “Lo que estamos intentando hacer con esta nueva versión es una sintetización escénica de lo que la obra realmente significa, puede hacerse de forma muy realista, es una obra costumbrista en el espacio que pide para que se desarrolle el argumento. Mi interés era destilar los elementos esenciales que son necesarios para contar la historia y crear una propuesta altamente teatral, altamente sintetizada y limpia que permita a toda la gente enfocarse en la relación que se genera entre los dos personajes que mueven la trama”.

El director recibió la propuesta de los productores Sergio Mingramm y Alejandro Bracho para realizar esta versión nueva de la obra. Miguel trabajará con los actores José Ramón Berganza y Alberto Lomnitz, con éste último hace poco trabajó en Ciudad Luminosa.

“El público que no está familiarizado con la historia no se la puede perder, porque tiene valores que necesitamos recordar y recalcar mucho en este momento que vivimos. Es un texto que habla mucho sobre la otredad y nuestra forma de relacionarnos, permitiendo descubrir las barreras individuales que impiden abrirse a entender la experiencia que otra persona puede estar viviendo, eso es algo extremadamente necesario hoy y siempre”, añade.

Para el director contar historias Visitando al Sr. Green representa una gran oportunidad para recordar a las personas cómo el teatro puede jugar de diversas maneras, diferenciándose del cine, la televisión y otras fuentes de entretenimiento, debido a que, desde su perspectiva, el teatro sigue siendo el principal espacio para vivir los rituales que invitan a la convivencia, la interacción de ideas, la reflexión y la autocrítica.

Por último, Miguel Septién comparte  las reflexiones que tuvo al trabajar en un contexto hostil para los espectáculos escénicos derivado de la pandemia. En este sentido,  declara: “Llevaba una racha de aproximadamente 10 años sin parar de trabajar, donde descuide muchos aspectos personales y de salud que deberían ser prioritarios”.

Y agrega: “La manera en la que hacemos teatro en México tiene muchísimas ventajas, existe talento para aventar por la ventana. Sin embargo, solemos depender de procesos vertiginosos, armar cosas en periodos cortos y de alta presión, Creo que lo que me deja este periodo obligado y largo de descanso que tuvimos fue que hay cosas que deben ser prioridad, nuestra salud en todos los sentidos y nuestra paz, es algo por lo que siempre debemos abogar para nosotros mismos y más aún cuando somos cabezas de proyecto, abogando también por la salud de nuestro equipo de trabajo”.

Visitando al Sr. Green se presentará a partir del 26 de noviembre en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía PinPoint

La 41 Muestra Nacional de Teatro arranca sus actividades a partir de este jueves 25 de noviembre en diferentes sedes de la Ciudad de México y el estado de Morelos.

La convocatoria recibió 265 proyectos de puestas en escena de formato presencial, 42 puestas en escena virtuales y 62 propuestas de creaciones escénico-digitales, una gran cantidad fue de obras a cargo de un sólo actor o actriz. Las seleccionadas para la Muestra provienen de Jalisco, Nuevo León, Morelos y la Ciudad de México.

Las obras se presentarán en el Teatro El Granero, Xavier Rojas, Teatro Orientación y la Sala Xavier Villaurrutia, del Centro Cultural del Bosque, en la Ciudad de México; y una de ellas se transmitirá por la página web de la Muestra https://mnt.inba.gob.mx y sus redes sociales Facebook e Instagram /muestranacionaldeteatro y en Twitter: @MNTeatro; así como en las de la Coordinación Nacional de Teatro y del INBAL.

La obra inaugural será Un acto de comunión, del dramaturgo argentino Lautaro Vilo, interpretada por Antón Araiza, bajo la dirección de Julio César Luna. El autor tomó la noticia del “caníbal de Rotemburgo”, acontecida en Alemania en 2001. Se escenificará el viernes 26 y sábado 27 de noviembre, a las 19:00 horas, en el Teatro El Granero, Xavier Rojas.

Por su parte, el Colectivo Teatral Cactus, de Morelos, presentará El mar de papel, de Luis Aldama, dirigido por Sixto Castro Santillán, con la actuacipon del actor Luis Vegas, quien interpreta a un hombre que después de tomarse un año sabático es obligado por su padre a trabajar en una oficina, lo cual lo aleja de su más grande anhelo: navegar en el mar. La obra estará en el Teatro Orientación el domingo 28 de noviembre, a las 18:00 horas.

A continuación llegará Otto, dirigida por Isabel Romero y Alejandro Velis, el autor Oscar Serrano Cotán interpretará a un apasionado de la ópera que, cansado de la vida que tiene, decide construir un mundo en el cual, a través de juguetes y monigotes, realiza sus más oscuras fantasías. Con funciones en la Sala Xavier Villaurrutia el domingo 28 de noviembre a las 19:00 horas y el lunes 29 de noviembre a las 20:30 horas.

Imagina Producciones, de Jalisco, presentará La fila india, basada en la novela de Antonio Ortuño, una historia apasionante, a medio paso de la novela negra y con la mirada de un autor que registra cómo se descomponen las relaciones entre un individuo cualquiera y el país en que vive. Se presentará en la Sala Xavier Villaurrutia el martes 30 de noviembre y miércoles 1 de diciembre, a las 19:00 horas.

La actriz Verónica Langer presentará Detrás de mí la noche, escrita en coautoría con Noé Morales Muñoz, en la que compartirá el origen de su familia con los asistentes a la Sala Xavier Villaurrutia, el jueves 2 y viernes 3 de diciembre, a las 19:00 horas; y el sábado 4 de diciembre, a las 18:00 horas.

Nuevo León estará representado con la obra, El negro es la ausencia de luz (o de cómo llenar el vacío), de la autoría y dirección de Emanuel Anguiano, con la interpretación de Morena González, en el cual se aborda el tema del “apariencismo”, ya que la discriminación basada en el color de piel es un problema real en México. Se transmitirá el lunes 29 de noviembre a las 20:00 horas.

Consulta la programación completa de la #41MNT en la página: https://mnt.inba.gob.mx

Con información del INBA, Fotos: Yokabed Canizales y Cortesía Antón Araiza

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Es bien sabido que el teatro es una gran herramienta educativa, pues ayuda a los pequeños a desarrollar su imaginación y creatividad, incluso sus capacidades motoras, así que ya los sabes, es momento de llevar a los reyes del hogar a disfrutar de la magia que el teatro nos brinda.

Las obras infantiles a menudo abordan temas como el amor, la aceptación, la amistad y el respeto, valores que son incentivados en los menores, a través de increíbles historias que son plasmadas en escena, que invitan al juego y la reflexión no sólo a los niños y niñas, también a los adultos que los acompañan.

Aquí te dejamos un listado con las 5 obras más populares durante el mes de noviembre:

5. La sirenita musical. Esta versión musical del cuento de Hans Christian Andersen, nos invita a sumergirnos en la historia de Ariel, una princesa que desea cumplir su más grande ilusión, conocer a los humanos. Disfruta de esta aventura acuática en compañía de marionetas y juegos de luces fluorescentes. Cuenta con funciones los sábados en el Teatro Tepeyac.

4. La liebre y la tortuga. Este es el espectáculo infantil más reciente del también compositor, David Tort. Está basada en la clásica fábula de Esopo, donde una liebre y una tortuga siempre discuten sobre quién es más rápida. Esta divertida adaptación incorpora canciones que serán del deleite de los pequeños. La obra se presenta los sábados en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde.

3. La peor señora del mundo. El texto escrito por Francisco Hinojosa y adaptado magistralmente por Martha Torres es una emotiva invitación a los pequeños a adentrarse en el mundo de la literatura, a través de la historia de dos amigas inseparables que encuentran en un baúl el cuento y sin percatarse el personaje cobra vida y las obliga a representar su historia. Se presenta los domingos hasta el 31 de octubre en La Teatrería.

2. El mago de oz el musical. A cargo de Alejandro Medina Producciones, esta divertida propuesta invita a viajar a chicos y grandes al mágico mundo de Oz, y vivir una gran aventura en compañía de Dorothy y su mascota, Totó y los singulares e inadaptados personajes que se une irán en el camino y juntos vencerán los obstáculos para llegar a Ciudad Esmeralda y conocer la gran mago. Ofrece funciones los sábados en el Teatro Tepeyac.

1. Un cuento de Navidad. El señor Scrooge. El clásico navideño regresa una vez más a los escenarios en esta adaptación que nos invita a buscar la felicidad y hacer el bien al prójimo. Se trata de una propuesta que combina música, canciones originales, un increíble vestuario, efectos especiales y sobre todo, la magia de la Navidad. La obra ofrece funciones sábados y domingos en el Teatro Tepeyac.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Consulta otras opciones de la cartelera infantil, aquí.

Estamos a casi un mes de concluir este año, sin embargo, la cartelera no deja de sorprendernos, es así que hemos podido ver grandes estrenos como Aladdín y esperados reestrenos como La obra que sale mal.

Durante noviembre y comienzos de diciembre, la comedia y el drama se apoderan de las marquesinas nacionales con diversas producciones que hablan desde la sexualidad en nuestro días, pasando por hilarantes situaciones en una estética, hasta historias que nos hacen reflexionar sobre nuestra niñez.

Echa un vistazo a estas obras que ya estrenaron temporada y otras que están por llegar a las salas, ¡El teatro nos espera para vivir momentos únicos e irrepetibles!

Cosas raras. De la pluma de LEGOM, nos muestra una obra emotiva que toca temas como el abandono, la pérdida familiar y aquellos eventos que nos cambian para siempre y nos hacen crecer. La obra se presenta los viernes y sábado en el Foro Shakespeare.

Blue Room. Una obra que explora y cuestiona los comportamientos sexuales y eróticos, a través de distintos personajes de diversos estratos sociales, que invitan a dejarnos llevar por la curiosidad, y tal vez, un poco de morbo. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro Virginia Fábregas.

Lavar, Peinar y Enterrar. Este divertida comedia de humor negro se presenta en un espacio totalmente inesperado, una estética en la Colonia Roma, donde un secuestro y algunos cádaveres nos pondrán la piel de gallina, con esta historia que llega desde España con un elenco sin igual. Se presenta en el Salón D’Paula con funciones sábados y domingos.

Nombres de combate. Basada en la historia de familiar de su autor, la obra se sitúa en la época de las dictaduras militares en Argentina, especialmente entre los años 70 y 80, y ofrece al espectadores saltos de tiempo, va del pasado al presente, para contarnos qué fue de esta familia que decidió dejar el exilio en México y regresar a su natal Argentina. La obra se presenta martes y miércoles en el Foro La Gruta.

Visitando al Sr. Green. Desde su estreno ha sido una obra que ha cosechado grandes éxitos para sus protagonistas, a través del encuentro de un joven ejecutivo absorto en el trabajo y un hombre de la tercera edad un poco cascarrabias. Se trata de una historia profunda y conmovedora acerca de la amistad, la familia, y el perdón. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro Milán.

Por Itaí Cruz, Foto: Cartelera de Teatro y  Cortesía Helénico 

A una semana del gran estreno de Sola en la oscuridad, en esta entrada conoceremos la labor de Francisco Escárcega, responsable de la producción ejecutiva del montaje que llega al Teatro México del Centro Teatral Manolo Fábregas, el próximo 2 de diciembre.

Escárcega es licenciado en Comunicación por la Universidad Intercontinental, lleva más de una década en la industria del entretenimiento, especializándose en la producción y coordinación teatral. Comenzó su carrera en producción en Orange Producers y The Coca Cola Company México.

Se incorpora a las filas de Mejor Teatro en el 2010, donde ha sido Productor Ejecutivo y Supervisor de Producción de proyectos como: Canciones desde una cama sin tender, Sexy Laundry, Los Bonobos, Idiota, Los monólogos de la vagina, Vaselina, El hombre de la Mancha y Hello Dolly! Fue responsable por mas de 10 años de Mentiras el musical, y realizó la producción de su décimo aniversarios en el Auditorio Nacional, su concierto y disco sinfónico. Fue coordinador y tour manager de la gira de Mentiras y El Hombre de La Mancha. Simultáneamente ha producido independientemente puestas como Sylvia en La Teatreria e impartido cursos y clases en diferentes instituciones.

Aquí sus palabras

La producción ejecutiva en el teatro es uno de los puestos más ambiguos y amplios de nuestra industria, hoy después de más de 12 años de hacerlo sigo aprendiendo y conociendo las aristas de esta maravillosa labor.

Un productor ejecutivo en el teatro es una extensión de la labor del productor, es el responsable de que todas las piezas estén en su lugar para que la magia suceda; desde conocer el texto y participar el proceso de selección del texto, pasando por la selección (siempre junto con el productor) de posibles candidatos para formar un equipo creativo sólido, hacer equipo con el director para tener el mejor reparto, consolidar un poderoso equipo técnico y de producción. Todo esto en medio del caos de contrataciones, compras, presupuestos, nóminas, llamados de prensa y, ¿por qué no?, largas horas de terapias psicológicas con algunos de los involucrados.

Este proyecto específicamente ha sido un parteaguas de mi carrera en la producción teatral, como cada uno de los que inicio. En esta ocasión me toca trabajar hombro con hombro con el gran Enrique Singer, uno de los estandartes del teatro de nuestro país, me toca repetir con la poderosa Itatí Cantoral, trabajar con dos divertidas niñas y comenzar a hacer familia con esta hermosa compañía de talentosos actores y actrices. Todo esto de la mano, haciendo equipo, con un espectacular equipo de producción.

Después de 12 años de trabajar en este teatro rodeado de música y luces neón, estoy seguro que este misterioso y sombrío proyecto era lo que mi vida teatral necesitaba para seguir su curso, me hace muy feliz ver los resultados finales de este proyecto que muy pronto recibirá su primer aplauso .

Sola en la oscuridad es un proyecto que está cuidado desde cada una de sus esquinas y es una nomenclatura perfecta para ser un inmenso éxito de las marquesinas de nuestra ciudad.

Por Francisco Escárcega, Fotos: Mejor Teatro

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Si piensas que por ser una obra que maneja un humor blanco y simple, no te vas a divertir, es porque aún no conoces La obra que sale mal, que está de regreso en los escenarios para provocarnos empachos de alegría, gracias a las divertidas ocurrencias y equívocos de los actores.

En la trama un grupo de actores de la Universidad Tecnológica de Tlalpan harán hasta lo imposible por representar la obra, Asesinato en la mansión Haversham, sin embargo, todo termina saliendo mal, haciendo honor a su nombre.

En esta temporada la obra se presenta en el Teatro Insurgentes con las increíbles actuaciones de Luis Rodríguez “Guana”, Daniel Haddad, Artús Chávez, Ari Albarrán, Iván Carbajal, Juan Carlos Medellín, Majo Perez, Daniel Bretón, Daniel Ortíz, Ana Sofía Gatica, Alex Gesso, Alondra Hidalgo, Yuriria Del Valle, Ricardo Maza y Jose Dammert.

Aquí te contamos sobre 5 datos que tal vez no conocías acerca de LOQSM:

1. Fue escrita por Henry Lewis, Jonathan Sayer, Henry Shields cuando aún eran estudiantes en Edimburgo, los jóvenes le pidieron a su maestro Mark Bell que los dirigiera, y se convirtió en todo un éxito en su ciudad.

2. La obra escaló desde Edimburgo, capital de Escocia en el Reino Unido, donde fue ganadora del Premio Olivier a la mejor comedia en 2015 y llegó en 2017 a la Gran Manzana, recibiendo el reconocimiento como mejor obra Broadway Audience Choice Awarden y mejor escenografía en los Tony Awards.

3. Desde su estreno en West End, es una de las comedias más valoradas tanto por el público como por la crítica, gracias a su mezcla perfecta entre Monty Python y Sherlock Holmes.

4. Se ha representado en más de 30 países, incluyendo Argentina, Guatemala, España y durante dos temporadas consecutivas fue la comedia más taquillera de Broadway.

5. En nuestro país, la obra se estrenó en 2018 en el Teatro Helénico, fue dirigida por el propio Mark Bell y contó con un elenco espectacular que incluyó a Irene Azuela (fue alumna de Bell), Juan Carlos Medellín, Artús Chávez, Ari Albarrán, Ana Sofía Gatica y Daniel Bretón, algunos de ellos se presentan en la nueva temporada.

Consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía PinPoint

La noche de ayer se llevó a cabo el estreno de la obra de teatro escrita por Jeff Barón, la nueva puesta en escena dirigida por Miguel Septién bajo la producción de TOCA Teatro y Alejandro Bracho, con las actuaciones de Alberto Lomnitz y José Ramón Berganza.

Como padrino de esta producción se contó con la presencia del reconocido intérprete Edgar Vivar quien expresó su incontenible alegría por ver como los espectáculos presenciales comienzan a tener mayor movimiento nuevamente, resaltando la magia que se genera al interior de los teatros con cada presentación de los múltiples profesionales del quehacer escénico.

“Hoy estamos de fiesta, después de esta dolorosa y terrible situación que hemos vivido, por fin los teatros comienzan a generar nueva energía con tanto talento reunido esta noche, los felicito de corazón, es una historia conmovedora con actuaciones de primera”, declaro.

Minutos antes de la función, el director de la puesta, aseguro: “Me parece que la obra refleja un acto de amor muy conmovedor a través de la relación que se genera entre sus dos personajes, quienes encuentran la manera de pararse en un terreno común a pesar de lo diferentes que parecieran ser para escucharse y reconocerse”.

Visitando al Sr. Green narra la historia de Ross Gardiner, un joven ejecutivo que al manejar en la caótica ciudad de Nueva York, sin querer, casi atropella a un malhumorado anciano, el Sr. Green. El gobierno en vez de multar a Ross decide que tendrá que visitar todos los jueves al Sr. Green como servicio comunitario. El tiempo pasa y lo que parecen ser dos seres completamente diferentes, en realidad son más parecidos de lo que creen.

Visitando al Sr. Green se presentará a partir del 26 de noviembre en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La forma en que nos relacionamos a través del sexo nos transforma, los pequeños momentos de intimidad absoluta que compartimos junto a otra persona en periodos cortos de entrega nos resignifican, enferman e incluso obsesionan.

¿Es el deseo carnal y la inmediatez del placer una evasión para la comprensión de nuestro verdadero ser? ¿Qué es tan insoportable de ver al apagar la luz y experimentar nuestra propia soledad? ¿Necesitamos la fugacidad de los amores fáciles con extraños para huir de nosotros y fingir una vida plena y de libre albedrío?

Todos estos cuestionamientos son abordados en Blue Room, la nueva propuesta escénica dirigida por Diego Del Río. Una historia que expone las formas de relacionarlos unos con otros a través de la sexualidad, patrones de comportamiento que repetimos desde hace más de un siglo.

Por ser una propuesta irreverente, dinámica y estar cargada de referencias actuales, a continuación te presentamos 3 razones para ver esta puesta en escena.

1- La vigencia del texto. Blue Room es una reinterpretación de la obra La Ronda (Reigen), del dramaturgo austriaco Arthur Schnitzler, publicada en 1900. Se trata de un estudio sobre la ideología moral y de clase de su época a través de una serie de parejas de personajes que se muestran justo antes o después de un encuentro amoroso. Al elegir personajes de todos los estratos sociales, la obra supone un análisis social de cómo el sexo transgrede las normas sociales de clase.

2- El elenco. La obra cuenta con las actuaciones de Zuria Vega, Naian González Norvind, Pierre Louis y Alfredo Gatica, a quienes veremos interpretar dos parejas diferentes durante la temporada, debido a que no alternan personajes. En escena cada actor se adentra a los claroscuros de las relaciones personales durante la interacción sexual.

3- La escenografía. La obra se desarrolla dentro de una dinámica habitación azul, donde podemos apreciar desde distintos ángulos, los momentos de furor, entrega, pasión y soledad que los protagonistas ofrecen al espectador.

Así que ya lo sabes, estas son algunas de las razones por las cuales no puedes perderte de esta fresca y versátil propuesta escénica, con funciones de viernes a domingo en el Teatro Virginia Fábregas, ubicado en Velázquez de León 29, Col. San Rafael, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Diego Del Río

A raíz de su éxito con las presentaciones de sus espectáculos en formato virtual desde hace un año, la reconocida actriz Susana Alexander se ha colocado como un referente de versatilidad en la presentación de shows teatrales vía streaming en nuestro país. Las dos alegres consuegras ofrecerá una nueva presentación este 4 de diciembre.

Durante este periodo, la intérprete asegura haber aprendido los diferentes procesos que requiere ofrecer una propuesta digital de calidad por lo cual se ha asociado con tres diferentes casas productoras que se han encargado de la parte técnica de cada show, quienes también han permitido que su público tenga un acceso más sencillo a sus contenidos.

“Cada vez hemos ido mejorando más, un vídeo tras otro, por mi parte en la comprensión de estas tecnologías y también el resto del equipo que se ha ido adecuando con más equipo de grabación con el objetivo de provocar en el público risas y alegría”, asegura.

En esta ocasión, la actriz presenta Las dos alegres consuegras, un espectáculo que relata la relación de Sarita, interpretada por ella, quien se auto-invita a tomar un café, a casa de su consuegra Rosita (Silvia Káter). Lo que parece ser una reunión un poco forzada y áspera, que comienza por el reclamo de unos toppers se transforma en una plática llena de carcajadas y confesiones atrevidas al paso de los cócteles.

“Este 4 de diciembre cierro el año presentando la comedia vía streaming con la que lo inicié,  una historia que desarrollamos en el escenario sin tener libreto mi talentosa compañera Silvia Káter y yo. Es un concepto muy padre, el público que ha tenido oportunidad de verla con anterioridad siempre me comparte comentarios muy positivos, me dicen que les encantó que los hicimos reír con locura, y es que es justamente ese nuestro objetivo, brindar un momento agradable de pura diversión donde el espectador pueda reír y olvidarse de tanta negatividad que vivimos diariamente”, declara.

Y agrega: “En esta ocasión decidí que la obra fuera clasificada como una comedia para adultos mayores, no porque yo dijera cosas obscenas en escena, sino porque abordó temas que retomo desde mis propias experiencias a esta edad, mismos que el personaje que interpretó desmenuza a su antojo a través de la borrachera que se pone junto con su comadre, porque los niños y los borrachos siempre dicen la verdad, entonces es el pretexto perfecto para contar cosas íntimas”.

Cabe destacar que Viaje al corazón de las palabras, Las dos alegres consuegras, Aquí estoy amor, Bendita menopausia y La noche de Romeo, son algunos de los espectáculos digitales en los que más de 10 mil personas en distintas latitudes han disfrutado del talento de la actriz desde la comodidad de sus hogares, refrendado así su éxito en el streaming.

Las dos alegres consuegras se presenta el 4 de diciembre en la plataforma virtual de Boletia, y estará disponible por 48 horas, consulta más información, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Manojo de Ideas

Este jueves 2 de diciembre llega a los escenarios, Sola en la oscuridad, propuesta que buscará llevar a los espectadores por un vaivén de emociones, a través de una historia impregnada de misterio, intriga, secretos y traiciones, protagonizada por la reconocida actriz Itatí Cantoral.

Esta semana toca el turno de conocer el proceso creativo detrás del diseño de vestuario, tarea que estuvo a cargo de Estela Fagoaga, quien cuenta con una Maestría en Moda y Mercadotecnia en la Universidad Anáhuac.

Estela es diseñadora de Modas egresada de Jannette Klein Fashion Design School y tiene una especialidad en diseño textil por la Escuela de Diseño del INBA. Formó parte de la Compañía Nacional de Teatro, coordinando el vestuario de 43 puestas en escena.

Entre sus trabajos más destacados se encuentran Hello Dolly!, Ghost la sombra del amor, Billy Elliot, Éramos tres hermanas, Otello, El vestidor, Niños chocolate, Noche de reyes, La comedia de las equivocaciones, El atentado, El diccionario, La expulsión, La dama boba, El corazón de la materia, Tío Vania, Pasión, El mercader de Venecia, La tequilera, La divina Ilusión, Buenas personas, Seminar, A 8 columnas, La tía Mariela y Titus.

Aquí sus palabras

Hablar del diseño de vestuario de una obra de teatro es referirse a tres puntos de partida que se interrelacionan y que hay que considerar a profundidad.

Antes que nada: lo que la historia pida, esto es de qué trata, en qué época está ubicada, qué plantea el autor. Por lo que hay que leer muchas veces para entenderla a profundidad.

En segundo lugar el montaje mismo, con el equipo creativo, empezando por el director; es él quien marca la pauta para el trabajo de todos los demás, y que siempre debemos estar coordinados. No por nada se habla de equipo creativo. Los colores, formas, diseños del vestuario que yo haga tienen que estar en conjunción con los del escenógrafo, el iluminador, el maquillaje… ¡todo!

No se trata de competir para que lo que tú haces destaque sobre el resto, sino de complementar, de construir un todo armónico, que sirva a la obra.

Y finalmente, el tercer elemento, es el elenco. No puedo diseñar en abstracto, sino en función de cada uno de los actores: su cuerpo, su cara, su estatura, su color de piel, su complexión…

Por ello, diseñar un vestuario es un proceso que arranca con una investigación, y se va construyendo paso a paso, tomando en cuenta los tres pilares anteriores.

En el caso de Sola en la oscuridad ha sido un proyecto fascinante porque siempre me emociona mucho sumergirme en una época distinta a la que vivimos. Aquí estamos hablando de finales de los años 50 y principios de los 60, en Nueva York. Una etapa de grandes cambios en el pensamiento, la vida cotidiana y que evidentemente se reflejan en la moda.

Habían pasado apenas unos cuantos lustros del fin de la II Guerra mundial, y Estados Unidos estaba volviendo a la normalidad, pero con sus valores trastocados y se estaban construyendo unos nuevos. Por ejemplo, hasta entonces la ropa había sido mucho más formal, especialmente para los hombres, y en aquellos años comenzaron a permitirse ciertas libertades que antes hubieran sido inimaginables.

Para lograr estos diseños he tenido la suerte de que hay miles y miles de imágenes en la red, que he podido consultar, estudiar, analizar y de ahí salen cada una de las prendas que se ven en escena.

Algunas, pocas (por ejemplo: las calcetas que usan las niñas) las he podido comprar. Las encontré en una bonetería del centro. ¡Y me llevé todas las que había!

Otras piezas, por ejemplo el vestido de la protagonista, tuvimos que generar nosotros el estampado, con serigrafía, porque esos colores y diseños ya no existen en el mercado.

Así, cada uno de los trajes, tiene su propia historia, que para mí es fascinante, y que me hace seguir enamorada de esta actividad tan rica y tan de conjunto que es ayudar a nacer una obra de teatro.

¡Vengan a disfrutarla!

Por Estela Fagoaga, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

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En la actualidad existen diversos movimientos sociales que buscan un cambio y la transformación de las injusticias a través de la información y la visibilización de distintas realidades, en el teatro dichas corrientes son expuestas y presentadas al público con el fin de generar reflexión e incentivar la conversación.

Orgullo de Alexi Kaye Campbell bajo la dirección de Angélica Rogel ofrece una historia que busca invitar al espectador a conectar con sus verdaderos instintos, explorar y encontrar ese lugar para ser feliz y luchar por él al exigir respeto.

Al respecto, la directora de teatro comparte: “Gran parte de esta vida tiene que ver con la sexualidad, tanto con nuestra identidad, gustos y preferencias, el primer montaje que hice se llamaba Placer y dolor y se trataba de una mujer que tenía muy poca cercanía con su sexualidad y con su identidad, la historia mostraba cómo iba descubriéndose a medida de las fantasías que va creando en su mente, entonces hablar de estos temas en el teatro es indispensable porque estamos visibilizando un fragmento de nuestra humanidad. Yo no podría imaginar el teatro sin estas ramas temáticas dentro de él”.

Y agrega: “Los escenarios se están llenando cada vez más con estas tramas. Sin ir más lejos, Corazón gordito la obra ganadora en los Premios Metropolitanos, del dramaturgo Saúl Enríquez, hablaba de una familia integrada por una mamá y sus dos hijas, una de ellas violentada sexualmente de pequeña. Estas historias nos ofrecen la oportunidad de construirnos y evitar continuar repitiendo patrones de comportamiento machistas dentro de un contexto bajo el yugo del patriarcado”.

De acuerdo con la directora, el brindar una visión de distintas realidades en escena representa un punto de encuentro crucial para el intercambio de ideas, generando un movimiento hacia el cambio. “Es necesario decir ‘sé lo que quieras, elige la pareja que quieras, haz lo que te haga sentir bien y respeta lo que esté eligiendo la otra persona”, asegura.

“En este sentido, el teatro siempre está alimentándose de lo que ocurre socialmente, entonces por eso podemos ver que existe un amplio porcentaje de propuestas escénicas que tocan estos temas actualmente y eso es propicio para establecer un canal de comunicación con el espectador y a nosotros nos interesa decirle vamos a transformarnos en mejores personas, respetémonos a pesar de toda la adversidad que existe”, expresa.

Angélica asegura que Orgullo es una obra atractiva desde el texto, porque retrata una realidad actual desde el pasado y expone como era señalada la unión amorosa de dos hombres, algo mal visto en su contexto, clasificándose como una desviación, pensamientos que hasta la fecha perduran. “Basta observar las escalofriantes terapias de conversión, estamos a más de cincuenta años de distancia y hoy en día todavía existen personas a las que les aberra una relación homosexual”, señala.

“El orgullo viene de conocerte, valorarte y aceptarte tal cual eres, con la posibilidad de encontrarte en el camino gente tóxica que por su ignorancia continúa repitiendo estos patrones heteronormativos, pero en estos casos son ellos los que tendrán que aguantarse y respetar los derechos de los demás”.

Y agrega: “Debemos ver y sobre todo aceptar que la sociedad es múltiple y que los colores son muchos, entonces trabajamos mucho desde ese lugar en pensar qué es el respeto, cómo nace, cómo es sentirse orgulloso de ser quien eres y cómo compartirlo con los demás. Nosotros somos personas a las que nos interesa mucho hablar de estos cuestionamientos con el fin de invitar al espectador a sentirse cómodo en su propia piel y seguro en el lugar en el que se encuentre”, concluye.

La puesta en escena ofrecerá funciones a partir del 1 de diciembre de miércoles a domingo en el Foro Lucerna del Teatro Milán, para conocer horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, a través de la Dirección del Sistema de Teatros, a través de la Dirección del Sistema de Teatros, anuncia la reapertura del Foro A Poco No, recinto que detuvo sus actividades debido a la emergencia sanitaria desde abril de 2020.

Después de un año y siete meses, reabre sus puertas el espacio íntimo que ha desarrollado, en sus doce años de vida, una vocación hacia el cabaret y los espectáculos de pequeño formato.

Durante el mes de diciembre el foro ofrecerá de manera gratuita una amplia variedad de espectáculos que representan las posibilidades que tiene este recinto.

Las actividades comienzan este viernes 3 de diciembre con la obra, Peer Gynt, autoría de Henrik Ibsen con música Edward Grieg, bajo la dirección de Gabriela Kraemer. A cargo de la agrupación Marionetitlan, la puesta incluye el uso de técnicas de teatro de objetos para ofrecer la historia de un joven que tiene que enfrentarse a sí mismo.

Mientras que el sábado 4 se presentarán dos propuestas: La primera ofrecerá función a las 13:00 horas, El mojado, a cargo de Jorge Domínguez, sobre un hombre que cruza la frontera en busca del sueño americano, sin embargo se topa con una realidad adversa. A las 19:00 horas llegará El Retablo de las Maravillas, un mosaico de imágenes y escenas representativas del Siglo de Oro Español. La música, el teatro y la poesía toman el escenario en la propuesta del Ensamble Áureo de la Asociación Teatral Juana de Asbaje (ATJA).

Los domingo 5 y 11 de diciembre a las 18:00 horas, se escenificará, Benito y Wataru, autoría y dirección de Ana Luisa Alfaro, la cual presenta a dos maestros del arte de contar historias, quienes lucharán con sus palabras para vencer a su contrincante y ganar el aplauso del público.

El sábado 11 de diciembre el recinto albergará la pieza coreográfica, Variaciones. La expresión de una realidad circundante, la cual se interna en la necesidad colectiva de expresar las formas cotidianas de la violencia en nuestra sociedad. Ese mismo día pero a las 19:00 horas (y el domingo 12 a las 13:00 horas) se presentará, El buen juez por su casa empieza, de Parafernalia Teatro, que muestra el desconsuelo del mejor juez del país al saber que la realidad política ha cambiado.

Los días 18 y 19 de diciembre a las 13:00 horas se contará con la música de A Love Electric, agrupación que mezcla diferentes géneros para crear una interesante propuesta sonora.

Para concluir, el sábado 18 de diciembre a las 19:00 horas y el domingo 19 de diciembre a las 18:00 horas,  se presentará De Azteca a Mexica-no, puesta multidisciplinaria en la cual se indaga en la historia de un viajero que se atreve a cuestionar su propio futuro.

Cabe señalar que en esta reapertura, destaca, como parte de las acciones para revitalizar la calle en la cual se encuentra el Foro A Poco No, la inauguración el viernes 3 de diciembre de una intervención a la fachada del recinto por parte de los artistas urbanos David Alvizo Cárdenas, Oswaldo Ernesto García Ramírez, David Genaro Ramírez Martínez, Ricardo Alfonso Santiago Sandoval y Brian Martín Montoya Espinosa, integrantes del programa Entre Barrios y Pueblos. Cultura Comunitaria Ciudad de México de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, quienes realizaron un mural con la técnica de graffiti en el cual plasman sus aproximaciones a temáticas tanto escénicas como de la actualidad.

Con información de la Secretaría de Cultura capitalina, Foto: Cartel oficial

Desde el 1 de diciembre de 1988, esta enfermedad ha cobrado la vida de más de 25 millones de personas en el planeta, lo que la coloca como una de las epidemias más destructivas registradas en la historia.

En conmemoración del Día Mundial de la Lucha contra el Sida, en Cartelera de Teatro te presentamos 4 propuestas teatrales que retratan el tema y sus distintas problemáticas, mismas que brindan al espectador un panorama general y específico de las circunstancias que enfrenta una persona seropositiva.

1- FIERCE/Fiera. La obra está inspirada en testimonios de seres comunes que viven experiencias trascendentales alterando su perspectiva de lo que es amar y lo que significa la vida. Una mujer seropositiva, un bailarín dedicado al arte del voguing, una drag queen, un adolescente inmerso en las redes sociales, donde los actores y el público navegan en múltiples interrogantes ante los miedos, alegrías, la desesperación y  desesperanza que enfrenta una persona infectada.

2- Solo en el fin del mundo. La historia es protagonizada por Louis, un joven escritor homosexual quien después de 12 años de ausencia regresa al pueblo donde nació para reencontrase con su familia, descubriendo personas completamente ajenas a él a través de la furia presente en los claroscuros de los recuerdos y los finales no resueltos. Aunque Louis únicamente tiene la intención de anunciar que está muy enfermo y que va a morir de forma inminente, su llegada provocará el resurgimiento de rencores del pasado y de tensiones familiares latentes. Bajo esta premisa son expuestas las relaciones familiares al interior de la dinámica de un hogar, así como un retrato profundo sobre el padecer de una persona que vive con el virus.

3- Junio en el 93. Este montaje muestra una serie de relatos sobre el amor, el sufrimiento, el gozo y el arte como herramienta de sobrevivencia ante la adversidad. Es un ejercicio de memoria acerca de sucesos relacionados con el teatro y la crisis de salud producto de la epidemia. En 1993 un director de teatro convoca a un grupo de artistas escénicos para realizar un retiro en la ciudad de Xalapa, todo con el fin de dar pie a un proceso de investigación que se materializará en un montaje basado en la vida y obra de  uno de los más destacados escritores japoneses del siglo XX, Yukio Mishima.

4- Los chicos de la banda. Obra ganadora del Premio Tony 2019. Ubicada en el año de 1968, gira en torno a la fiesta de cumpleaños que un grupo de amigos homosexuales organiza para uno de ellos. La alegre fiesta se enturbia cuando aparece sorpresivamente un antiguo amigo heterosexual del festejado, quien no tiene idea de las preferencias de su antiguo amigo. Esta producción es considerada como la primera que toca la temática “gay” de una forma abierta y sin ningún pudor, poniendo sobre la mesa las distintas problemáticas a las que se enfrentaba la comunidad homosexual de ese entonces. Cabe señalar, que entre 1984 y 1993, cinco de los actores de la producción original, así como el director Robert Moore y el productor Richard Barr, fallecieron a consecuencia de la epidemia.

Así que ya lo sabes, descubre los distintos mensajes que estas producciones ofrecen, conoce más del tema y adéntrate a la experiencia escénica que ofrecen sus protagonistas.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía

El actor Alan Estrada se estrena como escritor y director a través de esta nueva propuesta escénica en colaboración con los compositores Jannette Chao, Vince Miranda y el co-escritor Salvador Suárez, quienes reunieron su talento desde hace tres años para crear una historia que muestra las principales facetas del amor a través del baile y la música.

De acuerdo con los creadores, Siete veces adiós será una válvula de escape para el artista enamorado, un homenaje a cómo el amor ha creado las más bellas canciones y nos ha acompañado a lo largo de nuestras ilusiones y decepciones, mientras intenta hacer una radiografía de las relaciones en el siglo XXI.

A este proyecto se suma la productora Playhouse Entertainment encabezada por Carlos Vidaurri y Daniel Delgado que junto a Ola ke Ase Creativos presentan la primera canción del musical, Algo Como Lo Nuestro No Existe.

Al respecto, Jannette Chao menciona: “Estamos muy contentos de haber salido con esta canción en todas las plataformas durante la madrugada. Esta rola corresponde al disco Lado b de la obra, donde la música original será interpretada por el elenco que aún no se revela, pero que irá más enfocado al ensamble musical de la puesta. Sin embargo, por ahora quisimos hacer canciones Lado b, donde cantamos en algunos casos Alan, otros yo, otras Vince o los tres juntos, y justamente esa fue la razón principal de arrancar con esta melodía, interpretada por nosotros tres”.

Y agrega: “Es una canción icónica, más adelante vendrán más colaboraciones artísticas, esta composición la produce Tito Urias. Se trata de la canción central en la obra, y enarbola lo que queremos dar a entender en la historia que contamos, que son todas las etapas del amor desde la parte nostálgica, iracunda, desesperanzada, esperanzada, la idealista, etcétera. Quisimos exponer distintas radiografías de lo que la gente concibe como amor y como resultado la letra engloba la ilusión de querer encontrar a esa persona especial para sentirnos amados”.

Cabe señalar que la canción viene acompañada de un lyric video donde participa el artista plástico Oliver Marino, en el cual se revela el póster de la obra diseñado por Norberto Reyes (Articular Estudio) y Ápice Estudio.

Aquí te dejamos la primera canción de este musical original que levantará el telón en el 2022 en el Nuevo Teatro Ramiro Jiménez.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía VIOGG

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La espera ha terminado y este jueves 2 de diciembre levantará el telón Sola en la oscuridad, la nueva apuesta teatral de Mejor Teatro en el Teatro México del Centro Cultural Manolo Fábregas.

Durante algunas semanas hemos compartido con ustedes diversos textos escritos por el equipo creativo que conforma esta producción: Morris Gilbert, Estela Fagoaga, Adrián Martínez Frausto, Víctor Zapatero, Cynthia Muñoz, Miguel Jiménez y Francisco Escárcega.

Para concluir estos Diarios de Producción, presentamos el texto escrito por el director de escena, Enrique Singer, uno de los creadores escénicos más importantes de nuestro país en la actualidad.

Singer realizó estudios de Teatro y Letras Hispánicas en la UNAM, institución con la que a la fecha sigue colaborando en sus múltiples actividades artísticas. Ha fungido como Coordinador Nacional de Teatro, y miembro del Centro de Experimentación Teatral, director del Departamento de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México. Fue académico en la Escuela Nacional de Arte Teatral del INBA, el Centro Universitario de Teatro de la UNAM y en la escuela de actuación CasAzul Artes Escénicas Argos. Actualmente es director de la Compañía Nacional de Teatro.

Como director de escena ha participado que destacan Ricardo II y El cuento de invierno, de Shakespeare, El Marinero, de Pessoa; Edmond, Oleanna y Glengarry Glen Ross y La Anarquista, David Mamet; Hedda Gabler de Ibsen; El perro del hortelano, de Lope de Vega.

Aquí sus palabras

Muy afortunado alumbramiento

La tercera es la vencida, pienso en esta mexicanísima frase al ver a Itatí en el escenario mientras ensayamos. Ya habíamos tenido dos connatos de trabajar juntos y no se habían concretado… hasta ahora.

Y empiezo hablando de esto porque no se trata de una casualidad, sino resultado del trabajo en equipo, de un excelente equipo integrado por profesionales del teatro encabezados por Morris Gilbert.

Con Morris ya había tenido la oportunidad de trabajar hace once años, yo como actor en la puesta en escena de El diario de Ana Frank. Me quedé con un gran sabor de boca, que hoy ha sido ampliamente superado.

Los casi 50 años de experiencia y trabajo que tiene Morris como productor teatral se notan en cada uno de los aspectos del montaje. Todo está en el lugar que debe estar en tiempo y forma.

El conjunto de creativos que se ha reunido es inmejorable. Gracias Adrián, Estela, Víctor, Miguel, Cinthia por su talento, compromiso, responsabilidad… De verdad es un enorme placer tenerlos cerca para resolver cada uno de los múltiples detalles de este montaje, aparentemente sencillo, pero de una enorme complejidad.

Este agradecimiento tengo que hacerlo extensivo al equipo producción. Gracias, gracias, gracias Fran, Luchi, Kaori, Sandra… por formar parte de la red que sostiene la labor de los artistas, para que la obra llegue a buen puerto. Evidentemente mis abrazos son también para el elenco.

¡Bravo! por su entrega, profesionalismo y por supuesto talento de Luis, Sergio, Lenny, Marcial, Marco… actores consagradísimos; a las maravillosas Nina y María, niñas en la obra, adolescentes en nuestra realidad y futuras grandes actrices, como lo apunta ya su desempeño actual; finalmente aplauso para Itatí, actriz intuitiva, generosa, que, cual estrella que es, está llena de compromisos, y sin embargo, ha logrado una creación brillante como Susy. Valió la pena esperar a esta tercera oportunidad para estar juntos.

Y finalmente gracias al público, para quien hacemos todo lo que hacemos. El teatro sólo se produce cuando nuestro trabajo se muestra a los espectadores. Estamos a punto de cerrar la primera etapa de la historia de Sola en la oscuridad. El estreno es el “nacimiento” de esta obra, que comenzará a tener vida propia. En la que confiamos se encontrará con cientos, u ojalá miles y miles, de espectadores. Con cada uno tendrá su propia relación, que esperemos esté llena de suspenso…

Confiamos que el amor que hemos puesto cada uno de los teatreros que cooperamos en este alumbramiento se sienta y que Sola en la oscuridad tenga una larga, muy larga vida.

Ahí les encargamos a nuestra criatura.

Por Enrique Singer, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

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El Centro Cultural Helénico se suma a la celebración del Gran Festival Chapultepec que ofrecerá una amplia y diversa muestra de las distintas expresiones artísticas que existen en nuestro país de manera gratuita en el Complejo Cultural Los Pinos.

El evento está enmarcado dentro de la convocatoria, Circuito Nacional de Artes Escénicas en Espacios Independientes, creada como parte del Proyecto Chapultepec, Naturaleza y Cultura.

Al respecto, el director del recinto, Antonio Zúñiga Chaparro nos comparte: “Estamos de manteles largos porque vamos a participar en el Gran Festival Chapultepec, que es una muestra representativa de las convocatorias que durante el año sacó la Secretaría de Cultura a través del Proyecto Naturaleza y Cultura que estuvieron abiertos y buscaron impulsar el trabajo de la comunidad cultural y artística del país”.

Agrega: “La convocatoria que nosotros lanzamos fue el Circuito Nacional de Artes Escénicas en Espacios Independientes en la que participaron un número considerable de agrupaciones del país”.

La convocatoria logró realizar 1,400 funciones, de 140 compañías de teatro y danza, en 176 foros independientes, en donde más de 2 mil artistas pudieron mostrar sus creaciones escénicas por todo el territorio nacional. Posteriormente se seleccionaron 16 de estos proyectos y sólo 7 formarán parte del Gran Festival Chapultepec.

En este sentido, Zuñiga señala: “Esta selección entre danza y teatro se presentará a partir del 3 y hasta el 5 de diciembre en los espacios del Complejo Cultural Los Pinos, junto con otros grupos. En total va a haber una participación de 56 grupos artísticos y más de 300 artistas de todo México estarán en esta muestra”.

Para salvaguardar la seguridad de los asistentes del Gran Festival, es indispensable el uso correcto del cubrebocas y seguir las indicaciones que brinden las autoridades, por ello los eventos se realizan al aire libre.

Acerca de esto, el funcionario puntualiza: “Estas obras se van a presentar en el Antiguo Helipuerto del complejo, van a ser al aire libre, va a haber 3 escenarios concurrentes en el mismo espacio abierto, de manera que los espectadores se van a poder mover de un lado a otro y vamos a tener ahí tapetes y sillas para las personas de la tercera edad. Vamos a cuidar la temperatura, el uso del cubrebocas y el gel antibacterial que todo mundo va a tener a disposición”.

Añade: “Toda la familia puede asistir y toda la familia puede disfrutar de estas obras y esto es concurrente junto con la programación que tiene el Cenart de teatro para títeres, que es una programación copiosa, y también el canto floral que se presenta en otro gran formato donde van a poder disfrutar de música en vivo”.

Las presentaciones comenzarán el viernes 3 de diciembre con la obra Un tren para la luna  a las 12:00 h y ese mismo día, pero a las 18:00 h se escenificará, Lo que estalla eterniza.

Al día siguiente, sábado 4 de diciembre se representará Kiwi, Desconexiones y Señoras, 11:00, 15:00 y 18:00 horas, respectivamente. Finalmente, el domingo 5 de diciembre llegará Cartas para Nicolás a las 15:00 horas y Cuttin’it a las 17:00 horas.

Cabe señalar que durante el evento se invitará a la población a donar un juguete que no use baterías, una cobija o una chamarra nueva o en buen estado, como parte de la iniciativa “Navidad en las montañas” que se realiza en favor de las comunidades de Guerrero.

“Estamos haciendo acopio de juguetes, cobijas, ropa nueva o en buenas condiciones para llevar a las montañas y las zonas más necesitadas del país. Estamos pidiendo a la gente que nos acompañe, vaya, se divierta y contribuya de manera altruista a que los niños de la montaña pasen una Navidad feliz”, concluyó el director del Centro Cultural Helénico, Antonio Zúñiga.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Helénico

La noche de ayer se llevó a cabo en el Teatro México, el estreno de la nueva propuesta teatral del productor Morris Gilbert, Sola en la oscuridad, con las interpretaciones de un elenco encabezado por la actriz Itatí Cantoral, Luis Gatica, Marco de la O, Lenny Zundel, Marcial Casale, Sergio Bonilla y María Perroni Garza.

En medio de aplausos y festejos, el productor expresó su alegría y entusiasmo al concluir el año con una nueva oferta de entretenimiento que invita al espectador a una historia cargada de tensión y misterio.

“Me siento muy contento y agradecido por tener la oportunidad de cerrar el año con un estreno, hecho poco común en el teatro pero que nos entusiasma en conjunto. Armar este proyecto no fue tarea sencilla pero trabajar bajo la dirección escénica del actual director de la Compañía Nacional de Teatro, el maestro Enrique Singer, fue sin duda un gran estímulo que propició que el trabajo de todo el equipo se desarrollara con mayor facilidad y gozo”, declaró.

Por su parte, la protagonista de la historia, la actriz Itatí Cantoral expresó: “Hoy es un día muy hermoso para mí, gracias por compartirlo con todos nosotros, gracias Morris por darme un personaje tan interesante, por contagiarme el entusiasmo de querer estar viva y compartir mis actuaciones con el público, al maestro Singer quiero agradecerle el amor, el respeto y la pasión que me inspiró por continuar contando historias sobre los escenarios”.

Sola en la oscuridad es un thriller en el que su protagonista, Susy, ha quedado ciega a causa de un accidente automovilístico. En su casa, comienzan a presentarse una serie de extraños personajes, a quienes une un objeto aún más extraño: una muñeca, que esconde un secreto que pondrá en peligro de muerte a cada una de las personas ligadas a ella.

El equipo creativo está integrado por Adrián Martínez Frausto (diseño de escenografía), Estela Fagoaga (diseño de vestuario), Víctor Zapatero (diseño de iluminación), Miguel Jiménez (diseño de audio), y Cinthia Muñoz (diseño de pelucas y maquillaje).

La puesta en escena se presenta de viernes a domingo en el Teatro México, del Centro Teatral Manolo Fábregas,consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos Cartelera de Teatro

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Como parte de la esencia que caracteriza nuestra humanidad, la sexualidad ha sido retratada en el teatro mediante historias que exponen diferentes realidades a través de nuestras preferencias, perversiones y patrones de comportamiento, conceptos que nos resignifican constantemente y transforman la visión individual del mundo.

Es sabido que somos seres regidos por el deseo, en muchos casos el impulso necesario quizá para comprender y enfrentar la vida, pero que en múltiples ocasiones se ve vulnerado por falsas creencias y estigmas sociales que durante años han impedido un ejercicio libre de todo lo que engloba la palabra sexualidad. No obstante, en fechas recientes, la conciencia y unión de muchas personas y organizaciones han logrado derribar ciertos preceptos, para que todos tengamos la oportunidad de ejercer una sexualidad informada, libre y con respeto.

A continuación te presentamos tres visiones sobre la sexualidad en el teatro de destacados directores escénicos que con su trabajo expresan algunas de sus inquietudes personales, por medio de historias que por su construcción ofrecen un discurso universal, que incentiva la conversación del tema mediante el entretenimiento.

Para Diego Del Río la profundidad de las relaciones de pareja, representada a través de los encuentros eróticos, motiva la oportunidad perfecta para reconocernos y explorar nuestros patrones de comportamiento que por años han regido la forma de relacionarnos con el otro.

“En la adaptación de Blue Room se retoma una frase que para mí es bastante contundente: Debe haber algo podrido en el mundo si una obra que se escribió hace más de cien años continúa siendo vigente. El texto desnuda ciertos tipos de violencia dentro de las relaciones de pareja, desnuda los roles de dominación, a su vez plantea una tesis sobre quienes somos si cambiamos tanto de persona en persona”, declara.

De acuerdo con Diego, esta pandemia y el encierro ha representado una oportunidad de repensar la cercanía, los encuentros y ese instinto animal que todos tenemos dentro y de qué manera puede regularse esta función mediante el raciocinio.

Y agrega: “Teoría King Kong es un libro sumamente interesante que ejemplifica el punto de vista de la prostitución en el mundo, exponiendo esa opinión burgesa y de doble moral que señala a la otredad sin el análisis previo para conocer qué es lo que realmente nos molesta de determinado comportamiento o elección, y sumado al texto de Blue Room se engloban distintas miradas conformadas respecto a nuestra sexualidad como humanidad a lo largo de un siglo donde convergen y continúan exponiendo los mismos temas del pasado, con las variaciones propias de nuestro contexto actual”, concluye.

Fotos: Cortesía Producción

Por su parte, la directora teatral Pilar Boliver asegura que el tema del respeto hacia las minorías, en específico de la comunidad homosexual, siempre ha estado sobre la mesa pero ha retomado mayor relevancia durante estos últimos años.

“En la pandemia, en mis clases a través de zoom tocábamos constantemente el tema de la inclusión y el respeto, así como en distintos encuentros con personas que han dedicado su vida a la causa y quienes han generado mucho interés y conocimiento al respecto”.

Y agrega: “Ahora que abrimos Los chicos de la banda y que la volví a ver, yo sabía que era necesaria, pero en este momento se volvió más importante e impactante que nunca, se resignificó. La gente la tiene que ver, porque además del talento allí reunido los distintos temas que aborda el texto son de una contundencia brutal”.

A su vez, la intérprete destaca que es gracias a esta nueva apertura que se ha ido generando a través de distintos movimientos alrededor del mundo, y en específico en nuestro país, que las ideas han ido fluyendo y se han transformado en inquietudes por conocer y explorar más sobre nuestra sexualidad, así como el exigir su respeto.

Finalmente, para la directora de Orgullo, Angélica Rogel, la transformación está en las nuevas juventudes, donde los padres deben hacer una reflexión sobre como están educando a sus hijos y eliminar esas antiguas y extrañas ideas donde una niña que disfruta jugar con cochecitos o que goza de la vida revolcándose en el lodo al jugar un partido de futbol, no la convierte automáticamente en lesbiana ante los demás.

“Las actividades que realizamos no tienen que ver con nuestra identidad sexual, a través de los dobles discursos con comentarios como: ¡Ay no tiene nada de malo ser gay!, yo no tengo nada con los gays, a mí me caen bien, yo tengo amigos que son así y son buena onda”, declara.

Y agrega: “¿Porque sería una persona mala onda debido a su identidad y preferencias? Es increíble que sigan sucediendo estas violencias verbales hoy en día. Lo que yo quise retratar en la obra junto con todo el equipo fue el tema de no respetar la vida de las otras personas, el cómo en conjunto social incide sobre la intimidad de los demás, con la conclusión de que si queremos realmente transformarnos a la apertura y el respeto, es dejar de replicar esos patrones de comportamiento, empezar a respetar, comenzando por uno mismo”.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía

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El espíritu navideño ha llegado y con él, una amplia oferta teatral ha comenzado a invadir los distintos recintos de la capital, te hacemos un recuento con las distintas pastorelas que ya arrancaron temporada.

Este año podemos encontrar desde la pastorela más tradicional hasta versiones drag o cabareteras, así que si estás buscando una opción para acudir en familia, pareja o con amigos, checa nuestra selección.

¡Vive la magia navideña en los escenarios!

Pastorela Tradicional de Coyoacán, Diablos revolucionarios. Se trata de una pastorela con más de 20 actores en escena que rescata la puesta en escena tradicional. El espectáculo comienza con la representación de la pastorela y termina con la petición de posada y un convivio que incluye ponche y tamalitos.

La Antipastorela. Jesús, María y José José. Con personajes cómicos e irónicos, Humberto Robles escenifica distintos estereotipos representados por Pepe El Toro, La Chorreada y el Arcángel versión quimera, quienes abordan temas como el aborto y la religión, al exponer al público sus posturas extremistas.

Pastores a las brasas. En esta pastorela los pastorcillos han sido elegidos para seguir la estrella de Belén y cumplir el cometido de llegar a tiempo para adorar al niño JEsús, pero son guiados por los Ángeles más distraído, por lo que tendrán que librar trampas y engaños de los representantes del mal.

Pachecas a Belén. Esta divertida pastorela con tintes de cabaret y estilo drag, narra la historia de Severina, Blandina y Lumina, tres hermanas, que tras el encuentro con el sexy arcángel Gabriel emprenden su viaje a Belén; tentadas por el diablo a satisfacer su avaricia y egoísmo, que les dificultará llegar a su destino.

Pastorela monumental, Te pasas de la Mancha. Una pastorela que, entre coloridas estampas y tradiciones mexicanas, introduce en escena al personaje más emblemático del escritor español Miguel de Cervantes, el “Quijote de la Mancha”. Además de los típicos personajes, ángeles y diablitos, también podemos ver en escena a seres extraterrestres, bailarinas regionales, entre otros. Ofrece temporada en Re-Crea (Higuera 31, Col. La Concepción).

Vellos de Venus: “La Pastorela”. En esta historia tres pastoras compiten entre sí para obtener un lugar en el nacimiento del Niño Jesús. Lo que ellas no saben es que solo fueron víctimas de una confusión provocada por una mala jugada del diablo contra el ángel, desatando un sin fin de ocurrencias.

Palabra de Dios El Musical. ¿Y si la historia no fue como te la contaron? Dios está muy molesto ya que los humanos se alejan cada vez más de él, así que enviará a su hijo para traerlos de nuevo al corral. Para lograrlo, le pedirá ayuda a su mejor amigo, confidente y cómplice de mil aventuras: Satanás.

Tradicional Pastorela Mexicana Se trata de un evento con 28 años de historia que reúne a las familias en una noche llena de sorpresas y convivencia. Además, en la noche se suman actividades como rifas, la posada y el canto de la letanía navideña. Asimismo, los asistentes podrán disfrutar de una variedad gastronómica mexicana que incluye tamales, ponche y atole.

Otras opciones: Císcale, císcale diablo panzón, Las desventuras de Lucifer, Pastorela Alitas a la Diabla, Entre huaraches, pingos y ángeles, Pastorela Gatudiabla, ¡Ay Jesús ya nació el niño!, 

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Diablos Revolucionarios

El proceso de construcción de un montaje requiere del talento en conjunto de varios profesionales en el ámbito teatral que bajo un mismo eje de trabajo proyectan su visión de la historia desde sus diferentes disciplinas para lograr una propuesta escénica coherente y equilibrada.

En Sola en la oscuridad este trabajo cuenta con las mentes creativas de su productor Morris Gilbert, Enrique Singer, Estela Fagoaga, Adrián Martínez Frausto, Víctor Zapatero, Cynthia Muñoz, Miguel Jiménez y Francisco Escárcega, quienes a través de una serie de textos publicados las últimas semanas, nos han explicado los distintos procesos de construcción y armado desde sus distintas áreas.

A continuación un breve recuento.

Para comenzar, Morris Gilbert comparte la razón de producir esta historia una vez más: “Se trata de una obra que me encanta. Tan es así que esta es la segunda vez que la produzco. La primera fue en 1988, y fue gracias a ese montaje que el foro del Centro Cultural San Ángel se convirtió en un teatro abierto al público, pues en aquel entonces funcionaba sólo como auditorio para actividades oficiales”.

Y agrega: “Me encanta porque es una obra inteligente, que muestra a una mujer fuerte, decidida, que se sobrepone a todo, que ve más allá de su ceguera y se enfrenta a una realidad ante la cual otros sucumben”.

Por su parte, Adrián Martínez Frausto explica que para diseñar el espacio escénico de la obra empezó con una lectura concienzuda del texto. Si bien los textos tienden a especificar ciertas funciones del espacio, esta obra asegura tiene la particularidad de ser extremadamente detallada en sus acotaciones y en las necesidades planteadas por el autor, asegura el escenógrafo.

Y añade: “Así que el primer paso fue hacer un trabajo de diseño tal cual lo pide el autor, de ahí fue más un proceso de depuración para saber qué de aquello que propone el texto es absolutamente determinante para la acción, y qué de aquellas acotaciones reflejan más bien la realidad espacial de la producción original”.

Uno de los retos principales en el diseño de iluminación a cargo de Víctor Zapatero, consiste en cubrir de luz cada área donde se sitúan los personajes dentro de la escenografía. “Cada espacio tiene sus propios retos y en este caso tiene que ver con un espacio con poca altura y por lo tanto los ángulos de luz son complicados. Los espacios con alturas mayores ofrecen mucha distancia y áreas libres para que el haz de luz viaje libremente hasta llegar a su objetivo, pero en este caso, por tratarse de un sótano, no hay tanta flexibilidad y la posición de cada una de las luminarias debe ser calculada con mucha precisión para que pueda cumplir con su objetivo”, declara.

De acuerdo con Cynthia Muñoz, el diseño de Imagen, junto con el diseño de vestuario, establece los pilares sobre los cuales se fundamenta la emocionalidad y carácter de cada uno de los personajes. “Para poder tener una imagen acertada es muy importante entender qué es lo que ve el director de escena en cada personaje, así como lo percibe. En este caso Enrique Singer me describió las características de cada uno de ellos, de dónde vienen, cómo es su personalidad, las emociones que transmite y los objetivos que éste persigue.

Y agrega: “En esta producción en particular algo muy importante para mi trabajo es tomar en cuenta la época. Nos encontramos en la década de los 60’s y para mí el contexto histórico y social juegan un papel fundamental”.

Por su parte, Miguel Jiménez explica que el diseño sonoro está conformado por dos partes. Por un lado el diseño de audio que abarca todo lo que se refiere a los componentes electrónicos que son utilizados como: altavoces, micrófonos y su colocación, ajuste y optimización del sistema, programación de consola y software de reproducción.

“Teniendo todas estas herramientas la mezcla de sonidos que provienen del escenario y altavoces en sala, tiene que tener un cuidado especial, para lograr un sonido lo más natural posible pero que, a la vez, tenga el impacto que requieren algunas escenas de la historia”, señala.

Francisco Escárcega, responsable de la producción ejecutiva del montaje, comparte: “Un productor ejecutivo en el teatro es una extensión de la labor del productor, es el responsable de que todas las piezas estén en su lugar para que la magia suceda; desde conocer el texto y participar el proceso de selección del texto, pasando por la selección (siempre junto con el productor) de posibles candidatos para formar un equipo creativo sólido, hacer equipo con el director para tener el mejor reparto, consolidar un poderoso equipo técnico y de producción. Todo esto en medio del caos de contrataciones, compras, presupuestos, nóminas, llamados de prensa y, ¿por qué no?, largas horas de terapias psicológicas con algunos de los involucrados”.

De acuerdo con Estela Fagoaga, encargada del vestuario en la puesta, hablar del diseño de vestuario de una obra de teatro es referirse a tres puntos de partida que se interrelacionan y que hay que considerar a profundidad.

“Antes que nada: lo que la historia pida, esto es de qué trata, en qué época está ubicada, qué plantea el autor. Por lo que hay que leer muchas veces para entenderla a profundidad. En segundo lugar el montaje mismo, con el equipo creativo, empezando por el director; es él quien marca la pauta para el trabajo de todos los demás, y que siempre debemos estar coordinados. Y finalmente, el tercer elemento, es el elenco. No puedo diseñar en abstracto, sino en función de cada uno de los actores”, asegura.

Para concluir, el director de escena, Enrique Singer declara: “El teatro sólo se produce cuando nuestro trabajo se muestra a los espectadores. Estamos a punto de cerrar la primera etapa de la historia de Sola en la oscuridad. El estreno es el nacimiento de esta obra, que comenzará a tener vida propia. En la que confiamos se encontrará con cientos, u ojalá miles y miles, de espectadores. Con cada uno tendrá su propia relación, que esperemos esté llena de suspenso…”

Y agrega: “Confiamos que el amor que hemos puesto cada uno de los teatreros que cooperamos en este alumbramiento se sienta y que Sola en la oscuridad tenga una larga, muy larga vida”.

Como podrás darte cuenta, Sola en la oscuridad reúne el esfuerzo de un extenso equipo creativo que busca brindar un Thriller de misterio clásico, adecuado con nuevas tecnologías para entretener al público mexicano.

Por Ulises Sánchez, Fotos:Cortesía Mejor Teatro

Sin duda uno de los sectores más golpeados por la pandemia en los dos últimos años ha sido el Teatro. Cerrando el 2021, el Instituto Nacional de Estadística y Geografía (INEGI) ha dado a conocer cifras relativas al desempeño del sector cultural en 2020 en México. Según estos datos, el Producto Interno Bruto cultural en México paso del 3.1% del PIB nacional en 2019 a un 2.9% en 2020.

Al total del PIB del sector cultural, las artes escénicas aportaron el 3.8% en el 2020, frente al 5.6% que generaron en el 2019. Conforme al documento presentado por el INEGI, las áreas del sector cultural que mostraron una mayor disminución anual fueron: artes escénicas y espectáculos con 43.1%; música y conciertos con 27.1%; libros, impresiones y prensa con 24.5%; artesanías con 19.2%, y artes visuales y plásticas con 17.4 por ciento.

De acuerdo con nuestros datos y un recuento que realizamos dentro de Cartelera de Teatro, durante todo 2019 se presentaron aproximadamente 800 espectáculos teatrales de todo tipo. Mientras que en 2020 esta cifra cayó hasta 347 espectáculos, 210 de ellos presenciales durante el primer trimestre del año y el resto en formatos virtuales e híbridos.

Ante este escenario, platicamos con Jimena Saltiel, fundadora y directora de Once Once Producciones y con Fernando Bonilla, actor, director y dramaturgo, fundador de Puño de Tierra junto con Valentina Sierra y Gabriel Zapata, sobre los retos y perspectivas que esta situación ha planteado para las artes escénicas en nuestro país.

Para Fernando Bonilla, ha sido sin duda un escenario muy complicado. “El gremio de las artes escénicas fue de los más afectados por la pandemia, por las características de nuestro trabajo”, destaca. Esta situación, apunta el actor y director, llevó a quienes trabajan en los diversos aspectos de la producción teatral a diversificar.

Nos dice que, si bien muchos de las compañeras y compañeras en el sector no tuvieron esta oportunidad, “ahora poco a poco van regresando y afortunadamente también el público, yo confiaba en que sucedería. Me parece que quizá es pronto para cantar victoria, pero indica que la gente está volviendo con muchas ganas al teatro”.

Con esta visión coincide Jimena Saltiel, después de un periodo de inactividad inicial y que no se esperaba un periodo tan prolongado de pandemia, tuvieron que echar mano del streaming y aprender de otros compañeros del gremio e impulsarse entre los integrantes de la comunidad.

“Al principio teníamos nuestras dudas, no era algo hacia donde estuviéramos mirando, pero nos aventamos a hacerlo y no te miento, fue muy difícil, debido a que no contábamos con los recursos técnicos, tampoco teníamos un termómetro presupuestal. Hoy yo sé perfecto cuánto dinero cuesta producir y mantener una obra del tamaño que me digas, puedo hacer una producción y un presupuesto en un par de horas, con el mundo de lo virtual como productores no teníamos idea”, señala.

Sobre los retos que tuvieron que enfrentar durante la pandemia, la productora nos dice que “han pasado por tomar mejores decisiones en términos de costos y de generación de ventas”. En este sentido, destaca que “gracias a la plataforma de Teatrix pudimos generar más contenido, pero los costos de recuperación continuaban siendo muy bajos”.

Por su parte, Bonilla señala que una oportunidad que ha planteado la pandemia “es la necesidad de diversificar los públicos teatrales”. Es, considera, un trabajo complejo en el que deben participar diversos sectores para lograrlo. Por un lado, “se debe atacar la endogamia en el consumo de teatro, dejar atrás el consumo del teatro por teatreros y abrir círculos”. Se trata de “pensar a quién le estamos hablando y buscar dialogar con el público real y después encontrar las vías para que esa oferta llegue a quien le pueda interesar”, reflexiona.

Para esto, considera el creador escénico, es necesario dar a conocer a millones de mexicanos lo satisfactorio que puede ser la experiencia teatral, “es chamba de los teatreros encontrar a esa gente”, agrega.

Acerca de este tema, Saltiel, ve en los formatos digitales una “gran área de oportunidad”, que ha brindado una manera de descentralizar al público y cruzar fronteras, un hecho que la entusiasma y por el cual planea continuar realizando grabaciones de algunos proyectos, dejando de lado la idea de generar mayores ingresos con ellos.

Respecto al modelo dominante de producción teatral en México, Fernando Bonilla explica que desde hace varias décadas se ha priorizado la creación de muchos proyectos de vida muy corta. En este aspecto, explica, “un interés de la comunidad debe ser el aglutinarse para tratar de generar proyectos de más largo aliento y buscar más espacios y más temporadas. Esto, nos dice, “fue uno de los motivos para la existencia de la compañía”.

Otro aspecto a resaltar, es cómo debe cambiar la pandemia la manera de hacer teatro, en relación con esto, Bonilla opina que “no se debe hacer el mismo teatro que se hacía antes de la pandemia, ya somos otras personas”.

Agrega: “Creo que el teatro tiene sentido cuando es algo vivo y cuando atiende a las inquietudes de la audiencia y de los propios creadores, legítimas, reales y honestas”. Para esto, apunta el actor, el teatro debe volver a la sustancia y ser más inteligente, “lejos de reinventarse o reubicarse en los avances tecnológicos, cada vez más creo en un teatro sin parafernalia y que suceda, y el acto humano, la presencia humana, la comunión colectiva a través de la ficción es lo más potente y es donde nada le puede competir al teatro”.

Finalmente, Jimena afirma que como creadores escénicos la pandemia representó un duro golpe, del cual muchas compañías no sobrevivieron, y destaca la importancia de que al teatro se le debe dar la misma libertad de otros espacios de recreación para continuar con su operación, porque de otra manera, el panorama es muy oscuro.

Para ello, “es indispensable que el público regrese a los teatros y viva la experiencia insuperable que lo presencial puede dar. Por ello, invitamos a nuestros lectores a volver a los espacios físicos, siguiendo todas las recomendaciones sanitarias, para revitalizar al teatro en México que ofrece propuestas para todo tipo de públicos. ¡Nos vemos en el teatro!”.

Durante casi dos años, el teatro no sólo en México, sino en todo el mundo, sufrió un duro golpe y está en nosotros, medios de comunicación y público, ayudar a reactivar su economía.

Por Óscar Ramírez, Itaí Cruz y Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Producción

Las funciones extras por Fin de Año y Navidad son ya obligadas en los teatros de la Ciudad de México. A partir del próximo lunes 20 de diciembre, algunas producciones modificaran su horarios regulares para ofrecerte más días y más horarios.

Para facilitarte la selección, está es la lista de obras que tienen funciones extras en vacaciones y todas sus fechas y horarios.

Comedia

Dos Más Dos, ahora en el sur de la ciudad, en el Teatro Royal Pedregal, va a tener un auténtico maratón teatral del desde el miércoles 22 al jueves 23 de diciembre a las 20:30 horas. En la última semana del año, sus funciones serán del lunes 27 al jueves 30 de diciembre, a las 18:00 y 20:30 horas.
La obra descansará el día 24, 25 y 31 de diciembre, ; el domingo 26 de diciembre los horarios son 17:00 y 19:30 horas.

Ya en pleno 2022, Dos más dos tendrá funciones del miércoles 5 de enero al viernes 7 de enero a las 20:30 horas. El sábado 8 a las 18:00 y las 20:30 horas y el domingo 9 de enero a las 17:00 y las 19:30 horas.

La obra que sale mal, con temporada en el Teatro de los Insurgentes, presenta funciones especiales del martes 21 al jueves 23 a las 19:00 horas y del martes 28 al jueves 30 de diciembre a las 19 horas. Suspende viernes funciones los viernes 24 y 31 de diciembre. El sábado 25 y domingo 26 solo tendrá función a las 17:00 horas, al igual que el sábado 1 y domingo 2 de enero. Retoma funciones regulares el 7 de enero.

Toc Toc, en el Teatro Fernando Soler, Centro Teatral Manolo Fábregas, tendrá funciones especiales el miércoles 22 y jueves 23 de diciembre a las 18:30 horas y del lunes 27 al jueves 30 de diciembre a las 18:30 horas. El sábado 25 de diciembre tendrá funciones de 18:00 y 20 horas, mientras que el domingo 26 los horarios son 16:30 y 18:30 horas. Suspende funciones 24 de diciembre, y finaliza su temporada con la función del 30 de diciembre.

El juego que todos jugamos, en el Teatro Sogem Wilberto Cantón suspende funciones el 24, 25 y 31 de diciembre. El jueves 23 se presenta a las 20:30 horas. El martes 28 de diciembre a las 18:00 horas,  miércoles 29 a las 18:00 y 20:30 horas. Los jueves 30 de diciembre a las 20:30 horas. 6 de enero con funciones a las 18:00 y 20:30 horas. Los fines de semana tiene funciones el domingo 26 de diciembre y 2 de enero a las 17:00 y 19:00 horas. El sábado 1 de enero a las 18:00 y 20:00 horas. El viernes 7 de enero retoma funciones habituales a las 19:00 y 21:00 horas, igual que el 8 de enero con horario de 18:00 y 20:00 horas y domingo 9 con horario de 17:00 y 19:00 horas.

Perfectos Desconocidos, en el Nuevo Teatro Libanés. Suspende funciones el 24 y 31 de diciembre. Horarios especiales el miércoles 22 y jueves 23 de diciembre a las 18:30 horas, horario que repite del lunes 27 al jueves 30 de diciembre. Sábados 25 de diciembre y 1 de enero a las 18:30 y las 20:30 horas, domingos 26 de diciembre y 2 de enero a las 17:00 y 19:00 horas.

12 princesas en pugna, en el Teatro Xola Julio Prieto tendrá funciones especiales el jueves 23, lunes 27 y martes 28 de diciembre a las 19: horas.

Musicales

The Prom, en el Centro Cultural Teatro II tendrá funciones especiales el lunes 27, martes 28, miércoles 29 a las 18:30 horas. El sábado 25 de diciembre tendrá funciones a las 19:00 horas, domingo 26 de diciembre a las 13:30 y 17:30 horas. Suspende funciones el 24 y 31 de diciembre. Retoma funciones el 7 de enero con horarios regulares.

Como quieras ¡Perro ámame! En el Teatro Renacimiento del Centro Teatral Manolo Fábregas, suspende funciones los días 24, 25 y 31 de diciembre. Tendrá funciones del miércoles 22 al jueves 23 a las 20:30 horas. Del lunes 27 al miércoles 29 de diciembre presentará dos funciones diarias: 18:00 y 20:00 horas. El miércoles 5 de enero los horarios son de 18 y 20:00 horas. El jueves 30 de diciembre y el jueves 6 de enero, las funciones son 18:00 y 20:30 horas.
En fines de semana las funciones son viernes 7 de enero a las a las 19 y 21 horas;  sábado 1 de enero a las 18:00 y las 20:00 horas; el domingo 26 de diciembre y 2 de enero a las 17:00 y las 19:00 horas. Retoma sus funciones normales a partir del 8 de enero.

Aladdín, en el Teatro Telcel. El miércoles 22 y jueves 23 de diciembre funciones a las 20:00 horas. Sábados 25 de diciembre y de enero 16:30 y 20:30 horas. Domingos 26 de diciembre y 2 de enero 13:00 y 18:00 horas. Funciones especiales el lunes 27,  martes 28 y miércoles 29 de diciembre a las 16:30 y 20:30 horas.  Suspende funciones del 30 de diciembre al 9 de enero. Retoma funciones regulares el 12 de enero.

La mujer hecha hombre, en El Teatro Bar El Vicio. Martes 28 diciembre, miércoles 29 de diciembre y jueves 30 de diciembre a las 21:00 horas.

Drama y suspenso

Sola en la oscuridad, se presenta en el Teatro México, del Centro Cultural Manolo Fábregas. Suspende función el 24, 25 y 31 de diciembre. Con funciones especiales el  jueves 23, lunes 27, martes 28, miércoles 29 y jueves 30 a las 18:30 horas. Domingo 26 de diciembre función a las 16:30 y las 19:00 horas.

La dama de negro. En el Teatro Ofelia, con funciones el sábado 25 de diciembre y 1 de enero a las 18:00 y 20:00 horas; domingo 26 de diciembre y 2 de enero a las 18:00 horas. Del lunes 27 al jueves 30 de diciembre una sola función diaria a las 20:30 horas.

Monólogo

Defendiendo al cavernícola, en el Teatro López Tarso, suspende funciones el 24 y el 31 de diciembre. Funciones especiales el miércoles 22, jueves 23, lunes 27, martes 28, miércoles 29 y jueves 30 a las 18:30 horas. Sábados 25 de diciembre y 1 de enero función a las 20:00 horas y domingos 26 de diciembre y 2 de enero a las 17:00 horas.

Agotados, en La Teatrería ofrece funciones dobles, los sábados de diciembre a las 18:00 y 20:30 y domingos de diciembre a las 17:00 y 19:30, hasta el primer fin de semana de enero. En esta temporada Michelle Rodríguez, da vida a Sam, la encargada de las reservaciones de un exclusivo restaurante.

¡A vivir! en el Teatro del Parque Interlomas, el monólogo de Odín Dupeyron ofrece funciones el sábado 25  de diciembre y el domingo  26 de diciembre, a las 19:00 y 18:00 horas, respectivamente.

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Este jueves 16 de diciembre, se cumplen 16 años del secuestro que sufrió la periodista mexicana, Lydia Cacho, tras la publicación de su libro Los demonios del Edén, en el que denuncia una red de pornografía infantil que implicaba a poderosos empresarios y políticos nacionales.

Tras permanecer dos años exiliada en España, la periodista mexicana estrenó la obra, La infamia, que narra los sucesos de tortura de los que fue víctima.

El montaje es una suerte de teatro documental, dirigido por José Martret e interpretado por las actrices Marta Nieto y Marina Salas, quienes dan vida a esta truculenta historia que escenifica el testimonio de Cacho, publicado en su libro Memorias de una infamia.

Al respecto, la periodista relató a Proceso: “En 2019, José Martret, que es un gran director de teatro, y yo, hablamos ampliamente. Él había leído mi libro (Memorias de una infamia. Editorial Grijalbo) y me dijo: esto se tiene que contar de una manera accesible a las gentes de teatro”.

Cacho agrega que a partir de intercambiar con el director visiones de cómo debería de ser, comenzaron a plantear las fórmulas para contar la historia. A partir de este proceso, ambos llegaron a la conclusión de que la fórmula indicada era el teatro documental y “desde entonces nos pusimos a trabajar juntos desde el principio, también con las actrices”.

La obra se sitúa aquel 16 de diciembre de 2005, cuando Lydia llegó al Centro Integral de Atención a las Mujeres (CIAM) y fue sorprendida por un convoy de hombres armados que bloquearon la calle con sus vehículos, y que al principio pensó que eran sicarios. Continuando con la detención ilegal y el infierno que vivió durante 1,500 kilómetros desde Cancún hasta Puebla, pasando por la simulación de asesinato que sufrió en una playa de Campeche, o cuando le pusieron una la pistola en la frente o en la boca por haberse metido “con el jefe”.

La infamia se presenta actualmente en la sala Max Aub en el Matadero, en Madrid y realizará una gira por diversos escenarios del país español, además hay propuestas de llevarla a Colombia, Argentina, Londres, Portugal y México, éste último lugar al que la periodista no podrá visitar por las razones ya conocidas.

Con información de Proceso, Fotos: Twitter @lydiacachosi

Enrique Singer no sólo es reconocido por su gran capacidad histriónica sobre los escenarios, sino también por su versátil y potente manera de dirigir distintas historias, mismas que han ofrecido al espectador un recorrido por diversas emociones que lo mantienen al filo de la butaca.

Como director de escena ha participado en montajes como Ricardo II y El cuento de invierno, de Shakespeare, El Marinero, de Pessoa; Edmond, Oleanna, Glengarry Glen Ross y La Anarquista, de David Mamet; Hedda Gabler de Ibsen; El perro del hortelano, de Lope de Vega, por mencionar algunos.

En esta ocasión, el actual director de la Compañía Nacional de Teatro, ofrece al público un thriller clásico, cargado de momentos de tensión, miedo e incertidumbre a través de las destacadas interpretaciones que conforman esta historia.

Al respecto, Singer declara: “Sola en la oscuridades un proyecto que me ha fascinado de principio a fin, me encanta la ambientación de la historia ubicada en los años sesenta, donde una mujer logra vencer los obstáculos cotidianos que le provoca una discapacidad que ha adquirido recientemente, para enfrentarse por sí misma a un grupo de maleantes que buscan silenciarla” .

Y agrega: “Me parece que el mensaje que aborda el texto es de una profunda vigencia, hoy más que nunca observamos el hartazgo de las mujeres por no ser respetadas y representadas de manera equitativa dentro de la sociedad, después de estar sometidas durante años dentro de un sistema que las invisibiliza. Por eso me gusta esta obra porque aquí una mujer vence todas las adversidades y creo que esa reflexión es muy importante”.

Además, el director afirma sentirse agradecido con el talento reunido en esta producción, desde la parte técnica hasta el trabajo actoral, asegurando que cada interpretación está perfectamente adecuada para brindar mayor tensión a la trama y así volver al espectador parte de la angustia y la acción.

“Todo el equipo ha hecho un trabajo excepcional, comenzando por el productor de este montaje, Morris Gilbert, pues no es nada fácil arrancar con un proyecto tan demandante en estos tiempos por demás complejos para el teatro. Por otro lado, el trabajar con Itatí ha sido un privilegio a pesar de diversas complicaciones de agenda que se han suscitado. Sin embargo, su disciplina, constancia y entrega favorecen un desarrollo ideal del rol protagónico”.

Añade: “Y ni qué decir de los dos talentos emergentes que alternan el mismo personaje infantil, María Perroni Garza y Nina Rubín Legarreta me han sorprendido gratamente con su trabajo, ambas con un rigor igual de grande como el de Luis Gatica, Marco de la O, Lenny Zundel, Marcial Casale y Sergio Bonilla con quienes he disfrutado mucho trabajar”.

Sola en la oscuridad se presenta de viernes a domingo en el Teatro México, Centro Teatral Manolo Fábregas, ubicado en Velázquez de León 31, para más información, aquí.

Por Ulises Sánchez , Fotos: FB Enrique Singer y Cartelera de Teatro

A unos días de celebrar las tradicionales fiestas decembrinas, hacemos un recuento con las obras más buscadas por nuestros lectores durante el último mes del año, donde los musicales se posicionan a la cabeza del gusto del público.

Sin más, aquí les compartimos las obras que ofrecen temporada actual y les recordamos que algunas tendrán funciones especiales durante las últimas semanas del año.

10. Perfectos desconocidos. En esta historia, Eva y Alberto son los anfitriones de una cena que se saldrá de control, tras dejar abierta la caja de los secretos que cada celular de este grupo de amigos, guarda consigo. Disfruta de un gran elenco seleccionado para esta adaptación de la película hómonima con funciones en el Nuevo Teatro Libanés.

9. Blue Room. Esta propuesta protagonizada por Zuria Vega, Naian González Norvind, Pierre Louis y Alfredo Gatica, cuestiona las relaciones entre hombres y mujeres, desde el sexo hasta el poder, y cómo estás dinámicas siguen vigentes hoy en día. Se presenta en el Teatro Virginia Fábregas.

8. Como quieras, ¡Perro Ámame! Al ritmo de las canciones de Yuri, Ricardo Montaner, Armando Manzanero, entre otros, Samantha y Max se conocen en una cita a ciegas, compartiendo con el público sus mejores y peores experiencias en el amor. Funciones en el Teatro Renacimiento.

7. Dos Más Dos. Esta comedia sobre el intercambio de parejas es otra que se ha mantenido en el gusto del público, al cuestionar de manera muy amena los límites sobre el amor, el sexo y sobre todo, la fidelidad. La obra se mudó al sur de la ciudad, al Teatro Royal Pedregal.

6. Nuevo Tenorio Cómico. Este montaje toma como pretexto el clásico de la literatura española, ‘Don Juan Tenorio’, para presentar una comedia permeada de sketches políticos y actuales, que es interpretada por un gran elenco que logra sacar una carcajada hasta el espectador más reacio. Le quedan pocas funciones en el Teatro Aldama.

5. La obra que sale mal. Esta divertida comedia al más puro estilo del clown desde su estreno se ha vuelto una de las consentidas, gracias a las hilarantes interpretaciones de su reparto, que presenta la historia de una compañía amateur y el día del estreno, todo, absolutamente todo, sale mal. Ofrece funciones en el Teatro de los Insurgentes.

4. The Prom. Entre increíbles melodías y divertidas situaciones, este musical nos invita a reflexionar sobre la inclusión y el respeto por el otro. A través de la historia de Emma, una chica que vive en una provincia con costumbres muy arraigadas, que desea acudir al baile de graduación con la chica que ama, por lo que deberá sortear diversas dificultades para cumplir su sueño. Se presenta en el Centro Cultural Teatro 2.

3. Sola en la oscuridad. El thriller y suspenso son los elementos que componen esta propuesta que nos narra la historia de Susy, una mujer invidente que se ve envuelta en una intrigante trama, que deberá resolver con ayuda de sus otros cuatro sentidos. Con funciones en el Teatro México.

2. José el soñador. Si bien esta obra aún no levanta el telón de manera oficial, la expectativa que ha generado es alta, gracias a la participación de reconocidas estrellas de la escena como Carlos Rivera, Fela Domínguez y Kalimba. El musical comenzará su corta temporada a partir de febrero de 2022 en el Centro Cultural Teatro 1.

1. Aladdin. En primer lugar encontramos a la majestuosa producción de Ocesa en colaboración con Disney Theatrical Productions, un musical que logra transportarnos a las calles de Agrabah y conocer la historia del joven Aladdino, la princesa Jazmín y sobre todo al simpatiquísimo, Genio de la lámpara. Se presenta en el Teatro Telcel.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Ocesa Entretenimiento y Twitter Tenorio Cómico

En la actualidad vivimos en un mundo donde conectar realmente con las otras personas es poco probable por factores como la apatía, el ensimismamiento cotidiano y la falta de empatía que ha provocado un mundo agitado.

En esta ocasión el director de teatro Miguel Septién ofrece al espectador una historia entrañable que invita a repensar la forma en que nos relacionamos con todas esas personas con las que a primera instancia hemos establecido un no.

A continuación 3 razones para ver Visitando al Sr. Green

1- La trama. En escena Ross Gardiner es un joven ejecutivo que al manejar en la caótica ciudad de Nueva York, sin querer, casi atropella a un malhumorado anciano, el Sr. Green. El gobierno en vez de multar a Ross decide que tendrá que visitar todos los jueves al Sr. Green como servicio comunitario. El montaje ofrece una visión de la relación involuntaria que adquieren los dos protagonistas, quienes anteponen sus prejuicios y ataduras propias a sus distintas realidades. Sin embargo, el paso del tiempo, las confrontaciones continuas y las similitudes involuntarias, quizá podrían cambiar su visión sobre sus irónicas rivalidades.

2- Las actuaciones. Alberto Lomnitz y José Ramón Berganza son los encargados de visibilizar una realidad en la que nos encontramos como sociedad individualista mediante interpretaciones potentes que invitan a reflexionar sobre lo efímero de la vida y las diversas ataduras con las que la transitamos.

3- La escenografía. El público vivirá esta historia al interior de un departamento propio de una persona de edad avanzada que al paso del tiempo, adquiere el rol del punto de encuentro donde veremos la transformación de los dos personajes en la evolución de su relación.

Así que ya lo sabes, estas son algunas de las razones principales para ver esta propuesta escénica con funciones de viernes a domingo en el Foro Lucerna del Teatro Milán, para más información, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro 

La directora de teatro Angélica Rogel ha destacado en la escena teatral por armar historias con temas importantes para decir, propuestas donde el público ríe, se sorprende e identifica por la cercanía a los claroscuros que ofrecen sus actores a la hora de interpretar sus personajes.

En Orgullo, su más reciente montaje, se ponen sobre la mesa temas de relevancia que en un contexto convulso y agitado ofrece una oportunidad para reconstruirnos como sociedad, empezando con la honestidad que ejercemos hacia nosotros mismos para con nuestros deseos, gustos y preferencias.

A continuación 3 razones para ver Orgullo

1- La historia. En esta ocasión Angélica ofrece al espectador una historia que confronta a sus protagonistas a través de sus deseos más profundos, inherentes a su humanidad mediante una crítica potente a la doble moral de la sociedad actual, resaltando la hipócrita evolución que vivimos cotidianamente después de 50 años de supuesta apertura.

2- El elenco. Mauricio Isaac, Adriana Llabrés, Mauro Sánchez Navarro y Nacho Tahann son los actores encargados de dar vida a esta producción, quienes por medio de grandes interpretaciones transitan por las diferentes gamas de grises presentes en las realidades de sus personajes, en donde Adriana brilla por la sutileza y calidez de su actuación.

3- La dirección. Sin duda el trabajo que Angélica Rogel ofrece en esta propuesta escénica destaca por su dinamismo, cercanía y vigencia a la hora de retratar una realidad cotidiana en la que un gran número de personas que salen de la norma y lo socialmente establecido para ser fieles a su espíritu, transitan cotidianamente derribando atavismos propios de la ignorancia e individualismo.

Así que ya lo sabes, si te encuentras en alguno de esos momentos claves en la vida, donde buscas derribar esquemas que el contexto te ha ofrecido erróneamente, o si simplemente quieres encontrar una opción entretenida con un discurso importante para ofrecer, esta obra es para ti, te divertirás, reirás y llorarás para finalmente salir de la función sintiendo un profundo orgullo de ti.

El montaje se presenta de miércoles a domingo en el Foro Lucerna del Teatro Milán, para conocer horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Paul Edgar Ramírez

Escrita por Mart Crowley, esta puesta en escena representó en su momento un vehículo importante para exponer el tema de la diversidad sexual en una época donde la homofobia y la doble moral se anteponían a los derechos de una comunidad discriminada por ser fiel a su naturaleza.

Gracias al trabajo empleado por el autor y diversos agentes de cambio que se le sumaron en el camino, este proyecto ha servido como un espacio para hablar sobre la inclusión y el respeto. Actualmente, este montaje es presentado en nuestro país, dirigido por Pilar Boliver, con las interpretaciones de Horacio Villalobos, Juan Ríos Cantú, Carlo Guerra, Alfonso Soto, Constantino Morán, Pedro Mira y Gutember Brito.

A Continuación 5 datos curiosos sobre Los chicos de la banda

1- Un parteaguas en el teatro de los años 60. Estrenada en el circuito off-Broadway en 1968, la puesta en escena es considerada una de las principales producciones en abordar una visión sobre la relación de un grupo de hombres homosexuales de aquella época, así como de las distintas problemáticas que enfrentaban en un contexto hostil para la diversidad.

2- Estreno en México. La obra se estrenó en 1974, gracias a la iniciativa de la directora, actriz, escritora y activista Nancy Cárdenas, bajo el título de Los muchachos de la banda, siendo la primera obra en representar abiertamente una historia de temática gay en nuestro país. Además cabe señalar que en ese mismo año, la también locutora radiofónica fundó la primera organización homosexual de México, el Frente de Liberación Homosexual (FLH).

3- Retrato colérico de un contexto homófobo. De acuerdo con Mart Crowley, la principal motivación para escribir el montaje no fue el activismo, sino el enojo que sentía hacía sí mismo y la carrera en donde se desenvolvía, además de la inspiración que obtuvo de la actitud social atávica de esos años , donde simplemente quería exponer la realidad cotidiana en la que vivían todos los personajes.

4- Crowley en el papel de Michael. El director de la puesta afirmó haberse recreado a sí mismo en el personaje de Michael, describiéndolo como una persona compleja, que es consciente de lo que es políticamente correcto, pero que siente un profundo desprecio por ello. En el documental de 1995 The Celluloid Closet, Crowley explicó: “El humor autocrítico nació de una baja autoestima, y de lo que los tiempos que estábamos viviendo decían de nosotros mismos”.

5- La más reciente producción en Broadway. The Boys in the Band, dirigida por Joe Mantello, se estrenó en el Teatro Booth el 31 de mayo, y se prolongó hasta el 11 de agosto. Fue especialmente organizada para el 50 aniversario del estreno original de la obra, misma que estuvo protagonizada por Matt Bomer, Jim Parsons, Zachary Quinto y Andrew Rannells, así como por Charlie Carver, Brian Hutchison, Michael Benjamin Washington, Robin de Jesús y Tuc Watkins, donde un requisito importante para la producción, era que todos los personajes gays fueran interpretados exclusivamente por actores abiertamente pertenecientes a la comunidad homosexual. Cabe destacar que esta adaptación ganó el Premio Tony 2019 al mejor reestreno de una obra teatral.

Como puedes darte cuenta, Los chicos de la banda es una puesta escénica muy relevante para la visibilización de un sector de la población por años denostado y constantemente vulnerado, ofreciendo al espectador un retrato contemporáneo sobre las distintas problemáticas que enfrentaban los hombres homosexuales de esa época mediante los claroscuros de cada personaje.

El montaje ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro Xola Julio Prieto, ubicado en Av. Xola No. 809, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

¿Cuántas veces has abierto un chocolate esperando que salga un boleto dorado? Ahora esto será una realidad, gracias a Gou Producciones y Los Rulés quienes traen a México, Charlie and the Chocolate Factory, el espectacular tour de Broadway.

La obra se presentará en el Centro Cultural Teatro 1, del 6 al 10 de abril en su idioma original, y contará con subtítulos en español que se podrán apreciar desde dos pantallas laterales.

En conferencia de prensa, el productor Alex Gou compartió: “Esta es la versión completa, montada y producida en inglés, traducción por Cerviño. Es un trabajo donde se debe sincronizar con el director de allá, y tendrá 8 funciones en México. Es una gran apuesta para ver cómo resulta, la obra se presentará con subtítulos a través de dos pantallas laterales en el escenario. Estoy muy contento con Los Rulés y esto es el comienzo”.

Por su parte, Diego Cárdenas de Los Rulés señala: “Es la primera vez que arriesgamos nuestra lanita, gracias al grupo de fanático que nos respalda y la experiencia que obtuvimos con Gou, decidimos emprender con este proyecto. Sabemos que en México es difícil acceder al teatro con historias presentadas alrededor del mundo en los principales teatros, le apostamos a que los jóvenes se acerquen a estos espectáculos internacionales desde la comodidad de la ciudad en la que viven y fomentar una costumbre teatral en ellos”.

Mientras que, el stage manager, Pepe Valdés externó: “Las escenografías y vestuarios son creados en los mejores lugares del mundo, con una orquesta en vivo, coreografías, iluminación, todo es tal cual se presenta en Broadway. Esta producción viene con 20 trailers, nos piden 70 técnicos para emplear la logística del armado de la obra, todo viene armado y preajustado, son niveles de infraestructura impresionantes, poco comunes en nuestro país”.

Charlie y la Fábrica de Chocolate es el comienzo de diversas obras internacionales que Gou planea traer a nuestro país, tal cual se presentan en el extranjero, como Beetlejuice.

En este sentido, Gou mencionó: “Tenemos que ayudar a los nuevos productores, es un contexto muy complicado para los espectáculos, no hay productores, estamos acostumbrando al público a regresar a las salas, pero mi compromiso como productor es seguir apostando por la calidad teatral en nuestro país”.

¿De qué trata?

Cuenta la historia del famoso inventor del Everlasting Gobstopper, Willy Wonka, abrirá las puertas de su maravillosa y misteriosa fábrica, pero sólo unos pocos serán los afortunados. Tal es el caso del joven Charlie Bucket, cuya vida necesita ser endulzada. Él y otros cuatro ganadores del boleto dorado se embarcarán en un fascinante viaje que les cambiará la vida, a través del mundo de la imaginación de Wonka.

El musical es dirigido por Matt Lenz, basado en el Tour Original Internacional dirigido por el 3 veces ganador del Tony, Jack O’brien; la música original es del ganador del Grammy y Tony, Marc Shaimann; y las letras son de Scott Wittman y Shaimann; mientras que la coreografía corre a cargo de Joshua Bergasse.

Participan los actores Cody García (Willy Wonka), Jackson Greenspan (Charile Bucket); Steve MacCoy (abuelo Joe); Claire Leyden (Sra. Bucket); Audrey Belle Adams (Sra.Gloop); Zakira Baptiste (Violeta Beauregarde); Katie Fay Francis (Sra. Tevé); Scott Fuss ( Mr. Salt); Nic Mains (Augustus Gloop); Branden R. Mangan (Sr. Beauregarde); Matthew Boyd Snyder (Mike Tevé).

Incluye canciones de la película original, como “Pure Imagination”, “The Candy Man” y “Ive Got a Golden Ticket”, que serán la delicia de chicos y grandes.

Charlie and the Chocolate Factory ofrecerá una corta temporada en la Ciudad de México, del 6 al 10 de abril en el Centro Cultural Teatro 1, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz y Ulises Sánchez, Fotos: Marina Medina y Jeremy Daniels

El momento para reírse de los contratiempos y las vicisitudes que ha traído la pandemia de Covid-19 ha llegado, Teatro La Capilla ofrece un año más la puesta en escena, Los Cuentos Anticovideños, conformada con 3 nuevas historias dirigidas por Boris Schoemann, Mario Alberto Monroy y Angélica Rogel.

Al respecto, Alejandra Ramos, administradora del recinto y productora de la compañía Los Endebles, declara: “Como compañía nos sentimos muy afortunados de poder concluir este caótico año riéndonos de nuestras desgracias a través del humor que nos presentan estas divertidas historias que retoman diversas situaciones vividas en este segundo año de pandemia con la intención de olvidarnos un poco de lo malo y simplemente disfrutar del ingenio que los creadores han puesto en estos montajes”.

Y agrega: “Mauricio Popoca, Elena Islas y Aldo Martínez Sandoval recrean en el escenario momentos que quizá todos hemos experimentado durante esta época, interpretados por Emmanuel Pavía, Daniela Luján y Jerry Velázquez, quienes invitan al espectador a vivir sus desgracias por medio del humor negro que caracteriza estos unipersonales de larga tradición en La Capilla”.

Además de los Anticovideños, la productora asegura que Los Endebles iniciará el año con un panorama más claro sobre los espectáculos presenciales por lo que el 2022 representa el regreso a los escenarios de manera más rigurosa y comprometida.

“Afortunadamente, las autoridades han dado luz verde a los espectáculos teatrales con mayor claridad, el próximo año podremos continuar trabajando al ritmo que habíamos dejado atrás en este periodo de tanta incertidumbre, nuestros creadores habían estado guardados en sus casas por mucho tiempo y ahora, con este nuevo panorama, retomarán sus actividades con mayor fuerza”, señala.

Y agrega: “Teatro La Capilla también presentará en los primeros meses más propuestas de jóvenes creadores, eso es algo a lo que le estamos apostando en este espacio, nos interesa dar la oportunidad a autores emergentes de mostrar y probar sus proyectos con el público que visita nuestro teatro y de esta manera incentivar la creatividad de un mayor número de jóvenes plumas”, concluye.

Cuentos Anticovideños se presenta del 21 al 30 de diciembre en Teatro La Capilla, ubicada en Madrid 13, para conocer precisos y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Teatro La Capilla 

La Navidad está a la vuelta de la esquina, y es una magnífica época para estar con la familia, los amigos y todas aquellas personas que queremos.

Sabemos que no a todo el mundo le gusta salir y buscar los regalos, si eres de los que se estresan por no saber qué regalar en estas fechas, recuerda que el teatro será siempre una gran opción y en estas vacaciones diversas producciones ofrecen funciones especiales para que asistas cualquier día de la semana (más info).

Aquí te damos algunas recomendaciones que estamos seguros te harán quedar muy bien con tus amigos, familiares o pareja, y por si fuera poco con ¡los mejores descuentos!

Pachecas a Belén. Esta irreverente pastorela drag, cuenta la historia de tres pastorcitas que en unos de sus “viajes”, reciben el anuncio del arcángel Miguel sobre la llegada del Mesías. Por lo que ellas emprenden el viaje, pero no será tan sencillo, pues en el camino deberán sortear divertidas y ocurrentes situaciones, y sobre todo, evitar las maldades de Satán quien intentará detenerlas. Obtén tus boletos con descuento, aquí.

Toc Toc. Una comedia que muestra de forma muy amena los problemas a los que se enfrentan las personas con trastornos obsesivos compulsivos, mejor conocidos como TOC. Estos personajes “coinciden al mismo tiempo” en el consultorio del psiquiatra y mientras esperan, deciden tratar de enfrentar sus traumas en grupo, que terminan provocando la risa de los ahí presentes. Obtén tus boletos con descuento, aquí.

El soldadito de plomo. Escrita por el poeta danés Hans Christian Andersen, cuenta la historia de un valiente soldadito que no cuenta con una pierna y se enamora de una bailarina, que un día es alejada de su hogar y deberá encarar diversas circunstancias para regresar a casa y demostrando que el verdadero amor y determinación siempre triunfarán. Obtén tus boletos con descuento, aquí.

12 princesas en pugna. Si alguna vez has imaginado qué pasó después del “felices para siempre”, no te puedes perder esta hilarante parodia, en la que Cenicienta no conforme con su vida de casada, decide reunir a todas las princesas para revelarles un gran secreto, donde descubriremos que todas tienen los mismos problemas que las parejas comunes, pero de una forma totalmente divertida. Obtén tus boletos con descuento, aquí.

El cuarto rey mago. Este clásico de temporada lleno de alegría y humor blanco nos trae la historia de Artabán, el cuarto rey mago, que en vísperas del nacimiento de Jesús, se dirige a Belén, pero una serie de infortunios y obstáculos harán que llegue 33 años después, mostrando que el tiempo es relativo cuando estamos dispuestos a cumplir nuestra misión. Obtén tus boletos con descuento, aquí. 

La dama de negro. Esta obra con más de 26 años ininterrumpidos, está basada en el libro de Susan Hill, que narra la historia de Arthur Kipps, un agente de bienes raíces que intenta contar a su familia sobre una terrible experiencia paranormal que vivió en su juventud. Esta historia de suspenso y terror hará que grites de miedo en cualquier momento. Obtén tus boletos con descuento, aquí.

La historia de Gazapo. Una historia que llega por igual a parejas con más de 30 años, recién casados, que viven juntas o simplemente quienes comienzan un noviazgo, pues invita a reflexionar acerca de las diferentes situaciones que se viven en pareja y recordarnos cuáles son las cosas más importantes en una relación. Obtén tus boletos con descuento, aquí.

Consulta nuestras promociones con otras obras, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Para celebrar a todo pulmón esta Navidad, les armamos una playlist en Spotify con algunas de nuestras canciones navideñas favoritas de teatro musical, sólo debes seguir nuestra lista de reproducción.

¡Dale play a tu dispositivo y siéntete libre de compartirlas!

1. Merry Christmas Maggie Thatcher. Esta canción pertenece al musical Billy Elliot, y está inspirada en las revueltas mineras de la época de Margaret Thatcher mejor conocida como la Dama de Hierro.

2. Christmas bells are ringing. Sin duda es una de las melodías más simbólicas de la temporada, y de uno de los musicales más reconocidos en el mundo, Rent, que nos da un vistazo sobre la vida de sus protagonistas durante una fría Navidad en Nueva York.

3. New Deal for Christmas. Esta es la penúltima canción del musical Anita, la huerfanita en la que podemos ver a todo el elenco cantando y celebrando la llegada de la Navidad.

4. We need a little Christmas. Pertenece al famoso musical Mame, tras perder su fortuna en el colapso de Wall Street en 1929, su protagonista decide tener una pequeña celebración para animar a su sobrino y sus sirvientes.

5. Turkey Lurkey Time. Es una de las melodías más famosas del musical Promesas, Promesas, en la que podemos ver un fantástico baile a cargo de tres secretarías durante la fiesta de Navidad de la oficina.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

La Nochebuena ha llegado y con ella las tradiciones que año con año nos recuerdan la importancia de poder compartir tiempo de calidad con la familia, los amigos, la pareja e incluso con nuestras mascotas a través de ritos que festejan la vida y la entrega.

Cenar pizza frente al televisor, son algunas de las actividades con las que algunos creadores escénicos celebran un cierre de año y el inicio de un nuevo ciclo, una oportunidad para mirar hacia el interior, reestructurar las cosas negativas y ofrecer una mejor versión de sí mismo al nuevo año.

A continuación, los actores y actrices Alan Blasco, Marcos Radosh, Rogelio Suárez, Eduardo Ruy, Raquel Garza y Nora Huerta, comparten su forma de celebrar esta época.

ALAN BLASCO

Para el intérprete, la Navidad representa la oportunidad perfecta para comer sin culpa, dejando a un lado la preocupación de los kilos extra que se puedan presentar en el camino. “A mí lo que me encanta en esta época es darme unos atracones de comida, soltar un poco y subir 3 kilos, jajaja”, declara.

“Hace poco hablaba con un amigo sobre el tema de la Navidad, porque todo es escaparate, esta onda que se volvió bastante consumista, y mira que te lo dice un gran consumista, tampoco voy a ser hipócrita, pero ahorita te revienta todo lo que viene siendo la mercadotecnia por la pandemia y en los últimos años me ha agüitado el espíritu navideño, no soy Grinch, pero se vuelve una presión económica, mental, emocional cada vez que llega Navidad para mi”.

Y agrega: “Creo que el sentido para mí, más que el festejo, es la reunión familiar, sobre todo, en los últimos años con esta terrible situación de la pandemia, que muchas sillas se quedaron vacías, que muchos familiares ya no están, es una bendición los que todavía tenemos mamá y papá, los hermanos cerca y que en la última Navidad, nos nos vimos por razón de distancia, porque ya estaba muy convulsionado, muy efervescente este tema de la pandemia. Sigue estando, pero este año ya podemos reunirnos y ver quiénes siguen ocupando las sillas del comedor. Lo que me importa es encontrar un día donde todos dejemos teléfonos y agenda y podamos compartir vivencias, volvernos abrazar, poder mirarnos a los ojos, y para mi eso es la tradición navideña”.

MARCOS RADOSH

El actor asegura haber vivido durante su infancia esta celebración de manera menos tradicional. “Es un poco extraño, porque yo crecí con mi mamá, éramos los dos solos en Cancún, nuestras tradiciones eran un poco distintas a las de la mayoría de las familias, lo que hacíamos, me encantaba pedir pizza, pedíamos pizza y veíamos películas. Hasta la fecha cada que veo, Mi pobre Angelito, donde está Macaulay Culkin en la limusina comiendo pizza de queso, se me antoja, y me acuerdo de la Navidad porque esa era mi tradición”.

Y agrega: “Otro recuerdo, son los regalos era muy emocionante, me acuerdo que mi mamá me decía: Ya duérmete, si no te duermes no va a venir Santa Claus, y yo no me podía dormir de la emoción, había mucha expectativa despertar y ver que trajo Santa, y que se comió las galletas, y saber que si existe porque se las comió. Toda esa magia que hay de la Navidad es lo que más recuerdo”.

ROGELIO SUÁREZ

De acuerdo con el intérprete, la manera en que celebra esta época es muy tradicional, afirma que le encanta estar con su familia y comer cosas deliciosas todo el tiempo, además de amar los grandes clásicos cinematográficos de la temporada.

Además de festejar con sus seres cercanos, el actor asegura sentirse profundamente agradecido por ser parte del elenco de Pachecas a Belén, puesta en escena con 36 temporadas consecutivas. “Yo entré hace aproximadamente 16 años y la he hecho 12 o 13 veces y es una manera de celebrar la navidad también pero de una forma poco convencional y con un sentido del humor irreverente”, expresa.

Y agrega: “Yo considero que justamente de eso se trata esta temporada, de estar contento y compartir con la familia que uno elige, en esta obra todos somos amigos, nos llevamos muy fuerte pero nos queremos profundamente, entonces el poder reír en escena con mis compañeros se ha convertido en mi mayor tradición de fin de año”.

EDUARDO RUY

El actor vive el espíritu navideño en compañía de su esposa e hijos, estando más unidos durante esos días al realizar distintas actividades que año con año esperan volver a compartir.

“Para mí la Navidad es amor, recordamos el nacimiento de Jesús en la tradición católica pero podemos darle el nombre de quién queramos porque en otras religiones también se festeja el inicio de un nuevo comienzo, donde se ponen en alto valores de convivencia que nos hacen mejores personas con nosotros mismos y con nuestros seres queridos”, asegura.

Y agrega: “Muchas veces no nos damos ese tiempo de abrir el corazón con los demás y por esos son tan importantes este tipo de reuniones para compartir tiempo de calidad y crear recuerdos que nos acompañan durante mucho tiempo. Mi esposa, mis hijos y yo ponemos el árbol y nos ponemos mamelucos iguales ya en la nochecita para disfrutar de chocolatina caliente, jugar juegos de mesa, escuchar música o ver películas”.

RAQUEL GARZA

Por su parte, la actriz celebra en compañía de sus mascotas por las cuales siente un incondicional amor y respeto, además de disfrutar de la naturaleza que ofrece su lugar de nacimiento.

“Yo me voy al mar, por lo general trato de viajar a Tampico de donde yo soy, me encanta poder disfrutar de unos días de tranquilidad en la naturaleza con esta consciencia muy presente de estar cerrando un ciclo, agradeciendo a la vida las bendiciones que se presentaron durante el año y con la mejor actitud para iniciar una vez más”, declara.

Y agrega: “Cuando no se puedo salir de la ciudad por motivos de trabajo, lo cual también se agradece, me gusta estar con mis mascotas, siento un profundo cariño por ellas, además no sabes cuánto gozo ver caricaturas en Navidad, me quedo en cama y pongo los Looney Tunes porque soy fan de Pepe Le Pew”.

NORA HUERTA

Finalmente, la intérprete cabaretera se siente agradecida por continuar de pie y estar viva en una época por demás complicada en temas de salud y economía, asegura haberse dado cuenta de la importancia de las palabras sinceras y las relaciones incondicionales que muchas veces dejamos de alimentar por el ritmo acelerado en el que vivíamos.

“Han sido tiempos sumamente complejos, como humanidad esta pandemia nos ha recordado nuestra inmediata fragilidad, haciéndonos mirar hacia el cuidado personal, recordándonos todo lo efímero a lo que le dábamos importancia en el pasado, pero también ha significado una oportunidad de revalorizar nuestras prioridades y celebrar la vida al continuar de pie”, expresa.

Y agrega: “En lo personal, este periodo me ha enseñado a que no es necesario regalar algún artículo de alguna tienda, gastándote todo el dinero que no tienes para expresar tus sentimientos hacia los demás en estas fiestas, las prioridades definitivamente son otras; que tanto acompañas a tus seres queridos, que tan lejos estas de ejercer la violencia y que tan cerca estás de ser compasivo con las otras personas y creo que de eso se trata el espíritu de esta celebración”, concluye.

De esta manera los creadores teatrales piensan y viven las tradiciones de fin de año que en un periodo complicado para compartir con los demás, han tomado un mayor significado de unión, empatía y tranquilidad.

En Cartelera de Teatro te deseamos que al igual que ellos disfrutes del final de un ciclo con salud, paz y alegría, ¡Felices Fiestas!

Por Ulises Sánchez e Itaí Cruz,  Fotos: Cortesía

La Navidad nos recuerda la importancia de los lazos de fraternidad con nuestros seres queridos al compartir momentos de tranquilidad y amor. Pasada la cena de Nochebuena, la diversión continúa y qué mejor que seguir disfrutando de actividades memorables que aumentan la alegría de estos días.

Afortunadamente, el teatro no para en esta época de celebración y ofrece funciones especiales de cierre de año, como la tradicional temporada de los Cuentos Antinavideños que por segundo año consecutivo se presenta bajo el título de los Anticovideños en el Teatro La Capilla. Si lo tuyo es el humor negro, clásico en alguien con espíritu un poco Grinch, esta puesta en escena es para ti. A continuación te damos 3 razones para no perderte este divertido espectáculo.

1- Los monólogos. Cabe señalar, que año con año Teatro La Capilla elige los mejores textos mediante un concurso que busca impulsar talentos emergentes, donde las historias más ingeniosas e hilarantes ganan un lugar en esta conmemorativa puesta que se burla de nuestra realidad pandémica mediante personajes entrañables con los que el público identifica a más de un conocido o mejor aún, a sí mismo.

2- Las actuaciones. Daniela Luján, Emmanuel Pavía y Jerry Velázquez brillan a través de sus cómicas interpretaciones de gente común que vive la Navidad en diferentes contextos, unidos por las tragedias y las vicisitudes que los acechan en este festejo. De esta manera, el espectador obtiene diversión y un sinfín de risas e incluso carcajadas, garantizadas de principio a fin.

3- La dirección. Boris Schoemann, Mario Alberto Monroy y Angélica Rogel son los directores encargados de dar vida a los tres diferentes cuentos que reúne la puesta, en donde cada unipersonal refleja el sentido del humor de cada uno de ellos, a través de un timing perfectamente articulado, ágil y constante, mismo que propicia potentes golpes de humor minuto a minuto al interior de la sala.

Así que ya lo sabes, por estas razones el público que ha disfrutado de alguna presentación de estos cuentos regresa el año siguiente por más historias nuevas, cargadas de humor negro.

No esperes más y vive esta tradición de Teatro La Capilla con funciones diarias hasta el 30 de diciembre, para más información, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Teatro La Capilla

La puesta en escena Toc Toc se ha caracterizado por ser un montaje que permanece en el gusto del público mexicano desde hace ya varios años, al ser una comedia que aborda distintas compulsiones que, quizá, todos compartimos en distintos grados, mediante un humor ágil que expone una realidad compleja a través de la risa.

En el montaje, seis personajes con trastornos obsesivos compulsivos (TOC) se conocen en la sala de un afamado psiquiatra con el fin de solucionar sus problemas. Pero el psiquiatra no puede llegar a tiempo, ya que su vuelo ha sufrido un inesperado retraso. Así, todos se ven obligados a compartir una espera que parece interminable.

El reto actoral que representa compartir el mismo personaje para dos actrices con distintas personalidades es un trabajo que requiere de mucha dedicación y esfuerzo individual, para lograr una construcción desde su visión creativa, que se apegue a la interpretación requerida por el director de escena y con ello respetar el personaje original matizado con guiños sutiles del mundo interior de cada intérprete.

Al respecto, las actrices Sandra Quiroz y Raquel Garza quienes dan vida a “Blanca” en esta comedia, nos comparten cómo han llevado a cabo este proceso.

“Blanca es uno de los personajes que más he disfrutado en mi carrera, ella tiene obsesión por que todo a su alrededor esté limpio, desinfectado, porque desde su perspectiva todo es una amenaza de posible contagio. Se siente incapaz de tocar alguna superficie que no haya recibido un proceso adecuado de desinfección, tampoco puede tocar a nadie y por supuesto que no la rocen porque piensa que se va a morir de alguna enfermedad contagiosa”, afirma Sandra.

Y agrega: “No tienes idea de cómo comprendí este papel con todo esto de la pandemia, me sentí más Blanca que nunca. La verdad durante este periodo de incertidumbre, de saber que el riesgo está en todas partes me hacía actuar en cierta manera como ella, entonces llevar toda esta experiencia sobre el escenario me fue de gran ayuda para transmitir justamente la desesperación y ansiedad que ella tiene”.

Para la intérprete la capacidad de observación y comunicación entre compañeros de escena es fundamental para lograr un trabajo de construcción de personaje más complejo e interesante, nutriéndose de comentarios y gestos propios de cada actor.

“Tengo la fortuna de conocer bastante bien a más de un personaje en esta historia, este año a raíz de la pandemia comenzamos a rolar personajes, me ha tocado compartir a María, Blanca y a la asistente del psiquiatra, entonces entre nosotros mismos nos hemos apoyado bastante en el proceso interpretativo, lo cual me ha funcionado bastante para esta puesta escénica tan demandante y como actriz me enriquecen siempre las opiniones de mis compañeros”.

Por su parte, Raquel Garza asegura que el reto está en el trabajo individual, para ella es de mayor importancia no dejarse influenciar por el trabajo que previamente han realizado otros actores y comenzar desde la imaginación, las vivencias personales, pero sobre todo la comprensión de lo que el autor quiere decir mediante un papel determinado.

“Yo no me dejo influenciar por alguna actuación previa, no me gusta contaminarme con la visión de alguien más, y no me mal entiendas, disfruto el trabajo de mis compañeros de escena, pero cuando tengo que encarnar un papel me gusta hacerlo desde mi interior y desde la capacidad que mi corporalidad me permite realizar para generar una actuación convincente”, señala.

Y agrega: “A Blanca le cuesta relacionarse con los otros personajes porque de alguna manera quiere ser partícipe del grupo, pero lógicamente lo tiene muy difícil por esta falta de contacto, por el terror que le genera su condición, entonces yo recurro a ese profundo miedo del que ella es presa.

Ambas actrices coinciden en la gratitud de interpretar un personaje tan complejo y representativo en este montaje que requiere de una gran exigencia física para ofrecer momentos de comedia perfectamente delineados que continúan divirtiendo al amplio número de espectadores que han visto en más de una ocasión a este grupo de personas trastornadas.

Disfruta el maratón navideño que ofrece este espectáculo en el Teatro Fernando Soler, ubicado en Velázquez de León 31, para conocer horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Sandra y Raquel

El próximo año comenzará con diversas historias que no te puedes perder, espectáculos internacionales que por primera vez llegan a nuestro país, así como nuevas versiones interpretadas por actores de renombre y propuestas nacionales originales, bajo la visión creativa de grandes talentos.

A continuación te presentamos algunos de los montajes más esperados en el 2022.

José el Soñador

Alex Gou y Guillermo Wiechers ofrecerán una nueva versión del montaje escrito por los famosos autores Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, en el Centro Cultural Teatro 1 en el mes de febrero, donde los actores y cantantes Fela Domínguez, Kalimba y Carlos Rivera serán los protagonistas.

El musical es la primera obra de Andrew Lloyd Webber, y al igual que Jesucristo Súper Estrella, también es una historia bíblica, pero a diferencia de la otra, ésta es muy colorida. En ella, José es el hijo favorito de su padre, Jacob, pero sus celosos hermanos lo traicionan y lo venden como esclavo a los egipcios. Gracias a su inteligencia y su fe, José pasa de ser un esclavo a ser el gobernador de Egipto y la mano derecha del Faraón.

Charlie and the Chocolate Factory

El musical es dirigido por Matt Lenz, basado en el Tour Original Internacional dirigido por el 3 veces ganador del Tony, Jack O’brien; la música original es del ganador del Grammy y Tony, Marc Shaimann; y las letras son de Scott Wittman y Shaimann; mientras que la coreografía corre a cargo de Joshua Bergasse.

Esta producción llegará a nuestro país gracias a Gou Producciones y Los Rulés, quienes han reunido esfuerzos para presentar una breve temporada en el Centro Cultural Teatro 1, del 6 al 10 de abril.

Cuenta la historia del famoso inventor del Everlasting Gobstopper, Willy Wonka, quien abrirá las puertas de su maravillosa y misteriosa fábrica, pero sólo unos pocos serán los afortunados. Tal es el caso del joven Charlie Bucket, cuya vida necesita ser endulzada. Él y otros cuatro ganadores del boleto dorado se embarcarán en un fascinante viaje que les cambiará la vida, a través del mundo de la imaginación de Wonka.

Siete veces adiós

El actor Alan Estrada se estrena como escritor y director a través de esta propuesta escénica que se presentará en el Nuevo Teatro Ramiro Jiménez, en colaboración con los compositores Jannette Chao, Vince Miranda y el co-escritor Salvador Suárez, quienes reunieron su talento desde hace tres años para crear una historia que muestra las principales facetas del amor a través del baile y la música.

De acuerdo con los creadores, Siete veces adiós será una válvula de escape para el artista enamorado, un homenaje a cómo el amor ha creado las más bellas canciones y nos ha acompañado a lo largo de nuestras ilusiones y decepciones, mientras intenta hacer una radiografía de las relaciones en el siglo XXI.

Kinky Boots

Los productores Karla Pellegrini y Allan Poumian realizarán el próximo año una nueva adaptación de uno de los musicales más aclamados en Broadway, ganador de seis premios Tony en el 2013 con música y letra de Cyndi Lauper, mismo que fue producido por Harvey Fierstein, autor del éxito de La Jaula de las Locas.

Su trama central gira en torno a Charlie Price, un joven recién instalado en Londres, que tras la repentina muerte de su padre se ve en la obligación de regresar a Northampton y hacerse cargo del negocio familiar: una anticuada fábrica de zapatos al borde de la bancarrota. Para salvar a la empresa de la ruina, Charlie formará equipo con Lola, una fabulosa drag queen que le ayudará a diversificar el producto y a encontrar su propio camino.

La Voz Humana

Basada en la obra teatral de Jean Cocteau, este monólogo femenino verá la luz bajo la dirección de Miguel Septién y será protagonizado por Irasema Terrazas, la producción correrá a cargo de Vatru Entertainment.

El texto habla sobre la despedida amorosa de una pareja, donde se puede ver la depresión, la pérdida de autoestima, la culpa y el castigo por el que pasa una persona cuando se cree que el motivo de una ruptura.

Un monólogo que habla del amor, de su toxicidad, de su veneno, de la capacidad que tiene de incapacitarnos, del desamparo, de la espera y del vuelve. En la trama una mujer recibe una llamada telefónica que marca el fin de una relación amorosa. Sola y en la oscuridad de su apartamento debe ser fuerte y afrontar las palabras que desde el otro lado le están diciendo. Nunca veremos quién es él, pero sí sabremos que sumergirá a nuestra protagonista en una tragedia amorosa.

Por lo pronto estos son algunos de los montajes que prometen un 2022 lleno de emoción, drama y alegría, no te pierdas de las actualizaciones que iremos realizando sobre más espectáculos teatrales que podremos disfrutar el próximo año.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía de la producción y Jeremy Daniel

Por segundo año consecutivo, sumado a las medidas de seguridad, la reducción de aforo y las adecuaciones sanitarias que muchos recintos incorporaron para poder abrir, el teatro en 2021 nos regaló muchos reestrenos y algunas nuevas producciones, teatro que a pesar de todo fue bueno, y a veces producto de la misma pandemia.

Sin duda, este año fue difícil para ensayar y estrenar, donde estas propuestas lograron conectar con el público usando cubrebocas, gracias a la entrega y pasión de los creadores pudimos ver un teatro pre y post pandemia.

Sin más preámbulos, esto fueron algunas de las más destacadas propuestas del teatro mexicano durante el 2021 según nuestra plantilla de colaboradores.

Pequeñas grandes cosas. Traducida y dirigida por Paula Zelaya Cervantes (EL Hilador, Blue Room) esta obra fue un bálsamo para muchos de los que volvimos al teatro con incertidumbre, debido a la pandemia. La obra fue protagonizada por Mariana Garza, quien interpretó a Sugar, una mujer dispuesta a poner atención a miles de extraños que le abrieron su corazón.

Tártaro. A cargo del Colectivo Teatro Sin Paredes, este montaje interpretado por Bernardo Gamboa nos enfrentó con una historia fuera del teatro convencional, planteando una profunda reflexión social sobre la situación que viven miles de jóvenes en nuestro país y que se ven envueltos en el mundo del crimen organizado.

La ira de Narciso. De la pluma del dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco, Christian Magaloni nos regaló una gran interpretación de este relato de autoficción, donde el también director se desdobló en escena para encarnar un personaje muy parecido al autor y al mismo tiempo sobre sí mismo, a través de una historia que nos sumerge entre el suspenso y lo absurdo, tal como al propio Narciso.

El ejército iluminado. Desde Monterrey, llegó a la capital esta divertida y fresca propuesta a cargo de la compañía Gorguz Teatro. Una obra que nos recordó la importancia de luchar por nuestros ideales, a pesar de los obstáculos, a través de divertidos y peculiares personajes que se lanzaron a la reconquista de Tejas, así con “j”.

Códice Tenoch. Para conmemorar los 500 años de resistencia indígena, la Compañía Nacional de Teatro trajo de vuelta este impresionante drama épico que narra el surgimiento del Imperio Azteca. Mentiras, traiciones y derramamiento de sangre son los ingredientes principales de esta pieza que presentó personajes tan similares a los que aparecen en las tragedias shakesperianas.

Julieta tiene la culpa. Esta propuesta escrita y dirigida por Bárbara Colio, llegó para apropiarse del Helénico con una hilarante y reflexiva trama sobre tres mujeres, aparentemente comunes, que se volvieron un hito en la historia del teatro universal, al rebelarse contra los paradigmas establecidos por la sociedad patriarcal. Las actrices Verónica Merchant como Blanca, Carmen Mastache como Nora y Sofía Sylwin nos regalaron increíbles interpretaciones en escena.

A golpe de calcetín. Para celebrar los 10 años de trayectoria, la compañía Idiotas Teatro subió a escena esta obra dirigida al público infantil, gracias a su estética visual parecida a un cómic, labor encomiable de su equipo creativo, sumado a las buenas actuaciones y por supuesto la historia, el montaje logró cautivar tanto a chicos como a grandes, recordándonos que siempre debemos tener cuidado y pensar en las consecuencias de nuestros actos.

The Prom. Otra innovadora propuesta que estrenó con bombo y platillo fue este musical, cuya versión nacional corrió a cargo de Marte Calderón y Chema Verduzco, productores jóvenes provenientes de Guadalajara. Una obra dirigida a todo tipo de público que nos habla del amor en todas sus expresiones, así como de la tolerancia y respeto por el otro acompañada por excelentes interpretaciones, melodías y coreografías.

Aladdín. Con un vestuario colorido, escenografía deslumbrante, este musical traído desde Broadway llegó para quedarse y convertirse en una de las obras consentidas por el público. Gracias a las actuaciones de sus protagonistas, entre las que destaca el simpatiquísimo Genio interpretado por Juampi, pasando por el colmillo de Rodney en el papel de Aladdín y la frescura que imprime Irma como la princesa Jazmín.

Junio en el ‘93. Una obra impactante y profundamente humana con la cual Teatro de Arena recordó a Alejandro Reyes. Las entregadas actuaciones logran transportarnos a las aventuras amorosas, ensayos, reflexiones sobre el teatro, pero sobre todo a las emociones y pensamientos que aquejaban a Reyes, personaje de la escena de los años 90 que vivió su homosexualidad siendo seropositivo

Visitando al Sr. Green. Con gran talento actoral, Alberto Lomnitz y José Ramón Berganza, nos hablan del choque generacional entre un joven y adulto mayor, y nos hacen reflexionar con una historia que resuena en estos tiempos convulsos más fuerte que nunca y nos invita a escuchar y comprender al otro desde nuestras diferencias.

El autor. Anunciada para levantar el telón en 2019, la pandemia hizo que no levantará el telón, sin embargo, regresó con un formato más íntimo para lograr sacudirnos con esta tremenda y desgarradora historia que nos cuestiona sobre si lo que estamos viendo en escena es real o ficticio, como si se trata de un documental. Sin más recursos que sus potentes actuaciones, Magnífico Entertainment logró cautivar a más de uno con este juego de roles.

Otras obras que merecen una mención dentro de nuestro listado son: Cosas Raras, Nombres de combate y Orgullo.

La opinión de la crítica especializada

Para cerrar, les pedimos a nuestros amigos y colaboradores una pequeña reflexión sobre lo que pasó en la escena mexicana durante este año, éstas son sus opiniones.

Gustavo Suárez, presidente de la ACPT.

“2021 fue un año de reencuentros y reflexión, las artes escénicas recuperaron terreno hasta finalmente colmar nuevamente los recintos teatrales, algunas puestas en escena tuvieron temporadas en extremo cortas (dos fines de semana cuando mucho) sobre todo en esquemas institucionales en los que quedaban muchos saldos pendientes que tenían que ser cumplidos a cabalidad, multiplicando con ello la variedad. Al final de cuentas en un mundo que aún no supera del todo la pandemia, que de hecho se preocupa por la aparición de mutaciones por las que se deben tomar nuevas medidas, la Ciudad de México es nuevamente el centro neurálgico del entretenimiento”.

Hugo Hernández, crítico de teatro.

“Cuando el 15 de marzo de 2020 se anunció el cierre de teatros, nadie podía haber imaginado que transcurrirían casi 20 meses antes de que la situación se “normalizara”. Por ello, es que este último trimestre de 2021 no puede calificarse más que de una manera: milagroso. ¡Sí, milagroso! En el que hemos tenido la oportunidad de ver renacer el arte escénico, con verdaderas joyas. ¡Albricias!”.

Alegría Martínez, crítica de teatro.

“El 2021 es un año memorable. Al levantarse el telón de nuevo, fuimos testigos de un arte teatral fortalecido cuando se desvanecía la esperanza. La ausencia física de quienes partieron deja en colegas y espectadores la luz de su entrega artística. El latido al unísono de personas arriba y abajo del escenario nos da la certeza de que existe el horizonte”.

Roberto Sosa, crítico de teatro y miembro de la ACPT.

“La actividad teatral de este año se podría decir que es aceptable si la comparamos con 2020, al finalizar el 2021 la pandemia nos dio un respiro, permitió que la mayoría de los recintos re abrieran sus puertas; el público volvió a las salas de teatro. Algunas dramaturgias este año tocaron el tema y las obras que regresaron, tomaron el escenario desde otro lugar, con actuaciones más sensibles; de igual manera, el espectador ocupó su asiento para ver teatro más perceptivo”.

Un año que ha representado un reto más para el teatro nacional, sector que ha sufrido como ningún otro los embates de la pandemia, no obstante, mientras exista una historia qué contar, el teatro permanecerá de pie.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía 

Una de nuestras principales tareas durante el año, es poder conversar de forma más íntima con los creadores, acerca de las propuestas que se presentan en escena, para conocer más de cerca los procesos que existen detrás del telón. Labor que sería imposible sin la colaboración mano a mano con los publirrelacionistas, las diversas agencias e instituciones que confían en nosotros.

A lo largo del 2021, pudimos platicar con diversas personalidades de la escena nacional, desde directores, productores, actores y actrices ya reconocidos, así como actores y actrices que poco a poco se abren camino en el mundo actoral.

Ahora hacemos un recuento con las entrevistas:

15. “En cada función sigo construyendo a Carl”: Entrevista con Alex Brizuela de GHOST

Con el regreso de Ghost,  platicamos sobre los detalles del montaje con Alex Brizuela. El actor, músico y conductor nos comentó, “Nos toca como actores estar al servicio de la obra, y la gente lo que comenta son los efectos, ya después se acuerdan de los actores. Yo creo que los efectos especiales son los protagonistas de la historia”.

14. “Es una oportunidad de ampliar el panorama sobre la visión femenina”: Entrevista con Susana Zabaleta

Susana Zabaleta habló con nosotros sobre Los Mandamientos de una Mujer Chingona, un espectáculo sobre los distintos retos que enfrenta una mujer en la actualidad. “Los hombres que ven la puesta en escena se van muy sorprendidos, porque muchas veces no alcanzan a dimensionar la gama cromática que engloban las mujeres, es una oportunidad de ampliar el panorama sobre la visión femenina y los constantes retos a los que se enfrentan”.

13. Entrevistamos a Bianca Marroquín por sus 20 años en Broadway y CHICAGO

Desde Nueva York, Bianca Marroquín nos contó en exclusiva sobre su participación en el exitoso musical, Chicago y cómo fue reencontrarse con el público tras la reapertura de los escenarios. “Fue impresionante cómo todos nos acoplamos y aprendimos cosas nuevas, tanto para sobrevivir, como para mantener vivo lo que amamos”. 

12. Entrevista con el elenco de ALADDÍN

El elenco protagónico de Aladdín, el musical de Ocesa, producida originalmente por Disney Theatrical Productions, nos contó  detalle los retos que tuvieron que enfrentar como intérpretes, para ofrecer un espectáculo de calidad. Tuvimos la fortuna de platicar con Juampi, el Genio, Irma Flores, la Princesa Jazmín y Rodney Ingram el actor que interpreta a Aladdín, señala que está muy feliz de poder estar en México para esta obra, “tenía una larga temporada sin visitar a mi familia y ahora gracias a este proyecto tengo la oportunidad de verlos y disfrutar de la ciudad. Me gustaría continuar trabajando acá, si se diera la oportunidad yo encantado”.

11. “El mensaje que aborda el texto es de una profunda vigencia”: Entrevista con Enrique Singer

El director de escena y director artístico de la Compañía Nacional de Teatro nos habla sobre su más reciente trabajo, Sola en la oscuridad, “Me parece que el mensaje que aborda el texto es de una profunda vigencia, hoy más que nunca observamos el hartazgo de las mujeres por no ser respetadas y representadas de manera equitativa dentro de la sociedad, después de estar sometidas durante años dentro de un sistema que las invisibiliza. Por eso me gusta esta obra porque aquí una mujer vence todas las adversidades y creo que esa reflexión es muy importante”.

10. “Quien la haya visto antes sí verá una obra renovada”, Richard Viqueira nos habla sobre BOZAL

El director, dramaturgo y actor, Richard Viquiera nos habló del regreso de Bozal, propuesta escénica de su autoría que eleva a los espectadores a 7 metros de altura. “Es una obra renovada, el discurso fue modificado con lo cual se añadieron algunas secuencias, partes confesionales, el teatro tiene otra dinámica, otras alturas. Quien la haya visto antes si verá una obra renovada, tiene elementos distintivos acordes a lo que estamos viviendo”.

9. “Son temas que nos competen siempre”: Diego del Río habla sobre BLUE ROOM

Diego del Río es uno de los directores jóvenes más importantes de la escena nacional, y tuvimos la oportunidad de platicar con él previo al estreno de Blue Room. “Para mí fue un proceso muy enriquecedor, adentrarme en este texto porque era un tema en el que no había profundizado antes: la complejidad de las relaciones de pareja, a raíz de los encuentros eróticos como pretexto”.

8. “Es difícil decirle adiós a una pieza teatral que tanto te dio”: Entrevista con el elenco de DOS MÁS DOS

La comedia que regresó al Teatro San Rafael, pudimos hablar cara a cara con Adal Ramones, Sabine Moussier, Mauricio Islas y Mónica Dionnes, sobre su nueva temporada, ésta última destacó “la maravillosa capacidad del cerebro y de la memoria, pues después de un año cinco meses sin funciones, en algunos ensayos han logrado recuperar el ritmo de la obra”.

7. “Una obra que explora los encuentros y desencuentros”: Mario Iván Martínez habla sobre Van Gogh

Sin duda, uno de los personajes más queridos por nuestros lectores es el gran Mario Iván Martínez, quien trajo de vuelta el montaje Vincent van Gogh, pero convertido en un unipersonal. “En este caso estaré presentando la versión unipersonal de mi autoría, es una obra que explora los encuentros y desencuentros, la paradoja de vida y la evolución pictórica de este extraordinario genio, tan incomprendido en su tiempo y hoy tan admirado por las generaciones actuales”.

6. Reabre sus puertas el Teatro de la República, entrevista con Miguel Alonzzo

Sobre la reapertura de este importante recinto, Miguel Alonzzo productor de teatro y líder de la compañía Alonzzo Producciones platicó con nosotros. “Nuestra intención no es competir con todos esos grandes espacios que operan con mecanismos tecnológicos, uno de nuestros objetivos es la preservación de un lugar tradicional que evoque al ayer, conservando su esencia para venir con toda la familia y con personas de la tercera edad, de quienes he recibido comentarios de alegría por esta reapertura, pero con la seguridad de un teatro moderno”.

5. “El duelo es un tema recurrente en mi dramaturgia”, César Chagolla habla sobre VARIACIONES SCHRODINGER

El dramaturgo, César Chagolla nos habló sobre la inspiración que lo llevó a escribir este montaje sobre las desapariciones forzadas en nuestro país. “El duelo es un tema recurrente en mi dramaturgia, ha sido muy estudiado y difundido el fenómeno de las etapas del duelo ante la muerte o una pérdida concreta. Sin embargo, ¿cómo vives un duelo ante la falta de certeza sobre el paradero y la posible esperanza de que esa persona pueda regresar?”.

4. Revelan la primera canción oficial del musical SIETE VECES ADIÓS, entrevista con Jannette Chao

Jannette Chao nos contó a detalle sobre la primera canción de este musical original, escrito en colaboración con Alan Estrada, Vince Miranda y Salvador Suárez,  que mostrará las distintas facetas del amor a través del baile y la música. “Es una canción icónica, más adelante vendrán más colaboraciones artísticas, esta composición la produce Tito Urias. Se trata de la canción central en la obra, y enarbola lo que queremos dar a entender en la historia que contamos, que son todas las etapas del amor desde la parte nostálgica, iracunda, desesperanzada, esperanzada, la idealista”.

3. “El streaming llegó para quedarse y a mí me conviene”: Entrevista con Susana Alexander

A sus 77 años, la primera actriz se apoderó de las plataformas ofreciendo una diversidad de espectáculos producidos por ella misma. “He ido aprendiendo mucho, a grabarme con mi celular en la casa de campo, me divierto, aprendo y sigo haciendo lo que más me gusta hacer. El streaming llegó para quedarse y a mí me conviene mucho porque tengo muchos espectáculos”.

2. “México está listo para recibir más historias así”: Entrevista con las protagonistas del musical, THE PROM

Esta propuesta fresca, divertida y sin precedentes se ha convertido desde su estreno en una de las favoritas del público mexicano. Previo a su estreno platicamos con Brenda Santabalbina (Emma) y Dai Liparoti (Alessa), personajes centrales del musical. “Ha sido un proceso donde he tenido que regresar a mis épocas de adolescente y recordar cuando estaba en la prepa, pues en realidad era muy parecida a Emma (…) Conecté con esos sentimientos y reflexioné que, a veces, a la gente le cuesta mucho trabajo entender que como adolescente estás pasando por una etapa de descubrimiento y aceptación”.

1. Mario Iván Martínez regresa a LA JAULA DE LAS LOCAS

El histrión platicó brevemente con nosotros sobre su regreso al escenario, a más de un año de que comenzó la pandemia. “Resulta muy emotivo, emocionante regresar a lo presencial después de cuatro meses de encierro que no han sido desprovistos de productividad, porque realicé proyectos de transmisión en línea de corte familiar (…) “Estoy muy emocionado de ver a mis compañeros bajo la protección de la vacuna, porque en una puesta en escena con 30 personas en el escenario cantando, bailando, resultaría un tanto riesgoso”.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

Si bien el teatro sufrió una larga pausa por segundo año consecutivo, una vez que los teatros abrieron sus puertas, el público pudo disfrutar de una diversa oferta, pero con todas las medidas de seguridad.

Para culminar con los recuentos, a continuación les presentamos cuáles fueron las 10 obras más buscadas por nuestros lectores durante este 2021.

10. Aladdín. En el lugar número diez encontramos a la nueva producción de Ocesa en colaboración con Disney Theatrical Productions, un musical que logra transportarnos a las calles de Agrabah y conocer la historia del joven Aladdino, la princesa Jazmín y sobre todo al simpatiquísimo, Genio de la lámpara. La obra ofrece temporada indefinida en el Teatro Telcel.

9. Toc Toc. Esta divertida comedia sobre diversos personajes que padecen un TOC, se cuela en nuestro listado, gracias a la versatilidad de su elenco, quienes sorprendieron a la audiencia alternando personajes. Después de un exitoso regreso, la obra se despide de los escenarios este jueves 30 de diciembre.

8. El juego que todos jugamos. Una obra que no se puede enmarcar en un género en especial, que le muestra al espectador que sólo somos el reflejo de lo que los demás quie­ren ver. La trama realiza una crítica muy apegada a las deficiencias, actitudes y temores de los seres humanos.

7. Jesucristo Súper Estrella. Luego de una pausa obligada por la pandemia, este impresionante musical que estrenó en 2019, logró reunir a grandes estrellas, así como a los mejores cantantes y bailarines del teatro musical en nuestro país.

6. La jaula de las locas. Esta musical que celebra la diversidad con canciones divertidas, ingeniosas e inolvidables, logró posicionarse como una de las obras más populares durante el año, gracias al talento de la compañía. Actualmente ya no está en temporada, pero para consentir a sus seguidores, la obra ofrecerá una transmisión vía streaming el próximo 8 de enero.

5. Dos Más Dos. Una comedia que aborda el tema del intercambio de parejas, es otra que se ha mantenido en el gusto del público, por la forma tan amena de abordar la sexualidad en escena, además de la complicidad que ha creado su amplio elenco

4. Como quieras, ¡Perro Amame! La música, el ingenio y la verdad de esta historia han hecho de esta puesta en escena, una de las obras consentidas de la cartelera nacional. Durante varias temporadas hemos visto a diversos actores que encarnan a Samantha y Max, que sin saberlo coinciden en un restaurante en donde ambos fueron plantados por sus citas.

3. Hoy no me puedo levantar. En la tercera posición se coloca la fiesta musical que rinde tributo al grupo Mecano, que regresó para conquistar una vez al público con las voces de María León y Yahir, y transportarnos al Madrid de los años 80’s, donde un grupo de jóvenes van en búsqueda de su sueño.

2. Blindness. Esta obra inmersiva pensada para la pandemia, se convirtió en todo un suceso escénico, apoyado por la tecnología binaural, logró conducir a los espectadores a través de un impresionante viaje multisensorial, acompañado por la voz de la reconocida actriz Marina de Tavira.

1. Nuevo Tenorio Cómico. En primer lugar, el público ha elegido a esta disparatada comedia permeada de albures y comentarios hilarantes llenos de humor que son presentados por un reconocido grupo de comediantes, que hacen de esta puesta en escena una de las ofertas más buscadas, y divertidas, de la cartelera.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

Si 2020 fue el año del cierre de los teatros y la incertidumbre, el 2021 ha sido el de la reactivación y la esperanza. Este año que termina nos ha permitido -con límites- volver a estar juntos. Ustedes, los lectores de Cartelera de Teatro son y han sido el motor principal de esa esperanza, retomando las butacas de los teatros.

En los últimos días de febrero de 2021 se dio, por parte de las autoridades de la Ciudad de México, el anuncio tan esperado: a partir del 1 de marzo los recintos teatrales podrían abrir nuevamente. Fue una apertura con aforos limitados, apenas el 20% en un inicio, y con medidas sanitarias estrictas. Productores, creadores y público teníamos que acostumbrarnos a una nueva realidad, a una nueva experiencia teatral.

El teatro fue uno de los sectores más afectados por la pandemia en nuestro país. Así lo muestran los datos dados a conocer por el INEGI en noviembre pasado. Los indicadores señalan que de 2019 a 2020 el PIB Cultural en México pasó del 3.1% al 2.9%.

Además, la institución señaló que al total del PIB del sector cultural, las artes escénicas aportaron el 3.8% en el 2020, frente al 5.6% que generaron en el 2019; el área del sector cultural que mayor disminución mostró en 2020 fueron las artes escénicas y espectáculos, cayendo en 43.1%.

Los primeros meses del regreso han sido complicados. Se trató de reaprender para todo el gremio, para los amantes del teatro, para todos.

2020 la reapertura interrumpida

Desde 2020, durante la primera reapertura se realizaron esfuerzos por adaptarse a las circunstancias. Ahí estuvieron experiencias como Elena en el Teatro Milán, que en agosto de aquel año, con el esfuerzo de Mariana Garza y Pablo Perroni, buscó brindar al público una experiencia teatral adaptada a la sana distancia. También estuvo el musical Ghost, que con apenas un 30% de aforo permitido se atrevió a regresar al teatro presencial de la mano de Mejor Teatro y el productor Morris Gilbert. La comedia también buscó aportar un poco de diversión con el Cuarentenorio Cómico, del productor Alejandro Gou.

Otras producciones que en aquel momento se arriesgaron fueron La Jaula de las Locas, de Juan Torres, y La dama de negro, de Rafael Perrín y Antonio Calvo. Fue un periodo breve en el que pudimos volver a vivir un poco de presencialidad antes de que volvieran a cerrar los telones.

Marzo de 2021 la esperada reapertura

Sin embargo, fue hasta marzo de 2021 – con la nueva reapertura- que comenzaron a regresar montajes que habían visto interrumpidas sus temporadas o propuestas nuevas que, con puro amor, compromiso y esfuerzo, sus productores y creadores pusieron en marcha. Puras cosas Maravillosas, Hoy no me puedo levantar, Dos más dos, Pequeñas grandes cosas, Ciudad Luminosa, Jesucristo Súper Estrella, The Prom, Perfectos desconocidos fueron llegando a los escenarios a pesar de las condiciones difíciles para hacerlo. Ghost, La Dama de Negro y La Jaula de las locas, a pesar de haber tenido que bajar el telón nuevamente en diciembre de 2020, regresaron también para seguir dando funciones en este año.

Fueron y son más, muchas más, las obras que tomaron los escenarios de la Ciudad de México, nombrar a cada uno de ellos sería imposible, pero tienen la gratitud del público que estaba ya ávido de volver a soñar y disfrutar con el teatro. Todas estas propuestas convivieron en este 2021 con los formatos virtuales, híbridos y con propuestas novedosas como Blindness, que trataron de buscar formas de adaptarse a esta nueva normalidad.

Las condiciones no han sido óptimas para operar, pero el espectáculo tiene que seguir. El avance en la vacunación ha sido un respiro y ha permitido que volvamos a vivir la experiencia teatral. Hemos vuelto, poco a poco, a los recintos teatrales, pero todavía falta mucho.

Hacia el 2022

El 2022 deseamos que sea el año de los teatros llenos y del fin de esto que ya por casi dos años hemos vivido. El año en el que los espectadores regresemos de lleno a las butacas para mantener vivo al teatro, que tanto nos ha dado.

Es fundamental que le demos aire a las artes escénicas. Ellas -como siempre lo han hecho- nos han enseñado de resiliencia y de esperanza. En el acto convival que implica el reunirnos en el teatro descubrimos cosas de nosotros mismos y de los demás.

Al iniciar la pandemia, mientras los teatros cerraban alrededor del mundo, en este espacio recordamos que a fin de cuentas el teatro siempre ha de sobrevivir. Que incluso en los momentos más oscuros de la humanidad ahí ha estado para permitirnos soñar y reflexionar, para hacernos saber que habrá siempre una manera de sobreponernos a lo imprevisto.

El teatro es una fuerza viva que no se detiene. Queremos agradecer -hoy más que nunca- a los productores, a los actores y creadores, a cada persona que forma parte del personal técnico, a nuestros colaboradores, pero sobre todo, a ustedes, nuestros lectores, que han estado este 2021 a nuestro lado. A todos ustedes que hacen posible que el teatro no se detenga.

Feliz 2022 para ustedes y sus seres queridos, que sea un año de salud, de éxitos, y de nuevos retos que nos impulsen. Que el año que está por iniciar sea el momento de encontrarnos nuevamente en los teatros llenos, gracias por caminar a nuestro lado.

Santi, personaje de la puesta en escena Perfectos desconocidos se caracteriza por ser un soñador con un espíritu emprendedor aunque sus planes no siempre le resultan como él esperaba, también es un seductor incansable, sin pensar mucho en los daños colaterales que provoca con su actitud desleal.

Basada en la película homónima de Paolo Genovese el montaje de David Serrano y Daniel Guzmán ofrece las interpretaciones de Lambda García y Christian Ramos alternando el mismo papel.

Al respecto, Lambda comenta: “Compartir con Christian esta alternancia es parte de lo bonito de esta propuesta escénica el día de hoy, porque somos muchos actores en el elenco y todos le damos un toque distinto a los personajes que compartimos”.

“El poder hacer un Santi completamente diferente al que interpreta Christian me encanta y al público también, cada vez que vienen al teatro verán un montaje distinto por el simple hecho de las diferentes personalidades con las que cuenta cada actor”.

Y agrega: “Hicimos mucho trabajo de mesa muy largo, previo a pasar a los ensayos y ahí había mucha retroalimentación con Christian porque él veía cosas que yo no, entonces nos ayudábamos, también yo no taba actitudes de amigos que sabía podrían comportarse como Santi en la vida e incluso desde mis propios errores fue que comencé a construir mi versión del personaje”.

Por su parte, Christian Ramos asegura no sentirse cómodo con las comparaciones, en cambio el actor confía en que el trabajo de cada intérprete para encarnar la piel de un personaje, impregnando un sello único y característico.

“Yo soy de la filosofía de que los personajes te eligen a ti y también te enseñan a abrazar tanto tus luces como tus oscuridades, el personaje es un reflejo de un trabajo interno previo que como actor es bastante enriquecedor”.

“Yo sí me veo reflejado en Santi, quizá de una forma muy inconsciente al principio y ahora son más perceptibles las similitudes que tenemos. Algunos de los rasgos que más comparto con este personaje es esta actitud de siempre estar dispuesto a la búsqueda de emprender por medio de negocios y generar más dinero, y justamente darme cuenta de todo esto gracias a mi interpretación ha sido un viaje bien bonito”.

Para ambos actores trabajar en la puesta en escena Perfectos desconocidos ha sido una fortuna en un regreso a la apertura de los espectáculos más claro que les permite de nueva cuenta la interacción con el espectador y la satisfacción de poder continuar viviendo a Santi a su manera.

El montaje extenderá temporada durante este año, ofreciendo funciones de viernes a domingo en el Nuevo Teatro Libanés con más de 15 actores que alternan personajes, para más información, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos:Fb Lambda y Christian.

Con funciones de teatro, danza, música, cabaret y multidisciplina, la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México presentó esta tarde su programación para enero 2022.

A partir del 7 de enero, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el Teatro Benito Juárez, el Teatro Sergio Magaña y el Foro A Poco No, albergarán diversos espectáculos que contarán con la participación de los más destacados autores, directores, actores y creativos escénicos del país y de renombrados artistas extranjeros.

Para celebrar a los más pequeños con motivo del Día de Reyes, el recinto de Donceles recibirá la propuesta Moby Dick el sábado 8 de enero, a cargo de la compañía Lagú Danza, dirigida por Erika Méndez, que tiene como finalidad el fomento de la literatura a partir de la obra de Herman Melville.

Al respecto, Ángel Lara, integrante de la agrupación comentó: “Es una obra de teatro-danza, donde mezclamos la ficción de Moby Dick y el teatro, inmiscuida la danza del cuerpo como elemento principal de la obra (…) Nuestros elementos son muy sencillos, apelamos a la imaginación de los jóvenes y de los niños impere en la puesta para que ellos jueguen y disfruten de la obra”.

El mismo recinto albergará la propuesta de teatro cabaret, ESCORTita la vida, a cargo de la actriz, dramaturga y directora, Minerva Valenzuela. El montaje que celebra la vida y la dignidad de las trabajadoras sexuales, ofrecerá funciones del 13 al 16 de enero en el Foyer del teatro.

Sobre su participación, la creadora escénica expresó: “Es un recital acompañado de un piano en donde hablamos del trabajo sexual, hacemos un recorrido por los últimos 150 años que han ocurrido en el trabajo sexual en la Ciudad de México, aunque también hablo de otros países y estados, a través de canciones que pretenden hablar de trabajo sexual”.

El martes 18 de enero se presentará el musical Lasso en concierto. Algo que casi es un cuento de Navidad, a cargo de uno de los cantantes de mayor popularidad en Venezuela, Lasso. El concierto ofrece su versión presencial en México, a partir del cuento clásico de Charles Dickens.

Para finalizar sus actividades, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris realizará un homenaje póstumo al director y dramaturgo sinaloense Ángel Norzagaray, fallecido el pasado 27 de diciembre con dos funciones especiales de la obra, Conejos en el valle de la muerte, de Daniel Serrano, que fue dirigida por Norzagaray (junto con Héctor Jiménez), con funciones el 29 y 30 de enero.

Por su parte, el Foro A Poco No recibirá las obras, El mojado, de Jorge Domínguez, una revisión a los pros y contras del llamado “sueño americano”, con funciones del 13 al 23 de enero y la pieza multidisciplinaria titulada, El retablo de las maravillas, adaptada por Óscar Ulises Cancino, dirigida por Alfredo Monsiváis y Alhelí Ábrego, un mosaico de imágenes, música y escenas en las cuales el amor, las pasiones, la fortuna y el placer son los detonantes escénicos representativos del Siglo de Oro. Ambos espectáculos son de entrada libre con cupo limitado.

De igual forma, el Teatro Benito Juárez albergará las propuestas El hombre bravo del pueblo, bajo la dirección de Gerardo Del Razo, es una propuesta del Colectivo Leviatán, que se escenificará del 13 al 23 de enero; y Peer Gynt, texto clásico de dramaturgo noruego Henrik Ibsen, dirigido por Gabriela Kraemer, con la compañía Marionetitlán, que ofrecerá funciones del 27 de enero al 6 de febrero.

El Teatro Sergio Magaña ofrecerá propuestas de música y teatro para toda la familia, las funciones comenzarán con la presentación del ensamble Trombontepec, la comunidad del trombón, del 7 al 9 de enero.

Así como la representación de la obra, La certeza del amanecer escrita por Luis Eduardo Yee, dirigida por Alejandra Aguilar, con las actuaciones de Ariana Candela y Paulina Álvarez que se presentará del 13 al 23 de enero.

Acerca de la obra, la directora Alejandra Aguilar señaló: “Tuvimos la oportunidad de estrenar este texto en el preámbulo de la pandemia en 2020, en La Capilla, y fue el resultado de una coproducción. Esta es la continuidad de este proceso que se vio interrumpido por la pandemia”.

Para los más pequeños, se presentará la obra, El Hombre Elefante, adaptada por Mario Conde y dirigida y protagonizada por Abigail Espíndola, unipersonal recrea la vida del primer paciente diagnosticado con Síndrome de Proteo, del 22 de enero al 13 de febrero.

Para público joven en ese mismo recinto se escenificará El despertar del zombie, relato fantástico escrito por Javier Malpica y dirigido por Esteban Castellanos, tendrá funciones del 27 de enero al 6 de febrero.

La danza estará representada en enero con los espectáculos Trilogía para mirar despacio, conformado por tres coreografías creadas por Guillermo Aguilar, Isis Piña y Sergio Valentín, directores del Colectivo Querido Venado; y el segundo se trata de la celebración del 45 Aniversario de la Compañía Nacional de Danza Folklórica, la icónica agrupación fundada y dirigida por la maestra Nieves Paniagua.

Por Itaí Cruz, Fotos: Gerardo Castillo y Cortesía Teatros Ciudad de México

American Utopia, de David Byrne, regresó al escenario de Nueva York con una producción que emplea tecnología de punta y que fue honrada a principios de 2021 con un premio Tony especial, en la edición número 74.

Además de la producción, otro de los diferenciadores del espectáculo que se presenta en el St. James Theatre es la presencia de miembros latinos en la banda, como Gustavo Di Dalva y Mauro Refosco, ambos originarios de Brasil.

Mauro se mudó a Nueva York en 1992 y ha tocado con David Byrne desde 1994, por lo que está por cumplir su 30 aniversario trabajando con él. Él es además el hilo conductor entre David y la mayoría de los percusionistas de la banda, a quien él suele recomendar para que audicionen para el show.

El músico tocó además con los Red Hot Chili Peppers en “I’m With You” (2011) y estuvo de gira con ellos a mediados de la década de 2010. También fue miembro del grupo Atoms for Peace que incluía al cantante de Radiohead, Thom Yorke; a Flea, bajista de Red Hot Chili Peppers; al productor veterano de Radiohead, Nigel Godrich; y al baterista Joey Waronker, de Beck y R.E.M. Éste último y Mauro formaron un nuevo grupo, Jomoro, y lanzaron su álbum debut: Blue Marble Sky, en junio del año pasado.

Mauro Refosco nos cuenta en exclusiva sobre su experiencia con el músico y como ha sido ser parte del espectáculo American Utopía de David Byrne.

Su historia con David Byrne

“Conocía a Talking Heads y los escuchaba cuando vivía en Brasil en los ochentas. Tuve la oportunidad de ver su show Rei Momo cuando fue a Sao Paulo, creo en 1991, y me sentí el hombre más afortunado del mundo cuando me eligieron en el 94 para formar parte de su banda. Sigo trabajando con David hasta la fecha; no de forma exclusiva pero muy frecuentemente”.

Cómo se integró al show

“Me involucré en American Utopia en 2016 cuando David me buscó para armar la sección de tambores de su show. Por mail me contó la idea de tener un escenario vacío y los músicos sobre el escenario cargando sus instrumentos en arneses”.

Cómo su cultura y conocimientos han sumado a la banda

“Con la selección de instrumentos que hago y con el vocabulario musical que adquirí en mis años de formación”.

Mantenerse activo durante la pandemia

“Fue como apretar el botón de pausa en muchos aspectos. Me fui a mi estudio, tanto para producir como grabar mi propia música, además de música con gente de todo el mundo que quería colaborar conmigo. También fue un buen momento para practicar instrumentos que ya no tenía tiempo de tocar”.

Volver al escenario (regresaron en septiembre)

“Es aún más especial estar en el escenario tocando en vivo para la gente después de toda la incertidumbre. Nos muestra que la relación público/artista es muy especial y tiene que continuar”.

Estar en Broadway

“La experiencia de Broadway ha sido increíble. Es como si el tour fuera hacia ti en vez de al revés. Poder presentar tantos shows, y a la vez estar cerca de casa y de la familia, ha sido lo mejor para mí. Además, poder tocar en el mismo teatro te permite ser meticuloso en todos los aspectos musicales de afinación y mantenimiento de los instrumentos y de la calidad del sonido”.

El significado de American Utopia para ti

“Significa que soy parte de una gran familia y es especial en mi corazón”.

Por qué el público de México y Latinoamérica debe ver el show
¡Vengan a vernos! En serio es un show especial. Te hará llorar y reír al mismo tiempo.

Puedes conocer más de su trayectoria en https://www.maurorefosco.com/
Adquiere boletos para el show en https://americanutopiabroadway.com/

Por Mariana Mijares, Fotos: Cortesía Boneau / Bryan-Brown (Matthew Murphy)

El teatro es, sin duda, una fantástica experiencia que incentiva la imaginación de las niñas y niños, además de ser un momento para convivir en familia.

Comedia, musicales y clásicos de Disney son algunas de las propuestas que recomendamos para acudir al teatro y consentir a los más pequeños en este Día de Reyes.

Acá te dejamos algunas propuestas para que te animes y vivas la magia del teatro

1. La Sirenita musical. Sumérgete en esta aventura acuática en compañía de Ariel, Sebastián y Flounder, basado en el cuento de Hans Christian Andersen sobre una sirenita que se enamora de un ser humano. La obra se presenta los domingos de enero en el Teatro Tepeyac.

2. A golpe de calcetín. La obra narra la historia de un niño de 10 años que recorre las calles de la capital vendiendo periódicos, cuando un misterioso personaje le ofrece comprarle todos sus periódicos a cambio de que le haga un favor. Ofrece temporada 8, 9, 15 y 16 de enero en el Teatro Helénico.

3. El soldadito de plomo. Es una tierna historia sobre un intrépido soldadito que se enamora de una bailarina que un día cae por la ventana, y deberá enfrentar diversas circunstancias para volver con su amada. Termina su temporada este sábado 8 de enero en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde.

4. Moby Dick. La compañía Lagú Danza presenta esta travesía marina sobre barcos, ballenas y batallas en medio de olas inmensas, basada en el clásico de Herman Melville, que narra la historia de un hombre común que sueña con vivir nuevas emociones. Ofrece una sola función este 8 de enero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

5. La peor señora del mundo. El texto escrito por Francisco Hinojosa y adaptado magistralmente por Martha Torres es una emotiva invitación a los pequeños a adentrarse en el mundo de la literatura, que cuenta la historia de dos amigas inseparables que encuentran en un baúl el cuento y sin percatarse el personaje cobra vida y las obliga a representar su historia. Regresa a partir del 23 de enero a La Teatrería.

Consulta otras opciones de teatro infantil, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Guillermo Castillo y FB Alejandro Medina

Del 24 de enero al 6 de febrero, llegará a los distintos espacios del Centro Cultural del Bosque el XXXIV Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro, conformado por 30 montajes de diversas compañías independientes.

Organizado por la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y el Centro Mexicano de Teatro A.C. del Instituto Internacional del Teatro (ITI) de la UNESCO, esta fiesta escénica ofrecerá funciones con entrada libre en los teatros del Bosque Julio Castillo y Orientación, así como en la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque.

Durante la conferencia de prensa, Isabel Quintanar, fundadora y directora general del encuentro, externó: “El Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro surgió como un movimiento teatral desde 1985 que ha evolucionado conforme las necesidades escénicas. Es una plataforma para dar espacio y experiencia a teatristas que buscan lugares profesionales de presentación, así como la oportunidad de llegar a un público ávido de teatro que se reúne anualmente”.

Agregó: “El encuentro es un abanico de posibilidades de ver, oír y sentir el teatro; ofrece ópticas distintas de una misma historia, así como funciones maratónicas en las cuales lo más importante es encontrarse y compartir el amor hacia este maravilloso arte”.

En esta edición se podrán ver los trabajos de compañías provenientes de Nayarit, Tabasco, Tamaulipas, Aguascalientes, Guanajuato, Coahuila, Estado de México y de la Ciudad de México y se presentarán tres obras para niñas y niños: El Principito, Ojos de botellas de anís y La historia del domingo 7.

Además de montajes de autores clásicos como Juan Ruiz de Alarcón, Federico García Lorca y Nicolás Maquiavelo; contemporáneos como Alejandro Licona, Humberto Robles y Mario Ficachi, entre otros, y de autoría propia de las compañías que se presentan.

También habrá propuestas con formatos de vanguardia, como la DragÓpera, un híbrido entre ópera, teatro de cabaret y drag.

Sobre el encuentro

Desde hace más de tres décadas y con la firme intención de impulsar el quehacer escénico en todo el país, este encuentro también responde a la necesidad de abrir nuevos espacios para exhibir los proyectos de agrupaciones formadas fuera de los ámbitos de las escuelas profesionales de artes escénicas y compartir gran variedad de propuestas con los amantes del teatro.

Consulta la programación en la página: teatro.inba.gob.mx

Con información del INBAL, Fotos: Captura de pantalla

El más reciente proyecto de la dramaturga y directora escénica Verónica Musalem surge durante el segundo año de una pandemia que parece no ceder y continúa generando estragos para la comunidad teatral. Factores como la necesidad de reactivar el mercado cultural y establecer nuevamente el contacto con el público en espacios seguros, fueron determinantes para que el proyecto cobrara vida.

En el montaje, la directora plantea una propuesta lúdica, con tintes cabareteros, donde la fiesta es explícita provocando una erupción de pasiones y placeres que estuvieron reprimidos durante el confinamiento más estricto.

El elenco que conforma esta historia está integrado por Ana Corti, David Sicards, y Jorge Escandón, acompañados por la música original de Julio Gándara.

Con el objetivo de ofrecer un espacio seguro ante la contingencia sanitaria y generar un ambiente propicio para la fiesta que plantea la historia, Verónica Musalem en colaboración con Noox, empresa mexicana dedicada al rescate, innovación e inversión de espacios inmobiliarios, ofrecen fusiones en una terraza urbana al aire libre que provoca una experiencia inmersiva en el espectador.

Al respecto, la directora menciona: “Esta es una obra que escribí cuando era más joven, como escritora y directora he profundizado en varios géneros y este texto llegó a mi vida en el momento adecuado. Desde un principio yo tenía la intención de redactar un texto corto, quería algo festivo porque durante el confinamiento me preguntaba mucho sobre cómo vivían este proceso los jóvenes, ya que también soy docente y mis alumnos me externaron sus inquietudes acerca del amor y el deseo durante el encierro”.

Esta obra pertenece a una trilogía de textos escritos por la dramaturga sobre el primer amor, que confiesa haber experimentado, la puesta refleja una relación compleja entre dos adolescentes, “Habla de cuando los jóvenes van a la fiesta y apenas se van a enamorar o de cuando ya están enamorados, pero que se encuentran en el proceso de descubrir y descifrar nuevas emociones”.

Y agrega: “Es una obra lúdica y divertida, donde la música de Julio Gándara, compositor y guitarrista acústico, sigue las frecuencias emotivas de los personajes, además de la parte vocal que Ana ofrece a través de su personaje. Entrar a Noox es una experiencia desde las calles que se encuentran a su alrededor, el público llegará a la terraza con el sonido de la música y se encontrará con una vista urbana bastante agradable, además de disfrutar de un shot de mezcal de bienvenida”.

After hours ofrecerá 6 funciones a lo largo del mes de enero, los días 6, 20, 21, 22 y 23 en Tonalá 149, en la colonia Roma, y el 13 de enero en Nogal 94, en la colonia Santa María la Ribera, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción.

Esta puesta en escena dirigida por Cristian David y Fernando Reyes Reyes, con la adaptación de Ileana Villarreal,  ofrece un espectáculo visual que maravilla a chicos y a grandes por el gran trabajo reunido detrás y sobre el escenario a través de una atmósfera visual onírica con actuaciones interdisciplinarias por parte del elenco que lo integra.

Una premisa entrañable y conmovedora es presentada en este montaje, donde el público será testigo del viaje de un joven héroe que descubre algunas de las complejidades de la vida en un contexto de vulnerabilidad, mismas que enfrentará en compañía de otros singulares personajes.

A continuación, 3 razones para ver A golpe de calcetín.

1) La historia. Esta puesta en escena es creada a partir del cuento A golpe de calcetín del escritor Francisco Hinojosa, cuentista, poeta y narrador mexicano. Narra la historia de Paco Poyo, un niño de 10 años que por motivo del difícil contexto económico posrevolucionario, tuvo que abandonar la escuela para recorrer a pie las calles de la Ciudad de México vendiendo periódicos, lugar donde un misterioso personaje le ofrece comprarle todos a cambio de que le haga un favor. Situación que lo conducirá a formar parte de los titulares de los diarios que él mismo vendía. Cabe señalar que la voz en off que guía la trama es del mismo autor.

2) Las interpretaciones. Los actores ofrecen un trabajo escénico basado en la comedia, el clown, improvisación, teatro físico y magia. Usan títeres, máscaras y botargas en todo momento mediante una interacción constante con grandes y diversos objetos, además de tocar varios instrumentos. El elenco es integrado por: Nohemí Espinosa, Diego Santana, Carmen Coronado, Claudia Ivonne Cervantes, Fabián Varona, Alejandra Mada, Cristian David, Fernando Reyes Reyes y Juan Pablo Villa, músico en escena.

3) La dirección. Cristian David y Fernando Reyes Reyes ofrecen al espectador una puesta en escena para toda la familia al interior de un mundo caótico y fantástico con un toque artesanal que el público disfruta a través del viaje que emprende Paco Poyo, donde la música, los objetos y las máscaras, lo guían para que tome buenas decisiones y logre vencer las situaciones complejas de la vida que se le presentan a su corta edad por medio de un mensaje entrañable a cualquier edad.

Ya lo sabes, no te pierdas de este montaje con funciones los días 8, 9, 15 y 16 de enero en el Teatro del Centro Cultural Helénico, ubicado en Av. Revolución 1500, para más información, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: BF Idiotas Teatro.

El Charco Inútil, de David Desola, es el más reciente montaje de la directora Ruby Tagle con las interpretaciones de Mariana Garza, Alberto Estrella y David Hevia. Se desarrolla bajo una premisa de soledad “en un mundo hiper comunicado”, donde también se cuenta una historia de amor imposible y de locura, no como patología sino como vía de escape, como refugio a un insoportable dolor presente en la realidad.

En la obra, Oscar, un profesor de secundaria, luego de haber sido agredido brutalmente por un estudiante y humillado por sus compañeros, queda severamente traumatizado y abandona por completo la enseñanza. Por su parte, Irene, una mujer que, tras perder a su hijo en los atentados terroristas de Madrid del 2004, se inventa una nueva vida junto a él y crea un mundo imaginario en donde habitan los dos, refugiándose desesperadamente del dolor de su insoportable realidad.

Al respecto, Mariana Graza expresa: “Es una obra que aborda la locura como forma de escape al dolor de las situaciones complejas de la vida. Dicen que por algo te tocan los personajes que te tocan y yo me siento muy afortunada de poder habitar la piel de Irene e interpretar su dolor. Ella perdió a un hijo, evento trágico que no ha logrado resolver y por tal motivo se refugia en la locura, sin importar los tratamientos y la medicación que ha tenido a raíz de esta terrible pesadilla, ella simplemente no puede lidiar con la pérdida”.

Y agrega: “La historia se enfoca precisamente en eso, en las personas que, a partir de un acontecimiento tan lamentable, han decidido no vivir su dolorosa realidad. En el caso de Irene, su drama se convirtió en dominio de varias personas que opinaban con tranquilidad sin tener la mínima idea del horror de perder a un hijo, situación que entre nosotros calificamos como un suceso que no tiene nombre, es un dolor inimaginable”.

Por su parte, Alberto Estrella señala: “Lo maravilloso de una obra es que nunca hay una opinión igual, cada espectador ve cosas distintas, uno se identifica y se relaciona con la obra de acuerdo a su momento, ideología e idiosincrasia, en fin, yo veo a dos personajes que se encuentran en un momento muy especial en la vida, en donde se necesitan más que nunca”.

Y agrega: “Veo también una historia de amor, dicen que el amor saca lo más bonito de nosotros pero también lo más horrible. Entonces creo que este texto donde se dice que a pesar de lo frío de ese invierno, a pesar de lo terrible que puede ser la vida, hay gente que se enamora y es feliz. Como seres humanos queremos buscar un aliciente a nuestros problemas. En una situación complicada hay dos soluciones o refugiarse en las cobijas y en la soledad de la casa o enfrentar la situación encarando el dolor”.

Mientras que para David Hevia, la realidad es un constructo no muy claro, desde su perspectiva el concepto es igual a las capas de una cebolla, donde por más capas que se quiten no existe algo perfectamente estructurado que determine una revelación universal a lo que como sociedad comprendemos como tal.

“Mi personaje es una especie de conciencia o un recuerdo que aunque no se puede ver, existe. Algo que me gusta mucho del dramaturgo David Desola es que utiliza muchas referencias de Kafka. Cada uno ve la realidad de cierto modo y la realidad es como una cebolla, por más capas que quitemos, nunca vamos a encontrar una verdad absoluta. Lo mismo ocurre con lo trágico de la vida y el aceptar las situaciones complejas tal y como son”, señala.

Por su parte, la directora de escena Ruby Tagle expresa: “La obra me parece una pieza de relojería, es perfecta como está escrita, pero por otro lado me interesó mucho lo que no decía con las palabras, en general son parlamentos muy cortos de tres o cuatro líneas. Sin embargo, en la puntuación, en los puntos suspensivos dice tantas cosas y desde ahí es que lo estoy abordando y bueno, reunir a este elenco es una delicia, para mí es un gusto poder trabajar con ellos. El teatro manifiesta una mirada de la realidad, nos ayuda como espectadores a prestar atención hacia esas otras muchas posibilidades”, finaliza.

El Charco Inútil se presentará del 27 de enero al 20 de marzo en el Teatro del Centro Cultural Helénico, ubicado en Av. Revolución 1500, consulta precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La dramaturgia de David Hare es analizada bajo la mirada actual de una sociedad moderna, cuyos vicios y comportamientos autodestructivos cobran sentido en el espectador bajo la dirección de Diego Del Río, en un montaje íntimo y dinámico que explora la forma de relacionarnos a través del sexo y sus implicaciones en nuestra interacción con los demás.

En esta puesta, los actores Pierre Louis y Alfredo Gatica dan vida a distintos personajes que a lo largo de 120 minutos invitan al espectador a reflexionar sobre la manera en que nos transforman los encuentros sexuales a lo largo de la vida. Sobre las distintas violencias de las que somos objeto y que hemos normalizado por medio de conductas poco racionalizadas que venimos repitiendo desde siglos atrás.

Al respecto, Pierre comenta: “Ha sido una obra que ha gustado mucho, hemos tenido funciones llenas. Compartir este montaje con Alfredo Gatica, uno de mis mejores amigos, ha sido un proceso que he disfrutado muchísimo, aunque no nos tocó compartir el mismo proceso creativo, por fuera siempre estábamos platicando y compartiendo algunas reflexiones al respecto”.

“Para mí es increíble este formato que plantea Diego al ofrecer dos conceptos completamente distintos sobre el escenario, con dos elencos independientes, permitiendo dos lecturas de un mismo texto a través de nuestras diferentes interpretaciones, y en este sentido, al ver a Alfredo junto con Naian me permitió observar un panorama más amplio sobre lo que yo estaba construyendo con mi actuación en compañía de Zuria”.

Para el actor, la cercanía hacia los personajes por los que transita la historia representaron una tarea compleja de análisis y posteriormente de personificación debido a su crianza y visión del rol femenino en la sociedad. “Los personajes que plantea la historia son lo más alejado a lo que soy comúnmente. Yo fui criado con mi mamá y mi abuela, entonces abordar estas violencias de género, producto del patriarcado, fue un reto porque afortunadamente no estuvieron presentes durante mi formación”.

Por su parte, Alfredo señala: “El compartir escena con Naian me ha funcionado bastante para transitar con mayor confianza dentro de los roles que interpreto en esta obra, porque ella tiene una gran capacidad para absorber y sintetizar información, así como un trabajo riguroso en el análisis de personaje que es admirable”.

El actor asegura que el trabajo con María Penella en la preparación corporal, de la cual estuvo a cargo, fue un proceso bastante enriquecedor y minucioso, debido a las implicaciones eróticas que se exacerban en el texto, siendo un factor primordial en este proyecto donde era necesario crear un círculo de confianza y de complicidad con su compañera de escena”.

“A Naian yo no la conocía, entonces al ser una obra donde los encuentros sexuales se convierten en pieza clave para la historia, el trabajo con María nos ayudó a sentir confianza mediante ejercicios de tacto y expresión corporal para saber el límite de hasta dónde podíamos llegar y sentirnos cómodos al mismo tiempo”, expresa.

Y agrega: “El actuar tantos personajes considero ha sido el mayor reto, porque tenemos menos de 30 segundos para cambiar de vestuario y entrar en la interpretación y al mismo tiempo son tantas cosas que como actor debes tener en mente como las indicaciones que en este caso el director nos hace en los ensayos, el trabajo con María, y mi proceso individual con Naian. En este sentido, Blue room ha sido un proyecto que me ha dejado grandes enseñanzas como actor, artista y creador”.

Para ambos actores, este proyecto representa dos historias distintas y potentes partiendo de un mismo texto en las cuales el público debe adentrarse y reflexionar junto con los personajes sobre la inmediatez del sexo en la cual nos encontramos inmersos en la actualidad, así como las distintas violencias que hemos normalizado a lo largo de los años.

No te pierdas esta puesta en escena con funciones de viernes a domingo en el Teatro Virginia Fábregas, ubicado en Velázquez de León 29, Col. San Rafael, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Diego Del Río

La puesta en escena original del dramaturgo iraní, Nassim Soleimanpour, Conejo Blanco, Conejo Rojo regresa este 2022 al escenario con un gran y renovado elenco, a partir del 2 de febrero en La Teatrería.

En esta nueva temporada participarán 14 intérpretes que se enfrentarán al reto de escenificar esta obra que tanto los actores como el público desconocen y descubren juntos en escena.

Entre las personalidades de la escena nacional se encuentran Manuel Balbi, Anahí Allué, Diana Sedano, Jerry Velázquez, Arturo Barba, Montserrat Marañón y César Enríquez, por mencionar algunos.

El montaje surge por iniciativa de Soleimanpour, ante la prohibición de salir de su país crea un experimento escénico para comunicarse con el público de diversas partes del mundo. Con este experimento ha encontrado la libertad al ser capaz de conectarse con cualquier espectador.

La obra se ha traducido a más de 20 idiomas, y los lineamientos para su representación son muy sencillos, sin embargo, representan un gran reto para los actores, quienes no deben leer el libreto hasta el día de la función. De esta manera, cada noche uno de los participantes toma un sobre sellado, en cuyo interior se encuentra una obra que los pondrá a prueba sobre el escenario. Es importante señalar que la puesta es interpretada una sola vez por los actores.

Sobre el dramaturgo

Nacido en 1981, Nassim Soleimanpour es un fabricante independiente de teatro multidisciplinario de Teherán. Más conocido por su obra, Conejo Blanco Conejo Rojo, su trabajo ha sido galardonado con el Festival de Dublín Fringe Mejor Nueva Actuación, Summerworks Outstanding New Performance Text Award (Canadá) y The Arches Brick Award (Edimburgo Fringe). “White Rabbit Red Rabbit” fue producida originalmente por Volcano Theatre en asociación con Necessary Angel y Wolfgang Hoffmann. La dramaturgia fue proporcionada por Daniel Brooks y Ross Manson.

La segunda obra de Nassim, Blind Hamlet para la Actors Touring Company con sede en Londres, se estrenó en el Festival Fringe de Edimburgo 2014 y desde entonces ha realizado extensas giras por el Reino Unido y fue bien recibida en Bucarest y Copenhague. Nassim ahora vive en Berlín con su esposa Shirin y su perro Echo. Su tercera obra, BLANK se estrenó en noviembre de 2015 en el Dancing on the Edge Festival de Ámsterdam y Utrecht, seguida de actuaciones en el Radar Festival de Londres.

El último trabajo de Nassim, NASSIM, se estrenó en el Festival Fringe de Edimburgo en 2017 y ha recibido una amplia aclamación, incluyendo ganar un Primer Premio Fringe.

Conejo Blanco, Conejo Rojo ofrecerá funciones los miércoles del 2 de febrero al 4 de mayo, en La Teatrería, ubicada en Tabasco #152, Colonia Roma Norte, Delegación Cuauhtémoc, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía VIOGG

Tim Crouch, autor de teatro experimental inglés conocido por crear historias que dejan a un lado las convencionalidades normativas del teatro para sumergir al espectador en un juego de roles que rompen con la línea que separa de manera tajante al público de los actores, propicia la construcción mental del horror presente en la humanidad en su obra titulada El Autor, escrita en el 2009.

En esta ocasión, la reinterpretación que propone el director Benjamín Cann, tiene como objetivo exponer una serie de sucesos que muestran la parte más oscura de los seres humanos mediante interpretaciones sutiles y contundentes a cargo de Enrique Arreola, Miguel Santa Rita, Carmen Madrid y Emilio Guerrero.

Al respecto, Enrique Arreola comparte: “La indicación de Benjamín siempre fue muy clara, mantener una especie de temple sin abandonar el tono que el argumento plantea. Como actores debemos generar una energía todavía más envolvente debido a la falta de elementos teatrales que se utilizan normalmente al representar un montaje, todo tiene que ser llevado de una forma sutil, mismo que es apreciable en algunos momentos donde nuestra voz baja de nivel para que el espectador agudice sus sentidos en cuanto al relato que está presenciando”.

Por su parte, Carmen Madrid menciona: “Para mí el mayor reto es justamente tener al público tan cerca, sin la famosa cuarta pared de por medio. Como intérpretes debemos dejarnos sorprender por las cosas que va proponiendo el dramaturgo, es una obra que requiere de una actuación sumamente orgánica pero con la potencia necesaria para enganchar al espectador que se encuentra hasta la última butaca”.

Para Enrique Arreola, siempre ha estado en discusión lo real de lo verdadero y es en ese sentido, que desde su perspectiva la historia se desenvuelve en ambas esferas, sin una línea que delimite el drama planteado en escena.

“Yo cuando leí el texto y el subtexto que propone el dramaturgo, no daba crédito a lo que mi mente comenzaba a crear al paso de las páginas, El Autor te habla directo y sin filtro sobre el horror de los seres humanos sin esta seguridad que propician las grandes representaciones trágicas, donde como espectador te sientes tranquilo al saber que saliendo de la sala todo acaba, en este montaje no, debido a la imaginación y participación activa que exige la obra”, señala.

“A raíz de nuestra construcción mental sobre las escenas que plantea la historia dependemos de esta sutileza que mencionamos para poder generar un clima de iguales en el interior del teatro y transmitir nuestras impresiones de forma frontal y sin rodeos. Somos prestanombres en una obra, el público debe de creer que no estamos haciendo un personaje. Sin embargo, a los personajes que estamos desarrollando, les pasan demasiadas cosas”, expresa Carmen.

Y agrega: “Un tema que me parece muy interesante, presente en la obra es la violencia a la que las actrices se ven enfrentadas en algunos proyectos y que ha sido normalizada, donde el director en cuestión no tiene muy presente el límite de hasta dónde puede llegar en su dirección actoral. Sin duda El Autor ha sido uno de los montajes más complejos emocionalmente que he hecho”, finaliza.

No te pierdas de esta propuesta escénica que se presenta de viernes a domingo en el Foro Shakespeare, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Póster de la obra.

A mitad de mes hacemos este recuento con las obras de teatro más visitadas por ustedes en Cartelera de Teatro durante el primer mes del 2022.

Echen un vistazo a los resultados:

10. Perfectos desconocidos. En esta historia, Eva y Alberto son los anfitriones de una cena que se saldrá de control, tras dejar abierta la caja de los secretos que cada celular guarda consigo. Disfruta de un gran elenco seleccionado para esta adaptación de la película homónima que celebrará sus 200 representaciones el próximo 21 de enero.

9. Blue Room. Basada en el texto “La Ronda”, de Arthur Schnitzler publicado en 1900, cuestiona las relaciones entre hombres y mujeres, desde el sexo hasta el poder, y cómo estas dinámicas siguen vigentes hoy en día. Sin duda, es una propuesta que te hará reflexionar sobre nuestras conductas. La obra llega a su fin de temporada el 16 de enero.

8. El Tenorio Cómico. La clásica temporada del Tenorio Cómico inició a principios de agosto. En esta obra los textos de Zorrilla pasan a segundo término, siendo suplidos por comentarios hilarantes llenos de humor de todos colores, frases ingeniosas, sketches políticos y de actualidad presentados por el elenco.

7. El juego que todos jugamos. En un collage de escenas que transitan por diferentes géneros, bajo la dirección de Rodrigo Mendoza se presenta El juego que todos jugamos de Alejandro Jodorowsky. Se trata de un texto que indaga en las conductas de los individuos, pasando por sus traumas, sus gustos, sus amores y sus fobias. Todo ello con el fin de mostrar al público: Cuál es el juego que nos disponemos a jugar cada día.

6. Como quieras ¡Perro Ámame! Una comedia romántica en la cual una mujer cuarentona, divorciada y no muy conforme por cómo el amor la ha tratado, decide escribir un libro en el cual compara a los hombres con perros. Durante 85 minutos y a través de 25 canciones, el público puede sentirse identificado, ya que aborda distintas generaciones y épocas.

5. Sola en la oscuridad. El thriller y suspenso son los elementos que componen esta propuesta que nos narra la historia de Susy, una mujer invidente que se ve envuelta en una intrigante trama, que deberá resolver con ayuda de sus otros cuatro sentidos. Durante cinco semanas Kika Édgar interpretará a Susy  en el Teatro México.

4. Dos más Dos. Esta divertida comedia sobre el intercambio de parejas, nos pone frente a la disyuntiva, al cuestionar cuáles son nuestros límites sobre el amor, el sexo y sobre todo, nuestro concepto sobre la fidelidad. Disfruta de esta divertida comedia en el sur de la ciudad, desde el Teatro Royal Pedregal.

3. La obra que sale mal. En la trama seguimos a una compañía de teatro amateur que se alista para estrenar El Asesinato En La Mansión Haversham, pero todo sale terriblemente mal. El resultado es una divertida comedia al más puro estilo del clown que entretiene por igual a chicos y grandes.

2. Aladdín. Basada en la película homónima de Disney de 1992, es considerada una de las obras más exitosas en el teatro musical, gracias a su gran despliegue de efectos especiales, iluminación, su majestuosa escenografía y por supuesto, su espectacular vestuario que serán la delicia de chicos y grandes.

1. José, el soñador. A unas semanas de que levante el telón, la expectativa que ha generado esta obra es alta, gracias a la participación de reconocidas estrellas de la escena como Carlos Rivera, Fela Domínguez y Kalimba. El musical comenzará su corta temporada a partir de febrero de 2022 en el Centro Cultural Teatro 1.

Por Itaí Cruz, Fotos: FB Jose el sonador y Alberto Clavijo

The Prom se ha caracterizado por ofrecer un mensaje de amor y respeto por medio de personajes que reflejan una completa gama de virtudes , temores, frustraciones y sueños, parecidos a los que como espectadores vivimos cotidianamente, permitiendo una conexión profunda y entrañable durante cada presentación.

Las actrices Majo Pérez y Marien Caballero le dan vida a Angie, bailarina profesional de Jazz e intérprete de teatro musical, misma que con su talento y gran sensualidad favorece en Emma, protagonista de la historia, la seguridad necesaria para habitar y sentirse cómoda en su propia piel.

Al respecto, Majo Pérez menciona: “A mí me dio mucho gusto cuando me enteré que Marien iba a estar en The Prom, yo la vi en Chicago y cuando salía al escenario no podía dejar de verla, tiene una presencia increíble y bueno en este personaje, que es justamente una bailarina muy completa, forjada en estos ritmos seductores, donde la corporalidad debe ser muy expresiva, qué te puedo decir”, está genial.

Y agrega: “Para mí representó un reto muy grande el habitar la piel de Angie porque donde me siento más cómoda es en la actuación y el canto, yo no cuento con toda esa preparación física a la hora del baile, entonces aprendí muchísimo de la interpretación de Marien. Me encanta que ambas comprendamos muy bien la importancia de este personaje por todo lo que engloba, Angie es parte del ensamble, entonces es como un homenaje a todas esas personas que siempre han estado ahí, no como protagonistas pero sí dándolo todo en cada función, generando vida a toda una producción”.

Por su parte, Marien Caballero afirma: “Este personaje tiene una energía muy humana, es muy amorosa y siento que transita la obra de manera distinta a los demás, en un principio puede parecer quizá un poco superficial en esta vaporosidad del mundo del teatro musical, pero en el segundo acto se puede ver más esa parte de su pasión por el escenario, entonces nuestra Angie pasa en compañía del público por esta gama de cambios para llegar a algo más profundo”.

Y agrega: “Nuestra preparación debe ser muy disciplinada, sinceramente hay que estar muy pendientes de nuestro cuerpo porque es nuestro principal instrumento. Angie es muy física, entonces sí debemos entrenar constantemente y trabajar primordialmente la parte de la elasticidad, la expresión corporal y la parte vocal para ofrecer nuestro mejor trabajo al público que compró entradas”.

Para Majo, es importante hacer ese “click” con el personaje y crear un vínculo, asegura que la dirección actoral a cargo de Diego Del Río propició una exploración de las inseguridades, miedos y limitaciones que como intérpretes tenían pero que el personaje al que darían vida, no.

“Una gran virtud, es que como actores pudimos hacer una exploración sin moldes del personaje, yo admiro muchísimo a Majo, entonces el trabajar juntas el personaje fue una experiencia sumamente enriquecedora. El poder ver a distintos actores diciendo las mismas líneas, haciendo las mismas coreografías pero de una forma tan distinta por las diferentes personalidades con las que cuenta cada uno, para mí representa algo mágico”, finaliza Marien.

Para ambas actrices representa un orgullo ser parte de un proyecto que apuesta por la inclusión y el respeto de la diversidad, donde aseguran el público se identifica de una u otra manera en el transcurso de la historia. Además, agradecen el buen recibimiento que el montaje ha tenido mediante cada aplauso de pie y cada función llena.

No te pierdas The Prom, con funciones de viernes a domingo en el Centro Cultural Teatro 2, ubicado en Av. Cuauhtémoc 119, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB de Majo y Marien

El clásico de Disney ha cautivado al público mexicano a través de una historia que invita a la diversión y a la constante sorpresa mediante una producción dinámica, colorida y mágica con vestuarios detallados, precisos efectos visuales que resaltan en la interpretación de cada uno de los profesionales reunidos en escena.

Aladdín se ha convertido en un espectáculo visual que emociona y traslada al espectador hacía la mítica Agrabah, ciudad donde los sueños se pueden hacer realidad con ayuda de un hilarante genio preso en una lámpara que a la menor provocación impresiona con sus poderes y su peculiar simpatía.

A continuación te presentamos 3 razones para ver Aladdín.

1. El elenco. Rodney Ingram (Aladdín) Irma Flores (Jazmín), Juan Pablo Martínez (Genio) y Salvador Petrola (Jaffar) lograron recrear los icónicos roles de esta historia, mediante un impresionante manejo de dirección (la misma de Broadway), estos profesionales logran transmitir las distintas emociones por las que transitan sus personajes con cada canción y momento emblemático de la historia original.

2. La producción. La obra se estrenó en el Teatro New Amsterdam en Nueva York en marzo de 2014, rompiendo records de entradas en ese reconocido teatro en 14 ocasiones, también ha sido vista por más de 10 millones de personas en todo el mundo debido a su sorprendente despliegue de producción, donde por poco más de dos horas, podrás disfrutar de constantes efectos especiales, un espectacular vestuario, músicos en vivo y más de 34 actores en escena.

3. El ensamble actoral. En este montaje no solo los actores que interpretan los personajes principales brillan, aquí todos los integrantes de la producción deben contar con gran experiencia en teatro musical, mismos que mediante cada número musical harán que tu corazón se emocione al compás del ritmo y perfecta sincronía corporal que ofrecen en cada escena, generando vida y energía a la obra.

Por ser un espectáculo visual que te atrapará, no te pierdas la oportunidad de habitar tierras mágicas por un día en el Teatro Telcel, ubicado en Lago Zurich #245, consulta precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Escenario Ocesa 

Kika Édgar se ha caracterizado por ser una intérprete comprometida y dedicada en sus distintas facetas como cantante y actriz en comedias musicales, dramas y por segunda ocasión, ahora en rol protagónico de un thriller.

Susy Hendrix, rol principal en Sola en la oscuridad, se caracteriza por ser una mujer frágil pero con la suficiente fuerza y convicción de enfrentar cualquier reto que se le presente, en un contexto social donde las mujeres no tenían las mismas oportunidades que los hombres.

Al respecto Kika Édgar declara: “Me entusiasma formar parte de este montaje, me toca encarnar un personaje muy complejo, Susy es una mujer muy frágil y eso ha significado un reto para mí, debido a que estoy muy acostumbrada a explotar una energía inherente en mí, en cada papel que interpreto, entonces tuve que bajar un poco esa intensidad para poder transmitir con sutileza las diferentes facetas por las que transita Susy Hendrix“.

Y agrega: “No hay que dejar de lado que ella representa una mujer de una época donde las mujeres no tenían voz ni voto y por consiguiente no se les respetaba, ahora imagínense con una discapacidad visual de por medio”.

La actriz afirma sentirse muy bien recibida por todo el equipo que integra esta producción encabezada por Morris Gilbert. El productor asegura Kika hará un papel espectacular con toda la experiencia con la que cuenta y el encanto que la caracteriza, cabe señalar que la interprete únicamente ofrecerá funciones del 20 de enero al 13 de febrero.

La puesta narra la historia de Susy Hendrix , una ama de casa invidente, que se ve envuelta en una terrible situación con dos estafadores, que buscan una muñeca. En esa oscuridad, ella tendrá que usar sus otros sentidos, para sortear los engaños y chantajes en los que se ve involucrada para poder sobrevivir.

No te pierdas de Sola en la oscuridad con funciones de viernes a domingo en el Teatro México, Centro Teatral Manolo Fábregas, ubicado en Velázquez de León 31, para más información, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro.

El Teatro La Capilla dio a conocer su programación de inicio de año, la cual arranca con el Ciclo de Teatro de los Estados, misma que ha sido modificada debido a la contingencia sanitaria que se vive actualmente, con funciones virtuales. También presentará diversas obras que se escenificaran de forma híbrida en los meses posteriores. Así como, propuestas de reciente creación surgidas de LAB Capilla y el regreso de La ira de Narciso bajo la dirección del fundador de la compañía Los Endebles, Boris Schoemann.

Al respecto, el director declara: “Hoy tuvimos una reunión con los representantes del ciclo (Teatro de los Estados) para realizar unas modificaciones a raíz de lo que está sucediendo con la pandemia en el país, esto con el afán de cuidar la salud de todos los involucrados en las propuestas escénicas, el personal del teatro y del público en general. Por esa razón las funciones serán presentadas de manera virtual”.

Y agrega: “Esto no quiere decir que bajaremos los brazos y en medida de lo posible, buscaremos reprogramar estas funciones durante el mes de marzo, esperando un mejor panorama en el tema de contagios”.

A continuación, las obras que comprende el Ciclo Teatro de los Estados.

Flores rojas (Guerrero)

Esta obra escrita y dirigida por José Uriel García Solís, será escenificada por la compañía De La Mancha Teatro el sábado 22 y domingo 23 de enero a las 18 horas.

Sabueso (Sinaloa)

Escrita y dirigida por Teresa Díaz del Guante, en ejecución de la compañía Terca Teatro, se presentará el sábado 29 y domingo 30 de enero a las 18 horas.

Bubble Gum (Coahuila)

De Edeberto “Pilo” Galindo, dirigida por Arnulfo Reveles, actuada por la compañía Detestable Teatro, ofrecerá funciones el sábado 29 y domingo 30 de enero a las 12:30 horas.

L-ATE, Adiós, un abrazo y un dulce para el camino (Michoacán)

Es escrita y dirigida por Manuel Barragán, interpretada por la compañía Vaso Teatro, será llevada a cabo el sábado 5 y domingo 6 de febrero a las 18 horas.

Abuelito Pajarito (Michoacán)

Propuesta escrita y dirigida por Manuel Barragán, en ejecución de la compañía Vaso Teatro, tendrá funciones el sábado 5 y domingo 6 de febrero a las 18 horas.

Programación del mes de febrero y marzo en La Capilla

Fishtank

Escrita y dirigida por Edith Toral. Compañía Las Moscas Que Vuelan Al Revés. Miércoles, del 9 al 23 de febrero a las 20 horas en formato presencial y por streaming.

Al cuerno por los toros

Escrita y dirigida por Mariana Batista, se presentará del 3 de febrero al 17 de febrero a las 20 horas de forma presencial y en streaming.

El viaje de Tadeo

De Gonzalo Herrerías, dirigida por Martha Mega, contará con funciones del 12 al 27 de febrero en el área de cafetería y jardín del teatro.

La garganta del cielo

Coproducción 2022 de Teatro La Capilla, de Diego Álvarez Robledo y Belén Aguilar. Compañías Principio Investigadores Escénicos y El Mirador Teatro, se presentará del 20 de febrero al 24 de abril a las 18 horas de forma presencial y por streaming.

¿Por qué no tengo cama?

Proyecto seleccionado en el Programa Incubadora 2021 de Teatro La Capilla, autoría de Karen Alicia, tendrá funciones del 1 al 29 de marzo a las 20 horas. Presencial y streaming.

Avería

Proyecto seleccionado en el Programa Incubadora 2021 de Teatro La Capilla. De David Almaga, del 2 al 30 de febrero a las 20 horas. Presencial y streaming.

Velociráptor

El proyecto de la compañía en Residencia 2020 de Teatro La Capilla, realizada por Abraham Salomón, se presentará del 4 al 6 de marzo. Presencial y streaming.

Mira la libélula

Coproducción 2022 de Teatro La Capilla, escrita y dirigida por Eduardo Orozco. Colectivo Berenjena, del 18 de marzo al 16 de abril. Presencial y streaming.

Now playing

Escrita y dirigida por Jimena Eme Vázquez, contará con funciones del 24 de marzo al 14 de abril a las 20 horas, de forma presencial y por streaming.

Compañía Los Endebles.

La ira de Narciso

De Sergio Blanco, bajo la dirección de Boris Schoemann. Compañía Los Endebles y Teatro en una Cáscara de Nuez, tiene contemplado ofrecer funciones los lunes de marzo y abril. (Por confirmar).

Ciclo Lecturas de antología

Lectura de las obras incluidas en la tercera antología para jóvenes audiencias. En formato presencial, los martes de febrero. (Por confirmar).

LAB Capilla

Presentación de tres propuestas teatrales surgidas del laboratorio de creación y formación. Montajes coordinados por Daniel Bretón, Cristian Magaloni, Irene Repeto y María José Jiménez, con funciones los sábados y domingos de marzo y abril.

Para conocer más información. Así como, precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Teatro La Capilla

Los trabajos del Observatorio Teatral revelan la situación operativa de los foros en México, de acuerdo con este primer estudio algunas de las principales problemáticas a las que se enfrenta el gremio teatral es la centralización de la oferta cultural, problema innegable para el desarrollo de nuevos públicos. Así como, la escasa producción de obras y la carencia de patrocinios.

Al respecto, Juan Meliá, director de Teatro UNAM, declara: “El primer hallazgo te diría que es la necesidad de haber hecho este estudio, es muy particular lo que estamos viviendo todos con esta pandemia que nos rodea y que en el momento más álgido en el 2020, nos hizo darnos cuenta de que debíamos conformarnos mucho más como gremio”.

Y agrega: “En cuestión de teatro nos dimos cuenta que seguíamos contando con pocos datos sobre nuestro funcionamiento en la ciudad y en los demás estados, no teníamos luz sobre los mecanismos con los que se mantenía en pie el ámbito público ni el privado, es decir, era necesario construir más datos de manera colectiva sobre la operatividad en sus distintas ramificaciones”.

De acuerdo con Juan Meliá, de los 720 teatros que aparecen en el directorio del Sistema de Información Cultural (SIC) de la Secretaría de Cultura, ubicados en todo el país, el 80 por ciento son espacios públicos, y el 30 por ciento independientes o privados.

“Los encuestados respondieron a un cuestionario muy complejo, donde era necesario conocer a fondo el manejo de las salas desde la parte técnica, administrativa, artística y de difusión, donde más de 100 teatros respondieron, haciendo evidente la necesidad que había de responder”, declara.

Y agrega: “Del estudio se desprenden varias líneas de reflexión, en cada temática del cuestionario había la misión de hacer descubrimientos muy específicos, como las características del predio, también de la instancia que lo operaba y ahí la brecha de lo público e independiente se hizo más evidente”.

De acuerdo con el académico, en nuestro país los espacios que pertenecen a centros culturales están mucho más en el ámbito público que en el independiente, representando mayor esfuerzo para la difusión de proyectos emergentes, mismos que ocupan espacios en renta lo cual implica un riesgo mayor para su sustentabilidad.

En el rubro de lo administrativo, se preguntaba sobre las formas de contratación y el número del personal. Así como, el tamaño de su organigrama de trabajo.

“Hay más gente desempeñándose en aspectos técnicos y de vigilancia en lo público, en programación es mucho menor, también observamos que la forma de contratación temporal es mayor a contrataciones permanentes con muy pocas prestaciones”, afirma.

Y agrega: “La principal forma de subsistencia es vía taquilla con pocos patrocinios, donde el valor de la taquilla cambia drásticamente de lo público a lo independiente. Algo indudable en nuestro país es que los apoyos del ámbito público que se otorgan están mayormente enfocados hacia las compañías para poder presentarse y esto de manera indirecta favorece a las salas”.

Finalmente, Juan Meliá concluye que hay una necesidad de repensar las políticas de apoyos a las salas con el fin de aumentar su capacidad de producción, debido a que hay un gran número de espacios que no programan temporadas, teatros que trabajan la parte multidisciplinaria para poder sobrevivir.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Teatro UNAM.

Bajo la dirección de Mark Bell, este montaje se ha convertido en un referente de comedia física en el país, en el todo el elenco reunido debe estar a la altura de las exigencias que el texto pide, donde cualquier mínimo error podría afectar la integridad física de cada intérprete y romper con el ritmo de la obra.

Al respecto, Luis Rodríguez “Guana” expresa: “El principal reto del personaje es el trabajo corporal que requiere, muchas personas me han preguntado si realmente es más demandante este papel en comparación con algún otro que haya interpretado en teatro musical y sí, es uno de los personajes más cansados y más retadores, precisamente por eso, como actor todo el tiempo tienes que estar con la energía a tope porque la obra funciona únicamente de esa manera”.

Por su parte, Ricardo Maza declara: “Toda la compañía tiene que manejar un nivel de preparación bastante riguroso porque la obra exige movimientos precisos y una entrega constante, donde como intérprete debes estar alerta en todo momento para evitar accidentes. Es vital tener una condición física bastante buena para hacer a Maximiliano Bennett y estar atento a cualquier imprevisto, sin duda”.

“La obra es tan puntual que no puedes romper con el movimiento que se genera en escena con ninguna equivocación porque todo funciona como una señal para quizá aventar una luz, que se caiga algo de la escenografía, en fin, debes tener bastante desarrollados los reflejos para evitarte cualquier daño físico a ti y los compañeros porque sí han pasado muchísimas situaciones en escena que se tienen integrar a la obra y de esta manera evitar que el público lo note”, afirma Guana.

Ricardo asegura haber contado con un tiempo muy breve para ser parte de esta historia, poniendo al límite su compromiso y capacidad de aprendizaje.

“Mi acercamiento con la obra fue bastante complejo, entre a una familia que ya estaba formada, es decir, la compañía ya estaba completa pero debido a la situación que estamos viviendo se decidió incorporar a más actores. Sin embargo, me llevo la grata experiencia de haber conocido a personas extremadamente generosas que me arroparon increíblemente”, declara.

Y agrega: “Guana no me dejará mentir, pero este personaje no lo hubiera logrado entender ni poquito, si no fuera por la disposición que me brindó para poder realizar mi propia interpretación, la verdad es que me echo el hombro bien padre, me ayudaba a pasar textos, mejorar los movimientos, en fin, fue un proceso muy breve con el que todos los nuevos actores contamos para entrarle al proyecto, alrededor de dos semanas, entonces viví un proceso bastante acelerado pero sumamente enriquecedor con la ayuda que recibí de todo el equipo”.

Por su parte, Guana señala: “Tengo que reconocer que la verdad Maza sí se enfrentó a un toro bastante pesado por el poco tiempo que tuvo para debutar, yo fui testigo de como le macheteo, lo veías duro y dale con el libreto en los camerinos, preguntando. Y sí, finalmente somos una familia de la cual Ricardo ya es parte, entonces nuestra función como equipo también era apoyarlo para que la obra no se viera afectada por ningún detalle que llegara a ocurrir”.

Y agrega: “Yo no había tenido la oportunidad de trabajar con él y me dio un gusto enorme que se quedara con este papel, porque para mí es uno de los mejores que he interpretado o incluso podría colocarlo como mi favorito, por ser retador, por desarrollarse en la comedia física en totalidad en un proyecto tan bonito como lo es este”, concluye.

Ambos actores coinciden en las virtudes que este montaje ofrece al público, expresando la alegría de haber podido pertenecer a un espectáculo tan exigente en un personaje por demás complejo, mismo que puso al límite sus capacidades histriónicas a través de la constancia y la disciplina.

No te pierdas las últimas funciones de La obra que sale mal de viernes a domingo en el Teatro de los Insurgentes, ubicado en Insurgentes Sur 1587, para conocer precios y horarios, aquí.

Por: Ulises Sánchez, Fotos:

El productor Morris Gilbert cumple 47 años de actividad dentro de los espectáculos teatrales en nuestro país y en el extranjero. Un trabajo con el cual ha creado un prestigio dentro del medio. En este inicio de año, algunos de los proyectos que Morris suma a su compañía Mejor Teatro son el reestreno de GHOST, La sombra del amor; y los estrenos de  PerdidaMente, CLUE, 100 metros cuadrados y Dos locas de remate.

Al respecto, el productor expresa: “Yo todos los días siento que estoy empezando, siempre trabajo con la duda, no me la creo, y esa forma de pensar es lo que me ha permitido hacer tantas cosas. No me gusta pensar en el pasado, pero cuando hago el recuento de los años que me he dedicado al teatro, simplemente no lo puedo creer”.

Y agrega: “Yo no compito con nadie, me gusta trabajar contra mis miedos y enfrentar nuevos retos, esta carrera no es fácil, siempre habrá enemigos que buscan de alguna manera derribarte, pero yo no me fijo en nada de eso. Mi forma de valorar este tiempo transcurrido es cuando me doy cuenta de la gran cantidad de amigos que me ha dejado este trabajo y la increíble cantidad de proyectos que se han presentado sobre el escenario”.

Morris Gilbert asegura que uno de sus principales objetivos como productor fue profesionalizar aún más el talento, dinámica de trabajo que provocó el surgimiento de grandes estrellas que hoy son conocidas a nivel internacional.

“Yo le doy oportunidad al talento y me gusta que cuando se encuentra presente en alguien esa persona pueda desarrollarlo al máximo. Cuando llegué al medio me comencé a dar cuenta de los vicios que estaban presentes y otras cosas con las que yo nunca estuve de acuerdo, entonces uno de mis principales objetivos como productor fue profesionalizar aún más el talento”, asegura.

Añade: “Como productor debes desarrollar tu sensibilidad para encontrar a los intérpretes correctos, me enorgullece pensar en algunos ejemplos que se han dado, donde nadie apostaba por su permanencia o ni siquiera se les brindaba una oportunidad, pero algo en mi interior me deja ver el diamante en bruto que una persona puede llegar a ser, donde lo único que falta es un pequeño empujón”.

Sobre la nueva oferta que Mejor Teatro tendrá en cartelera este año, el productor declara: “Se me hizo temprano con este inicio de año, me gusta verlo de esa manera, porque durante los últimos meses del 2021 presentamos producciones que hoy continúan. A mí me gusta ofrecer espectáculos con larga duración, obras que se puedan guardar y que al regresar tiempo después al teatro, sigan vigentes y en el interés del público”.

Algunas de las producciones que actualmente realiza son: Perfectos desconocidos, Aladdín, Sola en la oscuridad,  Defendiendo al cavernícola, que recientemente superó las dos décadas de temporada con la interpretación de César Bono; a éstas, este año habrá que sumar 100 metros cuadrados, Dos locas de remate y AMO, misma que estelarizará Angélica Vale, y que reunirá canciones mexicanas de varias décadas. Al frente del equipo creativo que alista este proyecto se encuentran Isaac Saúl y Omar Rodríguez.

Otras de las producciones que verán la luz este año serán PerdidaMente, Clue y el reestreno de GHOST. La sombra del amor.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía

La noche de ayer la puesta en escena Torch Song de Harvey Fierstein, mismo autor de La jaula de las locas y Kinky Boots, ofreció su primera función para medios y amigos cercanos en el Teatro Milán bajo la adaptación y dirección de Alejandro Villalobos con las actuaciones de Rogelio Suárez, Anahí Allué, Mariano Aguirre, Ginette Zavala, Gilberto Esparza y José Peralta.

Al respecto, Rogelio Suárez expresó en una entrevista para nosotros: “ Se trata de una obra tan bonita, con tanto que decir, que me llena de emoción poder formar parte de este elenco, por lo general hago mucha comedia musical pero en esta ocasión el poder interpretar este personaje ha sido fantástico”.

El montaje originalmente se presentó en el Actor’s Playhouse de Nueva York en 1982, un año después llegó a Broadway obteniendo varios reconocimientos, entre ellos dos premios Tony para Fierstein como actor y autor. En México fue presentada por primera vez en 1986 con la traducción de Carlos Monsiváis en una puesta encabezada por el reconocido actor Tito Vasconcelos.

En la historia los personajes transitan por la exploración de lazos afectivos que los hacen sentir seguros y acompañados en una estructura social rígida del Nueva York de finales de la década de 1970, donde el deber ser y el ser asfixiaba la libertad de las personas que no cumplían la norma, dentro de un escenario de luces neón artificiales.

Cada elemento de la obra se adentra en un fragmento de la vida de Arnold, su protagonista, reflejando pasajes autobiográficos del mismo autor. Es importante destacar que, aunque la obra trata sobre la comunidad LGBTQ+, en el fondo se trata de una historia universal de amor y supervivencia.

En esta producción el público podrá disfrutar del camino de Arnold hacia la felicidad de la mano de un profesor universitario, hasta su suspicaz y poco convencional relación con un joven modelo, donde el mayor reto de su vida será solucionar la complicada relación con su madre.

Torch Song se presentará a partir del 25 de enero, todos los martes en el Teatro Milán, ubicado en la calle de Lucerna #64, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Mariana Medina

El actor Freddy Ortega se suma al elenco de la comedia musical The Prom como actor invitado en el papel de Memo, a partir del domingo 30 de enero, alternando funciones con Óscar Carapia, quien toma el cargo de director actoral residente.

Al respecto, el productor Marte Calderón declara: “Al principio cuando empezamos esto yo decía que no veníamos a hacer activismo y eso era parte de mi miedo y desconocimiento de muchas cosas. Sin embargo, al día de hoy, puedo decir que sí lo hacemos, en un lenguaje teatral de armonía y felicidad, donde hemos tocado muchísimas vidas”.

Y agrega: “Un gran número de personas han visto más de una función y es precisamente por la sorpresa de siempre disfrutar un espectáculo distinto al otro, donde se pueden ver distintas versiones de un mismo personaje. Una de esas tantas personas que aman la obra es Freddy Ortega, él se acercó con nosotros y nos dijo que quería formar parte de esta familia”.

Por su parte, Freddy Ortega señala: “Es una obra que desde que la ví la primera vez la disfruté muchísimo, no dejé de mover los pies en la butaca y a la fecha la he visto alrededor de 12 veces. El poder ser parte del musical ahora me llena de mucha felicidad, aunque las coreografías me tenían bastante nervioso al principio, pero gracias al apoyo de toda la producción y de Óscar Carapia en la parte del baile y la dirección, me siento más confiado, emocionado y conmovido ahora”.

Cabe señalar que el actor no cobrará por su trabajo, esto como forma de apoyar la difícil situación por la que se atraviesa.

Los productores de la obra hicieron un llamado a personas que estén interesadas en presentar esta comedia en otras partes del país para que los contacten. También invitaron a que se sumen patrocinadores para continuar con este mensaje de respeto e inclusión. Finalmente, Marte Calderón exhortó al público a acudir a las distintas funciones de la obra, en las cuales diversos actores alternan los personajes.

No te pierdas a Freddy Ortega en The Prom de viernes a domingo en el Centro Cultural Teatro 2, ubicado en Av. Cuauhtémoc 119 , para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro.

Durante casi dos años la cartelera mexicana ha sufrido un traspié con la pandemia, sin embargo, este 2022 promete ser un buen año para la escena nacional con diversos proyectos que tomarán los escenarios.

En febrero, los recintos de la capital se engalanan con nuevas propuestas que abordan todo tipo de géneros, desde la comedia, el drama, algunos con tintes biográficos y otros reflexivos que buscarán no sólo conmover, sino despertar la conciencia de los espectadores, muchos de ellos esperan ganarse el corazón de la audiencia.

Aquí te dejamos un listado con las obras que se apoderan de los escenarios:

ESTRENOS

Animales de compañía. En Llamas Producciones y La Rama de Teatro suben a escena esta propuesta de Estel Solé que cuestiona aquello que estamos dispuestos a hacer con tal de no estar solos. La obra cuenta con las actuaciones de Bárbara López, Mauricio Mancera, Mario Alberto Monroy, Viviana Serna y Adriana Larrañaga quienes arrancarán temporada el 11 de febrero en el Teatro Centenario Coyoacán.

Lo que queda de nosotros. Pas Producciones propone una nueva visión de esta emotiva historia que reflexiona sobre la pérdida y las consecuencias de dejar a un animal abandonado en la calle. Participan Tatiana del Real*, Memo Dorantes*, Cinthya Annel* y Said Sandoval, de manera alternada, acompañados por la música en escena de Carlos Gágaro. La temporada comienza el 5 de febrero en el Foro Shakespeare.

Quiero ser Nadia. Puño de tierra estrena esta obra escrita, dirigida y actuada por Valentina Sierra que gira en torno a un abuso infantil y todo lo que desencadenaron 30 años de silencio. La obra llegará el 4 de febrero a La Teatrería, como parte del Festival de Monólogos de RECIO.

Al cuerno por los toros. Bajo la producción de Juan Pablo A Ch., esta propuesta aborda el tema de la identidad, y cómo nos ven los otros en cuestiones como el amor, la amistad y la soledad. Cuenta con las actuaciones de Elías Toscano, Ditmara Náder, Pamela Ruz, Diego Martínez Villa, Pablo Gálvez y Tamara Niño de Rivera. La temporada comenzará el 3 de febrero en La Capilla Teatro.

Deseo infinito. Alberto Castillo escribe y dirige esta obra de ficción basada en momentos de la vida de Nahui Olin, Antonieta Rivas Mercado, Manuel Rodríguez Lozano y Dr. Atl,artistas mexicanos que fueron un parteaguas en la vida cultural del país. Participan Karen Vila, Sofía Sylwin, Francisco Mena. La obra llegará el 12 de febrero al Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque.

REESTRENOS

Damiana y Carola. El Centro Cultural Helénico recibe una nueva temporada de este thriller escrito y dirigido por Sergio López Vigueras que toca temas como el amor filial, el amor al hermano y el amor al espejo del otro. Cuenta con las actuaciones de Michelle Betancourt, Verónica Bravo y Federico Zapata. Las funciones comienzan el 8 de febrero en el Foro La Gruta.

Wenses y Lala. Los Tristes Tigres regresan una vez más con esta emotiva historia de amor y de vida de dos niños norteños interpretados por Adrián Vázquez y Teté Espinoza, a partir del 11 de febrero en el Teatro López Tarso.

Todos los peces de la tierra. El dúo formado por las actrices Gina Martí y Adriana Montes de Oca traen de nueva cuenta la historia de Marina, una soñadora chica que va narrando entrañables anécdotas de su infancia, su padre y su viaje a la Ciudad, lugar donde busca alcanzar sus sueños. La obra celebra su quinto aniversario con funciones en el Foro Lucerna, a partir del 16 de febrero.

The Pillowman. Ícaro Teatro, Pablo Perroni y Cuarta Pared reestrenan esta comedia negra que habla sobre un terrible tema: el asesinato de menores. La obra cuenta con un elenco renovado encabezado por Regina Blandón, Pablo Perroni, Montserrat Marañón, Enrique Arce Gómez, Alicia Paola, Adrián Pola, Catalina Zavala Richard, y comenzará sus presentaciones el 28 de enero en el Foro Lucerna.

Así que ya los sabes, ¡corre a llenar las salas durante el mes de febrero y disfruta de lo mejor del teatro nacional!

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

Dramaturgias Ambulantes es un ciclo de artes vivas itinerante que ha trabajado de manera ininterrumpida desde el 2017, y gira alrededor del precepto del creador-intérprete como un poeta total. Se caracteriza por ser un nodo de investigación, producción, vinculación, difusión y creación artística.

Esta emisión presenta nueve espectáculos diferentes, gestados por nueve artistas interdisciplinarios consolidados y emergentes, quienes dirigen, actúan y en la mayoría de los casos, escriben y producen sus propios textos. El objetivo es promover proyectos, lenguajes y poéticas de la escena nacional.

Al respecto, Itzhel Razo, gestora del ciclo, comenta: “Se trata de un ciclo de artes vivas que incluye teatro, danza y performance con propuestas muy únicas y exóticas, es interdisciplinario lo cual lo vuelve muy atractivo. Todos los artistas que se presentan en esta edición tienen un lenguaje muy particular y unas formas de creación bastante alternativas que buscan conectar con el espectador rompiendo algunos esquemas tradicionales de expresión”.

Y agrega: “Cada uno en su especialidad es muy interesante e innovador, el público podrá disfrutar en un mismo rango de tiempo todas estas piezas con el plus particular de la virtualidad. El ciclo se divide entonces de dos maneras: el circuito on stage con todas las propuestas en vivo y las dramaturgias off stage con todas las ofertas virtuales. Sin embargo, este apartado no significa que se hará un teatro grabado, si no que las mismas piezas serán grabadas de manera cinematográfica, lo que significa la creación de contenido audiovisual de alta calidad para las artes escénicas”.

La directora afirma que la difusión del ciclo a través de este formato es un método que como creadores desean implementar para futuras presentaciones debido a la importancia del entretenimiento desde algún dispositivo producto de la compleja situación que enfrentan los espectáculos presenciales en la actualidad.

“A veces es complicado encontrar un espacio, un teatro o un foro para estas propuestas que únicamente suceden en festivales o en eventos de ese tipo. Sin embargo, pienso que son de una riqueza importante, se me vienen a la cabeza las personas que están estudiando teatro o que acaban de egresar, quienes pueden encontrar propuestas que no están a la mano”, declara.

Y agrega: “Cuando yo estudiaba la carrera me surgió la inquietud de explorar propuestas de ese tipo y me di cuenta de que no existía mucha oferta interdisciplinaria o performática que era lo que me interesaba explorar en ese momento, entonces este ciclo es ideal para todos aquellos que buscan adentrarse a espectáculos diferentes”.

En esta ocasión la Itzhel presenta dos montajes: Meditación, donde es coautora junto con José Alberto Gallardo y Osvaldo Sánchez, en Wilma dirige y actúa.

Dramaturgias ambulantes se presentará los lunes en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, del 31 de enero al 18 de abril, para consultar precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos:

El Colegio de Productores pidió a las autoridades revisar la operatividad de los estímulos fiscales (Efiartes) y su convocatoria que año con año se ha ido complejizando.  Samuel Sosa, presidente del colegio de productores, hace un llamado al diálogo con la Secretaría de Cultura y la Secretaría de Hacienda y Crédito Público para incentivar la participación de creadores escénicos nacionales que buscan presentar sus proyectos en gran formato.

Al respecto, Samuel Sosa considera que el gremio está bien organizado. “El Efiartes es un programa que analizamos año con año en el Colegio de Productores, nos compartimos dictámenes, evaluaciones, folios de inscripción, entonces tenemos una red de monitoreo sobre las problemáticas que engloba este apoyo”, explicó.

Para el presidente de la mesa directiva del colegio de productores, en los 10 años que lleva existiendo el estímulo fiscal, éste se ha venido complejizando y sus reglas se han vuelto más complicadas. “Hay poca claridad sobre cómo se evalúan los proyectos, cuántos se quedan en el camino por un tema administrativo, cuántos llegan a manos de los jurados, cómo son integrados estos jurados, qué criterios son utilizados, en fin, hay poca claridad en la organización y muchas preguntas no son contestadas”, señala.

Desde su perspectiva, existen dos factores fundamentales que habría que cambiar, por un lado las estrictas y engorrosas reglas de operatividad. Así como la opacidad y discrecionalidad en la evaluación de los proyectos, lo que ha dado como resultado una brecha que deja a un gran número de creadores que cuentan con proyectos atractivos sin una oportunidad para ser conocidos.

“El problema no está en la comunidad artística que no sabe armar sus carpetas, el problema se encuentra del lado de la institución que pone cada vez más trabas en su convocatoria”, asegura Samuel Sosa.

El organismo de productores, hasta el momento, solo ha sostenido una reunión con Laura Elena Ramírez Rasgado, subdirectora general del INBAL, y con Daniel Miranda Cano, coordinador nacional de teatro del INBA. La cual, califica el presidente del colegio, como “muy estéril”. Al respecto explica que han sido “los únicos funcionarios que nos han atendido en reuniones cordiales donde su respuesta ha sido el deslindarse de la problemática, afirmando que es la Secretaria de Hacienda y Crédito Público, la encargada de este estímulo fiscal”.

“Nosotros exigimos a la Secretaría de Cultura que obligue a la Secretaría de Hacienda a sentarse a la mesa, porque nunca en 10 años hemos podido agendar una cita con ellos que, con todo respeto, poco entienden de cómo hacer arte y cultura”, señala.

En la visión de Samuel Sosa sobre la operatividad ideal del apoyo, tendría que partir de una convocatoria sencilla. Esto permitiría que, ante la diversidad de las personas que hacen teatro y otras disciplinas, todos contaran con las mismas oportunidades de acceder a este apoyo.

“El otro día nos decía gente del INBAL que justo ellos dan diplomados y seminarios en todo el territorio para que la gente aprenda cómo aplicar a este estímulo fiscal y yo les decía que ya desde allí estamos mal, el que yo como creador deba tomar un diplomado para participar en una convocatoria pública hace quedar mal a la convocatoria en sí. Debe hacerse más accesible para todos”, expresa.

Y agrega: “Actualmente trabajamos en una propuesta de redacción sobre los lineamientos, no es la primera vez que elaboramos una propuesta diferente a la original, nuestro interés únicamente es exigir mayor transparencia en los procesos de evaluación y calificación , en la convocatoria de 2021 se marcó un precedente con el mayor número de proyectos presentados, alrededor de 140 para ser exactos, entonces es importante apoyar más gente creativa que sueña con mostrar su arte”.

De acuerdo con Samuel Sosa, los proyectos son revisados por 12 jurados divididos en grupos de tres, quienes en promedio evalúan 40 proyectos por grupo. “Yo que hago esas carpetas te puedo decir que son sumamente complejas, hay que leer currículums, propuestas de producción, de dirección, esquema financiero, ruta crítica, cotizaciones, contratos, derechos de autor. Me cuesta trabajo creer que tres compañeros con un tiempo muy corto logren revisar a conciencia con cabalidad, justicia y equidad cada una de ellas”.

Agrega: “Se leen a medias, se emiten juicios de valor, es a puerta cerrada con un pretexto de insaculación. Creemos que al cambiar estos mecanismos, más creadores podrán acceder al último oasis del desierto, porque ya no hay convocatorias de esa naturaleza, muchas ya no existen, otras más fueron creadas pero más en función de becas personales, sin el soporte necesario para levantar un espectáculo de gran formato”.

Finalmente, el integrante de la mesa directiva del Colegio de Productores asegura “No nos queda más que seguir intentando y aplicando, no es un afán de pelear ni de confrontar, se trata de ponernos claros en cuanto a la operatividad y cómo podemos revertir esos números negativos para que el país tenga el arte y la cultura que se merece”, concluye.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Teatro UNAM y cortesía Helénico.

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El espectáculo que pone en evidencia la poca evolución que hemos tenido como sociedad al paso de los años a través de un fino humor y constantes referencias actuales de nuestro contexto nacional está de regreso, en esta ocasión Las Meninas vs. el Santo Oficio se presenta en el Teatro Milán hasta el 24 de febrero.

En este montaje, la dramaturgia de ​​Luis Huitron y Hugo Serrano se desarrolla bajo la dirección de Hugo Isaac Serrano. Las Meninas nos cuentan la forma en que operaba la Santa Inquisición y los horrores con los que castigaba a las almas perdidas que no tenían oportunidad de redención.

A continuación, 3 razones para ver Las Meninas vs. el Santo Oficio

1. Las actuaciones. Cristina Cortés, Christian Escorcia y Luis Huitrón protagonizan esta historia, en escena interpretan a María Bárbara, Alma María y la tía Celia, tres mujeres de la alta sociedad que vivieron en la época novohispana. Ellas nos exponen los motivos por los que la Santa Inquisición las perseguía a través de una exacta sintonía entre diálogos e interacciones, manteniendo al espectador atento con las memorables interpretaciones que ejecutan estos profesionales de la comedia y la historia nacional.

2. El humor. Otro factor fundamental para que el espectáculo conserve la atención del público por más de 90 minutos, es el fino humor en el que se desenvuelve la trama, aquí se vale reírse de nosotros los mexicanos, por medio de continuas referencias populares de nuestro cotidiano que las protagonistas utilizan para profundizar en sus terribles circunstancias, provocando hilarantes momentos de risa en la sala que provocan que más de una lágrima se nos escape.

3. La escenografía y el vestuario. El montaje se desarrolla en una sala de la clase alta, típica de la época, en ella las tres mujeres habitan lo que pareciera una pintura realizada por Diego Velázquez, donde sus ostentosos vestidos, joyas y peinados elaborados otorgan mayor sentido y color a la famosa referencia pictórica.

Así que ya lo sabes, no te pierdas de un espectáculo que se reinventa en cada temporada, donde las distintas temáticas abordadas por las protagonistas invitan al espectador a vivir una experiencia inigualable de risa catártica y contundente.

Las Meninas Novohispanas contra el Santo (Oficio) del 20 de enero al 24 de febrero en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, para conocer precios y horarios,aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro.

Uno de los géneros preferidos por los mexicanos es, sin duda, la comedia y esto se debe a que cuando reímos liberamos endorfinas y dopamina, que nos ayudan a olvidarnos de la rutina, el trabajo, los problemas y demás situaciones que nos provoca el estrés.

Si quieres pasar un rato ameno y reír a carcajada suelta, actualmente tenemos diversas opciones para acudir al teatro en familia, amigos o con la pareja y pasar un momento de entretenimiento, ¡Así que ve planeando tu fin de semana con estas recomendaciones que, además, puedes adquirir con excelentes descuentos!

El confesionario de Chabelita. ¿Alguna vez viste en pantalla a Nora Salinas como Chabelita? Pues ahora puedes disfrutar de las divertidas confesiones y malentendidos de este personaje totalmente en vivo. Acompaña a esta viuda desamparada los sábados y domingos en el Teatro 11 de Julio.

La pendejísima historia de mis “ex”. Alejandra Haydee y Óscar Rubí interpretan a una pareja que está a punto de casarse, sin embargo, comienzan a aparecer las dudas. por lo que empiezan a contar sobre sus relaciones pasadas, en donde termina descubriendo que cada uno ha salido con “curiosos especímenes”. La obra ofrece funciones los jueves en el Teatro Rodolfo Usigli.

La tremenda corte, el homenaje. Esta comedia rinde como su nombre lo dice, a un famoso programa de radio y televisión cómico de Cuba, que logró divertir durante más de 70 años a la audiencia. Ahora vuelve en una versión escénica que transcurre en una corte donde un juez, un acusado y los acusadores, dictan sentencia de la forma más irreverente posible. Se presenta los domingos en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde.

Los huevos de mi madre. Lupita Sandoval y Fernando Botero traen de nueva cuenta esta historia sobre un hijo que se ve obligado a regresar a vivir a casa de su madre, después de divorciarse, que no sólo deberá lidiar con su dolor, también con la constante intromisión de su madre, todo ello acompañada de divertidas melodías. Ofrece funciones los sábados en el Teatro Jorge Negrete.

Infieles. Esta divertida comedia de humor blanco nos presenta diversas situaciones que se suscitan en casa de una pareja gay, cuando invitan a un amigo a pasar unos días con ellos. Entre malentendidos y mentiras cualquier pareja más allá del género, se sentirá identificado con las hilarantes ocurrencias por las que pasan los personajes. Con funciones los miércoles en el Centro Cultural de la Diversidad.

Consulta otras opciones de comedia, dando clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: FB @chabelitalaobra y @loshuevosdemimadre

Sin duda, uno de los recintos más queridos de la capital es el Centro Cultural La Titería, por ser un espacio dedicado a las artes escénicas dirigidas a los más pequeños, que está a punto de reabrir sus puertas con dos propuestas que serán la delicia de chicos y grandes.

Sobre esta reapertura, Amaranta Leyva, directora del recinto, comparte: “Sentimos mucha emoción de ver otra vez a los niños a los ojos, eso es lo que nos da la fuerza y la energía para volver”.

Agrega: “Decidimos abrir en febrero por todo lo que pasó con Omicrón y el cierre de escuelas, porque para nosotros La Titería es un espacio de reencuentro, pero un reencuentro seguro”.

El espacio abrirá sus puertas el próximo 5 de febrero con la puesta en escena, Caracol y Colibrí propuesta de la compañía Idiotas Teatro (A golpe de calcetín) en colaboración con Laboratorio de la Máscara que, además realizará una residencia artística en la que presentará diversas propuestas.

La pieza es una obra con máscaras y títeres, escrita por Sabina Berman, adaptada por la pedagoga teatral y directora del Laboratorio de la Máscara, Alicia Martínez Álvarez, y está dirigida a niños y niñas a partir de los 3 años. El montaje narra la aventura de dos personajes que van en búsqueda de la música que los enamora.

Al respecto, Leyva subraya: “Idiotas Teatro, son un par de jóvenes que trabajan mucho con la máscara, van a hacer su residencia artística con nosotros, en la que van a presentar varias de sus obras de repertorio; y justamente arrancan con Caracol y colibrí, que es es la historia de un viejo, que simboliza al artista plástico oaxaqueño, Francisco Toledo, y la relación respecto a las artes y la música”.

Añade: “Yo los invito porque es una propuesta plástica y escénica muy bonita, a los niños les gusta mucho. Son historias para chicos y grandes porque nos llegan a ambos, desde el mundo de las emociones”.

Mientras que la segunda propuesta, SPA Enaguas profundas es el primer proyecto de la compañía Marionetas de la Esquina dirigida a un público adulto, que explora la relación del cuerpo y la mente del ser humano, pero llevada al extremo.

En este sentido, la también autora del texto, señala: “Es nuestra primera incursión al teatro para adultos con títeres. Convertimos La Titería en un SPA para que, aparentemente, se vengan a relajar, pero en realidad es un SPA muy neurótico, donde los títeres quieren ser perfectos y todo va saliendo mal”.

Colibrí y caracol se presenta los sábados y domingos del 5 al 27 de febrero a las 13:00 horas, y SPA Enaguas profundas los días 17,19, 24 y 25 de febrero con funciones jueves, viernes y sábados a las 20:00 horas en el recinto ubicado en Vicente Guerrero no. 7 Colonia Del Carmen, Coyoacán.

Por Itaí Cruz, Fotos: FB @idiotasteatro y @latiteria

Estamos a tan sólo unos días de poder disfrutar de la impresionante producción de José, el soñador con Carlos Rivera, Fela Domínguez y Kalimba, que levantará el telón el próximo 10 de febrero en el Centro Cultural Teatro 1.

Si aún no te decides, aquí te decimos por qué vale la pena no perdérsela:

1. La producción. Esta será la primera gran producción mexicana, tras la pandemia con la que el productor Alex Gou tira la casa por la ventana, pues contará con más de 150 cambios de vestuario, 420 metros de pantalla de luces led y un gran despliegue tecnológico en escena.

2. Las canciones. En esta nueva versión podremos escuchar las mismas que tradujo Julissa en 1984, partiendo de la obra original creada por Andrew Lloyd Webber y Tim Rice.

3. Carlos Rivera. Tras protagonizar El Rey León, el famoso cantante regresa para cumplir uno de sus más grandes sueños, interpretar a José, mostrándonos que los sueños sí se cumplen, no importa el tiempo.

4. Fela Domínguez. Anteriormente ya hizo mancuerna con Rivera en el mismo musical al personificar a Nala. Ella es la narradora de la puesta y podremos disfrutar de su maravillosa voz durante casi toda la obra.

5. Kalimba. No es la primera vez que podremos verlo en teatro, también participó en la mega producción Jesucristo Súper Estrella. El cantante será el Faraón, si bien el personaje está basado en el rey del rock an roll, en esta ocasión veremos una versión más soul, gospell y R&B.

En esta colorida historia, José, es el hijo favorito de su padre, Jacob, pero sus celosos hermanos lo traicionan y lo venden como esclavo a los egipcios. Gracias a su inteligencia y su fe, José pasa de ser un esclavo a ser el gobernador de Egipto y la mano derecha del Faraón.

José, el soñador se presentará sólo por 7 semanas, del 10 de febrero al 27 de marzo en la capital, ya que los artistas cuentan con una agenda bastante ocupada, si quieres ver este inigualable musical corre ya comprar tus entradas, dando clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía PinPoint y FB @JoseElMusicalMx

Torch Song, de Harvey Fierstein, autor también de La jaula de las locas y Kinky Boots, es una una historia de supervivencia ante los giros inesperados de la vida y de poder expresar la identidad propia con libertad. En este sentido, la obra refleja la complejidad de las relaciones humanas a través del humor y los cuestionamientos, rompiendo convenciones socialmente establecidas, invitando a la exploración de nuevas posibilidades.

Ambientada en el Nueva York de finales de 1970, un contexto por demás hostil para la diversidad sexual, el montaje se presenta en el Teatro Milán con la adaptación y dirección de Alejandro Villalobos, con un elenco encabezado por Rogelio Suárez y Anahí Allué.

Al respecto, Alejandro Villalobos expresa: “Cuando yo leí este texto, lo mismo le pasó yo creo a Rogelio y en general a la gente que se encuentra con Torch Song, es que se siente muy identificada con los personajes. Es una puesta que se hace a finales de los años 70. Sin embargo, está impregnada de una vigencia impresionante, lamentablemente”.

Y agrega: “Yo creo que el público mexicano se verá muy reflejado en esta historia por el lento camino que transitamos hacia la apertura sexual y su respeto. En ella se muestra esta necesidad de ser aprobado y amado, entretejida por situaciones contemporáneas como la adopción homoparental o el simple hecho de expresarte con libertad”.

El director afirma que es un montaje que, a pesar de tocar temas tan duros y complejos, al final es una comedia con melodrama donde la reflexión llega con mayor facilidad a través de la risa.

Por su parte, Rogelio Suárez comenta: “Creo que es muy necesario seguir luchando para que la palabra TOLERANCIA sea eliminada, pues todos somos seres humanos y tenemos los mismos derechos, nosotros no buscamos aleccionar a la gente, sino visibilizar las distintas formas de amor que pueden existir mediante lazos que nos hacen sentir tranquilos”.

Y agrega: “A veces yo me incluyo, porque en muchas ocasiones por más pro que quieras ser, uno mismo tiene pensamientos atávicos que cuando caes en cuenta dices, yo también hago lo mismo, quizá en otro ámbito. Sin embargo, de lo que se trata es de trabajar con la empatía y mejorar como seres humanos”.

El actor afirma que debido a las lamentables muestras de odio que se han hecho virales en redes sociales en lo que va del año, es sumamente necesario contar con más propuestas que contribuyan de alguna manera al cambio más que nunca.

“Cuando Alex me presentó esta obra me dijo que quería desarrollar un monólogo interpretado por mí, entonces yo le dije que sí, ciegamente, sin saber bien a bien de qué iba el concepto, para mi grata sorpresa cuando me envió su adaptación pude identificarme en totalidad con el discurso que expresa el personaje y me encantó”, señala.

Y agrega: “Cuando me dijo que existía la posibilidad de montar la obra yo le recé a todo, porque debía presentarse así. Estoy tan emocionado de tener el peso de este personaje y de esta historia, es maravilloso el viaje de Arnold, yo no conocía el texto y gracias a Alejandro hoy puedo decir que por proyectos como este soy actor”.

Para ambos, México está listo para recibir más propuestas escénicas donde el eje principal de la historia sea la apertura, el respeto y la inclusión de las diferentes preferencias e identidades sexuales, admiten que hay días complicados, donde como sociedad pareciera no existir tal apertura. Sin embargo, señalan que ante la negación y resistencia, hoy en día hay más agentes de cambio dispuestos a exigir respeto e igualdad.

Torch Song se presentará todos los martes en el Teatro Milán, ubicado en la calle de Lucerna #64, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Twitter de Rogelio Suárez

Del 8 de febrero al 26 de abril el Foro la Gruta del Centro Cultural Helénico abre sus puertas a esta propuesta escénica que explora un amor filial oscuro condenado desde su raíz con un crimen de por medio, donde la experiencia sensorial que genera busca sumergir al espectador en un thriller contundente, a través de poesía contemporánea. 

Damiana y Carola escrita y dirigida por Sergio López Vigueras, ganador del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo 2017, fue nominada a Mejor dirección y Mejor dramaturgia mexicana en los Premios ACPT 2019, cuenta con un elenco integrado por Michelle Betancourt, Verónica Bravo y Federico Zapata.

Al respecto, Verónica Bravo comenta: “Es una obra muy poética y oscura, por momentos con tintes de comedia y humor, pero sobre todo es una historia contemporánea de vanguardia, habla sobre dos hermanas que planean asesinar a sus padres para mantener la relación incestuosa que tienen desde chavitas, quedándose con todo su dinero para vivir en compañía toda la vida, todo dentro de un contexto de la clase alta mexicana, donde ellas nunca han conocido límites ante sus deseos”.

En la historia, los padres de estas dos hermanas se van a un viaje de negocios, situación que aprovechan para echar a andar su plan. Contratan al Chacal, un matón a sueldo, pero este pronto traerá conflictos a la pareja de hermanas. La situación se vuelve tensa y quizá el perverso plan no tenga los resultados que ellas habían imaginado.

“Es un thriller oscuro que crea imágenes muy poderosas en el espectador, invitando a viajes sensoriales muy potentes con el texto, que para mí es lo más bonito de Damiana y Carola. Es padrísimo poder encarnar y experimentar hipótesis de cómo viven, cómo sienten y cómo piensan personajes tan complejos como estos, sin juzgar y encontrar vínculos con tu visión de la vida para darle piel, cuerpo y voz a una interpretación, dejando pudores y lo políticamente correcto a un lado, sosteniendo las frases y pensamientos que se argumentan en escena desde un lugar muy honesto”, señala Verónica.

Y agrega: “Toda la estética de la obra también es creación de Sergio, es abstracta, cubierta de un pasto sintético, donde jugamos mucho con elementos como el agua, el plástico y los reflejos de la luz en ellos, contrastando con nuestros vestuarios que son oscuros. Jugamos también con diferentes protuberancias del suelo, de esta forma nos desplazamos por niveles que adquieren significado a medida que los personajes van enfrentando el destino de sus acciones”.

“La dramaturgia de Sergio es una que se tiene que conocer, acercarse a propuestas de autores contemporáneos como él y con el talento actoral emergente vale muchísimo la pena, porque esta obra va a la vanguardia en muchos sentidos”, finaliza.

Damiana y Carola se presenta del 8 de febrero al 26 de abril en el Foro la Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en Av. Revolución 1500, consulta horarios y precios, aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Los Bocanegra

Sabemos que tener hijos en casa y buscar propuestas que logren entretenerlos no es nada fácil, sin embargo, el teatro siempre será una gran opción para que los pequeños no sólo se diviertan, pues muchas de las obras los incentivan a desarrollar su imaginación y creatividad.

Este fin de semana te invitamos a acudir al teatro en compañía de toda la familia y disfrutar de la cartelera infantil que se encuentra actualmente en temporada, y sobre todo, con los mejores descuentos.

Los tres cochinitos. En esta adaptación seremos testigos de cómo el lobo hace uso de todas sus artimañas y disfraces para tratar de engañar a los cochinitos y devorarlos. Pero la astucia de los tres cochinitos no se la pondrán tan fácil, y tal vez será él quien sufra las consecuencias. Ofrece funciones los sábados en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde.

El mago de Oz. Esta propuesta invita a viajar a chicos y grandes al mágico mundo de Oz, y vivir una gran aventura en compañía de Dorothy y su mascota, Totó y los singulares e inadaptados personajes que se une irán en el camino y juntos vencerán los obstáculos para llegar a Ciudad Esmeralda y conocer la gran mago. Ofrece funciones los sábados en el Teatro Tepeyac.

La liebre y la tortuga. Este es el espectáculo está basado en la clásica fábula de Esopo, donde una liebre y una tortuga siempre discuten sobre quién es más rápida. Esta divertida adaptación incorpora canciones que serán del deleite de los pequeños. La obra se presenta los sábados en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde.

Melania & Dalibor: El dragón, la princesa y el príncipe. En esta pieza de teatro con títeres nos presenta a Melania y Dalibor, dos cuentacuentos que narran diversas historias entre ellas la de un dragón, la princesa y el príncipe, que no desean hacer lo que se espera de ellos. La obra regresa a la cartelera de manera presencial los domingos en el Foro Juana Cata.

Un cuento para las princesas. En esta ocasión algunos de los villanos más famosos, Maléfica y Gastón se unen en esta historia donde planean robarle sus virtudes a las princesas. Sin embargo, al último momento cansada de ser una bruja desiste de su malvado plan, pues ella también desea convertirse en una hermosa princesa de cuento. Con funciones los domingos en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde.

La Cenicienta. Con más de 20 actores en escena, este cuento de hadas especialmente dirigido a las niñas y niños, nos cuenta la historia de Ella, una joven que se vuelve la empleada doméstica de su madrastra y hermanastras, tras la muerte de su padre. Gracias a la ayuda de su Hada Madrina, la joven asiste a un baile del palacio real, donde conoce al apuesto príncipe. Este musical se presenta los sábados en el Teatro Tepeyac.

El Pilón

¿Quién le teme al lobo feroz? Quién no conoce la clásica historia de Caperucita, ahora se nos presenta en versión musical que será la delicia de chicos y grandes. En la trama la inocente Caperucita descubrirá las mejores cualidades de los animalitos del bosque, incluso del malvado lobo feroz. Con funciones a partir del 19 de febrero en el Nuevo Teatro Libanés.

Consulta otras opciones de género infantil, aquí.

Por Itaí Cruz, Foto: FB Teatro Tepeyac y Cortesía Producción

El 14 de febrero está a la vuelta de la esquina, si aún no sabes qué regalarle a tu pareja o amigos, y quieres salir de la monotonía de comprar chocolates, flores y globos, qué mejor que regalar teatro.

Este lunes algunas producciones ofrecerán funciones especiales para que celebres el Día del amor y la amistad, así que ¡echa un vistazo a nuestras recomendaciones y el amor desde las tablas!

Perfectos Desconocidos. En esta historia, Eva y Alberto son los anfitriones de una cena que se saldrá de control, tras dejar abierta la caja de los secretos que cada celular guarda consigo. Disfruta de un gran elenco seleccionado para esta adaptación de la película homónima que está a punto de bajar el telón.

Dos Más Dos. Esta divertida comedia sobre el intercambio de parejas, nos pone frente a la disyuntiva, al cuestionar cuáles son nuestros límites sobre el amor, el sexo y sobre todo, nuestro concepto sobre la fidelidad.

Defendiendo al cavernícola. Este unipersonal cómico fue escrito por el también comediante estadounidense, Rob Becker entre 1988 y 1991, incluso el mismo autor la representó hasta principios de 2006. La trama relata los malentendidos que a menudo se presentan en las relaciones de pareja, entre hombres y mujeres.

Como quieras, ¡Perro Ámame! Esta comedia musical desarrolla en escena una divertida analogía entre los perros y los hombres. Una mujer y un hombre se conocen por accidente, ambos han sido plantados por sus citas, de pronto comienzan a discutir sobre quién es peor en una relación, si ellos o ellas.

Sola en la oscuridad. El thriller y suspenso son los elementos que componen esta propuesta que nos narra la historia de Susy, una mujer invidente que se ve envuelta en una intrigante trama, que deberá resolver con ayuda de sus otros cuatro sentidos. Este fin de semana termina su participación especial Kika Édgar como Susy.

Consulta otras opciones en cartelera, dando clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Charly Duchanoy

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• Celebra el amor y la amistad con teatro

En Llamas Producciones y La Rama de Teatro, a través de EFITEATRO, presentan Animales de Compañía, con dramaturgia de Estel Solé, bajo la dirección de Lorena Pérez Ríos con las actuaciones estelares de Bárbara López, Mauricio Mancera, Mario Alberto Monroy, Viviana Serna y Adriana Larrañaga en el Teatro Centenario Coyoacán del 11 de febrero al 3 de abril.

Al respecto, Mauricio Mancera comparte: “Es una obra donde todo el público se puede sentir identificado porque habla de estos núcleos o grupos de amigos donde se acumulan cariños, pero también rencores y rencillas, que en el momento menos esperado salen”.

Por su parte, Mario Alberto Monroy menciona: “Se trata de una tragicomedia que en realidad no es tan trágica, donde los personajes lo pasan mal, pero el resultado final para el espectador es muy hilarante”.

Para Barbara López es una obra que habla de salud mental, donde lo interesante es darse cuenta de quiénes son realmente los que están mal, personas que quizá piensan que funcionan de manera adecuada por no haber atravesado algún lapsus de oscuridad emocional pero que en muchas ocasiones la forma en que se desenvuelven muestra todo lo contrario.

En la historia, un grupo de amigos organiza una cena sorpresa para recibir a su amiga Beth que ha sido dada de alta de un hospital psiquiátrico donde permaneció interna un par de meses. Beth cree que encontrará a su novio Javi cuando regrese a su casa. Sin embargo, Alex, uno de los amigos, les confiesa a todos que Javi se ha ido a Australia, que no le interesa volver con ella y que él se ha hecho pasar por Javi los últimos meses.

Durante el transcurso de la noche, el esfuerzo constante por mantener una mentira hace que los personajes liberen sus propios demonios y escupan verdades de su propia vida que llevaban mucho tiempo guardadas.

Animales de compañía se presentará de viernes a domingo en el Teatro Centenario Coyoacán, ubicado en Centenario 159, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Para dar continuidad a los espectáculos Cómo ser una buena madre judía; Yo soy una buena madre judía; La Madre judía No. 2 y Yo soy una buena abuela, madre y suegra judía, la primera actriz Susana Alexander está de regreso, y en esta ocasión con un espectáculo que se transmitirá por streaming los días 19 y 26 de febrero para rendir homenaje a su fallecido amigo y compañero, Enrique Becker.

Ahora soy una buena viuda judía es el título de esta comedia con tintes de humor negro donde la intérprete transita por la celebración de la Shiva, tradición judía de recordar y mostrar respeto ante la partida de un ser amado.

Al respecto, Susana Alexander comenta: ”Esta propuesta es una corona más para mí como “La Reina del streaming”, en esta ocasión interpreto a una buena viuda judía porque se me murió mi Enrique Becker, así que le rindo un merecido homenaje porque él fue quien interpretó a mi marido durante todas las diferentes versiones de la madre judía desde 1979 hasta el 2002 que fue la última que hicimos”.

La actriz asegura que el haber compartido una entrañable amistad durante tanto tiempo con el fallecido actor, la hizo considerarlo como parte importante de su familia, un hermano con el que podía reír a la menor provocación y emprender proyectos que ambos disfrutaban, debido a la evidente química que sentían en escena.

En la historia una familia está celebrando una Shiva, que es el período de duelo dentro del judaísmo, para los primeros siete grados de parentesco: padre, madre, hijo, hija, hermano, hermana, o esposa.

“Los miembros de la familia nos colgamos un listón negro con un alfiler y posteriormente es cortado, encendemos también una veladora roja con la estrella de David que fue traída directamente desde Washington entre otros artículos que se utilizan en esta celebración”, declara la actriz.

Y agrega: “Se trata de una historia de amor hacia Enrique Becker y hacia este proyecto que he realizado desde hace tantos años, entonces fue maravilloso estar todos juntos de nuevo con tanto amor, risas y alegrías, durante los tres días que duró la grabación”.

En esta ocasión comparte dicho proyecto con actores que han sido parte de las distintas puestas de esta madre judía, como Beto Torres, Amara Villafuerte, Tatiana Zugazagoitia, José Riveroll y Yunuen de la Mora, además de contar con invitados estelares como: Norma Lazareno, Roberto DAmico, y Abbe Levin, quienes integran esta divertida historia familiar.

“Yo no conozco otra forma de trabajar que no sea con amor y con el placer de compartir con mis compañeros de escena o en las compañías que he creado, donde nos volvemos siempre una gran familia que celebra los logros de cada uno, a Enrique yo lo conocí a los 18 y ahora tengo 78, él sabía mis secretos mis confidencias, en fin. No puedo explicar cuánto lo extraño”, afirma la intérprete.

Y agrega: “El público verá una obra blanca, divertida y conmovedora para toda la familia, donde no hay vulgaridades ni mucho menos corrientadas. Además la gente podrá aprender de otras formas de rendir homenaje a los que se nos fueron”, concluye.

Ahora soy una buena viuda judía, se presentará vía streaming por dos fines de semana, el primero se estrena el 19 de febrero y estará abierta la transmisión durante las siguientes 48 horas, el segundo arrancará el 26 de febrero y concluirá el lunes 28 a la misma hora. Los accesos están disponibles a través de la página de Boletia y tienen un costo de $300 pesos.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Manojo de Ideas

Como cada año, llega una de las celebraciones más esperadas para los enamorados es el Día de San Valentín. Si tú eres de los que desean hacer algo diferente, has llegado al lugar indicado, pues una de esas opciones es ir al teatro.

Las historias que podemos encontrar nos hablan no sólo del amor entre pareja, también abordan el amor entre padres e hijos, la amistades que jamás imaginaríamos que pudieran existir o el amor que profesamos por las mascotas, como ves, hay propuestas para todo tipo.

Si vas en plan de amigos, pareja o incluso primeras citas, aquí te damos algunas recomendaciones para que asistas al teatro esta semana y celebres el amor y la amistad.

José el soñador. José, es el hijo favorito de su padre, Jacob, pero sus celosos hermanos lo traicionan y lo venden como esclavo a los egipcios. Gracias a su inteligencia y su fe, José pasa de ser un esclavo a ser el gobernador de Egipto y la mano derecha del Faraón. Una obra que nos habla del perdón y el amor filial.

Visitando al Sr. Green. En esta historia un hombre joven y uno de la tercera edad se conocen por accidente, si bien al principio, ambos tienen muchas diferencias con el pasar del tiempo, terminan dándose cuenta que son muy similares. La obra nos enseña que la amistad puede surgir en cualquier momento y con quién menos imaginaríamos.

Torch Song. Este montaje nos invita a reflexionar sobre las relaciones de padres e hijos, a través de la historia de Arnold, un hijo que desea ser aceptado por su madre quien está llena de prejuicios y miedos. El protagonista es una drag queen con un agudo sentido del humor, que en su búsqueda del amor y la felicidad, deberá luchar contra todos los convencionalismos de la época.

La historia de Gazapo. Un monólogo que Francisco Suárez (el Mago Frank) ha realizado ya por más de 12 años de manera ininterrumpida. En él a través de una narración con poesía, suspenso y humor, nos habla sobre el amor en sus distintas facetas.

Lo que queda de nosotros. Una propuesta familiar que nos habla sobre el amor incondicional que las mascotas profesan a sus dueños. Esta obra conmovedora cuenta la historia de Nata, una pequeña que tras perder a sus padres, decide abandonar a su perro, Toto, para no tener más vínculos afectivos con nadie.

Wenses y Lala. Es una emotiva comedia que nos cuenta la historia de dos niños norteños que tras la muerte de sus padres, se ven en la necesidad de vivir y afrontar los retos que la vida les presenta, mientras van descubriendo el origen del amor.

The Prom. Entre increíbles melodías y divertidas situaciones, relata la historia de Emma, una chica que vive en una provincia con costumbres muy arraigadas, que desea acudir al baile de graduación con la chica que ama, por lo que deberá sortear diversas dificultades para cumplir su sueño.

Todos los peces de la tierra. A través de recuerdos y anécdotas nos adentramos en la historia de Marina y el amor que siente por su padre que, a pesar de ya no estar vivo, le dará la lección más grande de su vida. Una obra que nos incita a luchar por nuestros sueños.

Por Itaí Cruz, Fotos: Enrique Gorostieta y Cortesía Manojo de Ideas 

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• Teatro con funciones especiales para celebrar este 14 de Febrero

Este Día del amor y la amistad se respira pura miel en el ambiente, y para que sigan celebrando les hemos armado una playlist con las mejores rolas de musicales que han pisado los escenarios.

¿Qué canción de amor les gusta más? ¿Cuál agregarían?

Por Itaí Cruz, Fotos: FB The Prom México

Una vez más está aquí la celebración del amor, ese día en el calendario que emociona, incómoda y llena de ansiedad a otros tantos debido al consumismo desbordado y quizá también por la falta de un ser amado.

Todo se remonta al siglo III en Roma, donde un sacerdote llamado Valentín se opuso a la orden del emperador Claudio II, quien decidió prohibir la celebración de matrimonios para los jóvenes, considerando que los solteros sin familia eran mejores soldados, ya que tenían menos ataduras y vínculos sentimentales. Sin embargo, en contra de tal prohibición, el famoso sacerdote comenzó a celebrar en secreto matrimonios para jóvenes enamorados, conducta que lo llevaría a la muerte el 14 de febrero del año 270.

Para muchos esta trágica historia funciona como el pretexto perfecto para celebrar el romance y la alegría de contar con una persona esencial en la vida, dos o más, porque el amor no excluye y la amistad también se festeja, así que con la oxitocina de la pasión o la falta de ella, el día está aquí.

En nuestro especial, Ricardo Peralta, José María Mantilla, Dalilah Polanco, Susana Alexander, Regina Blandón y Mario Alberto Monroy nos comparten sus opiniones respecto a la fecha del amor.

Al respecto, Ricardo Peralta declara: “En un cumpleaños llevé a mi novio Charlie al concierto de Britney Spears, porque él ama a Britney Spears y era su cumpleaños. Ese fue nuestro primer viaje ya siendo novios. Estuvo muy lindo, porque él no sabía a dónde íbamos a ir, yo le dije solamente, saca tu visa y tu pasaporte porque vamos a ir de viaje”.

Y agrega: “Él creía que íbamos a ir a Disney, pero en realidad íbamos a ir a Las Vegas, y ya que estábamos en el aeropuerto, cuando nos subimos a un avión con dirección a las Vegas ya fue que dijo, ¡ah me vas a llevar a ver a Britney! Y fue muy feliz, y estuvo muy lindo, esa es mi experiencia bonita de amor”.

 José María Mantilla asegura haber encontrado el amor durante una noche de copas en un viaje por Europa, donde la distancia entre Francia y México no fue un factor determinante para el olvido y el desinterés, culminando en una relación de 15 años.

“Mi pareja es francés, nos conocimos en Lisboa en un bar una noche, y de ahí llevo 15 años con él, yo estando de vacaciones y él también. Sobrevivimos el que él estuviera en Francia y yo en México, y finalmente el amor a distancia funcionó. De ser una noche de encontrarnos al otro lado del mundo, coincidimos. Nunca hubiera pensado que a partir de eso me cambiaría la vida, y ahora somos pareja, nos encontramos”, señala.

“La primera vez que nos vimos después de Lisboa, dijimos un lugar intermedio, nos vimos en Nueva York. Fue nuestra primera cita, después él vino a México, luego yo fui a Francia, después de eso decidimos vivir juntos. Fue un amor de coincidencias”, confiesa.

 Mientras que a Dalilah Polanco le encanta el pretexto de reunirse con amigos cada 14 de febrero, declara ser fiel a la celebración durante una comida o varias durante el día, la actriz comienza desde temprano con los encuentros amistosos sin dar tanta prioridad a un festejo en pareja.

“Yo regularmente festejo más con amigos, para mí eso es el Día del amor y la amistad. Que más amor que tus amigos, la familia que elegiste en la vida, que son pocos y son buenos, por lo menos en mi caso. Prefiero buscar el pretexto para juntarme con mis amigos de verdad, de hueso colorado, y festejar nuestro amor y que seguimos juntos y que podemos confiar en nosotros”, puntualiza.

“Al decir pocos amigos, creo que estoy mintiendo un poco, porque si me pongo a pensar tengo varios círculos de diferentes amistades y entonces trato de darles el tiempo necesario a cada quien”, señala.

Por su parte, la primera actriz doña Susana Alexander confiesa sufrir la ausencia de uno de sus más entrañables amigos en la vida, el actor Enrique Becker, con quien compartió más de 50 años de confidencias, risas y alegrías.

“¡60 años de amistad es amor! Yo he hecho vínculos muy fuertes con algunos compañeros, pero ninguno tan fuerte como el que tuve con Enrique Becker. Fue un hermano para mí, dicho por mi otro hermano, Beto, mi gemelo y no sentía celos de eso”, asegura.

Pero no a todos les gusta festejar esta fecha tan popular, tal es el caso de Regina Blandón, para ella este día no representa ningún significado, y confiesa que siempre sintió aversión por el marketing que engloba la fecha.

“Honestamente no me gusta esta fecha, siempre me ha molestado que la publicidad te orille a endeudarte con cosas materiales para demostrar tu supuesto amor hacia los demás y eso no me parece de lo más honesto. Además, todo está lleno ese día, el tráfico es un caos, en fin. Considero que es mejor una buena risa compartida con tus amigos, la gente que amas todos los días, con la que te sientes bien y puedes ser tú mismo sin importar nada más que la compañía”.

Finalmente, Mario Alberto Monroy declara: “Yo nunca celebro el 14 de febrero. No me gusta que todo sea tan forzado y no es porque sea un grinch de la celebración, pero cuando he llegado a salir todo está saturado, la gente actúa de una manera muy falsa y por si fuera poco, las grandes empresas te hacen gastar el dinero que no tienes. Hay que dar amor todos los días“.

Como puedes observar, esta fecha es querida y odiada por otros, funciona como la ocasión ideal para convivir una vez más en la semana o como el recordatorio adicional para revivir viejas memorias y futuros anhelos.

De cualquier forma durante este día, nunca está de más expresar buenos sentimientos, escuchar canciones sentimentales, deprimirse un poco o quizá, simplemente disfrutar de algún caramelo en forma de un cursi y extraño corazón, y por qué no, acudir al teatro.

Por: Ulises Sánchez e Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

Llega al Nuevo Teatro Libanés, la comedia 100 metros cuadrados o El inconveniente de Juan Carlos Rubio, la nueva producción de MejorTeatro y Morris Gilbert, en asociación con Juan Caballé, bajo la dirección de Manuel González Gil, protagonizada por Jacqueline Andere, Ana Karina Guevara y Mauricio Galaz. La obra ofrecerá funciones de viernes a domingo, a partir del 10 de marzo.

Sobre esta nueva aventura escénica, Morris Gilbert comentó: “Me debía esto, trabajar con Jacqueline es algo que no había logrado a lo largo de mi pequeña carrera. El punto es que no habíamos podido coincidir hasta ahora, así que estamos muy felices de estas alturas del partido, felices de seguir teniendo nuevas experiencias y trabajar con una persona tan importante como es Jaqueline”.

Por su parte, Jacqueline Andere declaró: “El inconveniente soy yo obviamente, ¿verdad? Para mí es una obra de emociones, es una obra donde en momentos te ríes mucho y en otros momentos lloras también y eso es lo bonito, no es una comedia, no es un melodrama, sino todo lo contrario, eso es todo lo que les puedo decir, y lo que decimos siempre es un cliché, ¿no? Pero estoy segura que es una obra que le va a llegar muchísimo al público que venga”.

La intérprete aseguró no tener ningún secreto para verse revitalizada en escena, debido a que el mismo teatro se lo da. “El simple hecho de estar parada en un escenario me hace sentir viva, el teatro me lo da, estar en escena me fascina, es un público cada día, un reto cada día, el teatro te da vida”, puntualizó.

Mientras que, Ana Karina Guevara señaló: “Esta obra le cambia la vida a los personajes, a mí me la está cambiando de cierta manera y espero que al público le cambie su manera de ver la vida también, porque es un texto hermoso y estoy feliz de compartir escena con la señora Jaqueline Andere, ni en mis sueños más guajiros, para mí esto es un regalo, gracias Morris, gracias a Mauricio”.

En la historia, el departamento que el agente inmobiliario le ofrece a Sara reúne todas las características que ella desea: bajo precio, amplitud, luz y una hermosa vista. Tan sólo presenta un pequeño “inconveniente”: Lola, la dueña, deberá vivir en él hasta el día de su fallecimiento. Así inicia esta historia que promete sorprender al público mexicano.

100 metros cuadrados o El inconveniente se presentará del 10 de marzo al 1 de mayo de en el recinto ubicado en Barranca del Muerto esquina Minerva y 2 de Abril, consulta precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

El mágico musical de Aladdín sigue dando de qué hablar y en esta ocasión, Jaime Matarredona, director de producción, fue el encargado de dar la bienvenida a los diversos medios invitados para desvelar algunos de los secretos mejor guardados de esta fastuosa producción.

Al respecto, Matarredona compartió: “Cada obra se distingue por algo, los que vieron Los Miserables fue la automatización, los que vieron El Rey León era todo el vestuario y los puppets, los que vieron La Bella y Bestia, los vestuarios. Esta obra tiene la peculiaridad de que todos los departamentos son enormes”.

Agrega: “Me da mucho orgullo poder presentarles esto, (…) de lo que se trata es enseñarles la complejidad y el entrenamiento que hay detrás de Aladdín”.

La puesta en escena cuenta con la más alta tecnología. En este sentido, la productora Julieta González que también estuvo presente, señaló: “Todo lo que se ve está automatizado, cuenta con cerca de 70 motores, las dunas, los edificios, así como el telar y la alfombra se mueven a través de 4 consolas, las cuales están construidas por diferentes compañías dedicadas a la escenografías y automatización”.

Otra de las grandes atracciones del musical es el increíble vestuario,  el cual fue importado y confeccionado a mano, y está compuesto por más 2.1 millones de cristales Swarovski.  El elenco cuenta con más de 337 vestuarios diferentes.

Acerca de esto, la encargada del vestuario expresó: “Es una producción bastante compleja en cuanto al manejo de texturas, las telas proceden de Turquía, Marruecos, Francia, Alemania y muchas piezas están elaboradas a mano, algunas se bordan y otras se pegan al calor”.

Mientras que la responsable de la peluquería y maquillaje, refirió: “Cada peluca se teje cabello por cabello y cada una tiene un tratamiento como si fuera cabello vivo y peinarlas antes de cada función”.

Aladdín cuenta con la traducción de Susana Moscatel y Erick Merino, con gags dirigidos al público mexicano, bajo la supervisión de Disney, y presenta a más de 34 actores en escena y músicos en vivo.

Déjate conquistar por la magia de Agrabah de miércoles a domingo en el Teatro Telcel, ubicado en el corazón de Polanco, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

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• 3 Razones para ver ALADDÍN
• Entrevista con el elenco de ALADDÍN

Este mes la comedia y los musicales se apoderan de nuestro listado mensual, sin embargo, también el drama sigue siendo uno de los géneros preferidos por nuestros seguidores.

Si estás pensando en acudir al teatro y no sabes qué ver o por qué ver una obra, tal vez esta selección basada en las opiniones del público te animen a asistir y disfrutar de la amplia oferta escénica que se presenta actualmente en la CDMX.

10. Perfectos desconocidos. Momentos de suspenso, emotivos y diálogos divertidos componen esta divertida puesta en escena que logró reunir a un amplio y muy diverso elenco, para contarnos en escena la historia de un grupo de amigos que se reúnen una noche donde revelarán sus mayores secretos. Le quedan pocas funciones en el Nuevo Teatro Libanés.

9. Agotados. Basada en los personajes de Becky Mode y Mark Setlock, la puesta se despide de la cartelera con las actuaciones estelares de Michelle Rodríguez y Alex Fernández. La obra celebró sus 200 representaciones con una función muy especial, donde todos los actores que han formado parte interpretaron a Sam, un recepcionista de uno de los restaurantes más exclusivos de la ciudad. No te pierdas sus últimas funciones en La Teatrería.

8. Como quieras, ¡Perro Ámame! Esta comedia romántica se centra en una mujer cuarentona, divorciada y no muy conforme con sus relaciones amorosas, decide escribir un libro comparando a los hombres con perros y nos invita a descubrir si vale la pena creer en el amor. Se presenta de jueves a domingo en el Teatro Renacimiento

7. The Prom. Un grupo de estrellas de teatro musical de la capital, ponen en jaque a la comunidad de Salamanca, para defender a una adolescente que quiere ir a la fiesta de graduación con su novia. Entre melodías y divertidas situaciones esta obra nos invita a meditar sobre la inclusión y el respeto. Se presenta de viernes a domingo en el Centro Cultural Teatro 2.

6. Aladdín. Gracias a su gran despliegue de efectos especiales, iluminación, su majestuosa escenografía y por supuesto, su espectacular vestuario que este musical familiar se ha vuelto la delicia de chicos y grandes. Ofrece funciones de miércoles a domingo en el Teatro Telcel.

5. Dos Más Dos. Esta divertida comedia sobre el intercambio de parejas, nos pone frente a la disyuntiva, al cuestionar cuáles son nuestros límites sobre el amor, el sexo y sobre todo, nuestro concepto sobre la fidelidad. Se presenta de viernes a domingo en el Teatro Royal Pedregal.

4. El Tenorio Cómico. En esta obra los textos de Zorrilla pasan a segundo término, siendo suplidos por comentarios hilarantes llenos de humor de todos colores, frases ingeniosas, sketches políticos y de actualidad presentados por el elenco. La obra culminó su temporada el pasado fin de semana en la capital.

3. El charco inútil. Este drama se centra en dos personajes que convergen a través de sus historias de dolor y soledad. Estamos frente a una trama que no es sencilla de asimilar, pero que nos invita a no darle la espalda a nuestras vidas, y a tratar de vivir con nuestro dolor. Con funciones de jueves a domingo en el Teatro Helénico.

2. Animales de compañía. Esta comedia negra aborda temas como el suicidio, el amor y obviamente, la amistad entre un grupo de amigos que se reúnen después de mucho tiempo en una cena en la que surgen desacuerdos y sentimientos ocultos. Situaciones con las que cualquiera se puede sentir identificado. Se presenta de viernes a domingo en el Teatro Centenario Coyoacán.

1. José el soñador. Después de una ansiada espera, se estrenó en nuestro país este fastuoso musical protagonizado por Carlos, Kalimba y Fela, donde el despliegue de la tecnología logrará dejar a más de uno con la boca abierta. La obra ofrece una corta temporada de viernes a domingo en el Centro Cultural Teatro 1.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción y VIOGG

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La noche de ayer el escenario del Centro Cultural Teatro 1 se vistió de un sin fin de luces multicolor y vibró con la energía del talento que desborda el musical de José el soñador, equipo encabezado por el productor Alejandro Gou con Carlos Rivera, Kalimba y Fela Domínguez en los roles protagónicos.

A través de extensos metros de pantalla y luces led, un gran número de celebridades desfilaron al interior de una sala cargada de color y brillo, invitando a una experiencia mística y enigmática.

Entre los artistas ahí reunidos, estuvieron presentes Jacqueline Andere, Mario Iván Martínez, Enrique Guzmán, María José, Susana Zabaleta, Gerardo González, Luis de Llano, Mariana Garza, Pablo Perroni y Ricardo Peralta, por mencionar algunos. Así como Julissa, Benny Ibarra, María del Sol, Mauricio Salas y Lolita Cortés, quienes fueron parte de las primeras versiones del musical en México.

Al respecto, Alejandro Gou declaró: “Es un día muy feliz para mí y para el teatro en general, el teatro está vivo, el teatro sigue en México, tuve mucha gente que me ayudó a compartir este sueño y solo quiero darles las gracias”.

Además, el productor destacó las virtudes que la tecnología ofrece actualmente para contar una historia de calidad, “La tecnología no está peleada con contar una buena historia”, puntualizó.

Por su parte, Guillermo Wiechers, productor asociado del montaje, señaló: “Quiero agradecer a una señora que tiene más hijos que Jacob, una gran cantidad de espectáculos que merecen ser destacados y admirados, en las últimas semanas nos mandaba sus mejores deseos para poder llegar al estreno en tiempo y forma, ella en este país a elevado el nivel del teatro musical al nivel de una religión, ¡gracias Julissa!”.

Al término de la función, Fela Domínguez se llevó los aplausos de los asistentes, debido a su impecable trabajo en la narración de la trama y entre llanto y sonrisas recibió el reconocimiento del público y sus compañeros de escena, donde Alejandro Gou resaltó que esta producción finalmente le rinde tributo a su talento, asegurando es una de las mejores voces en nuestro país.

José, el soñador se presentará sólo por 6 semanas más hasta el 27 de marzo, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro.

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• 5 razones para ver JOSÉ, EL SOÑADOR

La Compañía Nacional de Teatro presenta su primer estreno del 2022, Cartografía de una tormenta, montaje inspirado en William Shakespeare, la cual tendrá temporada del 17 de febrero al 27 de marzo en la Sala Héctor Mendoza.

Bajo la dirección de Mauricio García Lozano, el texto de Hugo Wirth es resultado de un laboratorio actoral, que relata la vida de una escritora y docente con larga trayectoria que ve decaer su prestigio debido a una campaña de odio hacia ella orquestada por Aldonza, una exalumna y escritora emergente que la acusa de plagio y abuso.

Por esta razón, decide vivir un encierro voluntario junto con su hija, quien ha desarrollado un miedo hacia el exterior y todos sus peligros. Todo parece funcionar sin tener contacto con el exterior gracias a la “magia” de los recursos tecnológicos que les provee de todo lo necesario para vivir, hasta que ambas se enfrentan a sus propios miedos, frustraciones y resentimientos, mientras la realidad se va distorsionando de manera radical.

Acerca de la pieza, el dramaturgo señala: “Construimos un cosmos particular a partir de La tempestad, obra con la cual Shakespeare aparentemente cierra su ciclo de producción dramática y lanza tesis inquietantes sobre la venganza, el rencor, el egoísmo, el teatro, los procesos creativos y el perdón. Cartografía de una tormenta plantea un juego dramático que nos permite explorar correspondencias y significados con lo que sucede en nuestra realidad”.

Mientras que el director escénico, comparte: “Una de las características que más me seducen de La tempestad es precisamente su increíble libertad formal para intersectar mundos. Hemos querido ser fieles a ese espíritu, porque creemos que ese es el poder ritual del teatro: juntar personas para mirar y ser mirados, y gracias a esa poderosa acción confirmar, cada noche, que somos de igual sustancia que los sueños”.

Participan los integrantes del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro: José Covián, Mariana Giménez, Dulce Mariel, Nara Pech, Gustavo Schaar y Mariana Villaseñor. El diseño de escenografía es de Mauricio Ascencio; el de iluminación, de Alejandra Escobedo; sonoro, de Xico Reyes y corporal, de Bruno Castillo.

Con esta propuesta la CNT llega a 100 estrenos en su historia, no te la pierdas de jueves a domingo en la Sala Héctor Mendoza, ubicada en Francisco Sosa 159, colonia Del Carmen, Alcaldía Coyoacán. La entrada es libre previa reservación, para más información da clic aquí.

Con información de la Compañía Nacional de Teatro, Fotos: Sergio Carreón Ireta

The Pillowman, la exitosa comedia negra de Martin McDonagh, bajo la dirección de Miguel Septién, regresó para posicionarse como uno de los espectáculos más gustados actualmente en cartelera, debido a la exigencia actoral requerida para dar vida a un universo oscuro e inquietante que mantiene a los personajes en el límite de sus emociones.

El elenco está integrado por Regina Blandón, Pablo Perroni, Montserrat Marañón, Enrique Arce Gómez, Alicia Paola, Adrián Pola y Catalina Zavala Richard, mismos que hacen muestra de su entrega y compromiso cada función con el objetivo de transportar al espectador hacia lugares macabros donde la complejidad y el horror de los seres humanos queda al descubierto.

A continuación, Regina Blandón nos platica su experiencia como protagonista de esta historia.

“Estos fines de semana han sido de boletos agotados, ¡cosa que me parece increíble! porque la pandemia nos cambió la vida a todes y por lo menos, para mí, el hecho de estar parada sobre un escenario en una sala llena de gente, respirando al mismo tiempo, siendo parte de la misma historia, llorando, riendo y sufriendo también, me parece algo fuera de serie y hay muy pocas cosas que se le comparen”.

Y agrega: “Desde la temporada pasada cuando yo me integré, que fue justamente la primera vez que se cambió el género del personaje, fue muy interesante ver cómo la trama sigue siendo igual de oscura e hipnotizante, sea un personaje que se identifique como hombre o mujer porque trata de lo mismo, en este caso, una escritora que pelea por su derecho de seguir escribiendo. Sin embargo, en el público sí se nota la diferencia, sobre todo en su reacción hacia la violencia, porque cuando es dirigida a un hombre o a una mujer cambia mucho y quiere decir que sistémicamente estamos maleados por esto”.

La actriz asegura que después de casi tres horas de abuso emocional, psicológico y físico en el que el espectador y actores se encuentran inmersos gracias a las potentes imágenes de abuso y muerte que recrea este thriller, es necesario encontrar el balance adecuado para salir de esos universos y no permanecer con la tensión que se necesita en escena.

“Estamos al filo de lo que está pasando con mil sentimientos a flor de piel, entonces es una experiencia compleja, no te voy a mentir. En los ensayos y en las funciones son muchas horas de estar en lugares bastante densos y es necesario salir de ahí, ya sea con música o platicando las cosas, hay que distraerse de alguna manera porque la mente y el cuerpo muchas veces no saben que es broma, existe una tensión constante en escena por eso procuro dormir bien, comer bien y tener mis momentos de escape, cuidarme en todo sentido”, afirma.

Y agrega: “Les actores somos muy afortunades de poder explorar una amplia gama de sentimientos en periodos muy cortos y creo que ese lugar al que nos permite llegar la actoralidad con base en la ficción al sentirnos vulnerables, es un regalo que permite confrontarte contigo mismo, sentirte incómodo con lo que no te gusta de ti y también te permite ser empático, ponerte en las circunstancias de alguien más y pensar como puede ser su vida”.

“Cada personaje te enseña cosas nuevas y en el caso de Katurian habla del amor y la pasión por lo que haces, te enseña a luchar pese a todas las circunstancias que se antepongan, ella solo quiere seguir contando sus historias. Esta obra además nos enseña que la ficción tiene un rol fundamental en nuestras vidas. Yo me identifico mucho con ella, porque me ha reforzado la idea de porqué me dedico a lo que me dedico”, finaliza.

No te pierdas de esta puesta que se presenta de viernes a domingo hasta el 3 de abril en el Teatro Milán, Foro Lucerna, ubicado en Lucerna 64, para conocer precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Después de 5 años de exitosas temporadas, Todos los peces de la tierra de Bárbara Perrín Rivemar, bajo la dirección de Alejandro Ricaño y Roberto Paredes como director residente, con Gina Martí y Adriana Montes de Oca como protagonistas, llega al Foro Lucerna del Teatro Milán con funciones hasta el 20 de abril.

Se trata de una historia que ha conmovido a diversos públicos, gracias a la universalidad que la dramaturga ha plasmado en la historia personal que Gina Martí le entregó para aliviar el dolor de su experiencia, con el objetivo en común de transformarlo en un montaje lleno de esperanza, incertidumbre, amor y pérdida.

Al respecto, Bárbara Perrín comparte: “Esta es una vivencia personal que Gina me entregó, ella me buscó y es muy gracioso porque me dijo que tenía una buena historia que compartir, a la cual quería que yo le quitara lo triste, lo azotado y que pensaba que yo tenía el estilo o el tono adecuado para hacerlo una realidad. Entonces en ese momento pensé, lo bueno que intensa yo no soy…”, puntualiza entre risas.

Y agrega: “Mi sorpresa fue cuando Gina comenzó a contarme la historia más triste que he escuchado en mi vida, entonces le propuse integrar un tono fantástico. Al ser un relato desgarrador que habla de la pérdida y el duelo, sobre cómo nos enfrentamos a estas historias tan duras en la vida, mi intención era volverlo más accesible con el tema de las sirenas y los monstruos marinos, dándole un giro más liviano sin perder la profundidad de la premisa”.

La dramaturga asegura que siempre ha tenido la fortuna de que durante el armado de alguna obra por encargo, ha resultado alinearse muchas veces a procesos muy personales para ella, en este caso la pérdida de su padre, situación que la unió con la experiencia de Gina en el primer momento.

En este sentido, Gina Martí comparte: “Al principio fue un infierno y un pesar porque no tenía productor, nadie confiaba en mí, todo el mundo me dejaba en visto, pero afortunadamente Bárbara fue una de esas personas que no fue un contacto difícil, fue una persona muy accesible y la química se sintió desde el minuto uno, desde el momento en que confió en mí, hecho del cual siempre voy a estar muy agradecida”.

Continúa la actriz: “Estaba todo puesto, tenía el discurso, claridad, el dinero incluso, cuando Alejandro por fin me dijo que sí, el proceso de producir una obra autobiográfica desde un duelo no fue nada fácil, sobre todo por la sensibilidad y la perversión que Bárbara tuvo de poner en el texto cosas sumamente dolorosas, plasmando la mayoría de mis miedos y dolores maquillados en poesía”.

Y agrega: “Al parecer en escena yo decía cosas muy hermosas, pero para mí resultaban palabras sumamente dolorosas y no solo para mí, teníamos el miedo de que no fuera del agrado del público por esta sensación de llevar a escena algo tan personal porque para mi compañera Adriana Montes de Oca también era doloroso”.

La actriz asegura que durante la parte media de la obra, donde todo comienza a ponerse emocionalmente intenso, no querían ensayar más, como intérpretes olvidaban el texto y señala que todo el equipo se contagia de una energía melancólica. Sin embargo, durante el estreno el público estaba muerto de risa con las ocurrencias e imágenes que Bábara había creado en el texto, trasladadas a la voz de las actrices.

“Todos reían pero ya en la parte media, todo el mundo estaba desecho, recordando su infancia, sus duelos, es tan mágica y universal la historia. Además Bárbara tiene tanta potencia y claridad en la construcción de sus ideas que ya no es mi historia, es de cualquiera que creció y que en su infancia, por más feliz que haya sido, experimentó la sensación de ser incomprendido”, declara.

Y agrega: “Ahora después de 5 años percibo un equipo mucho más maduro, volvimos a estudiar el texto, ajustamos y exploramos nuevas cosas, también estrenamos director residente que ahora es Roberto Paredes, quien ha sido parte del montaje en distintas posiciones anteriormente. Esta obra es tan poderosa en el discurso y en las imágenes que crea, que es fácil perderse entre tantas posibilidades” puntualiza.

Por su parte, Bárbara Perrín confiesa: “No se trata de volver el quehacer creativo terapia, pero sí puede ser muy terapéutico cuando tomas un dolor y lo utilizas en el quehacer creativo de una u otra manera. A lo largo de tantos años he aprendido que entre más te aferres, luches y te niegues al dolor, más difícil es soltarlo y aceptarlo, finalmente se trata de entender que duele y que no se te va a quitar, no se trata de minimizar esa sensación, se trata de hacernos más grandes que eso, el hueco de una pérdida siempre estará ahí pero debemos crecer alrededor del dolor”, concluye.

Todos los peces de la tierra se presenta los martes y miércoles hasta el 20 de abril en Foro Lucerna del Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, para conocer precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Producción

El estreno de la nueva versión de Hamlet, producida por Óscar Uriel bajo la adaptación y dirección de Angélica Rogel, está cada vez más cerca de arrancar con funciones en el Teatro Milán.

Previo al estreno, Óscar Uriel y Angélica Rogel nos hablan sobre los pormenores de esta nueva producción, la cual tendrá únicamente con 20 funciones,  y contará con las actuaciones estelares de Irene Azuela, Mauricio García Lozano, Emma Dib, Miguel Santa Rita, Alfonso Borbolla, David Gaitán, Naian González Norvind, Tamara Vallarta, Alejandro Morales, quienes presentan una versión contemporánea de la famosa tragedia escrita por William Shakespeare.

“Yo tengo la teoría de que el mejor Hamlet que vemos es el último que vimos. Es una obra tan universal y toca tantas temáticas, es tan dúctil también al momento que se está montando. Para mí es como un retrato de lo que se está viviendo y esa es la maravilla de este texto, que lo puedes montar en cualquier contexto y sin embargo termina por ser una fotografía de lo que está pasando en el mundo”, afirma el productor.

Y agrega: “Va a ser una versión muy ágil, muy emocionante y una versión corta porque va durar menos de dos horas sin intermedio, cuando comúnmente dura 4 si se monta de forma ortodoxa. Tenemos también el atractivo de que en esta ocasión Hamlet es interpretado por Irene Azuela, no es una actriz caracterizando a un hombre que se llama Hamlet, sino una mujer que se llama así en la historia. Entonces yo creo que ese elemento le da una vuelta de tuerca a la premisa que todos conocemos de forma particular”.

Por su parte, la directora escénica, Angélica Rogel señala: “En este caso estamos abordando una Hamlet mujer, no una Hamlet intentando ser hombre. Es una Hamlet que ha crecido con figuras masculinas y que ahora cubre la petición de un padre y sus dudas son cómo responde a esa petición, y cómo responde a este mundo masculinizado que tal vez no quiere evolucionar”.

Añade: “Esta necesidad de volver a una Hamlet mujer, viene desde Sarah Bernhardt, que fue una de las primeras mujeres que hizo Hamlet en su época y dejó un legado, y ha habido muchas mujeres interpretando a Hamlet. En México me parece que fue Franco, yo no tuve la oportunidad de ver Hamlet de la Compañía”.

Mientras que Uriel comparte: “(esta obra) es perfecta a los tiempos que estamos viviendo, donde la lucha por la equidad, la igualdad y la denuncia de años de acoso por parte de las mujeres se ha acrecentado, sin que esto sea una obra panfletaria. No se trata de un montaje cuyo tema principal sea esto, sin embargo, uno monta las cosas de acuerdo a lo que está viviendo y eso es lo maravilloso del teatro”.

Esta gran producción cuenta entre su elenco con tres directores ampliamente reconocidos, Emma Dib, Mauricio García Lozano y David Gaitán, que con su experiencia han enriquecido la visión creativa que Angélica Rogel  ejecuta en esta obra. No obstante, el productor enfatiza que quien lleva la batuta en todo momento es la directora.

“Aquí Angélica lleva la voz cantante, a mí de repente se me ocurren ideas, pero al final ella es la que tiene la última palabra, lo que es bien interesante de este Hamlet es que es un texto que a mí me encanta, de toda la vida como a muchos, sobre todo por esta parte lúdica que permite ser sumamente cerebral. En esta adaptación hay tres directores que actúan, Mauricio García Lozano, David Gaitán y Emma Dib, entonces ese componente de tener gente tan inteligente que te sabe resolver en escena es fascinante”, asegura el productor.

Añade: “Yo trato de nunca perderme un ensayo, porque tienes a este grupo de personas que tú sabes que tienen un conocimiento muy certero del texto, del quehacer de la dirección y sin embargo, todos se someten a esta propuesta empleada por Angélica, entonces yo creo que va a ser algo bien interesante, aburrida no va a estar. Queremos hacer una puesta en escena donde el público se divierta y las nuevas generaciones puedan conectar con el dramaturgo”. 

Respecto a la recurrencia de retomar las clásicas historias, la directora de obras como Corazón Gordito y Orgullo, expresa: “Pienso que hay una continua necesidad de acercarnos a estos textos, porque nos dicen algo que nos interesa, definitivamente no es que permanezcan porque alguien alguna vez dijo que eran grandes autores, sino porque esos autores nos siguen reflejando algo“.

Agrega: “Cuando me vuelvo a acercar a este texto, es a partir de preguntarme quién es Hamlet, ahora y qué puedo decir con esta Hamlet hoy en día, y definitivamente parte de los modelos que seguimos, que estamos construyendo un camino y encontrando nuestras voces, pero dentro de una plataforma ya plantada masculina, entonces de pronto, Hamlet, la decidimos hacer mujer por eso”.

Uno de los planteamientos en escena fue si los actores debían usar cubrebocas, como sabemos, la pandemia aún no termina y esto llevó a Rogel a cuestionarse sobre cómo debe funcionar el teatro actualmente. “Me pasó que con la pandemia me pregunté cómo debe funcionar ahora el teatro, no podemos negar que hay un virus y que afecta nuestra forma de encontrarnos en el escenario. Hablamos de la posibilidad de que los actores usaran cubrebocas en algún momento, si alguien lo consideraba necesario”.

Por último, la directora enfatiza que en las actuaciones la idea más importante fue la teatralidad, “pero entendida como el juego teatral, rompiendo la cuarta pared y jugando con la conciencia de que son un grupo de actores y actrices jugando a ser Hamlet, representando a Hamlet y encontrando las resonancias que este texto brinda hoy en día“.

Hamlet llegará a las marquesinas de la capital, a partir del 18 de marzo en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64.

Por Ulises Sánchez e Itaí Cruz, Fotos: Cartel oficial

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“El teatro te va a cambiar la vida: vas a ser antes y después del teatro“, le dijo María de Sol a Fela Domínguez cuando ésta le contó que estaba en audiciones para el personaje de Nala en El Rey León.

Entonces, Fela brillaba como cantante de jazz y géneros afines (en ese momento, ambas eran las solistas invitadas a los conciertos que la OFUNAM dedicó a la música de los setenta).

Ocho años después de esa etapa, la cantante mexicana está protagonizando su tercer musical: José El Soñador, interpretando a La Narradora, quien a través de una rica variedad de ritmos y estilos musicales, cuenta el pasaje bíblico dedicado a Jacob y sus hijos, según la partitura de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice.

Gracias a su amigo Carlos Rivera, Fela fue invitada a audicionar y luego a ser parte de la producción de Alejandro Gou de esta ópera pop clásica. A la emoción de compartir escenario con Rivera, se suma el honor de interpretar el mismo personaje que la propia María del Sol, quien fuera la segunda Narradora del montaje de 1984 producido por Julissa.

Fela, quien ha cantado lo mismo en el trío Las Domínguez Corazao con sus hermanas Sandy y Samantha que como solista de la Big Band Jazz de México, asume su tercera experiencia teatral desde la confianza y seguridad que le dieron las dos anteriores: las producciones mexicana y española de El Rey León; así como el montaje español, El guardaespaldas, la versión teatral de la icónica película de los noventa estelarizada por Whitney Houston.

“Nala fue la mejor escuela porque me hizo prepararme con clases de ballet y barra al piso, con pilates y yoga, todo para acomodar mi cuerpo a lo que pedía un personaje que solo canta una canción, “Tierra de sombras”, que es la canción más complicada que yo he cantado. Y en El Guardaespaldas más que hacer una obra ¡Yo hacía un concierto de Whitney Houston seis veces a la semana!“, comparte la cantante.

Agrega: “Fue tan pesado que caí en cama, me salieron nódulos en la garganta al primer mes de temporada, pero me enseñó que yo era capaz de hacer más de lo que me imaginaba, que era una mujer mentalmente fuerte y que podía manejar la energía escénica. En un show te desbordas y ya, pero aquí faltaban otros cinco. Todo eso me ha permitido tomar a la Narradora con madurez, así que desde el día uno disfruté el proceso de saber que, si ahorita no sale, va a salir”.

¡Y vaya que salió! La noche de estreno, las expectativas sobre este musical, que es bastante conocido en nuestro país, fueron rebasadas y fue en gran parte gracias al desempeño de Fela Domínguez, cuyas capacidades vocales sorprendieron a la audiencia cuando abrió la obra cantando, “Alguien como tú”.

Pero fue en el segundo acto, al final del tema “Cuento de faraones”, en el que a Fela, a quien le es permitido improvisar un juego vocal al margen de la partitura, que la función se detuvo y el teatro se vino abajo, aplausos de pie y gritos eufóricos celebraron el talento de esta artista de 32 años, que ocupa el tercer crédito en esta producción, luego de Rivera y Kalimba, de quien Fela fue corista.

Al respecto, Domínguez expresó: “Fue algo que no me esperaba y que lo sigo trayendo a la realidad, apenas me está cayendo el veinte. Es una motivación para que en todas las funciones yo mantenga ese nivel. No es algo estresante, pero sí sé que tengo que mantener ese nivel.”

A la par de su éxito en el musical, Fela ha lanzado su primera producción discográfica, Con todo y caos, con temas compuestos por ella misma.

“Que el público salga del teatro y encuentre un disco tuyo es el sueño de cualquier artista. No lo había hecho antes porque no se había presentado la oportunidad, pero para mí lo positivo de la pandemia es que pude sentarme con los productores a crear este material. El disco iba a salir el año pasado, pero lo pospusimos, salió días antes del estreno y se está consumiendo mucho más que si se hubiera lanzado antes. Lo planeé desde hace dos años, pero llevo con él veinticinco años de mi vida”, enfatiza la también actriz.

Fela celebra la apertura que hay en las producciones teatrales para invitar a artistas de diversas procedencias, y clama porque en el ámbito de la música también haya esa apertura.

“Abrir horizontes enriquece al teatro y eso es inspirador para la gente que quiere entrar al teatro musical, que sepa que éste es para todos y que es cuestión de prepararse y audicionar. He recibido mensajes de gente que está estudiando en la Escuela Superior de Música y me dice: Fela, amo el jazz pero también amo el teatro, yo les respondo: perfecto, ¡puedes cantar jazz y hacer teatro musical!”, concluye la protagonista de José El Soñador.

Así como en su momento María del Sol resultó inspiración y consejo para Fela Domínguez, ella lo es ahora para una nueva generación que lo único que quiere es, como La Narradora de José el soñador, contarnos un cuento.

Fela Domínguez te espera de jueves a domingo en el Centro Cultural Teatro 1, hasta el 27 de marzo, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía PinPoint

El nuevo Teatro Varsovia, ubicado en el corazón de la Ciudad de México abrirá sus puertas a partir del 3 de marzo con espectáculos multidisciplinarios que incluyen danza, teatro, música y cabaret, entre sus actividades.

Ubicada en Varsovia #9, a unos metros del Ángel de la Independencia, el recinto será la sede y casa de La Infinita Compañía, bajo la dirección de Rodrigo González y Raúl Tamez, quienes abrieron una convocatoria a todos los artistas para integrarse a la programación inicial de este espacio.

Al respecto, Rodrigo González fundador del recinto menciona: “Estamos muy emocionados porque rescatamos un espacio maravilloso, un teatro construido por Mario Pani en 1959, un espacio ex profeso para el teatro, donde el público podrá estar muy a gusto en las butacas con una visión perfecta de lo que ocurre en escena, la acústica es muy buena con una ubicación inmejorable”.

Y agrega: “Además las personas que visiten este lugar podrán disfrutar de una cartelera bastante nutrida, la cual incluye danza contemporánea, flamenco, música, jazz, rock, música del oriente, teatro, teatro cabaret de la mano de artistas consolidados y emergentes con una factura y calidad artística por igual”.

Cabe destacar que el arquitecto y urbanista Mario Pani, es considerado uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX y conocido por emblemáticas construcciones el Conjunto Urbano Nonoalco Tlatelolco, la Escuela Normal Superior, el Conservatorio Nacional de Música y diversos multifamiliares. Además de, en conjunto con Enrique del
Moral, realizar el Plan Maestro y la coordinación de los edificios que integran la Ciudad Universitaria de la UNAM

“Este hallazgo es fantástico, no remodelamos, es decir no transformamos el edificio porque es un bien catalogado. Entonces no le pudimos meter mucha mano, pero estaba prácticamente el cascarón, digamos la obra negra restaurada donde metimos pisos, techos, muros, baños, luces, butacas, telones, varas, toda la mecánica de tramoya, hubo que dotarlo de todo a todo pero, bueno, teníamos lo primero, un espacio ideal para exponer el trabajo de grandes artistas”, declara Rodrigo.

Asimismo, el recién remodelado espacio cuenta con una sala de usos múltiples, camerinos generales e individuales, con grandes comodidades para los artistas y el público, que además tiene diversas vías de comunicación y transporte para poder llegar al Teatro.

“Es muy estimulante poder habitar un espacio así y poderlo compartir con los colegas, comunidad artística y el público con una oferta que no estamos viendo en ningún otro lado, con artistas en los que creemos y con propuestas artísticas que creemos tiene un gran valor, y tener un espacio más para compartir e intercambiar ideas creo que siempre es muy benéfico para todos”, afirma el director de la compañía.

Y añade: “Como artistas independientes, nosotros aplicamos a cientos de convocatorias donde te piden muchísimas cosas que luego no van a ocupar, porque si no te seleccionan nada más te hacen trabajar muchísimo. Entonces nosotros pedimos únicamente dos requisitos a los artistas que quisieran presentarse en este espacio, uno de ellos era mandar un video con la propuesta que querían presentar y un teléfono de contacto. No tiene que ver con los tiempos de trayectoria artística sino con la calidad de los trabajos, enfocándonos en una diversidad de lenguajes”.

Con una isóptica y una acústica ideales para un formato de teatro a la italiana, el Teatro Varsovia cuenta con capacidad para 180 personas, un escenario de 9 x 10 metros², y un equipamiento técnico de varas, luces, proyector y pantalla.

“Para uno como artista, preservar este tipo de espacios es de vital importancia porque es el aire que respiramos, en lo personal no me concibo haciendo otra cosa que no sea un espectáculo escénico a partir de lo presencial, El Principito lo estrenamos desde la virtualidad y tuvimos un alcance de 92, 000 espectadores y aquí caben solo 180 personas, pues yo no cambio por nada a esas 180 personas que podrán vivir con nosotros lo que se vive en un escenario, debemos preservar el contacto”, concluye Rodrigo.

En el acceso principal se encontrará un restaurante y una cafetería en donde el público podrá compartir y dialogar antes y después de las funciones, ese análisis y retroalimentación sobre las presentaciones.

Esta sede se suma al estudio de La Infinita Compañía ubicado en la calle de República de Cuba, en el Centro de la Ciudad; a la residencia artística con la que se cuenta en este espacio como en Polanco, en donde también se tiene el foro que se llama Caja 10. Ahora serán tres espacios para representaciones escénicas de todo tipo de género.

El Teatro Varsovia abrirá sus puertas de manera oficial el próximo 3 de marzo, a las 20:00 horas, con la presentación de 20:21, pieza ganadora del Premio Nacional de Danza “Guillermo Arriaga” INBAL-UAM de este año, a cargo de la compañía Uróboros Escena.

A continuación llegará la pieza multidisciplinaria Memoria de pez rojo de José Alberto Gallardo, bajo la dirección de Jaime Camarena y para concluir el primer fin de semana, el domingo se presentará la agrupación mexicana que interpreta música de Oriente Medio, Baraka Ensamble.

Consulta la programación completa del Teatro Varsovia, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía La Infinita Compañía

Después de 200 representaciones Perfectos desconocidos concluye temporada, la comedia que se caracterizó por ofrecer un elenco distinto en cada función se despide ofreciendo su última función este domingo 27 en el Nuevo Teatro Libanés.

Al respecto, Dalilah Polanco, quién le diera vida al personaje de Eva, comenta: “Perfectos desconocidos es de esas obras en donde te diviertes haciéndola, viéndola y aparte el elenco, no importa como me los acomoden, con quien me toque. Ha sido un deleite poder coincidir con gente tan talentosa en un proyecto así, y justamente eso ha sido lo padre de esta producción, la verdad ha sido un gran acierto contar con un elenco tan variado porque el público siempre se encontró con una historia distinta en cada presentación”.

Y agrega: “Me encanta el personaje que interpreto porque yo no soy así de fría y calculadora, no me identifico con Eva en casi nada, porque yo soy muy relajada, folklórica, más derecha y esta mujer sí es fría y calculadora, no da paso sin huarache y yo pues me dejo ir como gorda en tobogán, yo no cuido mis palabras, no hay filtro entre mi cabeza y mi boca a veces, y eso me ha traído algunos problemas a veces”.

Para la intérprete, una de las virtudes de su profesión es poder explorar lugares ajenos a su personalidad, utilizando la imaginación y la observación como herramientas principales para poder habitar la piel de personajes tan distintos a ella y de esta manera poder jugar y llevar al límite su capacidad interpretativa.

“Eso es lo que me gusta de mi trabajo, el habitar la piel de mujeres tan diferentes a quien soy, porque no veo el chiste de que me den un personaje que sea igualita a mí y que me salga naturalito. Aquí lo padre de mi personaje es poder ser una mujer que piensa cada cosa que dice y sobre todo que va a lograr con eso que dice”, asegura.

“Hay 7 actores en escena que son maravillosos, de verdad no importa a quién vaya a ver el público, hay diversión pura, se van a identificar o van a reconocer a alguien cercano a ellos. Entonces eso hace que esta comedia funcione, porque a pesar de que es un tono cómico, no tan serio, la premisa es muy real”, afirma.

Y añade: “Definitivamente en el celular hay otra vida, creo que no conoces a alguien hasta que sabes que hay dentro de su celular y te puedes llevar cada sorpresa, que bueno…, yo creo que somos pocas las personas que no tenemos problema en que nos revisen el celular, ¿eh? Porque me gusta ser transparente en cualquier parte y lo que pienso y digo me gusta hacerlo siempre de frente y sin tapujos, mucha gente tiene relaciones ocultas, vidas con diferentes aristas en fin, yo retaría al público a que compartan su teléfono con su pareja o sus amigos y a ver cuanto aguantan”, concluye.

En la historia, siete amigos entrañables han convivido en las buenas y las malas, se han divertido y han llorado juntos, creen que saben absolutamente todo los unos de los otros. Sin embargo, durante una reunión, un insignificante juego irá revelando una serie de secretos y verdades a medias que por años han permitido mantener la aparente estabilidad personal, matrimonial, familiar y grupal de este círculo de Perfectos desconocidos.

Con un elenco integrado por: Stephanie Salas, Dalilah Polanco, Fabiana Perzabal, Fernanda Borches, María Chacón, Fátima Favela, Moisés Arizmendi, Marco Zunino, Ulises de la Torre, Alex de la Madrid, Alejandro Nones, Cristian Ramos, Lambda García, Luis Orozco y Fernando Memije, todos bajo la dirección de Jaime Matarredona.

No te pierdas del último fin de semana de Perfectos desconocidos, una producción de Morris Gilbert y MejorTeatro con funciones en el Nuevo Teatro Libanés, ubicado en, para conocer precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB de Dalilah y Cortesía Mejor Teatro. 

El segundo mes del año se nos fue volando, durante marzo llegarán a las salas diversas propuestas escénicas que nos mantendrán al filo de nuestras butacas, así como alguno que otro reestreno.

A lo largo del mes, podremos disfrutar de géneros como la comedia negra, drama, unipersonales y nuevos musicales, aquí te contamos sobre las obras que ya nos urge levanten el telón.

1. Detectives y ladrones. Persecuciones en auto, explosiones, duelos de espadas, son algunas de las escenas que podrás disfrutar con esta divertida comedia familiar, que cuenta con las actuaciones de Majo Pérez, Jimena Cornejo, Rubén Branco, Mario Sepúlveda y Rafa Maza, a partir del 3 de marzo en el Foro Lucerna

2. El viento en un violín. Esta propuesta utiliza el humor negro para hablarnos de dos familias disfuncionales una de clase alta y otra de clase baja, que viven en el límite de la cordura. La obra protagonizada por Mercedes Hernández, Mahalat Sánchez, Assira Abbate, Roberto Beck, Ariana Sacristán, Daniel Mandoki, estrenará el 2 de marzo en el Teatro Milán.

3. Prueba perfecta. La genialidad y la locura son grandes ingredientes y detonantes en esta historia de amor entre una hija y su padre. El montaje cuenta con las actuaciones estelares de Arantza Ruiz, Bárbara López, Estefanía Hinojosa, Germán Bracco, Jesús Zavala, Plutarco Haza y Sara Maldonado, a partir del 4 de marzo en el Foro Shakespeare.

4. Hamlet. Esta será una versión contemporánea de la clásica tragedia de Shakespeare será protagonizada por Irene Azuela, quien personificará a un Hamlet mujer que deberá enfrentar un mundo masculinizado, actúan también Poncho Borbolla, Miguel Santa Rita, Tamara Vallarta, Naian González Norvind, Emma Dib, Carlos Morales y David Gaitán, a partir del 18 de marzo en el Foro Lucerna.

5. Siete veces adiós. Este musical original contará una historia de amor, pero a partir de sus distintas etapas. La obra cuenta con las actuaciones de Fernanda Castillo, Gustavo Egelhaaf, César Enríquez, Diego Medel, Mónica Campos, Esván Lemus, Alba Messa, Lucía Covarrubias y Andrés Saráchaga, llegará el 18 de marzo al Teatro Ramiro Jiménez.

Entre los reestrenos que llegan está Ghost. La sombra del amor con un elenco renovado, y El tenorio cómico.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción y FB Sietevecesadios

La reconocida actriz y directora Susana Alexander regresa a los espectáculos presenciales con tres unipersonales de su creación, mismos que abordan aquellos temas que le continúan causando inquietud, en esta ocasión bajo los títulos: Las Mujeres no tenemos Llenadero; La Vida Se Lee; Madre solo Hay una y como yo, ninguna; con funciones los sábados y los domingos de marzo, abril y mayo en el Teatro Xola Julio Prieto.

Al respecto, la actriz comparte: “El hambre ha sido mi motor para continuar, con esta pandemia me he comido ya todos mis ahorros y tengo que trabajar, a mí nunca me ha dado miedo hacerlo, hay que dar lo mejor de uno para reinventarse y continuar creando”.

Y agrega: “Estos espectáculos son solo una muestra de los 7 que ya tengo hechos y guardados con intención de llevar a escena o por medio del streaming, que es una plataforma de la cual me considero fanática, sobre todo, por ese poder que permite al llegar a tantas personas de diferentes partes del mundo, ese hecho es una cosa que me continúa maravillando”.

La intérprete asegura que su capacidad creativa viene de todas esas inquietudes que se presentan en su vida cotidiana, así como del pasado, donde elige un tema y comienza a informarse a profundidad para escribir todas las ideas que comienzan a surgir y posteriormente solo seleccionar lo más adecuado, de acuerdo a lo que quiere decir.

“De pronto tengo un tema, me digo, ahora quiero hablar de esto, entonces comienzo a informarme e informarme, me pongo a leer muchísimo y cuando viene el momento de sentarme y ver la página en blanco es horrible, pero como tengo tan claro lo que quiero decir, no importa que termine escribiendo un sin fin de poemas para después solo seleccionar, cortar y acomodar”, confiesa.

Y añade: “Con Las Mujeres no tenemos llenadero empecé con pura prosa y cuentos, luego resultó que metía poesía y anécdotas, entonces tuve que ir quitando sobre todo cuentos porque para el público esto era un poquito más pesado”.

Sobre su regreso a los espectáculos presenciales la actriz afirma sentirse en casa, un hogar que ha habitado por 60 años en teatro y 70 en televisión, en esta ocasión más entusiasmada que otras veces por la inevitable pausa a raíz de la contingencia sanitaria.

“Yo me siento en mi casa, los unipersonales que yo hago, los manejo como tertulias, dejo luces prendidas y yo platico con el público, hay personas que identifico porque han seguido mi carrera en teatro y siempre es un gusto verlos de nuevo”, confiesa.

Y agrega: “Antes me costaba mucho estar sola, yo empecé con Si me permiten hablar, mi primer espectáculo unipersonal y luego se desprendieron varios más, pero sí me sentía sola en el camerino, yo decía esto es muy feo porque no tiene uno con quien chismear, eso es lo padre de las compañías, el poder hablar con tus compañeros de todo lo que les ocurre en sus vidas, ahí somos familia”.

A pesar de ser una figura con una trayectoria reconocida, la intérprete asegura que en esta profesión siempre se empieza de cero con cualquier proyecto, debido a la gran oferta con la que el público cuenta diariamente, por lo que no se confía y prefiere trabajar con la misma entrega de comienzos de su carrera.

“Todo es volver a empezar siempre, como dibujar una raya en la arena, empezando de cero, donde como actores debemos meter un gol diario porque sino a la gente te le olvidas”. concluye.

No te pierdas de esta trilogía de unipersonales Tres veces Susana, que se presentarán los sábados y los domingos marzo, abril y mayo en el Teatro Xola, ubicado en Av. Xola No. 809, para conocer precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro.

Los productores Tina Galindo y Claudio Carrera anunciaron el elenco de su nueva producción Network en el Teatro Insurgentes, bajo la dirección de Francisco Franco-Alba, protagonizado por Daniel Giménez Cacho, acompañado de Zuria Vega y Arturo Ríos.

La obra está basada en la puesta en la película de 1976, ganadora de 4 Óscares, y llega a nuestro país después de haber sido un éxito en el National Theatre de Londres y en el Belasco Theater de Broadway. Bajo la dirección de Francisco Franco-Alba, la obra es una audaz y ácida visión sobre el poder de los medios de comunicación, los gobiernos y las corporaciones.

Daniel Giménez Cacho dará vida a Howard Bale, compartiendo el escenario con con Arturo Ríos como Max, el amigo -casi hermano- de Howard y Zuria Vega como Diana, una joven productora audaz y agresiva.

El reparto lo completan Diego Jáuregui, Luis Miguel Lombana, Alberto Lomnitz, Francisco Rubio, Mahalat Sánchez. Acompañados de un ensamble con talentos como Arlette Babun, Jerónimo Best, Jacobo Betech, Daniel Cervantes, Samantha Coronel, Michel De León, Jatzke Fainsod, Eli Nassau, Viridiana Olvera, Julián Segura y Paola Arroyo.

Network llegará a finales de marzo con funciones de viernes a domingo en el Teatro de los Insurgentes, ubicado al sur de la ciudad, consulta horarios y precios, aquí.

Foto: Cartel oficial

El viento en un violín, de Claudio Tolcachir se presenta por primera vez en México bajo la producción de Ana Kupfer y Eloy Hernández, dirigida por Cristian Magaloni con las actuaciones de Mercedes Hernández, Mahalat Sánchez, Assira Abbate, Roberto Beck, Ariana Sacristán y Daniel Mandoki, quienes ofrecerán funciones en el Teatro Milán, a partir del 2 de marzo.

Al respecto, el director comparte: “El dramaturgo escribió este texto a partir de la improvisación con un grupo de actores, es una obra muy bien dialogada y ágil. Para mí es una mezcla muy bien hecha entre comedia y drama que refleja plenamente la oscuridad de los personajes, una obra donde pasan muchas cosas fuertes con situaciones bastante extremas, pero contada con mucho sentido del humor, de forma muy inteligente, sin caer en el cliché, sin burlas innecesarias y sin saltarse la parte humana de cada personaje, sin romantizarlos”.

Y agrega: “Es un montaje muy bien balanceado entre un humor muy negro y ácido, aborda la maternidad, sobre todo desde cómo es ejercida y cómo a veces la acartonamos, nos hace reflexionar sobre las nuevas maneras de vivir estos vínculos que llamamos familia, como hay que saltarnos las reglas a veces para encontrar un hogar, un lugar al cual pertenecer”.

De acuerdo con Magaloni, la historia se desarrolla al interior de dos familias, una perteneciente a la clase baja y otra de clase alta relacionadas por el trabajo, protagonizada por dos madres que lidian con dos hijos problemáticos, quienes no encuentran un sentido de pertenencia al interior del núcleo familiar, donde además es ejemplificando el hecho de sentir comodidad y paz en los lugares a veces menos previsibles.

“En la trama, la mujer de clase alta está obsesionada con que su hijo es un bueno para nada, él tiene treinta años, vive con ella, lo lleva al psicólogo porque cree que le cuesta arrancar con su vida al compararlo con otros hombres de su edad, cuando la realidad es que se trata de un tipo que entiende la vida de otra manera, sin tanta ambición en la vida, él quiere otra cosa y cuando encuentra aquello que lo mueve, una cosa bastante rara, se siente cómodo y se vuelve útil para los demás”, afirma.

Y añade: “La historia reflexiona sobre esas ideas establecidas de cómo tiene que ser un hijo, una madre, una pareja, presentes en la sociedad actual, a veces estereotipos bastante ilógicos por eso se llama El viento en un violín porque finalmente un instrumento se puede tocar de muchas maneras aunque sea un instrumento de cuerda, el viento juega una parte, en lo absurdo hay una posibilidad de vida, no todo tiene que ser lógico y congruente a lo que la sociedad dicta”.

En palabras del director de obras como Mañana y Hay un lobo que se come el sol todos los inviernos, se trata de un texto que fue escrito en 2005 y que habla de otra época, mismo que él quiso situar en los años 90, donde su intención además era profundizar en algunos conceptos referentes a la sexualidad contrastándolos con la visión que se tiene hoy en día en esos temas, así como en la apertura que ha ido creciendo al paso de los años, reflejando esos primeros momentos donde se comenzaba a generar la conversación sobre diversas luchas con mayor fuerza.

“Una sociedad que está en contacto con el arte y la intelectualidad tiene una visión de un mundo más amoroso e incluyente. Sin embargo, existen muchas personas que siguen viviendo con valores bastante arcaicos, mismos que necesitan una sacudida para repensarse para dejar de creer que el mundo tiene un orden, ya que no tiene uno, hay que dárselo y esa tarea no es fácil pero hay que empezar de alguna manera, tenemos que deconstruirnos y tener la mente abierta a nuevas posibilidades”, asegura.

Y agrega: “Hay algo que te dice el mundo que eres, mezclado con un concepto propio sobre quién crees que tú eres y al final no eres ninguno de los dos porque eres a partir de tu interacción con los otros que vas encontrando en el camino, el asunto de deconstruirnos es el proceso que vivimos poco a poco y pesadamente, buscando orden en un mundo interno y externo y su relación con eso llamado identidad”, concluye.

El viento en un violín se presentará a partir del 2 de marzo en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, consulta precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Producción

Chantal Andere, Lola Cortés, Federico Di Lorenzo y Efraín Berry conforman el reparto de Te amo, eres perfect@, ahora cambia, la nueva producción del productor Juan Torres y 33 productores, bajo la dirección de Ricardo Díaz, la cual llegará al escenario del Teatro Hidalgo, a partir del 1° de abril.

En conferencia de prensa, el productor Juan Torres declaró: “El reto principal de esta producción es que  algo que se puede hacer de forma muy sencilla, lo estamos haciendo de forma muy grande, con todo lo que ya está implementado en este Teatro Hidalgo. Si bien no es un musical de gran formato, es un musical de mediano formato, con una producción más grande de lo que requeriría, cuenta con música en vivo, porque así lo exige la partitura, vamos a contar con pianista y violín, muchos cambios de escenografía y una mecánica teatral que sorprenderá con un elenco de locura. Está propuesta va más allá de cualquier expectativa de propios y extraños”.

Por su parte, Chantal Andere afirmó: “Se trata de otra aventura más en este teatro amado, otra aventura con uno de los productores que más quiero, admiro, respeto y que ha creído en mí por tercera ocasión. Me había prometido descansar alrededor de 6 meses, pero para quienes me conocen, saben que en cuanto me dicen teatro musical, mi vida se trastorna y enloquezco, me encuentro feliz de trabajar con estos 5 monstruos del teatro musical, gente con la que comparto la misma visión, el respeto que el teatro y el público merece,  sé que estoy trabajando con gente que da su vida por estar encima de un escenario cantando, bailando y actuando y eso no se paga con nada”.

Para Lolita Cortés la idea de compartir un proyecto musical con Chantal Andere es algo que la llena de emoción y alegría, y asegura que el verla parada arriba de un escenario la sorprende en cada proyecto en que la ha visto actuar.

“No saben lo nerviosa que me pone trabajar a lado de Chantal, la última vez que la vi en escena me volteó a ver con una mirada tan fuerte, (porque tiene una mirada súper fuerte) que hasta mi mamá me preguntó si estaba enojada conmigo. Yo la conozco desde que sus papás la llevaban al teatro de niña y me siento muy orgullosa de trabajar con ella, en un espectáculo cuyo único objetivo es hacer reír a la gente y alimentar su alma”, confiesa la intérprete.

La trama es presentada a modo de viñetas conectadas por un tema central: el amor y las relaciones, donde el público podrá ser testigo de un confesionario de emociones, con anécdotas sobre el romanticismo, el matrimonio, los amantes, maridos, esposas y suegros, temas ventilados sin pudor.

Las escenas son historias casi independientes entre sí, sin embargo; las secuencias presentan el flujo de las relaciones que como seres humanos experimentamos a lo largo de la vida. El montaje apuesta por conectar con las fibras más profundas de cada individuo, sin importar el sexo o la edad.

Te amo, eres perfect@, ahora cambia se presentará en el Teatro Hidalgo por únicamente 12 semanas de viernes a domingo, consulta precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Esta mañana se presentó en conferencia de medios, Hamlet, la nueva apuesta teatral producida por Óscar Uriel, Jacobo Nazar y Mónica Bravo, dirigida por Ángelica Rogel, que arrancará temporada a partir del 18 de marzo en el Teatro Milán.

Sobre este nuevo montaje, Óscar Uriel compartió: “Es un momento bien importante para todos los que estamos aquí, el año pasado mientras estábamos en casa por la pandemia, enloqueciendo en nuestras casa, se nos ocurrió con Angélica, que la montáramos en este momento”.

La puesta en escena contará con la participación de reconocidos actores y directores, encabezados por Irene Azuela, Mauricio García Lozano, Emma Dib, Miguel Santa Rita, Alfonso Borbolla, David Gaitán, Tamara Vallarta, Alejandro Morales, y se informó que Assira Abate se integra al elenco en el que compartirá personaje con Naian González Norvind.

En este sentido, el productor subrayó: “Estamos bien orgullosos del reparto que tenemos en Hamlet, siento que estamos haciendo la versión Ocean’s Eleven en el teatro, todos son grandes estrellas, grandes actores, tenemos directores-actores, nos gustan las emociones fuertes y estoy seguro que en este escenario van a pasar cosas fantásticas”.

El montaje toma como punto de partida ciertos cuestionamientos tales como, ¿Qué pasa si esta tragedia inglesa se reinventa como una tragedia familiar? ¿Qué pasa si la hija, quien pareciera no tener nada que ver, descubre el asesinato y empieza a tejer una venganza? Volcándose en una tragedia permeada por el dolor familiar, la traición y la orfandad.

Al respecto, Angélica Rogel, quien también realizó la adaptación, señaló: “En esta ocasión ese nombre (Hamlet) toma forma en un cuerpo de mujer, no se trata sólo de una ajuste de forma, sino de un cambio en la mirada, arriesgandonos así al vuelco del significado del original shakesperiano”.

Agregó: “Hoy esperamos que el teatro nos vuelva a confrontar, a quienes estamos en el escenario y a quienes nos observan, que este Hamlet nos sacuda de alguna manera para que cobre significado al echar a andar esta máquina que no deja de girar y que pase lo que tenga que pasar”.

Mientras que la actriz, Irene Azuela relató: “Para mí estar reunidos hoy es una celebración, después de estos años de pandemia, de haber resignificado y revalorado tantas cosas, el teatro es uno de esos temas que cobran una mayor dimensión”.

De acuerdo con sus creadores, esta versión contemporánea de Hamlet, no intenta dejar de lado al original, será vanguardista al contar con un diseño de escenografía abstracta, por ejemplo, el diseño de vestuario llevará una línea contemporánea y el músico Hans Warner hará atmósferas de tensión y locura, al jugar con bits electrónicos.

El equipo creativo está conformado por el diseño de escenografía de Aurelio Palomino; Patricia Gutiérrez en el diseño de iluminación; el vestuario es de Natalia Selligson, y la música es creación de Warner.

“De todas las obras que he montado nunca había sentido esta sensación de expectativa y estoy muy agradecido con todos los medios de comunicación. Quiero agradecer públicamente a Angélica que sea mi cómplice, que me aguante, es un montaje muy atrevido y me siento muy orgulloso ”, concluyó Óscar Uriel.

Hamlet ofrecerá sólo 21 funciones de viernes a domingo en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, Alcaldía Cuauhtémoc, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Mariana Medina

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El Centro Cultural del Bosque, considerado como uno de los complejos artísticos más importantes de la ciudad, está listo para recibir al público ansioso por conocer sus nuevas modificaciones.

Los trabajos de renovación, que comenzaron en octubre de 2021, se realizaron en torno a la infraestructura en accesibilidad y equipamiento del complejo, sin afectar en un inicio a las producciones ya contempladas.

A partir de este jueves 3 de marzo, el Teatro Orientación, Teatro El Granero, Teatro del Bosque y la Sala Xavier Villaurrutia, recintos que conforman el complejo, abrirán sus puertas para recibir una amplia y diversa oferta escénica dirigida a chicos y grandes.

El Teatro Orientación subirá a escena la propuesta Deseo Infinito, escrita y dirigida por Alberto Castillo, protagonizada por Ana Karen, Sofía Sylwin y Francisco Mena, que que aborda la vida de Nahui Olin, Antonieta Rivas Mercado, Manuel Rodríguez Lozano y Dr. Atl, icónicos personajes de la vida cultural de nuestro país de principios del siglo XX. Se presenta de jueves a domingo, hasta el 10 de abril.

Por su parte, el Teatro El Granero Xavier Rojas presentará dos propuestas, la primera será el estreno del drama contemporáneo, Una forma más honesta, dirigida por Gabriela Ochoa con las actuaciones de Liliana Weimer, Romina Coccio, Tizoc Arroyo e Irene Repeto, que ofrecerá funciones del 3 al 6 de marzo; y el reestreno de la obra de títeres, El doctor improvisado, a cargo de la compañía Teatro Al Hombro, dirigida a niños a partir de 6 años, del 5 de marzo al 10 de abril.

Mientras que, el Teatro El Galeón Abraham Oceransky levantará el telón con el estreno de la obra, Virginia, la muerte de la polilla, escrita y dirigida por Aline Menassé, que rinde homenaje a la vida de la escritora Virginia Woolf, con funciones de 3 al 13 de marzo; y del 5 de marzo al 24 de abril se escenificará, ¿Qué con Quique Quinto?, propuesta de teatro cabaret que acerca a los pequeños a la obra de Shakesepeare.

Por último, el Teatro del Bosque Julio Castillo recibirá el estreno de Horas de Gracia. Último sueño de Agustín I, montaje a cargo de la Compañía Nacional de Teatro, que rinde homenaje al escritor y dramaturgo Juan Tovar, que se presenta del 3 al 20 de marzo; asimismo el creador escénico Enrico Bonavera ofrecerá una función especial de la obra, Los secretos de Arlequino, el 9 de marzo.

Como ves, los teatros del Centro Cultural del Bosque te esperan con las puertas abiertas para que disfrutes de lo mejor del teatro.

Por Itaí Cruz, Fotos: INBAL

Tras 5 temporadas llenas de éxito, Todos los peces de la tierra de Bárbara Perrín Rivemar, bajo la dirección de residente de Roberto Paredes con Gina Martí y Adriana Montes de Oca en los roles protagónicos, se ha caracterizado por ser una historia potente y entrañable, debido a la premisa de su historia, misma que ha conectado con el público que la ha visto de una forma contundente y memorable.

Si no has tenido oportunidad de ver esta producción o si ya la has visto, aquí te contamos sobre algunos datos curiosos acerca de la construcción de este montaje que se presenta los martes y miércoles en el Teatro Milán.

1. Basado en hechos reales. Gina Martí, vivió la historia que se muestra en el montaje, en entrevista para Cartelera de Teatro, la intérprete confesó haber atravesado por la angustia y el dolor de perder a su papá en el mar, hecho que transformó su visión de la vida y el arte. Después de tan lamentable experiencia, la actriz tenía la necesidad de transformar su dolor en un testimonio artístico que permitiera desahogar su angustiante vivencia a través de la creatividad y el ingenio de una poderosa historia para compartir.

2. La unión de Bárbara Perrín con la experiencia de Gina Martí. Bárbara fue la encargada de transformar la experiencia de la actriz en una anécdota profunda y memorable, gracias a su extraordinaria habilidad en la construcción de textos teatrales. Sin embargo, al momento en que el encargo de Gina llegó a su vida, la dramaturga atravesaba por la muerte de su papá a raíz de una terrible enfermedad, hecho que la unió de forma íntima con la historia que Martí quería llevar a escena.

3. El difícil camino para producir el montaje. El proceso para crear la puesta en escena no fue tarea sencilla, así lo afirma  Gina, quien asegura no haber encontrado un apoyo inmediato a su proyecto, emprendiendo un largo camino en la búsqueda de algún dramaturgo y director que creyeran en su visión creativa, tocando diversas puertas a pesar de contar con el recurso financiero necesario para comenzar la construcción de la obra.

4. Ensayos dolorosos. La intérprete confiesa que durante los ensayos existían momentos turbios, por demás difíciles no solo para ella, sino para todo el equipo de la producción, debido al sincero y potente texto creado por Bárbara, quién plasmó sus miedos, reclamos y angustia de una forma profunda y franca, provocando lágrimas y sufrimiento en cada interpretación.

5. El arte como salvación. La experiencia personal de Gina está cargada de desolación y frustración. Sin embargo, la unión que se generó junto con Bárbara en el proceso de construcción, funcionó como válvula de escape al dolor y el miedo, donde la creatividad salió a flote de una forma de catarsis entrañable, misma que por su honestidad, conecta con cualquier espectador que ha visto el montaje, muestra clave de que el arte puede ser la respuesta ante la incertidumbre de los momentos más oscuros de la vida.

Ahora ya lo sabes, Todos los peces de la tierra es una propuesta escénica imposible de dejar pasar, adéntrate en la historia personal de Gina Martí, bajo la contundente pluma de Bárbara Perrín, hasta el 20 de abril en el recinto ubicado en Lucerna 64, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Producción

Bajo la producción de Mejor Teatro y Morris Gilbert, llega a nuestro país la comedia, Dos locas de remate, protagonizada por las actrices Susana Zabaleta y Gabriela de la Garza.

La propuesta dirigida por Manuel González Gil, estrenará temporada a partir del 24 de marzo en el Nuevo Teatro Libanés, se centra en el reencuentro de dos hermanas totalmente diferentes, tras la muerte de su madre y la caída en bancarrota de una de ellas.

Sobre este estreno, el productor Morris Gilbert expresó: “Es un tema apasionante. Además cada vez que leía el texto se aceleraba mi corazón, lo leí en una semana. Todo pasó de una forma mágica, había que ponerle a Susana una compañera a la altura, es un placer trabajar con profesionales de esta categoría”.

Agregó: “No puedo decir el placer que siento con el prestigio y talento actoral de ambas actrices y estamos seguros que con ello vamos a reactivar la actividad teatral, la obra se presentará cada 15 días porque queremos hacer las cosas diferentes”.

Esta comedia con tintes de humor negro, es una adaptación de la obra, “El reencuentro”, del español Ramón Paso y reunirá por primera vez en escena a Susana Zabaleta y Gabriela de la Garza.

Acerca de su participación, Susana Zabaleta compartió: “Siempre nos han tocado las tragedias de nuestra vida, hemos coincidido en muchas cosas y ahora no es la excepción, de repente pensamos que la familia te perdona siempre porque es su deber. Trabajar con Gabriela ha sido muy enriquecedor por la confianza”.

Añade: “En las familias siempre hay una histérica, una loca, y eso está bien, todos los actores estamos locos. Para trabajar con alguien debe haber química, hay gente que te cae muy mal y a la hora de estar sobre el escenario dices: no manches lo hacemos muy bien”.

Por su parte, Gabriela de la Garza expresó la admiración y respeto que siente por Zabaleta con quien comparte escena, “Susana es una mujer que quiero, admiro y de la que aprendo todos los días. Hacer este trabajo con Susana ha sido absolutamente divertido. Mi abuelo comediante me decía que era más fácil hacer llorar que hacer reír, entonces este ha sido un reto que he disfrutado de principio a fin”

Agrega: “La gente se va a sentir muy identificada porque así son las familias, yo me tomo este proyecto para hacer reír y ahora lo necesitamos más que nunca”.

Dos locas de remate se presentará de viernes a domingo en el recinto ubicado en Barranca del Muerto esq. Minerva y 2 de Abril, Col. Crédito Constructor, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Vídeo Nota

Este martes conmemoramos el Día Internacional de la Mujer, y desde nuestra trinchera queremos visibilizar y honrar el trabajo que involucra a todas las creadoras escénicas, desde las dramaturgas, productoras, directoras, vestuaristas, iluminadoras, tramoyistas y más que día a día plasman su visión en escena.

Echa un vistazo a estas propuestas que actualmente están en cartelera y que muestran diversas facetas de las mujeres en el teatro.

La mujer rota. Basada en la novela de Simone de Beauvoir escrita en 1967, relata la historia de una mujer relegada al ambiente doméstico y que descubre la infidelidad de su esposo. A partir de esa premisa, la obra reflexiona sobre las dificultades que enfrenta esa mujer, un tema que hoy en día sigue tan vigente como en aquella época. Se presenta los sábados, hasta el 26 de marzo, en el Foro Bellescene

El viento en un violín. Una propuesta que aborda el tema de la maternidad, a partir del amor. La trama muestra a dos mujeres que ejercen su maternidad pero con distintas visiones, y la lucha que los hijos deben enfrentar por ser felices y buscar su camino, contrario a los deseos de sus progenitoras. Ofrece funciones los miércoles en el Teatro Milán.

Las mujeres no tenemos llenadero. A modo de charla íntima, este espectáculo apoyado en textos de Cristina Pacheco, Ángeles Mastretta, Ana María Dávila y Guadalupe Loaeza, indaga en temas como el amor, la fidelidad, la familia y la violencia intrafamiliar. La obra se presenta sábados y domingos en el Teatro Xola Julio Prieto.

A Mar de Mía. Esta propuesta toca la realidad y la ficción para hablarnos de diversos temas como el desamor, la represión, la enfermedad, la sexualidad y la soledad, desde la mirada femenina, para contarnos la historia de una escritora desahuciada que decide escribir su último libro donde narra la historia de Mía. Con funciones de viernes a domingo en La Casa del Teatro.

Yo soy Chavela. Este montaje nos desvela la mítica vida de quien fuera un ícono de la canción ranchera, Chavela Vargas. Entre anécdotas y melodías, la obra nos narra desde su infancia, su salida de Costa Rica, hasta llegar a México, su amistad con Diego Rivera, Frida Kahlo y José Alfredo Jiménez, su alcoholismo y su “renacimiento” en España. Se presenta los viernes en El Círculo Teatral.

Sola en la oscuridad. Se trata de una obra que nos habla sobre el empoderamiento femenino, a través de un thriller ambientado entre los años 50 y 60, donde una mujer invidente deberá hacer uso de otros sentidos para lograr engañar a unos estafadores y poder salir viva de una terrible situación.  La obra ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro México.

Otras opciones en Cartelera: 12 princesas en pugna, Todos los peces de la tierra, Ciclo Mujeres Directoras, Horas contadas, The Pillowman, Ciclo Brujas. Nuevas dramaturgias para una producción escénica feminista 2021-22 y muchas más.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

Una vez más llegó el 8 de Marzo, fecha necesaria para dar visibilidad a la disparidad de oportunidades, violencias y discriminaciones que las mujeres enfrentan día a día durante todo el año.

Si bien, la conversación ha tenido mayor notoriedad en años recientes, es innegable que aún son diversas las desventajas que atañen a las personas que se identifican con el género femenino en el mundo, en especial en una sociedad como la mexicana. Por fortuna, siempre han existido mujeres que se han vuelto un referente y han dado voz a estas distintas luchas y en el teatro no es la excepción.

Hoy en día encontramos  a diversas profesionales que con su dedicación, esfuerzo y entrega detrás y sobre el escenario, han marcado un camino a seguir para todas aquellas que, desde edades tempranas, tienen la intención de incursionar en un gremio dominado por hombres.  Su labor es digna de admirar, respetar, comprender y, sobre todo, apoyar para que en algún punto, el único requisito para triunfar y cumplir cualquier sueño sea el talento potenciado con disciplina, independientemente del género y la preferencia.

A continuación te presentamos algunos testimonios de mujeres que se han ganado un lugar en la escena nacional con su fuerza y persistencia, palabras esenciales en un día como hoy que invitan a reflexionar en cualquier momento del año.

La dramaturga, directora y actriz, Conchi León afirma haberse enfrentado a diversos episodios de violencia desde el plano emocional hasta el sexual, “yo fui una mujer que tuve que romper muchas cosas para poder avanzar (…) Cuando tenía 16 años fui discriminada por gorda, por chaparra, por mujer“.

Asimismo asegura que la respuesta está en no dejarse intimidar por nada, al trabajar desde un profundo conocimiento personal y con la esperanza de que la violencia como respuesta no sea la única manera de cambiar el rumbo.

“En los últimos años he trabajado para que ese mecanismo en el que me vi inmersa en el teatro no permee en mí. Estoy trabajando mucho para entender que esa no es la única manera de llegar a un lugar para hacer las cosas. Es increíble, es paradójico, que sufrimos violencia y también ejercemos violencia, pero porque esa es la única manera que hemos conocido. Ahora trabajo para encontrar otra manera de llegar, ahí voy, la terapia ayuda”, finaliza.

Sobre las mujeres que la han inspirado a lo largo de su carrera, la también actriz destaca la autora Berta Hiriart, a quien describe como un ser extraordinario, dulce, amoroso y sensible. También ha recurrido al ejemplo de la reconocida crítica e investigadora teatral Luz Emilia Aguilar Zinser, de quien destaca su personalidad lúcida, clara, elegante y políticamente correcta.

“Elena Garro, me parece que tenía esa fuerza, pero no pudo luchar contra esa violencia y se aisló completamente. Y actrices, Lisa Owen me parece una actriz extraordinaria, Arcelia Ramírez, la autora Sabina Berman, me parecen mujeres muy fuertes que han logrado grandes cosas”, declara.

El trabajo que ha realizado con el paso de los años no solo ha inspirado a las futuras generaciones en el ámbito teatral, sino que ha alcanzado a las mujeres en diversas esferas. En ese sentido, expresa: “Las creadoras no lo sé, pero creo que en mujeres que no tienen el teatro como su centro de expresión o su forma de vida, creo que sí. Hay mujeres que tienen problemas de anorexia, y me han escrito a mis redes sociales por la manera en que yo me expreso con mi cuerpo y les ayuda un poco; mujeres que tuvieron una infancia de violencia, como fue mi caso, y dejan de sentirse avergonzadas porque yo hablo de la violencia que viví con mi familia, con mi padre”.

Y añade: “Quizá a las grandes creadoras no les he cambiado la vida, pero creo que a la mujer del día a día sí le ha significado un poco lo que yo he tenido que decir desde mi teatro, y quizá, incluso desde mis redes sociales”, concluye.

Por su parte, la intérprete Michelle Rodríguez confiesa haber padecido diversos momentos de confrontación en el medio al ser una mujer joven en temas salariales y en propuestas de entretenimiento hechas por ella. “Creo que me he enfrentado a muchas violencias por ser mujer, a tener menos oportunidades de negociación, no solo económica, sino de cualquier tipo de crédito o beneficio en un proyecto, incluso el momento de presentarte tú para empezar a presentar tu trabajo”.

Agrega: “Sí me tocó en algún momento y tiene mucho que ver con el ser mujer, con el que vas empezando. No sé cómo decirlo, pero sí, en la duda, en que mi trabajo como profesionista se pone en duda, a ese tipo de violencia me he enfrentado”, confiesa.

En este difícil camino, la actriz asegura encontrar grandes referentes en el medio, que más allá de buscar ser incendiarias para ser escuchadas, buscan ser partícipes como Regina Blandón, Verónica Toussaint, Mónica Huarte, Regina Orozco, Flor Amargo, María León, Marcela Lecuona.

Además, afirma que en este momento de su carrera su voz es respetada, siendo consciente de su alcance con la esperanza de repercutir en un mayor número de personas.

“La gente que me sigue y me escucha, no solo es porque disfruta de mi trabajo, sino porque muchas veces están escuchando lo que digo, y eso me resulta muy importante, más allá de decir si soy un ejemplo o no, trato de ser mi propio ejemplo, trato de ser congruente con lo que hago, trato de hacer mi propia revolución, señala.

Asimismo enfatiza en la idea de que el trabajo debe ser en colectivo, y sobre la importancia de dejar la puerta abierta para las que ya están en el camino y las futuras generaciones, alcancen sus sueños. “Yo les diría a todas esas niñas que tienen la inquietud de incursionar en el medio, que se atrevan, que son más fuertes de lo que creen, que son más poderosas de lo que creen, que son más valiosas de lo que creen (…) Que tomen de la mano a la que están a su lado, que no hay competencia, todas somos únicas, todas somos especiales, y que la capacidad y la disciplina es lo que nos va a llevar a donde queramos”, finaliza.

Para la directora Angélica Rogel, una muestra clara de violencia es el género con el que te identificas, desde su experiencia, afirma que el hecho de identificarse en el género masculino es ganancia en cualquier ámbito, hecho que vulnera las oportunidades de personas que no se incluyen en esa categoría.

“La primera violencia que identifico es cuando estoy en un espacio yo y una persona, que se identifica de género masculino, que tiene la misma trayectoria que yo o menos, le hacen más caso. Creo que es un violencia que, a veces, pasa de largo, pero que nos pasa a casi todas las mujeres. El hecho de que es más fácil respetar a una persona que se identifica con el género masculino que con una que se identifica con el género el femenino”, comparte.

“Después hay violencias con las que crecí en el teatro, que he tratado de erradicar de mí misma, que es pensar que con un grito la gente te va a hacer más caso. Crecí con directores que de pronto eran violentos, y es un modelo en que la dirección podría partir desde la violencia, el grito o el maltrato, eso ha disminuido bastante, y lo vamos trabajando, la idea de como directora o director tienes que gritar para que te hagan caso”, afirma.

Sobre las mujeres que la han inspirado a lo largo de su carrera, la directora señala que la primera mujer que estuvo cerca de ella y que significó bastante en su vida fue la creadora escénica Tere Valenzuela; y después durante su educación en el teatro, con la que creció a la par fue Minerva Valenzuela, la del cabaret, asegurando que aprendió mucho de ella, así como de Anne Bogart y Lola Arias.

“Las voces de mi generación, de mujeres que nacimos en los años 70 en adelante, abrimos un poco de camino para otras mujeres. Me gusta pensar que es así, que nos enfrentamos a un medio teatral que estaba muy cooptado por lo masculino, y que ahora empiezan a escucharse más voces identificadas con el género femenino. Ahora estamos construyendo un camino en el que hay más voces femeninas sumándose y eso va a abrir mucho camino para los años venideros”, declara.

Si bien el trabajo de las creadoras ha abierto puertas aún falta mucho camino por recorrer y eso lo sabe muy bien Rogel, quien desea que las nuevas generaciones confíen en lo que están haciendo y que luchen por alzar su voz, “debemos  confiar en la razón por la que estamos haciendo teatro y los sueños que tenemos puestos en este objetivo, que van a tener frutos tarde o temprano. Debemos identificar qué caminos no nos van a llevar a ningún lado, no necesitamos atravesar por distintas violencias para construir el sueño que tenemos”, finaliza Rogel.

Por su parte, la directora y dramaturga Paula Zelaya afirma que a diferencia de muchas otras mujeres que han tenido que enfrentar diversos impedimentos para destacar en la escena teatral nacional, para ella ha sido un camino poco complejo debido a los privilegios de los cuales ha gozado a lo largo de su carrera, mismos que ha usado a su favor al momento de crear teatro. Sin embargo, asegura que su función desde esas ventajas representa una obligación para crear personajes femeninos con carácter y cosas importantes que decir en escena.

“Considero que ha diferencia de muchas otras creadoras escénicas, yo no he padecido la parte de por mi condición de mujer tener que someterme o haber estado impedida en algún momento para elaborar alguna propuesta teatral que quisiera montar”, señala.

“Desde mi lugar busco crear personajes femeninos que no sean la típica acompañante de un protagonista masculino, creo que si he gozado de ventajas en la industria, mi papel para contribuir en las demandas del resto de mis compañeras es crear personajes mujeres con conciencia y voz para decir cosas importantes”. 

“Hacen falta personajes más complejos en los roles protagónicos interpretados por mujeres, entonces ahí está mi labor como creadora, donde hay que dar voz a las distintas inquietudes que como mujeres sentimos sobre el escenario”, concluye.

Por último, la dramaturga y directora, Bárbara Colio afirma que el hecho de ser mujer en esta industria conlleva a luchar 5 veces más que los hombres, quienes gozan de una innegable posición ventajosa en la sociedad. “Recordemos que el teatro en México ha sido un medio liderado por los hombres desde hace mucho tiempo, donde el rol de la mujer siempre ha estado confinado al asunto de la actuación, hay quienes han tenido que batallar el doble o el triple para ser consideradas en ramas como la dirección, la dramaturgia y la producción”, señala.

Asimismo comparte que a lo largo de su carrera, ha sido víctima no sólo de violencia de género, incluso ha sufrido el robo de ideas, situaciones que vulneran el trabajo de las creadoras escénicas que buscan de hacerse un lugar, no obstante estas batallas han  tenido mayor resonancia y visibilidad en un lapso de 5 años.

“Cuando yo empecé a hacer teatro, empecé a actuar y después a dirigir las obras en las que quería estar, donde se me atacó, recibí opiniones de cómo te atreves a hacer eso, luego empecé a escribir y también fui atacada. Entonces todo parecía ser como si estuviera ofendiendo a alguien y yo no entendía ni siquiera a quién, pues era algo que quería hacer simplemente”.

La autora recuerda que la obra de Sabina Berman, Entre Pancho Villa y una mujer desnuda, fue un parteaguas en su carrera y que la ayudó a no darse por vencida con tal de llegar a su meta. “Cuando leí el programa de manos de la obra, me di cuenta de que ella era autora, directora y productora. Sin duda, eso fue un parteaguas para continuar incomodando con mis creaciones al no sentirme sola. En este sentido mujeres como ella me han inspirado y han ayudado a que las mujeres tengamos mayor representatividad en el teatro convirtiéndonos en figuras de poder”, concluye.

Como puedes darte cuenta, aún falta mucho camino por recorrer para erradicar la terrible situación de desventaja que enfrentan las mujeres en un gremio dominado por hombres. Sin embargo, el trabajo constante de mujeres como nuestras entrevistadas, ayudan a visibilizar el talento de las creadoras nacionales, mostrándonos que las mujeres no están dispuestas a retroceder, ni mucho menos acallar su voz.

Por Ulises Sánchez e Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

El premiado unipersonal titulado 245 Actos de maldad extraordinaria escrito por Paula Zelaya Cervantes y Ana González Bello llega a La Teatrería del 11 de marzo al 29 de abril, bajo la premisa de los retos que engloba ser la hija adolescente nada poderosa y ordinaria de un legendario y extraordinario superhéroe mexicano.

El espectáculo producido por Once Once Producciones con Jimena Saltiel a la cabeza, invita a imaginar un México en el que los superhéroes existieron, mostrando elementos presentes en la cotidianidad, reescribiendo además una serie de hechos históricos de la cultura mexicana con ingenio y dinamismo.

Al respecto, Paula Zelaya Cervantes, quien también dirige el montaje, comparte: “Este unipersonal es visualmente muy atractivo, en él se muestra a una adolescente aparentemente común como protagonista. Sin embargo, esto no es tan cierto, porque ella es hija de un superhéroe muy poderoso que no cuenta con ninguna habilidad extraordinaria como las múltiples que tiene su papá. La historia se desarrolla en un México donde los superhéroes sí existieron, entonces este es el pretexto para hablar de todos esos temas cotidianos que vivimos como sociedad desde otra posibilidad”.

Y agrega:” A veces parece que estamos tan acostumbrados a escuchar noticias terribles como los asesinatos, la corrupción y la injusticia que ya nada nos sorprende, entonces eso fue la inspiración para elaborar un texto que nos hiciera reflexionar de una manera distinta sobre todas esas injusticias con el pretexto de los superpoderes. Lo que me gusta de la obra es que muestra a una protagonista que tiene las mismas inquietudes que cualquier adolescente y que se cuestiona qué lugar ocupa ella en todo ese caos o mejor dicho, qué puede hacer ella ante tanta tragedia”.

Cabe destacar que la obra ha sido galardonada con el Sharon Enkin Award for Young People 2019 por Plawrights Guild of Canada, el premio National Latino Playwright Award otorgado por Arizona Theatre Company, y el premio a Actriz Revelación en el Festival United Solo de Nueva York en 2017.  Además de dos nominaciones a los Premios Metro 2021 en las categorías de Mejor Diseño de video y Mejor escenografía de una obra.

Para Paula, el abordar personajes femeninos con una potencia narrativa es de suma importancia, ya que asegura, en la mayoría las historias las mujeres por lo general siempre han estado delimitadas a un rol más de acompañamiento a un protagonista masculino y en las propuestas donde son protagonistas no se logra plasmar un abanico amplio de matices, donde resalte el carácter y la capacidad de toma de decisiones de un forma congruente.

“Desde mi lugar busco crear personajes femeninos que no sean la típica acompañante de un protagonista masculino, creo que es sumamente necesario crear personajes mujeres con conciencia y voz para decir cosas importantes. Hacen falta personajes más complejos en los roles protagónicos interpretados por mujeres”, declara.

Y agrega: “Lo que me gusta de esta propuesta es que no solo se dedica a criticarnos como sociedad, al tener al centro a una adolescente con la que se puede identificar todo el público, se genera una consciencia desde otro lugar, no solo se trata de llevar a escena lo que está mal porque es algo que todos conocemos de sobra, por los acontecimientos de todos los días, aquí se invita a pensar en el papel individual para transformar todo aquello que nos incomoda”.

En la historia en un México en el que los superhéroes existen, el gen súper ha comenzado a extinguirse… hay crimen, hay injusticias, el atole se sirve en vasos de unicel, los bomberos matan abejas, los bullies de la escuela están fuera de control y la única persona que está dispuesta a hacer algo al respecto es Andrea, una pequeña, irresponsable, imprudente, insoportable y súper súper inmadura adolescente. Andrea mide 1.50 y definitivamente no es la heroína que México esperaba. Pero es lo que hay.

No te pierdas de esta propuesta escénica con funciones los viernes en La Teatrería, ubicada en Tabasco #152, para conocer precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Paulina Watty, Cortesía Once Once Producciones.

La noche de ayer la primera actriz Jacqueline Andere regresó a los escenarios con la puesta en escena 100 metros cuadrados o El inconveniente de Juan Carlos Rubio, en donde actúa en compañía de Ana Karina Guevara y Mauricio Galaz, bajo la dirección del director argentino, Manuel González Gil en el Nuevo Teatro Libanés.

En medio de aplausos y ovaciones por el duelo de actuaciones que se vivió en escena, el productor Morris Gilbert comentó: “Después de muchos años finalmente cumplo el sueño de trabajar con una actriz tan importante como Jacqueline Andere, era un sueño que estaba buscando desde hace mucho tiempo y hoy es una realidad. ¡Jacqueline no tienes idea de lo que me has hecho sentir esta noche! La manera en que abordaste el personaje me llena de emoción. ¡Esta noche eres todos los actores del mundo en una sola, eres un homenaje para la profesión, gracias!”.

Por su parte, la destacada intérprete declaró: “Yo solo quiero decirles que es un placer haber estado con ustedes esta noche y yo siento que esto es como una celebración de mis 66 años trabajando, quiero dedicárselo a mi hija con todo mi amor, con toda mi vida, gracias Karina, gracias Mauricio, gracias Manuel, gracias a todos”.

Finalmente, la actriz Ana Karina Guevara afirmó: “Yo agradezco mucho la invitación, para mí es un placer ser parte de este homenaje a una actriz, a una mujer como la señora Jacqueline Andere, que para mí representa a una de esas mujeres que nos han abierto camino a todas las generaciones que venimos atrás. Me siento muy honrada porque así lo vivo diario, es y será un homenaje para Jacqueline Andere”.

En el montaje, el departamento que el agente inmobiliario le ofrece a Sara reúne todas las características que ella desea: bajo precio, amplitud, luz y una hermosa vista. Sin embargo, presenta un pequeño “inconveniente”: Lola, la dueña, deberá vivir en él hasta el día de su fallecimiento. Así inicia esta inusual historia de amistad que promete sorprender, divertir y conmover al público mexicano.

100 metros cuadrados o El inconveniente se presentará cada 15 días de jueves a domingo en el Nuevo Teatro Libanés hasta el 1 de mayo, en el recinto ubicado en Barranca del Muerto esquina Minerva y 2 de Abril, consulta precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

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Todos conocemos la historia, una pareja con la ilusión y la alegría de los primeros años de relación  que quiere dar el siguiente paso y formar un hogar juntos. Sin embargo, la muerte se presenta y arrebata en un segundo todo aquello que esperaban construir. Esta es premisa de la película de 1990 estelarizada por Patrick Swayze, Demi Moore y Woopi Goldberg, ahora llevada al teatro.

Si lloraste con la versión cinematográfica, en esta ocasión el musical te sorprenderá, la adaptación que Mejor Teatro y Morris Gilbert presenta en el Teatro San Rafael te mantendrá al filo de la butaca, por el despliegue de producción ejecutado a la hora de los momentos de misterio y tensión, convirtiéndose en una propuesta ideal para disfrutar en compañía de toda la familia.

A continuación te damos3 razones para ver esta propuesta musical.

1- El dispositivo escénico. Como ya lo decía, la historia se desarrolla en el mundo de lo inexplicable: la conciencia después de la muerte. Y para lograr entretener al público y llevarlo a esa realidad alterna, era necesario contar con mecanismos escenográficos que incrementaran la teatralidad de las misteriosas situaciones. La producción logra crear momentos bien logrados en escena, donde el espectador se pregunta cómo se llevaron a cabo, mismos que favorecen intantes clave de la trama.

2- Lorena D’ la Garza. La actriz se encarga de dar vida a la pitonisa, al principio se presenta como una simple charlatana que aligera la obra con divertidos lapsos de comedia. Aquí, Lorena nos hará reír en innumerables ocasiones, convirtiéndose en la fiel aliada de Sam para ayudar a proteger la integridad de Molly ante los peligros que la acechan.

3- Ideal para ver en familia. Al ser una historia popular, las referencias de la película se respetan en su mayoría, así que para los amantes de esta historia será como revivir esas características escenas con el encanto de un espectáculo en vivo, donde un público más jóven saldrá gratamente sorprendido, gracias a los momentos de de acción y aventura, que no están tan apegados a la película. Esto permite un mayor dinamismo entre escena y escena, donde la magia presente tiene el único fin de entretener.

Ahora ya lo sabes, disfruta de Ghost, la sombra del amor en esta ocasión en el Teatro San Rafael con funciones de jueves a domingo, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía MejorTeatro

Este lunes en conferencia de prensa, Mentiras, el musical, escrito y dirigido por José Manuel López Velarde, anunció su regreso oficial al Teatro Aldama, el cual contará con un elenco totalmente renovado, bajo la producción de Alejandro Gou, Óscar Carnicero y Ari Borovoy.

Recordemos que el pasado mes de septiembre, se dio a conocer que el musical (que estaba en etapas de producción) contaría con nuevo elenco, nueva escenografía, nuevo vestuario y se implementaría un diseño de audio e iluminación para potenciar la calidad del espectáculo y ahora ya es una realidad.

Al respecto, Alex Gou, expresó: “Esta nueva vibra entre productores ha sido increíble, cada uno ha respetado su área y por eso ha funcionado. Nos arriesgamos a hacer cosas innovadoras, diseño audio, iluminación, vestuario nuevo respetando lo planteado por el autor. Respetamos también a los fans con precios, tendremos un descuento especial para ellos hoy. En el Teatro Aldama se hizo una remodelación, en el lobby habrá una zona interactiva con karaoke, estamos trabajando para dejar un teatro digno para Mentiras”.

Agregó: “Aquí tenemos una buena historia, ahora se va a escuchar y ver mucho mejor como Mentiras se merecía, aquí estamos endulzando la historia para que guste más. Asimismo, estaremos de gira al interior de la República, porque la gente la pide, también en el extranjero lo hacen, para mí es una emoción producirla”.

Por su parte, Óscar Carnicero, refirió: “Estamos con la gente que queremos estar, hoy que salgamos a la venta que los fans, sepan que ellos son el centro de Mentiras en costos y en lo espectacular de la producción“.

Mientras que, López Velarde comentó: “Todas las canciones tienen arreglos nuevos, estamos muy contentos y llevamos un buen rato ensayando, la fecha de estreno es el 13 de mayo. Audicionaron cerca de 500 personas para los papeles, tendremos canciones nuevas, números nuevos con escenografía automatizada y orquesta en vivo. Fue muy difícil escoger el elenco por la expectativa que se tiene de la producción, pero el talento fue el factor para elegir al elenco, pensando en algo nuevo“.

Mentiras contará con la participación de María Chacón, Aitza Terán, Pahola Escalera, Dai Liparoti, Jimena Cornejo, Brenda Santabalbina, María Elisa Gallegos, Marifrancis Reyes, Regina Boche, Enrique Montaño, Fer Soberanes, Felipe Flores, Iker Madrid, Luis Carlos Villarreal, Rogelio Suárez y Robert Coronel.

Sobre su participación, la actriz Jimena Cornejo, quien también actúa en la comedia, Detectives y ladrones, mencionó: “Yo audicioné hace 12 años, estuve a punto de perder la voz hace un tiempo por una negligencia médica y el estar ahora en este montaje es un gran regalo“.

De igual, forma la actriz Brenda Santabalbina, quien protagonizó el exitoso musical The Prom, reveló: “Estoy feliz ser parte ahora de este musical y no solo cantar las canciones en el karaoke“.

La nueva versión de Mentiras, el musical estrenará a partir del 13 de mayo en el Teatro Aldama con funciones de viernes a domingo, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez e Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

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Esta mañana, la Coordinación Nacional de Teatro anunció el regreso del Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y jóvenes, que se llevará a cabo el 19 y 20 de marzo en el Centro Cultural del Bosque, a partir de las 12:30 horas.

“En conmemoración del Día Mundial del Teatro para Niñas, que se celebra el 20 de marzo, por iniciativa de la Asociación Internacional de Teatro para Niños y Jóvenes (ASSITEJ), en este 2022 el Centro Cultural del Bosque se reabre, y se reactiva el Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y jóvenes, una celebración en la que todas las familias podrán disfrutar nuevamente de una serie de puestas en escena que nos acompañarán el próximo 19 y 20 de marzo”, señaló Laura Elena Ramírez Rasgado, subdirectora general del INBAL.

Agregó: “Por primera vez, después de 14 años de existencia, en este encuentro se sumarán todas las entidades federativas del país, ya que simultáneamente se presentarán puestas en escena en todos los espacios, al igual que en los espacios escénicos del Centro Cultural del Bosque”.

Por su parte, el coordinador nacional de teatro, Daniel Miranda Cano expresó: “Hoy quisiera reconocer a las entidades estatales y locales de cultura que se han sumado a este esfuerzo, y que, a partir de este año, se suman de manera simbólica, pero también contundente, todos y cada uno de los estados, con al menos una actividad escénica”.

Añadió: “Están participando cerca de 350 creadores alrededor de esta celebración y esperamos llegar a más de 10 mil niños y niñas, tanto aquí en el Centro Cultural del Bosque, como en cada una de las entidades”.

Esta celebración se enmarca en la campaña “Lleva a un niño al teatro”, impulsada por la ASSITEJ, donde los padres de familia llevan a los niños al teatro, convirtiéndose en una actividad familiar.

El Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes ofrecerá 20 puestas en escena con 31 funciones que se realizarán en todos los recintos del Centro Cultural del Bosque, y comprenderá obras de teatro, danza, música y espectáculos al aire libre, todos con entrada gratuita, los días sábado 19 y domingo 20 de marzo, a partir de las 12:30 horas. La programación completa estará disponible en la página: teatro.inba.gob.mx

Acerca del evento

El Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes surgió en 2007 con la idea de celebrar con las infancias un día con montajes. La primera edición contó con cinco puestas en escena que se llevaron a cabo en los teatros El Granero Xavier Rojas y Orientación del Centro Cultural del Bosque. Desde entonces se ha realizado con una respuesta muy favorable del público y la ampliación de su espectro curatorial, lo que le ha permitido consolidarse como un encuentro que reúne puestas en escena en diálogo con infancias y adolescencias.

Consulta la programación de las funciones que se presentarán en el CCB, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartel oficial y captura de pantalla

La genialidad y la locura son los principales componentes de Prueba Perfecta, texto de David Auburn, en la que Carolina, una joven que ha dedicado su vida al cuidado de su padre, un genio matemático quien padece una enfermedad mental,  busca que Pablo, un ex alumno de su papá, no dude de ella y le ayude a demostrar que, al igual que su papá, ella es brillante, a pesar de haber heredado sus problemas mentales.

Platicamos con Rodrigo Nava, director del montaje, y la actriz Arantza Ruiz, quien personifica a Carolina, sobre esta propuesta que se presenta de viernes a domingo en el Foro Shakespeare.

Para Rodrigo Nava, el encontrar propuestas teatrales que muestran la importancia de la salud mental representa un hecho sumamente valioso, y asegura que es como ir al doctor por un dolor de muela o por algún otro malestar físico. “La obra toca temas muy importantes, como la salud mental, pareciera que nos incomoda hablar al respecto y es algo bien importante de abordar, sobre todo en una sociedad como la mexicana, en donde gran parte de la población pasa la vida sin atender su salud y por eso vemos tanto malestar e inconformidad”.

Añade: “Lo que me atrapó del autor en este texto es el desarrollo de ese cuestionamiento donde, además, tenemos a una mujer protagonista que se niega a ser estigmatizada por la enfermedad mental que heredó de su papá, con la intención de mostrar su habilidad para resolver pruebas matemáticas”.

Respecto al proceso de casting, Nava señala que conforme se iba adentrando a la historia, algunos de los nombres de los involucrados adquirían mayor presencia en su cabeza y asegura sentirse gratamente sorprendido con el ensamble final que propone el montaje, donde participan actores que ya conocía; y por otro lado, nombres propuestos por Alonso Pineda, con los que asegura se ha creado un equipo de trabajo perfectamente equilibrado.

“Además de dirigir, mi función fue traducir el texto, entonces quise abordar una historia que fuera sumamente fiel a lo planteado por el dramaturgo, pero volviéndolo cercano al público mexicano”, puntualizó Nava.

En ese sentido, la actriz Arantza Ruiz, quien interpreta a Carolina, personaje que alterna con Bárbara López, comentó: “Yo ya había trabajado con Alonso Pineda, que es uno de los co-productores de la obra, en una obra que se llamó Sonámbulos que estuvo en La Teatrería, y cuando le llegó el texto me buscó y me lo mandó para ver si quería hacerlo y me enamoré, creo que el texto es una joya”.

Prueba perfecta cuenta con un amplio elenco que alterna personajes, cuestión que brinda una lectura diferente en cada función, donde queda al descubierto el talento y encanto individual que posee cada actor, por lo que invita a la audiencia a ver en más de una ocasión el montaje.

Con relación a esto, Arantza señala: “Es maravilloso trabajar con un gran elenco. Creo que cada persona le mete a su personaje parte de su esencia, y siempre es diferente ver la combinación de elencos. Vale la pena ver la obra varias veces, porque al cambiar un actor, cambia muchísimo la forma de la obra, aunque la esencia se mantiene ahí. Entonces se vuelve súper dinámico. Además de que nunca te aburres, no se vuelve una cosa por inercia, tienes que estar siempre escuchando al otro, los estímulos van cambiando todo el tiempo. Los actores que están en la obra, Plutarco, German, Sara, todos en realidad son actores de renombre a los que les puedes aprender muchísimo”.

Uno de los grandes retos al interpretar a Carolina, comparte la actriz, fue imaginar cómo ella debe poner en pausa pausa su vida para cuidar a su padre, porque asegura nunca ha tenido que enfrentar una situación de ese tipo.

“Nunca he tenido que cuidar de alguien y fue algo totalmente nuevo para mí, el desarrollar a partir de la imaginación el cómo es tener que ceder tu vida (…) Cuando tienes que ceder tu tiempo para cuidar a otra persona, creo que es el shock más difícil, porque es una despersonalización completa, y por medio de la imaginación encontré esas emociones y de ahí se desarrolla el personaje de Carolina”.

Agrega: “Uno de los mayores retos fue encontrar cosas nuevas todos los días, porque cada vez que pasan las funciones vas asentando ciertas situaciones, y el teatro tiene que vivirse como si fuera la primera vez. Cada vez que la presentas, cuando vas de los ensayos, hasta las funciones, en “n” cantidad de representaciones de la obra, mantener la esencia de frescura, me parece que fue lo más difícil”.

Mientras que al preguntarle sobre las diferencias entre las actrices que personifican a Carolina Ruiz, expresó que cada una realiza diversas actuaciones y que ninguna es mejor que la otra, “Bárbara maneja una interpretación mucho más suave, más tranquila, mi Carolina es más intensa. Los picos de locura que manejo con mi Carolina, en ella son mucho más sutiles, pero maneja una verdad muy pura”, puntualiza.

En cuanto a la dirección hecha por Nava, Ruiz comparte: “Me parece que es uno de los mejores directores con los que he compartido escena. Creo que el grado de paciencia que tiene con los actores, el nivel estructural que tiene de cómo se van a ir trabajando las escenas es maravilloso, tiene un talento inigualable. Estoy fascinada de haber trabajado con él”.

Añade: “Encontrar las cosas a los personajes, al texto, saber que él se sentó a traducir el texto, la familiaridad que tenía con él era distinta, cuando simplemente te lo dan. Creo que Rodrigo es un gran acierto como director mexicano”.

Finalmente, ambos comparten que la historia ofrece una mirada poderosa al talento que puede desarrollarse desde circunstancias adversas, donde el público podrá adentrarse al interior de una estructura mentalmente inestable y comprender la vitalidad de desarrollar una cultura de cuidado emocional.

Prueba perfecta se presenta de viernes a domingo en el Foro Shakespeare, ubicado en Zamora 7, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez e Itaí Cruz, Fotos: Cortesía IQ Icunacury Acosta & Co.

Si lo tuyo son las historias cargadas de humor negro, donde la risa fluye a la menor provocación, esta comedia es ideal para ti, escrita por el dramaturgo argentino, Claudio Tolcachir que estrenó en nuestro país hace unas semanas, bajo la dirección de Cristian Magaloni, y plantea una historia donde el eje principal es el amor. Además, la trama nos conduce por la ternura y encanto con altos índices de toxicidad, pero que dan el toque realista y adecuado, gracias a sus diálogos irreverentes y actuaciones dignas de premiación.

En el montaje serás testigo de la primera adaptación que se hace de este texto en nuestro país, el cual muestra la desesperación de dos madres por asegurar la felicidad de sus hijos, quienes están totalmente desorientados y lo único que quieren es encontrar su lugar en la vida por cuenta propia, ¿te suena familiar?

Estamos frente a una comedia imposible de pasar de lado, por eso aquí te damos 3 razones para ver El viento en un violín:

1. La premisa. Como ya lo decía, la historia hace una crítica inteligente sobre el amor y la sobreprotección materna. Además de reflexionar sobre esas ideas establecidas de cómo tiene que ser un hijo, una madre y una pareja, presentes en la sociedad actual, estereotipos que hoy nos resultan un poco ilógicos y acartonados, pero, sobre todo, distantes de lo que todos experimentamos en la realidad.

2. Las actuaciones. Mercedes Hernández, Mahalat Sánchez, Assira Abbate, Roberto Beck, Ariana Sacristán y Daniel Mandoki se encargan de dar vida a este texto con actuaciones que reflejan la humanidad, complejidad y oscuridad de cada personaje mediante diálogos potentes y ágiles, que brindan un adecuado balance entre comedia y drama, eso sí, sin caer en el cliché, dando como resultado una comedia hilarante y gratamente memorable.

3. La ambientación. Se trata de una obra escrita en 2005, sin embargo, la adaptación de Magaloni se sitúa en los años 90, quien además profundiza en algunos conceptos referentes a la sexualidad y los contrasta con la visión que se tiene hoy en día en esos temas. Así como en la apertura que ha ido creciendo con el paso de los años, reflejando esos primeros momentos donde se comenzaba a generar la conversación sobre diversas luchas que actualmente han adquirido mayor fuerza.

Como puedes ver este montaje te hará recordar los conflictos que se viven al interior del seno familiar con altas dosis de risa y crítica reflexiva, como espectador estamos seguros que saldrás complacido con este espectáculo profundo y a la vez ligero, mismo que recordarás con gratas sonrisas.

El viento en un violín se presenta todos los miércoles hasta el 18 de mayo en el Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, consulta precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Luis Peña

Poco a poco el teatro va volviendo a la normalidad en la Ciudad de México, si bien, debemos continuar cuidándonos, ahora es posible acudir de lunes a domingo y disfrutar de la amplia programación que los diversos recintos nos ofrecen.

Como cada mes les traemos un recuento con las obras más buscadas en nuestro sitio, para que planees tu próxima visita al teatro.

10. Esquizofrenia. Se trata de un monólogo intenso protagonizado por Rafael Perrín en el que interpreta a un psiquiatra que se interna en un hospital para vivir en carne propia las situaciones que enfrentan las personas que padecen esta enfermedad y buscar la cura. La obra se presenta de manera indefinida en el Telón de Asfalto.

9. ¿¡¿Por qué no nos casamos?!? Esta obra está de regreso en los escenarios para contarnos las diferentes problemáticas que se suscitan en una relación amorosa, pero rompiendo estereotipos, mostrando los aciertos y errores de hombres y mujeres al momento de relacionarnos de forma afectiva. Ofrece funciones los sábados en el Teatro de la República.

8. Aladdín. A comienzos de mes, este fastuoso musical celebró sus primeras 100 representaciones acompañado por grandes estrellas. La producción de Ocesa y Disney se ha posicionado como una de las obras favoritas para disfrutar en compañía de la familia. Se presenta de miércoles a domingo en el Teatro Telcel.

7. Sola en la oscuridad. El thriller y suspenso son los elementos que componen esta propuesta que nos narra la historia de Susy, una mujer invidente que se ve envuelta en una intrigante trama, que deberá resolver con ayuda de sus otros cuatro sentidos. Con funciones de viernes a domingo en el Teatro México.

6. Dos Más Dos. Una divertida comedia que se adentra en la vida de las parejas swinger, y aunque ha sufrido cambios de elenco, no ha perdido el toque que ha conquistado el corazón del público mexicano. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro Royal Pedregal.

5. Nuevo Tenorio Cómico. Esta comedia permeada de sketches políticos y actuales, se resiste a dejar la cartelera, gracias a su amplio elenco que logra sacar una carcajada hasta el espectador más reacio. Se presenta los viernes y domingos en el Centro Cultural Teatro 2.

4. El charco inútil. Se trata de un drama existencialista que nos invita a vivir a pesar de las circunstancias y a cuestionar la definición de la locura, a través de la historia de seres heridos que conectan por medio de su soledad y dolor. La obra ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro Helénico.

3. Ghost. La sombra del amor. Con un elenco completamente renovado, la propuesta de Mejor Teatro nos lleva por un vaivén de emociones, que van desde el asombro, la tensión, hasta el llanto para contarnos la icónica historia de una pareja cuyo amor trasciende más allá de la mortalidad. Con funciones de viernes a domingo en el Teatro San Rafael.

2. Animales de compañía. Esta comedia negra pone en tela de juicio, qué tan honestos somos con los que nos rodean, navegando por temas como el suicidio, el amor y la forma de relacionarnos en grupo. En la trama un grupo de amigos se reúnen para cenar, después de mucho tiempo de no verse, sin embargo, con el paso de los minutos surgen desacuerdos y sentimientos ocultos. Se presenta de viernes a domingo en el Teatro Centenario Coyoacán.

1. José El Soñador. En primer lugar encontramos a esta producción que nos muestra una gran despliegue de tecnología en cada escena, logrando atrapar a la audiencia desde los primeros minutos. Todo ello acompañado de las increíbles voces encabezadas por Fela, Carlos y Kalimba, y por supuesto el gran ensamble. La obra ofrece una corta temporada de viernes a domingo en el Centro Cultural Teatro 1.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Rafael Perrín y Mejor Teatro

Después de más de tres años de espera, finalmente, la noche de ayer se llevó a cabo el estreno de Siete veces adiós, propuesta musical escrita y dirigida por el actor Alan Estrada y el co-escritor Salvador Suárez, en colaboración con los compositores Jannette Chao y Vince Miranda en el Teatro Ramiro Jiménez.

Al respecto, Alan Estrada mencionó: ”De verdad este es un día que vamos a guardar para siempre en nuestros corazones porque hace más de tres años estábamos Vince Miranda y yo, llorando en el comedor de mi casa, ambos con el corazón muy roto y hoy lo hacemos pero de emoción por haber hecho con ese dolor un pedacito de teatro para nuestro país”.

Por su parte, Jannette Chao afirmó: “La verdad es que seguimos llorando porque ha sido muy complicado levantar este proyecto pero ha sido sin duda, un reto muy hermoso, solo puedo agradecer a la compañía que hizo esto posible y agradecida también con las ventas totalmente llenas que ya se han generado de las dos funciones de este primer fin de semana”.

Al evento arribó un gran número de luminarias y creadores escénicos como Regina Blandón, María Penella, Zoraida Gómez, Michelle Rodríguez, Montserrat Marañón, Luisito Comunica, Manu Nna, Jerry Velázquez, Alex Brizuela, Héctor Berzunza, Claudia Álvarez, María León, Aitza Terán, Joserra Zúñiga, los productores Alex Gou, Sergio Gabriel, Juan Torres, Mariano Ducombs, Marte Calderón y Billy Rovzar, por mencionar algunos.

Durante más de dos horas, Fernanda Castillo y Gustavo Egelhaaf lograron cautivar a los presentes con su interpretación de una pareja que transita por una relación de 7 años, donde sus altas y bajas dan nombre y voz al amor con sus distintas variaciones.

La historia es contada por “Lamore”, interpretado por César Enríquez, una personificación del amor que representa a cualquier persona que haya amado, este personaje es quien hace la conexión entre las vivencias de la pareja protagónica y los músicos, quienes se inspiran en ellos para crear sus canciones.

En conjunto, actores, músicos y cantantes transportaron al público de la sala a esos recuerdos de la vida en pareja y en medio de aplausos y festejos se reconoció la labor creativa de los cuatro pilares de esta producción completamente original y mexicana.

No te pierdas de esta puesta en escena con funciones de viernes a domingo en el Teatro Ramiro Jiménez, ubicado en Av. División del Norte 2545, para conocer precios y horarios, aquí. 

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro 

Esta divertida comedia producida por Morris Gilbert y Mejor Teatro rinde homenaje a la trayectoria artística de la primerísima actriz Jacqueline Andere, que celebra 66 años sobre las tablas.

Acompañan en escena a Andere, Ana Karina Guevara y Marco Galaz, en esta propuesta nos muestra una inusual historia de amistad que se forja entre una mujer en sus cuarentas y una mujer de la tercera edad que decide vivir como le plazca el tiempo de vida que le queda.

Aquí te damos 3 razones para que acudas este fin de semana a ver 100 metros cuadrados o el inconveniente en el Nuevo Teatro Libanés:

1. El texto. Escrito por Juan Carlos Rubio, esta obra ha logrado conmover al mundo entero, no en balde se ha presentado en más de 20 ocasiones y en distintas partes del mundo como Estados Unidos, Argentina, Italia, España, Alemania y Suiza, entre otros, gracias a sus diálogos bien estructurados que incitan a la reflexión y a las carcajadas, cuyo ritmo atrae al espectador desde el inicio hasta el final.

2. Jacqueline Andere. Hablar de la primera actriz es garantía, y en esta comedia no es la excepción. En la trama, Andere personifica a Lola, una mujer viuda de 78 años, irreverente, irónica y gusta de tomar y fumar, que decide vender su departamento a un precio muy bajo, siempre y cuando la persona que lo adquiera la deje vivir ahí, hasta que se muera. Entre momentos hilarantes esta mujer nos invita a apreciar el aquí y ahora, pues nadie tiene la vida asegurada.

3. Ana Karina Guevara. A Guevara la hemos visto interpretando a una apasionada Frida Kahlo, y ahora nos muestra a Sara, una mujer en sus 40, controladora, intachable y muy responsable que comienza a tener dudas sobre su matrimonio, situación que la lleva a comprar el departamento con tal de tener un lugar en caso de necesitarlo. Si bien, al principio intenta ser indiferente con Lola, poco a poco la vida hará que busqué resguardo en la experiencia de vida, convirtiéndose así en grandes amigas.

La obra se presenta de viernes a domingo en el Nuevo Teatro Libanés, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

El Día Mundial del Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes es una fecha vital en el Año de la Asociación Internacional de Teatro para Niños y Jóvenes (ASSITEJ) que invita a todo el mundo a “Llevar a un niño al Teatro hoy”– un recordatorio de la responsabilidad de los adultos que rodean a los niños, niñas y jóvenes para estimular sus experiencias artísticas tanto como puedan.

“Llevar a un niño al teatro” significa reconectarse con los espectáculos en vivo, con ideas y emociones, con la conexión persona a persona y significa defender los derechos de niños, niñas y adolescentes al arte, la cultura y la libertad de expresión. Escuchar a la niñez y a la juventud es terriblemente importante_ escucharlos y aceptar su necesidad de cambio lo es todavía más.

Citando el Manifiesto de ASSITEJ, creemos que hay que hacer mucho más para cumplir con las obligaciones de todos los países con respecto a los artículos 13 y 31 de la Convención de la ONU sobre los Derechos del Niño.

Esto es especialmente cierto a la luz de la actual pandemia, la crisis de los conflictos que se desarrollan en tantos países del mundo y la urgente necesidad de equidad e igualdad de oportunidades para que todos los niños vivan en un mundo sustentable, seguro y saludable. El arte y la cultura nos permiten imaginar el mundo que deseamos crear para y con nuestros niños y jóvenes, y por ello son cruciales a la hora de actuar para garantizar mejores condiciones para nuestras sociedades.

Ahora es el tiempo en que el teatro y los espectáculos en vivo más se necesitan, como un reaseguro de que la imaginación puede vencer el miedo. Este es un tiempo en el que el coraje y la convicción de los artistas que hace teatro y actúan para Públicos Jóvenes alrededor del mundo pueden ayudar a crear un espacio para la liberación, la catarsis y la expresión de la alegría en los niños y jóvenes en todas partes. Hemos sido testigos de una creación tan inventiva y decidida, de un compromiso tan grande, y sabemos, por los ejemplos de todos nuestros miembros, que la dedicación a seguir haciendo teatro y representando para los más pequeños hasta los jóvenes adultos no se ha desvanecido. Somos una comunidad que se ha fortalecido.

Los niños y los jóvenes han sentido el impacto de la pérdida de socialización, de confianza y de esperanza y esto ha afectado profundamente su salud mental; los responsables de la toma de decisiones de todo el mundo se están sentando y tomando nota. Nuestro público joven y los participantes necesitan más que nunca el arte, la cultura, el teatro y el espectáculo; esas experiencias esenciales que proporcionan aperturas, puntos de vista más amplios, la posibilidad de la imposibilidad, la diversión y el asombro, la belleza y la emoción; experiencias que dan sentido a un mundo caótico y nos recuerdan los vínculos de la humanidad.

El Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes insta a los adultos a “llevar a un niño al teatro hoy”, dondequiera que pueda ocurrir: en la calle, en un edificio, en la pantalla, en sus propias habitaciones, a través de la radio y los textos, a través del juego y la simulación, a través de la creación y la fabricación. Estaremos allí, con lo que podamos, para proporcionar la magia que todos estábamos extrañando.

Sue Giles
Presidenta de ASSITEJ 2022

Con información de ASSSITEJ, Fotos: ASSITEJ y Cortesía Producción

Bajo la premisa de un México en el que los superhéroes existieron, una adolescente, que no heredó las habilidades de su famoso padre, nos guiará por un viaje personal en el que como mexicanos nos vemos reflejados con gran ingenio.

245 actos de maldad es un unipersonal escrito por Paula Zelaya Cervantes y Ana González Bello, ambas están al frente del proyecto, Zelaya en la dirección y González en la actuación, bajo la producción de Once Once Producciones, que invita a reflexionar sobre algunos hechos históricos de nuestra cultura, y al mismo tiempo alejarnos de la apatía presente en la cotidianidad.

A continuación te damos 3 razones más para no perderte esta poderosa historia que se presenta los viernes en La Teatrería:

1. Sus reconocimientos. Antes de contar con una temporada oficial, la obra fue reconocida con diversos premios que acreditan el valor de su escritura e interpretación a nivel nacional e internacional, entre los que destacan: “Sharon Enkin Award for Young People” 2019 por Plawrights Guild of Canada; el premio “National Latino Playwright Award” otorgado por Arizona Theatre Company y el premio a Actriz Revelación en el Festival United Solo de Nueva York en 2017. Además de dos nominaciones a los Premios Metro 2021 a “Mejor Diseño de video” y “Mejor escenografía de una obra”.

2. Ana González Bello. Aquí la interpretación de Ana como “Andrea”, es contundente, por más de una hora, este poderoso monólogo transita por diversos escenarios de la vida adolescente y la cotidianidad mexicana, donde el humor es la pieza fundamental. Su actuación no sólo te conmoverá, te hará reír, y lo más importante, te inspirará para generar un cambio. Estamos seguros que este personaje se volverá entrañable en la escena nacional y recordaremos por mucho tiempo.

3. Paula Zelaya Cervantes. La dirección es pieza fundamental para que está historia funcione tan bien, gracias al trabajo de Paula se logra un dinamismo continuo en escena, sorprendiéndote cada minuto no sólo por la narración, también por los diversos elementos que contribuyen a la acción escénica.

Ahora ya lo sabes, no puedes dejar pasar la oportunidad de vibrar con una historia poderosa y actual, una visión joven de la vida y sus distintas aristas, y por qué no, sacar todas esas habilidades del interior para transformar todos aquellos actos de maldad que nos preocupan con acción y valentía.

Descubre tu poder interior y súmate al cambio en 245 Actos de maldad extraordinaria con funciones los viernes en La Teatrería, ubicada en Tabasco #152, para conocer precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Roberto Sosa

La locura en el teatro siempre ha sido un tema interesante, y como espectador el adentrarse en las profundidades de la mente puede resultar aterrador, si partimos del hecho de que indudablemente todos compartimos algún grado de desequilibrio mental y el vernos reflejados en escena puede detonar preguntas e inquietudes sobre nuestra forma de pensar y de actuar en algunos momentos de inconsciencia.

¿Qué tan locos estamos?, ¿qué tan loco estuve o qué tanto podría estarlo en un futuro si analizo mi contexto? Quizá no haya respuestas inmediatas. Sin embargo, la curiosidad que desata el autoconocimiento funciona de manera creativa para interiorizar más en un mundo interno, a través de historias escalofriantes que solo grandes interpretaciones pueden llevar a escena con éxito.

Por ser una propuesta que revive uno de los más silenciosos temores de la sociedad moderna, a continuación te damos 3 razones para ver Esquizofrenia.

1-El formato. El montaje es protagonizado por Emile Tuck, un prestigioso psiquiatra inglés quien, el 4 de enero de 1914 decide contar durante una ponencia a estudiantes y colegas de medicina su experiencia, después de internarse en un hospital psiquiátrico por voluntad propia con el fin de desentrañar esta creciente enfermedad y explicar sus causas y consecuencias.  A través de un conversatorio pondrá en duda el grado de cordura con el que entró a la sala.

2- La interpretación. Rafael Perrín nos ha provocado grandes sustos por medio de su trabajo en proyectos como La dama de negro y recientemente con La llorona en Xochimilco.  El actor ha confesado sentirse cómodo en esos temas que generan miedo en el espectador y en esta ocasión, no es la excepción, debido a que su actuación sorprende por su catarsis y calidad narrativa, misma que guía a la audiencia a los lugares más profundos de la inconsciencia con su voz y misterio.

3- Rafael y su experiencia en un psiquiátrico. Como ya lo decía, el actor siente atracción por los miedos que la sociedad insiste en esconder ante el ojo público. Para adentrarse en la vivencia del protagonista, Perrín se internó, de manera voluntaria, al interior de un hospital psiquiátrico para comprender tal trastorno, llevando a escena las voces, miradas y sonidos que en su experiencia pudo observar, logrando una estremecedora actuación.

Como puedes darte cuenta, esta propuesta escénica promete sacarte más de un susto.  Si disfrutas de las historias de terror con experiencias reales, no lo dudes más y asiste a ver Esquizofrenia con funciones en el Teatro Telón de Asfalto, ubicado en Calle de Perpetua No 4, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: FB Esquizofrenia

Del 4 de abril al 22 de mayo se llevará a cabo el Ciclo de Historias de Motel para Dramaturgias de Paso que contempla tres puestas en escena que se presentarán en el Foro Shakespeare, una antología, conversatorios y lecturas dramatizadas en El 77 Centro Cultural Autogestivo.

En conferencia de prensa, Itari Marta compartió: “Esta convocatoria tiene 3 ganadores, hubo un jurado que invitamos, personas externas al Foro Shakespeare, que hicieron la selección de estas obras que van a tener una temporada y una antología, es decir, van a tener estos textos escritos. Nos parece muy importante que esto suceda porque el proceso del teatro, de la literatura a la puesta en escena eso es para mi pasión, la pasión de ver algo que es literatura y que de repente un ser humano lo hace vida, lo hace acción y de la mano de los directores y directoras, hacemos esto que se llama teatro”.

Agrega: “Lo fascinante de esta convocatoria es que la fuente de inspiración es la escenografía, antes que cualquier otra cosa construimos la escenografía. Y nos gusta que los detonadores y los provocadores de las cosas sean otras, por ejemplo, con Brujas el detonador fue el feminismo, pero que también haya otros detonadores y fuentes de creación que no necesariamente sean las convencionales”.

La convocatoria que cerró el 3 de noviembre del año pasado, recibió alrededor de 55 propuestas principalmente de la Ciudad de México y de otros estados como Baja California, Puebla, Guanajuato, Mérida, Jalisco, entre otros, incluso, de otros países como Argentina y España.

Los textos ganadores fueron, en primer lugar, La Exequia de Doña Pompa escrita por Alan Escalona; segundo lugar, La Casa por la Ventana de Gonzalo Villanueva y en tercer lugar, Cuarto 232 de Aarón Zamora.

Sobre su participación, Alan Escalona comentó: “Me siento muy acobijado y artísticamente inspirado en muchísimos aspectos”, y explicó que la palabra “Exequia”, habla sobre las ceremonias fúnebres, tiene su origen en el cristianismo y puede ser de distintas formas dependiendo de la religión que se profese y agradeció a las personas del Foro y del 77 por su apoyo.

Mientras que, Aarón Zamora compartió: “Me parece muy padre, hay que romper ciertos esquemas en el teatro mexicano (…) Muchas gracias porque abrir este tipo de convocatorias, de publicar teatro y hacer una edición de antología de teatro es muy valiente en estos tiempos”.

Finalmente, Guillermo Villanueva, autor de origen argentino, relató: “Estoy muy conmovido y muy agradecido con el Foro Shakespeare, patrocinadores, al jurado por darme esta posibilidad de demostrar lo que escribo (…) Llevo muy poco tiempo en México y esta posibilidad ha sido un regalo que lo vivo como una bendición”.

El ciclo comenzará con la escenificación de La Exequia de Doña Pompa, a partir del 14 de abril, seguirá La Casa por la Ventana, el 28 de abril y culminará con Cuarto 232, a partir  del 12 de mayo, todas ofrecerán funciones de jueves a domingo en el Foro Shakespeare, consulta horarios y precios, aquí.

Además, como parte del Ciclo, el próximo lunes 4 de abril a las 20:30 horas se hará el lanzamiento de la antología en alianza con Cardenal Revista Literaria y a la largo del mes habrá una serie de conversatorios digitales y lecturas dramatizadas en El77CCA, ubicado en Abraham González 77 en la Colonia Juárez.

Por Itaí Cruz, Fotos: Mariana Medina

Este miércoles, los productores Tina Galindo y Claudio Carrera dieron a conocer los detalles de la obra Network, propuesta que contará con la dirección de Francisco Franco-Alba, con las actuaciones estelares de Daniel Giménez Cacho, Arturo Ríos y Zuri Vega, a partir del 1 de abril en el Teatro de los Insurgentes.

En conferencia de prensa, Claudio Carrera compartió: “Estamos felices por el reparto que reúne esta producción. Es una producción increíble, pasar de Blindness con equipo tan chiquito, a una producción enorme como esta, es un privilegio, una producción como está revive el teatro de la forma que se merece”.

Agrega: “Tina y yo echamos la carne al asador y esperamos que el público lo disfrute, porque a nosotros nos hace felices, desde que vimos esta obra en Londres pensamos en Daniel, no hay mejor actor para interpretar este personaje”.

Por su parte, Tina refirió: “Yo siempre quise trabajar con Giménez Cacho, así tan cerquita. Diego Luna produce con nosotros porque, de una u otra forma, tenía que estar presente. Yo me siento muy agradecida después de una crisis de salud de la cual me estoy recuperando, de verdad gracias por estar aquí”.

Sobre su participación, Daniel Giménez Cacho expresó: “Para mí el teatro es un lugar de reconexión, siempre vamos corriendo en otros formatos y en el teatro perfeccionó el oficio, reflexiono y me encanta. El personaje lo disfruto bastante, estoy encantado de reencontrarme con viejos conocidos y jóvenes con los que tengo el placer. Ahora estoy agradecido y con mucha expectativa de ver qué le dice esto a la gente, el problema del que habla la obra sigue ahí sin resolverse”.

De igual forma, Zuria Vega, mencionó: “Me siento honrada de regresar al teatro con un texto más vigente que nunca, potente, feroz. Me dan ganas de gritar constantemente, eso es algo le menciono a Daniel bastante seguido. Hoy hay una falta de empatía con lo que le falta al otro, darle vida hoy en 2022 a un personaje como Diana va a ser un espejo importante para la sociedad”.

Mientras que Arturo Ríos, quien interpreta al mejor amigo de Bale, relató: “Es una gran oportunidad para mostrar cosas importantes y trascendentes, la obra habla de la ética en los medios. Es un anhelo venir al Teatro de los Insurgentes. Cuando vas pasando por fuera ves el mural de Diego y a Cantinflas y piensas como actor que sería un sueño trabajar ahí. Hoy, por fin, se me hizo trabajar con este gran proyecto con jóvenes actores enjundiosos, aquí estamos para aportar experiencia y con el gusto de que el público se sorprenda con nosotros”.

Completan el elenco Diego Jáuregui, Luis Miguel Lombana, Alberto Lomnitz, Francisco Rubio, Mahalat Sánchez. Acompañados de un ensamble con talentos como Arlette Babun, Jerónimo Best, Jacobo Betech, Daniel Cervantes, Samantha Coronel, Michel De León, Jatzke Fainsod, Eli Nassau, Viridiana Olvera, Julián Segura y Paola Arroyo.

En esta ocasión el escenario del Insurgentes se convertirá en un foro de televisión y estará acompañado por diversas proyecciones que recrean el peligroso y decadente Nueva York de 1976. De esta manera, actores y público, se sumergirán en una experiencia envolvente e inmersiva.

La historia se centra en un presentador de noticias de televisión, con más de 25 años de trayectoria, que recibe la fatal noticia de que va a ser despedido. En su desesperación anuncia que en su próxima aparición se suicidara en vivo. Esta jugada sube la audiencia de la estación a un nivel nunca antes visto y hace que los ejecutivos le den otra oportunidad con un nuevo programa. Sin embargo, Beale aprovecha este espacio para criticar a las grandes corporaciones, incluso, a su propia estación televisiva.

La obra está basada en la película del mismo nombre escrita por Paddy Chayefsky, protagonizada por Faye Dunaway y Robert Duvall de 1976, ganadora de 4 Óscares. También estuvo nominada en 6 categorías de los premios Tony en 2019, y Brian Cranston obtuvo el premio a Mejor Actor por el papel de Howard Bale.

Network ofrecerá funciones de viernes a domingo en el recinto ubicado en Insurgentes Sur 1587, Col. San José Insurgentes, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez e Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

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Estamos a pocos días de que se lleve a cabo la celebración más importante del teatro, el Día Mundial del Teatro y por ello queremos que este fin de semana acudas a llenar las salas y disfrutes de la amplia oferta que actualmente podemos encontrar en cartelera.

Así que no lo pienses más y corre a comprar tus boletos con nuestras increíbles promociones:

José El Soñador. Acompaña a Carlos Rivera, Fela Domínguez y Kalimba a conocer la historia bíblica y multicolor de José en el Centro Cultural Teatro 1. Compra tus boletos desde ¡$1,750!

Un banjo y dos muertos. Una comedia políticamente incorrecta con fantasmas shakespereanos que claman venganza y sangre que ofrece funciones de viernes a domingo en el Foro La Gruta. Compra tus boletos a sólo $217.

Sola en la oscuridad. Luego de una pausa, Itatí Cantoral regresa para derrochar talento en escena en este impactante thriller que se presenta en el Teatro México de viernes a domingo. Compra aquí tus boletos desde $650.

El confesionario de Chabelita. Ríete a carcajadas con las ocurrentes confesiones de Chabelita, personaje interpretado por Nora Velázquez que se presenta sábados y domingos en el Teatro 11 de Julio. Compra aquí tus boletos a $385.

Dos Más Dos. La divertida comedia sobre las parejas swinger te espera en el Teatro Royal Pedregal de jueves a domingo. Compra aquí tus boletos desde $350!

Los huevos de mi madre. Una ruptura matrimonial vista desde la mirada masculina acompañada por divertidas melodías que se presenta todos los sábados en el Teatro Jorge Negrete. Compra aquí tus boletos desde $250.

Prueba perfecta. Una propuesta que combina la genialidad con la locura, con un elenco alternante ofrece funciones de viernes a domingo en el Foro Shakespeare. Compra aquí tus boletos a $440.

Las mujeres no tenemos llenadero. Poesía, anécdotas y consejos se combinan en este unipersonal creado por Susana Alexander que se presenta hasta el domingo en el Teatro Xola Julio Prieto. Compra aquí tus boletos a $440.

Héroe de Lobby. El montaje pone a prueba la honestidad entre dos guardias de seguridad y dos policías, de viernes a domingo en el Teatro Rafael Solana. Compra aquí tus boletos desde $400.

La dama de Negro. Con más de 20 años en escena esta escalofriante propuesta se mantiene más vigente que nunca con funciones de viernes a domingo en el Teatro Ofelia. Compra aquí tus boletos a sólo $375

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Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro y Cortesía Mejor Teatro 

La noche de ayer se llevó a cabo el estreno de la puesta en escena Dos locas de remate, comedia escrita por el español Ramón Paso, protagonizada por Susana Zabaleta y Gabriela de la Garza, bajo la dirección de Manuel González Gil en el Nuevo Teatro Libanés.

Al respecto, el productor Morris Gilbert mencionó que durante el mes de marzo decidió generar teatro de forma diferente, en lugar de alternar a los actores en las funciones, Mejor Teatro apuesta por alternar las obras, por lo que durante una semana ofrecerá presentaciones Dos locas de remate y a la siguiente 100 metros cuadrados o El inconveniente.

Por su parte, el director de la puesta declaró: “Quiero agradecer a todo el equipo por realizar un trabajo tan profesional, Susana, Gabriela, quiero agradecerles a ustedes también por permitirme jugar en este proyecto, son tan geniales, para mí ha sido un trabajo muy gratificante”.

Al respecto, Susana Zabaleta aseguró: “Yo quiero agradecer a Morris, nos conocemos hace muchísimos años y esta vez nos juntamos con esta maravilla de director que nos hizo jugar y de eso es de lo que se trata el teatro, y bueno a esta insoportable vieja con la que comparto escena, quiero agradecerle el juego, somos como dos hermanas que se odian, pero que también se aman al final”.

Mientras que, Gabriela de la Garza expresó: “Para mí es un privilegio estar sobre un escenario de vuelta con este equipazo, con Susana que le aprendo todo el tiempo y con Manuel porque ha sido un verdadero gusto el encontrar nuevos caminos creativos y nuevas formas de abordar un texto”.

Al evento acudieron figuras de la escena teatral como Jacqueline Andere, Mónica Dionne, Marisol del Olmo, Norma Lazareno, Dalilah Polanco, Marien Caballero, Héctor Berzunza, Chema Verduzco, Óscar Carapia y Eduardo España, por mencionar algunos.

La historia de este montaje, narra el reencuentro de dos hermanas que se vuelven a ver las caras después de 20 años en un duelo divertido e hilarante, donde tendrán que superar su pasado para poder tener un futuro, dando lugar a una tragicomedia que muestra el trasfondo social de las complejas relaciones familiares.

Dos locas de remate se presentará cada 15 días de viernes a domingo en el recinto ubicado en Barranca del Muerto esq. Minerva y 2 de Abril, Col. Crédito Constructor, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Después de dos años de incertidumbre y virtualidad, los recintos están listos y con las puertas abiertas para reunir nuevamente a creadores y público, para celebrar el día más importante para las artes escénicas, el Día Mundial del Teatro.

Llegar a este día no fue nada fácil, hubo un tiempo que pensamos que esto no sería posible, sin embargo, la pasión de los creadores por llevar el arte jamás decayó, y ahora podemos ver diversas propuestas, desde reestrenos hasta nuevas producciones, que engalanan las marquesinas de la capital.

¡Qué mejor momento para ir y llenar las salas que este fin de semana! Aquí te damos algunas recomendaciones para que asistas en familia, pareja o amigos.

The Pillowman. Esta comedia negra que indaga en uno de los crímenes más atroces, el asesinato de infantes, te hará pasar momentos de tensión y diversión, gracias a las increíbles actuaciones de su elenco. Se presenta de viernes a domingo hasta el 3 de abril en el Teatro Milán.

Deseo Infinito. Una propuesta ficcional que se adentra en el mundo de Nahui Olin, Antonieta Rivas Mercado, Manuel Rodríguez Lozano y Dr. Atl, cuatro grandes personalidades que dejaron huella, en el ámbito cultural, social y político de nuestro país. Ofrece funciones de viernes a domingo hasta el 10 de abril en el Teatro Orientación.

Aprender y olvidar. Una conmovedora historia que nos habla de la relación entre abuelos y nietos, donde vemos los últimos días del anciano previo a ser llevado a un asilo. Con funciones los sábados y domingos, hasta el 27 de marzo en el Teatro El Milagro.

Siete veces adiós. Un musical 100% mexicano que nos narra las complejas situaciones de pareja, tras siete años de convivencia acompañado por un fantástico soundtrack de sus vidas. Se presenta de viernes a domingo en el Teatro Ramiro Jiménez.

Pedro Melenas. A través de divertidas historias, este montaje cabaretero y familiar invita a reflexionar a los pequeños sobre las consecuencias que existen al no obedecer a papá y mamá. Ofrece funciones los sábados y domingos hasta el 30 de abril en el Teatro del Bosque Julio Castillo.

Nosfregatu. El Vampiro. Acompaña a las Reinas Chulas en su nueva aventura cabaretera que nos presenta a un legendario vampiro que sufre una gran depresión a causa del encierro post-pandémico y las hilarantes situaciones que lo rodean. Con funciones los sábados en el Teatro Bar El Vicio.

Lo que queda de nosotros. Una entrañable historia sobre el dolor y la pérdida que nos habla sobre la fragilidad humana y nos hace correr a abrazar a nuestros seres queridos, padres, hermanos y hasta nuestra mascotas, quienes hacen que la vida sea más llevadera. Ofrece funciones los sábados y domingos hasta el 27 de marzo en el Foro Shakespeare.

Como verás, los espacios escénicos han retomado poco a poco su vida y ritmo, y esto es sólo una pequeña muestra de la vasta oferta que podemos disfrutar en la capital.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

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Con motivo del Día Mundial del Teatro 2022, te compartimos el mensaje escrito por el director de teatro, ópera y festivales, Peter Sellars.

Nacido en Pittsburgh, Pensilvania (EE. UU.), Sellars ha ganado reconocimiento internacional por sus interpretaciones innovadoras y transformadoras de los clásicos, la defensa de la música contemporánea y del siglo XX y proyectos colaborativos con un alcance extraordinario. de artistas creativos y escénicos.

Aquí el texto completo:

Queridos amigos,

Mientras el mundo pende cada hora y cada minuto de un goteo diario de reportajes noticiosos, quisiera invitarnos a todos nosotros, como creadores, a entrar en nuestro alcance, esfera y perspectiva adecuados del tiempo épico, el cambio épico, la conciencia épica, la épica. reflexión y visión épica? Estamos viviendo en un período épico en la historia humana y los cambios profundos y consecuentes que estamos experimentando en las relaciones de los seres humanos consigo mismos, entre sí y con los mundos no humanos están casi más allá de nuestra capacidad de comprender, articular, hablar de, y expresar.

No estamos viviendo en el ciclo de noticias de 24 horas, estamos viviendo al borde del tiempo. Los periódicos y los medios de comunicación están completamente desequipados e incapaces de hacer frente a lo que estamos viviendo.

¿Dónde está el lenguaje, cuáles son los movimientos y cuáles son las imágenes que podrían permitirnos comprender los profundos cambios y rupturas que estamos experimentando? ¿Y cómo podemos transmitir el contenido de nuestras vidas en este momento no como un reportaje sino como una experiencia?

El teatro es la forma de arte de la experiencia.

En un mundo abrumado por vastas campañas de prensa, experiencias simuladas, pronósticos espantosos, ¿cómo podemos ir más allá de la repetición interminable de números para experimentar la santidad y la infinidad de una sola vida, un solo ecosistema, una amistad o la calidad de la luz en un cielo extraño? Dos años de COVID-19 han atenuado los sentidos de las personas, reducido la vida de las personas, roto las conexiones y nos han colocado en una extraña zona cero de habitación humana.

¿Qué semillas deben plantarse y replantarse en estos años, y cuáles son las especies invasoras que crecen demasiado y que deben eliminarse por completo y finalmente? Mucha gente está al límite. Tanta violencia está estallando, irracional o inesperadamente. Tantos sistemas establecidos se han revelado como estructuras de crueldad continua.

¿Dónde están nuestras ceremonias de recuerdo? ¿Qué necesitamos recordar? ¿Cuáles son los rituales que nos permiten finalmente reimaginar y comenzar a ensayar pasos que nunca antes habíamos dado?

El teatro de la visión épica, el propósito, la recuperación, la reparación y el cuidado necesita nuevos rituales. No necesitamos que nos entretengan. Necesitamos reunirnos. Necesitamos compartir el espacio, y necesitamos cultivar el espacio compartido. Necesitamos espacios protegidos de escucha profunda e igualdad.

El teatro es la creación en la tierra del espacio de igualdad entre humanos, dioses, plantas, animales, gotas de lluvia, lágrimas y regeneración. El espacio de la igualdad y la escucha profunda está iluminado por la belleza oculta, que se mantiene viva en una profunda interacción de peligro, ecuanimidad, sabiduría, acción y paciencia.

En El Sutra del Ornamento Floral, Buda enumera diez tipos de gran paciencia en la vida humana. Uno de los más poderosos se llama Paciencia para Percibir Todo como Espejismos. El teatro siempre ha presentado la vida de este mundo como un espejismo, permitiéndonos ver a través de la ilusión humana, el engaño, la ceguera y la negación con claridad y fuerza liberadoras.

Estamos tan seguros de lo que estamos mirando y de la forma en que lo estamos mirando que somos incapaces de ver y sentir realidades alternativas, nuevas posibilidades, diferentes enfoques, relaciones invisibles y conexiones atemporales.

Este es un tiempo para un profundo refrescar de nuestras mentes, de nuestros sentidos, de nuestra imaginación, de nuestras historias y de nuestro futuro. Este trabajo no puede ser hecho por personas aisladas trabajando solas. Este es un trabajo que necesitamos hacer juntos. El teatro es la invitación a hacer este trabajo juntos.

Gracias profundamente por tu trabajo

Foto: ITI UNESCO

Cada vez que se conmemora el Día Mundial del Teatro llegan a nuestros oídos frases que, al paso del tiempo, se han convertido en emblemas, en muchos casos palabras que nos invitan a reflexionar sobre la importancia y la vigencia de este arte nacido en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C.

Sin embargo, ¿Cómo resurgirá un gremio de por sí lastimado después de una pandemia?, ¿Cuáles son los retos y las ventajas del panorama actual?, y ahora ¿Cómo viven los creadores escénicos su amor por el teatro? Son las interrogantes a las que se enfrentan el teatro y los creadores en este renacer escénico.

Descubre lo que Gustavo Suárez, Miguel Septién, Pilar Boliver y Ana Karina Guevara, figuras reconocidas de la escena nacional, han compartido para Cartelera de Teatro con motivo de la máxima fiesta de las artes escénicas, una celebración que nos une por convicción y nos invita a cambiar conciencias.

Para Gustavo Suárez, director de la Agrupación de críticos y Periodistas de Teatro (ACPT), la manera de incentivar al público a llenar las salas teatrales le resulta un tema complejo en el que influyen factores como el aspecto económico y el efecto que ha dejado la pandemia en la sociedad.

Desde su perspectiva, el público desea ver en el escenario temas que le interesen y a sus artistas preferidos, que no siempre serán los que aseguran calidad. No obstante, asegura, “se nota una tendencia positiva en las entradas, las salas empiezan a llenarse, hay algunos proyectos que por ciertas situaciones fracasan, pero no parecen ser la mayoría. La crítica especializada y el periodismo deben más que nunca conformarse cómo un puente para incentivar al público, es el momento de reconstruir y colaborar en la reactivación”.

Agrega: “El público, después de 2 años de encierro, está ávido de regresar a sus actividades lúdicas preferidas, es el momento de aprovechar esta circunstancia, los deportes, los conciertos, están resurgiendo en su totalidad, las artes escénicas no deben desaprovechar el momento, no denostar audiencias, ser congruentes con los precios, ser creativos en promociones que incentiven el volumen”, puntualiza.

De acuerdo con el presidente de la ACPT, sin duda hubo un momento a mediados de la pandemia en el que se pensó que las actividades quedarían enquistadas en el mundo virtual y poco después que se quedarían en un esquema híbrido. Empero, la presencia, el olor y la convivencia, generaron un efecto contrario al apenas volverles a sentir, provocando un anhelo vehemente por regresar a la presencialidad.

“Es un hecho que la virtualidad dejó muy buenas prácticas, la practicidad y la velocidad son beneficios tangibles indiscutibles. Por ejemplo, las conferencias de prensa vía zoom, no se deberían eliminar nunca, desde mi punto de vista, pero el asistir a una sala a presenciar un evento escénico es una experiencia que no se puede sustituir”, asegura.

Y añade: “Personalmente después del encierro, disfruto como nunca la actividad presencial, no obstante lo vivido nos dejó aprendizajes, mejor administración de recursos físicos y lo que conlleve recursos económicos, selección de trabajos, distribución de la fuerza laboral, todo enfocado en un desgaste menor que asegure productividad y mejores resultados desde nuestras trincheras”.

Por su parte, el director Miguel Septién, considera que es de vital importancia brindar al público de espacios seguros para su entretenimiento, recobrando un sentido de comunidad, hecho extremadamente necesario para la humanidad en estos momentos.

“Los retos como creadores escénicos para incentivar la vida teatral son similares a los que ya nos hemos venido enfrentando desde hace tiempo, la competencia con formas de entretenimiento más fácilmente accesibles para la gente, la apatía de acudir a los teatros. Sin embargo, también hay una gran puerta que se está abriendo, y que yo considero una gran ventaja, que es, que el teatro nos da la oportunidad de recuperar el sentido de comunidad, como decía anteriormente, nos regresa un poco esta idea de reunirnos a experimentar algo juntos en el mismo espacio, por un periodo determinado de tiempo”, declara.

Y añade: “Este tipo de asamblea es una de las cosas que más nos definen como especie, el reunirnos a contar y escuchar historias, y compartir tiempo y espacio es algo que es irremplazable”.

Para el también traductor, el hecho de experimentar una etapa de constante encierro le resultó algo fatal, situación que lo motivó a vivir con intensidad, debido a la volatilidad de nuestra especie y afirma entregar el tiempo que le quede a disfrutar del oficio.

“Quiero hacerlo con personas con quienes me conecte de una forma profunda, no sólo como artista, sino también como humano. Quiero tratar de crear espacios seguros para las personas que lo hacemos, quiero proteger el teatro dentro de mis posibilidades y quiero disfrutar mucho creando”, concluye.

Para la directora, dramaturga y actriz Pilar Boliver, el llevar al público al teatro siempre ha sido un tema difícil, puesto que no es el arte del momento, como lo fue en el siglo XIX, convirtiéndose en el principal entretenimiento de la sociedad de esa época .

“Yo creo que sí es una crisis que hemos vivido, toda la vida que he hecho teatro ha sido siempre un pedicure llevar a la gente al teatro. La pandemia vino a darnos en la mega tower, pero yo estoy consciente de que el teatro después de 25 siglos de existir, si es que pensamos en el teatro griego, en las dionisiacas, que ahí es donde nace esta forma de expresión, pienso que el teatro no ha muerto, pueden pasar hecatombes, guerras, pandemias y el teatro siempre va a tener seguidores”, afirma.

Y agrega: “Creo que la manera de conseguir más público, pero hoy, ayer y siempre, es hacer buen teatro, hay dos tipos de teatro, el buen teatro y el mal teatro. Cuando una obra es buena se corre la voz, la gente va, puede que no estemos con los teatros llenos, pero sí creo que es esencial la calidad del teatro”.

La intérprete señala también, que después de la crisis sanitaria la publicidad debe ser en su totalidad, por medio de las redes sociales. “Creo que la gente en la pandemia aprendió, sobre todo los adultos contemporáneos le agarramos mucho más el sentido a lo que son las redes”, asegura.

De acuerdo con Boliver, todos tuvimos nuestras crisis existenciales durante el encierro, situación que la llevó a conectar con el origen del teatro, donde la palabra es la que conmueve, donde la actuación es pieza fundamental para lograr una atemporalidad que conecte con el espectador.

“Creo que la presencialidad con la que se gestó este arte permite que podamos volver a disertar, a discernir, a sentir el teatro, muchas veces hay que voltear los ojos a la historia, la gente que olvida la historia está condenada a repetir siempre los mismos errores. A mí se me voltearon los ojos al teatro muy muy antiguo”, puntualiza.

Y agrega: “Así lo estoy viviendo, como volver a la esencia y el teatro presencial es eso, es la comunión entre el espectador y el lenguaje del director y lo presencial del actor con sus emociones, con su cuerpo, con su inteligencia actoral, ahí es donde está la magia del teatro que a mí me gusta”.

Finalmente, la actriz Ana Karina Guevara coincide en que la mejor forma de incentivar al espectador a acudir a las salas es con historias entrañables que permitan conectar con las emociones de una manera honesta por medio de interpretaciones memorables con actores que entreguen todo su ser en cada función.

“Yo acabo de finalizar un proyecto bastante demandante que disfruté muchísimo, en Kahlo, viva la vida tuve la oportunidad de trabajar con profesionales del teatro que aman, viven y entregan todo su ser al momento de levantar un montaje”, afirma.

Y agrega: “Después de un panorama tan complejo como el que produjo la pandemia para asistir a los espectáculos presenciales, creo que la gente quiere divertirse con historias que los hagan reír y relajarse un momento. Ahora en este nuevo proyecto en el que tengo la oportunidad de trabajar con Jacqueline Andere es mi forma de celebrar mi amor por el teatro, además es una historia que invita a sentir empatía y paciencia por el otro”.

“Muchas veces creemos que tenemos la vida comprada y justamente esta crisis de salud nos recordó que no debemos dar nada por hecho, entonces el conmovernos con tramas que reflexionan sobre nuestra fragilidad y sobre la oportunidad que tenemos de aprovechar cada instante, me parece de lo más oportuno”, concluye.

Al igual que estos profesionales del arte teatral, celebra este 60 aniversario del día mundial del teatro asistiendo a las salas, como lo mencionó en su mensaje escrito para el Instituto Internacional del Teatro Peter Sellars, reconocido director de ópera, teatro y festivales, donde destaca la importancia de enfrentar estos tiempos con un profundo refrescar de mentes, sentidos e imaginación, así como de nuestras historias y nuestro futuro.

En Cartelera de teatro te invitamos a hacer este trabajo juntos.

Por Ulises Sánchez e Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

La obra Los chicos de la banda se despide de los escenarios y lo hace con 4 últimas funciones en el Teatro Xola Julio Prieto el 1, 2 y 3 abril.

Estas presentaciones van dirigidas al público fiel a esta historia y para todas las personas que no han tenido la oportunidad de verla, debido a las constantes pausas a raíz de la pandemia.

Pilar Boliver, directora de la puesta, señala que durante la pandemia tuvieron que pausar la temporada en diversas ocasiones, ya sea por el semáforo epidemiológico o debido a casos de Covid entre el elenco, sumado al aforo reducido, todo ello condujo a un desgaste para la producción.

“Eso de abrir y cerrar, abrir y cerrar, se convirtió en un proceso muy desgastante, económicamente, artísticamente, la difusión, el público, que si estás o no estás en cartelera, etc, etc. Y para acabarla de amolar luego con la reapertura pero a un 30%, definitivamente esa época estuvo muy ruda”, enfatiza la también actriz.

Asimismo, Boliver asegura que este proyecto tenía que tener un final digno y memorable, debido a un público fiel que ha visto más de una presentación y también para la producción y elenco, quienes no querían quedarse con la sensación de dejar algo inconcluso.

“En esta etapa de Omicron consideramos que Los chicos de la banda tenían que despedirse, no habíamos cerrado como se debe y como miembro del equipo, tienes esa sensación de que no ha concluido su ciclo la obra aún. Entonces decidimos que debíamos dar un fin de semana, tres días, cuatro funciones, las funciones del adiós”, comenta.

Y añade: “Esta es la oportunidad de que los actores se despidan de los personajes, y que yo como directora me despida de la obra que llevé a escena. Es muy importante cerrar, cerrar el ciclo, por lo menos en el teatro, así siempre ha sido, porque sino, te quedas como (coïtus interruptus), en el limbo”.

Pilar confiesa que el finalizar un proyecto es de vital importancia para el espíritu de los artistas teatrales y una forma de rendir respeto al escenario.

“Anímica y emocionalmente es muy importante para nosotros dar estas funciones, hay mucho público que ha repetido la obra, gente que es muy asidua a verla”, señala.

Finalmente, considera que es la oportunidad perfecta para que todos aquellos que se hayan quedado con ganas de verla acudan al teatro este fin de semana.

“Esta despedida es para ellos y para todo el público, que como bien sabemos, después de la pandemia, el espectador se volvió bien apocalíptico, decimos: voy el próximo fin de semana, voy luego, entonces cuando decimos que ya, ahora sí es el último fin de semana, es para que la gente se convenza y diga ahora si la tengo que ir a ver, ¡ahora sí ya se van!”, concluye.

Los chicos de la banda concluye su temporada este fin de semana en el Teatro Xola Julio Prieto, ubicado en Av. Xola No. 809, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción 

Un nuevo mes está comenzando y con ello, la cartelera de la Ciudad de México se renueva, durante abril podremos ver increíbles propuestas ganadores de premios, nuevas versiones de musicales y monólogos son algunas de las propuestas que engalanan los escenarios capitalinos.

Aquí te hacemos un recuento de las obras que estrenan temporada:

Contigo pero sola. Estefanía Ahumada, Violeta Isfel, Jenny García, Nastasia Villasana, Dulce Santana, Samuel Zarazúa suben a escena una comedia actual y oportuna sobre las relaciones amorosas, pero desde el punto de vista femenino. Se presenta todos los viernes, a partir del 1 de abril en el Teatro de la República.

Network. Daniel Giménez Cacho encabeza esta comedia audaz que nos muestra hasta dónde pueden llegar los medios de comunicación para alcanzar el máximo rating. La obra se presentará de viernes a domingo, a partir del 1 de abril en el Teatro de los Insurgentes.

Te amo, eres perfect@, ahora cambia. Diversos cambios de escenografía y una mecánica teatral, forman parte de este musical protagonizado por Chantal Andere, Lola Cortés, Federico Di Lorenzo y Efraín Berry, cuyo tema central es el amor. La obra se presenta de viernes a domingo, a partir del 1 de abril en el Teatro Hidalgo.

La voz humana. La artista multidisciplinaria Irasema Terrazas será la encargada de dar vida a esta nueva versión de la famosa historia escrita por Jean Cocteau, que aborda de manera magistral el tema de las emociones a través de la historia de una mujer que es abandonada por su pareja tras cuatro años de convivencia. La obra comenzará sus funciones el lunes 4 de abril en el Foro Lucerna.

Madre Coraje y sus hijos. El drama brechtiano regresa a los escenarios de la mano del reconocido Luis de Tavira, quien adapta y dirige esta propuesta que reflexiona en torno a la violencia, la inseguridad y la guerra, temas que aún siguen vigentes en nuestra actualidad. La obra llegará al Teatro Helénico, a partir del 9 de abril.

Como verás, hay mucho teatro qué ver durante este mes, sin embargo, no te olvides de las propuestas que continúan en cartelera, recuerda que los teatros te esperan con las puertas abiertas.

Por Itaí Cruz, Fotos: FB Network.Mx y Cortesía Helénico

El estreno de la puesta en escena Te amo eres perfect@, ahora cambia de Joe DiPietro, está cada vez está más cerca, Chantal Andere, Lola Cortés, Federico Di Lorenzo y Efraín Berry serán los encargados de dar vida a esta historia, bajo la dirección de Ricardo Díaz, producida por Juan Torres.

En esta ocasión, el musical llegará el escenario del Teatro Hidalgo, donde la música original de Jimmy Roberts será dirigida por Eduardo Soto. A través de 16 viñetas independientes el montaje nos plantea las distintas etapas de las relaciones de pareja, desde los primeros días de noviazgo, el casamiento, los pleitos, la llegada de los hijos, las reconciliaciones, hasta la viudez.

Previo al estreno, Chantal Andere comparte: “Me encuentro muy contenta de hacer esta obra que me saca de mi zona de confort. La gente que ha seguido mi trabajo en televisión sabe que siempre he sido villana, llevo casi 34 años interpretando antagonistas, quienes no me han visto antes en teatro, pues no saben que también hago comedia y que la disfruto mucho”.

Y agrega: “Este proyecto surge de un texto maravilloso que se ha representado en más de 28 países, en México es la tercera vez que se pone, la última fue hace 10 años. En escena cantamos con música en vivo, que se oye precioso, donde nuestra única intención es que la gente vaya a morir de risa”.

Sobre sus compañeros en este montaje, la actriz asegura que se encuentran muy bien acoplados, debido a que se trata de profesionales con más de 25 años de experiencia en teatro musical, de los que cada día aprende más.

“Es un proyecto que Juan me ofreció hace 4 años y ahora finalmente ve la luz, porque en su momento él optó por producir, El beso de la mujer araña, y ahora es la oportunidad perfecta, después de esta incertidumbre que hemos vivido todos con la pandemia, en donde el teatro fue tan duramente golpeado”, señala.

Y añade: “Ha sido durísimo, han sido 35 días de ensayos incansables, largos y lo hacemos con toda la entrega y disciplina para ofrecer nuestro mejor trabajo. Aquí son cuatro actores representando a 48 personajes y cada uno interpreta 12. Entonces está muy difícil, está muy retador, porque hago desde una niña súper cohibida, super nerd con una voz muy aguda, hasta una mamá insoportable, de esas que tienen una voz muy aguda, que gritan y gritan, que es tediosa y regaña a los hijos y al marido todo el tiempo”.

De acuerdo con Chantal, originalmente los autores visualizaron el montaje en cámara negra y en esta adaptación el productor Juan Torres decidió que había que darle más producción, más color, una escenografía que entrara y saliera automáticamente, diversos cambios de vestuario, entre otros atractivos visuales que ayudarán a potenciar la trama.

“Ha sido una jornada dura después de haber concluido Mi fortuna es amarte que también fue un proyecto increíble y súper exitoso, del cual no pude descansar porque yo a los tres días ya estaba ensayando, pero la verdad es que el teatro musical es mi pasión, yo así me formé desde los 15 años y me ha dado muchas alegrías personales”, confiesa.

Respecto a la música que acompaña la historia, la intérprete puntualiza: “Son canciones bien padres con muchos momentos donde hacemos cuartetos vocales, duetos y tríos, individualmente cada uno de los personajes tiene su momento especial con temas en solista, pero en general cantamos mucho juntos”.

Mientras que al preguntarle sobre su personaje en escena, Andere refiere que fue un gran proceso, a diferencia de su anterior montaje (El beso de la mujer araña), donde cantaba de manera individual.

“Agrupar todas nuestras voces fue un proceso bien padre […] Acá el tener que poner la primera y segunda voz fue un trabajo vocal bien interesante y complejo, pero ahora que ya todo está armado, se oye súper lindo, tenemos dos violinistas extraordinarios y un gran pianista que es el maestro Soto, con el cual yo ya he trabajado en 4 musicales y siempre es un placer volver a coincidir”.

Acerca de las funciones previas de la obra, la también cantante asegura que las reacciones fueron abrumadoras y sorprendentes, la gente iba desde grandes carcajadas hasta llegar al llanto con los números finales.

“(En los previos) Llevamos al público por una serie de emociones, donde el 80 % es a la risa, pero tiene estos matices y es comprensible, porque hablamos de lo que es el amor en todas sus facetas. Creo que la gente está ávida de olvidar todos sus problemas, de lo que hemos pasado como humanidad y nuestras pérdidas, entonces esto es un regalo que Juan Torres y 33 Productores hacen a la gente, brindando dos horas de mucha felicidad”, concluye.

Te amo, eres perfect@, ahora cambia se presentará en el Teatro Hidalgo por únicamente 12 semanas, de viernes a domingo, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro y FB de Chantal Andere

¿Cuál es el precio de pasar casi una década entre rejas? ¿Qué hacer? ¿Quién debe asumir la culpa? Son algunas de las cuestiones que plantea la obra 7 años, escrita por Juan Cabeza, obra basada en la cinta de Netflix (2016), que estrena en nuestro país con la adaptación de Jeannine Derbez y Reynolds Robledo, quien también dirige la obra.

La propuesta  llegará a finales de este mes al Foro Lucerna del Teatro Milán, bajo la producción de Lobos Producciones y protagonizada por los actores Alejandro Morales, Antonio Gaona, Cristian Magaloni, Jeannine Derbez, José Ramón Berganza, Pablo Perroni, Pedro De Tavira y Rocío Verdejo.

En conferencia de prensa, Reynolds Robledo, director del montaje explicó: “Este año Lobos Producciones cumple 7 años y coincide con el título de la obra que llegó con una coproducción con Jeannine Derbez, quien también participa como actriz de la obra”.

Agrega: “Es la primera vez que se hace este montaje en México, nos dieron un guion cinematográfico, pero creemos que es mucho más potente en teatro. El texto habla de relaciones humanas, traición, instinto de supervivencia. Es una historia que los va a confrontar y es muy divertida”.

Por su parte, Jeannine Derbez mencionó: “Ha sido una experiencia increíble, ¿tú por quién te irías a la cárcel? Todos los personajes son los principales, son personajes complejos, ha sido enriquecedor formar parte de esta obra”.

La obra cuenta con un gran elenco que alternará funciones por lo que será interesante ver las distintas combinaciones, sin embargo, el actor Pablo Perroni será el único del reparto que estará en todas las funciones.

En ese sentido, Perroni señaló: “A todos los he visto trabajar, los admiro mucho, con otros ya había trabajado, la obra es emocionante, ágil, actual. Yo no tengo alternante, pero cada actor hace lo suyo, y es interesante ver las combinaciones”.

Mientras que Christian Magaloni expresó: “El público podrá ver como la fragmentación de este grupo va a llegar al término de la relación amistosa, los espectadores verán un viaje de hasta dónde se va a estirar la amistad. Me encanta trabajar con todo el elenco, es una obra con todos en escena la van a disfrutar muchísimo”.

En la trama cuatro amigos fundadores de una exitosa empresa de aplicaciones tecnológicas son descubiertos desviando fondos a un paraíso fiscal. Por lo que un mediador tratará de ayudarles a decidir quién deberá asumir la culpa, para que solo uno de ellos pague por el delito. Sin embargo, el tiempo que deberá cumplir serán 7 años.

La propuesta se presentará martes y miércoles, a partir del 26 de abril en el recinto ubicado en Lucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez e Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro y Mariana Medina

La noche de este lunes, el Foro Lucerna levantó el telón con el monólogo La voz humana, protagonizado por la actriz y cantante, Irasema Terrazas, bajo la dirección de Miguel Septién.

La función contó con la presencia del reconocido productor, Morris Gilbert quien celebró la gran actuación de Terrazas en su primera noche de estreno.

Al término de la función, David Cuevas, uno de los productores compartió su emoción con el público ahí presente: “Estamos muy emocionados de poder contar con su presencia, para nosotros es nuestro primer regreso al teatro después de este tiempo tan difícil, y no hay mejor forma de hacerlo que con una de la grandes artistas, Irasema Terrazas, muchas gracias por confiar en nosotros”.

Añadió: “Cuando tuvimos la inquietud de hacer esta obra de teatro, nunca existió en nuestra mente otra persona más que ella, y yo te quiero agradecer públicamente que te quiero, te admiro no sólo como artista, sino también como persona”.

Por su parte, Morris Gilbert expresó: “Amo a Irasema Terrazas, llevamos 3 vidas juntos (…) es la persona más leal, más trabajadora, pero sobre todo, ¡Qué artista! Esta noche nos has conmovido a todos indudablemente”.

Agregó: “Y ustedes jóvenes que tienen a Irasema en este papel que ella se merece, les agradezco en el alma, porque tenemos grandes artistas en este país y sin duda, Irasema es una de ellas. Gracias por amar el teatro”.

El monólogo relata la conversación de una mujer con su amante quien está a punto de casarse porque va a ser padre. Durante una larga llamada telefónica somos testigos de los sentimientos que emergen en esta mujer, así como la relación de codependencia que tiene con un hombre que no la ama.

La voz humana se presenta los lunes hasta el 30 de mayo en el recinto ubicado en Lucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

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La noche de ayer se llevó a cabo el estreno de la comedia musical Te amo eres perfect@, ahora cambia de Joe DiPietro, puesta protagonizada por Chantal Andere, Lola Cortés, Federico Di Lorenzo y Efraín Berry, bajo la dirección de Ricardo Díaz en el Teatro Hidalgo.

Al término de la función, el productor Juan Torres mencionó: “Es un lujo y un honor contar con estos cuatro monstruos del escenario, ayer cuando veía la función me cayó el veinte de las carreras, las grandes trayectorias con las que cuenta cada uno de ellos, los personajes que han interpretado y todos esos lugares donde los hemos disfrutado, me pareció muy increíble y padre, sin duda, las recompensas llegan”.

Y agregó: “Estuvimos trabajando durante en la pandemia con mucho esfuerzo para que este teatro estuviera lleno con mi amada Jaula de las locas y teníamos que darle buen fin al proyecto para volver con la ilusión de estrenar algo nuevo, una obra que teníamos ganas de compartir y contar desde hace tiempo, sobre todo con un elenco como este”.

Al lugar, acudieron diversas figuras del entretenimiento, quienes desfilaron por la alfombra roja interactuando con los diversos medios de comunicación ahí presentes, entre ellos: Jacqueline Andere, Mario Iván Martínez, Anahí Allue, Majo Pérez, Eugenio Montessoro, Norma Lazareno, Ana Layevska, Aracely Arámbula, Manuel Balbi, Adriana Fonseca y Laura Cortés, por mencionar algunos.

El montaje se desarrolla a modo de viñetas conectadas por un tema central: el amor y las relaciones por medio de anécdotas sobre el romanticismo, la necesidad de sentirse amado, la búsqueda de la pareja adecuada, el paso del tiempo en las relaciones, el matrimonio, los amantes, maridos, esposas y suegros, temas ventilados con humor, canto y música de Jimmy Roberts, bajo la dirección musical de Eduardo Soto.

Te amo, eres perfect@, ahora cambia se presentará en el Teatro Hidalgo por únicamente 12 semanas de viernes a domingo, consulta precios y horarios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

La espera ha terminado y por primera vez las reconocidas voces del teatro musical de nuestro país nos trasladarán a la Gran Manzana en Broadway in the park, el concierto al aire libre que se llevará a cabo en el Teatro Ángela Peralta donde podremos disfrutar de las melodías de los musicales más famosos del mundo.

Los cantantes Carmen Sarahí y Héctor Berzunza forman parte del elenco de este primer concierto lleno de canciones entrañables como una nueva propuesta de entretenimiento cultural para el disfrute de los capitalinos, a lado de grandes voces del teatro musical nacionales e internacionales como Rocío Banquells, Susana Zabaleta, Alice Ripley, Nia Drummond, entre otros.

Sobre la invitación para formar parte de este proyecto, la actriz y cantante Carmen Sarahí, quien prestó su voz al personaje de Elsa en Frozen: Una aventura congelada para la versión latinoamericana, menciona: “Recibí una llamada de Sergio Mingram quien fue productor de Next to Normal (Casi Normales) y recientemente Visitando al Sr. Green, me platicó del proyecto y en el momento en que me dijo Broadway in the park, y en el momento que me dijo de que se trataba, dije, claro que sí ahí estaré”.

Y agrega: “Me encanta esta propuesta porque es una manera de acercar a la gente al teatro, sin tener que ir a ver una obra completa. Es un concierto con canciones de musicales de una manera a gusto, nada formal, la función es un parque en un teatro al aire libre en Polanco, el Ángela Peralta. También es una manera de hacerlo seguro para la gente, dadas las circunstancias de lo que hemos estado viviendo”.

Por su parte, el actor y cantante, Héctor Berzunza, a quien vimos en Casi Normales dirigida por Diego del Río, asegura:  “El público se va a encontrar con cantantes y actores espectaculares, grandes voces que saben interpretar el teatro musical como se debe, desde el alma”.

Desde su perspectiva será un show bastante divertido que no tiene el fin de ver gente virtuosa cantando nada más, si no, brindar una experiencia colectiva entre espectador y cantante, por medio de canciones que dejarán un mensaje contundente y claro en todo sentido.

“Para mí, este proyecto en mi carrera, lo tomo como una especie de validación. Uno trabaja mucho en este medio y el teatro no es la plataforma más conocida de todas, no te haces famoso en este formato y eso es algo con lo que yo he estado con mucha paz toda mi vida y aún así, hay mucha gente que conoce y le gusta lo que hago y eso siempre se agradece”.

Mientas que, Sarahí confiesa sentirse honrada y muy agradecida de formar parte de este primer elenco, con la ilusión de que no sea la única que vez que se presente en México, dando oportunidad a los nuevos talentos que se encuentran en el país.

“Tenemos estos invitados que son maravillosos, pero es una manera de saber que estamos todos al nivel, y que en México también hay gente talentosa que está a grandes niveles como Broadway y poder trabajar en conjunto es un gran regalo”, señala.

Y agrega: “Ahí estaremos el 7 y 8 de abril dando función con grandes artistas, no sólo de México, sino con gente que viene directamente desde Broadway. Nuestro director musical y vocal, Lance Horne, acaba de ganar un Emmy, es cantante, pianista, director y es un estuche de monerías. Él va a estar dirigiendo el show”.

Para Héctor Berzunza, quien lleva trabajando en el medio desde los 11 años, el estar rodeado de figuras como Susana Zabaleta con quien ya ha compartido escena en Casi normales, y con el resto de sus compañeros de escena, representa un privilegio, debido a que son personas con las que comparte su pasión por el teatro musical, lugar en el que se siente seguro y feliz.

“El teatro musical me salvó la vida, cuando yo era chiquito hacía comerciales y en la escuela me molestaban muchísimo por haberlo hecho y me la pasaba muy mal, si no hubiera sido por el teatro musical que conocí tan chiquito, no lo sé, sería una persona deprimida, totalmente infeliz, el teatro me enseñó cosas de mi mismo que no conocía, el teatro es el lugar de trabajo en equipo por excelencia, no conozco otro ámbito en el que el trabajo en conjunto pueda funcionar de una forma tan brutal, es arte que se produce y se consume al mismo tiempo”, declara.

Respecto a los temas que podremos disfrutar en este concierto, Carmen Sarahí señala: “Tenemos de musicales muy clásicos como “My Fair Lady”, “Cabaret”, “Next to Normal”, estamos contando con la maravillosa presencia de Susana Zabaleta que hizo la obra aquí en México, y viene también Alice Ripley que se ganó el Tony, por este personaje, que hizo a la mamá. ¡Vamos a tener a las dos en el concierto, es una joya! Va a ser un hit tener a las dos juntas en el concierto”.

Y añade: “También tenemos música de El hombre de la mancha, un sin fin de musicales que luego la gente dice, ¡ay, yo no los conozco!, y a la hora que empiezan a escuchar la canción, sí los conozco, va a ser muy divertido y muy padre. Yo estoy con alguien del elenco mexicano con algo muy padre, hay duetos dentro del show, y hay cosas que cantaremos todos, para que todo mundo se luzca mucho”.

Finalmente ambos intérpretes coinciden en que la música es vida y que algunas melodías se vuelven parte del soundtrack de nuestras vidas, siendo este espectáculo la oportunidad de volver a los grandes conciertos presenciales, tras la pandemia con canciones emblemáticas sin necesidad de ver una obra completa.

Broadway in the Park se presentará los días 7 y 8 de abril en el recinto ubicado en Aristóteles s/n, Polanco, Polanco, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez e Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Makken

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• Conoce las obras con funciones especiales por Semana Santa 2024.

La Semana Santa está a la vuelta de la esquina, si no sabes qué hacer en estos días de vacaciones, el teatro es una gran opción, ya sea que te quedes a disfrutar de la ciudad o vengas de visita.

Ahora bien, si te has quedado con las ganas de ver alguna obra, este es el momento perfecto para que asistas, ya que diversas producciones ofrecerán funciones especiales de lunes a domingo.

¡No lo pienses más y corre a comprar ya tus boletos!

Las divertidas comedias de SG Producciones,  Dos Más Dos, y Como quieras, ¡Perro Ámame! ofrecerán funciones adicionales de miércoles a domingo, en el Teatro Royal Pedregal y el Teatro Renacimiento, respectivamente. Así como El juego que todos jugamos, en el Teatro Sogem Wilberto Cantón. Esta última suspende funciones del viernes 15 y el domingo 17 de abril.

De igual forma, las obras a cargo de Mejor Teatro, también brindarán funciones especiales, comenzando con la comedia protagonizada por Jacqueline Andere, 100 metros cuadrados o el inconveniente, el thriller estelarizado por Itatí Cantoral, Sola en la oscuridad, así como el musical basado en la película homónima de los años 90, Ghost, el musical y el monólogo Defendiendo al cavernícola que contará con la participación de Poncho Vera. Todas ellas te esperan de miércoles a domingo en el Nuevo Teatro Libanés, Teatro México, Teatro San Rafael, y Teatro López Tarso, respectivamente.

Por su parte, los grandes musicales como José El Soñador, que tras una pausa regresa para seguir deleitando a los capitalinos con funciones especiales de jueves a domingos en el Centro Cultural Teatro 1; lo mismo ocurre con  Aladdín  que ofrecerá funciones del martes 13 al viernes 22 de abril en el Teatro Telcel.

Mientras que la irreverente comedia, el Tenorio Cómico protagonizada por Ariel Miramontes y los hermanos Ortega, brindará una función extra el jueves 14 de abril y mantendrá sus horarios habituales de viernes a domingo en el Centro Cultural Teatro 2.

Asimismo, el musical Siete Veces Adiós ofrecerá una función extra el jueves 14 a las y también mantendrá sus horarios habituales de viernes a domingo en el Teatro Ramiro Jiménez.

Igualmente, los productores Tina Galindo y Claudio Carrera ofrecerán funciones especiales por vacaciones con su más reciente producción, Network, la cual ofrecerá funciones del miércoles 13 al domingo 17 de abril en el Teatro de los Insurgentes.

Finalmente, la obra de suspenso Esquizofrenia de Rafael Perrín, ofrecerá funciones de lunes a domingo en el Telón de Asfalto.

Como podrás ver, la cartelera de la CDMX tiene una amplia oferta y hay para todos los gustos y edades, así que no hay pretextos para que vayas al teatro.

• Conoce las obras con funciones especiales por Semana Santa 2024.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía MejorTeatro y Cartelera de Teatro

Abril es un mes que nos invita a volver a nuestra infancia y qué mejor que celebrarlo acudiendo al teatro en compañía de toda la familia, y disfrutar de las diversas puestas en escena que nos sumergen en mundos de fantasía, música y colores.

Sabemos que como padres, siempre andan buscando lo mejor del entretenimiento para sus hijos y estas historias no sólo logran divertir, sino que también están llenas de mensajes que inculcan valores en los pequeños de forma amena.

Si no sabes qué obra ver, aquí te dejamos un listado con las obras infantiles más buscadas por nuestros seguidores, para que te animes a comprar ya tus boletos.

5. La historia de Mowgli, el espectáculo musical. Basado en el libro que Rudyard Kipling escribió en 1894 narra la ya conocida historia de Mowgli, el pequeño niño criado por lobos. Esta aventura invita a chicos y grandes a generar un diálogo de reflexión acerca del cuidado y protección de los animales, así como su entorno. La obra ofrece funciones dobles los domingos en el Teatro Rafael Solana.

4. La peor señora del mundo. El texto escrito por Francisco Hinojosa y adaptado magistralmente por Martha Torres es una emotiva invitación a los pequeños a adentrarse en el mundo de la literatura, que cuenta la historia de dos amigas inseparables que encuentran en un baúl el cuento y sin percatarse el personaje cobra vida y las obliga a representar su historia. Se presenta los domingos en La Teatrería.

3. Pedro Melenas y otras historias para niños desobedientes. Esta historia un poco freaky y oscura cuenta a través de diversos relatos las consecuencias a las que se enfrentan los niñ@s cuando no obedecen a sus padres. Si bien se desarrolla en una atmósfera que pudiera parecer un poco grotesca, la obra es realmente entretenida y aporta un gran mensaje a la audiencia. Esta obra está dirigida a los pequeños mayores de 6 años. Se presenta los sábados y domingos en el Teatro del Bosque Julio Castillo.

2. Quién le teme al lobo feroz. Quién no conoce la clásica historia de Caperucita, ahora se nos presenta en versión musical que será la delicia de chicos y grandes. En la trama la inocente Caperucita descubrirá las mejores cualidades de los animalitos del bosque, incluso del malvado lobo feroz. El montaje se presenta los sábados y el domingo 24 de abril ofrecerá una función extra en el Nuevo Teatro Libanés.

1. Hércules, un héroe de leyenda. Este musical está basado en la película de Disney, y cuenta la historia del joven Hércules y la aventura que emprende para convertirse en un héroe verdadero, sin embargo, en el camino deberá enfrentarse a terribles monstruos, incluido Hades, el dios del averno, y luchar por el amor de Megara. Con divertidas melodías, cambios de escenografía y esta obra te hará pasar un gran momento familiar. Ofrece funciones los sábados y domingos en el Teatro de la República.

Esta es sólo una pequeña muestra de la variedad que nos ofrece la cartelera infantil, consulta otras opciones, aquí

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción y Sofía Trías

Los teatros de la capital ya están funcionando a tope y en estas vacaciones de Semana Santa todas las marquesinas se iluminarán de miércoles a domingo con las funciones adicionales que las distintas producciones han preparado para ti.

Hace una semana te contamos sobre las obras que ofrecerán funciones especiales, y ahora te traemos el listado correspondiente al mes de abril, con las obras más buscadas del mes para que te animes a ir al teatro, en familia, pareja o con tu grupo de amigas/os.

¡Corre a comprar tus entradas y disfruta de lo mejor del teatro nacional!

10. Aladdín. La majestuosa producción de Ocesa en colaboración con Disney Theatrical Productions, logra transportarnos a las calles de Agrabah para conocer la historia del joven Aladdin, la princesa Jazmín y sobre todo al simpatiquísimo, Genio de la lámpara. El musical ofrece funciones de miércoles a domingo en el Teatro Telcel.

9. Dos locas de remate. Esta comedia cuenta en sus filas con la participación estelar de Susana Zabaleta y Gabriela de la Garza, dos grandes actrices nacionales, que interpretan a dos hermanas que se reúnen tras 20 años, sacando a la luz antiguos conflictos y secretos que, tal vez, deberían permanecer ocultos, pero que las harán reconectarse. El montaje se presenta cada 15 días de forma alternada con 100 metros en el Nuevo Teatro Libanés.

8. Sola en la oscuridad. El thriller protagonizado por Itatí Cantoral está de manteles largos, el pasado viernes 8 de abril celebró sus primeras 100 representaciones con la participación especial de Pablo Montero e Iliana Fox como padrinos de lujo. La obra se presenta de viernes a domingo y ofrecerá funciones extra por vacaciones en el Teatro México.

7. Dos Más Dos. Una divertida comedia que se adentra en la vida de las parejas swinger, y aunque ha sufrido cambios de elenco, no ha perdido el toque que ha conquistado el corazón del público mexicano. Ofrece funciones de viernes a domingo y funciones adicionales por vacaciones en el Teatro Royal Pedregal.

6. Nuevo Tenorio Cómico. Esta comedia permeada de sketches políticos y actuales, continúa de manera indefinida en cartelera, gracias al público que no deja que baje el telón, y que logra sacar carcajadas hasta el espectador más reacio. Se presenta de viernes a domingo en el Centro Cultural Teatro 2.

5. Te Amo Eres Perfect@…Ahora Cambia! Una sucesión de historias sobre el amor y lo complicado que resultan ser las relaciones es la apuesta de este musical. Con una llamativa escenografía, cambios de vestuario e iluminación, la obra busca atrapar la atención del espectador desde el primer instante, al presentar a cuatro actores interpretando en escena a 48 distintos personajes acompañados por increíbles melodías. El montaje se presenta de viernes a domingo en el Teatro Hidalgo.

4. Network. Una sátira sobre el mundo del poder que ejercen en las masas los medios de comunicación, así como los gobiernos y las grandes corporaciones es la premisa de este drama que combina grandes personalidades del teatro nacional, escenografía, vestuario e iluminación que logra transportarnos a la ciudad de Nueva York en los años 70. La obra se presenta de viernes a domingo en el Teatro de los Insurgentes, y durante Semana Santa ofrecerá funciones adicionales.

3. José El Soñador. El impresionante musical compuesto por grandes efectos de iluminación y tecnología está de regreso en la CDMX para ofrecer funciones especiales por Semana Santa, gracias a la buena respuesta del público que agotó sus funciones de temporada. No te puedes perder a Carlos Rivera, Kalimba y Fela Domínguez en esta propuesta musical basada en un pasaje bíblico en el Centro Cultural Teatro 1.

2. Charlie and the chocolate factory, touring. Aunque la obra sólo tuvo 3 funciones en nuestro país, logró sorprender al público mexicano con la clásica historia del pequeño que encuentra un chocolate, cuya vida da un giro de 360°. Impresionantes musicales, escenografía y actuaciones en su idioma original cobraron vida en el Centro Cultural Teatro 1.

1. Siete Veces Adiós. Un subidón de emociones te esperan en este musical original creado por Alan Estrada, que nos muestra las distintas etapas de las relaciones amorosas, desde el romance, pasando por los conflictos, hasta las despedidas. Todo ello acompañado de increíbles melodías que se vuelven el soundtrack de esta agridulce historia de amor. La obra se presenta de viernes a domingo en el Teatro Ramiro Jiménez.

Este mes disfruta de la amplia oferta que tenemos actualmente en la capital, para conocer otras opciones checa nuestra cartelera.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía VIOGG y Gilda Villarreal 

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Morris Gilbert, uno de los productores de teatro más destacados del país ha trabajado arduamente junto con todo su equipo para poder salir a flote y continuar nutriendo la cartelera nacional con producciones nuevas que provoquen en la audiencia mexicana, las ganas de regresar a las salas teatrales, a pesar de los estragos económicos que ha dejado la pandemia en el gremio de los espectáculos presenciales.

Debido a esta emergencia mundial, el productor decidió implementar un nuevo mecanismo de trabajo que permitiera tener mayor variedad de historias representadas por actores, adecuándose también a la ocupada agenda laboral de cada intérprete.

Al respecto, Morris Gilbert señala: “Los teatros están abiertos tal y como me lo prometí a mi mismo, al público y a mi gremio, el San Rafael, el México, el Libanés y el Centro Cultural San Ángel, todos trabajando a todo lo que da”.

Y agrega: “Este esquema de trabajo fue una reacción a la situación del mundo. Hoy en día nuestros queridos actores están teniendo mucho trabajo, hay muchas series, en el caso de Susana Zabaleta, que es una célebre cantante, tiene muchos conciertos y eso nos pasa con muchos actores destacados, que no se pueden comprometer a hacer teatro, porque no pueden cumplir con todas las semanas que implica una temporada. Entonces buscando una salida para seguir haciendo teatro con las personas con las que queremos hacerlo se me ocurrió esto”.

El productor asegura que el principal motor para comenzar a operar bajo este formato con las obras 100 Metros cuadrados o El inconveniente protagonizada por la primera actriz Jacqueline Andere y Dos locas de remate con Susana Zabaleta y Gabriela de la Garza, fueron las ganas que tenía de hacer ambos montajes a pesar de las circunstancias.

“Cuando la vida te da limones, haz limonada. No digo que este sistema vaya a ser así siempre en todos mis proyectos, porque no todas las obras te permiten hacer esto, depende de muchos factores, pero creo que esto es válido y funciona muy bien porque al mismo tiempo, le estamos dando variedad al público”, resalta.

“Tenemos también a Wenses y Lala como obra invitada en el Centro Cultural San Ángel, no es una producción nuestra, pero nos encanta y trabajamos muy bien con Adrián, que también alterna junto con Defendiendo al cavernícola, ahora protagonizada por Poncho Vera, sólo que ahí ambas dan función el mismo día, parece un rompecabezas muy complicado, pero gracias a Dios trabajo con gente profesional que ha podido llevar a cabo este esquema de trabajo sin ningún contratiempo”, agrega.

Y añade: “Hoy en día no debemos volvernos parte del paisaje en el teatro, si no debemos innovar constantemente y esta es una invocación sin lugar a dudas y nos está funcionando muy bien, en esta ocasión por las circunstancias”.

Por último, Morris Gilbert confiesa sentirse cómodo con su apuesta para 2022, espera no estrenar nada más por el momento, debido al trabajo que implica sostener cada producción, y asegura que la parte fácil es estrenar, y es después cuando comienza el verdadero trabajo. Sin embargo, comparte que durante este mismo año su actividad en el extranjero será más fuerte que nunca.

“Se me han abierto oportunidades en el extranjero, mismas que estuve buscando durante mucho tiempo y que ahora mágicamente se me ha dado la oportunidad. Voy a trabajar a Buenos Aires, Argentina con obras muy importantes, después voy a Londres en un proyecto que si se cuaja y se logra, me va a ser sentir muy orgulloso”, declara.

Agrega: “Tenemos una lectura oficial el día 27 de abril para ver si se levanta esta producción y así poner la bandera mexicana en lo alto del teatro londinense, después me voy a Madrid. Yo lo platico y no lo creo, porque si todo sale bien, estaré estrenando estos tres proyectos en el extranjero, lo cual me hará estar fuera del país por un tiempo, pero seguiré aquí, ya que hay un par de musicales mexicanos nuevecitos para estrenarlos el próximo año”, concluye.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción, Cartelera de Teatro y FB de Morris Gilbert

Una tragicomedia mordaz sobre los lazos familiares es el planteamiento central de la obra, Dos locas de remate escrita por Ramón Paso, dirigida por Manuel González Gil, con las actuaciones estelares de Susana Zabaleta y Gabriela de la Garza.

En escena, la trama parece sencilla, dos hermanas que se reúnen después de 20 años, sin embargo, este reencuentro destapa aquellos conflictos sin resolver, así como algún que otro secreto, que nos muestra lo complicado que resultan las relaciones fraternales con toques de comedia, un tema con el que cualquiera puede sentirse identificado.

Aquí te damos 3 razones para que no te pierdas a estas grandes actrices de la escena nacional en el Nuevo Teatro Libanés:

1. El argumento. Desde tiempos inmemoriales, hemos conocido todo tipo de historias entre hermanos, podemos empezar con Caín y Abel, Rómulo y Remo, en fin, el tema aunque parece gastado no lo es. Prueba de ello, es este montaje, donde podemos disfrutar de dos grandes actrices que interpretan a dos hermanas diametralmente opuestas, tal como puede ocurrir en miles de hogares, en los cuales las relaciones entre hermanos no son tan cercanas como pensaríamos.

2. El elenco. Susana Zabaleta nos muestra a una mujer exitosa, un poco neurótica, cuyas obsesiones la han llevado a aislarse del mundo, tal vez, a causa de la madre; mientras que Gabriela de la Garza, presenta a una mujer que hizo su vida, pero que al mismo tiempo, tuvo que hacerse cargo de su madre hasta su fallecimiento, hasta que cayó en desgracia, viuda y sin hogar, se ve en la necesidad de recurrir a su hermana, a pesar de sus diferentes personalidades. Ambas actrices dejan todo en escena, y logran contagiar al espectador con esta montaña rusa de emociones, y nos enseñan cómo estas hermanas logran volver a conectar, generando aquellos vínculos que parecían perdidos, pero que terminan modificando la convivencia de ambas.

3. Humor negro. Si eres de los que disfrutan este tipo de géneros, esta obra es sin duda una gran opción. Podrás ver tremendas peleas, donde incluso un tenedor se puede convertir en un arma mortal, así como batallas campales por el pan tostado, o por el lugar que ocupa una planta, situaciones hilarantes que se llevan a cabo entre gritos y palabras altisonantes, tal como ocurre en una pelea real de hermanos.

Si bien la obra se presenta de manera alternada, no te puedes perder a este par de actrices que se reúnen por primera vez en escena, con el fin de hacernos pasar un rato de entretenimiento y olvidarnos de nuestra cotidianidad, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Considerada una pieza teatral fundamental en la trayectoria del dramaturgo y poeta alemán Bertolt Brecht, Madre Coraje y sus hijos, ha recorrido diversos escenarios alrededor del mundo debido a la contundencia de su premisa, la cual expone la problemática social que se instala y normaliza durante cualquier conflicto armado, originando un sin fin de violaciones a los derechos individuales, dejando al descubierto la decadencia e indolencia de la condición humana, a través del horror y la tragedia.

En esta ocasión, esta obra clásica regresa a la Ciudad de México, bajo la dirección del reconocido Luis de Tavira, en una adaptación presentada por la compañía Telón de Arena oriunda de Ciudad Juárez, donde se proyecta un doloroso paisaje emocional utilizando como referente diversas catástrofes que se originan durante los enfrentamientos bélicos.

Por ser una obra coyuntural en la dramaturgia moderna, a continuación te damos 5 datos curiosos sobre este montaje:

1. Creación del texto. Tras haber huido de la Alemania nazi en 1933, Bertolt Brecht escribió la obra en un lapso de cinco semanas durante su vida en exilio en la isla de Lindingo en Suecia en el año de 1939, previo a su escape a Finlandia y Estados Unidos. Poco después, el montaje se estrenó en Zúrich durante 1941, 7 años más tarde, Brecht fue quien la produjo y dirigió en 1949 con música de Paul Dessau para el Berliner Ensemble.

2. Contexto. El personaje central de esta historia, Madre Coraje, es extraído de una novela titulada La Pícara Coraje de Grimmelshausen, considerada una novela picaresca de corte feminista, misma que ofrece un retrato satírico, compasivo y sentimental de las condiciones sociales, económicas y morales generadas por los conflictos bélicos.

3. Argumento. El drama de Brecht se sitúa durante la Guerra de los Treinta Años (librada en Europa Central entre los años 1618 y 1648), donde Anna Fierling (Madre Coraje) es una astuta vendedora ambulante que para sobrevivir sigue el camino del ejército sueco en su carromato, sacando provecho de la guerra y del dolor humano. Sin embargo, al servirse de este conflicto armado, paga con la vida de sus tres hijos, quienes mueren acribillados.

4. La postura del autor ante la invasión de la Alemania nazi a Polonia. La opinión del dramaturgo en su obra, se caracteriza por ser un contundente reclamo antibélico, donde Madre Coraje conceptualiza el costo de la guerra. Esta pieza constituye una de las nueve obras teatrales con las que Brecht incitaba a contrarrestar la ascensión del fascismo en una directa alusión a la invasión de Polonia por Hitler en 1939.

5. La esposa de Bertolt como Madre Coraje. Helene Weigel, contrajo matrimonio con el escritor alemán en 1929, con quien procreó dos hijos. Después de haber permanecido fuera de Alemania durante 15 años, regresaron en 1948 para fundar la compañía de teatro Berliner Ensemble en Berlín del Este, durante ese periodo, la destacada actriz y directora comenzó a interpretar el protagónico de Madre Coraje y sus hijos, personaje con el que ganó el Premio del Festival de las Naciones en París en 1954 en el Teatro Sarah Bernhardt, presentándose también en Londres y Berlín.

El montaje ofrece temporada hasta el 24 de abril, con funciones de jueves a domingo en el Teatro Helénico, ubicado en Revolución 1500, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Manuel Balbi es uno de los actores más destacados hoy en día, muestra de ello, es su paso por diversas propuestas televisivas y producciones cinematográficas, después de su participación en la obra Conejo blanco, Conejo rojo, se suma al elenco de la obra Torch Song.

En esta ocasión, Balbi interpretará el papel de un profesor universitario, quien es pareja sentimental de Arnold, personaje interpretado por Rogelio Suárez en el melodrama de Harvey Fierstein, bajo la dirección de Alejandro Villalobos.

Sobre su debut en esta producción, el actor comparte: “Me siento muy emocionado de haber recibido la invitación de Alejandro Villalobos porque no siempre sucede algo así, menos con una obra que cuando yo vi en el estreno, me gustó mucho, porque me parece un texto muy poderoso con un discurso bien bonito y necesario y eso me voló la cabeza”.

Y agrega: “Esta es la oportunidad de subirme por primera vez a un escenario con Rogelio Suárez, que lo conozco y estimo desde hace mucho tiempo, y con Anahí Allué, que me parece una actriz extraordinaria, es una mujer a quien admiro desde hace muchos años también”.

El actor confiesa estar nervioso debido al constante duelo de actuaciones que el montaje ofrece, pero asegura que son más sus ganas de encarnar este personaje (interpretado por Mariano Aguirre), que su ansiedad desaparece, ya que el teatro es otra de sus grandes pasiones.

“Es muy importante llevar estos planteamientos a escena, llevamos mucho tiempo hablando de esto. Creo que hoy es cuando más se ha visibilizado el tema de la diversidad sexual, la inclusión y el respeto, pero también se ha vuelto más necesario porque a pesar de la apertura sigue existiendo una problemática al interior de las familias que es el lugar donde nos forjamos”, argumenta.

Y añade: “Si nuestro núcleo no nos comprende y no quiere a la gente como es, a sus hijos como son, en este caso, no se genera un diálogo, una dinámica bonita, donde lo más seguro es que en el futuro no exista ninguna relación entre padres e hijos”.

Manuel invita al diálogo, pero a partir de las diferencias, y señala que en el hogar no deben ser todos iguales ni regirse bajo la misma ideología. Además insiste en que el amor propicia el respeto, temática planteada en Torch Song, donde además se invita a una exploración personal para comenzar a relacionarse con los demás partiendo del amor propio.

“Me gusta mucho lo que ocurre en escena, la discusión que se plantea con esta mama tan atávica y su hijo homosexual, es una discusión donde hay que parar bien la oreja porque tanto hijos como padres, debemos entendernos mutuamente. Como padre no tienes la razón y como hijo tampoco debes juzgar tanto, hay que entender los porqués y esta propuesta invita a eso, al diálogo familiar”, señala.

Sobre el tono en que la obra aborda esta temática, Balbi agrega: “Esta obra está escrita en melodrama con tintes de comedia, a la gente le llega mejor el mensaje cuando lo toma con diversión, el hecho de generarte una risa o una carcajada, muchas veces viene del espejearte o del identificar la situación, tal vez en otras personas, en familiares, en vecinos o amigos, pero después de la risa es cuando se presenta la reflexión”.

“Me gusta que la gente se lleve algo que pueda discutir en casa o que simplemente se encuentren representados en escena en algunos momentos, eso es muy gratificante”, puntualiza.

El actor también argumenta que la vida en soledad es una característica que es asociada la población homosexual, sobre todo en la de cada de los años 70 y 80, donde la apertura era casi inexistente, sobre todo en sociedades poco desarrolladas como es el caso de la mexicana.

“La obra señala la soledad de la comunidad, en los 70 y 80, hoy en día sales a la calle sabiendo quien eres o construyendo tu identidad con más libertad porque ya hay una facilidad para poder ser tú. Sin embargo, durante esa época la vida era muy dura si lo que buscabas era ser libre, las personas se debían ocultar hasta de sus propios seres queridos, eso generaba un sin fin de soledad y provocaba en mucha gente, sumirse en periodos prolongados de depresión y la toma de decisiones equivocadas que ponían en riesgo sus vidas”, reflexiona.

“Hay que seguir haciendo teatro de este tipo con temáticas tan padres que inviten a la toma de consciencia, y yo feliz de formar parte de una historia que hace eso, porque voy desde mi propia verdad a contar esta historia”, concluye.

Manuel Balbi comenzará a alternar el personaje con Mariano Aguirre a partir del martes 19 de abril en Torch Song, que se presenta los martes en el Teatro Milán, ubicado en la calle de Lucerna #64, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Manojo de Ideas

La noche de este domingo, el exitoso musical José El Soñador develó su placa conmemorativa por sus 50 representaciones en el Centro Cultural Teatro 1.

La madrina del evento fue la actriz y cantante, Danna Paola, durante el cierre de las funciones especiales por Semana Santa, Carlos Rivera entregó la capa multicolor a Kalimba, quien será el nuevo protagonista de la obra durante mayo.

Asimismo, se presentó a Leonardo de Lozanne y Erick Rubín como parte de elenco, ellos se integran al montaje alternando el papel de “El Farón”, mientras que Fela Domínguez, seguirá deleitando al público como “La Narradora” de esta majestuosa historia bíblica

Cuenta la historia de José, el hijo más joven y predilecto de su padre, Jacob. A quien un día, su padre le regala una túnica multicolor, despertando los celos de sus once hermanos, por lo que cegados por la envidia lo venden como esclavo a uno israelitas, fingiendo su muerte. Sin embargo, la vida dará un giro de 360 para José, quien se convierte en un asesor cercano del Faraón, el hombre más poderoso de Egipto.

La nueva temporada de José El Soñador arrancará el próximo 20 de mayo en el recinto ubicado en Av. Cuauhtémoc 19 altos esq. Puebla, Col. Roma, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía PinPoint

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• 5 razones para ver JOSÉ, EL SOÑADOR

La compañía independiente Parvada Teatro estrenó la noche de ayer la temporada del montaje Incendios, escrita por Wajdi Mouawad en 2003, en esta ocasión es presentada bajo la dirección de José Sampedro, quien desarrolla un argumento atemporal en escena, donde el tema principal es el amor incondicional de una madre que sin importar lo que pase, siempre cumplirá su promesa.

Esta historia se desarrolla en medio de la guerra civil de Líbano, la cual tuvo duración desde 1975 a 1990; donde existía una problemática de exilio y desplazamiento. Como protagonista tenemos a Nawal Marwan, una mujer que después de pasar cinco años en silencio, muere y deja unas incomprensibles peticiones a sus hijos, quienes descubrirán sus orígenes.

Por ser una historia que te sorprenderá, a continuación te damos 3 razones para ver esta propuesta:

1. El argumento. En la obra se plantea una relación familiar fragmentada por el silencio de una madre, cuyo pasado cambia la percepción que sus hijos tienen hacía ella, a raíz de su herencia, la cual consta de únicamente dos sobres cerrados. Es interesante observar cómo la historia aborda el complejo de Edipo y Antígona, y al mismo tiempo refleja los estragos que deja a su paso un conflicto armado, contexto por demás hostil para las mujeres desde siempre, además de mostrar el horror que la naturaleza humana adquiere en la desolación de la guerra.

2. Las interpretaciones. Ana Guzmán, Rodolfo Zarco, Sharon Ayon, Enrique Arce, Lucía Madariaga, Saúl Villa, César Antulio y Carla Heftye, dan vida a los personajes de Wajdi Mouawad, quienes ofrecen actuaciones con la intensidad y dramatismos que el texto requiere, transitando por el dolor, la incertidumbre, la cólera y la amargura.

3. El alcance de la obra. Cabe señalar que el trabajo del también actor y director de teatro canadiense de origen libanés, Wajdi Mouawad, fue llevado al cine en el año 2010, bajo el mismo título, contó con un elenco integrado por Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin, Maxim Gaudette y Rémy Girard. La película obtuvo diversos reconocimientos internacionales, entre los que destacan el premio Óscar en la categoría de mejor película extranjera y un premio BAFTA en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

En nuestro país llegó en 2009, a cargo de la compañía Tapioca Inn, bajo la dirección de Hugo Arrevillaga y traducida por Humerto Pérez Mortera, y fue un parteaguas en la escena nacional, debido a la potencia de su planteamiento. La propuesta contó con un elenco integrado por Karina Gidi, Pedro Mira, Rebeca Trejo, Jorge León, Alejandra Chacón, Concepción Márquez, Guillermo Villegas y Javier Oliván. 

Ahora ya lo sabes, no te pierdas de este montaje que se presenta los martes hasta el 14 de junio en El Círculo Teatral, ubicado en Avenida Veracruz 107, Colonia Condesa, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro 

Ghost. La sombra del amor, producción de MejorTeatro y Morris Gilbert llega a su fin con un maratón de funciones que comenzó este jueves 21 y culminará el próximo lunes 25 de abril en el Teatro San Rafael.

Esta romántica puesta en escena, basada en la película de los 90’s, nos lleva por un vaivén de emociones, al contarnos la historia de Molly y Sam, una pareja idílica, que parece tenerlo todo, hasta que por un infortunio él es asesinado. Sin embargo, Sam queda atrapado en el mundo de los vivos, por lo que busca la forma de comunicarse y seguir protegiendo a Molly, hasta que se topa con Oda Mae, una adivina que lo ayudará a reencontrarse con ella.

Desde su estreno, el musical ha logrado conmover a las audiencias, sin importar la edad, gracias a las buenas actuaciones, impresionantes cambios de escenografía, sus efectos especiales, y sobre todo, por transmitir un potente mensaje sobre la trascendencia del amor, más allá de la muerte.

Cuenta con las actuaciones de Paulina Goto*, Felipe Flores*, Christian Escuredo*, Carlos Fonseca*, Lorena D’ la Garza, Dai Liparoti*, Sofía Tovar*, Alex Brizuela*, Santiago Ulloa, Diego Llamazares, Arturo Echeverría, María Filippini, Ana Cecilia Anzaldúa, Alejandra Desimone, Marisol Meneses, Melina D’Angello, Natalia Saltiel, Marcelo Carraro,Ángel García, Carlos Pérez Banega y Jorge Mejía., quienes se despiden este fin de semana de los escenarios.

No esperes más y compra ya tus entradas, con los mejores descuentos, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Mejor Teatro

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• 3 Razones para ver GHOST. LA SOMBRA DEL AMOR

¿Alguna vez te has preguntado de donde proviene nuestra idea del amor?, ¿quién nos enseñó que debe de doler tanto?, ¿y quién más nos dijo que únicamente puede darse entre dos personas? Estos son algunos de los cuestionamientos que plantea Calle Amor, propuesta desarrollada por Laura Uribe que se presenta en el Teatro del Bosque Julio Castillo del CCB.

En ella, el público será testigo de un dispositivo escénico performático e interdisciplinario, donde se hace uso del teatro físico, la danza, elementos multimedia y la voz, entre otros recursos más que que el montaje integra, señala su creadora.

Laura Uribe nos cuenta a detalle sobre su nueva puesta que busca responder a la eterna pregunta, qué es el amor, cómo surgió el proyecto, así como la importancia de cuestionarnos sobre la romantización con la que crecimos respecto a nuestra construcción sobre el amor.

“Es una obra híbrida con tintes de teatro documental, musical, autobiográfico y ficcional. Es fuerte, confrontativa y también explícita, se trata de una visión que es como para dinamitar a Disney y para tratar de entender cómo librarnos del masoquismo del amor romántico, producto de ficciones que hemos consumido a lo largo de toda nuestra vida, mismas que nos han jodido en la vida real”, señala Laura.

Y agrega: “Este proyecto nace a raíz de una inquietud de una generación de actores jóvenes que en 2019 estudiaba en la Escuela Nacional de Arte Teatral, impulsados por su maestro David Castillo, profesor de la materia de gestión y producción, quienes armaron el concepto y fueron acreedores al apoyo que brinda EFIARTES”.

De acuerdo con la directora un total de 25 personas entre actores y creativos han acompañado este proceso desde distintas áreas, donde cada actor integrante del laboratorio actoral, reflexionaba y aportaba desde sus vivencias y experiencias personales para crear finalmente la dramaturgia de Calle Amor.

“Somos un equipo bastante grande que apoya el trabajo que estos jóvenes presentan por primera vez y de manera profesional en uno de los teatros más importantes de México”, declara.

Y añade: “El concepto surge también a raíz del análisis de todas estas pedagogías teatrales que se abordan en la propia academia y usan referentes de la literatura clásica que como estudiante de teatro debes conocer, porque son considerados pilares de la construcción de la literatura universal, mismos que en el contexto de transformación que vivimos actualmente, considero tenemos que revisar y cuestionar como ya no lo vamos a seguir contando igual”.

Para la también dramaturga, en escena los actores se confrontan consigo mismos y con siglos de un profundo romanticismo idílico mismo que se ha gestado en el imaginario social como un falso constructo de lo que significa el amor.

“Lo que nos hemos encontrado en esta búsqueda, es que todos y todas estamos inmersos en esta licuadora de referencias, de educación y pedagogías que venimos arrastrando desde Walt Disney, desde las telenovelas de Televisa y las películas que nos da Hollywood”, puntualiza.

“Hay una urgente necesidad de revisar las narrativas de las historias que han cosificado a la mujer durante años, dentro de una cultura patriarcal dominante que normaliza conductas de violencia hacia toda la humanidad, que hoy después de una pandemia y en medio de una guerra, ya no podemos seguir replicando”, concluye.

Calle amor se presenta de jueves a domingo en el Teatro del Bosque Julio Castillo, ubicado en Av. Paseo de la Reforma s/n, para conocer precios y horarios , aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Héctor Ortega

Todos conocemos la clásica leyenda de Hércules, una historia que sorprende por su mitología y personajes fantásticos, la cual ha inspirado un gran número de adaptaciones cinematográficas y teatrales, en esta ocasión es llevada a escena bajo el titulo de Hércules, un héroe de leyenda por el productor y director Miguel Alonso al Teatro de la República.

Sobre el montaje, el director comenta: “Se trata de una reposición, se estrenó en el 2018 en el desaparecido Teatro Venustiano Carranza. Hércules siempre fue una historia que me gustó desde pequeño, la versión Disney, y cuando vas creciendo y te vas empapando de la mitología ves cuál es el origen real de todas estas historias que, después las grandes productoras nos mostraron”.

“En la obra usamos música original de Gerardo Villegas con experiencia en música de teatro infantil, elemento que se integra perfectamente a la trama. Hicimos varias temporadas y visitamos varios estados de la República. En esta ocasión, la volvemos a contar con la intención de que los niños regresen a las salas de teatro a través de una oferta infantil entrañable”, expresa.

Y agrega: “Este montaje está pensado para toda la familia, para que tanto como los chicos y los grandes la pasen bien, no manejamos doble sentido pero sí un humor que se entiende a distintos niveles, jugamos con planteamientos que se deben ir actualizando, comentarios con referencias a acontecimientos actuales, que con un personaje antagónico tan importante como es Ares, podemos jugar más con los papás, con los abuelos..”.

Después de su primera temporada, Alonso asegura en esta ocasión se presenta una versión remasterizada, donde se juega con los elementos que integran la escenografía, debido a que no es representada sobre un escenario único, habrá diversos cambios de escenografía con la intención de recrear atmósferas por medio de iluminación adicional a la del teatro.

“El público va a poder entrar al Olimpo, a la calle de Hades y a Tebas, a través de atmósferas con estos cambios de escenografía”, menciona.

Y añade: “Queremos que la gente la disfrute durante un mes. Nuestra intención es quitar el miedo al público de regresar a los teatros, sobre todo vamos dirigidos a un público infantil, queremos regresar al plan familiar de teatro”.

Sobre los montajes que integran la cartelera actual de las obras infantiles, Miguel afirma: “Existen propuestas bastante interesantes, pensando en un teatro infantil de calidad, porque a veces decir teatro infantil es sinónimo de trabajo exprés y creo que ahora la calidad viene por una exigencia de un público cada vez más crítico”.

Finalmente, el también actor comparte que su primera inquietud en el mundo del teatro, surgió a raíz de una puesta en escena que vio en un teatro con barandales dorados y alfombras rojas. Se trataba de El Cascanueces, donde salía una niña que volaba y unos cascanueces gigantes, elementos que marcaron al intérprete de una forma inmediata.

“Pasado el tiempo mientras cursaba la carrera de actuación, uno de mis maestros me dijo que la historia que había visto fue interpretada por Lola Cortés en el Teatro Silvia Pinal. Yo creo que lo que me impactó fue la elegancia del lugar y ver a Lola volar sobre el escenario, cuando vi eso, supe que quería dedicarme al mundo del teatro”, concluye.

Hércules, un héroe de leyenda el musical se presentará sábados y domingos en el recinto ubicado en Antonio Caso 48, Col. Tabacalera, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Producción

Uno de los géneros más buscados por nuestros seguidores es el drama, y no es para menos, ya que es uno de los más importantes y más antiguos, que nos muestra las diversas formas de tragedia, pero sin dejar de lado el toque humano.

Prueba de ello son las grandes plumas que han escrito al respecto, comenzando con autores clásicos como Sófocles, Esquilo y Eurípides, pasando por Shakespeare, Lope de Vega, Molière, Lorca, Chéjov, por mencionar algunos. Sus obras abordan temas universales como la deshumanización, la guerra y la violencia, así como las pasiones y la locura.

Aquí te damos algunas recomendaciones que estamos seguros, te conmoverán, te harán reflexionar e incluso gritar a todo pulmón desde tu butaca, y que puedes disfrutar actualmente en cartelera.

1. Torch Song. Este drama musical gira en torno a la vida de Arnold, un hombre gay y drag que intenta vivir y ser feliz, sin embargo, debe luchar contra la opiniones de la sociedad e incluso de su propia madre. Se trata de una obra que nos invita a reflexionar sobre las relaciones humanas y familiares. Ofrece funciones los martes en el Foro Lucerna.

2. Prueba perfecta. Considerada una obra maestra del teatro contemporáneo escrita hace más de 20 años, su temática sigue resonando en nuestros días, gracias al retrato fiel que su autor imprime sobre diversos temas universales como la complejidad de las relaciones humanas, fraternas y filiales. Con funciones de viernes a domingo en el Foro Shakespeare.

3. Hamlet. Una historia por demás conocida, vuelve a escena representada en un contexto más actual y con una protagonista mujer más humana, que cuestiona su realidad al vivir en un mundo masculinizado, por supuesto, no puede faltar el ambiente plagado de venganza, traición y locura. La obra se presenta de viernes a domingo en el Teatro Milán.

4. Network. Esta propuesta hace una crítica aguda a la relación que existe entre los medios de comunicación y quienes los financian, pasando por las grandes corporaciones monopólicas y nos plantea lo frágiles que podemos ser frente al sistema. Con un elenco de primera, el montaje convierte al Teatro de los Insurgentes en un impresionante estudio de televisión, con funciones de viernes a domingos.

5. Incendios. Una obra que ha crecido como un clásico de nuestro tiempo, al mostrar diversas y profundas emociones del ser humano como el amor, la rabia, la sabiduría y el perdón al interior de una familia inmersa en un ambiente sacudido por la guerra. Situación que vivió en carne propia su autor, considerado uno de los herederos de la tragedia de Sófocles y de Shakespeare. Estamos ante un argumento brutal y desgarrador sobre la condición humana. Se presenta los martes en El Círculo Teatral.

Consulta otras opciones, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

7 Años, película escrita por Julia Fontana y José Cabeza, presentada en la plataforma de Netflix con la dirección de Roger Gual, será representada en escena a partir del 26 de abril, bajo la dramaturgia de Juan Cabeza y dirección de Reynolds Robledo los martes y miércoles en el Foro Lucerna.

En la trama cuatro amigos fundadores de una exitosa empresa de aplicaciones tecnológicas son descubiertos desviando fondos a un paraíso fiscal. Por lo que un mediador tratará de ayudarles a decidir quién deberá asumir la culpa, para que solo uno de ellos pague por el delito. Sin embargo, el tiempo que deberá cumplir serán 7 años.

A unos días de que el montaje se estrene, Jeannine Derbez, José Ramón Berganza y Pablo Perroni nos hablan sobre sus personajes y sobre qué encontrará el espectador en esta reciente adaptación.

El actor José Ramón Berganza, declara: “Yo interpreto a Carlos en esta puesta, él es uno de 4 amigos que comparten la creación de la empresa a la que le va muy bien, debido a que han estado desviando impuestos y lo que la trama propone es esta situación para decidir quién será el que se termine echando la culpa para salvar a los demás y a la empresa, quién de ellos cuatro se va a ir 7 años a la cárcel”.

Y agrega: “Particularmente, siento que Carlos es el más franco de los cuatro, es un poco provocador, no tiene mucho tacto, dice las cosas como son y eso a veces puede generar conflictos entre ellos pero a pesar de esta rudeza”.

Por su parte, Jeannine Derbez menciona: “Yo hago a Verónica, una mujer muy racional, que tiene las cosas muy claras y sabe perfectamente hacia dónde va y qué es lo que quiere. Esta mujer hace los números de la empresa y es la que une a todo el equipo que la conforma. Su especialidad es generar más dinero, es un personaje muy rico porque tiene una relación muy distinta con cada uno de los demás personajes, con uno es más amiga, con otro es más protectora y eso se ve a lo largo de la obra”.

Mientras que, Pablo Perroni interpreta a Marcel, el director general de la empresa, él es quien va marcando el camino, ordena y decide si las soluciones se toman entre los cuatro socios, y de alguna manera, es el que está más seguro de que no va a pisar la cárcel porque tiene más que perder, ya que él es el único que ha construido una familia.

“Es una obra muy emocionante, nosotros nos la estamos pasando increíble ensayándola. Es un texto en donde lo que no se dice es igual de importante que lo que sí se dice. Aborda las relaciones donde existe el afecto y ese tipo de historias es las que más disfruto hacer porque hay una interacción constante en escena cargada de tantas emociones”, señala el intérprete.

Y añade: “Cuando hay dinero de por medio, qué harías tú para no ir a la cárcel o por qué sí irías, me gustan mucho estos cuestionamientos que pone sobre la mesa el montaje, porque no sueles pensar a menudo en esas posibilidades, pero saliendo de la sala el público, sin duda, lo hará. Además es un tema muy actual con actores maravillosos, a todos los admiro y con algunos no había tenido la oportunidad de trabajar a pesar de conocernos desde hace mucho tiempo”.

De acuerdo con Jeannine, todos los seres humanos estamos dispuestos a hacer cualquier cosa si nos ponen en una situación límite, aunque hoy digamos que no, hecho que la maravilla del planteamiento del autor.

“La gente debería venir a ver 7 años porque es una propuesta super entretenida, creo que es una historia que va a tener a la gente muy metida tratando de ponerse en el lado de uno o de otro, y esto varía porque conforme avanza la trama puedes terminar estando de acuerdo con alguien más. Va a ser muy divertido que el público saque sus conclusiones y decida quién debe pagar con su libertad”, expresa la actriz.

Finalmente, José Ramón considera importante ver esta obra porque retrata las relaciones humanas a través de personajes muy complejos con personalidades muy poderosas.

“Deben venir también porque somos dos elencos bien padres y cada uno hace un trabajo excepcional, así que yo invito al público a verla dos veces y llevarse dos historias que parten de un mismo texto con energías muy distintas”, concluye.

El elenco está integrado además, por los actores Alejandro Morales, Antonio Gaona, Cristian Magaloni, Pedro De Tavira y Rocío Verdejo. Cabe mencionar que Alejandro Morales y Perroni, serán los únicos en actuar en todas las funciones sin alternar sus personajes.

La propuesta se presentará martes y miércoles, a partir del 26 de abril en el recinto ubicado en Lucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía producción

Sobre el amplio escenario del Teatro de los Insurgentes dos hombres están frente a frente en una mesita de bar. Conversan sobre las bondades de los viejos tiempos de los medios de comunicación y lamentan las condiciones actuales. Se hablan con camaradería, se conocen bien el uno al otro: son Howard Beale, el conductor del noticiero nocturno de la cadena UBS y Max Schumacher, su productor. No hay duda para el espectador que son amigos, que a pesar de la desazón que parecen enfrentar, se respetan y quieren.

Y, en ese momento, no hay nada más cierto dentro y fuera de la ficción: los dos hombres que los interpretan, que en el momento en que están solos sobre el escenario del Teatro Insurgentes lo llenan con su sola presencia, son compañeros y amigos desde hace varias décadas: son Daniel Giménez Cacho y Arturo Ríos, que aunque se conocen y han compartido proyectos desde hace años, es la primera vez que son actores en la misma obra, en el montaje mexicano de la celebrada Network de Lee Hall.

Para Daniel, se trata de un regreso al Teatro Insurgentes, en donde en estelarizó Juegos siniestros de Peter Schaeffer junto a José María Yázpik. Entonces ya lo precedía una fama bien ganada de celebridad internacional, lo cual con el paso de los años se constata y fortalece gracias a sus apariciones en filmes como Zama y series como Un extraño enemigo. Por ello, los productores Tina Galindo y Claudio Carrera no han escatimado palabras para expresar lo importante que es para ellos que sea él quien asuma el personaje que en Londres y Nueva York interpretó Bryan Cranston.

Una de las mayores sorpresas en el reparto, conformado en su totalidad por actrices y actores anclados diariamente al escenario teatral, es la presencia de Arturo Ríos completando la tríada protagónica junto a la muy conocida -y estupenda actriz- Zuria Vega. Durante casi cincuenta años, Ríos ha sido una de las figuras fundamentales de la escena mexicana, gracias a la profundidad que ha impreso a personajes como Tío Vania, Macbeth, el Rey Claudio o el Duque Orsino. Shakespeare, Chéjov, Beckett y Pinter son autores que el actor ha interpretado en escenarios dedicados al teatro de propuesta, de vanguardia y experimentación.

En esta ocasión, ambos se reúnen por primera vez, como actores, en un escenario y, aunque están en un formato grande, en una producción abiertamente comercial, están muy conscientes de que la obra que estelarizan aborda temas tan oscuros y complejos como aquellas que han marcado su trayectoria.

Para Daniel, regresar al teatro con un proyecto así es un regalo: “Es un texto insólito, muy provocador, muy agudo, muy vertiginoso. Al ser originalmente una película, mantiene el espíritu cinematográfico y es muy rápida. En el proceso encontré muchas cosas que me hicieron muy feliz como actor y hay frases que es un placer poder gritarle en escena a la gente.”

Arturo coincide: “La dimensión del texto exige ese gran formato: todo sucede de una manera muy estridente, es el mundo de la comunicación ahora. La obra sucede en los setenta pero es totalmente actual: se augura esta explosión histérica, rabiosa de los medios de comunicación que ahora está en pleno apogeo, esta estridencia en la que se involucra de manera directa al espectador va muy bien con este despliegue hacia lo espectacular.”

Los dos celebran el tener la oportunidad de, a través del teatro, hablar de un tema que domina la actualidad: “Se habla de la ética del periodista, del control de la información, un tema que sigue siendo muy provocador: ¿la televisión sigue controlando… o tal vez ahora lo hacen las redes sociales? ¿somos sujetos libres o nuestras opiniones están condicionadas por lo que nos dicen las redes o por los likes que queremos tener? Son las discusiones que desata la obra“, reflexiona Daniel, quien además de ser reconocido como figura del espectáculo, es un notable activista y su opinión sobre temas políticos y sociales es muy solicitada por esos medios de comunicación.

Si bien siempre ha participado en películas independientes y su prestigio lo han aprovechado varias telenovelas, es muy reciente la incursión de Arturo en la T.V. de formato internacional, esto sucedió gracias a la serie La casa de las flores de Manolo Caro, en la que interpreta a Ernesto de la Mora, el patriarca de la famosa familia. Parte del espectáculo que ofrecía la serie en su arranque era ver a Ríos entregado a la comedia ligera y haciendo pareja con la estrella internacional Verónica Castro.

Sobre unir los universos del teatro y la televisión en esta obra, apunta: “Uno como actor siempre quiere hablar de cosas importantes y el poder expresar la experiencia de estar trabajando en los distintos medios es una oportunidad de lujo, porque es la posibilidad de ir a terapia y gritar; el teatro da la oportunidad de expresar emociones y sentimientos frente a un público y da la posibilidad de contagiarlo de esa necesidad.”

Además de actuar en montajes míticos de nuestro teatro como Viaje de un largo día hacia la noche dirigido por Ludwik Margules, Roberto Zucco bajo la dirección de Catherine Marnás y el Hamlet en versión de Juan José Gurrola, Giménez Cacho también ha dirigido celebradas puestas en escena como El homosexual o la dificultad de expresarse de Copi, Persona de Ingmar Bergman y El dragón dorado de Roland Schimmelpfenning. En esta última, dirigió al propio Arturo Ríos.

Ambos coinciden en que uno de los puntos fuertes de su experiencia en este proyecto es precisamente alternar con actores con quienes han trabajado desde el inicio de sus carreras, como Alberto Lomnitz, Diego Jáuregui y Luis Miguel Lombana.

Al respecto, Ríos bromea: “¡Somos El Club de la Tercera Edad! Nos conocemos desde chavitos y ahora decimos que nos traen de la Casa del Actor y luego nos regresan.” Más serio, aplaude el trabajo del otro club: “El setenta por ciento del reparto está conformado por jóvenes, que son actores de hueso colorado que están aquí al cien por ciento“. En efecto, estos primeros actores encuentran una réplica justa en Mahalat Sánchez, Francisco Rubio, Julián Segura, Paola Arrioja, Jerónimo Best, Jacobo Betech, Roberto Cavazos, Dan Cervantes, Samantha Coronel, Michel de León, Jatzke Fainsod, Eli Nassau y Viridiana Olvera, actores -y varios de ellos también directores o productores- que no es difícil encontrar en los diversos teatros privados, subvencionados e independientes de la ciudad de México.

Asimismo, Giménez Cacho acepta que es un reto el estar en escena con tanta gente y dependiendo de un gran equipo de producción en contraste con sus anteriores experiencias teatrales en las que él, al lado de la excelente actriz y docente Laura Almela, ha hecho todo o casi todo: adaptar, escribir, producir, codirigir, autodirigir, recibir al público, actuar y controlar luces y utilería. Así han surgido montajes memorables como Trabajando un día particular, La tragedia de Macbeth, Él y Quién teme a Virginia Woolf, siempre en el escenario del Teatro El Milagro, el recinto teatral que Daniel dirige junto a David Olguín y Gabriel Pascal.

Y también junto a Laura Almela y David Olguín, Arturo Ríos ha tenido varios éxitos teatrales. De hecho, él fue uno de los primeros actores en ser merecedor de un homenaje dentro del ciclo que El Milagro ha dedicado para reconocer a las personalidades fundamentales de nuestro teatro.

Aunque reconoce que de niño era admirador de las grandes obras del Teatro Insurgentes y ya durante los primeros años de su carrera decidió enfocarse en otros escenarios, “la vida y las expectativas cambian: uno se va transformando y como actor es un deseo el ocupar todos los espacios teatrales que existen. A mi me pasa que digo en este teatro ya trabajé, en este no he trabajado. Y uno de los que me faltaba era el Insurgentes. Por aquí han pasado muchas generaciones, yo le he dedicado cincuenta años de mi vida al teatro, hasta cierto punto era una consecuencia lógica que en algún momento dado yo cayera en este teatro“.

Y eso, el que ambos actores se adueñen de un escenario legendario y con una tradición de fastuosos musicales o comedias ligeras, es de celebrarse y consignarlo en la tele, en las redes sociales, en todos lados.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía Manojo de Ideas

Por primera vez, sube a escena en nuestro país Tebas Land, propuesta escrita por el reconocido dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco, bajo la dirección de Mauricio García Lozano y la producción de María Inés Olmedo.

Este texto dramático ganador del premio a Mejor Producción en los premios Award Off West End 2017, presea otorgada a lo mejor del teatro británico, será interpretado por Mauricio García Lozano y Manuel Cruz Vivas, a partir del 13 de mayo en el Foro Shakespeare.

Tebas Land reinterpreta el clásico mito de Edipo para debatir sobre diversos temas contemporáneos que atañen a México como la violencia doméstica e intrafamiliar, la justicia, y la reinserción social, a través de la historia de un escritor y un joven recluso que cometió parricidio.

En escena, estos seres, aparentemente desconocidos y completamente diferentes, sostienen una diversas y profundas conversaciones sobre la sociedad, el sistema penitenciario, la justicia y las celdas, llevado hasta cuestionamientos metafísicos y reflexivos.

El equipo creativo está conformado por el diseño de escenografía, iluminación y vestuario de Ingrid Sac, la dirección asociada de Miguel Santa Rita, y la producción ejecutiva de Lucia Romo, bajo la producción general de MIO Projects y Teatro del Farfullero.

El público asistente podrá disfrutar de un potente argumento que celebra el encuentro humano y nos ofrece un admirable sentido de esperanza.

La obra ofrecerá una corta temporada del 13 de mayo al 26 de junio en el recinto de la Condesa, consulta horarios y precios, aquí.

Fotos: Leve González

Al igual que los adultos, los pequeños en casa sufrieron las consecuencias del confinamiento. Si bien, las plataformas y dispositivos acompañaron a los infantes, no hay que olvidar que ellos dejaron de ver y jugar con sus amigos, ir a la escuela, salir a recreo o al parque, y demás actividades de vital importancia para el desarrollo de cualquier niño.

Con motivo del Día del Niño y la Niña, aquí te damos algunas razones por las que es importante que los pequeños vuelvan al teatro, y disfruten de un momento de entretenimiento dirigido especialmente para ellos.

Aquí te damos 5 razones para que acerques a tus hijos a las artes escénicas:

1. Herramienta educativa. Sí, aunque muchas veces no le damos la importancia debida, las artes escénicas son una gran herramienta educativa que ayuda a los pequeños a desarrollar su imaginación y creatividad, incluso sus capacidades motoras, pues ayudan a mejorar su visión, audición y comprensión.

2. Apoyo emocional. Temas como el maltrato, la violencia o el abuso, que por desgracia llegan a experimentar muchos niños, son expuestos con mucho tacto en diversas propuestas escénicas, con el fin de abrir una ventana al diálogo entre hijos y padres.

3. Infunde valores. Una de las características del teatro infantil es que, de manera lúdica, le muestra a los pequeños como ser empáticos, tolerantes y respetuosos con los demás, y al mismo tiempo aprende sobre las diversas realidades que conviven en nuestro entorno. Valores con el tiempo implementará en su vida diaria y que lo convertirán en un gran ser humano.

4. Experimenta las diversas expresiones artísticas. El teatro no sólo se apoya en el arte dramático, en escena conjugan diversas artes, como la música, el canto y el baile, cuestiones que invitan a los niños a desarrollar sus capacidades y disfrutar del arte en general.

5. Fomenta la cultura. Si llevas a tu pequeño desde temprana edad al teatro, será un adulto que crezca con más herramientas tanto emocionales como sociales, y de grande será un asiduo espectador.

Mantente al pendiente de los diversos contenidos que estaremos publicando durante la semana para conocer las diversas propuestas y actividades que los recintos capitalinos ofrecerán para festejar a los infantes en su día.

Consulta la cartelera infantil, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Shutterstock

En la Ciudad de México existen un sinfín de propuestas desarrolladas específicamente para cada edad, y a unos días celebrar el Día del Niño y la Niña, te invitamos a echar un vistazo a la Cartelera que ofrecen los distintos recintos de la capital.

Comedia, cabaret, musical son algunas de las opciones que te ofrece el teatro para disfrutar en compañía de toda la familia. Estas son algunas de las opciones que están en temporada:

El Show de la Vaca. Tras la pandemia, La Vaca Verde de La titería se convirtió en amiga y aliada de más de 30 mil niñas y niños no sólo de México, y ahora es posible disfrutar de un espectáculo presencial, en el que las familias pueden ver a esta icónico personaje en el que escenifica una selección de historias contadas por niñas y niños. Las funciones son los sábados y domingo en la Centro Cultural La Titería

La liebre y la tortuga. Este es el espectáculo está basado en la clásica fábula de Esopo, donde una liebre y una tortuga siempre discuten sobre quién es más rápida. Esta divertida adaptación incorpora canciones que serán del deleite de los pequeños. La obra se presenta los sábados en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde.

Cenicienta. La magia del amor. Con más de 20 actores en escena, este cuento de hadas especialmente dirigido a las niñas y niños, nos cuenta la historia de Ella, una joven que se vuelve la empleada doméstica de su madrastra y hermanastras, tras la muerte de su padre. Gracias a la ayuda de su Hada Madrina, la joven asiste a un baile del palacio real, donde conoce al apuesto príncipe. Este musical se presenta los sábados en el Teatro Tepeyac.

Ikuika Noyulo. El canto de mi corazón. Utilizando máscaras y títeres esta conmovedora propuesta honra la riqueza de la lengua náhuatl, a través de la historia de Juanita, una anciana nahua que nos cuenta sus experiencias sobre la familia, el amor y la pérdida de las tierras. Ofrece funciones los sábados y domingos en el Foro La Gruta.

Rockpunzel. Se trata de una adaptación que sustituye el cuento de hadas por una versión fresca y juvenil llena de estoperoles, chamarras de cuero, y sobre todo, inmerso en melodías pop rock que incitan a bailar al público asistente, que narra la historia de una princesa que descubrirá el poder del autoestima, y que los sueños si se cumplen cuando uno lucha por ellos. Se presenta los domingos en el Teatro Xola Julio Prieto.

Un cuento para las princesas. En esta ocasión algunos de los villanos más famosos, Maléfica y Gastón se unen en esta historia donde planean robarle sus virtudes a las princesas. Sin embargo, al último momento cansada de ser una bruja desiste de su malvado plan, pues ella también desea convertirse en una hermosa princesa de cuento. Con funciones los domingos en el Teatro Coyoacán Enrique Lizalde.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

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Después de dos años de obligada ausencia por la emergencia sanitaria los Premios del Público Cartelera, ¡están de vuelta!

Un jurado compuesto por amantes del teatro, como todos nuestros lectores, reconocerá cada bimestre a las obras que han llamado la atención de la audiencia. Estos montajes seleccionados en cada periodo cumplen, entre otras cosas, con las características de ser representativas del teatro que se realiza en la Ciudad de México y su gran calidad.

Cada dos meses anunciaremos las cuatro obras seleccionadas del bimestre: mayo, julio, septiembre, diciembre, enero y marzo.

En la etapa final de nuestros premios, dentro de un año, cada una de las obras seleccionadas en este proceso competirá por el premio para Mejor obra del Año. También, como siempre, reconoceremos a las y los mejores intérpretes, la mejor dirección de arte, la mejor dramaturgia y la mejor dirección.

Es un inmenso gusto para nosotros estar de vuelta, encontrarnos nuevamente con ustedes en los teatros y disfrutar juntos. Reconocer el inmenso trabajo y resiliencia de toda la comunidad teatral.

Pero sobre todo, recuperar el acto presencial y el acontecimiento convival entre los creadores escénicos y quienes viven las historias desde la butaca, sin el cual el teatro, simplemente, no es posible.

Es un hecho que desde muy temprana edad, algunas personas identifican claramente aquello que les apasiona, niños y niñas que cuentan con una sensibilidad extraordinaria para todo aquello que les mueve, debido a que la infancia es la etapa ideal para adquirir y desarrollar talentos y habilidades que en el futuro quizá podrían convertirse en profesiones.

Una vez más ha llegado el día para reconocer y celebrar a todas las infancias de nuestro país. Esta es una fecha ideal para fomentar actividades que incentiven a los menores a emprender aquella búsqueda de identidad, a través de actividades que les inviten a creer en sí mismos y soñar.

No es un secreto que la cultura favorece el desarrollo y nos vuelve mejores seres humanos en la vida adulta. Y en el mundo del teatro, existen grandes creadores que a su corta edad encontraron la inquietud de convertirse en varias personas y contar historias sobre los escenarios.

A continuación la productora Martha Torres de la compañía Animista Teatro, la directora y dramaturga Amaranta Leyva del Centro Cultural La Titería y el actor y productor, Mauricio Roldán Sandoval nos cuentan sobre sus experiencias con el teatro infantil.

La directora de Animista Teatro y de la puesta en escena La peor señora del mundo, Martha Torres recuerda que obras como Papacito piernas largas, Anita la huerfanita y Las leandras con Iran Eory, fueron sus primeras experiencias en el gremio, mismas que provocaron en ella una vocación por el oficio desde el primer instante.

“Creo que el primer acercamiento con el teatro no tienes un parámetro de qué pueda haber. Entonces, creo que el hecho de mis primeras experiencias, y ver un teatro espectacular como lo es el teatro musical, llena todas tus expectativas, no te imaginas que pueda haber algo más hermoso”, comparte.

Y agrega: “Hoy en día no soy tan fan del teatro musical, pero en ese momento fue realmente impactante y trascendental en mi vida, tanto así que decidí dedicarme al teatro”.

Sobre cómo fomentar que los niños regresen a los espectáculos de teatro después de la pandemia, la directora asegura que existen diversos factores que impiden que las propuestas de calidad, lleguen a una mayor cantidad de público, escenario donde en muchas ocasiones los dueños de los teatros se guían más por la cantidad y no por la calidad.

“Son muchos filtros y si todos hiciéramos nuestro trabajo al 100% esas obras o mejoran o no llegan, por ejemplo, están los dueños de los teatros que deberían hacer una selección más estricta, y cuidar calidad y no cantidad”, declara.

Agrega: “Yo voy a teatros (no siempre tengo tiempo de revisar la cartelera) pero yo sé que siempre hay algo bueno, sino excelente, pero por lo regular su cartelera es buena, es una garantía y el hecho de que en ocasiones no tengas un trabajo de calidad, ya demerita tu espacio. Si también como dueños del teatro seleccionan los trabajos se van haciendo de un prestigio y van haciendo un filtro para que esos trabajos mejoren o no lleguen”.

En cuanto a la oferta que se presenta actualmente en la Ciudad de México, Martha considera que hay de todo, a pesar de que sus actividades en La peor señora del mundo, junto con las clases de teatro infantil que imparte los fines de semana, le impidan asistir con mayor frecuencia a disfrutar de las nuevas propuestas.

“Creo que es muy importante respetar al público infantil. Yo respeto muchísimo el lenguaje, eso se ha vuelto mucho más endeble, siento que se ha vuelto a la ligera, hablar con palabras altisonantes, y yo creo que las cosas no se deben de perder aunque los tiempos cambien. Es una forma de respetar a los niños, que no piensen que eso es común, porque si lo hace un adulto en escena es permisible, y en absoluto”, señala.

Y agrega: “También respetar al niño en cuanto te preocupes por tener cierta calidad en cuanto a la producción, obviamente a la historia y las actuaciones, pero he ido a ver escenografías hermosas donde hay un compromiso de parte de los creadores escénicos con los niños, y he ido a ver escenografías donde son de cartón, y se les cae a mitad de la obra y eso a mí como creadora me siento ofendida, porque piensan que todos somos iguales, y puede pensar el público que ese es el teatro infantil y no es la idea. Desde mi punto de vista es sagrado que un niño o un papá vaya a ver tu trabajo, debes cuidar hasta el mínimo detalle”.

Por su parte, Amaranta Leyva, directora, dramaturga y actriz en La Titería, recuerda con nostalgia, que fue una propuesta de una compañía española que se presentó en el Teatro Julio Castillo, la que fomentó en ella la inquietud de dedicarse al teatro.

“Un actor como tal no me acuerdo, me llevaban mucho al teatro. Pero una obra que me marcó y que siempre me acuerdo, era de una compañía española que vino al Julio Castillo que hacían con bailes y música la historia de España, (a mí siempre me ha gustado contar y que me cuenten la historia, como tal). Esa obra creo que se llamaba Dancing, era un elenco gigantesco, era un espectáculo que empezaba desde lo años viejitos en España, la guerra, pasaban por el franquismo, como vivía España presionada y de pronto la liberación, esa forma de contar la historia, siempre se me quedó grabada”, menciona.

Y añade: “Otra obra que me marcó, la vi en Toronto, se llamaba Yo, Claudia. Era una mujer escena que cambiaba de máscaras y era muy impresionante su manera de ir cambiando de personajes, era una niña que va pasando por todas las problemáticas del cambio de adolescencia, las relaciones familiares, y cómo te va llevando de la alegría al llanto, pero desde el punto de vista de la niña y todos los cambios de sus emociones. Pero, lo que era muy bonito, era su manera de contar su propia historia en alusión a “Yo, Claudio” de Marguerite Yourcenar”.

Respecto al tema de cómo podemos incentivar en los padres que asistan con sus hijos al teatro, la creadora confiesa que ésa es una pregunta que constantemente se plantea en su equipo de trabajo, donde su rol de madre favoreció que La Titería se convirtiera en un espacio donde las mamás, papás, tías y abuelos se sientan cómodos y tranquilos para llevar a sus hijos al teatro.

“Me pasó muchas veces que atravesaba la ciudad para llevar a mi hija a una obra, llegaba y ya no había boletos, se nos hacía tarde por el tráfico, o no podíamos entrar y era muy frustrante para mí, más que para mi hija, y tampoco había alrededor un espacio amable para estar. Creo que, además del teatro, trabajamos mucho para que La Titería fuera un espacio amable para que valiera la pena llegar al lugar, y lo combino mucho con los espacios comunitarios canadienses, donde viví muchos años, que por el clima hay varios donde puedes estar, no es caro o no cuesta y tienes la posibilidad de conocer a otras personas”, declara.

“Si creo que la maternidad y la paternidad, de pronto, puede ser muy solitaria y justo el teatro te ayuda a romper esa soledad, pensar un poco alrededor de la maternidad y paternidad es lo que siempre trato de hacer en La Titería, no sólo es un evento, sino que esté acompañado de otras cosas, para que valga la pena la salida”, puntualiza.

Sobre las propuestas actuales de teatro infantil, Amaranta comparte: “Hay buena variedad. Creo que la calidad ha subido, respecto a la producción teatral, se invierte más en los espectáculos para niños y es un gran avance, porque antes eran como las sobras, incluso, ideológicamente decir: ¡Ah para niñitos, no importa, lo que sea! Creo que las productoras y los que hacen teatro piensan un poco más seriamente en el teatro para niños”.

“A mi gusto, siento que todavía está permeando más la línea comercial, pero saliendo de la pandemia tampoco se puede renegar de ello, el teatro está renaciendo, lo que yo aplaudo es la variedad y que ha subido la calidad de la producción”, comenta.

Finalmente, la creadora señala que los pequeños deben acudir al teatro, porque “ahí pueden ver historias que hablan de ellos, de lo que sienten y de lo que viven, no se van a arrepentir”.

Por su parte, Mauricio Roldán Sandoval quien también proviene de una familia inmersa en el ámbito escénico, comparte que el crecer dentro del teatro es algo que lo hace sentir mucho orgullo, debido a que su papá, Fred Roldán (quien falleció recientemente), lo hacía sentir la magia de las historias que llevaba a escena como nadie, y junto con su madre la también actriz Lupita Sandoval, Mauricio encontró el respeto a la profesión y el amor necesario para dedicarse a esta carrera.

“Yo nací mamando teatro, gracias a mis papás desarrollé la pasión por el escenario, cuando era niño me gustaba mucho ver a mi papá actuando, siempre me provocaba grandes sonrisas; y bueno, de mi mamá, ¡Que te puedo decir! Me encantaba también verla representar tantos personajes divertidos, en fin, hasta mi casa se convirtió en un teatro”.

Y agrega: “No concibo un mundo donde no haya teatro y donde yo no me dedique a él. Me encanta vivir dentro de esa magia y esas historias, donde también disfruto toda esa estructura arquitectónica del teatro, eso para mí es muy bello”.

Acerca de cómo hacer que los menores regresen a las salas después de un escenario pandémico, el actor asegura que trabajar en equipo es la respuesta, creando redes de apoyo junto con instituciones gubernamentales y educativas, entre otras, con el fin de ofrecer bajos costos en los accesos y que de ese modo, una gran cantidad de niños llenen las salas, conozcan su trabajo, corran la voz y regalarles una experiencia que quizá pueda cambiar sus vidas.

“Actualmente, considero que hay muy pocos espectáculos para el sector infantil, siento que existe una gran división de lo comercial y lo no comercial, de lo institucional y lo de lo que no lo es. Creo que con respecto a la gran cantidad de personas que habitamos la ciudad y el país en general, deberíamos tener una gran cantidad de espectáculos para toda la familia”, señala.

Y añade: “Los niños son muy moldeables, entonces esa característica es muy importante porque a través del teatro puedes enseñar muchos valores, puedes volverlos críticos de lo que está mal, lo que es un gran aprendizaje, al tiempo que disfrutan un espectáculo que a lo mejor van a recordar toda su vida”, concluye.

Como señalan estos creadoras escénicos, actualmente existen muchas producciones que apuestan por un teatro de calidad para las niñas y niños de México, propuestas que, tal vez, incentiven en un menor el amor y la pasión por el quehacer teatral, más allá del entretenimiento y la cultura que los espectáculos presenciales ofrecen.

Así que como adultos convirtámonos en agentes de cambio en esta celebración y contribuyamos a que cada vez más jóvenes se acerquen al arte vivo por excelencia y encuentren en él, diversión y aprendizaje a lo largo de la vida.

Por Ulises Sánchez e Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

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Si tienes pequeños en casa, sobrinos o eres cercano a algún niño o niña, y estás buscando la forma de acercarlos al mundo del teatro o estás planeando qué obra ver para celebrar el Día del Niño y la Niña, esta propuesta es una de las grandes opciones que la cartelera infantil tiene para ti.

Escrita por uno de los autores latinoamericanos más reconocidos de nuestro país, Francisco Hinojosa, La Peor Señora del Mundo, se presenta todos los domingos en La Teatrería hasta el 26 de junio.

Aquí te damos 3 buenas razones para que acudas al teatro:

1. El texto. Hinojosa plasma con gran ingenio una historia que se cuenta en tercera persona y compuesta por tan sólo 42 páginas, que nos narra la historia de la peor señora del mundo. Se trata de una obra divertida y entrañable que invita a los niños y niñas a acercarse al mundo de la literatura, y les enseña cómo vencer la violencia, pero con inteligencia. Su trama, la rapidez con que se lee y además de las ilustraciones realizadas por El Fisgón, es una obra que se vuelve la delicia de chicos y grandes, y que ha logrado permanecer en la memoria de aquellos que han tenido el placer de conocerla.

2. Las actuaciones. Angélica Escamilla es la encargada de interpretar al personaje principal, ella nos muestra a una mujer tosca e imponente, que termina siendo la pesadilla de todo aquel que la conoce. Por su parte, Mariana Teyer y Fernanda Cortés interpretan a diversos personajes en escena y en ocasiones logran romper la cuarta pared, haciendo partícipes al público presente que no tiene ningún momento de descanso, pues la acción ocurre de manera constante. Situación vital para una obra infantil, donde a la menor provocación, los niños pierden la atención.

3. La producción. Si bien existen diversas adaptaciones, una de las más significativas es la realizada por la compañía Animista Teatro, la cual lleva más de 10 años acercando este trabajo a los infantes. Bajo la dirección de Martha Torres, la obra se ha presentado en diversos recintos de la capital y a pesar del tiempo, sigue manteniendo su energía y frescura, atrapando a todo aquel que tiene la oportunidad de ver esta gran producción. La propuesta logra transmitir cabalmente tanto la historia como el mensaje original de Francisco Hinojosa, apoyado por diversos elementos de utilería y colores llamativos.

Como dato curioso, en alguna ocasión Hinojosa declaró que el personaje está inspirado en una vecina, la cual lo llevó a crear a La Peor Señora del Mundo.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Este mes el drama y los musicales se apoderan de las marquesinas de la capital con propuestas que han dado de qué hablar desde que fueron anunciadas, y que los amantes del teatro han estado contando los minutos para que esos teatros levanten por fin ya el telón.

Estas son algunas de las obras que comenzarán sus funciones las primeras semanas de mayo:

1. Bodas de sangre. La compañía Ágora Teatral trae de vuelta este clásico del teatro español en su versión original la cual contará con 16 artistas en escena y música en vivo, que ofrecerá funciones en el Claustro Románico del Instituto Cultural Helénico, a partir del 1 de mayo.

2. Casi una mujer perfecta. Esta comedia con tintes dramáticos cuenta con las actuaciones de María Aura y Milleth Gómez, quienes interpretan a dos analistas que hablan en escena sobre los miedos, frustraciones e inseguridades que aquejan a muchas mujeres en pleno siglo XXI. La obra llegará a partir del 7 de mayo a La Teatrería.

3. Caperucita ¡Qué onda con tu abuelita! Este esperado musical tendrá como protagonista a una de las divas de nuestro país, la señora Silvia Pinal, basada en las películas de los años 60. El montaje cuenta con la dirección de Carlos Ignacio, quien también participa como el feroz lobo. Las funciones comenzarán el 8 de mayo en el Nuevo Teatro Silvia Pinal.

4. Tebas Land. De la pluma del dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco, llega a nuestro país este drama que cuenta el encuentro entre un escritor y un joven que cumple su condena en la cárcel por asesinar a su padre. Cuenta con las actuaciones estelares de Mauricio García Lozano y Manuel Cruz Vivas. Arrancará su temporada el 13 de mayo en el Foro Shakespeare.

5. Mentiras, el musical. Sin duda, este es uno de los montajes más esperados por fanáticos y escépticos, se trata de la nueva versión del propio autor que llega en colaboración con Alex Gou y Ari Borovoy, quienes han echado mano de lo mejor de su producción y esperan sorprender al público con su adaptación. La obra suma un elenco con nuevas caras y actores ya consolidados. Comenzará sus funciones el 13 de mayo en el renovado Teatro Aldama.

¿A ustedes cuál les urge ver? ¿Cuál se les antoja?

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartel oficial y Leve González

Si lo que buscabas es una historia de esas, épicas, potentes que te mantienen al filo de la butaca lleno de emoción, Network es para ti.

La más reciente producción de Tina Galindo, Claudio Carrera y Diego Luna, te garantiza una experiencia alucinante a cargo de Daniel Giménez Cacho, Arturo Ríos y Zuria Vega, quienes junto con más de 15 actores en escena nos transportan a un estudio de televisión y diversos escenarios basados en la versión cinematográfica con el mismo título de 1976, escrita por Paddy Chayefsky y dirigida por Sidney Lumet.

Pero por si esto no fuera suficiente, a continuación te presentamos 3 razones más para no perderte esta puesta en escena que seguro se convertirá en una de tus favoritas al salir de la sala y darte cuenta de que al paso de los días, la sigues recordando.

1. La trama. Durante más de 1 hora con 40 minutos, estarás inmerso en la vida del presentador de noticias Howard Beale, quien tras 25 años trabajando en una cadena televisiva, debe abandonar su puesto por el bajo nivel de audiencia que su producción genera. Beale, viudo y alcohólico, queda trastocado y decide anunciar durante una emisión que se suicidará en su último programa ante las cámaras, el pretexto perfecto para denunciar la hipocresía de los medios de comunicación, la política, el capitalismo y el hartazgo en general, que el conductor experimenta.

2. Las actuaciones. Como ya lo mencionaba, este montaje es protagonizado por Daniel Giménez Cacho, Arturo Ríos y Zuria Vega, pero es impresionante el resto de los nombres que integran el elenco, actores y actrices con una respetada trayectoria, quienes ofrecen un trabajo contundente desde el minuto uno. Entre ellos se encuentran: Diego Jáuregui, Luis Miguel Lombana, Alberto Lomnitz, Francisco Rubio, Mahalat Sánchez, Julián Segura, Jerónimo Best, Jacobo Betech, Roberto Cavazos, Daniel Cervantes, Samantha Coronel, Michel De León, Jatzke Fainsod, Eli Nassau, Viridiana Olvera y Paola Arrioja.

3. Escenografía y Vestuario. Adrían Martínez recrea un set de televisión dinámico y vanguardista, además de diversos escenarios dentro de una atmósfera retro e íntima.Por su parte, Estela Fagoaga ofrece un vestuario apegado totalmente a la década de los años 70, mismo que brilla en todo momento gracias al diseño de imagen completado por Pilar Boliver. En resumen, disfrutarás de un trabajo detallado y bien logrado, con guiños constantes a esos años y a las grandes corporaciones americanas.

Ahora ya lo sabes, no esperes más y consigue tus entradas para ser testigo de un montaje de primer nivel con funciones de viernes a domingo en el Teatro de los Insurgentes, para conocer precios y horarios, aquí.

Por: Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía Manojo de Ideas

En este mes, los distintos recintos de la Coordinación Nacional de Teatro albergarán montajes para un público de todas las edades, con temas de impacto social presentados por compañías experimentadas que apuestan por la inclusión y la visibilidad de distintas realidades en nuestro país en espacios recientemente restaurados y listos para brindar mejores condiciones de servicio.

En este sentido, Leonardo Daniel Miranda, el Coordinador Nacional de Teatro, declara: “Además de la recepción de proyectos nuevos, nos llena de orgullo celebrar el aniversario número 65 del Teatro del Bosque Julio Castillo, espacio emblemático con el nombre de un creador relevante también. Este mes será de muchas celebraciones, en primer lugar, se presenta la compañía TATUAS que celebra 40 años de existencia, con 2 puestas en escena, reiterando el compromiso que la Coordinación tiene con los estados del país para conocer su rica oferta cultural”.

Y agrega: “Nos da mucho gusto también, anunciar que arrancamos con esta programación en espacios transformados, acondicionados y funcionales para brindar una experiencia totalmente agradable y cómoda en cada visita. Además, recuperamos el uso de boletos numerados, para garantizar cada butaca. De igual forma, se podrán adquirir a través de la plataforma, sin ir a taquilla”.

Por su parte, Sheila Flores, actual Subcoordinadora Nacional de Teatro, señala: “Este puesto implica para mí una reto y gran responsabilidad, pero al mismo tiempo me inspira para aportar en todo lo que pueda y ofrezco mi escucha a la comunidad. Agradezco la cálida bienvenida y espero que la experiencia que tengo del otro lado, pueda aportar en mis funciones”.

A continuación, las producciones que integran la cartelera.

La Compañía Teatral La Trouppe presenta Cuando canta un alebrije de Frino, bajo la dirección de Mauro Mendoza y Sylvia Guevara, con un elenco integrado por: Lyssette Reyes, Ana María Moctezuma, Tamara Salazar, Carmen Partida, Lourdes Luna y Liza Serrano, quienes ofrecen funciones en el Teatro Isabela Corona del 7 al 26 de mayo.

Cuando canta un alebrije nos cuenta sobre la pesadilla originada por la fiebre de una indigestión; en la cual el cartonero creador de estos seres, Pedro Linares, nuestro personaje principal, viaja a un bosque del inframundo donde transita con seres extraños, de colores, alas, plumas y cuernos: los alebrijes, hasta llegar al infierno engañado por el mismísimo diablo, donde demonios y seres históricos le realizan un juicio para deliberar ¿Cómo regresará al mundo de los vivos?

Del 7 de mayo al 12 de junio, Cuaternario Teatro presenta: ¿En qué estabas pensando? de Saúl Enríquez con la dirección de Jesús R. Cruz, con Melanie Borgez, Miguel Estrada, Ricardo J. Cruz y Javier Maciel en el Teatro El Galeón, Abraham Oceransky

En la historia, Toto, Laika y Albert han dejado de ser niños, pero no están muy seguros de en qué se han convertido. El despertar sexual, la popularidad, la soledad, el amor y el desamor, son puntos de encuentro y desencuentro entre estos amigos que lo único que quieren es entender mejor el mundo que los rodea.

Por su parte, la compañía TATUAS, Un público se prepara, A.C. presenta: Ciudad de tres espejos, autoría de Saúl Enríquez, con un elenco integrado por: Genaro Sahagún, Zeira Montes, Marichú Romero, Rodolfo Arriaga, Enrique Rivera y Andrés Vízar, presentándose en el Teatro El Galeón, Abraham Oceransky el 12 y 13 de mayo.

La propuesta plantea un sueño en espiral sobre tres distopías de Culiacán. Tres historias que se cruzan desde lo simbólico, personajes en una búsqueda inconsciente de aquello que les ha sido arrebatado en una guerra sin bandos. ¿Qué es aquello que buscamos incesantemente en una ciudad, donde llueven balas?

Un tour por el silencio de Cutberto López , otro montaje a cargo de la compañía TATUAS dará funciones
el 14 y 15 de mayo en el  Teatro El Galeón, Abraham Oceransky . La dirección es de Saúl Meléndez y el elenco lo integra: Enrique Rivera, Miriam Valdéz, Rodolfo Arriaga, Marcela Beltrán, Marichú Romero, Genaro Sahagún, Eduardo Arriaga, Andréz Vízar y Zeira Montes.

Esta historia retrata las vivencias y adversidades de miles de migrantes en búsqueda del sueño americano. “X” es un joven como cualquier mexicano, del sureste, el bajío o de la sierra, ha crecido y llegó el tiempo de trabajar; le toca seguir la ruta, migrar hacia el norte, pues es la mejor opción para crear un futuro digno y conquistar la ansiada libertad.

Del 14 de mayo al 3 de julio Instituto Magia presenta: Pequeña Bruja de Pascal Brullemans en el Teatro del Bosque, Julio Castillo, bajo la dirección escénica y traducción de Violeta Sarmiento, con las actuaciones de Paulina Álvarez, Mariana Gajá, Xóchitl Galindres y Abel Ignacio Hernández, donde la música en vivo la realiza Mariana Chávez Lara.

Pequeña Bruja es una niña tímida que sabe escuchar. Ella cae en manos de su enemigo, el Ogro. Deberá negociar su libertad, pero en toda negociación siempre algo se pierde, a veces lo más amado. Acompaña a Pequeña Bruja con su enigmático gato y una intrépida Cazadora en esta mágica aventura. Descubre, junto a ella, la determinación para escapar de cualquier monstruo.

La isla de los nahuales es presentada por la compañía Púrpura de Cascabel y Teatro de Quimeras, la obra es escrita y dirigida por Martín López Brie y cuenta con las actuaciones de Kaleb Oseguera, Mauricio Jiménez Quinto, Gabriel Rojas, Carlos Valgañón y Mónica Bajonero, quienes ofrecerán funciones del 14 de mayo al 19 de junio en la Sala Xavier Villaurrutia.

El montaje propone un musical de son jarocho para niños, donde conoceremos a Canelo, quien para recuperar su dinero y conseguir el medicamento que necesita su hermana, tendrá que viajar hasta la isla de los nahuales y sobrevivir a muchas aventuras y personajes extraños, así como entender la música de su pueblo y cuáles son sus raíces.

Del 19 de mayo al 12 de junio Teatro Ciego MX presenta: ¿Quién soy? Recetario sobre usted mismo de Itzel Lara, bajo la dirección de Anabel Saavedra, con Jesús Rodríguez y Juan Carlos Saavedra. Con funciones en el  Teatro El Galeón, Abraham Oceransky.

Una obra sobre la búsqueda del padre, la familia que perdimos y los dolores que dejan los muertos; una obra sobre cocinar y tener sazón. Dos hermanos han encontrado el viejo recetario de la abuela y que después fue de su madre. Ellos no saben si abrirlo o no porque la desobediencia es un pecado mortal que no se quita con desinfectante ni gel antibacterial. La tentación es mucha y tienen un plan: escribir una cláusula que los eximirá de toda culpa.

Finalmente, la propuesta de la compañía Conexión 222, Eileen Shakespeare de Fabrice Melquiot, con la versión al español de Manuel Ulloa Colonia, bajo la dirección de Gabriela Tapia Berrón, se presentará del 26 de mayo al 19 de junio en el Teatro El Granero, Xavier Rojas.

La propuesta ofrece un monólogo en el que se escucha a una mujer de la Inglaterra isabelina, pero cuya trayectoria vital en el espacio-tiempo teatral cruza el portal de todos los tiempos. La obra evoca la latencia del instinto, la rebeldía, la necesidad creativa y de expresión de un corazón humano que se mueve y da la batalla en las arenas movedizas de la condición humana. Y aunque la lucha es desigual, Eileen acierta en lo más femenino de su expresión.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Captura de pantalla y Leticia Olvera

Esta mañana, el actor Rodrigo Murray ofreció una conferencia de prensa para dar a conocer los detalles de Leonardo, su nueva producción teatral.

Se trata de un monólogo creado por él mismo, en el cual aborda la parte humana de Leonardo da Vinci más allá del extraordinario genio y artista. La propuesta tendrá una breve temporada en el Teatro Xola Julio Prieto con funciones del 6 al 28 de mayo.

En el unipersonal, Murray propone un viaje por la Italia renacentista y nos traerá de regreso al convulso siglo XXI, interactuando con una monumental pieza diseñada por el escultor Sebastián, bautizada como Leonardo 4.

Al respecto, el actor declaró:“Las maravillas del destino hacen que el día 6 de mayo estrene en el hermosísimo Teatro Xola. Un teatro donde mi padre estuvo haciendo durante muchísimo tiempo un monólogo también y da la casualidad que el día 6 se cumple un año de su muerte, y estoy seguro que él estará por aquí acompañándonos”.

Y agregó: “La historia de Leonardo se remonta a hace 15 años, cuando yo trabaja en un canal de televisión y un día me tocó entrevistar de forma virtuosa a Sebastián, un escultor conocido en todo el mundo, autor de esta pieza. Cuando las cámaras se fueron y nos tomamos un tequilita, porque nos caímos medianamente mal, cotorreando, me enseñó una de sus tantas piezas que tiene como transformers, piezas que transforman el espacio y conversan con la simbología”.

De acuerdo con el actor, después de la entrevista fue maquinando varias cosas, además su padre le había plantado la inquietud de explorar la vida de Da Vinci en escena, entonces se dio a la tarea de escribir un monólogo en el cual no se viera una sola de sus obras, sino donde todo fuera un ejercicio de actuación para representarlas.

La producción cuenta con música de Luis Ernesto Martínez Novelo (bajista del grupo de rock, La Gusana Ciega), el diseño de iluminación es de Félix Arroyo y el diseño de vestuario de Marcela Valiente.

Leonardo ofrecerá funciones del 6 al 28 de mayo en el Teatro Xola Julio Prieto, ubicado en Xola No. 809,  consulta precios, horarios y descuentos, aquí.

Por: Ulises Sánchez, Fotos: Mariana Xareni

Los actores Alejandro Morales, Cristian Magaloni, Jeannine Derbez, José Ramón Berganza y Pablo Perroni estrenaron la noche de ayer, 7 Años, puesta en escena escrita por Juan Cabeza,  adaptación de Jeannine Derbez y Reynolds Robledo, quien también está a cargo de la dirección de escena.

Al respecto, el director declaró: “Es una historia que funciona perfectamente para teatro, está padre poner al público en la situación del ¿yo qué haría?, explorando la postura de cada personaje a partir de lo moral y lo ético. Jeannine y yo recibimos un guión y, a partir de ahí comenzó esta aventura en este espacio tan bonito con un elenco tan completo”.

Por su parte, Pablo Perroni mencionó que como actor, es interesante observar y escuchar las reacciones del público en esta historia, donde se plantea una lucha contra el reloj para tomar una decisión tan crucial en la vida.

Entre bromas, los actores coincidieron en que esta historia conecta muy bien con el público mexicano por el contexto en el que vivimos actualmente, donde la corrupción opera con impunidad todos los días, además de los cuestionamientos que  el pago de impuestos genera en muchas ocasiones, temas controversiales que este montaje señala con un humor  sutil y altas dosis de tensión.

En la trama cuatro amigos fundadores de una exitosa empresa de aplicaciones tecnológicas son descubiertos desviando fondos a un paraíso fiscal. Por lo que un mediador tratará de ayudarles a decidir quién deberá asumir la culpa, para que solo uno de ellos pague por el delito. Sin embargo, el tiempo que deberá cumplir serán 7 años.

El elenco está integrado además, por los actores: Antonio Gaona, Pedro De Tavira y Rocío Verdejo. Cabe mencionar que Alejandro Morales y Perroni, serán los únicos en actuar en todas las funciones sin alternar sus personajes.

La propuesta se presenta martes y miércoles en el Foro Lucerna del Teatro Milán, ubicado en Lucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Se acerca el 10 de mayo, y sabemos que encontrar el regalo ideal no es tarea fácil, pero nosotros te ayudamos.

En el teatro puedes encontrar diversas opciones que estamos seguros la harán pasar un día inolvidable, y lo mejor de todo es que algunas grandes producciones ofrecerán funciones especiales para celebrarlas en este día tan importante.

Así que checa nuestras recomendaciones y disfruta de los mejor de la escena nacional con la mejor compañía.

100 metros cuadrados o El inconveniente. Protagonizada por la primera actriz Jacqueline Andere, esta divertida comedia nos narra la historia de amistad que surge entre una mujer en sus 40 y una mujer de la tercera edad. Se trata de una puesta con tintes de humor negro que te invita a vivir el presente, pues la vida puede cambiar en cualquier momento y podríamos estarnos perdiendo de grandes cosas. La función será a las 20:00 horas en el Nuevo Teatro Libanés.

Como quieras, ¡Perro Ámame! Acompañada por más de 25 canciones románticas, esta comedia musical sobre las relaciones de pareja hace una divertida comparación de los hombres con los perros. Una puesta que nos hace pensar en las posibilidades del amor, pero sin garantías. Como sabemos el amor es un acto de fe, así que se requiere de mucha valentía para arriesgarse y quién sabe, tal vez nos llevemos una sorpresa. La obra ofrecerá dos funciones, a las 18:30 y 20:30 horas en el Teatro Renacimiento.

Esquizofrenia. Si les gustan las emociones fuertes, este drama psicológico los mantendrá al filo de la butaca. Esta propuesta de Rafael Perrín aborda de forma magistral los distintos grados de la locura e incluso habrá momentos que estamos seguros los hará cuestionarse sobre qué tan cuerdos estamos. La función será a las 20:30 en el Telón de Asfalto.

Aladdín. Este fantástico musical te hará viajar a la mágica ciudad de Agrabah y conocer la historia de Aladdin, un joven cuya suerte cambia al encontrar una lámpara mágica. En esta historia Aladdin aprenderá que el verdadero valor está en su interior y no en las cosas materiales. Es una obra que puede disfrutar toda la familia, acompañada de grandes efectos especiales y las icónicas melodías. La función será a las 19:00 horas en el Teatro Telcel.

Dos Más Dos. Ahora bien, si tu mamá es “open mind”, esta comedia sobre el intercambio de parejas, la hará pasar un momento de entretenimiento y la hará reír a carcajadas, al abordar distintos tópicos que aún se consideran tabúes, pero de forma totalmente relajada. Esta puesta indaga en diversas cuestiones que atraviesan las parejas después de varios años de convivencia e invita a vivir con más libertad el tema de la sexualidad. Habrá función doble, a las 18:00 y 20:30 horas en el Teatro Royal Pedregal.

No busques más y sal de tu zona de confort, estas opciones son ideales para festejar a mamá y pasar juntos un espléndido ¡Día de las Madres!

Consulta otras opciones, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

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Ha llegado el mes en el que reconocemos la complicada labor de ser madre, el pretexto perfecto para consentir a quienes nos han cuidado desde sus vientres hasta la adultez, mujeres que nos inspiran ternura y fuerza para enfrentar la vida.

En escena, son muchas las propuestas que plantean la relación entre madres e hijos, en ocasiones difíciles y complejas, convivencia que da pie a un sin fin de creación de historias y personajes memorables.

A continuación te presentamos algunas opciones ideales para ver en compañía de tu mamá.

1. Los huevos de mi madre. En este montaje de Fernando Botero, bajo la dirección de Laura Jerkov, con las actuaciones del mismo Botero y Lupita Sandoval, se cuenta una historia de desamor a través de los ojos de un hombre con la intervención inoportuna de su Mamá. La obra muestra cada una de las etapas por las que pasa el hombre al ser abandonado por su pareja.Disfruta esta propuesta en el Teatro Jorge Negrete los sábados y los domingos.

2. Madre solo hay una y como yo, ninguna. La experimentada Susana Alexander presenta en el Teatro Xola Julio Prieto, este texto todos los sábados y domingos de mayo. Se trata de un merecido y justo reconocimiento a las madres y un recordatorio para todos, que debemos cuidarlas, quererlas y valorarlas. En escena, Alexander hace suspirar a sus espectadores, quienes permanecen atentos a cada una de las palabras y gesticulaciones de la actriz, pero también les arranca fuertes carcajadas con sus ocurrencias y comentarios.

3. Torch Song. Alejandro Villalobos dirige esta adaptación de dramaturgia creada por Harvey Fierstein y protagonizada por Rogelio Suárez, Anahí Allué y Manuel Balbi con funciones los martes en el Teatro Milán. Aquí, conoceremos a Arnold Beckoff, quien es una drag queen viviendo en el Nueva York de finales de los 70s, que busca el amor y el respeto en un mundo que no parece estar hecho para él. Armado con un agudo sentido del humor e ingenio, Arnold pone a prueba los términos de amor y familia, en una historia universalmente conmovedora que expone la compleja relación entre madres e hijos y confirma que vale la pena luchar por la felicidad.

4. El viento en un violín. El texto escrito por Claudio Tolcachir es llevado a escena por Cristian Magaloni los miércoles en el Teatro Milán. En la trama, seremos testigos de mujeres que se aman, buscando desesperadamente un hijo. Madres con hijos, desesperadas por asegurarles la felicidad. Hijos desorientados, desesperados por encontrar su lugar. Historias de seres buscándose la vida. Y el amor que lo atraviesa todo, que todo lo permite, lo bueno y lo malo.

5. 100 Metros cuadrados o El inconveniente. En el Nuevo Teatro Libanés se representa esta conmovedora historia de viernes a domingo cada 15 días. Escrita por Juan Carlos Rubio, dirigida por Manuel González Gil y protagonizada por la primera actriz, Jacqueline Andere y Ana Karina Guevara. Esta comedia se desarrolla en el departamento que el agente inmobiliario le ofrece a Sara, mismo que reúne todas las características que ella desea: bajo precio, amplitud, luz y una hermosa vista. Tan sólo presenta un pequeño “inconveniente”: Lola, la dueña, deberá vivir en él hasta el día de su fallecimiento.

Estas son solo algunas de las propuestas actualmente en cartelera para ver con mamá, conoce más propuestas en nuestro sitio web y no dejes de celebrarla en su día.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Hace unos días te compartimos algunas obras que abordan las relaciones madres e hijos, así como las producciones que este martes ofrecen funciones especiales, todas ellas ideales para sorprender a mamá llevándola al teatro.

Y para este Día de las Madres hemos preparado para ti una selección con diversas melodías de musicales, que hablan y celebran la maternidad, para que salgas de las típicas rolas del kinder.

¡Súbele el volumen y dale play!

Por Itaí Cruz, Fotos: playbill.com

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• Funciones especiales para celebrar el 10 de Mayo

Esta mañana en conferencia de prensa, el productor Alejandro Gou presentó oficialmente al elenco de la nueva temporada del musical José El Soñador, en el cual Kalimba será el nuevo protagonista de la historia, acompañado por Erik Rubín y Leonardo de Lozanne, quienes alternarán el papel del faraón, donde Fela Domínguez permanece como la narradora.

Al respecto, Gou compartió: “Estamos muy contentos de haber comenzado con una aventura que solo contemplaba 10 semanas de duración y hoy logramos arrancar con una nueva temporada y con un nuevo elenco”.

Y agregó: “Es un gusto tener a Kalimba cómo José, somos incluyentes porque será un José morenito. Además, estamos seguros de que Erik Rubín y Leonardo de Lozanne serán dos grandes faraones, ya había trabajado con ellos en Jesucristo Súper Estrella y todos hacen un trabajo increíble”.

Por su parte, Kalimba declaró: “Es una honra estar en esa puesta nuevamente, saben que somos personas que trabajamos por hacer cosas que no duren solo un momento, sino que terminan siendo un legado. Yo vi por primera vez está historia en la sala de Julissa y ella nos dijo a todos los niños que estábamos ahí, yo quiero que hagan esto, ese recuerdo es muy bello y no puedo creer que hace 34 años veía eso y ahora lo interpretó”.

Para Leonardo de Lozanne, Elvis representa un ídolo desde niño y confesó que el trabajar en esta producción es como regresar a su familia, además de admirar la calidad del montaje, ya que asegura es la mejor adaptación que se ha visto en el mundo.

Erik Rubín cree que este musical demuestra que los sueños se cumplen, debido a que esta historia fue un suceso que marcó su infancia, un recuerdo que atesora y lo hace dar lo mejor de sí sobre el escenario.

“Me siento muy feliz porque los sueños se cumplen, la primera obra que vi fue José El Soñador en este teatro, ahora el poder ser parte de ello es un sueño cumplido, me siento en familia en un montaje de primera calidad, que al verlo dan ganas de subirse a jugar, está es mi pasión y que mejor de compartirla con estos monstruos del teatro”, declaró.

Finalmente, Fela Domínguez resaltó la importancia que el proyecto ha traído a su vida profesional, llenándola de aprendizaje y amor por los musicales.

“José marcó un antes y después en mi carrera, regresar con este elenco es un placer, va a ser una cosa distinta y alucinante con las distintas interpretaciones, no paro de impresionarme porque cada día es diferente, esto es un regalo del cual estoy profundamente agradecida”, concluyó.

La puesta en escena se estrenará el 20 de mayo en el Centro Cultural Teatro 1 y contará con 7 semanas en cartelera, para conocer precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cartelera de Teatro

Sin duda, uno de los géneros más importantes hoy en día, es el monólogo o unipersonal, cuya presencia es vital en las tablas a nivel mundial, su existencia deriva desde la antigüedad, vaya, desde que existe el teatro.

Sin necesidad de impactantes escenografías y demás recursos escenográficos, estas propuestas se valen únicamente de la presencia e interpretación de sus ejecutantes en el escenario, mismas que en la mayoría de los casos, resultan impactantes y provocadores para todo aquel que disfruta de este tipo de teatro.

Hoy en día, existen una infinidad de monólogos que abordan distintas temáticas como las relaciones de pareja, la infancia, hasta situaciones familiares, tales como Diario de un loco de Nikolái Gógol, Sobre el daño que causa el tabaco de Antón Chéjov, Misterio Bufo de Dario Fo y uno de los más recientes, Los monólogos de la vagina de Eve Ensler, por mencionar algunos.

Si eres fanático de las historias que presentan un solo actor en escena, te invitamos a echar un vistazo a estas 5 recomendaciones que puedes encontrar actualmente en temporada.

La persona deprimida. Escrita por David Foster Wallace, dirigida y adaptada por Daniel Veronese, protagonizada en nuestro país por la actriz Carolina Politi, este monólogo nos confronta con temas incómodos y familiares, pero usando el humor negro, para matizar lo expuesto en escena por la intérprete, cuya trama nos muestra los estragos de aquellos problemas que creemos están resueltos, pero que al interiorizar nos damos cuenta que aún seguimos cargando con ellos y que en muchas ocasiones siguen presentes a lo largo de nuestras vidas. Se presenta los jueves en el Teatro La Capilla, hasta el 14 de julio.

Bambis dientes de leche. Escrita y protagonizada por Antón Araiza, esta puesta en escena toma al futbol como pretexto para hablar de la infancia y lo sueños que anhelábamos cuando éramos pequeños y nos hace cuestionarnos sobre algunas de las decisiones importantes que tomamos durante nuestra vida, y nos hace preguntarnos si alcanzamos nuestro sueños. Ofrece funciones los domingos en La Teatrería, hasta el 29 de mayo.

La voz humana. Considerado como uno de los unipersonales más icónicos del teatro, fue escrito en 1930. En nuestro país la versión más reciente corre a cargo de la actriz Irasema Terrazas, bajo la dirección de Miguel Septién. Se trata de una unipersonal intenso y provocador que pone en duda nuestras ideas sobre el amor propio y al mismo tiempo, sobre qué tanto estamos dispuestos a intentar estar con una persona que, tal vez, no nos ama como creemos. La obra se presenta los lunes en el Foro Lucerna, hasta el 27 de junio.

La ira de Narciso. De la pluma del dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco, Christian Magaloni protagoniza este relato de autoficción, donde el también director, se desdobla en escena para encarnar un personaje muy parecido al autor y al mismo tiempo sobre sí mismo, a través de una historia que nos sumerge entre el suspenso y lo absurdo, tal como al propio Narciso. Ofrecerá funciones el domingo 22 y 29 de mayo en el Teatro La Capilla.

La historia de Gazapo. Este longevo monólogo escrito por el propio Francisco Suárez, mejor conocido como “El Mago Frank”, sube al escenario sin su Conejo Blas, para escenificar un unipersonal donde el actor nos invita a reflexionar sobre el amor, las relaciones de pareja, comenzando por el noviazgo, el matrimonio y la familia, e incluso la separación, a través de rimas, poesía y momentos de improvisación. Todo ello con el fin de hacernos recordar cuáles son las cosas importantes en una relación. Situaciones con las que todos nos hemos sentido identificados en algún momento de nuestras vidas. La obra se presenta los lunes, en el Teatro Rafael Solana.

Cómo ves, esta es sólo una pequeña muestra de lo que puedes apreciar en las marquesinas capitalinas, sin embargo, tenemos otras opciones que te invitamos a consultar en nuestro sitio, sólo debes dar clic, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: María José Alos y Carlos Mercado

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¿Alguna vez has tenido la sensación de estar yendo hacia la dirección incorrecta?, ¿o de quizá ahogar tu esencia por medio de acciones que te dejan una sensación de vacío e incomprensión? Bajo estos cuestionamientos es que se desarrolla la puesta en escena Principito Awake con funciones los sábados en el Foro Shakespeare.

Como parte del Festival de Monólogos RECIO, se presenta esta historia, escrita y dirigida por José Sampedro e interpretada por Valeria Vera, con escenografía minimalista creada por Miguel Moreno e iluminación a cargo de Paz Zavaleta, con funciones hasta el 18 junio.

A continuación 3 razones para ver este montaje.

1) La premisa. Al crecer nos olvidamos muchas veces del niño interior que habita en nuestro interior, ignoramos esos placeres simples que nos brindan vitalidad y alegría, olvidamos mirar la vida con los ojos, los anhelos y el hambre de la inocencia, para finalmente desechar esa etapa en una estructura adultocentrista, sin el mínimo apelo a aquella voz joven que nos hace vulnerables pero al mismo tiempo reales, seres humanos con la capacidad de transformarse, regresar al origen y comenzar una vez más.

2) La dramaturgia y dirección. José Sampedro escribió está historia con momentos y reflexiones clave en su vida, durante el confinamiento, tomando como referencia también, la confesión que la intérprete Valeria Vera le había hecho sobre la profunda conexión que ella sentía con el personaje del Principito del escritor y aviador francés Antoine de Saint-Exupéry.​ Ambos señalan que la propuesta es ideal para todas aquellas personas que se han sentido excluidos en algún momento de la vida, sin un lugar dentro de la sociedad.

3) La actuación de Valeria Vera. El montaje Sampedro ofrece un conmovedor viaje al interior de Em, donde el espectador conecta con su propia historia y se emociona en gran medida, por la interpretación que Vera desarrolla en escena, sin más elementos que su voz y potente presencia. Aquí podrás ser testigo de la transición de la infancia de Em hasta la vida adulta, donde tendrá la necesidad de recordar a la niña que dejó tiempo atrás, para rescatar las virtudes y cuestionamientos que le permitirán direccionar su camino.

Ahora ya lo sabes, no te pierdas esta entrañable historia con funciones los sábados en el recinto ubicado en Zamora 7, para consultar precios, horarios y descuentos, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Karla Bocanegra

La noche de ayer se llevó a cabo el estreno de la puesta en escena Tebas Land, drama escrito por el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco, bajo la dirección de Mauricio García Lozano, producida por María Inés Olmedo, con la aclamada interpretación de Manuel Cruz Vivas.

Al término de la función, la productora declaró: “Fueron cuatro años de espera y finalmente estrenamos este maravilloso texto que juega con la realidad y la ficción, así como con la relación tan valiosa que tiene el Foro Shakespeare con el teatro penitenciario de Santa Martha Acatitla”.

Y agregó: “Gracias Mauricio por aceptar y tomar este proyecto en tus manos, gracias por abrazar este texto de la forma en que lo has hecho y por hacer esta historia tuya y convertirla en una cosa maravillosa”.

Por su parte, el director señaló: “Gracias María, para mi es un privilegio hacer una obra así, porque creo que atina a mis creencias que es el teatro y la vida, en un proceso de comunicación empática, estoy agradecido también por rearmar el maravilloso texto de Sergio Blanco y hacerlo más cercano a nuestro contexto mexicano”.

Entre las figuras del espectáculo que se dieron cita en el lugar, destacan: Irene Azuela , Nacho Tahhan, Regina Blandón, Veronica Merchant, Angélica Rogel, Alejandro Morales, Jeannine Derbez, Rocío Verdejo, Reynolds Robledo, Mahalat Sánchez y Sofia Sisniega, por mencionar algunos.

Tebas Land reinterpreta el clásico mito de Edipo para ofrecer una visión contemporánea de algunos de los principales temas que padece la sociedad mexicana como la violencia doméstica e intrafamiliar, la justicia, y la reinserción social, a través de la historia de un escritor y un joven recluso que cometió parricidio.

En escena, estos seres, aparentemente desconocidos y completamente diferentes, sostienen diversas y profundas conversaciones sobre sus distintos contextos, llegando hasta cuestionamientos metafísicos y reflexivos.

La obra ofrecerá una corta temporada hasta el 26 de junio en el recinto de la Condesa, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Ulises Sánchez

Este martes 17 de mayo, el elenco de Torch Song, Rogelio Suárez, Anahí Allué, Juan Manuel Balbi realizarán un homenaje al reconocido creador mexicano, Tito Vasconcelos y al mismo tiempo la producción conmemorará el Día Internacional contra la Homofobia, la Transfobia y la Bifobia.

Sin duda, Vasconcelos ha sido un incesante luchador por los derechos LGBT+, y es más que pertinente conjuntar estos elementos en una noche tan especial.

Sobre el creador mexicano

Tito Vasconcelos es uno de los más notables artistas del cabaret mexicano actual, a lo largo de más de treinta años se ha dedicado a documentar y difundir, desde la docencia, esta disciplina, por lo que su nombre se ha convertido en un referente obligado en dicho género.

Durante el periodo 2013-2015 recibió la beca Creadores Escénicos con Trayectoria, en la disciplina Teatro/Cabaret, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca), en la cual escribió un manual de cabaret y una cronología del género escénico en nuestro país.

Acerca del IDAHO

En 2004, la Organización Mundial de la Salud, declaró el 17 de mayo como el Día Internacional contra la Homofobia, la Transfobia y la Bifobia (IDAHOT, por sus siglas en inglés); ese día, la Asamblea General de la Organización Mundial de la Salud, sólo que 14 años antes (1990), eliminó la homosexualidad de la clasificación internacional de enfermedades mentales.

Su conmemoración reafirma el compromiso con el respeto a la diversidad, a la dignidad humana y a la defensa de los derechos humanos para garantizar y fomentar una cultura más justa e igualitaria. Asimismo, a fin de promover los derechos humanos de las personas lesbianas, gay, bisexuales, transgénero, transexuales e intersexuales (LGBTTI) y llamar la atención sobre la violencia y discriminación que viven en ámbitos de la vida privada y social.

Torch Song narra la historia de Arnold Beckoff, una drag queen que vive en Nueva York a finales de los 70. Armado con un agudo sentido del humor e ingenio, pone a prueba los términos de amor y familia, en una historia universalmente conmovedora que confirma que vale la pena luchar por la felicidad.

El homenaje a Tito Vasconcelos se llevará a cabo este martes 17 de mayo a las 20:00 horas en el Teatro Milán, ubicado en la calle de Lucerna 64, colonia Juárez.

Fotos: Cortesía Manojo de Ideas y VIOGG

Como cada mes, les traemos nuestro recuento con las obras que más buscan nuestros seguidores en Cartelera de Teatro, drama, comedia, musicales son los géneros que se apoderan del gusto de los capitalinos que acuden cada semana a los distintos recintos de la Ciudad de México.

Si estás buscando alguna propuesta para asistir este fin de semana y no sabes qué ver, dale un vistazo a este listado hecho por el público quien es la voz más importante para nosotros en el sitio y sin ellos no podríamos mostrarles estos resultados.

10. Tebas Land. Un drama testimonial que navega entre la ficción y la realidad protagonizada por Manuel Cruz Vivas y Mauricio García Lozano. La trama toma de pretexto el mito de Edipo para narrar una dolorosa historia sobre un joven que está preso por haber matado a su padre y la relación que forja con un escritor que desea contar su historia para llevarla al teatro. Se presenta de viernes a domingo en el Foro Shakespeare.

9. Mentiras, el musical. Desde su anuncio, todos estamos a la expectativa de esta nueva propuesta, si bien, la producción había anunciado que la obra levantaría el telón en mayo, nada nos cuesta esperar hasta el 3 de junio con tal de ver un gran resultado. Además no sólo la obra se renueva, el Teatro Aldama que será la casa de esta versión también ha sido remodelado para garantizar una experiencia completa.

8. Como quieras, ¡Perro Ámame! Esta obra con más de 10 años en cartelera debe su éxito a sus protagonistas que cada temporada han refrescado la propuesta, gracias a su temática tan vigente sobre las relaciones de pareja y la divertida comparación que realiza con los perros, aderezado con diversas melodías que han quedado en la memoria de la audiencia. Se presenta de jueves a domingo en el Teatro Renacimiento.

7. José El Soñador. Luego de una corta temporada en la que vimos a Carlos Rivera como el protagonista de esta icónica historia, la obra regresa con Kalimba a la cabeza acompañado por Fela Domínguez y la participación alternada de Erik Rubín y Leonardo de Lozanne, a partir de este 20 de mayo en el Centro Cultural Teatro 1.

6. Te amo, eres perfect@, ahora cambia. Este musical nos lleva de la mano por las distintas facetas de las relaciones de pareja, personificadas por un gran elenco que logra entretener al público, quien a su vez puede disfrutar de las increíbles interpretaciones y melodías, potenciado por la espléndida escenografía, cambios de vestuario y demás elementos visuales que no pasan desapercibidos por los asistentes. La obra ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro Hidalgo.

5. Dos Más Dos. Una divertida comedia que se adentra en la vida de las parejas swinger, y aunque ha sufrido cambios de elenco, no ha perdido el toque que ha conquistado el corazón del público mexicano que abarrota cada noche el Teatro Royal Pedregal.

4. El Tenorio cómico.  Esta irreverente comedia permeada de sketches políticos y actuales, se resiste a dejar la cartelera, gracias a su amplio elenco que logra sacar una carcajada hasta el espectador más reacio. Se presenta los viernes y domingos en el Centro Cultural Teatro 2.

3. Dos locas de remate. La dupla conformada por Susana Zabaleta y Gabriela de la Garza ha conquistado al público con sus hilarantes e irreverentes momentos en escena, para contarnos la historia de dos hermanas que después de estar separadas por más de veinte años, las circunstancias las hacen reunirse y volver a conectar. Continúa en temporada de viernes a domingo de manera alternada en el Nuevo Teatro Libanés.

2. Network. Esta potente historia que nos mantiene al filo de la butaca gracias a las increíbles actuaciones de su elenco encabezado por Daniel Giménez Cacho, Arturo Ríos y Zuria Vega, quienes nos presentan una ácida crítica a los medios y lo que en muchas ocasiones son capaces de hacer con tal de conseguir altos índices de audiencia. La obra se presenta de viernes a domingo en el Teatro de los Insurgentes.

1. Siete veces adiós. Un musical que ha conquistado a los mexicanos por ser un texto original, sus actuaciones y melodías que narran las vicisitudes que enfrentan las parejas después de 7 años de convivencia, acompañado por melodías que ejemplifican cada momento de la relación. La obra no deja de sorprendernos, hace unas semanas anunció su extensión de temporada y ahora recién nos enteramos que se suman al elenco Paulette Hernández y Pierre Louis, quienes alternaran los personajes de Él y Ella con Fernanda Castillo y Gustavo Egelhaaf, a partir del 19 de junio.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro y Cortesía Manojo de Ideas

Con el objetivo de visibilizar la diversidad de la población mexicana e incentivar el respeto, la equidad y la inclusión, este ciclo presentará propuestas artísticas multidisciplinarias en los escenarios de Teatros de la Ciudad de México.

Propuestas como Música, Teatro, Danza, Ópera, Cabaret, Cine, artes plásticas, así como espectáculos creados especialmente para niñas y niños, serán parte de esta oferta que se llevará a cabo en los meses de mayo, junio y julio.

Este ciclo de voces, pensamientos y acciones encaminadas a honrar, celebrar y festejar a la comunidad Lésbico, Gay, Bisexual, Transgénero, Transexual, Travesti, Intersexual, Queer y más (LGBTTTIQ+), es organizada por la activa participación de la comunidad artística del país, de la mano de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros.

A continuación la programación.

Para comenzar, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris será el espacio para que Eyibra, reconocido artista lituano-estadounidense, presente acompañado de NNUX, su nuevo álbum: Diomede, que explora lo queer, lo no binario y la fluidez de género.

El 29 de mayo, Unforgetta Ball. Neo Aztlán, el lugar de las garzas, de Gary Revlon, Adonis Vemanei y Furia 7, bajo la dirección Roberto Cabral, ofrecerá un espacio de inclusión y expresión para las disidencias sexuales, especialmente las identidades trans.

Los días 3 y 5 de junio, la Ópera Stonewall, bajo la dirección de Antonio Azpiri, recordará la importancia del evento que dio origen a las marchas del orgullo gay en todo el mundo.

Carlos Antúnez y su compañía ofreceránMéxico de Colores presenta:Mayate… producto nacional. 11 aniversario, se presentará el sábado 4, este espectáculo ofrecerá una búsqueda inspirada en el folclor nacional, que mezcla cabaret, teatro, sátira y comedia. Posteriormente, el miércoles 8, se llevará a cabo la inauguración del 26º Festival Mix México: Cine y Diversidad.

El sábado 11 y el domingo 12, regresa a nuestro país la exitosa propuesta de Producciones Rokamboleskas, Juguetes rotos, la cual desde España, nos hablará de identidad sexual, memoria, complicidad y amor. La historia de Mario volverá a los escenarios mexicanos para caminar junto a él su infancia, su casa, su pueblo.

Por su parte, el Coro Gay Ciudad de México con Peace & Pride, ofrecerá un recorrido musical de los años setenta hasta la actualidad el 15 y 16 de junio.

El 18 y 19 de junio, Males on Pointe presenta Men In Tutus será un espectáculo de ballet clásico y moderno que apuesta por la deconstrucción de estereotipos de género en la danza y, desde la comedia, la irreverencia y el absurdo abordará fragmentos de El lago de los cisnes, El Corsario y Go for barroco.

ConCierta Incontinencia, será presentada por las Histriónicas Hermanas Hímenez el jueves 23. En esta propuesta, el grupo punk se reencuentra después de años para “cuestionar el sistema heterosexual en el que vivieron” y retomar el control de sus propias vidas.

El sábado 25 de junio, Esperanza Drag. Concurso de Lyp Sync de Javier Rojas Trejo, reunirá a múltiples drags en diversas competencias para mostrar su talento, coraje y disciplina. En estecontienda se entregará el Reconocimiento a la Trayectoria Torcida, distinción que se hace a una persona que ha luchado por la defensa de los derechos LGBTTTIQ+.

¡Viva! de Manuel Liñán, ofrece un recorrido por las memorias del reconocido intérprete, en las cuales se observan las reglas sociales y artísticas que vivió durante su infancia. El espectáculo retomará extractos de Juego y teoría del duende de Federico García Lorca. La cita es el domingo 26.

El 30 de junio, se presentará Cabaret-Drag Queen / Floreciendo de noche, propuesta en la que se acompañará a Luis Omar en un cabaretesco viaje de comprensión hacia la diferencia; un espectáculo lleno de humor, música y crítica social y política.

En julio el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ofrecerá funciones de Acá en la Tierra, autoría de Luis Eduardo Yee y dirección de Rebeca Trejo, que presentará, el domingo 3 de julio, una puesta en escena para niñas y niños que aborda el tema de las infancias trans de una manera lúdica y amorosa.

La Roña. Como veo… ¡doy!, dirección de Darío T. Pie, se ofrecerá el jueves 7 de julio, un espectáculo en el cual el personaje principal utilizará toda la libertad que le da el cabaret para hablar de sexualidad, amor, sociedad y política.

Junio en el 93 de Luis Mario Moncada, bajo la dirección de Martín Acosse presentará el sábado 23 de julio en el mismo recinto para hablar y recordar cómo era vivir con VIH hace casi treinta años.

El Foro A Poco No presentará los días 23, 24 y 26 de junio el espectáculo sonoro de PYA: Música de cerca, que explorá esas canciones que hablan sobre amores alternos, de vidas paralelas y de formas diferentes de caminar, de existir, de vivir.

Del 4 al 26 de junio, el Teatro Benito Juárez ofrecerá Transbordador Zel, de Tony Corrales y dirección de Alejandro Cervantes, que narra la historia de un pequeño piloto que se embarca en una aventura, junto a su mejor amigo Phew Phew, para descubrir que quién eres puede ser la más atemorizante y grandiosa aventura de todas.

Conejos en el Valle de la Muerte, último trabajo escénico dirigido por Ángel Norzagaray, regresa a Teatros Ciudad de México del 9 al 19 de junio. Con Juan Manuel Raygoza, Héctor Jiménez y Abel González, la propuesta aborda una complicada situación de amor, amistad y muerte.

Del 26 al 29 de mayo, en el Teatro Sergio Magaña, se presentará Vibraciones del Alma, un espectáculo dancístico, en el cual una mirada y el caminar incitan al deseo, a explorar emociones para desbordar pasiones y sacar lo mejor y lo peor de los personajes.

La Cantaleta, dirección de José Alberto Patiño, ofrecerá del 16 al 26 de junio, como un collage musical cabaretero, inspirado en la televisión nacional con humor, parodias y comerciales y humor.

Artes plásticas

La Galería Los Signos del Zodiaco del Teatro Sergio Magaña tendrá la exposición Proyecto 21. 17 años de Dragtivismo, la cual muestra fotografías, videos y material documental de dicho colectivo con una serie de bocetos.A partir del 26 de mayo (y hasta el 3 de julio).

Mientras que, la galería PRPG se une al ciclo con El Futuro es Queer. Disidencias, del 11 de junio al 30 de julio, donde habrá una muestra de artistas de múltiples generaciones, géneros, influencias y actitudes que declaran frente a los prejuicios del futuro Queer. En esta edición, se contará con la participación especial de Javier de la Garza.

Entre lenchas, vestidas y musculocas comprende un amplio foro de manifestaciones artísticas que indagan en la Fortaleza, la Expresión y la Belleza. Surgido en 2017, el ciclo invita a concientizar a través del arte, a ejercer los derechos culturales y humanos de manera plena.

Con información de la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México, Fotos: Cartel oficial