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Miradas microscópicas de paisajes particulares es una forma distinta de acercarse a las artes escénicas. Más que teatro, estamos ante un ensayo “mediatúrgico”. Es decir, una propuesta híbrida (presencial – online) que utiliza medios que incluyen la fotografía, video, sonido y paráfrasis escénicas para indagar sobre la ausencia.

Se trata de un trabajo del Colectivo Búnker, que nace de una convocatoria realizada por Auda Caraza y Luis Conde durante la pandemia, a través de la cual se conocieron a través de videollamadas y chats creadores y personas de México, Argentina, Colombia, Perú y Ecuador.

Te damos tres razones por las cuales ver este montaje que se presente en el Teatro Santa Catarina de la UNAM.

1. Investigación escénica sobre herramientas tecnológicas. Para parte de la audiencia puede resultar cansado volver sobre la experiencia -que muchos quisieran olvidar- de la pandemia. Sin embargo, es interesante e importante echar una mirada sobre las herramientas que la contingencia sanitaria puso a nuestro alcance. Este montaje precisamente indaga sobre los usos potenciales de estas herramienta en el suceso escénico.

2. Multimedia aplicada. El formato de esta propuesta permite trascender, casi en tiempo real, las distancias. Este montaje, a través de un formato híbrido, con actrices sobre el escenario pero también personas conectadas a distancia, el uso de foto, video, sonido y música permiten al Colectivo Búnker realizar una reflexión sobre la ausencia y el aislamiento.

3. Teatralidad no narrativa. Se trata de una obra sin un texto específico que tiene variaciones a lo largo de sus distintas funciones. La conectividad con todas sus posibilidades y los problemas que acarrea – fallos de señal, energía, etc. – plantea retos escénicos a los participantes de esta experiencia. Se trata también de una manera de expandir – a partir de la experiencia pandémica – las redes y posibilidades de colaboración y creación.

Este montaje es una propuesta que debes experimentar si estás interesado en las propuestas escénicas que experimentan y buscan nuevas rutas de creación. Se aleja de la vivencia puramente escénica para adentrarse en el uso de diversos elementos que acercan a este trabajo a la video instalación y el arte digital, sin perder por ello la experiencia vivencial que las actrices Arely Villamar y Diana Castillo van guiando y dotando de coherencia.

Así que ya lo sabes, si lo tuyo es el teatro con una propuesta no convencional, Miradas microscópicas de paisajes particulares, que cuenta con la dirección de Auda Caraza y Luis Conde, es una obra que puedes disfrutar.

Para más información, horarios y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Réquiem de Reynolds Robledo, bajo la dirección de Enrique Singer, es un montaje con toques de drama judicial y que aborda temas éticos. En el cual los elementos se van acomodando para mostrarnos una realidad más amplia de lo que en un inicio se nos presenta.

Te platicamos tres razones por las cuales debes ver esta obra.

1. Un texto que explora dilemas éticos. La dramaturgia de Reynolds Robledo construye una ficción a partir de la pena de muerte. Desde la espera como punto departida, sus personajes van revelando información personal y sus posturas. A cuenta gotas el dramaturgo va proporcionando al público esta información, lo cual abona para mantener su atención.

2. Las actuaciones. Mónica Huarte y Alberto Estrella son los encargados de tomar la estafeta de Hernán Mendoza y Ludwika Paleta, quienes hace varios años protagonizaron esta obra. Tanto Estrella como Huarte construyen a sus personajes a través de ideas, matices  y emociones, permitiendo la reflexión sobre lo que el público está viendo sobre el escenario.

3 .Dirección asertiva.  La dirección de Enrique Singer logra potenciar las actuaciones y al texto. Permite variaciones a los intérpretes y dinámicas que le dan profundidad a los personajes a los que dan vida Alberto Estrella y Mónica Huarte. Se trata de una obra ideal para quienes disfrutan de un drama judicial con gama emotiva, matices y variaciones.

El montaje se presenta los viernes y los sábados en el Foro Shakespeare. Réquiem es una obra que no te puedes perder si buscas una experiencia teatral emocionante y que confronta al público con un tema controvertido.

Para más información, horarios, boletos y más, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado

School of Rock está por estrenarse en el Teatro Independencia San Jerónimo. Con un elenco encabezado por Irán Castillo y Diego de Erice, y 13 niños en escena.

Estuvimos en un ensayo y entrevistamos en exclusiva a Diego de Erice para platicar de la obra. El actor nos dijo que el montaje lleva un mensaje para los padres de familia. Es, nos dice, una obra para toda la familia que busca sembrar la semilla de cómo deben confiar en sus hijos y en las nuevas generaciones.

De Erice, además, considera que es una obra divertida y ágil. En ella el público encontrará un gran esfuerzo por parte de las niñas y niños que son parte del elenco. “Cantan, tocan en vivo, se han apropiado de sus personajes y van a ver cómo en la historia ellos toman al rock and roll como el vehículo que los va a llevar a lo que realmente quieren ser”, dijo. Se trata, afirmó, de una obra ágil y divertida.

En este sentido, reflexionó, “al mismo tiempo en la vida real esta obra los está llevando, tal vez, a lo que realmente quieren ser”, lo cual, agregó, es un ejercicio interesante. Destacó la dirección de Ricardo Díaz, quien encauza las ganas y energía que tienen los niños de hacer las cosas. “Es como una versión teatral de la realidad de lo que estamos viviendo en el montaje.

Tiene además esa capacidad que tiene el teatro de “despertar algo dentro, que es justamente la magia del teatro, eso que no sabes describir”.

Sobre su coestelar, Irán Castillo, el actor destacó que es una mujer profesional y entregada. Repetir una dupla, dijo, les vino muy bien a ambos.

Le cuestionamos sobre Como quiera… ¡Perro ámame!, obra que él escribió y estrenó hace 14 años. Sobre la cual nos dijo que ha sido una obra muy importante, la cual ya lleva más de 6 mil funciones y permanece en cartelera. “Simboliza muchísimo, es romper con la idea de que no puedes vivir del teatro, de que no puedes vivir del arte, yo lo he hecho, y lo he hecho muy bien”, la moraleja, consideró, es que cada proyecto que se realice se debe imprimir el 100%.

Al contrastar ambos musicales, consideró que Como quieras… ¡Perro ámame! es un musical “más desnudo, más íntimo”, y School of Rock es mucho más lucidor con muchos niños en escena, banda, orquesta en vivo. Sin embargo, agrega, “no deja de ser la misma fórmula del musical, donde tienes que enganchar al público desde la actuación, las anécdotas vividas, lo que puedas tú generarles a través de tu actuación y cómo conmoverlos desde la música”. En este sentido, agregó, ambos tienen momentos en los que el público ríe o se pone más sensible, ambos, afirmó, son como una montaña rusa.

Este musical, basado en la película de Mike White y con música original de Andrew Lloyd Webber, cuenta con la dirección de Ricardo Díaz y la producción de Claudia Rangel. Además, en su equipo creativo participan, entre otros, Santiago Burgos en la escenografía, la dirección musical de David Laurent, y coreografías de Alex Valdés.

Ricardo Díaz, director del montaje, nos dice que este musical expone un poco los dolores y preocupaciones que los niños pueden tener, “quizá esta presión que ejerce involuntariamente la sociedad”. Para él, director, School of Rock es un musical divertido y sorprendente, “no tengo palabras cuando empiezan los ensayos y los niños chiquitos empiezan con esa energía”, es muy sorprendente. Es, remató, también emotivo: “Te deja pensando mucho y hay muchos momentos donde el corazón se te aprieta un poquito, y eso debe hacer el teatro, el teatro debe conmover, contar una historia y tocar las fibras más sensibles del corazón”.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro

Terminamos el proceso de nominaciones en los Premios del Público 2024. Nuestro jurado, compuesto por personas del público, asistieron durante un año a las obras seleccionadas y determinaron que las nominadas y nominados en cada categoría.

Mejor Obra

¡Violencia! Esta coproducción de la Compañía Nacional de Teatro y el Centro Cultural Helénico conjunta un texto refrescante, una dirección sólida y al elenco de la CNT en un montaje divertido y sorpresivo. Además de talento joven en muchas de sus intérpretes y del equipo creativo.

Rosy. Bajo la producción de Nocturno Teatro, es una obra llena de humor negro que lanza una mirada sobre la injusticia. El montaje cuenta con grandes actuaciones y una dirección que da coherencia a todos los elementos sobre el escenario.

El padre. Mediante la dirección, las actuaciones, la iluminación y la escenografía, este drama nos presenta la perspectiva de un padre que está perdiendo la memoria y la de una hija que debe tomar una difícil decisión. Bajo la producción de Alejandro Gou, Óscar Uriel y Guillermo Wiechers esta producción se ha mantenido con sala llena durante dos temporadas.

Peter Pan que sale mal. Una divertida comedia llena de caos que reúne a personajes entrañables, un elenco sólido y una compleja escenografía que nos transporta a Nunca Jamás. Próspero Teatro produce este montaje que se ha convertido ya en una de las comedias favoritas del público.

Duda, una parábola. Playhouse Entertainment produce este drama que cuenta con grandes actuaciones, música que acompaña la trayectoria emocional de los personajes y un texto que plantea dilemas éticos y morales. Una experiencia teatral que confronta

Emilia. Un montaje realizado por mujeres que rescata la figura de Emilia Bassano, para tomarla como punto de partida para hablar sobre los obstáculos y retos a los que se ha enfrentado la mujer desde la época de Shakespeare hasta la actualidad. Este espectáculo, producido por MIO Projects, a través del sarcasmo critica la invisibilización de la mujer, el machismo y la opresión, sin nunca perder de vista la diversión ni lanzar juicios sumarios contra hombres ni mujeres.

Nominadas Mejor Actriz

Hay personajes femeninos como Lisístrata, Julieta, Medea, Electra, Nora, Blanche o Bernarda que son sinónimos del teatro. Estos personajes se han clavado en nuestra memoria no solamente por su fuerza en los textos de los que surgieron, sino por las interpretaciones que extraordinarias actrices han hecho de ellas. En esta edición de los Premios del Público las nominadas son:

Margarita Sanz por La golondrina. Su actuación magistral nos sumerge por completo en la historia de Amelia, una madre que ha sufrido la pérdida de su hijo en un atentado terrorista, invitándonos a acompañar a esta mujer en su búsqueda de sanación.

Margarita Sanz en La gaviota. La primera actriz da vida a Arkádina un personaje que por momentos se muestra empoderada y por otros vulnerable. Se trata de una mujer divertida, encantadora, vanidosa y narcisista que, en todo momento, cautiva la atención del público.La maestra Margarita Sanz nos ofrece momentos emotivos, divertidos e incluso musicales en esta interpretación del clásico de Chéjov.

Lucía Uribe por Emilia. La versatilidad de su interpretación de distintos personajes, con un tono cómico y ácido, nos presenta a un William Shakespeare que se mueve entre la seducción, el cinismo y el abuso. Acercando al dramaturgo a lo terrenal y llevando al público a un juego de posibilidades

Arcelia Ramírez por Todos eran mis hijos. La actriz interpreta a una madre que, ante la realidad, prefiere creer en una mentira, o tal vez, sostener conscientemente esa mentira. Su concentración, precisión y fuerza dan vida a la obra de Arthur Miller. La actriz ganó este reconocimiento en la edición de nuestros premios en el 2019.

Teté Espinoza por Rosy. A través de la música, el canto y el baile, la actriz crea un personaje arrojado, franco, rebelde y tierno a la vez que transmite al público la mirada, la sonrisa y la soltura desafiante de una niña. Logra crear un personaje entrañable que a través del humor detona una reflexión en torno a la desigualdad social.

Assira Abbate por Sueño de una noche de verano. Assira interpreta al icónico Puck. Su actuación juguetona, lúdica y control corporal son elementos que convierten al personaje en un duende entrañable que pone en apuros a los personajes de la clásica comedia de William Shakespeare. La actriz regaló al público momentos de diversión y vuelve al público cómplice de sus travesuras.

Nominados a Mejor Actor

En esta categoría nuestro jurado reconoce la mejor interpretación masculina dentro de un montaje, aquella que hizo sentir esa indescriptible sensación que provoca una gran actuación. Los nominado son:

Boris Schoemann por La gaviota. El maestro da vida a Sorin, un hombre divertido, sabio y lúcido que envejece sin perder el sentido del humor y ve desde el interior las complejas relaciones dentro de la familia del clásico de Chéjov.

Luis de Tavira por El Padre. El maestro Luis de Tavira conmueve al público con su talento y entrega. Da vida al protagonista de este montaje, escrito por Florian Zeller, y con ello construye a uno de los personajes más memorables de los últimos años.

Rodrigo Murray por Leonardo. Murray además de escribir y dirigir este montaje, da vida a un personaje jovial, tierno y resiliente. Durante la obra conecta con el público y le da momentos de diversión y risa, pero también cargados de emotividad.

Diego Meléndez por Sueño de una noche de verano. Con energía, baile, sensualidad y comedia Diego Meléndez brinda una gran actuación sobre el escenario. Durante cerca de dos horas logra mantener la atención del público a pesar de la exigencia física de este montaje del clásico de William Shakespeare.

Juan Fonsalido por El Mago. El actor nos regala un personaje entrañable en este musical. Su autenticidad y capacidad para transmitir emociones mediante el canto, baile y actuación crea un espantapájaros único y memorable.

Antón Araiza por Rosy. Con su versatilidad, Antón Araiza nos regala una magnífica -y nada sencilla- actuación al interpretar a un niño. Destaca en su interpretación la sinceridad y la sutileza, lo que da por resultado un personaje genuino, auténtico y convincente.

Nominaciones para Mejor Diseño de Arte

La escenografía, la luz y el vestuario son aspectos esenciales que completan una producción teatral. Por encima de la complejidad técnica, lo más importante es que estos elementos se integren de manera coherente con la historia y contribuyan a su desarrollo. En conjunto, conforman nuestra categoría de Mejor Diseño de Arte. Las nominadas son:

Peter Pan que sale mal. Esta comedia cuenta con un dispositivo escenográfico complejo, que incluye una plataforma giratoria que permite que los “accidentes” en escena sucedan. La iluminación complementa los efectos especiales, y el vestuario nos transporta al cuento clásico. El diseño escenográfico es de Simon Scullion, adaptado a México por Emilio Zurita. La iluminación, diseñada por Matt Haskins, fue adaptada para el montaje por María Vergara. El vestuario de Roberto Surace cuenta con la supervisión y adaptación para el elenco mexicano por Estela Fagoaga.

El padre. El trabajo realizado por Jorge Ballina, en la escenografía; Ingrid Sac en la iluminación; y Natalia Seligson en el vestuario, logran que el público viva la confusión y se sumerja en la mente del protagonista de este drama. Los recursos escénicos generan la sensación de memoria dislocada, de conexiones que se rompen y hacen cortocircuito. El vestuario de los personajes es el que usaría una persona común en su día a día, crean un contraste y marca el ritmo de un tiempo cotidiano que se mueve en paralelo al del protagonista.

El mago (The Wiz). De manera atractiva y divertida, el diseño de arte de este montaje cuida cada detalle para que el público pueda adentrarse en las características de todas las regiones del mágico Oz y los personajes que las habitan. Se trata de un minucioso trabajo realizado por Óscar Acosta en el diseño de escenografía; Carlos Mendoza y Andrés Mendoza en el diseño de iluminación; Víctor & Jesse en el diseño del vestuario de Lucero Mijares y Jair Campos en el diseño del vestuario del resto del elenco y del ensamble.

Leonardo. La escenografía de este montaje es poco común, se trata de una escultura cinética realizada por el artista plástico Sebastián. Rodrigo Murray, protagonista de este unipersonal, interactúa y manipula la estructura para desplegarla de diversas formas. El vestuario, de Marcela Valiente, y la iluminación, de Félix Arroyo, transportan al público a diferentes espacios y recrea obras de Leonardo Da Vinci.

Todo el mundo habla de Jamie. Color, luces y movimiento crean el universo luminoso, divertido y optimista en el que Jamie lucha por cumplir su sueño y nos habla sobre identidad, resiliencia y respeto. Jorge Ballina estuvo encargado del diseño de escenografía, Félix arroyo del diseño de iluminación y Lisa Katnic del diseño de vestuario.

Emilia. El diseño de arte de este montaje creado totalmente por mujeres ubica al elenco en distintos espacios de la época isabelina. Desde un teatro isabelino hasta un palacio. Las encargadas de este trabajo fueron Daniel García Moreno en el diseño de escenografía, María Vergara en el diseño de iluminación y Giselle Sandiel en el diseño de vestuario.

Nominaciones Dramaturgia en español

Una buena historia es el primer paso para lograr una gran obra de teatro. Textos sorprendentes, conmovedores, visionarios, valientes, a lo largo de la historia han dejado su huella. En esta categoría reconocemos a la dramaturgia contemporánea en español. Los nominados son:

¡Violencia! – Valeria Loera. La joven autora logra una historia divertida y sorprendente donde Violencia, la protagonista, enfrenta una ruptura amorosa. Su personalidad se desdobla en distintos personajes que que reflejan diversas facetas de ella, desde la violencia tierna hasta la lujuriosa.

Tierra de Fuego – Mario Diament. Un drama que el día de hoy es más vigente y relevante que nunca. Un drama relevante que conmueve y lleva a la reflexión. Es una invitación del autor argentino para que repensemos nuestras posturas, pero, sobre todo, para que nos demos la oportunidad de ser empáticos y de tender puentes. Un texto que nos dice que algo fundamental para construir caminos para la paz es escuchar la historia del otro.

Leonardo – Rodrigo Murray. Murray escribe un monólogo que nos presenta a Leonardo Da Vinci y sus inventos, al mismo tiempo que narra la historia de un padre que lucha por dejar su marca. Una mirada desde el teatro sobre la vida y el propio teatro en la cual nos podemos ver reflejados. Desde la vida del genio renacentista Murray nos lleva a reflexionar sobre la naturaleza del éxito y la trascendencia.

La golondrina – Guillem Clua. Una historia que aborda la crueldad y el dolor, pero también la esperanza y el entendimiento. Se trata de un texto conmovedor que plantea una pregunta fundamental a partir del arte, y que hoy como nunca como humanidad nos ayudaría responder: ¿Qué es lo que nos hace humanos?

Django con la soga al cuello – Antonio Vega. Antonio vega aborda la depresión de una manera esperanzadora. Una historia tierna, conmovedora y divertida. Django nos habla de solidaridad y amistad, entendiendo que cada historia es muy personal. Con una estructura que se mueve entre el “roadtrip” y el western el autor nos habla de una tema importante.

Avistamiento de ballenas – Angélica Rogel. Hasta qué punto se puede involucrar al público en el proceso creativo, Angélica Rogel logra una estructura dramática sólida que permite a los actores interactuar con el público para improvisar sobre una historia que aborda los territorios personales y las relaciones amorosas. Se trata de una historia divertida y refrescante.

Mejor dirección

La dirección es el elemento que da coherencia a todos los elementos que vemos sobre un escenario. Desde las actuaciones, matices, integración de las propuestas escenográficas, de iluminación, vestuario, etcétera. Es la mirada fina sobre la cual se construye un gran montaje, que logra “hilvanar” todos los elementos sin que “veamos las costuras”. Las nominaciones son:

Alejandro Velis – Rosy. Logra conjuntar, en una propuesta refrescante, música, baile y teatro para abordar un tema vigente en América Latina. A través del humor negro toca temas que son todavía rezagos que vivimos en nuestro continente. De su mano, su sólido elenco, logra interpretar a niños de una manera genuina y convincente.

Antonio Vega – Django con la soga al cuello. Junto con Ana Graham, directora de cámaras, logran que el teatro y la multimedia convivan en una propuesta esperanzadora y entrañable. Es un montaje poco convencional, su director logra, a través de miniaturas, maquetas, marionetas, música y cámaras, que logra una belleza visual cargada de poesía.

Angélica Rogel – El padre.  Angelica reúne un equipo de actores sólidos que ofrecen una gran actuación. Amalgama la interpretación de Luis de Tavira, una institución en el teatro mexicano, con la del resto de su experimentado elenco. Logra que todos los elementos funcionen perfectamente para cumplir con el propósito. A pesar del cuidado y la calidad en cada una de las áreas del montaje, ninguna se impone por encima del objetivo de narrar esta historia, lo que muestra la mano y capacidad de su directora.

Diana Sedano – ¡Violencia! La directora, con un amplio elenco a su disposición, da coherencia a cada uno de sus personajes, logrando que cada faceta de la protagonista tenga matices y características distintivas. Sedano crea el mundo complejo y fascinante en el que Valeria Loera imaginó habitando a Violencia. Desde la empatía, la directora canaliza el trabajo de elenco y equipo creativo, logra que todos los elementos fluyan hacia un mismo destino, que sean partes de una maquinaria que funciona a la perfección.

Rodrigo Murray – Leonardo. Logra integrar un recurso poco común en la escena y lo convierte en un personaje más de la historia, transportándonos a imágenes que hacen referencia a la obra de Leonardo Da Vinci. Mantiene la conexión del público con el personaje de este unipersonal y mantiene el equilibrio entre su interpretación y su interacción con la obra del artista plástico Sebastián, pieza que funciona como escenografía y que se convierte en coprotagonista de esta historia.

Adam Meggido – Peter Pan que sale mal. La exactitud del trazo escénico, así como el funcionamiento de los elementos que acompañan la obra, se convierten en un engranaje perfecto que provocan un divertido caos. Poner a funcionar esta maquinaria que incluye grandes dispositivos escenográficos, luces, actuaciones precisas e intensas, y demás elementos, requiere de una dirección efectiva al 100%.

Las relaciones entre hermanos son un vasto terreno emocional que ha sido explorado y representado a lo largo de la historia la literatura, como es el caso de los hermanos Karamázov de Dostoyevski, las hermanas Bennet de Austen y los hermanos Pevensie de la saga de C.S. Lewis o los hermanos Weasley de la saga de J. K. Rowling, por mencionar algunos.

Desde la rivalidad y la lealtad hasta la complicidad y la traición, cada historia busca sumergirnos en las dinámicas fraternales, ofreciendo un vistazo cercano a la complejidad que abunda en los lazos familiares. Además, estas narrativas nos invitan a reflexionar sobre la influencia del pasado, las expectativas compartidas y los secretos enterrados, revelando así las profundidades insondables de amor y resentimiento que pueden coexistir dentro de una misma familia

Actualmente en cartelera, se presentan tres montajes cuya trama central son las relaciones entre hermanos, convirtiéndose en una suerte de terapia:

Q.E.P.D. Hasta que la muerte nos una. Un montaje conmovedor y lleno de suspenso escrito y dirigido por Alan Blasco, oriundo de Veracruz que muestra a tres hermanos que se reúnen tras siete largos años, tras la pérdida de su madre. Juntos, se enfrentarán a una difícil decisión: ¿cremarla o enterrarla? Sin embargo, esta elección desencadenará una serie de secretos, intereses y verdades ocultas que transformarán por completo sus vidas. Las funciones son en el Teatro Tepeyac.

Archipiélago. Una historia desgarradora nos espera, donde cuatro hermanas han crecido sin la figura materna. Cada una guarda su propia versión de los hechos, sus propias heridas y cicatrices. Durante una velada navideña, seremos testigos de cómo estas cuatro mujeres, aparentemente distantes como islas solitarias, se enfrentan a su pasado y las secuelas que dejó en ellas la ausencia de su madre, desatando un fuerte oleaje que abrirá las heridas del pasado. Se presenta en el Foro Shakespeare.

Hermanas. En este montaje vemos a dos hermanas: Alba, trabajadora social comprometida con brindar ayuda humanitaria a refugiados y víctimas de la guerra; y Maga, una periodista inmersa en el mundo mediático de los asuntos banales. Tras un largo periodo ambas se reúnen tras la trágica muerte de su madre, desencadenando un encuentro verbal, físico y emocional de proporciones inimaginables. La temporada ocurre en el Foro Shakespeare.

Cada una a su manera nos invita a reflexionar sobre la fuerza que impera en los vínculos familiares, así como el poder del perdón y la reconciliación. ¿Llevarías a tu hermano/hermana?

Por Itaí Cruz, Fotos: Loyolus/Cortesía SANAHE

Estas divertidas propuestas han logrado conquistar al público gracias a su gran habilidad para hacer reír y conectar con la audiencia, manteniéndose en cartelera durante años e incluso décadas.

Con diálogos ingeniosos, personajes entrañables y situaciones hilarantes, estas 4 comedias teatrales son verdaderas joyas del entretenimiento que perduran en la memoria colectiva, deleitando a generaciones enteras de espectadores.

Como quieras, ¡Perro Ámame!. Con más de 10 años en cartelera, esta comedia musical ha visto desfilar a un sinfín de actores y actrices. Algunos se han mantenido en el elenco, mientras que otros han regresado después de varios años. La trama gira en torno a una mujer y un joven que, tras ser plantados por sus citas en un restaurante, deciden pasar la velada juntos. Utilizando conocidas melodías de los años 80, nos cuentan los sinsabores de las relaciones de pareja. Las funciones son de jueves a domingo en el Teatro Renacimiento.

12 princesas en pugna. Esta parodia del mundo de las princesas, liderada por Disney, acaba de celebrar sus 13 años en escena. A lo largo de su trayectoria, ha contado con la participación de diferentes actrices, manteniendo siempre la esencia de la historia en la que las princesas se reúnen para resolver un problema que afecta a Cenicienta. Con el tiempo, descubrimos que tal vez todos fuimos engañados con el concepto de “Felices para Siempre”. Se presenta todos los jueves en el Teatro Xola.

Toc Toc. Una comedia sumamente irreverente que ha ido y venido de la cartelera, y que se resiste a cerrar el telón. Con el paso del tiempo, ha contado con un ejército de actores y actrices de distintas generaciones, aportando frescura al montaje. En esta última temporada, han introducido una nueva dinámica que desafía al elenco: no solo alternan funciones, sino también personajes. Esto nos incita a regresar no solo una, sino varias veces, para presenciar las diversas combinaciones que se desarrollan en escena. Las funciones son de viernes a domingo en el Teatro López Tarso del Centro Cultural San Ángel.

Las Meninas. Desde su llegada a los escenarios, esta peculiar comedia musical histórica ha logrado conquistar al público gracias a su forma fascinante y divertida de narrar momentos de nuestra historia. Aderezada con situaciones ficticias y melodías tomadas de los musicales más famosos, cada dos meses nos sumerge en la vida de algunos de los personajes más importantes de nuestra historia o en momentos que marcaron nuestro pasado. Todo cobra vida a través de tres tías aristocráticas que han tomado residencia en el inmueble de la calle Lucerna 64. La temporada actual ahonda en la figura de Porfirio Díaz, en el Teatro Milán.

¿Y tú, cuántas veces las has visto? ¿Cuál es tu favorita? 

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía produccioón, IG 12princesasenpugna

En el marco del Día Mundial del Libro, desde el día de ayer se realiza la décimo sexta edición de la Fiesta del Libro y la Rosa. Este año el tema del evento es Los susurros de las lenguas: lenguajes y escrituras. Esta celebración mundial, en México la organiza cada año la Universidad Nacional Autónoma de México. Desde ayer y hasta mañana 21 de abril se extenderá esta celebración.

Si bien la fiesta central tiene su epicentro en el Centro Cultural Universitario de la UNAM, en Ciudad Universitaria, diversos espacios culturales y museos de la UNAM se suman a la celebración. El teatro no pude faltar en esta fiesta dedicada a los libros.

Como parte de la oferta editorial se ofrecerán libros impresos en coedición por Libros UNAM y la Dirección general de Teatro. Entre los títulos disponibles se encuentran  No hay más poesía que la acción. Teatralidades expandidas y repertorios disidentes, de José A. Sánchez y Esther Belvis; Obra Negra, Olimpia 68, Una versión de Hamlet. Tres textos para la escena, escrita por Flavio González Mello; La imaginación mítica y el actor. Ejercicios, inspiración y consejos para el actor del siglo XXI, de Marissa Chibás; La edad de la punzada. Dramaturgia para adolescentes, una antología seleccionada y presentada por Alegría Martínez.

En el Centro Cultural Universitario de la UNAM se suman a la Fiesta del Libro y la Rosa los montajes El alma buena de Sezuán del Carro de Comedias; Las criadas. Una guerra infinita, en el Foro sor Juana Inés de la Cruz;y El navío de los ingenuos, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón; además de La bóveda de las palabras olvidadas, en el Centro Universitario de Teatro.

También se presentarán las producciones Acting, Obra De Teatro en Lengua De Señas Mexicana, de Bruno Salvador, en el Foro Libertad; La compañera (o mi mamá es un héroe), en el Foro M68 del Centro Cultural Tlatelolco; Identidades Migratorias: Parte I “Poéticas del desplazamiento”, en el Foro La Morada del CCU Tlatelolco; y Ehekatl en el Centro De Interpretación Xaltilolli, del CCU Tlatelolco.

Adicionalmente en la Librería UNAM del CCU se pueden encontrar distintos títulos teatrales: Las acrobacias del espectador. Neurociencias y teatro, y viceversa, de Gabriele Sofia; Cien preguntas sobre el acontecimiento teatral y otros textos teóricos, de Jorge Dubatti; El drama intempestivo. Hacia una escritura dramática contemporánea, de Carles Batlle; Teatro comunitario. Apuntes para su impulso, abordaje y proyección, de Jorge Holovatuck; Rituales de tinta. Antología de dramaturgas mexicanas, compilada por Gabriela Ynclán; e Historias sonoras. Antología de obras del Concurso Nacional de Radio Teatro Max Aub, de diversos autores.

Por Óscar Ramírez Maldonado.

El teatro es reflejo de la vida y de nuestra sociedad. Por eso no es extraño que los dramaturgos encuentren inspiración en distintos hechos e ideas. El crimen ha sido siempre un punto de partida perfecto para narrar una historia. Aquí te platicamos de tres montajes que actualmente están en cartelera y que en su trama tienen un crimen.

El insólito caso del sr. Morton. Se trata de una comedia policíaca construida a partir de los principios clásicos de la novela policiaca. Este homenaje al género fue escrita y dirigida por Martín Zapata. En ella, ha dicho su autor, se “expone la vida sexual secreta de una serie de personajes que, sin quererlo, colaboran en la creación de las circunstancias para que se produzca un crimen insólito”. Con este montaje la compañía Los tristes tigres celebran 19 años de existencia, la puedes disfrutar en el Teatro del Bosque Julio Castillo.

Las criadas. Una guerra infinita. Es una adaptación realizada por Emma Dib y Lydia Margules a partir de Las criadas, de Jean Genet. Bajo la dirección de Margules actúan Teresa Rábago, Esther Orozco y Muriel Ricard. La historia nos habla de Clara y Solange, dos hermana que se encentran entre el anhelo de poder y posesiones, el deseo de estatus y su realidad cotidiana como “las criadas”. Se dice que el autor francés se basó -aunque él siempre lo negó – en el caso de las hermanas Papin, ocurrido en Francia a finales de la Segunda Guerra Mundial. Las hermanas Papin, que realizaban trabajo del hogar en una casa, asesinaron a la señora de la casa y a su hija sin un aparente motivo justificado. En esta adaptación los personajes establecen dinámicas de poder desde las violencias cotidiana, las cuales son también “una forma de guerra”, señala Margules en el programa de mano de la obra. Se presenta en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del CCB de la UNAM.

Réquiem. Un crimen del cual solo sabemos por lo que nos dicen los dos personajes de esta obra, es el punto de partida para el encuentro de una abogada y un sacerdote. Estos personajes se enfrentan en un diálogo en el que se confrontan sus posturas. De la autoría de Reynolds Robledo, esta obra cuenta con la dirección de Enrique Singer y las actuaciones de Mónica Huarte y Alberto Estrella. Se trata de un drama legal en el cual, a partir de la ficción, se abre un debate sobre la pena de muerte. Tiene funciones en el Foro Shakespeare.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: José Jorge Carreón.

Está finalizando la V edición de los Premios del Público y nuestro jurado está por terminar su encargo. Nos llena de alegría anunciar que abrimos la convocatoria para conformar el nuevo Jurado del Público para la Sexta Edición de los Premios del Público Cartelera de Teatro. Este jurado será el encargado de entregar los reconocimientos a lo mejor del teatro que se hace en la Ciudad de México.

Si tu pasión es el teatro, tú puedes ser parte de esta historia y ser uno de los 12 elegidos para formar parte de nuestro jurado, o uno de los 3 jurados suplentes, el cual tendrá la responsabilidad y el privilegio de juzgar durante todo un año el quehacer teatral en nuestra ciudad.

Para conocer toda la información e inscribirte haz clic aquí.

Razones para traer a cuento a William Shakespeare hay muchas. Pero cada abril es inevitable sacar a pasear su nombre y su obra, pues se conmemoran su natalicio y su fallecimiento.

Este año, el dramaturgo y poeta cumple 460 años de su llegada al mundo y 408 de haber partido y, con ello, de convertirse en algo más que un mito o leyenda dentro de las letras universales. No por algo se decidió instaurar el 23 de abril, para evocar su partida -aunque los más y mejor enterados confirman que la fecha correcta es el 6 de mayo- como el Día Mundial del Libro. Y aunque se trata de un honor altísimo -compartido con el novelista y poeta español Miguel de Cervantes Saavedra, quien partió entre el 22 y el 23 de abril de 1616- la celebración a Shakespeare sucede en los escenarios.

Aunque en alguna ocasión anterior aludimos a los muy diversos montajes shakesperianos que han habitado la Cartelera de Teatro de este nuevo milenio, ahora nos detendremos en un año particular: 2004. En este año se cumplen ya 20 años de que coincidieron puestas en escena que hoy en día se siguen evocando y, en unos casos más que en otros, se trata de verdaderos referentes del nuevo siglo.

En 2004 se estrenó la última obra del director polaco naturalizado mexicano Ludwik Margules, uno de los creadores más reverenciados de la segunda mitad del siglo XX por ese “teatro sin concesiones” que hacía encarar a sus actores y, por supuesto, al público.

Tras haber marcado la historia del teatro mexicano con su penúltimo montaje, Los justos de Camus, Margules eligió Noche de reyes de Shakespeare, en traducción de la narradora, ensayista y poeta hispanomexicana Angelina Muñiz-Huberman.

La última creación de Margules sucedió en el Teatro El Galeón, se distinguió por enfatizar los aspectos oscuros de la trama sobre cambios de identidad, caos y locura, en un escenario desnudo e iluminado con la luz fría de Mónica Raya. Arturo Ríos, Emma Dib, Diego Jáuregui, Rodolfo Arias, Claudia Lobo, Rodrigo Vázquez y Miguel Flores interpretaron los personajes principales de ésta que sería la obra final del controvertido creador.

En el Teatro Santa Catarina, Rodrigo Johnson presentó una de sus más arriesgadas propuestas: Lear. En ella, la travesía del viejo rey hacia la locura se equipara con la de Segismundo de La vida es sueño. Las escenas se presentaban alteradas en su orden original y se podía ver un intercambio de roles entre el rey y su bufón. A nadie dejó indiferente este montaje de uno de nuestros directores más sólidos. Mario Balandra -quien en la década de los ochenta interpretó al protagonista de ¿Cómo va la noche, Macbeth? dirigido por Jesusa Rodríguez– fue un Lear no anciano y Jorge Zárate fue su bufón. Ambos se movían en una escenografía de Mónica Raya.

Cuando se anunció que la Compañía Nacional de Teatro realizaría el Proyecto Shakespeare, la atención se centró en ella. La agrupación institucional, que a diferencia de lo que hoy vemos entonces funcionaba más por etiqueta que por organización, echó la casa por la ventana y propuso escenificar tres obras que compartieran la misma escenografía de Alejandro Luna y al elenco: El rey Lear bajo la dirección de José Caballero, El Mercader de Venecia dirigida por Raúl Zermeño y Sueño de una noche de verano bajo la batuta de José Solé.

El montaje de Zermeño a El mercader de Venecia trasladaba el drama al contexto de la Segunda Guerra Mundial, con lo cual el tema del antisemitismo cobraba nuevas dimensiones. Fernando Becerril primero y Oscar Narváez después interpretaron al ambicioso judío Shylock, mientras que Juan Manuel Bernal y Everardo Arzate incorporaban a Antonio, el Mercader y a su ¿amigo? Bassanio, respectivamente.

Ambos actores fueron también los enamorados Lizandro y Demetrio del montaje de José Solé a Sueño de una noche de verano cuya gran valía, amén del despliegue cómico de Alejandro Calva en el infalible personaje de Bottom, radicaba en atestiguar cómo una leyenda del teatro mexicano como José Solé -perteneciente a la primera generación de la Escuela Nacional de Arte Teatral, al lado de figuras como Ignacio López Tarso, Silvia Pinal, Luis Gimeno y Martha Ofelia Galindo– abordaba un clásico, en éste caso, cómo abordaba un Shakespeare. Para ello, contó con la traducción decimonónica, en verso, de Guillermo Macpherson.

Aunque era la obra que inauguraba el Proyecto Shakespeare, el plato fuerte, a 20 años de distancia, sigue siendo el montaje de José Caballero de El Rey Lear, debido al imponente elenco que lo encabezaba: Claudio Obregón, quien durante la década de los setenta y ochenta era reconocido como el mejor actor teatral de este país, interpretaba a Lear, en una soberbia actuación que hubiera merecido muchas más funciones de los que la obra ofreció entre 2004 y 2005.

Cuando el histrión ingresó como actor de número en la reestructuración de 2008 de la Compañía Nacional de Teatro, siempre declaró que su mayor anhelo estando allí era volver a interpretar al viejo monarca; Obregón quería regresar a esa travesía única que va de la soberbia y la majestad a la locura y la desvalidez; quería regresar a ese momento ambicionado por los grandes actores del mundo: el instante en el que Lear enfrenta la muerte de Cordelia, su hija, con la reiteración “Nunca, nunca, nunca, nunca, nunca” para después morir. El deseo del histrión de retomar el personaje no se cumplió, pero queda el recuerdo de esa memorable actuación en el escenario del Teatro Julio Castillo.

La majestad de Obregón no estaba sola en escena: junto a él, en el personaje del Bufón, Ana Ofelia Murguía conseguía otra más de sus virtuosas creaciones; el primer acto de la puesta en escena cerraba con el Bufón lanzando su chistosa y perturbadora profecía: la actriz en cuclillas, sin nada más en el escenario que su sola presencia, es una de las tantas imágenes poderosas que esta gran actriz logró en el escenario. El aplauso que venía para la actriz tras esos versos era de una calidez conmovedora.

En otros personajes clave de la tragedia estaban Julieta Egurrola, Lisa Owen, Érika de la Llave, Alejandro Calva -en sustitución de última hora del primer actor Alfredo Sevilla– y los ya mencionados Juan Manuel Bernal, Everardo Arzate y Fernando Becerril -después reemplazado por Oscar Narváez-.

Si bien se estrenó hasta 2005, en 2004 era por todos sabido que el eterno niño terrible del teatro mexicano, Juan José Gurrola, ensayaba un Hamlet que fue controvertido antes de su estreno y, al final de sus dos temporadas, histórico. La presencia de Daniel Giménez Cacho en el personaje protagónico y la noticia de la renuncia del primer actor Ignacio López Tarso durante el proceso de ensayos -era y es insólito que los medios de cultura dieran espacio a la renuncia de un actor a una obra de teatro- tras argumentar diferencias con el director, generó una amplia expectativa.

Una Dinamarca decadente y putrefacta fue el marco de todo un acontecimiento teatral: la traducción y versión del propio Juan José Gurrola -revisada por Raúl Falcó-. En escena, Giménez Cacho lograba la ácida profundidad del Príncipe. Por acuerdo con el director, la frase más célebre de Shakespeare “To be or not to be, that is the question”, era enunciada en el escena “¿Ser o no? Ser es el dilema”. La irreverencia y locura fingida del personaje central permeaba todo el montaje y al resto de los personajes, que Gurrola dotaba de un humor oscuro y una sensualidad sin tapujos.

Primero en el Teatro Carlos Lazo de la Facultad de Arquitectura de la UNAM -el alma máter de Gurrola, allí donde todo había empezado- y después en el Teatro Hidalgo, sucedía un montaje de 4 horas de duración, basado en un juego en el que el pasado más remoto se mezclaba con el presente más vivo a través del lenguaje de la traducción, la escenografía, el vestuario y la musicalización. Rogelio Guerra primero y Enrique Arreola después encarnaron al Rey Claudio, mientras Nora Manneck, Edwarda Gurrola y Farnesio de Bernal incorporaban, lúdicos y perturbadores, a la Reina Gertrudis, a Ofelia y a Polonio.

En 2004, William Shakespeare cumplía 440 años de ser el paradigma del autor universal. Y México no fue la excepción para celebrarlo por todo lo alto, desde la lengua española y con varios de los más destacados creadores escénicos que han dado consistencia a nuestras tablas.

Controvertidos, elogiados, polémicos, destazados por la crítica, aplaudidos por el público, referentes para las generaciones que los sucedieron, éstos montajes dieron muestra de que William Shakespeare va más, mucho más allá, de ser un nombre muy famoso: se trata de todo un mundo, inagotable y, por ello, permisible de que se haga y se deshaga con él, por él y para él. Y para el público, que siempre se quedará con alguna frase, con algún momento shakesperiano, para reflejarse en él. Y para aplicarlo en su vida.

Por Enrique Saavedra

Este fin de semana, las marquesinas capitalinas se transformarán en un mundo de fantasía y diversión con espectáculos diseñados especialmente para los más pequeños y sus familias para celebrar a nuestras infancias. Si bien, el festejo oficial del Día del Niño y la Niña es el 30 de abril, nos adelantamos para que puedas planear esta gran celebración.

Únete a nosotros para un día lleno de risas, música y momentos inolvidables en compañía de tus seres queridos con estas increíbles puestas en escena que te llevarán por mundos fantásticos, personajes que saltan de los libros, castillos encantados, pasajes mitológicos y muchas aventuras más.

Aprender y olvidar. Una entrañable apuesta en la que niños y adultos aprenderán el significado de la complicidad, por medio de la historia de dos nietos y un abuelo que día con día pierde un pedacito de su memoria y que está a punto de dejar su hogar para irse a un asilo. Se presenta sólo este domingo 28 de abril en La Titería.

La sirenita. Sumérgete en esta aventura acuática en compañía de Ariel, Sebastián y Flounder, basado en el cuento de Hans Christian Andersen sobre una sirenita que se enamora de un ser humano y que recurre a una perversa hechicera. La obra se presenta los domingos en el Teatro Tepeyac.

Hércules, un héroe de leyenda. Con divertidas melodías, cambios de escenografía, este musical ligeramente inspirado en la película de Disney, y cuenta la historia del joven Hércules y la aventura que emprende para convertirse en un héroe verdadero, sin embargo, en el camino deberá enfrentarse a terribles monstruos y luchar por el amor de Megara. Ofrece funciones los domingos en el Teatro Enrique Lizalde.

La peor señora del mundo. El clásico infantil de Francisco Hinojosa cobra vida en una increíble adaptación de teatro de papel. La historia plantea interrogantes en cuanto a la violencia, su naturalización y el cambio que se puede generar a través de la conciencia y la visibilización. Ofrece funciones todos los domingos en La Teatrería.

Trino en búsqueda de su poder interior. Un montaje entrañable que nos remite a nuestros días de juegos y travesuras, que combina elementos propios de la religión con creencias indígenas para traernos una historia entrañable sobre un niño que debe luchar contra sus inseguridades. Regresa a cartelera sábados y domingos, hasta el 12 de mayo en el Teatro Benito Juárez.

Jack y los frijoles mágicos. Nos cuenta la historia sobre un niño que cambia su vaca por cinco judías mágicas, de las que crece una planta gigante por la que Jack no se puede resistir a trepar. Este relato nos habla sobre el valor de la humildad y el trabajo duro. La obra se presenta todos los sábados y domingos en el Nuevo Teatro Libanés.

¡No te pierdas esta oportunidad de crear recuerdos para toda la vida y celebrar la alegría y la inocencia de la infancia en el teatro este Día del Niño y la Niña! 

Si deseas conocer otras opciones de la cartelera infantil, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción, iEve González

Considerado uno de los musicales más icónicos de todos los tiempos, la historia de Cabaret va más allá al mostrarnos una valiente exploración de la juventud, la libertad, pero sobre todo, el ascenso del fascismo, ofreciéndonos no sólo canciones memorables, sino un gran mensaje donde la decadencia se entrelaza con la política y la sociedad.

Bajo la dirección de Mauricio García Lozano, esta adaptación y traducción de Enrique Arce, la propuesta, no sólo busca cautivar a la audiencia desde su ingreso al lobby del recinto, también es un claro tributo a la legendaria trayectoria de la productora Tina Galindo, quien falleció recientemente.

Si aún no has visto en escena a Ilse Salas, Irene Azuela, Gustavo Egelhaaf, Nacho Tahhan, Anahí Allué, Alberto Lomnitz, Majo Pérez, Julián Segura, Astrid Prado, Sofía Peleteiro, Víctor Oliveira, Yazel Rojo, Efraín Félix, Renatta Bagó, Jorge Garza, Sharón Ayón, May Rubino, Tomi Martínez, Augusto Fraga, Teresa Ríos, Ignacio Pereda, Damiana Bej y Marco Camarena, aquí te damos 3 buenas razones para que acudas al Teatro de los Insurgentes:

1.Revisión contemporánea del clásico musical. A pesar de haber sido estrenada en los años 60, esta producción se siente vigente, actual y provocativa para el público del 2024. Mauricio García Lozano, a la cabeza de la dirección, ha sabido capturar la esencia del original, mientras le añade elementos que reflejan los tiempos actuales, como la fluidez de género y la sexualidad pansexual, haciendo que la historia resuene con la audiencia contemporánea.

2. De regreso a la Alemania de 1930. Uno de los grandes atractivos de este montaje es su ambiente inmersivo y envolvente que transporta al público al Kit Kat Club. Desde la escenografía de Adrián Martínez Frausto hasta la iluminación de Regina Morales, cada detalle está cuidadosamente diseñado para sumergir al espectador en la decadente atmósfera de la Berlín de los años 30,que consiguen llevar al espectador por una emocionante experiencia teatral.

3. Elenco y música en vivo. Una razón fundamental para ver este montaje, sin duda, es  poder presenciar la brillante interpretación del elenco, desde Irene Azuela como Emcee, pasando por Ilse Salas como Sally Bowles, Nacho Tahhan como Cliff y Julián Segura como Ludwig, acompañados por una orquesta en vivo y un ensamble que interactúa con el público donde quiera que este se ubique, se convierte en una puesta obligada a vivir, en el majestuoso Teatro de los Insurgentes.

Lánzate a vivir una noche colmada de música, sensualidad y déjate conquistar por el Kit Kat Club, de jueves a domingo en el Teatro de los Insurgentes, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Hoy anunciamos a los ganadores de los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024. Después de un año de intensa actividad, nuestro jurado, compuesto por personas del público que aman el teatro, han decidido a los ganadores de esta edición.

Como Mejor Obra este año registramos un empate. Este no es un caso inédito, pues en la edición 2018 de nuestros premios, El Hilador y La divina ilusión empataron como mejor obra del año. En esta ocasión las ganadoras al reconocimiento en esta categoría fueron: El padre, de Florian Zeller, bajo la dirección de Angélica Rogel; y Emilia de Morgan Lloyd Malcolm, con la dirección de Mariana Hartasánchez.

Completaron esta terna Rosy, de Cecilia Ripoll; Duda, una parábola de John Patrick Shanley; Peter Pan que sale mal, de Jonathan Sayer, Henry Shields y Henry Lewis; y ¡Violencia! de Valeria Loera.

En la categoría de Mejor Dirección y Mejor Dramaturgia en Español, la ganadora resultó ser ¡Violencia!, una coproducción de la Compañía Nacional de Teatro y el Centro Cultural Helénico. Este reconocimiento fue otorgado a Diana Sedano y Valeria Loera, respectivamente.

La terna para Mejor Dirección, también incluyó a Angélica Rogel por El padre, Alejandro Velis por Rosy, Adam Meggido por Peter Pan que sale mal, Rodrigo Murray por Leonardo y Antonio Vega por Django con la soga al cuello.

Por su parte los nominados a Mejor Dramaturgia en Español fueron, además de Loera por ¡Violencia!: Tierra del Fuego, de Mario Diament; Leonardo de Rodrigo Murray; Antonio Vega, por Django con la soga al cuello; y Guillem Clua, La golondrina.

En la categoría de Mejor Actor, el maestro Luis de Tavira obtuvo el premio por su destacada interpretación en El padre. Nuestro jurado votó mayoritariamente reconociendo la labor sobre el escenario del maestro De Tavira, una figura central del teatro mexicano, sin lugar a dudas.

Al lado del maestro De Tavira compitieron, los actores Boris Schoemann, por La gaviota; Antón Araiza, por Rosy; Rodrigo Murray, por Leonardo; Juan Fonsalido, por El Mago; y Diego Meléndez, por Sueño de una noche de verano.

En la categoría de Mejor Actriz de este año también se registró un empate. La maestra Margarita Sanz obtuvo el reconocimiento por su papel de Amelia en La golondrina. Por su parte, Arcelia Ramírez ganó en la categoría por su interpretación en ‘Todos eran mis hijos‘, convirtiéndose así en la primera actriz en obtener dos premios del Público Cartelera de Teatro como mejor actriz. Tal como ocurrió en 2019,  por su actuación en Buenas personas.

También estuvieron nominadas, la propia Margarita Sanz por su papel en La gaviota; Assira Abbate por Sueño de una noche de verano; Teté Espinoza por Rosy; y Lucía Uribe por Emilia.

Finalmente, en la categoría a Mejor Diseño de Arte, la obra Emilia obtuvo el triunfo. El equipo conformado por Daniela García Moreno en el diseño de escenografía, María Vergara en el diseño de iluminación y Giselle Sandiel en diseño de vestuario fueron reconocidas por nuestro jurado.

Los otros finalistas en la categoría fueron: Jorge Ballina (Escenografía), Félix Arroyo (Iluminación) y Lisa Katnic (Vestuario), por Todo el mundo habla de Jamie; Sebastián (escenografía), Félix Arrollo y Vania Muñoz (iluminación) y Marcela Valiente, por Leonardo; Óscar Acosta (escenografía), Carlos Mendoza y Andrés Mendoza (Iluminación), Jair Campos resto del elenco y ensamble (Vestuario) y Víctor & Jesse (Vestuario de Lucero), por El Mago;

Así como, Jorge Ballina (escenografía), Ingrid Sac (Iluminación), Natalia Seligson (vestuario) por El Padre; y Simon Scullion y Emilio Zurita (escenografía), Matt Haskins y María Vergara (iluminación), Roberto Surace y Estela Fagoaga (adaptación – supervisión vestuario) en Peter Pan que sale mal.

Cerramos nuestra edición 2024 entregando a la maestra Susana Alexander el reconocimiento a Aportación Teatral por sus 60 años de carrera sobre los escenarios en la cual ha realizado alrededor de 60 obras. Incursionando no solo en la actuación, sino en la producción, dirección y traducción. Seis décadas en la que nos ha regalado su gran talento.

¡Felicidades a todos los que formaron parte de esta edición 2024!

Hoy se dieron a conocer las nominaciones a los premios Tony en 26 categorías, que fueron anunciadas por los actores Jesse Tyler Ferguson y Renée Elise Goldsberry en vivo desde el Hotel Sofitel de Nueva York.

“Es lo mejor del mundo del teatro. Cada año, nuevos shows llegan al escenario cautivando a las audiencias con su brillante trabajo”, dijo Renée Elise Goldsberry, ganadora del Tony por Hamilton.

“Y cuando la temporada cierra, llega el momento en que estas historias remarcables son honradas y celebradas en los premios Tony”, complementó Jesse Tyler Ferguson, ganador del Tony por Take Me Out.

Los Tony, entregados por The Broadway League y the American Theatre Wing, son un reconocimiento que realmente influencia las taquillas de los teatros. La ceremonia tendrá lugar en junio y honrará los trabajos de la temporada 2023-2024.

Destacados para la edición número 77

Los nominados de este año fueron seleccionados por un comité independiente de 44 profesionales del teatro designados por el Tony Awards Administration Committee.

Los trabajos más nominados fueron Hell’s Kitchen y Stereophonic, con 13 menciones cada uno; seguidos por The Outsiders que obtuvo 12; Cabaret at the Kit Kat Club con 9 y Appropriate con 8. Una versión de Cabaret se presenta actualmente en el Teatro Insurgentes con Irene Azuela e Ilse Salas encabezando el reparto.

Para la categoría de Mejor Musical se consideraron 15 trabajos, pero fueron elegidos solo 5: Hell’s Kitchen, con música de Alicia Keys y una historia inspirada en su vida; Illinoise, musical ambientado en el álbum del álbum de Sufjan Stevens “Illinois”, en la que amigos comparten historias a través de música en vivo y coreografías sobre el primer amor, el dolor y el crecimiento; The Outsiders, ambientada en Oklahoma en 1976 y que sigue la búsqueda por parte de grupo de jóvenes en un mundo que tal vez nunca los acepte; Suffs, de Shaina Taub, sobre el movimiento de mujeres en Estados Unidos anclado en las sufragistas (“Suffs”) y su búsqueda del derecho al voto; y Water for Elephants, que se centra en un circo itinerante y que además de llamativos títeres animales cuenta con varios actos circenses.

En Revival de Musical la gran favorita es Merrily We Roll Along (que reúne en el elenco a Daniel Radcliffe, Jonathan Groff y Lindsay Mendez; los tres nominados), seguida por Gutenberg! The Musical!, Cabaret at the Kit Kat Club y The Who’s Tommy. Aunque no alcanzó nominación, también estaba considerada The Wiz, que actualmente tiene una versión en México en el Teatro Hidalgo encabezada por Lucero Mijares.

Stereophonic, una deconstrucción de David Adjmi sobre una prometedora banda de rock que graba un nuevo álbum en 1976, fue la obra más nominada, con 13 menciones; no obstante, a pesar de ser una obra, también alcanzó nominación por sus orquestaciones y por su score (letra y música), en una categoría donde además figuraron los musicales Days of Wine and Roses, Here Lies Love, The Outsiders y Suffs.

Sarah Paulson fue nominada por su trabajo en Appropriate, obra que obtuvo 8 menciones en total, y la gran favorita de la categoría de Mejor Reposición de una Obra (Best Play Revival) gracias a un talentoso elenco que interpreta a una familia disfuncional que se reúne en Arkansas en la casa de su difunto patriarca para lidiar con la herencia, pero sobre todo, con su pasado.

Otro trabajo meritorio, con 4 nominaciones, es Mother Play, la nueva obra de Paula Vogel (autora de Indecente), que inicia en 1962 y abraca varias décadas. Se enfoca en Phyllis (Jessica Lange), la madre de Carl y Martha, interpretados por Jim Parsons y Celia Keenan-Bolger desde la adolescencia hasta la adultez. Los tres actores obtuvieron nominaciones.

Lange se enfrentará en su categoría a otras dos estrellas de la pantalla: Rachel McAdams y Sarah Paulson, además de Betsy Aidem y Amy Ryan, quien entró a sustituir en Doubt a Tyne Daly luego de que esta fuera hospitalizada.

Entre las sorpresas estuvieron las nominaciones de The Notebook, que además de Libreto, contenderá en dos ternas de actuación, con Dorian Harewood y Maryann Plunkett compitiendo como Actores Principales en un Musical. La obra basada en la novela de Nicholas Sparks, que también fue llevada al cine, es uno de los grandes éxitos de taquilla esta temporada.

Además de contar con dos reconocidas figuras del escenario: Jeremy Jordan (Newsies) y Eva Noblezada (Hadestown), The Great Gatsby sorprende noche a noche con una llamativa escenografía y proyecciones diseñadas por Paul Tate DePoo III, y aunque este elemento no fue considerado, sí lo fueron los vestuarios de Linda Cho, quien emplea motivos de art déco en negro y dorado para trasladarnos a los años veinte de la famosa novela de F. Scott Fitzgerald.

A la par, también en la categoría de Diseño de Vestuario está nominado el mexicano David Israel Reynoso por su trabajo en Water for Elephants. Nacido en Guadalajara, es ganador del premio Obie, y reconocido por su trabajo en Sleep No More de Punchdrunk (Boston, Nueva York y Shanghai) y The Burnt City (Londres). Sus diseños también han llegado a prestigiosos lugares como el Ballet Nacional de Finlandia, La Jolla Playhouse, The Old Globe, American Repertory Theater, American Conservatory Theater, Portland Center Stage, Arena Stage, Berkeley Rep, Seattle Rep, Roundabout, y Signature Theatre, entre otros.

Dentro de la categoría Mejor Escenografía de un Musical (Best Scenic Design of a Musical) algunos favoritos son los trabajos de Here Lies Love, musical disco pop sobre el ascenso al poder de la ex primera dama filipina Imelda Marcos; el circo de Takeshi Kata para Water for Elephants y el trabajo de Tim Hatley y Finn Ross en Back to the Future, quienes lograron que el famoso auto de la película, el DeLorean, cobrara vida.

A continuación parte de las nominaciones:

Actor in a Leading Role/ Actor en Papel Principal (MUSICAL)
Brian D’Arcy James (Days of Wine and Roses)
Brody Grant (The Outsiders)
Dorian Harewood (The Notebook)
Eddie Redmayne (Cabaret at the Kit Kat Club)
Jonathan Groff (Merrily We Roll Along)

Actor in a Leading Role / Actor en Papel Principal (OBRA)
Jeremy Strong (An Enemy of the People)
Leslie Odom Jr. (Purlie Victorious)
Liev Schreiber (Doubt: A Parable)
Michael Stuhlbarg (Patriots)
William Jackson Harper (Uncle Vanya)

Actress in a Leading Role/ Actriz en Papel Principal (MUSICAL)
Kelli O’Hara (Days of Wine and Roses)
Maleah Joi Moon (Hell’s Kitchen)
Maryann Plunkett (The Notebook)
Gayle Rankin (Cabaret)
Eden Espinosa (Lempicka)

Actress in a Leading Role/ Actriz en Papel Principal (OBRA)
Amy Ryan (Doubt: A Parable)
Betsy Aidem (Prayer for the French Republic)
Jessica Lange (Mother Play)
Rachel McAdams (Mary Jane)
Sarah Paulson (Appropriate)

Best Musical Revival/ Mejor Reposición de un MUSICAL
Cabaret at the Kit Kat Club
Gutenberg!
Merrily We Roll Along
The Who’s Tommy

Best Play Revival/ Mejor Reposición de una OBRA
Appropriate
An Enemy of the People
Purlie Victorious: A Non-Confederate Romp Through the Cotton Patch

Best Musical / Mejor MUSICAL
Hell’s Kitchen
Illinoise
The Outsiders
Suffs
Water for Elephants

Best Play/ Mejor OBRA
Jaja’s African Hair Braiding
Mary Jane
Mother Play
Prayer for the French Republic
Stereophonic

La lista completa de las nominaciones de 2024 está disponible en www.TonyAwards.com

Elegibilidad

La temporada de elegibilidad 2023/2024 para todas las producciones de Broadway consideradas comenzó el viernes 28 de abril de 2023 y finalizó el jueves 25 de abril de 2024. Entre los estrenos más recientes tomados en cuenta para los premios estuvieron: The Wiz, Suffs, Stereophonic, Hell’s Kitchen, Cabaret at the Kit Kat Club, The Heart of Rock and Roll, Patriots, Mary Jane, Illinoise, Uncle Vanya, Mother Play y The Great Gatsby.

¿Cuándo son los Tony?

La entrega anual de los premios Tony, que será nuevamente conducida por Ariana DeBose, se transmitirá en vivo desde el Teatro David H. Koch en el Lincoln Center for the Performing Arts en Nueva York el domingo 16 de junio de 2024 (20:00-23:00 p. m. ET/ 17:00 -20:00 PT) en CBS Television Network y streaming en Paramount+ en Estados Unidos (en vivo y bajo demanda para Paramount+ con suscriptores de SHOWTIME, o bajo demanda para suscriptores de Paramount+ Essential al día siguiente).

Por Mariana Mijares, Fotos: Cortesía Producciones/ Broadway Collection/ Polk and Co

Un tropel de mariposas dinamita el aire es teatro documental y testimonial. Es un montaje que nace en el año 2021 como respuesta a un paro realizado en la Escuela Nacional de Arte Teatral. Se trata de una creación de la compañía Un tropel, la dramaturgia nace de la experiencia de todas las personas que conforman esta compañía en conjunto con Talia Yael.

La dirección corre a cargo de Micaela Gramajo y es un montaje con un formato distinto. Es una obra que denuncia pero que también propone nuevas formas de relacionarse en el ámbito educativo, dejando atrás la verticalidad y las relaciones de poder y violencia dentro de las aulas.

Aquí te damos tres razones para ver este montaje.

1. Una pregunta urgente qué responder. Como resultado de un difícil proceso al interior de la Escuela Nacional de Arte Teatral, esta obra plante una cuestión fundamental: ¿Otra escuela es posible? Para responderla este montaje nos invita a imaginar otros futuros para la educación más inclusivos, humanos y que no traten de cortar la creatividad y los sueños de las nuevas generaciones. Nos invita a pensar en un sistema más horizontal y con nuevas formas de vincularse entre autoridades, docentes y estudiantes.

2. Un collage escénico que busca reintegrar sueños. La estructura de este montaje reúne en una especie de collage viñetas. Nos habla de los temores y deseos personales de una generación. En él se integran música, teatro corporal, reflexiones personales y una revisión sobre algunos autores clásicos.

3. Una nueva generación buscando su voz. Se trata de teatro hecho por jóvenes que proponen nuevas formas de enfocar el teatro y la educación teatral. Los acompañan en esta ruta la joven dramaturga Talia Yael (ganadora en 2019 del premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo) y Micaela Gramajo, directora, investigadora, docente y actriz.

Así que ya lo sabes, si a ti te gustan obras que confrontan desde una nueva generación las formas actuales de educación y creación, con un formato que se adentra en la búsqueda, Un tropel de mariposas dinamita el aire es una obra que puedes disfrutar los lunes y martes en el Teatro Helénico. Con un elenco integrado por Alejandro Rojas, Andrea Aguilera, Arantza Durand, Danna Muñiz, Dayane Romo, Emma Malacara, Erika Mora, Fernanda Mora, Rubén Casas y Sarah Mendoza, es una manera distinta de aproximarse al teatro.

Para más información de la obra, horarios y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Jurassic World Live Tour llegó a la CDMX, y aquí te contamos todo lo relacionado con este impactante show con dinosaurios en vivo que estará durante 2 semanas en el Palacio de los Deportes.

Pre-show en vivo con dinosaurios

¿Te imaginas estar cara a cara con un Stegosaurus y un Triceratops? En el pre-show de Jurassic World Live Tour, podrás ver a estos fascinantes seres, junto con el adorable bebé Bumpy de Jurassic World: Camp Cretaceous. Además, tendrás la oportunidad de fotografiarlos de cerca, llega temprano para que puedas disfrutar de esta experiencia.

Exhibiciones icónicas

Desde el legendario jeep de Jurassic World hasta el reconocible globo de cristal de la película, el espectáculo presenta una variedad de exhibiciones que harán que los fans se sientan como en el parque mismo.

Trama emocionante

Junto a la Dra. Kate Walker y su equipo, vivirás una experiencia única. Luchas, acción, drama y romance se combinan en esta emocionante trama que nos develará si el equipo podrá salvar a los dinosaurios de unos malvados villanos que desean capturarlos. Con emocionantes escenas de acción, peleas y hasta dinosaurios voladores, el espectáculo no dejará de mantenerte al borde de tu asiento.

Diversión familiar

¿Te preguntas si es adecuado para tu familia? Desde preescolares hasta preadolescentes, Jurassic World Live Tour es un espectáculo que disfrutarán todos los niños, así como los adultos. No hay lenguaje inapropiado ni escenas demasiado aterradoras, ¡solo pura diversión para toda la familia!

Dinosaurios por doquier

Los protagonistas de la noche son, por supuesto, ¡los dinosaurios! Desde los veloces Raptors hasta el imponente T-Rex, el show presenta 24 diferentes seres que cobran vida con movimientos realistas y detalles impresionantes.

Recomendaciones:

– El espectáculo tiene una duración de 1 hora y 45 minutos, e incluye un intermedio de 20 minutos.
– Los precios van desde $4,800 hasta $500, están disponibles en taquilla y ticketmaster.

Con todo esto y más, Jurassic World Live Tour será una experiencia inolvidable para los amantes de la saga. ¡No te pierdas esta aventura única en vivo!

Por Itaí Cruz, Fotos: Escenario Ocesa/Santiago Covarrubias

En 1954 los arquitectos Pedro Ramírez Vázquez y Ramiro González del Sordo diseñaron y construyeron la Unidad Artística y Cultural del Bosque como parte de un proyecto para fomentar la cultura en la Ciudad de México. Como parte de este complejo cultural, los arquitectos proyectaron el Teatro del Bosque Julio Castillo. Fue inaugurado oficialmente el 3 de mayo de 1957 con la puesta en escena de Bodas de sangre de Federico García Lorca, bajo la dirección e interpretación de la actriz española Margarita Xirgú y la escenografía de Antonio López Mancera.

En 1989 tomó su actual nombre en honor al director Julio Castillo. A lo largo de los años este recinto ha sido remodelado y renovado en distintas ocasiones, lo que le ha permitido mantenerse como un espacio activo con los requerimientos técnicos necesarios. Tras una exhaustiva restauración en el año 2000, el Teatro Julio Castillo fue reinaugurado con la producción de El atentado de Jorge Ibargüengoitia, dirigida por David Olguín.

Este espacio, que pertenece al INBAL, acoge una amplia variedad de espectáculos y disciplinas que incluyen el teatro, la ópera, música, danza y cine. Desde noviembre de 2003, el teatro ha sido la sede oficial de la Compañía Nacional de Teatro, consolidándose como un centro cultural fundamental para la comunidad artística y el público en general.

Anteriormente, a finales de los años 70 del siglo pasado, bajo la dirección de José Solé, la Compañía Nacional de Teatro (CíaNT) también tuvo su sede en este teatro y en el Teatro Julio Jiménez Rueda. Durante seís años la Compañía escenificó en este recinto obras de autores mexicanos, obras de teatro clásico y de teatro contemporáneo.

El Teatro Julio Castillo ha acogido obras de autores como Celestino Gorostiza, Bertolt Brecht, Jean Cocteau, Lope de Vega, William Shakespeare, Vicente Leñero y Ramón del Valle Inclán, entre muchos otros. Destacan las obras de reconocidos directores internacionales como Peter Brook, Victoria Thierrée Chaplin, Jan Fabre, Christoph Marthaler y Peter Stein, así como de importantes directores mexicanos como José Solé, Luis de Tavira, Claudio Valdés Kuri, Sabina Berman, José Caballero y Martín Acosta.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.