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Escrita por el dramaturgo irlandés Martín McDonagh, El cojo de Inishmaan  llega a nuestro país de la mano de Sociedad Artística Sinaloense (SAS) con las actuaciones de David Juan Olguín Almela, Sofía Álvarez, Gabriela Murray, Sergio Zurita, Meraqui Pradis, Demetrio Bonilla, Tina French, Juan Carlos Beyer y Aldo Escalante, bajo la dirección de Fernando Bonilla.

Aquí te contamos algunos datos curiosos, para que te animes a verla en su temporada de estreno en el Teatro Rafael Solana:

1. Su autor. Aunque es conocido como uno de los dramaturgos irlandeses más aclamados de la actualidad, Martin McDonagh nació en Londres. Esta peculiaridad se debe, quizá, a las numerosas obras que ha escrito sobre el condado de Galway. Además, su gran estilo lo ha convertido en el autor anglosajón más representado en América del Norte después de Shakespeare, sus obras se han estrenado en 39 países y han sido traducidas a 29 idiomas.

2. Basada en hechos reales. La obra está inspirada en la historia de un hombre de Inishmore, que era famoso por su habilidad para hablar con vacas y caballos. McDonagh se basó en su historia para crear una comedia oscura y satírica.

3. Una triada perfecta. El cojo de Inishmaan es la segunda obra de la trilogía que Martin escribió sobre las islas Aran, ubicadas en la costa oeste de Irlanda. Las otras dos obras son: El teniente de Inishmore, representada en nuestro país en 2005 y Los espíritus de la isla que llegó al cine en 2022. Esta triada explora temas de la vida rural en Irlanda, así como la soledad y la violencia.

4. De Londres a Broadway. La obra se estrenó el 12 de diciembre de 1996 en el Royal National Theatre, dos años después llegó al circuito Off-Broadway presentándose en el Joseph Papp Public Theatre. En 2008, la obra llegó a The Druid Theatre Company, a la ciudad de Galway en Irlanda, de ahí saltó de nueva cuenta a West End en 2013 para abrir temporada en el Noël Coward Theatre, hasta que finalmente en la primavera de 2014, llegó a al Teatro Cort de Broadway. En cada montaje, el texto ha recibido elogios tanto de críticos como de audiencias.

5. Daniel Radcliffe. En 2014, la obra fue dirigida por el propio Martin McDonagh y protagonizada por el famoso actor que dio vida al niño mago de la exitosa franquicia, Harry Potter. La respuesta fue tan buena que después se trasladó a la Gran Manzana con el mismo, Radcliffe, en el papel principal.

Así que ya lo sabes, no te puedes perder esta puesta que navega entre el drama y la comedia negra con funciones de jueves a sábado en el Teatro Rafael Solana, ubicado en Miguel Ángel de Quevedo 687, a unos pasos del Centro Cultural Veracruzano, para más información, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Sociedad Artística Sinaloense, SAS

Paula Zelaya Cervantes es una de las dramaturgas y directoras que constantemente vemos trabajando en los escenarios de nuestro país. Es licenciada con honores en Literatura Inglesa y Teatro por la Universidad de British Columbia, en Vancouver, Canadá.

Desde pequeña, aproximadamente hace 20 años, Paula supo que se quería dedicar al teatro. Fue en las clases de teatro en la secundaria que descubrió su vocación. En este sentido, comparte en entrevista con Cartelera de Teatro,  fue gracias a esa clase y a su maestra que la animó a que disfrutara el teatro y lo viera como una profesión.

La también traductora y adaptadora es nuestra directora del mes. Platicamos con ella sobre su carrera, sus inicios como directora y sus proyectos, entre ellos Creadores de mundos, que actualmente se encuentra en cartelera.

Paula dio sus primeros pasos en el teatro en la actuación, pues es lo que a los 12 años se puede hacer, nos dice riendo. Posteriormente, al ingresar a la Universidad en Vancouver, Canadá, se da cuenta que lo que realmente le gustaba era escribir y la dirección de escena. En aquel país estudió de manera simultánea dos carreras: Literatura y Teatro. “Me especialicé en dirección, tomé todas las materias que pude de dirección de escena”, señala.

La visibilidad en la dirección escénica

A su regreso a México, se incorporó a Once Once Producciones, productora encabezada por Jimena Saltiel y compuesta por mujeres. Además de los proyectos con esa casa productora, ha escrito y dirigido ya diversos proyectos de la mano de otras productoras. En este sentido, considera que ha tenido suerte. Sin embargo, señala que la dirección escénica es un medio difícil, sobre todo por el tema de la visibilidad. Se trata, reflexiona, de un tema de la imagen que se tiene sobre el rol del director. “Fue hasta años recientes que de pronto empecé a notar la cantidad de directoras que hay, pero muchas veces las personas más visibles son los hombres”, narra.

A pesar de lo complicado del medio, la dramaturga y directora ha logrado varios reconocimientos. En 2018, El hilador, obra escrita y dirigida por ella, ganó en los Premios del Público Cartelera de Teatro los reconocimientos a Mejor obra, Mejor dirección, Mejor dramaturgia y Mejor diseño de arte. El montaje ganó también el premio Metropolitano a Diseño de movimiento y los Critics’ Choice Award a Mejor Obra y Volunteers’ Choice Award en el Festival Fringe 2016 de Vancouver, Canadá.

Lo más complicado, confiesa, ha sido creerse a sí misma que podía dirigir cuando no había mujeres tan visibles en ese rol. Ahora, apunta: “Veo a Micaela Gramajo, a Angélica Rogel, hay tantas mujeres increíbles que dirigen, pero siendo un poco más joven y no viendo tantas, era raro de pronto imaginarme a mí”.

“He batallado con mi propia imagen de cómo es un director”

Paula nos platica que si bien no se ha encontrado con tanta resistencia, el mayor problema ha sido esa imagen que existe de cómo debe ser un director. Al respecto, señala: “He batallado con mi propia imagen de cómo es un director, y como yo no me asemejo a esa criatura que yo tenía en mi cabeza”. Esta figura es, comenta, una persona con cierto nivel de autoridad, seguridad y certeza, “que yo no tengo”. Para la directora, esto ha sido un viaje en los últimos años. Este viaje, la ha llevado a darse cuenta de que “no necesito ser esa persona para poder dirigir”.

Sobre este tema abunda que si bien no han sido tantas las experiencias negativas, sí las ha habido. “En algunas ocasiones, con algunos equipos de trabajo, con algunos elementos en algunos equipos de trabajos, les cuesta “matchearme” a mí con la idea de director que ellos tienen”.

Una forma diferente de entender cómo se puede dirigir

“Más que nada es la imagen que todas y todes tenemos en la cabeza de cómo es dirigir, de quién dirige”, explica Paula Zelaya, y puntualiza que de lo que se trata es “de ir rompiendo eso poco a poco, y me he dado cuenta que dirijo mejor cuando no trato de ser así”.

Cambiar esta imagen que se tiene de la dirección, destaca, es algo que no solo es útil para las mujeres que dirigen. Quienes dirigen desde un lugar de cierta fuerza y certeza, también pueden beneficiarse de otro tipo de dirección, advierte. “Es algo que no solo tendría que caracterizar a las directoras mujeres, ni que todas las directoras mujeres tienen que caracterizarse de esa forma. Solo es una forma de ir entendiendo, una forma diferente de entender cómo se puede dirigir”, remata.

Generar un espacio donde todos puedan llevar su creatividad lo más lejos posible

Al entrar a un salón de ensayo, Paula Zelaya lo hace teniendo en mente que no es infalible ni tiene todas las respuestas. Sabiendo que no se puede imponer nada a nadie. Para la dramaturga y directora el reto es generar un espacio donde todos puedan llevar su creatividad lo más lejos posible, sin que se pierda la sensación de unidad de una pieza. “Es un rol complicado, porque por un lado tienen la responsabilidad de llevar a un buen lugar, con una visión que le da unidad a una pieza, y al mismo tiempo hacer espacio para que todas las personas involucradas sean lo más creativas que puedan”, destaca.

Al respecto, agrega: “Es ir cuidando, protegiendo, ir cortando un arbusto por diferentes lados, pero sin que se destruya el arbusto o le quites la posibilidad a las personas de ofrecer todo lo que te pueden ofrecer y lo que pueden ofrecer al proyecto”.

Una “revolución” en los salones de ensayo

En la plática abordamos el tema de los cambios que se están viendo en muchos aspectos del quehacer teatral. En este sentido, le preguntamos cómo ve el panorama como parte de una nueva generación. Al respecto, la directora considera que existe una “revolución” en los salones de ensayo. Como ejemplo, nos pone a Creadores de mundos, la obra que actualmente dirige. En ella, por primera ocasión la directora trabaja con una coordinadora de intimidad, rol que realiza María Penella. Si bien solamente hay un beso en el montaje, destaca, “es muy importante que empecemos a entender ese tipo de interacciones íntimas”. Se trata, explica, de un contacto entre dos personas que no tienen una relación amorosa en la realidad. “Aunque la tuvieran”, continúa, “en la realidad es otra cosa diferente”.

Esto se trata, destaca la dramaturga, de reentender, como una nueva generación, lo que se les enseñó y la forma en la que se les enseñó. “Las escuelas de teatro en el pasado enseñaban de cierta forma que puede ser muy dañina, especialmente para la autonomía de las actrices”, advierte. En contraposición, comenta Paula, se debe buscar un espacio seguro, “me encanta ser una directora que no va a perpetuar esos patrones”.

La creadora escénica destaca que se debe buscar que los salones de ensayo se vuelvan un sitio seguro, “no un sitio de horror, que muchas veces lo han sido”. Es en este espacio en el que se puede permitir la creatividad, para Zelaya Cervantes no es concebible que un espacio seguro impida la creatividad. Por el contrario, dice, “la puede potenciar al máximo, eso me emociona muchísimo”.

Diversidad de visiones

Otro aspecto del momento que vivimos que emociona a la autora de El Hilador, es que las actrices de pronto tengan ganas de dirigir, que no se sienta esa barrera. Como ejemplo, señaló a Ana Guzmán Quintero, quien en una entrevista confesó tener ese “gusanito”, también agregó están las actrices que al mismo tiempo escriben, como Ana González Bello. “Pensar que se pueden doblar esos roles, que no solamente estás encasillado en uno, también me emociona mucho. Es algo que sucede más y más ahora”, puntualizó.

Comentamos entonces el rol de creadores o creadoras escénicas. El tener personas que en un proyecto participan en cierto rol, y en otro realizan otra tarea es algo que enriquece. “Tener esa diversidad de visiones es muy padre”, afirma. Como ejemplo comparte su experiencia en Lobas, en donde María Penella participó como actriz, pero también retroalimentó a la directora. La visión y la intuición de la actriz, confiesa, “me ayudó mucho como directora a tomar decisiones”. En este sentido, subraya: “Tus ojos nunca van a ser iguales a los de alguien más, y tu entrenamiento nunca es idéntico al de alguien más”.

Un gran lugar para explorarse a sí misma

Al hablar sobre proyectos que la hayan marcado, Paula Zelaya nos confiesa que con 245 actos de maldad extraordinaria fue el momento en que más miedo ha tenido en el teatro. Después de sentir pánico, abundó, se dio cuenta que no pasaba nada si las cosas no salían bien, y “aparte es muy probable que salgan bien”.

245 actos de maldad extraordinaria, coescrita con Ana González Bello, se estrenó en 2017 en Off Broadway, en México se presentó en un par de exitosas temporadas. En los Premios del Público Cartelera de Teatro Ana González Bello estuvo nominada en 2023 por esta obra como Mejor actriz. El montaje obtuvo los premios del National Latino Playwright Award y del premio Sharon Enkins a Mejor Obra para Público Joven otorgado por el Playwright’s Guild of Canada.

Este proyecto, reflexiona, le ayudó a entender su rol en el momento de escribir. Al ser una obra tan personal fue un gran reto para ella, pero también, acepta, fue muy divertido. Si bien como autora le da miedo meter partes de ella en las historias, y no le gusta escribir autobiográficamente, esta obra refleja cosas que le provocan miedo, que se cuestiona o que le dan risa. Este proyecto, nos dice, le enseñó que en lugar de tener miedo, se trata de un gran lugar para explorarse a sí misma. Se trata de algo, señala, “que puede dar miedo, porque expones más, aunque nadie lo sabe no me interesa que la gente sepa que en una obra de teatro se trata de mí, no es mi interés eso, pero me doy cuenta que es un lugar increíble para discutir y analizar cosas”.

Proyectos que “dan fuerza para seguir”

245 actos de maldad extraordinaria es además la primera vez en la que la autora compartió dramaturgia con alguien. Al respecto dice que fue muy divertido, pero también extraño, “fue increíble darme cuenta que eso también lo puedo hacer, me gustó mucho. Ese proyecto fue muy especial”.

Proyectos como este, que son “un poco como lanzarte al vacío”, que provocan miedo pero al final funcionan bien y resuenan con el público, nos dice la Paula, “dan fuerza para seguir y darte cuenta que sí se puede”.

La ficción como mecanismo de defensa

Sobre Creadores de mundos, la directora nos dice que le gusta mucho porque habla de lo salvadora que puede ser la ficción. La realidad puede ser un lugar muy complicado, y en esta obra se explora a la ficción como algo que no se detiene cuando cumples 15 años. Para los personajes en la obra, diagnosticados con una condición mental, nos dice, se trata de un mecanismo de defensa para poder sobrevivir un mundo tan complicado.

Nosotros y los personajes vivimos en un mundo que “no está diseñado, por alguna razón, para lidiar con todas las posibilidades que ofrece la experiencia humana”. Por esta razón, los personajes de la obra desarrollan mundos de ficción para poder lidiar con la realidad. “Me gusta mucho lo metateatral de eso, la forma en que también nosotros, a la hora de hacer teatro, creamos los mundos y los protegemos”, destaca. Se trata, concluye, de una obra con una exploración “juguetona de cómo la ficción salva, aun cuando eres adulto”.

La obra ha sido recibida por el público desde un lugar de suavidad, de comprensión y ternura con los personajes, considera Paula Zelaya. Sobre esto, destaca: “Es lo que genera el teatro al final del día. Si alguien te cuenta algo de alguien que no conoces, posiblemente te da igual; pero si te cuentan una historia o ves una historia la cosa cambia, es imposible que no genere empatía de alguna forma”.

El teatro “le da un propósito a mi vida, como un llamado espiritual”

Sobre el lugar que ocupa el teatro en su vida nos dice que, antes que nada es su carrera. “Me encanta poder vivir de algo que me gusta”. El teatro, para la autora, es muchas cosas. Es, nos dice,  una industria que da trabajo pero también es una gran familia. “Me gusta mucho esa sensación de amistad que se genera en comunidad, que te une ese amor al teatro”, subraya.

Se trara, para Paula Zelaya, de un lugar de conexión consigo misma, un lugar de reflexión y de gozo profundo. Su relación con el teatro la resume así: “ Me apasiona de una manera que no veo que esto me pueda llegar a aburrir nunca. Le da un propósito a mi vida, como un llamado espiritual”. El teatro, remata, llena partes de ella de una forma casi sanadora, “que tu trabajo sea eso, es increíble”.

Finalmente, Paula Zelaya nos comparte que lo que resta del año lo dedicará a la escritura. Adelantó que, junto a Ana González Bello, está escribiendo una película. También nos comparte que está por terminar de escribir otra obra de teatro. “Este fin de año es más que nada para planear y para escribir,eso me gusta mucho”, puntualiza.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Paula Watty.

Como ya les hemos contado, Los Colochos Teatros están cumpliendo 13 años de existencia. Para celebrarlo, realiza una residencia en el Foro Shakespeare con 3 de sus montajes. Este ciclo coincide además con los 40 años del Foro y son parte de la programación para celebrarlos.

Esta agrupación se ha afianzado como una compañía de repertorio. Sus obras son inteligentes y vigentes. En esta ocasión les vamos a contar un poco sobre Reina, que dentro de esta residencia se presenta todos los domingos hasta finalizar octubre.

El texto se trata de una versión realizada por Marco Vidal a partir de El rey Lear, de William Shakespeare, bajo la dirección de Juan Carrillo.

Acá te compartimos 3 razones para que no te pierdas este montaje.

1. Paloma Woolrich. La actriz simplemente es impresionante encarnando a Reina, la personificación de Lear convertido en una actriz que ya ha vivido sus mejores tiempos y hereda en vida a sus hijas. Sé bien que, como escribió el poeta chileno Vicente Hidobro, “el adjetivo, cuando no da vida, mata”. Sin embargo, en este caso el adjetivo es preciso. Woolrich con su rango actoral y sus matices nos lleva a la risa y nos conmueve, hace suyo todo el escenario por el que se mueve como por su casa, o mejor dicho, por su teatro.

2. Una versión precisa e incisiva. Primero, transforma a Lear en mujer, en una actriz ficticia –con resonancias de divas de otro tiempo – que reinó sobre el mundo cultural y social de su época. Segundo, ubica la acción en 1968 como telón de fondo, sin ser explícito nunca el conflicto político. Se trata de un momento coyuntural de nuestro país. La figura de Reina – Lear se resquebraja, el poder pasado se va diluyendo y sus intentos por retenerlo son vanos. Metáfora de aquel 68 en el que, con su antecedente de la huelga de ferrocarrileros de 1958 y la de médicos del 64, el sistema político mexicano dominado por un partido todo poderoso dio las primeras señales de haberse agotado.

3. Los Colochos como compañía. En este montaje Marco Vidal, Roam León y Juan Carrillo, integrantes de la compañía, realizan el resto de los personajes. Ponen todo su trabajo al servicio de la primera actriz, contrario a sus personajes –menos la hija menor- que van socavando la autoridad de Reina, los tres actores hacen lo contario, permiten que Paloma Woolrich brille intensamente.

Reina es una obra que vale la pena ver y disfrutar. Es un trabajo que nos mueve a la reflexión individual y colectiva, nos hace pensar en temas personales y sociales. En este montaje se tocan estos extremos de la existencia de una manera divertida, que no por ello deja de cimbrarnos.

Para más información, horarios y boletos de Reina, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Desde musicales intensos hasta comedias hilarantes, la escena teatral de la Ciudad de México se prepara para deslumbrar a los espectadores con una variada selección de producciones que reflejan la diversidad y el talento artístico que caracteriza a nuestro epicentro cultural.

Aquí les traemos algunas de las propuestas que levanta ya el telón:

– El cojo de Inishmaan. Bajo la producción de la Sociedad Artística Sinaloense llega esta comedia de humor negro de uno de los autores más representados de la actualidad, con un elenco encabezado por David Juan Olguín Almela, Sofía Álvarez, Gabriela Murray, Sergio Zurita, Meraqui Pradis, Demetrio Bonilla, Tina French, Juan Carlos Beyer y Aldo Escalante, bajo la dirección de Fernando Bonilla. La obra comenzó sus funciones este 29 de septiembre en el Teatro Rafael Solana.

– Toto y Pez. Las compañías La Máquina del tiempo producciones y Los Bocanegra unen fuerzas para llevar a escena esta propuesta infantil de Luis Eduardo Yee, las actrices Assira Abbate, Paula Watson, Rebeca Trejo, Diana Sedano y el actor, Hamlet Ramírez, serán los encargados de dar vida a esta historia de amor y aceptación para toda la familia. La obra se presenta sábados y domingos en el Teatro El Granero del Centro Cultural del Bosque.

– Chicos católicos. Regresa a cartelera esta comedia irreverente que parcreada por Juan Paya y dirigida por Emy Santa Cruz con las actuaciones de Joan Kuri, Jorge Cañas, Mauricio Roldán, Patricio Belmont, y el propio Santa Cruz quienes hablarán con mucho humor sobre ciertos tabués entorno al sexo, la religión e incluso el poder de Dios. La temporada correrá todos los domingos, a partir del 1° de octubre en el Teatro de la República.

– Entrar y salir, así sea por la ventanas. Un proyecto de teatro penitenciario a cargo de Claudia Romero, creado a partir de un taller, donde las internas del Penal de Santa Marta, escribieron algunas de sus historias que serán representadas por las actrices Erandeni Duran, Patricia Hernández, Andrea de Fátima, Fabiola Valtierra. El montaje comenzará sus funciones a partir del 5 de octubre en El 77 Centro Cultural Autogestivo.

– Beautiful strangers.  Original de Omar Ávila este drama nos muestra una historia llena de valor, libertad y decisiones importantes que tomar con las actuaciones de Alejandro Miranda, Diego Aviña, Ofelia Guiza, María Teresa Garagarza. La obra arrancará funciones el 8 de octubre en Café K-OZ Foro Cultural

– Sweeney Todd. A cargo de Vatru Entertainment e Ícaro Compañía Teatral este thriller musical sobre la venganza, considerado como uno de los musicales más populares y elogiados de todos los tiempos regresa a la cartelera con Quecho Muñoz, Flor Benítez, Alberto Lomnitz, Jimena Parés, Luisa Cortés, Andrés Elvira, Ervey Ortegón, José Grillet, Diego Enríquez, Eduardo Siqueiros, Melissa Cabrera y Carla Heftye, quienes comenzarán sus presentaciones el 13 de octubre en el Teatro Milán.

– Peter Pan que sale mal. Otra de las producciones más esperadas, sin duda, es esta comedia familiar producida por Próspero Teatro y Lemon Studios, con las actuaciones de Artús Chávez, Luis Rodríguez “El Guana”, Daniel Haddad, Ari Albarrán, Majo Pérez, Daniel Ortíz, Daniel Bretón, Alondra Hidalgo, Ricardo Maza, Iván Carbajal, Jose Dammert, Alex Gesso, Juan Carlos Medellín, Miguel Tercero y Sofía Quintanilla, quienes harán hasta lo imposible por representar la obra Peter Pan, sin embargo, todo termina saliendo mal. La obra también comenzará el 13 de octubre en el Foro Cultural Chapultepec.

Por Itaí Cruz, Fotos: FB Coordinación Nacional de Teatro y Cortesía Manojo de Ideas

La décima Obra Seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024 es El Mago – The Wiz. Se trata de una obra que nos anima a perseguir nuestros sueños y superar obstáculos.

Este montaje lo realiza una compañía que en los hechos -como en la historia de Oz – nos habla del verdadero sentido del viaje del héroe, en este caso de la heroína personificada en una niña. En el camino Dorothy, el Espantapájaros, el Hombre de Hojalata y el León descubren su verdadero valor y sus virtudes; la importancia del camino está en lo que entendemos de nosotros mismos al recorrerlo.

Lucero Mijares, quien encabeza el elenco, es acompañada por grandes figuras que incluyen a María del Sol, Eugenio Montessoro, Óscar Acosta, Marisol Meneses, Crisanta Gómez, Juan Fonsalido, Dulce Patiño, Federico Di Lorenzo, Felipe Álvarez, nos llevan a un mundo donde todo es posible.

La capacidad vocal e interpretativa del elenco y de un poderoso ensamble, sumados a una producción de gran nivel hacen de El Mago una obra entrañable.

Con más de 22 actores en escena, 238 vestuarios, 13 cambios de escenografía, un mecanismo giratorio y una pantalla de grandes dimensiones. El Mago nos cuenta la historia del Mago de Oz desde un punto de vista único y diferente, nos dice que si creemos en lo que soñamos, podemos ser invencibles.

Para más información de El Mago, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

Este martes se realizó la 27 entrega de los premios de la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT). El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris fue la sede del evento en el cual Indecente obtuvo el reconocimiento como Obra del Año. La ganadora en Dirección de Escena fue Diana Sedano por Violencia.

En la categoría de Musical del Año el reconocimiento se lo llevó Todo el mundo habla de Jamie. Alejandro Villalobos y Alberto Lomnitz obtuvieron por este montaje el premio a Dirección de Escena en Musical. La obra logró cuatro reconocimientos más: Flor Benítez en Actriz en Rol Principal en Musical; Nelson Carreras como Revelación Masculina; Vanessa Bravo como Actriz en Rol de Soporte en Músical; y Rogelio Suárez en Actor en Rol de Soporte en Musical.

Por su parte, Indecente obtuvo también cuatro premios más: Alberto Lomnitz en Actor en Rol de Soporte; Emilio Zurita por Diseño de Escenografía; Miguel Jiménez por Diseño Sonoro; y Enrique Arce Gómez en Traducción / Adaptación.

En la categoría de Actriz en Rol Principal la ganadora fue Margarita Sanz por su papel en La golondrina. En Actor en Rol Principal, fue Roberto Beck quien obtuvo el reconocimiento por su actuación en Inteligencia Actoral.

El productor de Todo el mundo habla de Jamie, Gabriel Guevara, agradeció en nombre de 33 productores el premio como Musical del Año. “Este es nuestro primer musical y ha sido un reto enorme, pero también una satisfacción muy grande saber que hemos podido llegar a muchos corazones”, dijo. Hace muchos años, recordó, como audiencia soñaron con producir teatro: “Es por eso que hoy estamos muy felices del camino que hemos recorrido y de tener la oportunidad de hacer el teatro que siempre soñamos ver. Ese teatro que se lleva en la diversidad y en la autenticidad. El teatro que busca generar conversaciones, que sirve para crear puentes”.

Ana Kupfer, productora de Indecente, hizo un agradecimiento póstumo a Eloy Hernández, pues “gracias a él estamos aquí esta noche”. Por su parte, la coproductora Ivonne Márquez agradeció al elenco “por su amor, su entrega, el cariño y por amar al teatro, amar a esta obra”. En este sentido, agradeció también al equipo creativo y de producción, “fue delicioso crear a su lado, son de verdad una familia, fue gozoso”. Coincidió además en el reconocimiento para Eloy Hernández, “siempre vas a estar en nuestro corazón y en esta obra, esta obra ha estado dedicada para ti siempre”, dijo.

Finalmente, Patricia Hernández, productora de la obra también y hermana del finado productor, agradeció a Ana Kupfer e Ivonne Márquez: “Nosotras tres fuimos alumnas de un gran maestro. Estoy segura que él está muy orgulloso de todas y cada uno de nosotros. Sin ellas dos esto no hubiera sucedido. A tu memoria amado hermanito Eloy Hernández, siempre agradecida y orgullosa de tí”.

La ganadora a Dramaturgia Mexicana fue Violencia, de Valeria Loera. Al recibir el premio la autora señaló que cuando la escribió se encontraba profundamente triste. “Nunca imaginé todos los momentos de felicidad que me traería esta obra”, dijo, y agregó, “el teatro ha sido profundamente generoso conmigo y no puedo más que estar agradecida”. Al recibir el premio por Dirección de Escena, Diana Sedano expresó: “Creo profundamente que la dirección, para mí, es una extensión de la actuación, desde ahí miro esto”.

En el Premio a la Trayectoria Teatral fue para la maestra Angelina Peláez. Al recibir el premio, la actriz dijo que el premio es otorgado “justo en el momento oportuno y necesario”. Al respecto, explicó, el reconocimiento cobra un valor especial, pues: “Hace hincapié en el devenir de un camino andado con todo lo que implica. Aprendizaje constante, preparación diaria, realización de personajes, satisfacción y logros, premios, nominaciones, fracasos y desilusiones también. Todo en el mismo viaje que me tocó estar, y que el reconocimiento me lo recordará por siempre”.

Sheila Flores, subcoordinadora de la Coordinación Nacional de Teatro del INBAL, al anunciar el reconocimiento destacó que la primera actriz es “una figura verdaderamente excepcional en el mundo del teatro”.

Por su parte, Aurora Cano, directora artística de la Compañía Nacional de Teatro, al entregar la estatuilla a la actriz, dijo: “Eres nuestra alegría, eres nuestro orgullo. Creo que cuando digo nuestro, no me refiero solo a la Compañía Nacional, me refiero a toda la comunidad teatral”. En este sentido, destacó la profundidad, elegancia y sentido del humor de la actriz de número de la CNT.

Los anfitriones del evento fueron Daniela Luján y Mario Alberto Monroy. Como presentadores, los acompañaron, entre otros, Fela Domínguez, Ximena González Rubio, Ela Velden, Estibalitz Ruiz, Danae Reynaud, Elena del Río, Mel Fuentes, Sofía Sylwin, Maria del Mar Náder, Sonia Couoh, Paulina Treviño, Meraqui Pradis, Jerónimo Best, Roberto Beck, José Carriedo, Bernardo Gamboa, Luis Vegas y Erick Gutiérrez Otto.

Durante la premiación se presentaron números musicales a cargo del elenco de Indecente, El show de terror de Rocky, Desde Cero y Todo el mundo habla de Jamie. Aitza Terán fue la encargada de interpretar “Todo cambia”, de Julio Numhauser y que inmortalizó Mercedes Sosa, en el número In memoriam de los miembros de la comunidad que murieron durante el último año.

Aquí está la lista completa de ganadores de la noche.

Revelación Femenina: Félix Vanessa / Lun.

Revelación Masculina: Nelson Carreras / Todo el Mundo Habla de Jamie.

Teatro para Jóvenes Audiencias: El Misterioso Caso de la Sombra / Nocturno Teatro.

Espectáculo de Cabaret: La Ópera o la Nacha /Compañía La Nave de las Locas y Compañía de Teatro Cabaret.

Actriz en Rol de Soporte: Cecilia Ramírez Romo / Violencia.

Actor en Rol de Soporte: Alberto Lomnitz / Indecente.

Dramaturgia Mexicana: Valeria Loera / Violencia.

Diseño de Escenografía: Emilio Zurita / Indecente.

Diseño de Vestuario: Letal / Mentidrags.

Diseño Sonoro: Miguel Jiménez / Indecente.

Música Original: Haller Miguel, David Federico Suzawa , Juan Manuel Torreblanca , Daniel Mena, Dago / Desde Cero.

Diseño de Iluminación: Ángel Ancona / Algodón de Azúcar.

Coreografía / Movimiento Escénico: Vladimir Rodríguez / Del Mago Al Loco una Revelación del Tarot.

Traducción / Adaptación: Enrique Arce Gómez / Indecente.

Actriz en Rol de Soporte en Musical: Vanessa Bravo / Todo el Mundo Habla de Jamie.

Actor en Rol de Soporte en Musical: Rogelio Suárez / Todo el Mundo Habla de Jamie.

Dirección de Escena en Musical: Alejandro Villalobos , Alberto Lomnitz / Todo el Mundo Habla de Jamie.

Dirección de Escena: Diana Sedano / Violencia.

Monólogo: Wilma / Porta Teatro.

Elenco: Violencia.

Actriz en Rol Principal: Margarita Sanz / La Golondrina.

Actor en Rol Principal: Roberto Beck / Inteligencia Actoral.

Actriz en Rol Principal en Musical: Flor Benítez / Todo el Mundo Habla de Jamie.

Actor en Rol Principal en Musical: Fer Soberanes / MentiDrags.

Musical del Año: Todo el Mundo Habla de Jamie / 33 Productores.

Obra del Año: Indecente / Ana Kupfer, Yosi Bernstein e Ivonne Márquez.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Este miércoles, en conferencia de prensa, se presentó la edición 2023 del DramaFest. En esta ocasión el festival está dedicado a la colaboración e intercambio con Canadá, específicamente Quebec, y con el estado de Chihuahua. La directora artística del festival, Raquel Araujo señaló que se trata de “dos países gigantes como tortugas fundadoras de mundos; mitologías contiguas y dialogantes”.

Del 10 de noviembre al 10 de diciembre tendrá actividades el festival. Inicia actividades con la puesta en escena de Costes hundidos, y el 15 de noviembre se estrenará Extravíos sexuales de la clase media. La primera en el Teatro El Galeón y la segunda en el Teatro El Granero, ambos en el Centro Cultural del Bosque.

En la presentación acompañaron a la directora del festival y a su productor, Nicolás Alvarado, la directora mexicana Valeria Fabbri y el director canadiense Brendan Healy, quienes dirigirán Extravíos sexuales de la clase media y Costes hundidos, respectivamente. La primera es un texto de Hannah Moscovitch, de Canadá, y el segundo es de autoría de Eduardo Castañeda, de México.

Estuvieron presentes en el evento también el embajador de Canadá en México, Graeme C. Clark; María Teresa Herrera, en representación del gobierno de Chihuahua; Francois Bellerive, primer consejero de la delegación general de Quebec; y Sheila Flores, subcoordinadora de la Coordinación Nacional de Teatro del INBAL.

En el festival, destacó Araujo, se ha cuidado que las obras propuestas tengan “un panorama amplio de expresiones que se pudieran engarzar con las poéticas de ambos países”. En este sentido, afirma, “la médula del Dramafest son las puestas en escena que el festival produce”.

Brendan Healy destacó que está entusiasmado de trabajar en México. Aquí, dijo, se ha encontrado no solo con un país diverso y está impresionado profundamente por el talento que ha encontrado. Healy señaló que es muy pertinente la vocación internacional del proyecto. En este sentido, explicó: “El teatro es el lenguaje del corazón, es el corazón hecho manifiesto. La forma en que festivales internacionales como DramaFest pueden realmente contribuir a la sociedad es crear un entendimiento más profundo entre culturas y entre las personas”.

Sobre costes hundidos, el director canadiense señaló que existe una distancia siempre entre su propia realidad y la realidad de la obra como director. Si bien la obra está ambientada en 1988, habla en cierta medida sobre el México contemporáneo y una realidad que no necesariamente conoce de primera mano, por lo cual tiene que ser cuidadoso durante el proceso, explicó el director.

Healy consideró que “es el reto más grande, pero también la oportunidad más grande”. Durante el proceso ha sido líder del proceso pero también ha aprendido de sus actores sobre qué es ser méxicano, lo que es muy especial, confesó el director.

Valeria Fabbri explicó que el texto de Hannah Moscovitch es “maravilloso, brillantísimo y súper inteligente”, el cual narra la historia de un escritor y catedrático universitario que empuja una relación sexo afectiva con una de sus alumnas. Compartió que desde que leyó este texto la trastocó muchísimo, “creo que es necesario hablar de estos temas”.

La directora compartió que durante el proceso de montaje y de análisis del texto ha sentido que “no podemos dejar de hablar de nuestras experiencias, de lo que nos ha pasado”. Destacó que el tema del poder y el dilema moral han sido un gran tema durante el proceso y “es muy importante hablar de esto”.

En este sentido, explicó que Fernando Villa, el actor que va a interpretar al personaje masculino de la obra, ha dado una mirada profunda y particular respecto a su visión y de la visión que la autora plantea. Este personaje, subrayó Valeria, “al final es un hombre que realmente sí está en un conflicto moral. Él sí siente apasionamiento, él siente afecto, pero el asunto es que sabe el lugar de poder en el que está y hace uso de ese poder”.

Raquel Araujo, explicó que la selección de obras en el festival se realizó a lo largo de un año. Destacó que el DramaFest convoca, produce y vincula de manera local, nacional e internacionalmente las dramaturgias actuales de manera generosa, cuidadosa y tenaz. “La llama que el DramaFest ha encendido se ha mantenido como ahora en los momentos más críticos de la cultura nacional. La edición 2023 ha sido cuidadosamente forjada para ustedes, para los espectadores, a cuya tarea tengo el honor de haber sido invitada a cargo de la dirección artística”, puntualizó.

Esta edición, señaló, se da entre dos países “con trepidantes etnicidades y reclamos urgentes en un planeta colapsado. Este año los pies ligeros recibirán a las mujeres venado en la conversación más íntima a la que podemos convocar las personas de teatro”.

En este sentido, agregó Raquel Araujo: “La palabra dicha en escena implica poner el cuerpo a la escucha y la mirada de otro. La sencillez de este intercambio es un fino calado telúrico, profundo hasta los huesos que vibran con el aliento de la palabra, en ese acuerdo que solamente el teatro sabe hacer. Eso que solamente el teatro sabe es el más ancestral gesto de lo humano, mirarse a sí mismos a través del otro”.

Por su parte, Nicolás Alvarado, productor del DramaFest, recordó que el festival nace de la visión que tuvo Aurora Cano en el 2004 de procurar el intercambio en materia de teatro contemporáneo. En este sentido, agregó, en aquel momento el panorama teatral mexicano no era menos alentador de lo que es hoy. En ese entonces, explicó, se escribía poco teatro, si bien ya se vislumbraba grandes creadores escénicos pero la escritura teatral parecía estar en crisis. “DramaFest fue un semillero de dramaturgia mexicana, lo ha sido a lo largo de estos 19 años”, destacó.

El DramaFest incluirá, además de los montajes de Costes hundidos y Extravíos sexuales de la clase media, dos obras traídas por Canadá. La primera de ellas una producción de Sea Sick de Alanna Mitchell con Franco Boni y Ravi Jain de The Theatre Centre. La segunda es Logic of the worst, una exploración sobre la idea de “lo peor”, que es resultado de una colaboración entre Étienne Lepage y Frédérick Gravel. Durante el festival se realizarán también talleres, lecturas dramatizadas, encuentros remotos y cuatro obras que se presentarán en la Burbujas Urbanas.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Anoche fuimos testigos de cómo el Palacio de los Deportes se transformó en una suerte de arena acrobática donde los artistas, equilibristas y nos llevaron por un mundo mágico lleno de ilusiones perfectamente cuidadas y ejecutadas, durante la noche de estreno de Corteo, de Cirque du Soleil.

El espectáculo circense estará por dos semanas en la Ciudad de México con funciones de miércoles a domingo para el disfrute de las familias mexicanas que gozaran con este show que nos remite a lo más puro de la humanidad.

Para que te animes a verlo, aquí te traemos 5 datos curiosos sobre Corteo, que nos muestra el cortejo fúnebre de un payaso en una atmósfera carnavalesca, que es cuidado en todo momento por un grupo de ángeles.

1. El show está integrado por más de 18 nacionalidades, incluyendo artistas mexicanos como es el caso de Sofía Montaño, quien forma parte de los cantantes que prestan su voz para transportarnos por este mundo de ensueño.

2. El equipo está compuesto por 117 personas, 34 técnicos y 52 artistas, que son transportados en 25 camiones que sirven para trasladar al equipo, el vestuario y 700 maletas de carretera llenas de equipamiento. Además, ocupan un camión y medio, únicamente para el vestuario.

3. Hablando del vestuario, éste cuenta con más 175 trajes diferentes y 2000 piezas que están hechas a medida para cada artista, las cuales deben ser planchadas todos los días, y este proceso puede tardar hasta 8 horas. Todos están inspirados en estilos europeos entre 1890 y 1930.

4. Uno de los momentos más entrañables es cuando vemos a Gregorio sujeto a enormes globos en escena, que brinca por las butacas y que requieren la ayuda del público para regresar con Mauro. Para que esta magia suceda, se necesitan tres tanques de helio de casi 23 kg. cada semana para llenarlos.

5. El público puede apreciar el espectáculo desde cualquier parte, ya que los asientos están ubicados alrededor del escenario, que en ocasiones rota. Para que esto suceda, se requieren 500 ruedas colocadas en el suelo de la arena. Además el show fue creado como un espectáculo de carpa, y en 2018 se transformó en uno de arena.

Lánzate a ver este increíble espectáculo familiar que estará hasta el 15 de octubre en el Palacio de los Deportes, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro

Decir que el teatro escrito por William Shakespeare es universal puede sonar a un lugar común. Los temas que aborda el autor inglés y el retrato que hace de la condición humana nos siguen maravillando hoy. Sin embargo, es en adaptaciones y revisitas como las que realiza Los Colochos Teatro en su residencia en el Foro Shakespeare que la universalidad de este autor se muestra en todo su esplendor.

Los Colochos celebran 13 años de existencia, para celebrarlo tienen una temporada el foro ubicado en Zamora 7 en la colonia Condesa. Con tres versiones de obras de Shakespeare se presentan de viernes a domingo ahí.
Silencio es una de estas obras. Se trata de una versión a partir de Otelo, realizada por Juan Carrillo, Mónica Portillo y Martín Becerra es una versión.

Aquí te cuento tres razones para ver este montaje que se presenta los viernes en el Foro Shakespeare.

1. Un texto escalofriante y divertido. Es difícil de describir el sentimiento que genera esta obra. A lo largo de su desarrollo en ella conviven la risa y un sentimiento de estupor en la audiencia. Es muy conocida la trama de esta obra, los celos que enloquecen al protagonista. Sin embargo, traídos a la realidad de un México, en el que impera la violencia contra la mujer, resulta impresionante y escalofriante. Aquí un giro inesperado nos muestra la realidad brutal del feminicidio en México.

2. José José como retrato de nuestra educación sentimental. Es innegable que la música de José José dejó huella en muchas generaciones de mexicanas y mexicanos. No es difícil que en cualquier celebración de pronto suene algún tema del cantante. En Silencio sus canciones son el hilo conductor de esta historia que nos habla de una sociedad que ha normalizados los celos y el machismo al nivel de tomar esto como muestras de amor.

3. Sencillez y contundencia. Una mesa y algunos elementos de como un mantel, una macada, y un estuche de madera son suficientes para transportarnos al sureste de nuestro país. No es necesario nada más que las interpretaciones de Alfredo Monsivais, Erandeni Durán, Roam León, Leonardo Zamudio, Yadira Pérez y Martín Becerra para confrontar al público con la tremenda realidad que vivimos en México.

No te pierdas la oportunidad de disfrutar y reflexionar con Silencio, una de las tres obras que Los Colochos Teatro presentan como parte de su residencia en el Foro Shakespeare. Para más información, horarios y boletos haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

La undécima Obra Seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro es El cojo de Inishmaan. El texto, escrito por Martin McDonagh, está lleno de humor irreverente, provocador y punzante. Situada en Irlanda esta historia nos habla del ser humano y sus matices. Los personajes creados por el autor irlandés se desarrollan a lo largo del montaje para mostrarnos sus distintos rostros y su parte más íntima. Son personajes que a lo largo de la obra se transforman. Van develando al espectador sus claro oscuros y se vuelven entrañables.

El cojo de Inishmaan es además, a pesar de la distancia geográfica, una obra en la que podemos encontrar paralelismos entre el país insular y México.

Las actuaciones de David Juan Olguín Almela, Sofía Álvarez, Gabriela Murray, Sergio Zurita, Meraqui Pradis, Demetrio Bonilla, Tina French, Juan Carlos Beyer y Aldo Escalante funcionan como una especie de concierto. El tempo que marca cada integrante del elenco es preciso y lleno de matices. Cada uno tiene su espacio y una función en la narración. Sobre el escenario provocan la risa, pero ésta no se esfuma, no es estéril, y deja paso a la reflexión.

Este elenco, que conjunta a intérpretes de una sólida trayectoria con jóvenes de gran talento que vienen empujando, está bajo la dirección de Fernando Bonilla. El director orquesta y da forma a un universo con una lógica propia que se pone distancia con el realismo. Permite a sus intérpretes crear a estos personajes y que el público los sienta cercanos por sus virtudes y sus defectos. Este universo es creado por la escenografía e iluminación de Sergio Villegas, el vestuario diseñado por Jerildy Bosch y el diseño de maquillaje y peinado de Maricela Estrada. La musicalización y diseño de audio creados por Jordi Bachbush, con sonoridades que nos remiten a la música tradicional irlandesa, terminan de dar cohesión al espacio escénico. El equipo creativo logra crear atmósferas, generar la sensación de una pequeña isla rocosa y verde ubicada en la costa irlandesa.

Para más información del montaje, horarios, descuentos y boletos, haz clic aquí.

Antes de que Dorothy llegara a Oz, existieron dos brujas cuya entrañable amistad se cuenta en Wicked, musical que este mes cumple dos décadas en cartelera.

Las protagonistas son Elphaba, una joven que nace verde y por lo tanto suele ser juzgada y excluida, y Glinda, una joven popular y convencionalmente bonita. A lo largo de la obra, ellas aprenden a superar los estereotipos y comprender el verdadero significado de la amistad.

No One Mourns the Wicked

Lograr el musical como lo conocemos hoy tomó alrededor de 5 años. Todo empezó en 1997 cuando Stephen Schwartz estaba de vacaciones en Hawái y un amigo le recomendó el libro de Gregory Maguire, Wicked: The Life and Times of the Wicked Witch of the West que trata sobre las brujas de Oz.

El también autor de Pippin y Godspell quedó cautivado con la historia y se propuso llevarla al escenario, para lo cual tuvo que convencer a Marc Platt, de Universal Pictures, quien tenía los derechos de Maguire para llevar esta historia al cine. Uno de los primeros números que escribió Schwartz fue “No One Mourns the Wicked”.

Popular, I want to be popular…

Ya con los derechos, Winnie Holzman (My So-Called Life) fue llamada para adaptar la novela de Gregory Maguire y trabajar en conjunto con la nueva música y letra de Stephen Schwartz. Este autor tenía en mente a Kristin Chenoweth para el papel de Glinda y su personalidad influyó en el personaje.

Para interpretar a Elphaba se consideró a Stephanie J. Block, pero como se requería a una actriz más popular, finalmente se decidió llamar a Idina Menzel, quien se diera a conocer como parte de la icónica Rent. Chenoweth y Menzel lograron una química única que las llevaría a ser nominadas al Tony en 2014, con Menzel coronándose como ganadora.

Dancing Through Life

Aunque antes de su estreno en Broadway la obra no había cautivado a los críticos durante su primer temporada en San Francisco, después de varias adecuaciones el musical se estrenó en Broadway el 8 de octubre de 2003 y se volvió un éxito de taquilla, por lo que tardó solo 15 meses en recuperar la inversión. Esto fue un hito pues a la mayoría de los musicales les toma de dos a tres años y muchos no la recuperan en lo absoluto.

El disco fue otro fenómeno, pues obtuvo el Grammy como Mejor Álbum de Teatro Musical y vendió más de 4 millones de copias.

Defying Gravity

La obra se internacionalizó rápidamente. Menzel repitió su papel en Londres en la producción que estrenó en 2006 y años después se hicieron giras en Australia, Asia, el Reino Unido e Irlanda; además de producciones locales en Alemania, Corea, Japón, Australia, Países Bajos, Finlandia y México.

En México la obra estrenó el 17 de octubre de 2013 con un elenco encabezado por Danna Paola y Ana Cecilia Anzaldúa como Elphaba; Cecilia de la Cueva y Majo Pérez como Glinda; acompañados por Jorge Lau, Paco Morales, Anahí Allué, Marisol Meneses, Adam Sadwing y Beto Torres. La producción concluyó el 18 de enero de 2015 luego de 464 funciones y más de 400 mil espectadores.

For Good. El presente

El 11 de abril de 2023, con su presentación número 7,486, Wicked superó a Cats para convertirse en el cuarto espectáculo de mayor duración de Broadway.

Actualmente la obra se presenta en el Teatro Gershwin, ubicado en 222 West 51st Street, con un elenco conformado por Alyssa Fox como Elphaba; McKenzie Kurtz como Glinda; Jordan Litz como Fiyero; Michele Pawk como Madame Morrible y John Dossett como el Mago.

Además, también se mantiene la producción londinense, giras alrededor de Estados Unidos* y habrá una película dividida en dos partes. Ariana Grande y Cynthia Erivo interpretarán los papeles de Glinda y Elphaba, respectivamente. Wicked: Part One está programada para estrenarse en noviembre de 2024, mientras que Wicked: Part Two se lanzará en noviembre de 2025.

Numeralia:

• Wicked cuenta con 20 cambios escenográficos, que se mueven totalmente automatizados.
• En cada función se efectúan un total de 204 cambios completos de vestuario, que incluyen 816 piezas de vestuario, 170 pares de zapatos, 62 sombreros, 18 prostéticos y 140 pelucas de cabello natural y hechas a mano.
• En cada show se utiliza suficiente electricidad para alimentar 12 hogares.
• La obra ha sido ganadora de 50 de premios en todo el mundo; entre ellos tres Tony, dos Olivier, 6 Drama Desk y hasta la Luna del Auditorio Nacional.

*Aquí puedes consultar las fechas de la gira: wickedthemusical.com/tickets/#tour

Por Mariana Mijares, Fotos: Cortesía Broadway Collection y OCESA

“Estábamos en medio del océano con una niebla muy densa”, la frase, digna de cualquier obra del más reciente ganador del Premio Nobel de Literatura, le pertenece al actor José Carriedo, quien en 2015 protagonizó el montaje de La noche canta sus canciones del dramaturgo, poeta y narrador noruego Jon Fosse, bajo la dirección de Juan Manuel García Belmonte.

La frase resume la complejidad del universo de Fosse, tan pleno de pausas, silencios, extrañezas y ambigüedades que no hacen más que enfatizar la hondura del comportamiento humano y el alcance de las relaciones interpersonales.

Y aunque hay una espesura al abordar sus letras, la Embajadora de Noruega en México, Ragnhild Imerslund, asegura que, “aunque Fosse ha sido catalogado como un autor difícil de entender, la realidad es que los temas que él toca son temas esenciales para todos los humanos. Se trata de relaciones, de la muerte, de la infancia, la soledad y todos esos temas especiales que son universales. Son temas que funcionan también de manera comercial, porque es un autor que se puede leer y en el que se pueden reconocer”.

El jueves 5 de octubre de este año se anunció al autor nacido en Haugesund, Noruega, en 1959, como el merecedor del Premio Nobel de Literatura, uniéndose a un muy selecto grupo de dramaturgos que lo han recibido anteriormente: Jacinto Benavente, George Bernard Shaw, Luigi Pirandello, Eugene O’Neill, Samuel Beckett, Albert Camus, Jean Paul Sartre -aunque él lo rechazó-, Dario Fo y Harold Pinter.

Resulta curioso que, tras el triunfo de Pinter, hace ya 18 años, sea Fosse el siguiente dramaturgo en ser reconocido, ya que si algo ha nutrido el teatro del autor noruego es precisamente el referente pinteriano: las pausas, los silencios, la ominosidad en las situaciones y personajes. Además, Fosse, reconocido como un autor católico, ha sido equiparado con Beckett, de quien retoma las sensaciones de espera, de vértigo y de vacío.

Y, de hecho, es conocido dentro y fuera de su país como “el nuevo Ibsen“, pues para muchos, su teatro es el más notable continuador del de Henrik Ibsen, el mayor dramaturgo noruego, creador en la segunda mitad del siglo XIX de piezas fundamentales del teatro universal como Casa de muñecas, Hedda Gabler y Enemigo del pueblo.

“La comparación con Ibsen es muy precisa, no por las ideas o la pluma, sino por el impacto que tiene un dramaturgo sobre la sociedad noruega. El mirar a una sociedad a través de los ojos de entes tan sensibles como han sido Ibsen o Fosse, la transparentan, la clarifican. Los textos de Ibsen son extremadamente claros y así como él percibe, se traga y digiere la sociedad noruega, así lo hace Fosse, pero desde un lugar muy particular, desde una visión muy contemporánea, de un hombre que no está ni a la derecha ni a la izquierda ni al centro: es una visión perenne”, afirma Carriedo.

Para ser merecedor de esos elogios, Fosse ha llevado una impecable trayectoria como dramaturgo, narrador, poeta, ensayista y autor de libros para infancias. Cuando escribió su primera obra Alguien va a venir, en 1992 y cuando tuvo su primer estreno teatral con Y nunca nos separarán, en 1994, ya llevaba alrededor de diez libros publicados, entre novelas, relatos, ensayos y poemas.

Desde entonces, Fosse ha compuesto más de 30 obras de teatro, de las cuales, la gran mayoría le pertenecen a este nuevo siglo, aunque sigan respondiendo o planteando más preguntas a las inquietudes de todos los tiempos.

En palabras de la Embajadora de Noruega en México, lo mejor de concederle el Nobel a Fosse es que se trata de un autor “que nunca ha hecho los ajustes a su literatura para volverse más comercial o tener más lectores. Él ha sido muy fiel a su proyecto durante toda su carrera. Que un autor con éste compromiso a su arte sea reconocido en un nivel tan alto, es una celebración para el arte y para el genio del artista”.

La editorial inglesa Oberon Books tradujo y publicó sus piezas teatrales en seis volúmenes, mientras que el dramaturgo británico Simon Stephens tradujo su obra I am the wind, publicada fuera del conjunto en la misma editorial y estrenada en el Young Vic Theatre de Inglaterra; este texto está publicado en España por la editorial Teatro del Astillero, con traducción de Cristina Gómez Baggethum -su traductora española de cabecera- en un compendio de Teatro noruego contemporáneo. También en España está publicada Alguien va a venir por Teatro Arbolé, en traducción de Francisco J Úriz. Las traducciones realizadas parten de la lengua de Fosse: el nynorsk, nuevo noruego.

De este lado del charco, en 2011 la editorial argentina Colihue sumó a Jon Fosse a los autores contemporáneos que ha traducido y compilado, como el británico Mark Ravenhill, el francés Bernard-Marie Koltès y el alemán Roland Schimmelpfennig, presentando un volumen con las traducciones de Clelia Chamatrópulos a seis obras del autor: La noche canta sus canciones, Y nunca nos separarán, El niño, Un día en el verano, Mientras las luces se atenúan y todo se oscurece y Variaciones sobre la muerte. Hasta el momento, este es el mayor esfuerzo editorial que se ha hecho para tener en español sus obras de teatro.

En México, si bien la edición de Colihue se consigue con relativo éxito en las librerías especializadas en artes escénicas -es decir: Paso de Gato y Tienda Teatral-, su teatro no está publicado, pero sí ha sido escenificado. Hasta la fecha, son cuatro las obras teatrales que se han presentado al menos en la Ciudad de México.

En 2006, Jorge Arturo Vargas dirigió Alguien va a venir, con Marina de Tavira, Sergio Cataño y Rodolfo Arias, en el Teatro El Galeón. En la obra, una pareja decide afincarse en una casa junto al mar, lejos de todo y de todos; lo paradisíaco se vuelve aterrador cuando ambos sienten que alguien va a llegar. Y, en efecto, alguien llega a trastocar sus vidas.

En su momento, el crítico teatral Bruno Bert apuntó en Tiempo Libre que Fosse era “un noruego bastante desconocido para nosotros” y puso sobre la mesa: “los temas son variados, pero siempre límites: desde los celos patológicos hasta los fantasmas casi corpóreos del pasado. Y así la casa, el extraño esperado, los objetos cotidianos de los que allí vivieron y murieron y hasta el mar con su sonido repetitivo en el acantilado cercano, cobran tanto para los espectadores como para los propios protagonistas una fuerte ambigüedad de sentidos”.

En 2015 se escenificaron dos obras de Fosse. Invierno fue un proyecto de la Compañía Festina Lente Teatro y de los actores y productores Julien Le Gargasson -quien también dirigió el texto traducido por Pía Jensen– y Pilar Valdez, quienes en escena construían un encuentro amoroso entre dos seres, con todo lo simple e intrincado que eso significa.

La periodista Fabiola Palapa mencionó en La Jornada, a partir de una entrevista con los creadores: “La dramaturgia propone una alternativa humilde de reencanto de este mundo, aceptando la precariedad de las bases sobre las que se construye la existencia. En Invierno el amor es el protagonista, es el que da sentido a la vida, ese sentimiento que tal vez sólo se comprende al borde de la muerte“. El sobrio montaje se presentó en Casa del Lago y en el Centro Cultural Tudor.

El director tapatío Juan Manuel García Belmonte puso en escena La noche canta sus canciones, una obra que también se basa en el extraño encuentro entre una pareja, pero aderezada con varias presencias -y amenazas- del afuera.

Antes del montaje mexicano, ésta pieza fue la primera de Fosse en representarse en Argentina: sucedió en 2008 gracias al montaje dirigido por Daniel Veronese. Sobre la puesta en escena de García Belmonte, que en la Ciudad de México se estrenó en el Teatro Benito Juárez, José Carriedo recuerda emocionado que, para llegar a la atmósfera y al tono exigidos por Fosse, el director nutrió al elenco con textos de filosofía, ensayo y poesía. Georgina Rábago en una primera etapa y luego Sonia Franco, además de Raúl Briones, Regina Flores Ribot y José Antonio Alvear, fueron los integrantes de un montaje que Carriedo califica como uno de los más precisos en los que ha participado a lo largo de su trayectoria.

Afincada en Noruega desde hace varios años, la actriz Monserrat Ontiveros hizo una visita breve a la Ciudad de México en 2022 en la que aprovechó para presentar Skuggen/La Sombra, monólogo dirigido por Hans Jacob Sand, basado en dos textos de Fosse que rinden un homenaje a Sussannah Thoresen, esposa de, sí, Henrik Ibsen.

La periodista y crítica Alegría Martínez tuvo oportunidad de ver una de las muy pocas funciones que ocurrieron y comentó: “La obra de Fosse, adaptada por Ontiveros y (Cristian) Gutiérrez-Maupomé, despliega el insondable universo de una mujer que en buena parte deja de ser ella para ser el otro, su esposo, y a partir de éste, la parte humana vinculada irremediablemente a los cuestionamientos sobre la existencia, el dolor, el cansancio que reconoce el continuo contraste entre vida, sostén y muerte”. También anotó: “La actriz, conocedora de la obra del dramaturgo noruego, crea una atmósfera en la que se incrusta la incertidumbre, el pesar, el descubrimiento, la revelación y la eterna espera”.

Si algo celebra en particular la Embajadora Imerslund es que es un autor en el apogeo de sus cualidades literarias y humanas: “Hemos visto que han otorgado el Premio Nobel a autores que están casi al final de su carrera, pero lo que es interesante de Fosse es que en este momento es más productivo que nunca. Eso es algo que tenemos que reconocer: no está terminando su carrera, no va a dejar de escribir, está en el pico de su trayectoria.” Para cultivar sus creaciones el autor de 64 años de edad habita, por concesión del Rey de Noruega, en una residencia dentro de los terrenos del Palacio Real en Oslo.

Mientras esperamos que algún director mexicano vuelva a escenificar alguno de sus textos, a Fosse se le puede encontrar en librerías gracias a la distribución que la editorial Sexto Piso hace de la editorial española De Conatus en la cual están los siete volúmenes, reunidos en cuatro tomos, de su proyecto de novela Septuología, además de su novela más conocida, Trilogía.

Se espera que pronto llegue a librerías mexicanas su más reciente novela -publicada en España un par de días antes del anuncio- Mañana y tarde. “En estos días he pensado ¿cómo es ser un autor como Jon Fosse? Porque él es un personaje único: no le gusta estar frente al público, no es extrovertido. Ojalá que recibir este premio le dé energía y motivación para continuar”, afirma la Embajadora Imerslund.

Y Carriedo, con la voz entrecortada, remata: “Cualquier artista de ese nivel, que te invita a hacer despierto lo que la mayoría hace dormido, solamente leyéndolo, me inspira, me hace creer que lo que hacemos es importante, me hace pensar que podemos cambiar algo, dando todo lo que uno puede como actor. Siempre he pensado que autores como Shakespeare, Ibsen, Beckett, Pinter y Fosse te obligan a retarte actoralmente y eso es un regalo, no sé si para la humanidad, pero al menos para mí como actor”.

“Gente como Fosse es un regalo para la humanidad: es un autor que pone sobre las tablas lo inefable, lo que solo se puede decir con teatro. Cuando ya no alcanzan el pecho, los gritos, los ensayos, se convierten en teatro. Eso es lo que hace Fosse”, concluye José Carriedo.

Por Enrique Saavedra, Foto: Wikipedia

Oleanna, de David Mamet, bajo la dirección de Naian González Norvind, iniciará temporada el 16 de octubre en el Foro Lucerna. Con las actuaciones de Mónica Dionne y Ana Mancera, esta versión del texto escrito en 1992 presentará algunas novedades. Se trata de la primera obra que dirige González Norvind y la primera ocasión en que, a nivel mundial, el texto –originalmente escrito para una actriz y un actor- se presentará con dos mujeres interpretándolo.

La historia aborda temas como el poder, la comunicación y la educación. Se centra en la relación de un profesor universitario, en esta versión una profesora, con una estudiante. Durante el desarrollo se genera un conflicto entre ambas que surge de malentendidos y diferencias en la comunicación. En la obra la ambigüedad con la que cada quien interpreta la realidad y las palabras juega un papel importante.

En esta versión de la obra que está por estrenar, el personaje del profesor – Jonh en el original – lo interpretará Mónica Dionne, que le dará vida a Juana, una profesora universitaria. El personaje de la estudiante, en esta versión llevará el nombre de Karen y será interpretado por Ana Mancera.

Mónica Dionne, quien fue la estudiante en la primera producción de este texto que se hizo en México en 1994, en esta ocasión interpreta a la profesora, explicó que estar del otro lado de la historia es “como darle la vuelta, completar el círculo“. En 1994, apenas dos años después de su estreno en Estados Unidos, la actriz, al lado de Enrique Singer, interpretó bajo la dirección de Iona Weissberg esta obra, la cual dijo “hizo mucho ruido”. Fue, confesó, una obra muy importante para ella, porque fue “la obra con la que empecé a existir como actriz, de alguna manera, a partir de Oleanna, fui actriz”.

Ana Mancera, creadora de Casa Spanda, compañía productora del montaje, destacó que David Mamet es un autor espectacular y esta obra es un texto maravilloso, con un texto realista. Señalo que tanto ella como Naian González comparten “esta pasión por este texto y decidimos aventurarnos juntas”.

“Oleanna es una puesta que ya hemos visto varias veces en la ciudad de México y dijimos hay que darle la vuelta. ¿Cómo lo hacemos diferente? De ahí nos suregieron las ganas de hacerlo con una mujer”, explicó la actriz y productora sobre la decisión de que Juan fuera Juana.

Naian González Norvind explicó que “a la hora de empezar a considerar quién podría interpretar a Juan se nos ocurrió por qué no abrirnos a la idea de fuera una mujer. Resalta diferentes problemáticas en el texto cuando lo cambiamos de hombre a mujer y vuelva al texto, de alguna manera, mucho más actual. Es un texto que indaga alrededor de las líneas que definen el acoso sexual”. Sobre esto, agregó, reflexionaron que actualmente un profesor universitario no se le ocurriría hacer lo que hace el personaje en la obra, “volverlo mujer, volvía a hacer prominentes esos puntos ciegos que podemos tener como personas. Esas motivaciones inconscientes que pueden resultar en desenlaces trágicos como en la obra”.

Ana Mancera destacó que precisamente el tema de discusión en la obra es cuál es límite de qué es un acoso. Esto es lo que trae el autor para discutir: “Es muy interesante, porque en esta obra no hay una verdad, ella tiene razón, pero la otra también tiene razón. Es una discusión de dos puntos de vista que se encuentran”. Se trata, señaló, de que el público salga del teatro con esa reflexión sobre los límites del acoso.

En este sentido, Naian González complementa: “Esta obra también habla de esa censura. De lo que es la censura, hasta dónde permitimos. Creo que hoy en día es importantísimo poner al frente la libertad de de pensamiento y la libertad de expresión, que muchas veces estas tendencias woke y de la cultura de la cancelación reprimen”. Son temas complejos, y esta obra más que responder, también plantea muchas preguntas, subrayó.

Sobre el texto, Mónica Dionne explicó que actualmente que el tema no es lo políticamente correcto necesariamente, sino el tema de la “cultura de la cancelación”, de la censura de los libros, del Me Too, de la generación del “yo siento, yo me siento”, hay muchas cosas que le vuelven a dar una vuelta. Se trata de un texto totalmente vigente que, además, aborda un cuestionamiento sobre la educación tradicional y cómo se ha roto la jerarquía, reflexionó.

González Norvind explicó que este proceso, su primero como directora, ha sido de mucho aprendizaje y con muchos retos. “Estamos construyendo algo que esperamos sea muy original y muy auténtico. Una experiencia profunda que se pueda llevar el público. Es una historia de personajes, es una obra de personajes, una obra, lo dijo Mamet, le interesaba poner a dos personajes frente a frente y ver hasta dónde podría llegar esta circunstancia, basándonos en lo que son ambos personajes”. Al respecto agregó que el autor no quería decir nada en particular ni transmitir ninguna moraleja, sino “llevar la condición humana individual a su extremo y ver en qué culmina“.

Naian explicó que decidió apostar por la actuación y los personajes, “quise mantener todo bastante minimalista, sin distracciones, sin mucha escenografía, sin props, con lo mínimo indispensable”. En este sentido, dijo, la iluminación, a cardo de Josafat Aguilar, será en gran parte la escenografía, “me gustan las obras en donde la iluminación dibuja el tiempo y dibuja el espacio”.

Agregó que el teatro que más le ha gustado hacer como actriz y que le gusta ver es “conversacional, y qué mejor que Mamet para eso”. Al respecto destacó: “Me encanta indagar en el potencial y los límites del lenguaje para comunicar entre nosotros como seres humanos, y esta obra, justamente, de eso se trata”. Esto, señaló, va de lo micro a lo macro, de cómo pueden haber dos personajes dialogando por hora y media no logran comunicar nada, “y creo que es sintomático también de quienes somos como sociedad, no solo en nuestras relaciones interpersonales”.

Oleanna es la segunda producción de Casa Spanda, que en el 2021 debutó como casa productora con Esto no es Hedda Gabler, bajo la dirección de Cristian Magaloni. La obra se presentará del 16 de octubre al 26 de diciembre en el Foro Lucerna, y cuenta con el diseño de escenografía de Antonio Garduño, la asesoría creativa de Sami Samir, como Productor Responsable está Sebastián Silveti e Icunacury Acosta en la Producción Ejecutiva.

Para más información, horarios, boletos y más, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

En la infancia creamos uno de nuestros primeros vínculos fuera de casa: los amigos de la escuela. Es ahí donde se sitúa, Y fuimos héroes, un montaje entrañable que forma parte de la nueva ola que presenta la Compañía Nacional de Teatro.

El texto fue escrito por Maribel Carrasco, considerada como una de las escritoras más destacadas en el ámbito de la dramaturgia para la infancia y la juventud a nivel internacional, y cuenta con la dirección de Luis Rivera y así como las impecables actuaciones de Óscar Narváez y Luis Rábago, actores de número de la CNT.

Seguro te preguntarás, porqué debes ir a ver esta obra, y aquí te vamos a dar 3 buenas razones para que te lances a la Sala Héctor Mendoza y disfrutes de este montaje completamente gratis:

1. La amistad como un lazo irrompible. En algún momento de nuestras vidas, llegamos a conocer a una persona que se vuelve muy especial, y no estamos hablando de la pareja, sino de aquel confidente y amigo que en ocasiones se vuelve un hermano por elección. Esta historia nos presenta a dos niños de 10 años que fueron educados de formas muy distintas, sin embargo, sus diferencias no importan y nos muestran que los lazos de amistad pueden trascender en el tiempo.

2. Más allá del bullying.  Aunque esta práctica está profundamente arraigada en nuestra sociedad y no puede erradicarse por completo, deberíamos profundizar en las razones por las cuales los niños pueden llegar a ser crueles. Este es uno de los cuestionamientos que plantea el montaje, llevándonos a reflexionar sobre nuestra propia infancia para entender por qué fuimos víctimas de bullying o por qué nosotros mismos fuimos los agresores.

3. Calidad actoral. Óscar Narváez y Luis Rábago son un gran ejemplo de la calidad actoral con la que cuenta nuestro país. Ambos actores se enfrentan a este texto que los sacude y los reta mutuamente sobre el escenario. Como espectadores agradecemos poder disfrutar de sus actuaciones, su sola presencia y voz, son más que suficientes para adentrarnos a esta ficción que navega entre el drama y la comedia, que culmina de forma completamente inesperada, llegando a lo más profundo de nuestro ser.

Esta es una obra altamente recomendable para llevar a los niños, familia, donde todos podemos llevarnos un gran momento y lo más importante de forma gratuita, las funciones son de jueves a domingo en la Casa de la Compañía, para acudir sólo debes enviar un correo a publicos.cnteatro@inba.gob.mx, ahí te informarán qué funciones están disponibles.

Por Itaí Cruz, Fotos: Sergio Carreón Ireta

Orlando y Mikael: Los arrepentidos se presenta actualmente en La Teatrería. Del autor sueco Marcus Lindeen y con la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui, el montaje toca temas como la identidad, el derecho a experimentar y la búsqueda de la felicidad.

Se trata de una historia real de dos hombres que se arrepintieron de haberse realizad una operación de reasignación de sexo para convertirse en mujeres. Es un tema actual que abre el diálogo sobre la diversidad, y con una gran honestidad aborda un tema que nos acerca como seres humanos y rompe prejuicios.

Aquí te contamos algunos datos sobre Orlando y Mikael: Los arrepentidos que seguramente te sorprenderán.

La obra cuenta con dos elencos que alternan para dar vida a Orlando y Mikael. Roshell Terranova y Dana Karvelas, y Libertad Palomo y Terry Holiday son las actrices trans que le dan vida a estos personajes. Para ello se lanzó una convocatoria para actores y actrices trans, a la que respondieron 12 candidatas.

El autor de la obra, Marcus Lindeen, es un artista visual, dramaturgo y director de teatro. Antes de incursionar en el cine y el teatro, trabajó como periodista. Su debut como director de teatro y como cineasta fue con Regretters (Los arrepentidos), en el 2006 con el montaje de la obra en el Teatro de la ciudad de Estocolmo y en 2010 con el documental que obtuvo varios premios. El documental lo puedes encontrar en internet y en plataformas de streaming.

Durante varios años tuvo un programa semanal en la Radio Nacional Sueca. De su trabajo como locutor es que nace esta obra. En cada emisión realizaba una pregunta al público. Un día, preguntó: ¿Tú, de qué te has arrepentido? A esta dos hombres para responder por teléfono que se habían arrepentido de cambiar de sexo. Esto pareció muy potente al autor, quien decide juntarlos para grabar un audiovisual con las entrevistas, a partir del cual crearía la obra. y la película.

Orlando y Mikael: Los arrepentidos es una recreación del encuentro grabado por Lindeen. Si bien pareciera que la obra es una sola sesión, se trata de cuatro o cinco encuentros los que sostuvieron Orlando y Mikael. Se trata de los primeros encuentros entre esos dos hombres que ya en ese momento se volvían a identificar como hombres.

Lindeen hace el documental con miras a hacer la obra de teatro. Le parecía muy interesante hacer este encuentro para el teatro, pero los dos personajes tenían reticencias. Por esta razón les ofrece grabar los encuentros y una vez que los vieran, si quedaban convencidos, autorizaran que a partir de ello se realizara la obra. Tanto Mikael como Orlando se emocionan con el resultado y autorizan el montaje. La obra fue estrenada en 2006 con las actuaciones de Lena-Pia Bernhardsson como Mikael y Åke Lundqvist como Orlando.

Los arrepentidos (título original de la obra), es parte de una trilogía de obras realizada por el autor. En los tres montajes indaga sobre el tema de la identidad. La trilogía está integrada también por Mentes salvajes, basada en entrevistas con cuatro personas con ensoñación excesiva (es decir, que tienen fantasías diurnas complejas y recurrentes); y La aventura invisible, que se basa parcialmente en entrevistas con la neurocientífica Jill Bolte Taylor; Jérôme Hamon paciente de trasplante facial; y la artista Sarah Pucill. La idea, nos ha compartido Sebastián Sánchez, es eventualmente montar toda la trilogía en México.

La obra se ha traducido al francés, alemán, noruego, español, inglés, chino y coreano. Siendo montada, además de en Suecia y en México, en Chile, Corea, Francia, Argentina, Finlandia, Noruega y Alemania.

En México se presentó hace 10 años con Margarita Sanz y Alejandro Calva. La actriz para realizar el papel incluso se cortó el pelo y se lo tiño de rubio claro. La obra se presentó durante 3 meses en el Teatro Helénico, de septiembre a noviembre de 2013.

Las fotografías impresas en el actual montaje en México, y algunos elementos de la escenografía son los mismos que se usaron en el montaje de hace 10 años. En esta ocasión el proceso de ensayo duró tres meses y fue, señala el director, como ensayar dos obras. Los dos elencos nunca se juntaron durante los ensayos.

Recientemente, en 2022, Marcus Lindeen volvió a montar al obra la obra en Francia con dos intérpretes no profesionales: Samia Ferguene, mujer lesbiana; y Jó Bernardo, persona no binaria. En este montaje, Lindeen experimentó con dos actores suecos que hablaban francés haciendo la entonación de los personajes reales a través de un apuntador para que fuera replicado por los intérpretes.

Ya conoces un poco más de este montaje que está por finalizar su temporada en La Teatrería. Todavía tienes algunas funciones para descubrir esta obra honesta y conmovedora. De hecho, a finales de octubre, el autor estará presente en la última función.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Paulina Chávez.

Este jueves se anunció el próximo estreno de El hijo de puta del sombrero, de Stephen Adly Guirgis, bajo la dirección de Daniel Giménez Cacho. El elenco lo integran Francisco Rubio, Rodrigo Virago, Ximena Gónzalez Rubio, Lucio Giménez Cacho Goded, Lakshmi Picazo y Luis Vegas. El montaje tendrá una corta temporada en el Foro Shakespeare del 3 de noviembre 2023 al 7 de enero 2024.

“La obra habla de lo más sagrado que hay en la vida, que es el amor, la lealtad, la amistad, pero este autor decidió hablar de ello a través de la falta de eso”, señaló Daniel Giménez Cacho, director de El hijo de puta del sombrero. Habla de estos temas, pero a través de la traición, del desamor, de la soledad, “esa manera de abordarlo, creo que es lo valioso de esta obra”, puntualizó.

En conferencia de prensa, Giménez Cacho señaló que el autor de la obra coloca en primer plano estos valores humanos por la ausencia y la falta de ellos. Al director lo acompañó el elenco de la obra para hablar del proyecto. Todos estos temas son abordados en esta puesta a través de relaciones complicadas, adicciones y un puñado de comedia ácida.

Giménez Cacho destaca que los personajes de esta obra se han metido en un camino trágico, pensando que “el éxito está allá afuera, que el éxitos consiste, y la felicidad consiste en ser alguien, y ser alguien es tener un lugar en la sociedad, ser rico, tener trabajo”. Es un camino, consideró, que solo lleva a un profundo vacío y ansiedad.

Al respecto, Daniel Giménez explica que si bien es oscura esta perspectiva, “es en la oscuridad donde aparece la luz”. Por esto, agregó, es socialmente importante ponerlo a discusión.

Giménez Cacho explicó que la obra habla de migrantes puertorriqueños tratando de asimilarse a una sociedad estadunidense. En la traducción y adaptación realizada por Roberto Cavazos, no se trató de mexicanizar la obra sino borrarle la identidad. La adaptación no se concentra, dijo, en si son boricuas o si estamos en Nueva York, sino apalea a cosas más esenciales de lo humano y profundas que tocan a todo el mundo.

Francisco Rubio destacó que desde hace ocho años ha intentado traer esta obra a México. “Siempre he creído en esta magia de que el teatro elige a sus personajes y elige quién guíe su historia, y está sucediendo”, señaló. El actor, quien impulsó este proyecto explica que de pronto es una comedia, “muy hilarante también y es porque es muy dolorosa. Es impresionante estar como espectador y reírse de cosas muy dolorosas”. Puntualizó que es una obra que habla de la profunda deshumanización del mundo y de la necesidad del inconsciente de seguir amando y de seguir buscando.

Al respecto, Rodrigo Virago señaló que es una obra en la que es bonito encontrar la belleza dentro del horror. La transformación de los seres en su búsqueda del amor, destacó, “me parece muy importante en esta obra”.

Ximena Gónzalez Rubio explicó que ha sido una proceso complejo ir tan profundo en la soledad de su personaje, que tiene una soledad triste, oscura y profunda. “Siempre tocar esos lugares duele y cuesta trabajo, pero estoy agradecida porque el equipo ha sido muy amoroso”, compartió.

Lakshmi Picazo destacó la manera en que el director la ha ido llevando, “eso es lo que hace el teatro. Venimos a contar historias que mueven a la gente, pero también para mover a la gente tú tienes que tener ese salto y esa capacidad de decir, me voy a desnudar y voy a mostrar mi fealdad, mi parte oscura”. Luis Vegas, en este sentido, que como creador le interesa hacer este tipo de teatro confrontativo, lacerante y transgresor.

Por su parte, Lucio Giménez Cacho da vida al protagonista de la historia, Jackie, un ex-alcohólico y ex-yonki. Él explicó que para investigar sobre el tema se internó durante un mes en una clínica en Morelia para entender a “por qué se llega a abandonar la individualidad, tu persona, tu esencia, por una sustancia”.

Sobre estos abordar este tipo de temas, también habló Giménez Cacho. Al respecto señalo que en una obra como esta se muestran las heridas. Al explicó que hay una belleza my grande en ello, pues al mostrarlas: “Eso es lo que genera empatía, es lo que genera contacto, eso es lo que nos hace decir ‘a ti te duele lo mismo que a mí’. Y eso es muy sanador, eso genera mucha solidaridad y comunidad. Eso es lo que me mueve y nos mueve a todos”.

El director del montaje señala que está escrita como realismo norteamericano. El espacio en el que ser contará esta historia, señala, se transformará por el poder de la actuación. Los personajes siempre estarán en escena, se trata, nos dice, de un espacio caótico con muy pocos elementos y todo va transformándose por la situación de la actuación. Adelantó también que en la obra habrá -como lo indica el texto – desnudos de los personajes masculinos, los cuales tienen un razón de ser.

El equipo creativo lo conforman Atenea Chávez en escenografía, Aurelio Palomino en iluminación, el vestuario de Ana Terrazas, música original y en vivo de Carlos Mier, como coach actoral está Mauricio Pimentel, como productor general está Edgar Torres Mayén y como productoras ejecutivas están Alejandra Moreno y Mariana Calderón.

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Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Un sueño lo anuncia: algo va a suceder. Sí, Doña Dominga sabe que vendrá un eclipse de sol. De hecho, ya hasta albergó en su casa a un hombre de la capital que viene a contemplarlo. Pero sabe que algo más va a pasar: sus sueños se lo han advertido. Tras enunciar con lujo de detalle lo que soñó frente a su hija Elia, Dominga aguarda expectante eso que viene, que no es otra cosa que otro eclipse aún más contundente que el natural: el eclipse que cubre a cada uno de los miembros de una familia y la pone en la lucha entre los atavismos y la libertad, entre el duelo y el goce, entre el irse y el quedarse. Conforme la obra avanza, va quedando claro que las luces y sombras familiares ciegan y revelan mucho más que lo que puede avistarse en el cielo.

Estrenada en 1990 en el Teatro El Granero, El Eclipse es la obra cumbre de su autor, el dramaturgo y guionista chiapaneco Carlos Olmos, quien el 13 de octubre cumple veinte años de haber partido, concluyendo una exquisita trayectoria en la que, como muy pocos casos, logró equilibrar el prestigio teatral con el éxito televisivo. Una trayectoria anclada siempre en las distintas posibilidades del teatro y sus formatos, siempre yendo y viniendo entre los temas urbanos y los asuntos de su Chiapas natal, saltando entre el realismo, el realismo mágico y lo real maravilloso, entre la farsa y la pieza, entre la crítica política y el chisme familiar.

Eso es lo que 23 años después de su primera puesta, podrá verse en el nuevo montaje de este texto, gracias a la iniciativa de Cultura UNAM, que a través de Teatro UNAM presenta una versión de El Eclipse muy distinta a la original, a cargo de la compañía especializada en teatro de sombras y objetos Caracola Producciones, que bajo la dirección de Gina Botello escenifica la adaptación que hace Jimena Eme Vázquez al texto de Olmos, en el que además del poder que tienen los personajes y el conflicto dramático, cobran importancia las imágenes construidas con objetos, telas, proyecciones, luces y sombras que enfatizan el mundo onírico y simbólico que fundamentan a esta historia realista en la que, tras el duelo por la pérdida del hombre de la casa, cuatro mujeres de tres distintas generaciones enfrentan la realidad sexual del hijo pródigo. Un fenómeno natural es el pretexto para que afloren los deseos, las verdades y los anhelos de doña Dominga, la abuela, Mercedes, la madre, Elia, la tía, Indira, la hermana, Mario, el visitante y Gerardo, el hijo.

Egresado de la Escuela Nacional de Arte Teatral, en donde tuvo como compañeros a Germán Castillo, Marta Aura, Arturo Beristáin, entre otros, Carlos Olmos vivió su primer estreno teatral en 1972 gracias a la dirección que Xavier Rojas hizo de su obra Juegos fatuos, protagonizada por dos de las más importantes actrices del siglo XX: María Douglas y Virginia Manzano, que encarnaron a dos mujeres, patrona y sirvienta, presas de su soledad y su propia compañía. La crítica se deshizo en elogios para la obra y el montaje y, con ello, Olmos entró de inmediato al panorama teatral de la Ciudad de México.

En distintas temporadas, Eduardo Ruiz Saviñón ha puesto en escena la farsa siniestra Juegos profanos, que junto con Juegos impuros y la ya mencionada, conforman el Tríptico de juegos. En ella, dos amantes celebran la Navidad junto a sus padres, solo que los amantes son hermanos y los padres están muertos. En 2002, la interpretaron Kate del Castillo y Julio Bracho en el Teatro Helénico. De las 13 piezas originales y completas escritas por Olmos para el teatro -también escribió guiones de cine, radiodramas y libretos de ópera- solamente Las ruinas de Babilonia no ha sido estrenada, o al menos no se tiene el registro de ello.

Entre los años setenta y ochenta, Olmos vivió los estrenos de sus obras La rosa de oro, El presente perfecto, El brillo de la ausencia y Lenguas muertas. De ellas, La rosa de oro es la más notable, pues la sátira sobre los premios literarios en México resultó merecedora del Premio Nacional de Dramaturgia Juan Ruiz de Alarcón y tuvo un elogiado montaje a cargo de Germán Castillo, quien también dirigió para la Compañía Nacional de Teatro una segunda puesta en escena de Lenguas muertas, una obra que retoma un tema del Siglo de Oro, la predestinación, para crear una farsa sobre las creencias de la gente de un pueblo y la manera en que un aprendiz de chamán se aprovecha de ellas.

El presente perfecto, una pieza sobre la corrupción dentro de las relaciones amorosas, fue dirigida por quien fuera su maestra, amiga y cómplice: Soledad Ruiz, una de las directoras y, sobre todo, docentes teatrales más importantes y menos reconocidas de nuestro país. Y, aunque para llevar a escena El brillo de la ausencia se conjugaron las fuerzas del dramaturgo Carlos Olmos con las del director Julio Castillo, el más importante de la década de los ochenta gracias a creaciones como De película, De la calle y Dulces compañías, el encuentro fue poco afortunado, pese a lo vanguardista del texto, que hablaba sobre el refugio político latinoamericano y, claro, a la dirección de Castillo y al atractivo reparto que incluía a Irma Lozano, Alma Muriel, Enrique Rocha y Juan Peláez.

Aunado al éxito teatral -la crítica elogiaba o desaprobaba sus obras, pero jamás hacía silencio frente a ellas-, en la década de los ochenta Olmos se consolida también como guionista de televisión. Entre 1983 y 2001, Olmos estuvo presente en las pantallas mexicanas gracias a telenovelas como La pasión de Isabela, Tal como somos, En carne propia, La sombra del otro y Sin pecado concebido, que con mayor o menor éxito de audiencia, pertenecen al selecto grupo de telenovelas de autor e, incluso, de telenovelas de culto, pues más que su rating, se rescata la calidad de su producción, dirección, elenco y, por supuesto, personajes y situaciones. En algunas de estas historias introdujo veladamente personajes gays o lésbicos sin necesidad de clichés y sí con una genuina carga dramática e irónica.

Es imposible hablar del teatro de Carlos Olmos sin hablar de sus telenovelas y viceversa. Aunque dramaturgos como Vicente Leñero y Miguel Sabido ya habían incursionado en el género de la telenovela, es Carlos Olmos quien incorpora las leyes del teatro al del melodrama televisivo. Tal vez por eso una telenovela como El extraño retorno de Diana Salazar sigue presente en la memoria de los televidentes, con todo y los ojos amarillos de Lucía Méndez, la protagonista de la historia. Una trama sobre reencarnación -o, más bien, sobre premonición- aderezada con humor negro y siniestro a cargo de personajes como el de la villana Alma Muriel y la fanática religiosa que la asistía, la extraordinaria Patricia Reyes Spíndola en uno de los personajes más perturbadores de la T.V. En éstos días se prepara una nueva versión de esta telenovela, para transmitirla en la plataforma VIX. Sí: Carlos Olmos, quien siempre estuvo a la vanguardia mediática, ha llegado al streaming.

Pero para entender el porqué Olmos llevó el gran teatro a la pantalla chica, hay que remontarse a lo que tal vez ahora podría parecer un cliché, un tema manido, una mención sobada: Cuna de lobos. A casi 40 años de su estreno en el horario estelar -hay quien dice que inició en el horario vespertino y la movieron a la segunda semana de transmisiones-, la telenovela que Televisa aceptó programar mientras se producía otra con un elenco o productor de más impacto, resultó ser, hasta nuestros días, el producto más acabado y destacado para el género de la telenovela mexicana. La mayor valía, por supuesto, se halla en el desarrollo de la historia, desarrollada con formas inéditas de tratar a los personajes, abordar las situaciones y construir los diálogos y frases.

Partiendo de una anécdota por demás convencional -una joven pobre e ingenua a la que un hombre rico y listillo engaña, embaraza y la despoja del hijo y de su inocencia-, construyó una obra que, además de paralizar a la ciudad de México, fue motivo de discusiones no solamente en el ámbito popular, sino en los del arte, la cultura y la academia, colándose en encabezados periodísticos, consignas políticas y sátiras cabareteras. Aunque todos los personajes son memorables, el motivo de tal alboroto se debe a dos mujeres en particular: Catalina Creel, la perversa madre de familia dispuesta a todo con tal de que su hijo sea feliz y María Rubio, la extraordinaria actriz que hoy, aún después de su fallecimiento en 2018, sigue siendo un ícono de la televisión mexicana.

El éxito de Cuna de lobos fue aprovechado por Olmos y Téllez, quienes levantaron una nueva producción de Juegos fatuos, en el Teatro Poliforum, reuniendo como protagonistas a las estrellas de la teleserie: Diana Bracho y la propia María Rubio -quienes luego llevaron la obra a la T.V. en la serie VideoTeatros-.

Curiosamente, una de sus obras más relevantes del autor se separa completamente de los escenarios chiapanecos o citadinos: El dandy del Hotel Savoy, que recrea los juicios y los últimos días de Oscar Wilde, quien ante el espectador se desdobla para enfatizar la tragedia que vivió el gran escritor inglés al ser encarcelado por “indecencia grotesca”, es decir, homosexualidad. Dirigida por Carlos Téllez y protagonizado por Alejandro Tomassi y Arturo Beristáin, con un amplio reparto, la obra es una de las grandes piezas del teatro universitario y del teatro LGBTQA+.

Durante los años noventa, Olmos tuvo en cartelera obras que, con mayor o menor éxito, manifestaron su prestigio y constancia: Final de viernes, en la que lleva el lenguaje de la televisión al teatro a través de un divertido romance entre una guionista y un galán de tv, interpretados por Ana Martin y Rafael Rojas, junto a Claudio Brook, dirigidos por Enrique Pineda, en el Teatro San Jerónimo. Atardecer en el trópico, que narra la repercusión en una familia chiapaneca del golpe militar de Guatemala en 1954 y que fue la sutil respuesta del dramaturgo al levantamiento del EZLN en 1994; fue dirigida por el regiomontano Luis Martín en el Teatro Jiménez Rueda y estelarizada por Martha Navarro y Arturo Beristáin.

Entrado el nuevo milenio, ya enfermo de un mal respiratorio, atestiguó el estreno de su última obra, Después del terremoto, que parte de la tragedia de 1985 para construir la historia de dos seres que, al igual que la ciudad, colapsan con sus recuerdos y frustraciones; dirigida por Mauricio Jiménez, la obra fue interpretada por Delia Casanova y Esteban Soberanes. El que esta obra no tuviera el éxito esperado, no hizo mella en el autor: cuando Olmos murió en 2003, su obra más exitosa seguía en cartelera.

Adaptación del guión cinematográfico de Álvaro Custodio, Aventurera es uno de los más rotundos éxitos de la escena mexicana. A caballo entre el teatro, el musical, el cabaret y la carpa, el espectáculo permaneció en cartelera por más de diez años. Inició en 1997 en el Salón Los Ángeles y celebró su décimo aniversario en el Auditorio Nacional.

Actrices y actores fueron y vinieron del elenco, pero aunque siempre se mantuvo la expectativa sobre la actriz que interpretaría a la aventurera del título (Edith González, Itatí Cantoral y Niurka Marcos fueron las más representativas), el espectáculo le pertenecía a la comediante Carmen Salinas, quien además produjo la obra. Junto a ella, interpretada de forma notable por Alejandro Tomassi primero y luego por Libertad Palomo -y después por otros actores-, el personaje de La Bugambilia es la principal aportación de la versión de Olmos: un hombre cisgénero que se esconde de la policía vistiéndose como una glamurosa cabaretera.

Aunque se trata de uno de los mayores éxitos del autor, su versión no está contemplada en el Teatro Completo publicado por el Fondo de Cultura Económica en 2007, pues la edición realizada por el productor y director Julián Robles y el narrador y guionista Enrique Serna se concentra en sus piezas originales. Por cierto, Serna construye una de sus novelas más entrañables y conocidas a partir de su relación de amistad con el dramaturgo: en Fruta verde, novela de aprendizaje que aparte de consignar el proceso de Serna para convertirse en escritor, consigna los años de Olmos como empleado de una agencia de publicidad mientras escribe una obra teatral que resulta premiada.

El eclipse no recibió ningún premio por su dramaturgia, pero su montaje original gozó de una larga y aplaudida temporada, por la conjunción de todos sus elementos: la historia, que habla del descubrimiento homosexual en una familia humilde de la costa chiapaneca, la dirección del veterano Xavier Rojas, quien recurrió a su expertise en el teatro arena para darle mayor complejidad al texto y, por supuesto, al exquisito ensamble conformado por las primeras actrices Beatriz Aguirre, Lilia Aragón y Marta Aura junto a Gastón Tuset, Armando Palomo y Betzabeth S. González. El suceso de la obra obligó a que, para salir de gira y para seguir en el D.F., se armara un nuevo elenco, igualmente disfrutable: María Rubio, Irma Dorantes, Diana Bracho, Alejandro Tomassi, Jorge Antolín y Vanesa Bauche. El texto fue editado primero por la UNAM y después se incluyó en la colección La Centena de El Milagro – CONACULTA.

Curiosamente, a la publicidad de la obra contribuyó el eclipse total de sol acaecido en julio de 1991. Y es en el marco de un nuevo eclipse de sol, el 14 de octubre, que el nuevo montaje de la obra se presenta en el Teatro Santa Catarina como parte del Festival Cultura UNAM (y a partir de febrero de 2024 con una temporada), con funciones propias del programa de Residencia Expuesta de Teatro UNAM en el que se halla Caracola Producciones, que para esta propuesta.

Además de contar con la garantía de Eme Vázquez, han reunido un equipo conformado por la escenografía e iluminación de Karla Bleu, el diseño de títeres y objetos de Daniela Villaseñor y el diseño multimedia de Joel Cárcamo. Ellos, dirigidos por Botello, complementan el trabajo del elenco integrado por Gabriela Núñez, Sol Sánchez, Carolina Contreras, Renée Sabina, Iván Zambrano Chacón y Alex Moreno del Pilar, quienes además de dar cuerpo y voz de manera precisa y refrescante a los personajes del drama, manipulan los títeres y objetos y proyectan las sombras y transparencias que nos recuerdan que el universo de Olmos parte de los sueños para aterrizar en realidades tremendas que siguen siendo de suma actualidad, pertinencia y sabor.

Por si no fuera suficiente, desde febrero de este año se estrenó en el Palacio De Bellas Artes la versión cinematográfica de la obra: Estoy todo lo iguana que se puede de Julián Robles, que actualmente sigue presentándose en festivales. De lo mejor que nos deja esta nueva lucha entre el sol y la luna es que nos devuelve al teatro a Carlos Olmos y su brillo inconfundible.

Por Enrique Saavedra, Foto: Cortesía

Escrita en 1979, Sweeney Todd: El Barbero Asesino de la Calle Fleet, es uno de los musicales más populares y elogiados de todos los tiempos, y regresa de nueva cuenta a nuestro país, a partir de este viernes 13 de octubre, bajo la producción de Vatru Entertainment e Ícaro Compañía Teatral.

Este musical que cuenta con un aura divertida y aterradora, cuenta con las actuaciones de Quecho Muñoz, Flor Benítez, Alberto Lomnitz, Jimena Parés, Luisa Cortés, Andrés Elvira, Ervey Ortegón, José Grillet, Diego Enríquez, Eduardo Siqueiros, Melissa Cabrera y Carla Heftye, todos ellos se han consolidado como grandes figuras del teatro musical de nuestro país y ahora se aventuran con esta nueva propuesta en el Teatro Milán.

Para que vayas calentando motores, aquí te compartimos algunos datos curiosos sobre esta puesta que se presentará de viernes a domingo, hasta el 30 de diciembre:

1. Origen del personaje. Sweeney Todd proviene de una historia publicada en una revista semanal durante el invierno de 1846-1847. En esta historia, Sweeney y la señora Lovett eran al principio sólo ladrones y luego se convirtieron en espantosos socios comerciales, que estaban motivados por la codicia, no por la venganza, como se aborda en el tema principal del musical.

2. Mito vs. realidad.  Existe la falsa creencia de que la historia original se basó en hechos reales, sin embargo, esto se debe a la publicación de “El collar de perlas” (primer dato). A partir de ahí, la historia se integró en el imaginario popular. Su fama se debe a que se convirtió en una obra de teatro un par de años después. Luego, dio el salto a la pantalla grande en 1928, siendo la versión más conocida la protagonizada por Johnny Depp y Helena Bonham Carter en 2008.

3. Del drama al musical. La historia pasó por muchas adaptaciones antes de que Christopher Bond la convirtiera en una obra de teatro (sin música) en 1973. Tiempo después, el gran Stephen Sondheim fue a ver la versión de Bond en el Theatre Royal Stratford East, y quedó tan encantado que ese mismo año propuso la primera adaptación musical.

4. Todo un reto. Este es uno de los musicales más complejos para los intérpretes quienes deben contar con una gran voz y resistencia, ya que la historia sólo cuenta con el 20% de diálogos, mientras que el 80% de la obra es cantada. Si bien esto no es nuevo, si requiere de una gran capacidad vocal de todos los que participan en el montaje.

5. Famosos que han formado parte. En la producción original, Angela Lansbury interpretó el papel de la señora Lovett y esto la llevó a ganar un premio Tony por su actuación. Otras personalidades que se han sumado al proyecto son George Hearn, Patti LuPone, Michael Cerveris, Michael Ball, Imelda Staunton, Bryn Terfel, Emma Thompson, Neil Patrick Harris, Audra McDonald.  En México, la más reciente adaptación fue encabezada por Lupita Sandoval y Beto Torres que estuvieron en temporada en el Foro Cultural Coyoacanense “Hugo Argüelles” en 2018.

Ya estamos más que listos para ver este gran estreno en el Teatro Milán,  además puedes adquirir tus entradas con nuestras promociones exclusivas en Descuentos Cartelera, sólo da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Pop Comunicación

El teatro de suspenso y de terror ha ido cobrando fuerza en el gusto del público. Desde que hace casi 30 años levantara el telón La dama de negro el número de personas que disfrutan del género ha ido creciendo.

A la par, las propuestas en este tipo de obras también se han multiplicado. Sin embargo, por las características del género, no muchas obras logran llegar a su objetivo. 2:22, una historia paranormal es un montaje dirigido por Gabriel Mata-Cervantes. Es una propuesta que busca detonar en el espectador preguntas sobre un tema que ha cautivado la imaginación del ser humano: ¿existe lo paranormal y los fantasmas?

Más que una obra de terror, esta propuesta es una obra de suspenso psicológico o un thriller psicológico, como lo llaman algunos. Con las actuaciones de Diego Klein, Alejandra Ambrosi, Erika de la Rosa y Jorge Losa, se presenta los fines de semana en el Teatro Xola Julio Prieto.

Aquí te decimos tres razones por las cuales debes ver 2:22, una historia paranormal.

1. Una historia poco convencional. Esta obra entra en el género de suspenso psicológico. Los elementos que van generando tensión no están a la vista, están en la psique de los protagonistas. Sus ideas, decisiones y opiniones son las que crean las situaciones que llevarán a un desenlace inesperado.

2. Lo visible y lo invisible. Esta obra se desarrolla en un espacio diseñado por Félix Arroyo. El escenógrafo crea un lugar que transmite la sensación de que algo puede suceder. Integra tres espacios que funcionan como distintos planos, nos llevan de un espacio seguro a uno amenazante, este último nunca lo podemos ver pero juega un papel importante en la narración. La cocina, el comedor y la sala es lo que vemos de una vivienda en una colonia gentrificada de la Ciudad de México, al fondo unos ventanales dan acceso a un jardín, un área semivisible de la vivienda, y del lado derecho una puerta que lleva a los dormitorios. En el primer espacio sucede la mayor parte de la acción. El segundo funciona como “zona de transición”, un punto intermedio entre lo real y lo desconocido. El tercero es el punto ciego donde lo paranormal podría estar sucediendo.

3. Luz y sonido como catalizadores. En una propuesta de este tipo el sonido y la iluminación son fundamentales para crear un universo propio donde todo sea posible. Son los elementos que apoyan a las interpretaciones para generar emociones en el público. En este caso, en este montaje realizan la iluminación y el diseño dos creadores que tienen experiencia en este tipo de montajes, su carta de presentación es ni más ni menos que La Dama de Negro: César Perrín y Antonio Calvo, respectivamente.

Así que ya lo sabes, si eres fanático de este género, o simplemente quieres ver una obra diferente. Para más información, horarios, boletos y descuentos del montaje, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado,  Foto: Cortesía de la producción.

Es curioso cómo el fenómeno de los Escape Room ha ido creciendo. Este exitoso formato de diversión consiste en un cuarto en el que los participantes están encerrados, para lograr salir de él deben solucionar una serie de retos y acertijos en un tiempo determinado.  Es en los años 80 del siglo XX que nace el concepto, nace en el mundo digital como un juego. En aquel entonces los juegos de video no son lo que hoy conocemos, su aspecto visual resultaba muy simple. El encanto de aquellos juegos estaba precisamente en la historia y en la habilidad que se requería para superar.

Fue hasta el año 2008, en Japón, que los Escape Room saltan al mundo real. Desde entonces se han esparcido por todo el mundo. Diez años después, en el 2018, en Barcelona se estrena una obra que retoma esta idea para contarnos una historia. Se trata de Escape Room, escrita por Joel Joan y Héctor Claramunt, y dirigida por el primero.

La obra llegó a México en el pasado 29 de septiembre, protagonizada por Faisy, Alejandra Barros, Juan Martín Jauregui y Paly Duval, bajo la dirección del director catalán Joel Joan. Aquí te contamos tres razones por las cuales la debes ver.

1. La premisa y los temas que toca. Es novedoso colocar la acción de prácticamente toda la obra en un Escape Room. La obra nos narra como cuatro amigos asisten a un lugar como estos buscando pasar un buen rato. Sin embargo, en cuanto la puerta de la habitación se cierra comienzan a suceder cosas extrañas. Los creadores de la obra ubican ahí a sus personajes para abordar temas como la política, la lealtad y los principios morales.

2. Una ambientación minuciosa. El trabajo realizado por Emilio Zurita – adaptador escenográfico del montaje – es muy efectiva. La recreación minuciosa de un Escape Room da a los intérpretes el espacio propicio para que nos narren esta historia que, con un final sorpresivo, te dará temas para pensar. En este caso, Zurita trae a un entorno mexicano la idea original de la obra en su exterior, y en el interior recrea a la perfección la idea utilizada en España.

3. Una historia pensada en Barcelona muy bien adaptada a México. Este montaje tiene la particularidad de que toca temas muy específicos en su montaje original y los que se han presentado en otras partes. Enrique Arce Gómez, adaptador de la obra, logra encontrar los vasos comunicantes para que el espectador no pierda interés en la narración. El adaptador no solamente logra mantener el interés, sino transpolar temas, de la realidad catalana a la mexicana, para buscar la reacción y reflexión del público.

Así que ya lo sabes, si quieres ver una obra que cumple con entretener, y de paso toca algunos temas importantes, esta obra es para ti. Además, tiene la característica de en esta época de lo políticamente correcto, tocar los temas de una forma muy particular.

Para más información del montaje, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Fher Carmona.

Este domingo se realizó la presentación oficial a medios Sweeney Todd: El Barbero Asesino de la Calle Fleet. El musical, con letras y música de Stephen Sondheim y libreto de Hugh Wheeler, se presentará hasta el 30 de diciembre en el Teatro Milán.

Al finalizar la función, Miguel Septién, director, traductor y adaptador de la obra, señaló que el público ha recibido este musical de una gran manera. Destacó que uno de los mejores comentarios que han recibido es en el sentido de que a pesar de lo complejo y denso del material, es una historia que está resonando con la gente”.

El elenco del montaje está encabezado por Quecho Muñoz, Flor Benítez y Alberto Lomnitz. Los acompañan en el escenario Jimena Parés, Luisa Cortés, Andrés Elvira, Ervey Ortegón, José Grillet, Diego Enríquez, Eduardo Siqueiros, Melissa Cabrera y Carla Heftye.

Quecho Muñoz se dijo agradecido y afortunado, pues Sweeney es un personaje que hace mucho tiempo deseaba hacer. Destacó el equipo creativo y el elenco que realiza el montaje. En este sentido, destacó la mirada de Miguel Septién como director, sin embargo, dijo, es más importante compartir que “es un director amoroso, generoso, que construye con nosotros”.

Flor Benítez señaló que la construcción de su personaje ha sido “exhaustiva y milimétrica”. En este sentido reconoció el trabajo de Dano Coutiño como director musical del montaje. “De la mano de Miguel, hemos, al menos yo he podido, encontrar algo muy fino para contar”, y agregó “hacer mancuerna con la dirección es fundamental para abordar un material tan complejo como este”.

Miguel Septién destacó que lo más complejo de embarcarse en este proyecto es que se trata de un musical potente en todos los sentidos. Tanto la música, la dramaturgia y el reto físico para elenco con complejos y demandantes, explicó. Al respecto, agregó, el montaje planteó muchos retos para contar esta historia de la mejor manera. “Desde el día 0 estuvimos totalmente enamorados del material que tenemos y totalmente dispuestos a entregarnos en cuerpo y alma”, afirmó el director.

Al hablar sobre la propuesta que presentaron, Septién explicó que como director le gusta recargarse en la actoralidad y potencia del elenco. En este sentido, agrega, se buscó contar la historia de la forma más pura posible y con elementos “que sean absolutamente necesarios para ello”.

En este sentido, resumió: “Como director, lo que más me llama del teatro es abordar el teatro como metáfora, abordar el teatro como algo que nos invita a imaginar, abordar el teatro desde un lugar donde invitamos al público a ser un participante activo”.

Al ser cuestionados sobre lo complejo de los temas de la obra, el productor David Cuevas subrayó que desde hace varios años trata de toca temas que socialmente no son tan cómodos. Al respecto, abundó que la historia de Sweeney Todd viene de una leyenda urbana del Londres de la época victoriana. Reflexionó: “Es muy interesante ver cómo todos situaciones sociales, problemáticas, siguen siendo muy vigentes en nuestros días. Es una obra que toca temas como el racismo, el clasismo, la corrupción y tantas cosas que nos atraviesan como sociedad”.

Sobre este tema, Septién agregó que si bien es valioso encontrar mensajes, moralejas o algún tipo de bálsamo en el arte, “también creo que no necesariamente es responsabilidad de una pieza teatral dejarnos un mensaje como tal”. En el caso de Sweeney Todd, consideró, más que dar un mensaje es una ventana hacia sentimientos “que nunca van a cambiar mientras nuestra naturaleza humana siga siendo lo que es”. La obra es sobre la pasión, sobre la obsesión, sobre la impotencia, emociones que todos hemos sentido en nuestras vidas, aseguró. Historias como esta, puntualizó, nos permiten reconocer y validar nuestra naturaleza humana a través de situaciones que la llevan al extremo.

Como parte del equipo creativo están Félix Arroyo en el diseño de escenografía e iluminación; Giselle Sandiel en diseño de vestuario; Miguel Jiménez en diseño de audio; y Maricela Estrada en diseño de maquillaje y peniandos.

Para más información, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Considerado como uno de los recintos teatrales más nuevos y equipados de nuestro país, el Teatro Telcel celebra este 17 de octubre su décimo aniversario desde su apertura.

Para sumarnos a este festejo, les compartiremos algunos datos sobre este lugar que ha albergado grandes producciones, demostrando así que está a la altura de los mejores teatros a nivel mundial.

Es probable que hayas pasado alguna vez por “La ciudad Slim”, como se le conoce comúnmente a una parte de Polanco, donde convergen un acuario, museos y centros comerciales exclusivos, en en el corazón de este lugar  se encuentra el Teatro Telcel, único en su tipo.

1.El recinto fue inaugurado con la presentación de Wicked, la primera versión en español de este famoso musical. Esta hazaña fue posible gracias a las modernas instalaciones del teatro, que desde entonces ha atraído a miles de fanáticos del teatro musical, no solo de México, sino también de otros países de habla hispana.

2. Hablemos un poco sobre su construcción. El teatro cuenta con un auditorio subterráneo, lo que lo distingue de cualquier otro recinto, ya que se encuentra ubicado a seis pisos bajo tierra. Los espectadores deben descender por varias escaleras eléctricas hasta llegar a sus asientos, lo que agrega un toque especial y único que hace que la experiencia sea inolvidable.

3. A propósito de las butacas, éstas ofrecen gran comodidad a los espectadores. Miden 52 centímetros de ancho y están distribuidas en un patrón de tresbolillo, es decir, están intercaladas para no obstruir la visibilidad, lo que permite apreciar el espectáculo desde cualquier lugar. Además, la distancia entre cada fila es de 95 centímetros, garantizando un espacio adecuado para cada persona.

4. Un aspecto que no pasa desapercibido es el sistema de audio que envuelve toda la sala. El Teatro Telcel es el único en Latinoamérica que cuenta con el sistema de audio Constellation, conformado por 270 bocinas. Gracias a este sistema, los espectadores pueden disfrutar del sonido como si estuvieran a solo seis metros del escenario.

5. No podíamos cerrar este recuento sin mencionar el diseño arquitectónico, el cual fue concebido por el arquitecto español Antón García Abril, quien se inspiró en la composición de los templos mexicas. El recinto cuenta con diversas terrazas y plataformas, así como una escultura principal que permite el acceso de la luz natural, recordando la composición precolombina.

Desde su apertura, este recinto ha albergado a diversas propuestas escénicas, así com shows de música de talla internacional, actualmente es la casa de Anastasia, el musical, que se presenta de miércoles a domingo, para más información da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Escenario Ocesa

Claudio Carrera está cumpliendo 20 años al lado de Tina Galindo al frente del Teatro de los Insurgentes, quien por su parte tomó las riendas del icónico recinto hace tres décadas. Actualmente, dos montajes en los que Carrera figura como productor se encuentran en cartelera: Mamma Mia! y Escape Room.

Para platicar de estos dos montajes y del 70 aniversario del Teatro de los Insurgentes entrevistamos al productor, quien nos adelantó que Mamma Mia! estará de gira el año que viene en distintos puntos del país.

El exitoso musical basado en música del grupo sueco ABBA está por cumplir 8 meses presentándose con seis funciones a la semana en el Teatro de los Insurgentes. En exclusiva dio la primicia a Cartelera de Teatro que para celebrarlo se develarán dos placas conmemorativas por sus 200 representaciones. La primera de ellas la develará el elenco original del montaje y la segunda el elenco de suplentes y reemplazos. Esta última, nos dijo, la develará Kika Edgar.  “Así como Lisset es una de nuestras damas de la comedia músical, Kika también lo es, las dos son familia para nosotros en el Insurgentes”, señaló.

Congruencia y amor al teatro

Después de ocho meses de temporada, Mamma Mia! mantiene un alto nivel de ocupación en el Teatro de los Insurgentes. Claudio Carrera nos explica que la obra continúa dando seis funciones a la semana, lo cual en México es difícil. En el proyecto participan, más de 150 personas entre el reparto, la orquesta, personal operativo, de producción y de oficina.

“Se dice fácil, pero hace muchos años no nos pasaba y, bendito sea Dios, nos está pasando en el Teatro Insurgentes lo que nos pasó cuando hicimos Cabaret y Víctor Victoria, que podíamos trabajar desde el miércoles o jueves”, nos dice. El poder tener funciones de jueves a domingo, explica, habla sobre la consistencia y la fuerza del reparto, así como del amor y la congruencia que tiene toda la compañía por lo que están haciendo.

En este sentido, recuerda lo que la señora Fela Fábregas le dijo en una ocasión: “Los dioses del Teatro premian y castigan“. En Mamma Mia!, nos comparte, “hay una disciplina y hay un trabajo como el que se hacía antes, creo que este arte y este entretenimiento [… ] lo merece”.

Durante el tiempo que lleva el musical, nos dice Carrera, han tenido “la gran fortuna de no cancelar una función “. Al respecto destacó la respuesta del público, “porque nosotros no tenemos los grandes apoyos del gobierno, no los tenemos en absoluto”. Si bien reconoce que con sus producciones se han ganado el apoyo de las marcas, éstas no pagan la producción ni los gastos semanales, por eso la importancia del favor del público que paga un boleto.

De gira por la República

El musical se mantendrá en temporada – la cual nos dice el productor espera sea la primera y posteriormente regrese – hasta principios de enero de 2024. Después, entre febrero y abril, nos adelanta, ya tienen una “extensa gira comprometida”, que cubrirá, entre otras plazas, Puebla, Guadalajara, Monterrey, Querétaro, Mérida, Cancún, Toluca.

Antes de que eso suceda, lanza una invitación a nuestros usuarios para que participen, escribiendo y a través de nuestras redes sociales para que opinen a quiénes les gustaría ver como invitados especiales en el montaje. “Todavía tenemos chance de hacerlo todo lo que resta de octubre, noviembre y diciembre”, señala.

“Seguiremos los festejos al Insurgentes”

Además de la doble develación de placa, una “pequeña locura que creo que nunca se ha hecho”, nos informó que para continuar con las celebraciones del Teatro de los Insurgentes se están planeando algunas actividades en colaboración con los Premios Metro. También, destacó que para 2024, continuarán celebrando a este importante recinto al sur de la Ciudad, “pero con el aniversario de otro musical importantísimo que queremos montar”.

Escape Room, “un reloj perfecto”

Además de Mamma Mia!, la cual produce junto con Tina Galindo, Daniel Vilafañe, Alfonso j. González y Nicolás Vale, hace un par de semanas inició temporada Escape Room, en el Nuevo Teatro Libanés. Montaje que produce Claudio Carrera con Tina Galindo en sociedad con Morris Gilbert y Mejor Teatro, Bajo la dirección de Joel Joan, quien junto con Héctor Claramunt es autor de la obra.

Esta comedia, que en la versión mexicana cuenta con las actuaciones de Faisy, Alejandra Barros, Juan Martín Jauregui y Paly Duval, el productor tuvo oportunidad de verla en Madrid previo a la pandemia. Ahí, nos narra, asistió al teatro con el director Francisco Franco, quien le recomendó que trajera el mismo montaje a la Ciudad de México. “Hazla, pero haz una réplica exacta de lo de Madrid, porque no tiene caso que la reinventemos, es perfecta, es un reloj perfecto”, le dijo el director, recuerda.

Una obra sobre el momento que estamos viviendo política y socialmente

Escape Room es una obra poco convencional, llena de sorpresas y un dispositivo escénico muy bien logrado. En ella, destaca Carrera, hay romance, suspenso, comedia, terror y toca temas relevantes como la política, el lenguaje inclusivo, el feminismo y el machismo. “Está muy bien adaptada por Enrique Arce a México de 2023, en el momento que estamos viviendo política y socialmente”, subraya.

Para el productor el recibimiento del público para este montaje ha sido muy bueno. Debido a los elementos que maneja, que son interesantes y únicos, se vuelve una montaña de emociones, “la gente sale fascinada”.

En este sentido, explica que el público llega expectante, y en la primera escena no acaba de entender quién es quién de los cuatro personajes. Todo el elenco, confiesa el productor, es maravilloso. Señala que el trabajo de los cuatro (Faisy, Paly Duval, Alejandra Barros y Juan Martín Jáuregui) se encuentra al mismo nivel.

Al respecto, Claudio Carrera considera que es el elenco el que logra que “la obra sea aún más potente”. Además del texto y los trucos de escenografía, lo que hace que el montaje “crezca y explote, es la magia de este reparto”, afirma.

A fin de cuentas, para el productor en esta obra podemos ver el amor, la relación de pareja y la amistad, valores fundamentales, y sentimientos como el pánico y el terror, los cuales están “desde que la humanidad existe”. En la obra podemos encontrar, agrega, “los sentimientos más básicos humanos, hasta el cómo nos relacionamos con todo lo que nos pasa”. En Escape Room, considera, vemos a dos parejas que se quedan atrapadas y en vez de salir, lo que sale al exterior son “todas esas cosas que jamás hubieran salido allá afuera”.

Hedwig and the Angry Inch

Finalmente, le preguntamos a Claudio Carrera sobre los rumores de que planea traer a México Hedwig and the Angry Inch. “Esa la tenemos en stand by por una sola razón, el tema es un tema drag, creo que la cartelera está un poco saturada del tema, hay muchos espectáculos con este tema, afortunadamente, con mucho éxito, y yo quiero esperar a que se decante un poco”, explicó.

El montaje toca temas fuertes y cómo su protagonista logra escapar de Berlín hacia los Estados Unidos, antes de la caída del muro. Por ello, explica el productor, quiere esperar un poco para que el tema no se confunda, “no quiero que se confunda la profundidad que tiene Hedwig, no porque los demás no lo sean, sino porque es única”. Agregó además que el montaje requiere de un actor potentísimo, que pueda aguantar cinco o seis funciones a la semana como lo hicieron en Nueva York Neil Patrick Harris, Darren Criss y Michael C. Hall: “No he dado con esa figura, la haremos, pero no en este momento. Quizá el año que entra”, remata.

Para más información, horarios y descuentos de Mamma Mia! haz clic aquí. Aquí encontrarás horarios, descuentos y boletos de Escape Room.

Por Itaí Cruz y Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Claudio Carrera.

Este miércoles Anastasia tuvo una función muy especial para celebrar los el décimo aniversario del Teatro Telcel. Como madrina de este festejo estuvo presente Kate del Castillo. La actriz dijo estar honrada de ser la madrina de “estos 10 años de darnos tanto entretenimiento, de darnos tantas alegrías, llorar, lo que es el teatro, lo que es vivir el teatro”.

Julieta González, directora de teatro y eventos familiares de OCESA y productora de la obra, dijo al final de la función que ha sido una “aventura impresionante”. Durante esta década el Teatro Telcel ha albergado 6 musicales de gran formato.

Como parte de la celebración, estuvieron presentes en el escenario integrante de los elencos de los musicales que han tenido su casa en este recinto. “Han pasado por este teatro una gran cantidad de actores”, señaló la productora. En estes sentido, agregó: “Como no los podemos tener aquí a todos, hemos invitado a algunos que van a representar a todas esas compañías”.

Cecilia de la Cueva, Ana Cecilia Anzaldúa, Flavio Medina, Biby Gaitán, Michelle Rodríguez y Juan Pablo Martínez “Juampi”. Cada uno de ellos recordaron momentos que han vivido en este teatro y finalizaron el evento interpretando fragmentos icónicos del Wicked, El Rey León, Chicago, Los miserables, Aladdin y Anastasia.

Juampi señaló que el teatro es amor, es familia y salva vidas. Por su parte, Biby Gaytán se dijo privilegiada de pisar de nuevo el “mejor teatro de América Latina y seguramente de muchos lugares  más”. La actriz y bailarina narró cómo con la pandemia tuvieron que suspender funciones, sin embargo, dijo, “aquí seguimos, aquí seguimos todos los que amamos el teatro, porque al teatro no lo va a acabar ni siquiera una pandemia”.

Michelle Rodríguez compartió: “Estoy infinitamente feliz y conmovida de ser parte de la historia de este teatro. Me siento muy hornada de poder compartir con gente que he admirado durante muchos años”. En su oportunidad, Flavio Medina señaló su emoción por pisar nuevamente el escenario del teatro. “El Rey León, evidentemente, marcó mi trayecto y es algo que voy a agradecer eternamente”, dijo.

Cecilia de la Cueva agradeció al público: “por llenar estas butacas diez años con nosotros, gracias profundamente, porque esto sucede gracias a ustedes”. Por su parte, Ana Cecilia Anzaludúa recordó cómo les tocó llegar al teatro por primera vez para probar los vuelos de Wicked. Se encontraban en ese entonces las escaleras todavía se encontraban en obra e incluso se inundó el teatro en algún momento.

Como parte del evento, se presentó también un video narrando la historia del Teatro Telcel y cómo a lo largo de esta década ha consolidado como uno de los teatro preferidos del público asiduo de los musicales.

Julieta González durante su intervención al final de la función recordó cómo en el 2011 llegaron al recinto, en ese entonces, todavía en obra negra. En este sentido, compartió: “Costó mucho imaginarlo, pero finalmente, con la magia que siempre sucede en el teatro, y con la ayuda del enorme arquitecto Pepé Moyao [….], gracias por hacernos este maravilloso teatro”.

Por su parte, el productor Morris Gilbert destacó que en 10 años este teatro ha recibido como espectadores a 2 millones 400 mil personas. “Nos enorgullece enormemente que el Teatro Telcel haya sido su casa teatral durante todo este tiempo”, dijo.

Para más información de Anastsasia, horarios, boletos y más, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Escenario Ocesa/Pablo Deyta

Al atravesar sobre el puente peatonal sobre la recta del Autódromo Hermanos Rodríguez, justo antes de llegar a la curva, se va mostrando ante la mirada  la casa de los Diablos Rojos de México. 

El complejo arquitectónico, diseñado por  Alonso de Garay y Francisco González Pulido, se levanta donde antes habían canchas para diversos deportes. El estadio se nos muestra en toda su magnitud conforme nos vamos acercando a él. Se trata del estadio de una franquicia profesional más joven en la Ciudad de México. Inaugurado en el 2019 cuenta con todas las comodidades, la tecnología y la sustentabilidad que un estadio de siglo XXI nos puede ofrecer. 

Rodeado por una reja perimetral de acero oxidado, creada por el maestro Francisco Toledo para abrazar esta construcción, en su interior conviven esculturas y murales de artistas como Demián Flores, José Luis Gracía, Sergio Hernández y Amador Montes.

En el Estadio Alfredo Harp Helú conviven el deporte y el arte. Este sitio es ideal para hablar con la compañía Puño de Tierra sobre la próxima temporada de su obra Bolita por favor, que el 4 de noviembre iniciará funciones en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky del Centro Cultural del Bosque.

El montaje habla sobre un equipo de niñas que juegan béisbol y un día se encuentran que han clausurado el parque donde acostumbran jugar; en el sitio se construye un centro comercial, ante lo cual deciden dar la batalla para recuperar su espacio

La vigilancia del recinto, acostumbrada a facilitar a los aficionados de los Diablos que asisten a ver a su equipo, no sabe bien a bien por dónde dar acceso a una fuente periodística distinta a la deportiva. Nos piden a un grupo de reporteros que entremos a través de la impresionante explanada del estadio, otra guardia nos recibe ahí, y nos conduce, de vuelta al sitio que veníamos, pero esta vez por debajo del estacionamiento del estadio. 

Llegamos a la sala de usos múltiples del Harp Helú, afuera nos recibe Valentina Sierra, Fernando Bonilla, Paulina Bringas y Daniela Luque, que platican frente a los camiones que transportan a la novena capitalina.

La convocatoria que tiene en esta ocasión Puño de Tierra es grande, medios deportivos y culturales estamos juntos -como pocas veces- bajo un mismo techo. Entre el béisbol y el teatro hay muchas similitudes; el cronista deportivo estadounidense Ernie Harwell decía que  “El béisbol es ballet sin música, drama sin palabras”. Una analogía perfecta hoy que estamos en el también llamado “antesala del infierno” para platicar de teatro. 

La directora y dramaturga, Valentina Sierra, habla sobre la pérdida de los espacios públicos. Narra cómo ella creció jugando en la calle y en el parque sin problemas. Al respecto, recuerda: “Yo iba al estadio de béisbol a ver jugar a los Diablos, y de pronto ese estadio desapareció y se convirtió en un centro comercial. Fui perdiendo mis espacios públicos, de pronto ya no hay lugar para jugar. El edificio donde vives no se puede gritar, no se puede correr”. 

En este sentido, considera, que ella fue parte de una generación que vivió ese cambio. La generación que fue testigo de cómo, de poder salir a jugar y vivir los espacios públicos, pasó a no poder salir, “de pronto lo que le queda a las niñas y los niños es el consumo, ir a un centro comercial”, dijo. 

Esta obra, afirma en broma la autora, “es mi venganza poética”. Narrar esta historia de un grupo de niñas defendiendo su espacio a través de la desobediencia civil, confiesa, “es muy gratificante”. Sobre este destaca que es importante: “Hablarle a las niñas y los niños de que se vale desobedecer cuando una regla es injusta, cuando la autoridad es sorda”. 

La dramaturga aprovecha para dedicar esta temporada a Tenzing Ortega, iluminador del montaje y quien murió hace unos meses. Esta temporada, dijo, es para él porque “ha iluminado mi vida y mi escena”.

El béisbol apasiona, tiene la magia de lo impredecible. “El juego no se acaba hasta que se termina”, es una frase acuñada por Yogi Becerra, catcher de los Yankees de Nueva York y nos habla de la naturaleza sorpresiva de este deporte, y de nunca bajar los brazos. 

Fernando Bonilla es un apasionado del “Rey de los deportes”. Inicia su participación con una frase lapidaria, digna de un pelotero o un cronista del deporte: “En México se juega mejor béisbol que fútbol y en México se hace mejor teatro que televisión. Curiosamente, para ambas disciplinas,atávicamente ha sido  complicado romper ese cerco mediático”. 

Estas dos disciplinas, nos dice el también director y dramaturgo, son las dos pasiones de su vida. Una profesionalmente, señala, “la otra es el único espacio que siento que tengo en que soy un fanático”. “Siempre trato de convencer a mis amigos beisbolistas de ir al teatro y a mis amigos teatreros de ir al béisbol, y no es tan fácil, y creo que esta obra ha sido y seguirá siendo un buen puente”. 

Sobre la temática del montaje abunda: “El ocio es un derecho revolucionario, y es vital para las infancias, nos corresponde a las personas adultas protegerlo” y visibilizar esta lucha.

Sergio Bonilla destaca que Valentina Sierra siempre le ha parecido una de las mejores directoras de su generación en México. y coincide con Fernando: “Hace falta sacudirnos el adultocentrismo y ponerle atención a los niños, eso es algo que también subraya la obra”. 

Tener estos espacios públicos – ya sea un centro teatral como el Centro Cultural del Bosque o un lugar como el Estadio Harp Helú – genera comunidad, un sentido de pertenencia. Son lugares donde uno se puede sentir “en casa”, es una emoción que se expresa en lo que señala Fernando Bonilla al hablar sobre el sitio en el que nos encontramos y que nos abrió sus puertas: “Yo soy un aficionado a los Diablos Rojos desde muy pequeño, y también para mí ha sido un sueño como aficionado la construcción de este estadio”.

Gabriela Murray, nos dice que es emocionante volver con esta obra. El proceso de montaje y el estreno se dio todavía durante la pandemia, ahora, poder presentarse con público, sin tapaboca, viendo su rostro, la llena de alegría por esa necesidad “que tenemos los autores de respuesta del público”. 

Por su parte, Daniela Luque, destaca que ha sido un regalo trabajar con puño de tierra, “me encanta la obra, me divierto muchísimo”. Sobre esto nos dice que este llamado a la infancia lo disfruta mucho, es hermoso ver cómo -ante la obra- se sienten en su propio espacio. Finalmente Paulina Bringas se dijo emocionada de  integrarse al elenco de la obra y poder hacer teatro infantil, pues así se enamoró del teatro. Del elenco de la obra, no pudo estar presente en la cita Valeria Fabbri.

Daniel Miranda, coordinador Nacional de Teatro del INBAL, al darnos la bienvenida. Habla sobre lo refrescante de salir a una presentación de una obra a un sitio diferente, y “respirar este aire del deporte”. Miranda destaca que “el teatro, el deporte, particularmente el béisbol, tienen un vínculo que está trazado de una manera muy natural. Las personas, especialmente los niños, tienen derecho a ambas cosas, al teatro y tienen derecho al deporte”.

Se trata, dice el funcionario, de una obra que reúne cosas relevantes, como el derecho de las infancias al teatro y a ejercer sus derechos culturales. “Pero también con un elemento clave de esta puesta en escena, que es la defensa del espacio público, del espacio de esparcimiento”, subrayó. En este sentido, consideró: “El vehículo a través del cual se lleva, que es el teatro, y el tema a través del cual se trata, que es el béisbol, me parece que es una mezcla provechosa, muy productiva, muy placentera, muy disfrutable”.

Anelvi Rivera, subdirectora de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes, señaló que es emocionante y gratificante que esta obra forme parte de la programación de la Coordinación Nacional de Teatro. “En esta obra las protagonistas son niñas, que hacen deporte, y hacen béisbol. Es muy importante también esta posibilidad”, dijo, y agregó, “ponerlo aquí en el escenario y compartirlo así nos parece muy interesante y muy divertido”.

En la conferencia de prensa hay un ambiente beisbolero, el olor a palomitas de maíz que nos ofrecen nuestros anfitriones llena el aire. Al terminar la conferencia de prensa realizamos un recorrido por las instalaciones del estadio para conocer estas instalaciones que pueden alojar a 20 mil aficionados cómodamente. En la cuál se hizo historia este año, al tener por primera ocasión un juego oficial de la MLB. El cual reúne motivos del México prehispánico y el México moderno.

Antes de dirigirnos al Museo Diablos Rojos,una historia incomparable que se encuentra en el interior del estadio, nos enteramos de impresionantes datos de esta construcción. Como, por ejemplo, que la icónica cubierta del estadio, realizada en fibra de vidrio y teflón, mide más de 15 mil metros cuadrados y pesa más de 5 mil toneladas. 

Terminamos la jornada en el museo, en el cual nos sumergimos en obras de arte, la mayoría de ellas de artistas oaxaqueños y que tiene temática beisbolera, y en los 83 años de historia de los Diablos Rojos de México, la franquicia deportiva profesional más ganadora en el país, con 16 títulos de la Liga Mexicana de béisbol.

Para más información de Bolita por favor, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

La autoficción tiene la potencia de – a través de la historia de alguien más – ver nuestro propio reflejo en ella. Ricitos de oro no habla alemán es una obra que se inserta en este tipo de narrativa. En ella, su autora y codirectora, Paula Watson, se lanza a indagar sobre el amor, la pérdida y el duelo.

Al lado de Luis Eduardo Yee, codirector del montaje, nos presentan un universo particular. Se trata de una obra que toma como punto de partida para desarrollar su historia el cuento de Robert Southey. A partir de ahí nos sumergimos en la historia de la protagonista, que está en búsqueda de su identidad y de un lugar propio en el mundo.

Te compartimos tres razones por las cuales debes ver Ricitos de oro no habla alemán.

1. Una experiencia muy particular. Esta obra es, desde que ingresas, una experiencia teatral distinta. Se presenta en las entrañas del Teatro del Bosque Julio Castillo, en su sótano. Al descender por las escaleras nos adentramos por debajo del emblemático escenario del teatro. Es casi una experiencia inmersiva en la que el público –literalmente, como lo hace la niña del cuento – irrumpimos en la casa de los tres osos y en su intimidad.

2. Un texto potente y una propuesta lúdica. El texto de Paula Watson es potente, nos habla desde su propia experiencia. El duelo, el amor, la búsqueda de nuestra propia identidad y un lugar en el mundo son temas que a todos nos atraviesan. Es una propuesta lúdica y onírica, con ambientes y personajes que se mueven entre las fronteras de la realidad, el sueño y la pesadilla. Es difícil definirlo, pero por momento estamos ante personajes que emanan cercanía y por otros tienen un halo macabro, por momentos divertido y por momentos conmovedor es un texto que nos habla desde la parte más profunda de su autora.

3. Un universo propio en un espacio distinto. Paula Watson y Luis Eduardo Yee, de la mano de su elenco y su equipo creativo integrado por Mauricio Ascencio en el concepto escénico y diseño de vestuario, y Joaquín Martínez y Emiliano López en el diseño sonoro, logran crear un universo propio para esta obra en este espacio no convencional. Es un ambiente que nos hace sentir como espectadores algo irreal, es como entrar en un cuento infantil distorsionado por el sueño.

Así que ya lo sabes, si lo tuyo es el teatro de autoficción, el teatro en espacios no convencionales y los textos que retan al espectador. Ricitos de oro no habla alemán es, definitivamente, para ti. No te pierdas esta obra interpretada por Luis Ra Acosta, Leonardo Barragán, Emiliano Cassigoli, Ayla Rodríguez, Paula Watson y Luis Eduardo Yee.

Para más información de la obra, boletos y horarios, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Millán Foto. 

Rosy es la duodécima Obra Seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024. Esta obra, escrita por Cecilia Ripoll, es un texto latinoamericano que toca problemáticas relevantes en la región. La desigualdad, el hambre, la corrupción, la justicia, pero también la empatía, la generosidad y la solidaridad son temas que se tocan en esta obra. A través de un universo lúdico y humor, Rosy nos habla de todo esto, a la vez que divierte provoca la reflexión.

La dirección de Alejandro Velis, y el tono que elige para esta historia, permite a su elenco construir sus personajes sin caer en la imitación. Acercándose a la farsa permite que el público acepte la convención y se parte de ella. El elenco, encabezado por Conchi León, Teté Espinoza y Antón Araiza, requiere de una gran versatilidad y rigor. La música, el canto y el baile exigen a los intérpretes intensidad. Todos estos aspectos lo logra el elenco de esta obra, que lo  completan Juan Cabello, Muriel Ricard y Romani Villicaña.

Si bien la obra habla de realidades dolorosas, el poder del teatro permite que es el espectador disfrute y ría, saliendo del teatro con temas de reflexión y preguntas importantes: ¿Se debe hacer lo correcto por medios incorrectos?

El equipo creativo del montaje logra construir un espacio y un ambiente que enriquece la propuesta. Patricia Gutiérrez en la escenografía, Víctor Zapatero en el diseño de iluminación, Ian Reta en el diseño sonoro y Anabel Ortega en el diseño de vestuario son los encargados de crear este mundo. La música – sin ser una obra musical – se vuelve un elemento fundamental en esta propuesta, suman a la narración ya al ritmo de la historia. La selección de temas, que incluyen hip-hop, cumbia, música clásica, entre otros géneros, es un trabajo colectivo coordinado por Ian Reta.

Por estas razones Rosy, una producción de Nocturno Teatro, forma parte de las obras seleccionadas en esta edición de nuestros premios.

Rosy se presenta de viernes a domingo en el Foro Lucerna, del Teatro Milán. Para más información del montaje, boletos, descuentos y horarios, haz clic aquí.

En las vísperas del Día de Muertos, una de nuestras tradiciones ancestrales más arraigadas, la cartelera también se pone a tono y los creadores nos presentan un abanico de propuestas donde imperan las catrinas y los rituales que tanto impresionan a los visitantes foráneos, ávidos por experimentar esta colorida fiesta.

Y no es para menos, pues en este día especial, los mitos y leyendas cobran vida para celebrar la vida y la memoria de quienes se nos adelantaron, permitiéndonos disfrutar de una noche inolvidable llena de arte y emoción.

Para que vayan organizando su agenda teatral, les ofrecemos una primera selección con algunas de las obras que podrán disfrutar en familia:

– La Chorcha de las calacas. Producida por Marionetas de la Esquina, llega una nueva temporada de esta obra infantil, donde la Catrina recordará a icónicos personajes de la historia y la cultura de la Ciudad de México, como Frida Kahlo, José Guadalupe Posada y el inmortal “Chabelo”. Las funciones son los sábados y domingos, hasta el 22 de octubre, en La Titería.

– La Llorona: Chokani. Vuelve el espectáculo que se presenta en el Embarcadero de Cuemanco, para llevar a los espectadores por un paseo nocturno en trajinera a través de sus bellos canales y revivir una de las leyendas más conocidas de México: La Llorona. La obra tiene una duración aproximada de 3 horas, así que vete muy bien abrigado para que disfrutes al máximo esta tradicional puesta que estará hasta el 4 de noviembre.

– Calaveritas mexicanas. Inspirado en los dibujos y grabados de José Guadalupe Posada, este espectáculo musical cobra vida  a través de cuadros de bailes folklóricos, poesía, cantos y un deslumbrante vestuario encabezado por La Catrina. Las funciones son los sábados y domingos, hasta el 5 de noviembre, en el Teatro Tepeyac.

– El camino del colibrí. En esta propuesta de Danza Visual encontrarás teatro, danza, ópera y artes circenses que se conjugan para contarnos una leyenda mexicana de amor y de muerte. Aquí conoceremos a Piltontli y Huitzilin, dos jóvenes cuyos destinos se entrelazan desde niños. Se presenta sábados y domingos, hasta el 29 de octubre, en el Teatro Helénico.

– Saturnina y la muerte. Basada en las plañideras (mujeres que eran contratadas para llorar en los velorios de los difuntos), esta comedia acompañada por melodías originales nos narra la historia de Saturnina, una plañidera que decide dejar de llorar, por lo que las almas quedan atrapadas en el pueblo. La obra ofrece doble función los sábados de octubre, noviembre y diciembre en La Teatrería.

Ahora ya estás listo para comenzar a difrutar al máximo esta fiesta llena de tradición.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía La Llorona Xochimilco y Calaveritas Mexicanas

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El autor, del dramaturgo, actor y director británico Tim Crouch se presenta en el Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández. Se trata de una obra fuerte, que confronta el espectador y que, bajo un formato no convencional, busca provocar una respuesta por parte de la audiencia.

Crouch ha explicado que la obra habla sobre lo que es ser espectador y sobre sus responsabilidades. El escritor sostiene que el texto explora la conexión entre lo que observamos y lo que hacemos. “Siento firmemente que hemos perdido el hilo de la responsabilidad de lo que elegimos mirar”, ha señalado al respecto.

El montaje, que se presenta en el Centro Cultural del Bosque, cuenta con las actuaciones de Enrique Arreola, Miguel Santa Rita, Carmen Madrid y Emilio Guerrero. Sin lugar a duda, un elenco potente que, bajo la dirección de Benjamín Cann, nos ofrece extraordinarias interpretaciones.

Aquí te platicamos algunos datos curiosos sobre la obra y su autor.

1. El público reacciona de manera impredecible. En el 2011 Tim Crouch describió las diversas reacciones del público que llegó a observar mientras se representaba El autor. Estás, escribió en el periódico The Guardian, iban desde “leer periódicos y novelas, construir aviones de papel, hace la ola mexicana (la de los estadios), cantar feliz cumpleaños a alguien, recitar poesía, aplaudir lentamente, amenazar físicamente a los actores, tararear en voz alga con los dedos tapando sus oídos, murmurar obscenidades, gritar a los actores y arrojar copias del texto al dramaturgo”. También, según el dramaturgo, en esta obra aproximadamente el 10% de la audiencia simplemente se levanta y abandona la representación.

2. En México el montaje se ha presentado en distintos sitios. El dramaturgo coloca al elenco sentado y mezclado con la audiencia. La propuesta de Cann dispone sillas en un círculo, donde audiencia y actores se confunden. El montaje se ha presentado en el Círculo Teatral – cuando estaba en remodelación y funcionaba como un espacio abierto -, en el Espacio Cultural Laguna, en el Foro Shakespeare y ahora sobre el escenario del Teatro Orientación.

3. Un dramaturgo versátil. A Tim Crouch le gusta experimentar con las teatralidades. No se encasilla en un solo tipo de audiencia. El dramaturgo ha escrito ocho dramas para adultos, además de 8 obras más para niñas, niños y jóvenes audiencias.

4. La primera obra escribió la terminó en tan solo cinco días. Su primer texto fue My Arm (2002), y lo realiza como reacción ante la frustración que sentía ante el teatro contemporáneo. Algo que molestaba al actor y director era el “aparente abandono de la audiencia en los procesos” que tenía el teatro en aquel momento. Si bien nunca había escrito nada antes, Crouch narra que escribió “casi sin pensar. Mirando atrás, puedo ver que estaba escribiendo toda la frustración que había estado experimentando”.

5. Guionista de televisión. El director, actor y dramaturgo no solamente ha escrito para teatro. En el 2019 Crouch incursionó – coescribiendo al lado del actor Toby Jones – en las series televisivas. La serie Don’t Forget the Driver, escrita para la BBC2, ganó el premio a la mejor comedia en los Venice TV Awards 2019.

Para más información, horarios y boletos del montaje, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Mariano Zapata.

Si te gustan los dramas históricos mezclados con guiños telenovelescos, no te puedes perder Más allá de los hombres, una obra que nos muestra una perspectiva única sobre la Revolución Mexicana, a partir de la visión de una mujer que cuestiona la brutalidad de los embates de la guerra.

La obra cuenta con un elenco de primera encabezado por Blanca Guerra, Jesús Hernández, Estefanía Norato, Fernando Sakanassi, Miguel Cooper, Alan Uribe Villarruel, Shadé Ríos* y Estefanía Estrada*, alternando funciones.

Aquí te damos 3 razones para que te lances a ver, Más allá de los hombres que se presenta de jueves a domingo en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón:

1. Visibilizando lo invisible. Es bien sabido que existe poca representatividad de las mujeres en diversos ámbitos de la cultura y la literatura no es la excepción, autoras como Virginia Woolf, Jane Austen o Mary Shelley, son algunos de los nombres que han destacado a lo largo del tiempo. Sin embargo, existen muchas otras como es el caso de María Luisa Ocampo, una autora mexicana poco conocida, cuyas obras siguen tan vigentes como en la época en que fueron escritas, gracias a la cooperación entre Teatro UNAM y la Compañía Nacional de Teatro, hoy podemos disfrutar de este texto en las tablas.

2. Idealización de la guerra. La obra hace una dura crítica a la idealización de la Revolución Mexicana y en general, a las luchas armadas. Desde pequeños nos han inculcado el sentirnos orgullosos por las batallas ganadas, exacerbando a las figuras militares o líderes políticos, no obstante, este montaje nos invita a reflexionar sobre las consecuencias que sufren los involucrados, donde no hay vencedores ni vencidos, pero sí miles de víctimas.

3. Relevancia actual. Si bien esta obra se sitúa en 1918, como espectador, no podemos sentirnos ajenos a los conflictos ya que vivimos en un mundo donde imperan los conflictos armados, ejemplo de ello, la situación que viven Ucrania y Rusia, o Israel y Palestina. Y para ello como siempre está el teatro que nos proporciona un espacio para discutir y cuestionar la violencia en el mundo, convirtiéndose así, en una experiencia profunda y pertinente.

No te pierdas esta propuesta que forma parte Vindictas a la luz, una sinergia entre el programa Vindictas de la UNAM y A la luz de la CNT, que estará en cartelera hasta el 3 de diciembre en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario, consulta más información, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: José Jorge Carreón

El padre, de Florian Zeller, iniciará temporada el 17 de noviembre en el Teatro Fernando Soler del Centro Teatral Manolo Fábregas. El elenco, encabezado por el maestro Luis de Tavira y Fernanda Castillo, está integrado por Pedro de Tavira, Emma Dib, Ana Sofía Gatica y Alfredo Gatica, bajo la dirección de Angélica Rogel.

La obra llega bajo la producción de Guillermo Wiechers, Alejandro Gou y Óscar Uriel. Los productores, acompañados de su elenco y la directora del montaje, se reunieron con los medios de comunicación para hablar de este proyecto.

El padre narra la historia de un padre y su hija. El padre se niega a aceptar que está perdiendo algunas facultades como la memoria, mientras que su hija, debe tomar decisiones respecto a su propia vida ante el escenario que está viviendo.

Sobre la obra, destacó Luis de Tavira, nos habla de la zozobra de quienes viven esta situación, que es un síntoma conocido. En este sentido, el reconocido actor y director profundiza en el tema de la memoria, “no hay memoria solitaria, la memoria es la memoria del otro”, señala. Si bien, agrega, este “síntoma” lo está estudiando profundamente la neurología y la geriatría, “al teatro le importa amar la condición humana de ese que está en ese momento”.

Fernanda Castillo se dijo emocionada y conmovida de poder hacer una obra que habla de seres humanos. El padre, reflexionó, habla “de lo que nos moviliza a los seres humanos, de lo que nos conecta con nuestros padres, con nuestros hijos”.

La actriz se dijo honrada de compartir el escenario con Luis de Tavira. “Esto es un homenaje al trabajo de muchos años del maestro, de haber dirigido y haber formado a los mejores actores de este país. Quisiéramos todos como equipo que la gente que venga, venga a hacer ese homenaje a un hombre que ha hecho el teatro en este país”.

Angélica Rogel, directora del montaje, subrayó que cuando le ofrecieron el proyecto no tenía idea de lo que iba a pasar en su proceso, ni que fuera a ser Luis de Tavira el padre.

Sobre el texto, explicó, que al trabajarlo ha descubierto que cada texto “es como una persona que se despliega ante ti y que empieza a mostrarte quién es”. Esta persona que estamos conociendo, agregó, “da mucho miedo, también genera mucha piedad, mucho amor”. En este sentido, reflexionó que nunca había dimensionado antes el concepto de “perderlo todo”, que es con lo que juega esta obra: “Perderlo todo me parece lo más terrorífico. Perder los recuerdos, perder quién eres y olvidar a las personas que quieres. Te genera una empatía y también un terror que nunca había tenido al conocer un personaje así, llamando personaje a esta obra”.

Emma Dib destacó que se trata de un texto “fantástico, muy complejo, muy complicado, es un enorme desafío para todo el mundo”. Agregó: “Es muy entrañable también, comentaba yo en algún momento que no todos tenemos hijos, pero todos tenemos padre y representa el origen”.

En su oportunidad, Alfredo Gatica narró que en lo personal actuar al lado de su prima Ana Sofía es “un apapacho y una bendición”. Esto, porque con ello se cierra un ciclo que poder haber compartido su proceso y su partida, “eso se cierra abordando esta ficción”, dijo.

Ana Sofía Gatica, por su parte, señaló que a través de su personaje ha sido un reto el “re significar el sentido del cuidado hacia una persona mayor”, entender el trabajo y la importancia que conlleva. Habló sobre el proceso con su abuelo y vivirlo en el trabajo cambia su perspectiva y la llena de admiración por las mujeres que se dedican a este cuidado, pues generalmente son mujeres quienes terminan realizando este cuidado. Agregó, además, que está muy afortunada de haber sido contemplada para esta obra y “sobre todo de seguir haciendo teatro, porque quiero hacer teatro toda mi vida y a veces es difícil”.

Óscar Uriel, destacó –citando a Laurence Olivier – que “a través del arte del teatro se puede indagar sin ocultamientos, pero tampoco sin ser sumamente directos, esto en los secretos y el reconocimiento del corazón humano”. Por ello, agregó como productores quieren contar una historia muy poderosa como El padre.

Por su parte, Alejandro Gou confesó el proyecto es muy importante y muy especial para él, pues hace muchos años tuvo la oportunidad de tomar clases con el maestro de Tavira en el Núcleo de Estudios Teatrales.

Sobre la obra, destacó el productor, “es el teatro que me gusta, […] y para mí es un sueño hecho realidad tener esta obra de teatro junto con Guillermo Wiechers y con Óscar Uriel, que son los capitanes de esta gran obra, y con esta gran directora”. Gou abundó que unir el teatro comercial con este tipo de teatro es una maravilla, “es un eslabón gigante, en general el teatro es teatro en todas sus manera de expresión”.

En su oportunidad, Guillermo Wiechers, quien además es el traductor del texto, dijo que es un honor y también una presión que Luis de Tavira haya aceptado la invitación a participar en el proyecto. “De ese tamaño es el paquete que descansa sobre nuestras espaldas y de ese tamaño es la confianza que hemos depositado en el elenco que tenía que acompañar a la vaca sagrada del teatro en este país, el maestro Luis de Tavira. De ese tamaño es la confianza que tenemos sobre la visión de la maestra Angélica Rogel”, dijo.

El eqipo creativo de El padre está integrado por Jorge Ballina en el diseño de escenografía, Ingrid SAC en el diseño de iluminación y Natalia Seligson en diseño de vestuario.

Parece que la sociedad está perdiendo la memoria

Entrevistamos por separado al maestro De Tavira, quien al reflexionar sobre el tema de esta obra, que en la existencia estamos retados a ser uno mismo, a construirse uno mismo. Esto, dijo, con el paso del tiempo uno descubre que solamente podemos llegar a ello si uno descubre un “tú, porque solo un tú nos descubre y nos revela quiénes somos”.

El ex director de la Compañía Nacional de Teatro explica: “Es una obra que nos sacude en esa tarea que resulta fundamental en la crisis civilizatoria en la que estamos inmersos todos y que nos atañe a todos. Esta escalada tan terrible de deshumanización en la que el mundo se ha convertido, y que nos ha llevado a la falta de solidaridad, a la falta de comprensión entre todos, a un individualismo absolutamente enceguecido en donde el otro no existe”.

Esta obra, reflexiona el actor, es una invitación a una experiencia “de la que aspiramos salir menos inhumanos, y si fuera posible, un poco más humanos”.

Sobre este tema, el director hace una analogía sobre su personaje con el mundo y con la sociedad. “Parece que la sociedad está perdiendo la memoria, la memoria de su historia, la memoria de lo experimentado. ¿Cómo es posible que tan pronto se nos haya olvidado el horror de las guerras? ¿Que no tengamos memoria de lo que está pasando alrededor de nosotros? Es una tragedia”, advierte.

El público, señala, va a encontrar en El padre una aventura que lo invita a contactar y experimentar lo que sucede con un hombre cuya mente se está desvaneciendo. “Una persona común y corriente, muy parecida a cada uno de nosotros”, señala.

Lo que le pasa al protagonista, considera, es algo que nos pasa a todos, “es algo que nos reta a todos, y que nos hace preguntarnos por nosotros mismos”. En este sentido, nos dice, el espectador que se permita experimentar la obra va a descubrir que en realidad se trata de él mismo.

¿En verdad podemos construir algo dejando atrás a los que nos han construido?

Por su parte, Fernanda Castillo nos dice en entrevista que está emocionada y conmovida por ser parte de este elenco y de esta obra. La cual, explica, “invita a transformar la visión, no solo de esta enfermedad, sino de la empatía en este país”.

Su personaje, dice, se trata de un personaje que vive un conflicto. “El gran conflicto que tiene es si puede haber un futuro para ella, quitándose la culpa de dejarlo a él, de separarse de él, y son las dos cosas con las que va a estar peleando toda la obra”. Plantea preguntas como si en verdad podemos construir algo dejando atrás a los que nos han construido, explica.

En este sentido, agrega: “Es un personaje en conflicto toda la obra, desde que empieza, que va tomando decisiones como mejor puede y que invita a la empatía, no solamente con los otros, sino con nosotros mismos también”.

Para más información de El padre, boletos, horarios y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Martin McDonagh es uno de los dramaturgos vivos de habla inglesa más destacados. Sus obras poseen un humor negro punzante y algo de crueldad. Este año, en la Ciudad de México, se han montado dos obras del autor: La reina de belleza de Leenane y El cojo de Inishmaan.

Ambos montajes se destacan por su calidad; cada uno de estos textos forma parte de distintas trilogías sobre Irlanda que el autor de The Pillowman y de la película Tres anuncios por un crimen ha escrito.

La reina de belleza de leenane terminó funciones en mayo pasado, mientras que El cojo de Inishmaan, se encuentra en cartelera actualmente. Esta última está por finalizar temporada en un par de semanas, se trata de una obra que no se pueden perder.

Aquí te doy tres razones para que salgas corriendo a verla este fin de semana.

1. Un texto lleno de matices. Los personajes complejos que crea McDonagh están llenos de matices. Su narrativa requiere de mucho humor negro, es una herramienta para aliviar la tensión y el ambiente que imaginó el autor. El humor de esta obra se mantiene en la frontera de lo que hoy se podría pensar como políticamente incorrecto, sin embargo, es fundamental para comunicar un mensaje más profundo y que es necesario.

2. Decisiones acertadas en todos los aspectos. Cuando un montaje funciona bien, como lo hace este, podemos resumir esto en que se tomaron las decisiones acertadas en todos los aspectos. Desde la traducción de Lorena Maza hasta la adaptación y dirección de Fernando Bonilla se mantienen el estilo, la esencia y la naturalidad de los diálogos del autor.

3. Una farsa en un universo propio. El tono que decide dar el director a este montaje es de farsa. Esto ayuda a crear un universo propio, con aires de fábula. Las caracterizaciones (Maricela Estrada), el vestuario (Jerildy Bosch), la iluminación y escenografía (Sergio Villegas), y la Música (Jordi Bachbush) aportan como un todo al desarrollo de la narración.

Si estas tres razones no te bastan, y en estricta justicia con este montaje, no podemos dejar de mencionar al elenco. Integrado por figuras con sólidas carreras en el teatro y jóvenes que vienen empujando, da vida a esta comedia con tonos de farsa que mantiene al púbico riendo constantemente. No se trata -como ha dicho el diretor – de una risa estéril que se desvanece, sino que lleva a la reflexión. Ver sobre el escenario a David Juan Olguín Almela, Sofía Álvarez, Gabriela Murray, Sergio Zurita, Meraqui Pradis, Demetrio Bonilla, Tina French, Juan Carlos Beyer y Aldo Escalante, es un verdadero placer.

Todas estas razones hacen que, además, esta obra participe como Seleccionada en los Premios del Público Cartelera 2024.

El cojo de Inishmaan se presenta en el Teatro Rafael Solana. Para más información de la obra, horarios, boletos y descuentos de la obra, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Sociedad Artística Sinaloense.

Este miércoles César Bono se reunió con los medios de comunicación para anunciar el cambio de casa de Defendiendo al Cavernícola y celebrar su cumpleaños número 73 cortando un pastel. El monólogo, que hace 22 años interpreta, cambió su sede al Nuevo Teatro Libanés. Entre otros temas platicó de la película V de Víctor, la cual rodó recientemente en España.

Con Defendiendo al cavernícola, dijo, “he cambiado mucho de casa”. Durante más de dos décadas, recordó, ha dado funciones en el Teatro Hidalgo, en el Teatro Tepeyac, en el Zentrika, en el Centro Teatral Manolo Fábregas y en el Teatro López Tarso. “He hecho con el Cavernícola una especie de gira dentro de la Ciudad de México, aparte de la República”, sostuvo.

Al reflexionar sobre la aceptación que ha mantenido el montaje, considero que es gracias a su autor, Rob Becker, y a Morris Gilbert que lo llamó para interpretar el monólogo. Desde su punto de vista, dijo, se trata de el monólogo más importante que hay en 2023 no solo en México sino en el mundo. Compartió que en Alemania el texto actualmente tiene temporada en diez ciudades con diez actores diferentes, y en España se ha montado con éxito también. “Rob Becker la hizo en Nueva York, en Broadway, y rompió récord haciéndola 12 años y medio”, puntualizó.

La obra se ha traducido a 16 idiomas y se ha presentando en 45 países al rededor del mundo.

Estos datos son para el actor la mejor muestra de que es el monólogo más importante en el mundo. Esto se debe, afirmó, no por él ni por Nacho Novo, quien lo interpreta en España, sino “por un señor que se llama Rob Becker que lo escribió y lo actuó en Nueva York”.  En este sentido, afirmó: “Es el mejor libreto que hay para monólogos, le guste a quien le guste y le pese a quién le pese”.

César Bono compartió que a su edad lo que lo mantiene con energía es el teatro, el cual es mágico. Esta obra, explicó, ha cambiado a mucha gente, que al salir, entiende cosas que no había entendido. al respecto, destacó: “Eso habla de lo que es el teatro. El teatro es el espejo más claro y más grande donde nos vemos reflejados todos“. A través de ese espejo, agregó, ha tenido la oportunidad de que al terminar la obra haya gente que le de las gracias. “Eso me gusta más que los aplausos, eso me gusta más que el sueldo […], ¿por qué dice uno gracias? porque recibió algo”, reflexionó.

Posteriormente se realizó una función especial en la que Bono tuvo como padrinos del 22 aniversario de la obra a Maxine Woodside y Héctor Suárez Gomís. La conductora califióco a al obra como “maravillosa” y se dijo muy honrada de haber sido invitada.

Para más información de la obra, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Si te gustan las obras que navegan entre lo hilarante, lo onírico e incluso lo aterrador, no te puedes perder, Algodón de azúcar, montaje que indaga en los recuerdos de infancia, aquellos que creemos se pierden con el paso del tiempo.

Escrita y dirigida por Gabriela Ochoa con las actuaciones de Alejandro Morales, Romina Coccio, Carolina Garibay, Miguel Romero, Francisco Mena, esta obra regresa por corta temporada y es un must de esta temporada.

Aquí te damos 3 razones para que te lances a verla en el Teatro de la Artes del Cenart:

1. Más allá de los sustos. A través de la metáfora de la feria y los payasos, la obra examina temas como el silencio, el miedo y los secretos que abundan en el seno familiar. De esta manera, la obra nos ofrece la oportunidad de reflexionar sobre la capacidad del ser humano para infligir daño a los demás y cómo los traumas infantiles pueden moldear la vida adulta de una persona.

2. Una experiencia inmersiva. Desde que ingresamos a la sala, la obra nos conduce por un ambiente un tanto tétrico, aquí podemos adentrarnos en una feria decadente y abandonada, que junto con la música y la iluminación, construyen un universo perturbador, desafiando las expectativas del terror convencional, sumergiendo a los espectadores en un viaje visceral y emocional de la mente de un hombre.

3. Un abanico de personajes. La habilidad del elenco para transformarse en una amplia gama de personajes, desde payasos lúgubres hasta familiares aparentemente normales, la obra nos muestra un nivel excepcional de habilidad actoral y creatividad. Sumado a la combinación de elementos visuales y sonoros, el montaje logra crear un ambiente un tanto surrealista que consigue envolver a la audiencia en la propia pesadilla de Magenta.

Algodón de azúcar regresa a la cartelera por muy corta temporada, sólo estára disponible hasta el 19 de noviembre en el recinto del Cenart, así que corre a verla, te aseguro que no te arrepentirás, para conocer horarios y precios, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Moisés Italve 

En esta temporada de zombies, vampiros y fantasmas, el teatro se pone a tono y nos ofrece una diversa gama de propuestas que abordan en terror y suspenso, que exploran nuestros miedos más profundos y desafían nuestra percepción de la realidad.

Si te gusta el teatro con tintes macabros y que nos transportan por lo paranormal y sobrenatural, no te puedes perder esta selección que hemos armado para ti.

La Dama de Negro. Una de las obras de terror por excelencia, no en balde, lleva más de 20 años en cartelera. La historia se desarrolla como un relato dentro de otro relato, donde un anciano narra sus experiencias pasadas, lo que agrega una capa adicional de suspenso y horror a la trama. Las funciones son de viernes a domingo en el Teatro Ofelia.

El mito del vampiro. Una propuesta interactiva conformada por cuatro relatos aterradores acompañados por ilusiones visuales que brinda a los asistentes una experiencia de terror como las historias de Edgar A. Poe o H.P. Lovecraft. Se presenta este sábado 28 en el Telón de Asfalto.

2:22 Una historia paranormal. Esta propuesta cuestiona si la frontera entre la vida y la muerte puede cruzarse, a partir de la historia de una pareja que llega a una nueva casa, durante una cena entre amigos, situaciones paranormales se desencadenan. La obra se presenta sábados y domingos hasta el 25 de noviembre en el Teatro Xola Julio Prieto

Abrecadaver. Este espectáculo que conjuga actos circenses, magia e hipnosis, no apto para menores de edad o cardiacos, nos envuelve en un aura tenebrosa interactiva donde que incluyen fuego, escenas aéreas, acompañado por los clásicos personajes como la muñeca Fedra y el payaso Chuzalongo. Las funciones son viernes y sábado en el Teatro de la República.

Escape room. Este relato cómico, lleno de momentos de suspenso y terror, nos presenta a un grupo de amigos que deciden pasar una velada en un Escape Room, un juego que no sólo pone a prueba su inteligencia, sino también sus límites, convirtiéndose en una experiencia extrema. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Nuevo Teatro Libanés.

Si eres quieres conocer otras propuestas en cartelera, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: La Dama de Negro y Cortesía Manojo de Ideas 

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Sweeney Todd: El Barbero Asesino de la Calle Fleet, el musical con letras y música de Stephen Sondheim y libreto de Hugh Wheeler, inspirado en la obra de teatro de Christopher Bond, inició temporada en el Teatro Milán. Esta versión, está bajo la dirección de Miguel Septién y la producción de Ícaro Teatro y Vatru Entertainment.

La obra, estrenada en 1979 en Broadway obtuvo ocho premios Tony, incluido el de Mejor Musical. Además obtuvo nueve premios Drama Desk y el montaje en Londres de 1980 ganó dos premios Olivier.

El thriller musical se basa, como ya dijimos, en la obra escrita por Bond. Éste a su vez retomó una leyenda urbana del Londres de la época victoriana. La historia gira en torno a un barbero, que después de años de un injusto exilio regresa a Londres, se entera de que su mujer ha muerto y ha perdido a su hija. Esto lo lleva a buscar venganza, para obtenerla no se detendrá ante nada.

Quecho Muñoz, Flor Benítez y Alberto Lomnitz encabezan el elenco de la obra. Los acompañan Jimena Parés, Luisa Cortés, Andrés Elvira, Ervey Ortegón, José Grillet, Diego Enríquez, Eduardo Siqueiros, Melissa Cabrera y Carla Heftye. Se trata de un elenco y un ensamble con capacidad actoral y vocal, que sobre el escenario se siente cohesionado.

Aquí te contamos tres razones por las cuales tienes que ver este musical.

1. Minimalismo con toques góticas sobre el escenario. Miguel Septién al lado de su equipo creativo crean un universo coherente con los anteriores musicales que ha dirigido. La atmósfera sencilla y concentrada, con toques de estética gótica en el escenario, tiene la personalidad que Ícaro Teatro ha ido construyendo. Los responsables de este particular mundo son Félix Arroyo (escenografía e iluminación), Giselle Sandiel (vestuario) y Maricela Estrada (maquillaje y peinados)

2. La música, orquestación y diseño sonoro. Se ha dicho que la música de Sondheim es compleja para el público. Sin embargo, esta es una de las virtudes de este musical. Las disonancias y la profundidad de las partes de cada personaje responden a su psicología y su momento anímico. La dirección musical de Dano Coutiño, quien además orquesta la música, logra logra un potente efecto junto con el diseño de sonido realizado por Miguel Jiménez. Un aspecto que no podemos pasar por alto es que Countiño logra condensar el elaborado score de la obra, integrado por aproximadamente 20 instrumentos que incluyen alientos, maderas, metales, cuerdas, percusiones arpa y órgano, en un partitura –que conserva la esencia – para solo cinco músicos. 

3. La historia, adaptación y traducción. La historia sale de los parámetros de un musical convencional. Con temas controvertidos toca aspectos que van más allá de lo que el texto plasma. Como en otras propuestas, Miguel Septién centra su visión en la condición humana, desde ahí propone esta traducción y adaptación. No es un trabajo menor debido a la complejidad del texto y de las letras.

Ya lo sabes, si eres fanático de los musicales Sweeney Todd es una propuesta que debes ver. Este trabajo se aleja un poco de las versiones anteriores de la obra, es una propuesta que, podríamos decir, es más íntima. Como lo señaló en el estreno para prensa su director, lo que se buscó fue contar la historia de la forma más pura posible y con los elementos que “ sean absolutamente necesarios para ello”.

Para más información, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí. 

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Liliana Rosas.

Dice que recordar es volver a vivir. Sin embargo, la nueva temporada de Vaselina, con Timbiriche, es una oportunidad de volver a vivir este espectáculo no solamente a través de la memoria. La obra está de vuelta este año que se cumplen 50 años de que Julissa y Benny Ibarra padre montaran la primera versión de ella en México. Están por cumplirse también 40 años de que el grupo Timbiriche hiciera este musical, convirtiéndose definitivamente en un musical de culto en nuestro país.

Con esta nueva versión de la obra, han señalado sus productores, Alejandro Gou y Erik Rubín, buscan que las generaciones que vieron la obra vuelvan a disfrutarla. Igual de importante, han dicho, es que las nuevas generaciones se acerquen a este musical ya clásico y se enamoren del teatro. Para alcanzar este objetivo, pusieron la dirección escénica a cargo de Mauricio García Lozano. La dirección musical corre a cargo de Benny Ibarra y la coreografía es de Carmelo Segura.

1. Una gran producción y recursos tecnológico. Se trata de una propuesta que echa mano de la tecnología y de la escenografía tradicional para recrear el espacio de La Prepa Nacional. Una enorme pantalla de led domina el escenario, en ella aparecen imágenes digitales. El mapping es otro recurso que enriquece la propuesta visual de la obra. El diseño de la escenografía, tanto corpórea como digital son de Jorge Ferrari, Maxi Vecco el diseñador de video; Pablo Gutiérrez y Soho Ávila crearon el diseño de iluminación. Se trata de una gran producción, en la cual incluso vemos a Rayo Rebelde -un coche real-  transformarse en el escenario. Sin embargo, el elemento más importante en el teatro siempre será el equipo humano. En Vaselina participan más de 40 intérpretes en escena, 8 músico en la orquesta en vivo y más de 120 personas en el equipo técnico.

2. Viejos conocidos y nuevas caras. En este montaje sus productores juntan un elenco integrado por intérpretes que participaron hace cuarenta años en la versión de Vaselina que interpretó Timbiriche. El plato fuerte para todos los fans y quienes vivieron aquella época es, sin duda, poder ver a Mariana Garza, Alix Bauer, Benny Ibarra, Diego Schoening y Erick Rubín sobre el escenario.  A ellos se suman algunas voces y rostros conocidos como las de María León, Kalimba, Yahir, Andrea Legarreta, Alex Ibarra, Angélica Vale, José Luis Rodríguez “El Guana” o Lupita Sandoval. El ensamble integra a jóvenes llenos de energía que vienen empujando. Esta combinación de experiencia y juventud da a los números musicales y los bailes un balance muy interesante.

3. Éxitos que marcaron a varias generaciones.  “Amor primero”, “Freddy mi amor”, “Rayo Rebelde”, “Iremos junto”, “Eres todo mi amor”, son temas que muchos recuerdan con nostalgia. Volverlos a escuchar sobre un escenario llevará a otra época a quienes los oyeron interpretados por Timbiriche en el Televiteatro 1 . Quienes han escuchado estos temas en versiones posteriores o a través de la película, o simplemente es la primera vez que los escuchan, podrán acercarse a estos temas que en esta versión, bajo la dirección musical de Benny Ibarra, cuentan con nuevos arreglos y producción.

Así que ya lo sabes si quieres ver un musical con una producción cuidada en todos sus aspectos, Vaselina es para ti. Se trata de la oportunidad perfecta para volver a vivir esta experiencia, o si no has tenido la oportunidad de verlo, descubrir por qué se ha vuelto icónico este musical.

Para más información, boletos, descuentos y más, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Este 2023 casualmente han coincidido en los escenarios de la CDMX varias obras que hablan del deporte. Aparentemente dos actividades muy distante, pero que sin embargo se tocan y, en ocasiones, guardan similitudes. Se trata de una afortunada coincidencia que nos ha permitido ver obras muy disfrutables todas, algunas ya han terminado temporada y otras se encuentran con funciones todavía. Aquí te platicamos un poco sobre cinco de estas obras, que si tienes oportunidad de ver, o regresan en algún momento a cartelera, no te las debes perder.

La cascarita. Esta obra, escrita por Janil Uc Tun, fue ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo en 2022. En ella se tocan temas como el futbol, el narcotráfico y como convive la niñez con una sociedad con un tejido social en descomposición.  Con la dirección de Sayuri Navarro, la obra cuenta con un reparto integrado por el elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro: Zabdi Blanco, Salvador Carmona, Tanya Gómez Andrade, Olivia Lagunas, Nara Pech, Roldán Ramírez, Antonio Rojas y Mario Vera. Un aspecto destacable de esta propuesta es que participan también las y los niños del Semillero Creativo de Teatro y Danza de Ecatepec de Morelos, Estado de México. La obra se presenta hasta el próximo 5 de noviembre en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

Bolita por favor. Este montaje está por iniciar una nueva temporada y nos habla de un equipo de niñas que, por la construcción de un centro comercial, pierden el parque en el que jugaban. Al ver perdido este espacio, deciden luchar para recuperarlo. Sobre esta obra para niñas, niños y jóvenes audiencias, su autora y directora, Valentina Sierra nos dice que es muy gratificante “hablarle a las niñas y los niños de que se vale desobedecer cuando una regla es injusta, cuando la autoridad es sorda”.  La obra tendrá temporada del 4 de noviembre al 17 de diciembre, y cuenta con las actuaciones de Gabriela Murray, Fernando Bonilla*, Sergio Bonilla*, Valeria Fabbri, Daniela Luque, Anick Pérez y Paulina Bringas. (*Alternan funciones). Se presentará en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky.

Grand Slam. Este unipersonal escrito, dirigido e interpretado por Valentina Garibay hace apenas unos días termino temporada. Se trata de un trabajo muy cuidado en todos los aspectos, en el cual Garibay logra que teatro y deporte dialoguen eficaz e intensamente. En este trabajo la actriz y dramaturga nos habla sobre las inseguridades, la competencia, el triunfo y la entrega. Este trabajo cuenta con una interpretación honesta, rigurosa e intensa.  La obra fue seleccionada por el Festival Internacional de Dramaturgia Contemporánea DramaFest México-Rusia en 2020. Si en algún momento se la encuentran en cartelera, no duden en ir a verla.

Bambi dientes de leche. Este otro unipersonal en este momento no se encuentra en temporada. Sin embargo, este texto escrito e interpretado por Antón Araiza, con la dirección de David Jiménez Sánchez, es una constante en la cartelera de la CDMX desde hace casi 10 años. Así es que es muy probable que, en un corto plazo, nuevamente puedas encontrar este espectáculo en algún escenario. Se trata de un monólogo en el que, para hablar sueños, oportunidades y deseos, plantea una analogía entre el fútbol y el teatro. Este montaje se estreno previo al mundial de Fútbol de Brasil 2014 y se ha mantenido vigente desde entonces, han pasado ya dos mundiales más y la obra regresa constantemente a cartelera.

Lobas. Esta obra de Sarah Delappe, bajo la dirección de Paula Zelaya, finalizó temporada en julio pasado. Se trata de un acercamiento a un grupo de chicas de 16 años y sus problemáticas. Todo esto a partir del deporte, pues los personajes integran el equipo de futbol rápido Lobas, que le da nombre a la obra. A partir de ahí vemos como estas jóvenes, entre críticas, rivalidades y complicidades van descubriendo distintas facetas del mundo y de  ellas mismas. El juego es quien las une y las separa, el que genera vínculos y las salva ante la incertidumbre. Este montaje contó con la actuación de Arcelia Ramírez, Alicia Candelas, Ana Guzmán Quintero, Ana Valeria Becerril, Camila Torres-Cantú, Claudia González Menchaca, Luisa Guzmán Quintero, María Penella Gómez, Patricia Loranca,Sharon Ayon, Michel Santré y Maic Vamora. Un aspecto a destacar es que Lobas fue uno de los proyectos que este año se realizaron con un equipo compuesto únicamente por mujeres.

Estos son algunos ejemplos de lo que se puede lograr cuando se juntan el teatro y el deporte. Seguramente recordarás otras propuestas que han tomado como punto de partida el deporte para hablarnos de temas importantes en el escenario. ¡Compártelos con nosotros!

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Daniel Espinoza.

Los Premios Metropolitanos de Teatro anunciaron el día de hoy sus nominaciones para su edición 2023. Los premios, entregados por la Academia Metropolitana de Teatro, integrada por profesionales del teatro en distintas ramas, se realizarán el próximo 29 de noviembre en el Teatro de la Ciudad. El anuncio se realizó de manera virtual con miembros de la comunidad teatral anunciando cada una de las categorías.

Las obras con mayor número de nominaciones fueron Algodón de azúcar con doce e Indecente con once. Indecente fue la gran ganadora en  los Premios del Público Cartelera de Teatro 2023, donde ganó Mejor obra, Mejor dirección, Mejor Diseño de Arte, Mejor actriz y Mejor dramaturgia.

En obra musical los dos montajes que acapararon las nominaciones son Todo el mundo habla de Jamie con doce nominaciones y Sweeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet y Mamma Mia! con once cada una.

La obras que están nominadas como Mejor obra son  ¡Violencia! (Compañía Nacional de Teatro, Centro Cultural Heléncio);  Algodón de azúcar (Raúl Morquecho, Gabriela Ochoa); El corrido del Rey Lear (Puño de Tierra, Próspero Teatro); Indecente (Eloy Hernández, Ana Kupfer); y La reina de belleza de Leenane (Por Piedad Teatro, Ana Graham, Antonio Vega, Maricarmen Núñez).

En el apartado de Mejor obra de teatro musical quedaron nominadas El show de Terror de Rocky (Rafael Maza, Jaime Calpe); Los últimos 5 años (Playhouse Entretainment, Daniel Delgado, Carlos Mtz Vidaurri); Mamma Mia! (Tina Galindo, Claudio Carrera, Daniel Villafañe, Alfonso J. González, Nicolás Vale); Sweeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet (Vatru Entretainment, Ícaro Teatro) ; y Todo el mundo habla de Jamie (33 Productores).

Los nominados como Mejor dirección de una obra son Benjamín Cann, por El cuerpo en que nací; Camilla Brett y Artús Chávez por La hora Radio Roma 2; Cristian Magaloni por Indecente, reconocimiento que obtuvo ya en los Premios del Público Cartelera de Teatro; Gabriela Ochoa por Algodón de azúcar; e Itari Marta por Algo de Ricardo. Por su parte, en Mejor dirección de una obra musical fueron nominados Jason A. Sparks, por Mamma Mia!; José Sampedro por Los últimos 5 años; Miguel Septién por Seeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet; y Rafael Maza por El show de terror de Rocky.

En la categoría de Mejor actuación femenina principal en una obra quedaron seleccionadas Abril Mayett, por La Verdura carnívora; Ana Guzmán Quintero, por Indecente; Arcelia Ramírez, por Todos eran mis hijos; María Penella por Lobas; Nohemí Espinosa La hora Radio Roma 2. Por el reconocimiento de Mejor actuación masculina principal en una obra compiten: Alejandro Morales (Algodón de azúcar), Jesús Zavala (Smiley), Juan Carlos Colombo (El corrido del Rey Lear), Ramón Cadaval (Mucho ruido y pocas nueces); y Roberto Beck (Inteligencia Actoral), Beck obtuvo por este papel el premio de Mejor Actor en los Premios del Público Cartelera de Teatro.

En el apartado de musicales, en la categoría de Mejor actuación masculina quedan nominados: Alejandro de la Madrid, Mamma Mia!; Beto Torres, El show de terror de Rocky; Diego Medel, Los últimos 5 años; Nelson Carreras, Todo el mundo habla de Jamie; y Quecho Muñoz, Sweeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet. En la contraparte femenina de esta categoría compiten Flor Benitez, con una doble nominación por Todo el mundo habla de Jamie y Sweeney Todd; Aitza Terán, por Los últimos 5 años; Lisset, por Mamma Mia!; y Tanya Valenzuela por Grinder el musical.

Los nominados como Mejor actuación masculina de reparto en una obra son Antonio Vega, por La reina de belleza de Leenane; Hamlet Ramírez, por La hora Radio Roma 2; Jerry Velázquez, por Desde cero: un musical improvisado; Juan Daniel García Treviño, por El corrido del Rey Lear; y León Felipe, por Liz sí trata. Por suparte, en la categoría de Mejor actuación femenina de reparto en una obra están nominadas Ana González Bello, por La hora Radio Roma 2; Arcelia Ramírez por Lobas; Carolina Garibay por Algodón de azúcar; Karla Morales, por Desde cero: un musical improvisado; y Majo Pérez por Indecente.

Gicela Sehedi (Mamma Mia!), Jimena Parés (Sweeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet), Luz Aldán (Todo el mundo habla de Jamie), María Filippini (El show de terror de Rocky) y Vanessa Bravo (Todo el mundo habla de Jamie), son las nominadas como Mejor actuación femenina de reparto en un musical. Mientras que como Mejor actuación masculina de reparto en un musical los nominados son Bobby Mendoza, por Grinder El musical; Diego Enríquez, por Sweeney Tood, el barbero asesino de la Calle Fleet; Francisco Rubio, por Mamma Mia!; Juan Fonsalido, por El show de Terror de Rocky; y Rogelio Suárez, por Todo el mundo habla de Jamie.

Los contendientes en Dramaturgia mexicana son Fernando Bonilla, por El corrido del Rey Lear; Flavio González Mello con dos nominaciones por Inteligencia Actoral y La negociación; Gabriela Ochoa por Algodón de azúcar; y Valeria Loera por ¡Violencia!

Se anunció además que se entregarán dos premios especiales, el Premio al mérito GNP para el Teatro de los Insurgentes y el Premio a la trayectoria para la primera actriz Margarita Sanz.

El esto de las nominaciones son las siguientes.

• Mejor diseño de video

Alfonoso Parutz, Yoatzin Balbuena. Necesítote. Un movimeinto en siete Telegramas.

Daniel Primo, Karla Sánchez. Un obús en el Corazón.

Diana Bustamante. Instrucciones para armar una esperanza.

Héctor Cruz. Trino en búsqueda de su poder interior.

Jazzael Ache-Sáenz. Algodón de Azúcar.

• Mejor adaptación de obra de teatro o musical

Ana Graham, Antonio Vega. La reina de belleza de Leenane.

Enrique Arce Gómez. Indecente.

Jaime Chabaud, Paola Izquierdo. Liz sí trata.

Miguel Septién. Sweeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet.

Paula Zelaya Cervantes. Lobas.

• Mejor composición musical original para una obra

Antonia Suillerot. Emilia.

Genaro Ochoa. Algodón de Azúcar.

Hans Warner. La reina de belleza de Leenane.

Miguel Haller, David Federico Suzawa, Juan Manuel Torreblanca, Daniel Mena. Desde cero: un musical improvisado.

Ricardo Lomnitz Soto. Trino en búsqueda de su poder Interior.

• Mejor composición original para un musical mexicano

Ana Carolina Contreras. Dolls: más allá de encanto.

Ricardo Díaz, Roberto Estrada. Caperucita Roja, súper cuento musical.

• Mejor diseño sonoro para una obra

Fernando Sisniega. El misterioso caso de la sombra.

Genaro Ochoa. Algodón de azúcar.

Hans Warner, Allan Flores. La reina de belleza de Leenane.

Miguel Jiménez. Indecente.

Rodrigo Espinosa Lozano. Furor.

• Mejor diseño sonoro para un musical

David Martínez. El show de terror de Rocky.

Miguel Jiménez. Los últimos 5 años.

Miguel Jiménez. Mamma Mia!

Miguel Jiménez. Sweeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet.

Miguel Jiménez. Todo el mundo habla de Jamie.

• Mejor coreografía y/o movimiento para una obra

Alfredo Ávila. Prisa.

Gabriela Aldáz. Indecente.

Iván Ontiveros. Algodón de Azúcar.

Salomón Santiago L. Instrucciones para armare una esperanza.

Vicky Araico. Lobas.

• Mejor coreografía y/o movimiento para un musical

Gerry Pérez. Twisted Broadway México.

Hugo Curcumelis. El show de terror de Rocky.

Hugo Curcumelis. Todo el mundo habla de Jamie.

Jason A. Sparks. Mamma Mia!

Miguel Septién. Sweeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet.

• Mejor diseño de escenografía para una obra

Emilio Zurita. Indecente.

Eva Aguiñaga. La reina de belleza de Leenane.

Félix Arroyo. Algodón de azúcar.

María Vergara. Lobas.

Mauricio Ascencio. Vine a decir adiós.

• Mejor Diseño de escenografía para un musical

Adrián Martínez Frausto. Los últimos 5 años.

Adrián Martínez Frausto. Mamma Mia!

Emilio Zurita. El show de terror de Rocky.

Feliz Arroyo. Sweeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet.

Jorge Ballina, Antonio Saucedo Azpe. Todo el mundo habla de Jamie.

• Mejor diseño de iluminación para una obra

Alejandra Escobedo. El efecto mariposa: pequeñas partes de una gran historia.

Ángel Ancona. Algodón de azúcar.

Emilio Zurita, María Vergara. Indecente.

María Vergara. Lobas.

Patricia Gutiérrez Arriaga. La reina de belleza de Leenane.

• Mejor diseño de iluminación para un musical

Félix Arroyo. Sweeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet.

Félix Arroyo. Todo el mundo habla de Jamie.

Matías Gorlero. Los últimos 5 años.

Miguel Pérez Cuesta. El show de terror de Rocky.

Regina Morales. Mamma Mia!

• Mejor diseño de vestuario para una obra

Ana Graham. La reina de belleza de Leenane.

Giselle Sandiel. Algodón de Azúcar.

Mauricio Ascencio. Familias Monstruosas.

Sara Salomón. Indecente.

Sergio Mirón. Instrucciones para armar una esperanza.

• Mejor diseño de vestuario para un musical

Alex Gamma. Los últimos 5 años.

Emilio Rebollar. El show de Terror de Rocky.

Estela Fagoaga. Mamma Mia!

Giselle Sandiel. Sweeney Todd, el barbero asesino de la Calle Fleet.

Lisa Katnic. Todo el mundo habla de Jamie.

• Mejor ensamble en una obra de teatro o musical

Desde cero: un musical improvisado. Playhouse Entretainment, Once Once Producciones, Nuevo Teatro.

Indecente. Eloy Hernández, Ana Kupfer.

Lobas. Camila Brett, Próspero Teatro, Ana Guzmán Quintero, Luisa Guzmán Quintero.

MCBTH ruega por nosotxs. Compañía de Teatro Penitenciario, Foro Shakespeare, El77 Centro Cultural Autogestivo.

Todo el mundo habla de Jamie. 33 Productores.

• Mejor espectáculo cabaret

Blanco Fácil. La melodiosa.

Cómo reconstruirse del patriarcado sin morir en el intento. Leticia Pedrajo.

La mansión del fondo a la derecha. Mariano Ruiz, Ana Laura Ramírez Ramos, Parafernalia Teatro.

Oraculeras. Alberto Crez, César Chagolla, Sergio Carazo Cardona.

• Mejor espectáculo unipersonal

Algo de Ricardo. Skakespea&Cía.

El efecto mariposa: pequeñas partes de una gran historia. Iván Maraña, Emilio Trasviña.

La Verdura Carnívora. Abril Mayett.

Niñas y Niños. Solovino Producciones.

Plegable. Hugo Arrevillaga Serrano, Grecia Ricart, Sandra Dubszki.

• Mejor comedia

Desde Cero: un musical improvisado. Playhouse Entretainment, Once Once Producciones, Nuevo Teatro.

Instrucciones para Armar una Esperanza. El hormiguero Colectivo.

La hora Radio Roma 2. Tercera Llamada, Próspero Teatro.

Smiley. Joserra Zúñiga, Óscar Carnicero, Xevi Aranda.

Un dios salvaje. Pablo Perroni, Toca Teatro, Kupfer Producciones.

• Mejor obra para público joven

El hombrecito vestido de gris. Leticia Negrete, Sebastián Negrete.

El misterioso caso de la sombra. Soul Projects, Nocturno Teatro.

Familias Monstruosas. Doctor Misterio.

Lu y Solito. Benjamín Caballeros, Mariana Pérez.

Trino en búsqueda de su poder interior. En su tinta producciones, SAA.

• Premio Ciudad de México

Compañía de Teatro Penitenciario.

Festival Internacional de Cabaret.

Teatro La Capilla.

Teatro Por Doquier.

Un Grito de Libertad.

• Premio al espacio teatral independiente

El Hormiguero

El77 Centro Cultural Autogestivo.

Foro Shakespeare.

La Teatrería.

Teatro La Capilla.

• Mejor votadas en el premio del público a la experiencia teatral

Desde Cero: un musical improvisado

El efecto mariposa: pequeñs partes de una gran historia

La verdura carnívora

Lavar, peinar y enterrar

Mamma Mia!

MCBTH ruega por nosotros

Todo el mundo habla de Jamie

Por Óscar Ramírez Maldonado.

Ante los daños que el huracán Otis causó en Guerrero y en el puerto de Acapulco, la comunidad teatral de la CDMX se ha movilizado para apoyar. La solidaridad y crear comunidad es fundamental. A continuación compartimos algunos de los teatros, centros culturales y obras que están recibiendo donativos para ser enviados a Guerrero. Te decimos además en qué otros puntos puedes donar. No se trata de una lista exhaustiva, pero son algunas opciones para que le tendamos la mano a la población que sufrió los estragos del huracán.

La Compañía Nacional de Teatro (CNT) está recibiendo en sede de Coyoacán, en la Sala Héctor Mendoza (Francisco Sosa 159, Col. Del Carmen), donativos en especie de alimentos no perecederos y productos de higiene personal. La idea es que quienes asistan a funciones de la compañía realicen estos donativos y la CNT los llevará hasta los centros de acopio del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

Si deseas dirigirte directamente al centro de acopio del INBAL, éste se encuentra ubicado en las oficinas del instituto, en Reforma y Campo Marte s/n, atrás del Auditorio Nacional. Este está abierto de lunes a domingo de 10 a 19 horas. Aquí, además de alimentos no precederos y productos de higiene personal se recibe también agua embotellada. Los donativos serán entregados en las zonas que se necesiten con el apoyo de la Secretaría de la Defensa Nacional (Sedena).

Por su parte, la Secretaría de Cultura ha puesto en marcha centros de acopio en la puerta 1 de l Complejo Cultural Los Pino, en la Biblioteca México de la Ciudadela, en la Biblioteca Vasconcelos, en Radio Educación, en el Centro Nacional de las Artes, en la Secretaría de Cultura ubicada en Reforma 175, en el Centro de Cultura Digital, en el Museo Nacional de Culturas Populares, en el Museo Nacional de Antropología, en la Cineteca Nacional de Xoco y en el Museo de San Carlos, así como en el Palacio de Cultura en Tlaxcala.

Los centros de acopio de la Secretaría de Cultura reciben agua embotellada, despensas armadas, alimentos embolsados, artículos de higiene personal, artículos de higiene íntima femenina, alimentos para mascotas, materiales de limpieza y herramientas de construcción. Su horario de atención es de 10 a 17 horas y la ayuda será entregada con apoyo de Sedena.

Claudia Cervantes donará la taquilla de la función del 4 de noviembre de su monólogo Soltara pero no sola para ayudar a las víctimas del huracán OTIS.

El Mago cambiará por cada despensa un boleto para su función de este domingo 5 de noviembre a las 13:30 horas. Al presentar en taquilla una despensa se dará un boleto gratis en la sección preferente del teatro (limitado a 200 boletos). Cada despensa tiene que estar completa con los siguientes productos: 4 sobres de pasta instantánea, 4 sobres de arroz instantáneo, 4 paquetes de frijol en bolsa, 6 latas de atún, 3 litros de aceite, 6 cajas de cereal individuales, 1 lata de leche para niños de 360g, 6 gerbers (cualquier etapa), 1 bolsa de avena instantánea de 610g, 1 calla de galletas surtidas de 350g (aproximadamente) y 5 sobres de comida para perros de 100g. Cualquier duda la puedes consultar en sus redes sociales.

Rosy, obra que se presenta en el Foro Lucerna está ofreciendo este 3, 4 y 5 de noviembre el  50% de descuento donando en la taquilla del recinto los siguientes productos: Paquete de toallas femeninas, paquete de pañales, ropa en buen estado, cobijas, alimentos enlatados, botiquín básico. Todos los artículos se canalizarán a través del centro de acopio de la UNAM.

El Teatro Xola y la productora Eventage Live están otorgando también un descuento del 50% en la compra de hasta cuatro boletos en cualquiera de las funciones de las obras que se presentan en ese teatro al dar un donativo. Se están solicitando víveres e insumos como frijol, arroz, agua embotellada, atún, sardinas, aceite, café soluble, pañales, toallas sanitarias, artículos de aseo personal y general, cloro y detergente.

Las obras que se presentan en el Teatro Xola son Leonardo, A mí la muerte me pela los dientes, Un acto de Dios, 2:22 una historia paranormal, 12 princesas en pugna y Felices. La dama de negro, que se presenta en el Teatro Ofelia, también participa en esta dinámica. Los donativos se canalizarán vía la asociación civil Voluntariado del IMSS y Fundación IMSS. Sobre esta iniciativa, la productora Rebeca Moreno nos dice que a través del arte pueden “apoyar en este momento”.

La Universidad Nacional Autónoma de México ha habilitado dos centros de acopio y ayuda. Uno de ellos junto a las astas banderas del Estadio Olímpico Universitario, el cual amplió su fecha de operación hasta el 10 de noviembre. El centro ubicado en el Estadio Olímpico abre de las 10 a las 18 horas. El sábaado 5 y domingo 6 de noviembre este centro de acopio cambia temporalmente su sede al Centro de Exposiciones y Congresos de la UNAM (Av. del Imán 10). Para consultar una lista completa de lo que se solicita puedes ingresar a www.acopio.unam.mx.

Por su parte OCESA ha habilitado en el Centro Citibanamex en la puerta 4 del inmueble un centro de acopio, el cual funciona de 8 a 20 horas. Ahí se recolectarán víveres y suministros en coordinación con la Cruz Roja Mexicana.

En este punto se reciben alimentos para despensa, artículos de higiene personal y artículos para higiene del hogar. En este punto de acopio específico es importante tener en cuenta que la Cruz Roja Mexicana ha solicitado no llevar agua.

La Cruz Roja abrió también un centro de acopio en su sede nacional, ubicada en Juan Luis Vives No. 200. La institución pide que no se done ahí agua embotellada, dulces, ropa ni medicamentos. Puedes consultar sus redes para más información.

Por Óscar Ramírez Maldonado. Foto: Cartelera de Teatro. 

Durante noviembre la Coordinación Nacional de Teatro presentará una amplia programación que correrá a cargo de las compañías TransLímite Alternativa escénica y Teatro Ciego, Compañía Puño de Tierra, La sombra producciones, El doctor misterio, La Más Alta Producciones y Búho Grande, El incendio de Isolda y Clavo Torcido, así como la Compañía Nacional de Teatro.

En conferencia de prensa, acompañado de voceros de todas las compañías, Daniel Miranda, Cano Coordinador Nacional de Teatro, destaco que se trata de una cartelera muy nutrida de proyectos. Esta conferencia de prensa, destacó, se ofrece en la víspera de la Muestra Nacional de Teatro, la cual está por arrancar en noviembre en el estado de Jalisco. Dentro de la programación que tendrá el CCB, destacó las dos puestas de la temporada de invierno de la Compañía Nacional de Teatro: ¡Violencia¡ y La conversión del Diablo. Además de una pieza del Festival Internacional Cervantino, El salvaje.

El Coordinador Nacional de Teatro subrayó además que parte de las actividades de esta semana en el Centro Cultural del Bosque incluyen el centro de acopio para recibir víveres y materiales para apoyar a nuestros hermanos de Guerrero. El centro funcionará, dijo, durante toda la semana.

Kay Pérez, director Técnico de la Compañía Nacional de Teatro, al hablar sobre la tercera temporada de ¡Violencia!, destacó que es una obra que trata sobre las relaciones humanas. En este sentido, explicó, habla sobre las emociones, la sanidad mental y la manera de lidiar con el amor. La obra de Valeria Loera, dirigida por Diana Sedano, dijo Pérez, habla de “como una ruptura amorosa nos puede llevar a buscar la reconciliación con las rupturas del pasado, con nuestras rupturas fundamentales, con nuestras las relaciones fundamentales, con nuestros padres”.

Esta nueva temporada de ¡Violencia! marca el debut de Daniel Giménez Cacho como actor de número de la Compañía Nacional de Teatro. Giménez Cacho alternará en el papel con Medín Villatoro. En el elenco participan además Érika de la Llave, Mireya González, Dulce Mariel, Jorge León, Miguel Ángel López, Ana Karen Peraza, Cecilia Ramírez Romo, Irene Repeto y Mariana Villaseñor. Esta obra ofrecerá funciones del 3 al 26 de noviembre en el Teatro del Bosque Julio Castillo

La conversión del diablo, con dirección de Martín Acosta e interpretaciones del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro se  presentará del 1 al 17 de diciembre, en el Teatro del Bosque Julio Castillo. Martín Acosta destacó que este montaje es la tercera entrega del proyecto Teatro de Arte Mexicano, una propuesta impulsada por Aurora Cano, directora artística de la Compañía Nacional de Teatro. El ciclo busca hablar de mitos mexicanos, los cuales, dijo, “pueden abarcar muchas posibilidades”. En el caso de la Conversión del Diablo, escrito por Carlos Pascual, se habla de la conquista espiritual de México y el teatro de evangelización durante la Nueva España. En este sentido, subrayó el director, se trata de un texto tremendamente político, humorístico y lleno de ironía. Está lleno, agregó, de “una búsqueda de lo que somos y desde cuándo somos esto que somos y cómo pensamos”. El montaje se trabajó, agregó, a partir de la obra plástica de Paloma Contreras Lomas, una joven pintora mexicana.

Las actividades darán inicio con la puesta en escena Cartografías de la memoria, con dramaturgia y actuación de Erika Bernal y Marco Antonio Martínez, bajo la dirección y concepto de Myrna Moguel. Sus funciones serán en la Sala Xavier Villaurrutia, del 3 al 19 de noviembre. Myrna Mogel señaló que esta pieza escénica documental está conformada por una coproducción entre la Compañía de Teatro Ciego Mx Translímite Alternativa Escénica. Se trata, explicó, de un documental interdisciplinario en donde convergen multimedia, la transmedia, el lenguaje del cine. “Esta hecho esencialmente, y también en la creación, por Erika Bernal y Marco Antonio Martínez, que son los directores de la Compañía de Teatro Ciego”, destacó. Se trata de una propuesta pensada para público diverso, “para personas con o sin discapacidad”.

A continuación se presentará Bolita, por favor, con dramaturgia y dirección de Valentina Sierra y actuaciones de Gabriela Murray, Fernando Bonilla/Sergio Bonilla, Valeria Fabbri, Daniela Luque, Anick Pérez y Paulina Bringas. Esta obra, dirigida a jóvenes infancias tendrá temporada del 4 de noviembre al 17 de diciembre en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky. Fernando Bonilla, cofundador de la Compañía Puño de Tierra, explicó que se trata de una obra divertida, lúdica y catártica. Sin embargo, agregó, “da un mensaje político en el sentido más esencial, en el sentido de ejercer nuestra ciudadanía cotidianamente, inculcar la conciencia del espacio público y la responsabilidad que tenemos como adultos de proteger a las infancias y su derecho al juego, al ocio, al arte y al deporte”.

Seguirá El hombre elefante, con dirección y actuación de Abigail Espíndola, unipersonal de teatro en miniatura recrea la vida de Joseph Merrick: El hombre elefante. Su temporada correrá del 4 al 19 de octubre en la Sala CCB. La directora señaló que este unipersonal que habla sobre la soledad, la deformidad y la crueldad humana. Al mismo tiempo, subraya, “habla sobre la bondad humana, sobre la empatía, intenta hacer una reflexión sobre qué tan deformes estamos todos de alguna forma. Apropiarnos de nuestras diferencias, apropiarnos de nuestras deformidades, que no necesariamente están por encima de la piel, a veces hay deformidades que tenemos muy interiormente”.

Como parte del 51 Festival Internacional Cervantino en la Ciudad de México, el CCB recibirá la obra Schauspiel Köln. El salvaje, con autoría y dirección de David Gaitán. La obra ofrecerá un única función el martes 7 de noviembre en el Teatro del Bosque Julio Castillo. Gaitán narró que el montaje se realizó hace dos años en Alemania por la Compañía Schauspiel Köln. Desde un principio, explicó el director vía remota, se planteó realizar un proyecto bicultural “que convocara a Alemania, por supuesto, y a México, no solo a nivel temático e ideosincrático, sino también en términos muy concretos de colaboradores del proyecto”.

Del 9 de noviembre al 3 de diciembre se presentarán dos montajes pertenecientes al Dramafest. En primer lugar, Costes hundidos, de Eduardo Castañeda, con dirección de Brendan Healy con las actuaciones de Misha Arias de la Cantolla y Ana de las Flores, cuyas funciones serán del 9 al 26 de noviembre en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky. La puesta también estrenará próximamente en Canadá, informó Raquel Araujo, directora artística del DramaFest.

Como segundo montaje, se escenificará Extravíos sexuales de la clase media, de Hannah Moscovitch, con dirección de Valeria Fabbri. Sus funciones serán del 16 de noviembre al 3 de diciembre en el Teatro El Granero Xavier Rojas. Araujo informó además de diversas actividades que se realizarán como parte de la edición 2023 del festival.

Para las infancias, la compañía El Doctor Misterio presentará la obra, El gallina pato, con dramaturgia y dirección de Andrés Carreño, y las actuaciones de Iván Zambrano y Carreño, con la interpretación de música en vivo a cargo de Julio Gándara. Esta obra tendrá temporada del 11 de noviembre al 17 de diciembre en la Sala CCB. Carreñó destacó que la obra trata sobre los desacuerdos en las amistades y cómo se pueden sobreponerse a estas discusiones. Se trata de una historia llena de humor, en la cual también se habla de la diversidad en los objetos y las personas.

La creadora Guadalupe Damián subirá a escena Una buena madre, monólogo co dirigido con Juan Carlos Vives, con la interpretación de Damián, que se presentará del 23 de noviembre al 17 de diciembre en la Sala Xavier Villaurrutia. Es una obra inspirada en el monólogo La madre de Dario Fo y Franca Rame y dos noticias, señala su creadora. Por un lado el caso de una mujer sudafricana que mata a los violadores de su hija y las noticisas de Los Porkis y de La Manada. A partir de ello Damián escribe el texto, que “es una historia dolorosamente pertinente, y en ocasiones hasta divertida. Nos cuestiona sobre quién nos educó, qué nos enseñaron, por qué esta violencia ejercida contra la mujer por todos lados, desde los hombres y las mujeres”, explicó.

Mientras que, Paola Izquierdo presentará su espectáculo Historias amorosas no tan ejemplares o Lo que pasa en el Sarao, se queda en el Sarao, a partir de textos de María de Zayas y Sotomayor. La temporada correrá del 23 de noviembre al 3 de diciembre en la Sala CCB. Sobre este montaje, Arturo Zamorano, productor ejecutivo de la obra, destacó que se trata de un “#metoo barroco, porque precisamente haciendo uso de las bondades del cabaret, con el humor, con la denuncia y con la interpretación de algunos instrumentos de la época, híbridos también, la protagonista trata de resumir estas 20 historias donde la mujer también es violentada, pero también pone su mirada en tratar de dar un valor diferente a la mujer, y además siendo protagonista de sus propias historias”.

Bajo la dirección y adaptación de Yulleni Vertti, se representará Mucho ruido y pocas nueces, de William Shakespeare. Contará con las actuaciones de Danno Ramirez, Mariana Batista, Martin Pérez, Yulleni Vertti, Estela del Rosario, Luis Maya, Jose Ponce, David Lynn, Evan Regueira. La obra ofrecerá funciones del 24 de noviembre al 17 de diciembre en el Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández.

Con una temporada similar, también del 24 de noviembre al 17 de diciembre se presentará Paisaje 1: Lo que me salvó fue correr. Pieza escénica en proceso, con dramaturgia, dirección y actuación de Diana Magallón. Sus funciones serán en la Sala Xavier Villaurrutia.

Para cerrar el mes, del 30 de noviembre al 3 de diciembre se llevará a cabo el VI Ciclo de Cabaret, el cual reunirá a importantes exponentes de este género en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky.

La creadora Yane Miranda presentará Patas pa que las quiero si tengo alas pa´la voladera o chiquita feroz, con dramaturgia, dirección y actuación de ella misma e interpretación de música en vivo a cargo de Monserrat Figueroa, del 30 de noviembre al 3 de diciembre.

Escrita y dirigida por Lou Best, Ariesna González, Erica Islas y Yurief Nieves, se escenificará Cuarto oscuro, espectáculo de cabaret performático. Las actuaciones estarán a cargo de Lou Best, Ariesna González, Erica Islas y Malcolm Méndez con funciones del 7 al 10 de diciembre.

El ciclo culminará con Póquer de Cabaret con Madame Chiang Cuatro conciertos cabareteros, bajo la dirección de Tito Vasconcelos. Sus funciones serán del 14 al 17 de diciembre.

Por Óscar Ramírez Maldonado e información del CCB, Fotos cortesía de la Coordinación Nacional de Teatro.

Gabriela Ochoa, directora y dramaturga, hacía teatro a los 7 años en su natal Cuauhtémoc, Chihuahua. Jugando al teatro con sus primas y rodeada de libros que pedía a su padres, encontró su vocación. Ubicada a poco más de 100 km al suroeste de la capital del estado, esta ciudad es considerada la entrada a la región Tarahumara.

Si bien se trataba “de un contexto que no ayudaba mucho”, una vez que entró a la preparatoria, en la ciudad de Chihuahua, comenzó a asistir como oyente a las clases de licenciatura de teatro. Al terminar la preparatoria, es que decide -impulsada por un maestro – inscribirse en la licenciatura en Teatro de la Universidad Veracruzana.

Es casi por casualidad que encuentra lo que más le gusta hacer en el teatro. Como muchas directoras y dramaturgas, nos cuenta que en un principió su camino la llevó por la actuación. “La verdad es que me tardé mucho en descubrir mi lugar, que era la dirección y la dramaturgia”, nos confiesa. En el 2005, una apendicitis le impide actuar y es entonces que se puso a escribir una obra que tenía inquietud de crear. “Me puse a escribirla y me puse a dirigir, de ahí, todo fue más fácil, como que la vida te dice, es por acá”, reflexiona en entrevista.

Cuando la autora de Algodón de azúcar narra esta anécdota, pienso en los payasos de su obra, que actualmente está en su segunda temporada en el Teatro de las Artes del Cenart. Esos payasos que engatusan al personaje de principal de su obra, Magenta, para atravesar un parque de diversiones que – no sin hacerlo enfrentar sus sombras – lo hace encontrar el camino de vuelta a su destino, al hogar, a veces “la vida te dice, es por acá”.

Como parte de nuestra serie de entrevistas a directoras mujeres charlamos con Gabriela Ochoa,  directora de obras como Texel Texas y Sin paracaídas, está ultima también de su autoría.

“Entrar a un universo muy distinto que yo no me imaginaba”

Ochoa realizó la licenciatura en Teatro en la Universidad Veracruzana y posteriormente la Maestría en Artes del Espectáculo, Opción Estudios Teatrales en la Universidad de Saint-Denis, en París, para finalmente, en el 2003, llegar a la Ciudad de México.

“Todo empezó en realidad por mis clases de teatro en Chihuahua”, nos dice. En su casa, recuerda, siempre hubo mucha música, cine – su papá era un cinéfilo- y literatura. Pero no era muy alentador, confiesa, “el contexto en los años ochenta, no era como haber crecido en la Ciudad de México”.

La decisión de estudiar teatro en la facultad de Teatro en Xalapa cambia su perspectiva; el cambio para ella resultó una “maravilla”. En este sentido, narra: “No podía creer que mis clases eran actuación, danza, gimnasia. Era como entrar a un universo muy distinto que yo no me imaginaba y, claramente, sentía que ese era mi lugar, que ahí es a donde pertenecía”.

Este sentimiento fue profundizando y, ahí en Xalapa, ingresó también a la escuela de Abraham Oceransky. Ahí hizo un descubrimiento que ha permanecido como parte de su forma de hacer teatro. “Ahí fue donde incursioné en la máscara, primero con Adriana Duch y luego con Jean-Marie Binoche, que realmente fue mi maestro”, rememora. Durante su estancia en París, retomó el trabajo con Binoche “de manera intensiva”.

Gabriela considera que toda la formación como actriz y su experiencia con la máscara están en la base de lo que hace. En este sentido, señala: “Desde la primera obra que empecé a dirigir, pienso que la máscara está ahí, los principios pero sin el objeto”. Es en Algodón de azúcar que la dramaturga y directora retoma la máscara como objeto, lo cual ha sido para ella un reencuentro.

“Me encanta dirigir y sobre todo me encanta cuando puedo poner en escena una idea mía”

Hoy la dramaturgia y la dirección son su pasión, pero es algo “que jamás hubiera imaginado”, nos dice. En el 2005 Gabriela Ochoa interpretaba un unipersonal de máscara con el cual tuvo muchas giras. En una de estas giras, nos platica, enfermó de apendicitis, lo cual no le impidió actuar. Entonces ese entonces ya tenía la idea de una obra, por lo cual aprovechó aquel momento para escribirla y ponerse a dirigir. “La verdad es que ya ni me imagino subirme al escenario como intérprete. Me encanta dirigir y sobre todo me encanta cuando puedo poner en escena una idea mía, como es el caso de Algodón de azúcar”, afirma.

Esta primera obra, Réplica con Sombra y Séquito, fue una respuesta a su tésis de maestría que realizó en París, señala. En ella, explica, “quería hablar de lo que pasa con la máscara cuando la quitas”. A partir de eso nació su inquietud y construyó una historia con cuatro personajes, “tenían una gestualidad muy evidente, no era un teatro realista, por su puesto, sino muy físico”.

Con su ópera prima ganó la convocatoria del Foro de las Artes, “yo venía llegando de París […] no conocía a nadie, no tenía contactos, pero se fueron abriendo muchas puertas“. Se trata de una obra, destaca, “que tuvo mucha vida”, pues se estrenó en el Foro de las Artes, tuvo temporada en el Teatro Helénico y participó en la Muestra Nacional de Teatro y en el Festival Internacional de Chihuahua.

“Hay una diferencia que se está tratando de equilibrar en estos tiempos”

Al platicar sobre las diferente experiencia que pueden tener un hombre director y una mujer directora, en aquel momento, reflexiona, con poca experiencia en la dirección “no alcanzaba a visualizar lo que puedo ver ahora del teatro dirigido por hombres y por mujeres”. Con el buen recibimiento de su ópera prima, recuerda que todo iba muy bien. Sin embargo, agrega, “creo que siempre hay dificultades, y que gracias a que se ha hecho más visible esta problemática. Eso se ha ido acotando”.

Al respecto, considera Gabriela Ochoa que muchas veces se presentan dificultades, por ejemplo cuando al llegar un teatro se le solicita algo a la plantilla técnica. “Me llegó a pasar, no con esta obra, con otras después. Creo que sucede cada vez menos, pero sí hay una diferencia que se está tratando de equilibrar en estos tiempos, pero hay muchos factores que influyen”, destaca.

En este sentido, puntualiza: “En este país no nada más es si eres hombre o eres mujer, tiene que ver con muchas otras cosas, no vamos a entrar en ese tema, pero digamos que no es solamente ese el problema”.

“Había que tener autoridad para dirigir desde un lugar bastante vertical y absolutamente patriarcal”

Sobre cómo han ido cambiando las cosas, la directora señala: “me da mucho gusto ver que haya tantas mujeres haciendo teatro, dirigiendo”. Destaca que en México hay mujeres muy talentosas, buenas directoras y dramaturgas.

Anteriormente, en los años noventa o los dosmiles, recuerda, la dirección se percibía como un rol más masculino, “porque había que tener autoridad para dirigir desde un lugar bastante vertical y absolutamente patriarcal”. Este aspecto, considera la dramaturga, “se ha ido equilibrando”. Para la autora de Tres para el almuerzo, se trata de un camino largo, “pero en el que vamos bien, vamos avanzando”.

Para Gabriela Ochoa la dirección no tiene que ver con una cuestión de autoridad. Se trata más bien, de que “la persona que dirige tiene que ser estratega, tiene que tener una visión de hacia dónde tenemos que caminar todes juntes. Obviamente hay una cabeza para darle orden a eso, pero es una cabeza que está abierta a la creatividad de todo el equipo”.

Cambiar estos paradigmas y quitar el “halo de vaca sagrada a la persona que dirige” es algo positivo, señala. En este sentido, su reflexión es: “Creo que lo que el teatro quiere es reflejar la humanidad, y nuestra sociedad más cercana, la que nos refleja, la que nos identifica y eso no tiene nada que ver con figuras de poder, sino todo lo contrario”.

“Es difícil explicar cómo funciona internamente la creatividad”

El camino que ha seguido nuestra directora del mes lo califica como muy intuitivo y genuino. Este, nos dice, se ha ido desarrollando a lo largo de cada puesta en escena que ha realizado. “Es difícil explicar cómo funciona internamente la creatividad de cada quien, pero de alguna manera, si ves mi trabajo, está en la imagen, en la imagen que evoque muchas lecturas”, señala. Se trata de algo no predeterminado que simplemente surge, agrega, y que “al paso de los años se ha ido condensando cada vez más”.

Específicamente, sobre Algodón de azúcar su autora nos dice que está plagada de símbolos. Se trata de una obra muy onírica desde el principio, alejada del realismo, en la cual su personaje empieza primero divertido y reconectando con su niño interior, pero se va volviendo una pesadilla. Al respecto, destaca Ochoa, “luego sus acciones y las decisiones que va tomando van teniendo consecuencias que él no se imagina y lo van acorralando hasta confrontarlo con un trauma olvidado”.

Para la creadora Algodón de azúcar es una obra llena de onirismo y vertiginosa. “La idea es que el público no sepa cómo llegó a la siguiente vuelta”, para que no tenga tiempo de pensar y en lugar de ello sienta y después reflexione sobre lo que vio. Se trata de una farsa con lenguaje de clown, de la máscara y de todo un universo simbólico, puntualiza.

Esta obra nace como nacen otras obras que ha escrito su autora. El proceso, explica, nace con imágenes que le vienen a la cabeza: “Nunca sé bien de qué voy a hablar, empiezan a surgir imágenes e imágenes, las voy plasmando en el papel y después les tengo que dar una estructura”.

En Algodón de azúcar hay un grado de oscuridad, pero “esa oscuridad y ese humor negro ayudan a reconectar desde el adulto con su propia infancia”, señala. “Por eso ese universo está permeado de toda esta oscuridad. No es gratuita, tiene que ver con que vamos a llegar a un tema muy oscuro”, afirma.

“Para mí el teatro es un camino de autoconocimiento”

Gabriela Ochoa considera que el teatro es un camino de autoconocimiento, “es la manera en la que uno va descubriendo quién es y lo puede plasmar a través de la obra en muchos sentidos”.

Es una herramienta a través de la cual podemos echar una mirada sobre nosotros mismos, nos dice. Por ello, para la autora, es importante “un teatro que nos identifique, que nos hable de nosotros, que uno pueda decir, yo soy ese o esa”.

Por esta razón, nos dice Gabriela, cree en un teatro hecho en México que nos refleje sin entrar en el costumbrismo. Resume esta idea de la siguiente manera: “Vamos al teatro a vernos reflejados y para reflexionar. No para que nos echen un sermón, no para que nos digan cómo tienen que ser las cosas, el público es muy inteligente, vamos para reflexionar acerca de nosotros mismos y, a partir de ahí, crecer como individuos y como sociedad”.

En este sentido, considera, que cuando una obra es muy universal le puede hablar a muchos públicos, pero esto es algo difícil. “Cuando nos ha tocado salir del país, sea con una obra que yo escribí o que solo dirigí, hay una mirada diferente”, señala.

Finalmente, nos dice que se encuentra muy feliz y divertida por esta segunda temporada de Algodón de azúcar. Destaca que se ha conformado un gran equipo, “hicimos una amalgama que es un trabajo de equipo en el gran sentido de la palabra, eso me tiene absolutamente desbordada de felicidad”. Nos comparte: “Terminamos el 19 de noviembre, yo mientras tanto estoy escribiendo otra obra, terminó el año con eso”.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: David Flores Rubio.

Durante noviembre una emocionante gama de producciones teatrales llega a los escenarios, desde lo más profundo del drama hasta las hilarantes comedias, las marquesinas están listas para revelarnos los estrenos que se apoderan de la capital.

Acá te contamos sobre los estrenos que nos urge que levanten el telón y que no te puedes perder:

Cleansed. Una controvertida obra que llega a los escenarios, a cargo de 25 producción, escrita por Sarah Kane, dramaturga y directora inglesa, que aborda hasta qué punto puede llegar el amor por una persona. Cuenta con las actuaciones de Rodrigo Virago, Eduardo Tanús, Norman Delgadillo, Angélica Bauter, Edgar Alonso, Penny Pacheco, Alberto San Agustín Sombras, Alejandro Arreola, Enrique Cervantes, Andrés Carmona, bajo la dirección de Sixto Castro Santillán. La temporada correrá del 31 de octubre al 27 de diciembre en el Teatro Milán.

El hijo de puta del sombrero. Escrita por Stephen Adly Guirgis, con la dirección de Daniel Giménez Cacho, esta obra de humor negro aborda temas como la luchas contra las adicciones, la amistad, el amor y los desafíos de la edad adulta. Participan los actores Francisco Rubio* y Rodrigo Virago*, alternando, así como Lucio Giménez Cacho Goded, Luis Vegas y las actrices, Ximena Gónzalez Rubio y Lakshmi Picazo. Tendrá temporada del 3 de noviembre al 7 de enero en el Foro Shakespeare.

La reina del hogar. Escrita por los italianos Darío Fo y Franca Rame, este unipersonal será interpretado por Lalo España, quien dará vida a una ama de casa, entre situaciones irrisorias nos mostrará un retrato de la violencia que viven en el cotidiano las mujeres y de la falta de comunicación entre las parejas. La obra arranca su temporada este 2 de noviembre en el Teatro 11 de julio.

El Padre. De Florian Zeller, esta será la segunda vez que este texto se monte en nuestro país, en esta ocasión Luis de Tavira y Fernanda Castillo, encabezan el elenco de esta historia que gira en torno a un hombre de la tercera edad que poco a poco va perdiendo la memoria y, con ella, la paciencia de su familia. También participan Pedro de Tavira, Emma Dib, Ana Sofía Gatica y Alfredo Gatica, bajo la dirección de Angélica Rogel. El montaje se presentará del 17 de noviembre al 21 de enero en el Teatro Fernando Soler.

Mabel. Inspirada ligeramente en Macbeth, la tragedia clásica de Shakespeare, Emiliano Dionisi aborda una de las maldiciones teatrales más famosas donde las actrices Adriana Montes de Oca*, Angélica Bauter* (quienes alternan funciones) y el actor Santiago Zenteno deberán sortear situaciones sobrenaturales totalmente imprevistas, bajo la dirección de Alonso Íñiguez. Se presentará del 10 de noviembre al 17 de diciembre en el Foro La Gruta del Helénico.

Cómo verás cerramos el año con grandes propuestas,  ¿cuál se te antoja más?

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía VIOGG y PinPoint

En el Centro Femenil de Readaptación Social de Santa Martha Acatitla se gestó, Entrar y salir, así sea por las ventanas, una obra profundamente conmovedora y reveladora que contiene las palabras escritas por las 3 mujeres que están privadas de su libertad, pero a través de su pluma, esta compilación de textos que nos dan un testimonio poderoso y crudo sobre las complejidades del encierro, la justicia y la resiliencia en la Ciudad de México.

Estos relatos se convirtieron en el motor creativo que da vida a esta puesta a cargo del Colectivo Escénico El Arce y que podemos ver todos los jueves de noviembre en El77 Centro Cultural Autogestivo.

A continuación te compartimos 3 lecciones que nos brinda esta experiencia teatral:

1. Abriendo ventanas a la imaginación. El texto resalta el poder de la escritura como una herramienta liberadora para las personas en cautiverio. A través de su escritura, las internas nos develan sus pensamientos, emociones y deseos, lo que les permite escapar mentalmente de las restricciones físicas de la prisión. De esta manera podemos entender cómo la escritura puede abrir puertas imaginarias y proporcionar una forma de libertad, incluso en situaciones de confinamiento.

2. El teatro como herramienta de transformación. La representación teatral permite que las internas compartan sus historias de una manera creativa y artística. Además, el teatro crea empatía en el espectador, nos hace comprender las complejidades de la vida en prisión y fomenta la reflexión sobre el sistema de justicia. Una vez más comprobamos que el teatro es una poderosa herramienta de transformación.

3. Más allá de las circunstancias. Estos textos nos desafían como espectadores al tratar de comprender las luchas y aspiraciones de aquellos que están detrás de las rejas y nos recuerda la importancia de ver más allá de las circunstancias externas y reconocer la humanidad en cada individuo, independientemente de su pasado o sus errores.

Si estás buscando una obra que apela al poder transformador de la escritura, no puedes dejar de ver este montaje que nos abre una panorama sobre lo que sucede tras las rejas, para tratar de entender lo que viven día a día, las personas que están en prisión.

La obra se presenta todos los jueves en EL77CCA, ubicado en Abraham González 77, Col.Juárez, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Isael Almanza

Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, tiene ya 179 años de historia. Toda temporada de Día de Muertos o, en el caso de España, del Día de Todos los Santos, la obra de Zorrilla es ya toda una tradición.

Ya sea a través de las versiones tradicionales de la obra, o los muy mexicanos tenorios cómicos, sus personajes y algunos pasajes son bien conocidos, incluso por quienes no han visto nunca la obra. En el papel recordamos a actores como Gonzalo Vega o Gonzalo Correa, o en las versiones cómicas a Paco Malgesto o Paco Stanley, entre muchos, muchos otros.

Originalmente estrenó el 28 de marzo de 1844 en España en el Teatro de la Cruz, recibiendo críticas mixtas. En México se presentó ese mismo año, pero el 7 de diciembre, dos días después de que un pronunciamiento militar que derrocó al entonces presidente Antonio López de Santa Anna. Como resultado, la obra estrenó en el Gran Teatro de Vergara, que apenas un día antes se llamaba Gran Teatro Santa Anna, y que finalmente llevaría el nombre de Teatro Nacional.

Si bien se trata de una historia y una obra bien conocida, hay algunos datos que seguramente no conoces sobre este clásico español. Aprovechando la fecha, te los contamos.

1. ¿Cómo se arraiga en estas fechas? En España la obra fue reestrenada el 1 de noviembre de 1844, teniendo muy buen recibimiento por parte del público, esto la convirtió en toda una tradición que se representara en estas fechas. En México el arraigo de la tradición llegó más tardíamente. Gracias a la popularidad de la obra, el emperador Maximiliano invitó a José de Zorrilla a formar la compañía teatral del imperio, la cual montó Don Juan Tenorio con motivo del santo de la emperatriz Carlota. La representación fue en el Palacio Nacional, el 5 de noviembre de 1866.

2. El peor crítico de sí mismo. Se dice que José de Zorrilla no estaba muy orgulloso de su obra. El autor, según recogen algunos testimonios de la época, consideraba la obra un disparate que “no tiene carácter, ni lógica, ni consecuencia ni sentido común”. Además, él mismo decía que había terminado la obra en apenas 20 días.

3. Vendida por muy poco. José de Zorrilla vendió al editor los derechos de la obra antes de ser estrenada, por una cantidad de 4,200 reales de vellón (aleación de cobre y plata menos valiosa que los reales tradicionales). Este monto no era entonces mucho dinero.

4. Una de las obras más representadas. Gracias a la popularidad que obtuvo al vincularse con el Día de Muertos en México y con las fechas del Día de Todos los Santos en España, Don Juan Tenorio es una de las obras de teatro español más representadas. Madrid es una de las ciudades en que más se ha representado este montaje, ya que mucho tiempo fue tradición que al llegar estas fechas se interrumpían las funciones habituales y se montaba en tres o cuatro salas distintas de la capital española.

5. El actor mexicano Gonzalo Correa ostenta el récord Guinness como el actor que más años consecutivos ha interpretado la obra. Durante 55 años el actor actuó como Don Juan.

En nuestra sección de obras clásicas puedes encontrar qué versiones de Don Juan Tenorio se presentan actualmente.

Por Óscar Ramírez Maldonado. Fotos: Francisco Bravo, montaje Don Juan … y el precio es la vida.

Sentada frente a su máquina de escribir, María Luisa Ocampo dirige el devenir de una familia del México post revolucionario y abraza a la joven mujer que acaba de trastocar las vidas de sus integrantes. Es 1918 y de golpe ha sido revelado un secreto que, además de lastimar a los involucrados con su verdad, propicia un duelo de posturas ideológicas y emocionales sobre los usos y abusos de la guerra, sobre los estragos que deja sobre aquellos que perdieron allí a un ser querido o que se perdieron a sí mismos ya sea por haber estado en el campo de batalla o simplemente por haberse atravesado en el camino de los hombres que luchaban, supuestamente, entre ellos.

Es 1918 sobre el escenario, pero también es 1928, el año en que la dramaturga, novelista, bibliotecóloga, editora, profesora, periodista, traductora, funcionaria pública y mecenas María Luisa Ocampo, escribió esta pieza teatral, Más allá de los hombres, siendo la primera mujer en hablar, desde la ficción, sobre la violencia en la Revolución Mexicana y, más específicamente, sobre la violencia que los hombres ejercieron en contra de las mujeres; esto lo expresa a través de un discurso femenino y feminista, que al verlo y escucharlo en nuestros días sorprende por la claridad y contundencia de su enunciación.

En palabras del editor, ensayista e investigador especializado en la obra de Ocampo, Christian Bueno, “la Revolución Mexicana es un periodo histórico recurrente en su obra, pues ella lo vivió en los tres años que junto con su familia residió en El Oro, Estado de México, entre 1909 y 1912, precisamente en la transición del Porfiriato al México revolucionario.”

Si bien actualmente ésta obra se presenta en uno de los recintos más importantes de nuestro país, el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, se trata de la primera ocasión, después de muchos años, que una obra de Ocampo se escenifica.

Al igual que varias autoras, la figura y la obra de la escritora nacida en Chilpancingo, Guerrero fue relegada con el transcurso de los años, aunque se trate de una creadora por demás prolífica: escribió alrededor de treinta piezas teatrales, un guion para cine, un libreto para ballet y siete novelas. Una de sus obras, Al otro día de 1907, está incluida en el primer tomo de la gran antología Teatro Mexicano del Siglo XX del Fondo de Cultura Económica. Su novela Bajo el fuego mereció el Premio Ignacio Manuel Altamirano del estado de Guerrero en 1947.

Afortunadamente, en los últimos años se han emprendido esfuerzos, principalmente editoriales, para rescatar y revalorizar a autores y, sobre todo autoras, que habían quedado en el olvido. Además de los trabajos del ya mencionado Fondo de Cultura Económica, destaca el de la UNAM con su programa Vindictas, que abarca un área editorial, un programa de tv y diversos eventos que buscan poner sobre la mesa y en los estantes de novedades a autoras como Luisa Josefina Hernández y María Luisa Mendoza, por mencionar a dos mujeres relacionadas con las artes escénicas.

Al mismo tiempo, la Compañía Nacional de Teatro recién ideó el programa A la Luz, que también busca llevar a escena títulos y autores olvidados. Por ello, al descubrir en el archivo de María Luisa Ocampo resguardado en el Centro de Investigación Teatral Rodolfo Usigli, una pléyade de textos teatrales olvidados, la directora de la CNT, Aurora Cano y su dramaturgista, Simón Franco, no dudaron en llevar a escena Más allá de los hombres y pedir el apoyo de Teatro UNAM para sumar voluntades y presentar la obra en el marco del programa Vindictas A La Luz.

En ese sentido, Cano señala: “Cuando descubrimos Más allá de los hombres nos quedamos muy asombrados, porque es muy raro que una mujer hable de la guerra como tema central. Son 2,500 años de textos teatrales que han hablado de la guerra, pero el noventa y nueve por ciento han sido escritos por hombres, entonces hay ciertos énfasis en las grandes conquistas, las grandes batallas, los grandes caudillo, la ideología, las estrategias, pero como eso no suele ser escrito por mujeres, es natural que no se vea esa otra mirada sobre todo el daño colateral, sobre lo que ocurre en la vida íntima de una familia.”

Agrega: “Por supuesto que se ha hablado de lo que implica la guerra de manera personal, en el caso de María Luisa hay originalidad en los temas que ella elige tratar. Escogimos la obra porque además resonaba no solo con la época de la Revolución, sino con cualquier guerra en cualquier lado. Al decidir montarla pensamos en Ucrania y en las mujeres que quedan atrapadas en situaciones espantosas al estar en medio de la lucha armada.”

Para Christian Bueno, la revalorización de esta autora, es inaplazable. Y la primera razón es su propia biografía, de la cual destaca los siguientes momentos:

“A los 24 años fue montada su primera obra de teatro, actividad a la que estaría ligada estrechamente en las décadas de los veinte y treinta, al tiempo que laboró como editora, conferencista, gestora cultural, traductora, profesora y periodista. Por un lado, e intensificó su incursión en la política, por el otro, destacándose como una pionera en la lucha por el voto femenino. Más tarde trabajó en la SEP, donde fue jefa del Departamento de Bibliotecas del país. Ya para entonces su presencia literaria había pasado del teatro a la novela, género en el que publicó siete novelas entre 1947 y 1966”.

A Ocampo se le debe la existencia de las bibliotecas populares en toda la República Mexicana y el interés por acercar a ellas a las infancias. También se le reconoce la fundación, en 1929, de La Comedia Mexicana, un grupo teatral que privilegió la dramaturgia escrita por mujeres y fue esencial en la construcción de un teatro nacional en sus textos y en sus temáticas.

Desde otra trinchera, en esos años otro grupo intentaba construir una escena diferente a la de la tradición teatral española que aún permeaba: el Teatro de Ulises, fundado en 1928 por Salvador Novo, Xavier Villaurrutia, Celestino Gorostiza y, por supuesto, otra mujer igualmente poderosa y fascinante, que fungió como su actriz y mecenas: Antonieta Rivas Mercado.

María Luisa murió en 1974. Mientras su biblioteca personal desapareció tras ser donada al gobierno de Guerrero, su archivo le fue confiado a la investigadora Socorro Merlín, una de las principales especialistas en temas de historia del teatro mexicano, quien lo depositó en el CITRU, en donde Cano y Franco tomaron la obra que, a su vez, le confiaron a la directora Ruby Tagle, quien cosechó amplios elogios con el montaje -basado en el que trabajaba la actriz y directora Rosenda Monteros antes de su partida- de La Celestina.

Tagle logra una puesta en escena que hace justicia a las palabras, a la ideología y a la confrontación que propicia Ocampo a través de sus personajes centrales: Doña Beatriz, la madre, Don Javier, el abuelo, Raúl, el hijo enamorado, Joaquín, el hijo que retorna de la guerra y Antonia, la joven maestra que desencadena un conflicto cuyo desarrollo, por sus dimensiones, no le pide nada a cualquier tragedia griega, aunque por la forma de abordarlo mucho se emparenta a lo mejor del realismo norteamericano.

La figura de Ocampo resultó tan nítida para la directora que decidió incluirla en escena escribiendo y dictando los rumbos de los personajes; aunque esa propuesta no resulta del todo redonda frente al ya suficientemente poderoso drama, funge como cereza del pastel para el homenaje que se le hace a la autora a casi cien años de haber escrito esta obra.

Además de la elección del texto en sí, el principal acierto de este montaje radica en las presencias estelares -aunque sus personajes no sean los protagonistas- de dos de los tres nuevos integrantes de la CNT en calidad de actores de número: el prestigiado actor tapatío Jesús Hernández, que resulta un remanso verle sobre el escenario chilango, y Blanca Guerra, quien inicia su participación en ésta compañía encabezando al elenco con el brío y elegancia que la caracterizan y que la han colocado como una de nuestras actrices más representativas ante el mundo, gracias a sus triunfos teatrales, cinematográficos y televisivos. Junto a ellos, Estefanía Norato compone una protagonista sólida; su trabajo nos permite apreciar a un gran personaje de la dramaturgia mexicana del siglo XX.

Los actores y actrices Alan Uribe, Fernando Sakanassi, Shadé Ríos y Estefanía Estrada conforman el reparto de esta obra. Miguel Cooper, además de participar como actor, fue el dramaturgista del montaje, que se beneficia con la colaboración de los diseñadores Kay Pérez, Melissa Varïsh, Anabel Altamirano, Libertad Mardel y Carlos Matus.

Aurora Cano considera que la dramaturgia de Ocampo dialoga con la de cualquier autor de la actualidad: “el tema que ella trata ahorita está en boga, todo mundo está escribiendo acerca de la discusión y el debate social alrededor de temas de abuso y violencia y, por supuesto, se inserta en la gran discusión sobre la guerra. Esos temas no pueden estar más en boga que en las recientes semanas. En la CNT tuvimos en cartelera Rose de Martin Sherman, con Amanda Schmelz y aunque es un proyecto distinto a Más allá de los hombres, ambas obras dialogan al hablar sobre las víctimas colaterales de las grandes luchas armadas“. 

Para Christian Bueno, pueden ser varias las razones por las que la difusión de la obra de María Luisa Ocampo fuera relegada: entre su disidencia política (militó en el Partido Revolucionario de Unificación Nacional y el Movimiento Revolucionario del Magisterio), el hecho de no haberse casado ni haber tenido descendencia, la desaparición de su biblioteca personal, la poca difusión que había tenido su archivo en el CITRU, etc. Pero, para fortuna de Bueno, del teatro y la literatura, Ocampo ha regresado.

“Precisamente el tiempo que vivimos es el que trae de vuelta a María Luisa: recuperar su obra silenciada ha sido posible gracias a la vigencia de su voz, que se muestra desencantada ante la narrativa oficial que ella vivió de cerca, siendo funcionaria federal, y a lo largo de su vida, desde su infancia en pleno porfiriato, hasta su edad madura, en que presenció la represión al movimiento almazanista en 1940.”

Cuando la joven maestra Antonia enfrenta una dura verdad del pasado ante la familia que la acogido y debe tomar una decisión radical, una figura entre tangible y etérea se ubica detrás de ella y con sus manos y su gesto, apoyan cada una de las palabras que Antonia debe decir para exorcizar sus demonios y, desde su cuerpo y su voz, hacer justicia.

Esa figura es la de María Luisa Ocampo, a quien hoy, a 124 años de su natalicio y 49 de su fallecimiento, recibe las manos y el gesto de apoyo del teatro mexicano para que su voz sea escuchada, su ideología sea reflexionada y su figura de autora espléndida sea finalmente puesta en escena y en justicia.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Cortesía Christian Bueno

Daniel Giménez Cacho está listo para debutar como actor de número de la Compañía Nacional de Teatro (CNT). Tuvimos la oportunidad de asistir al ensayo general de ¡Violencia!, escrita por Valeria Loera y dirigida por Diana Sedano. El actor alternará con Medín Villatoro y el inicio de esta tercera temporada es este 3 de noviembre, el debut de Giménez Cacho en la CNT será el próximo 9 de noviembre. La obra se presentará los fines de jueves a domingo en el Teatro del Bosque Julio Castillo.

Después del ensayo pudimos platicar con el actor, quien nos contó que Aurora Cano, directora de la compañía, quería que no finalizara el año sin que el actor realizara su primera obra con la CNT. “Hubo la coyuntura de poder entrar a hacer éste, que es un papel chiquito […] me dio mucho gusto entrar a una obra que yo ya había visto antes de entrar a la compañía, que me gustó mucho”.

Al respecto, agregó que la obra que ya está muy armada, con una compañía muy sólida. “Es un gusto entrar a una maquinaria que ya camina tan bien”, señala.

Giménez Cacho considera que ¡Violencia! es una obra inteligente y muy divertida, que en esta época en la que todos están muy preocupados por no ofender y por la cancelación, esta obra que es desfachatada y libre, “parece una bocanada de oxigeno esta obra de Valeria Loera”. En este sentido recalcó que es importante reconocer nuevas voces como la de esta dramaturga joven, originaria de Chihuahua.

¡Violencia! es, dijo: “Una obra sobre mujeres, actuada por mujeres, dirigida por una mujer. Con todo el valor y la osadía de hablar de los temas de las mujeres y aparte con mucho humor”.

El entrar a la CNT, señala el actor, representa para el experimentado actor una oportunidad de tener acceso a directores jóvenes que tal vez no lo llamarían, además de compartir escenario con intérpretes jóvenes y otros de mayor experiencia. “Me gustó mucho la idea de pertenecer, de tener un lugar que dices, esta es tu casa”, puntualizó.

Finalmente, el actor nos comparte que el actuar en el Teatro del Bosque Julio Castillo le trae una serie de memorias de sus comienzos. Se trata, expresó, de un lugar hermoso al que le tiene mucho cariño. “Aquí hice una obra muy importante para mí que se llamó Los enemigos, con Eduardo Palomo, que hoy en paz descanse. Fue una temporada muy hermosa, pasaron cosas muy fuertes”.

Para más información de ¡Violencia!, horarios y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado. Fotos: Cartelera de Teatro.

Oleanna es un texto del reconocido dramaturgo David Mamet. La obra aborda una lucha de poder entre dos protagonistas, en el original un maestro universitario y su alumna. El autor desarrolla un juego en el dos opuestos entren en confrontación para tocar temas como el acoso sexual y el sistema académico.

El autor también atraviesa en su texto por asuntos como en qué se basa la comunicación humana y como el lenguaje, y la manera en la que este se interpreta puede modificar nuestras percepciones.

El estreno de la obra fue en 1992 y dos años después su autor la adaptó al cine con el mismo nombre. Actualmente los temas de Oleanna siguen siendo vigentes.

Aquí te contamos algunos datos poco conocidos sobre esta obra de Mamet.

1. En 1995 Mónica Dionne interpretó la obra en el papel de la estudiante. Ahora en una nueva versión, dirigida por Naian González Norvind, tiene la oportunidad de dar vida a la maestra. En 1995 la actriz participó en la obra al lado de Enrique Singer, bajo la dirección de Iona Weissberg.

2. Primera versión actuada por mujeres. Actualmente se presenta en el Teatro Lucerna la primera versión – a nivel mundial – en la que ambos personajes son interpretados por mujeres. En la adaptación de esta obra, dirigida por Naian González, la maestra es interpretada por Mónica Dionne y la alumna por Ana Mancera.

3. Oleanna no es un personaje ni se menciona en la obra. Se trata de una canción folclórica noruega que popularizó en inglés Pete Seeger. La letra original data de 1853 y es una sátira de la visión idílica de la sociedad norteamericana que tenía el compositor y violinista noruego Ole Bull. El autor de la letra es el noruego Ditmar Meidell. Bull compró en el siglo XIX tierras en Pensilvania para fundar una colonia que bautizó como Nueva Noruega. Ahí se formaron cuatro comunidades de inmigrantes que llegaron del país nórdico: Nueva Bergen, Nueva Noruega, Valhalla y Oleana. En resumen, la canción de la que toma el título la obra se refiere a una visión que se fuga de la realidad, sobre la utopía y un lugar donde todos podrían ser felices.

4. Acusación de oportunismo y misoginia. Cuando se estrenó la obra en 1992, por casualidad coincidió con el caso Anita Hill–Clarence Thomas. Este caso fue un escándalo mediático en el que un juez, candidato a la Suprema Corte de Estados Unidos, fue acusado acoso sexual. Si bien Mamet señala que la obra la escribió antes, eso no lo libro de ser acusado por parte de colectivos feministas de oportunista, misógino y machista.

5. En el filme que adaptó el mismo Mamet, en los créditos finales Rebecca Pidgeon -ex esposa del autor – interpreta una canción. En el montaje teatral ella interpretó el papel de la alumna, papel que en la versión cinematográfica recayó sobre Debra Eisenstadt.

Estos son algunos datos sobre este controversial montaje. La versión que actualmente se presenta en el Foro Lucerna es una oportunidad para lanzar una nueva mirada -desde una perspectiva de un equipo femenino – sobre la obra. Los temas que aborda son tal vez incluso más vigentes que cuando se estrenó por primera vez la obra.

Para más información de la obra, horarios, boletos y más, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

En junio de este año la Compañía Nacional de Teatro (CNT) anunció la integración a su elenco estable, en la categoría de número, de Blanca Guerra, José de Jesús Hernández y Daniel Giménez Cacho.

¿Pero a qué se refiere esta categoría? Antes que nada hay que saber que la Compañía Nacional de Teatro está integrada por artista, trabajadores y promotores. Entre los objetivos de la institución está el impulsar y preservar la dramaturgia mexicana, así como crear y difundir un repertorio teatral estable y plural. La CNT también busca mantener una función social y realizar proyectos que fortalezcan la identidad cultural y teatral.

Para lograr sus objetivos, en el año 2008, bajo la dirección artística de Luis de Tavira, se reestructura la compañía y se lanza la convocatoria para integrar un elenco y coordinadores de talleres. En ese momento, se crearon, entre otras categorías: “Cinco becas de 40 mil pesos cada una para actores y actrices de número, mayores de 50 años de edad, con trayectoria artística superior a 30 años. Estos actores formarán parte de la Compañía Nacional de Teatro de manera permanente”.

La creación de estas plazas de artistas en residencia tuvo como objetivo tener creadores que se dedicaran de tiempo completo a la compañía. Actualmente, el elenco estable está integrado por 5 categorías: Jóvenes con experiencia, Trayectoria mayor a 10 años, Trayectoria mayor a 20 años, Trayectoria mayor a 30 años y Actrices y Actores de Número. Además de Músicos Residentes.

Sobre esto, el entonces director de la CNT, Luis de Tavira, destacaba que se buscaba consolidar y dimensionar a la compañía como una agrupación integrada por actrices y actores de excelencia, y darle un perfil artístico de compañía de repertorio.

Al respecto, en entrevista con Cartelera de Teatro, Aurora Cano, actual directora artística de la CNT señalaba: “Por ejemplo, lo que hizo el maestro Luis de Tavira al conseguir que se pudiera recuperar un elenco estable y que dignificara el trabajo de los actores con un sueldo, que se dice fácil, pero cuesta muchísimo trabajo conseguir que tengamos actores eméritos protegidos y profesionales que han dedicado su vida al teatro”.

La duración de estas residencias es de dos años, con opción a ser renovados. Cada dos años se debe rotar al menos un 30% de su personal. En cada categoría existe un límite de años en los que se puede permanecer dentro del elenco estable.

Sin embargo, las y los actores de número son puestos vitalicios. La categoría de número, según señala la CNT, es un reconocimiento a la trayectoria artística, pero también implica el compromiso de “colaborar con nuevas generaciones y compartir su experiencia teatral de más de 40 años”.

La convocatoria para integrarse a la categoría de número, nos explicó en entrevista Miguel Cooper, parte del elenco estable de la compañía con trayectoria mayor a 20 años, se emite cuando queda vacante una plaza. Como se trata de un puesto vitalicio, señala, “cuando fallecen actores de número, después del tiempo propicio de luto […] se abre la convocatoria”.

Como integrante de la compañía, Miguel Cooper participa actualmente en Más allá de los hombres, obra en la cual comparte escenario con dos de los tres nuevos intérpretes de número: Blanca Guerra y José de Jesús Hernández.

Sobre la importancia de este tipo de plazas, nos pone el ejemplo de José de Jesús Hernández. Originario de Guadalajara, Hernández es un actor y maestro de toda la vida que en el contexto de centralización que hay en nuestro país, Cooper está “descubriendo”. “Que venga gente de los estados con esa experiencia, esa calidad y ese compromiso, para mí, es aleccionador y conmovedor y agradecible, por supuesto, agradecerle a la vida que te dé la oportunidad de trabajar con esta gente tan entregada al teatro”, puntualiza.

“Para la selección, prevista en la convocatoria, se solicitó la postulación de primeras actrices y primeros actores que con más de 60 años de edad y una trayectoria teatral de más de 40 años en activo, además de haber contribuido a la consolidación del teatro nacional”, destacó el Instituto Nacional de Bellas Artes cuando anunció a los nuevos integrantes de la Compañía Nacional de Teatro dentro de la categoría de Número.

Con el ingreso de Blanca Guerra, Daniel Giménez Cacho y José de Jesús Hernández, la CNT cuenta nuevamente con 12 actrices y actores de número. Además de los tres nuevos miembros que recién se integraron están: Arturo Beristáin, Julieta Egurrola, Luisa Huertas, Gastón Melo, Ana Ofelia Murguía, Óscar Narváez, Angelina Peláez, Luis Rábago y Marta Verduzco.

Por Óscar Ramírez Maldonado. Imagen: Captura página CNT.

Sweeney Todd es un personaje legendario, es una leyenda urbana del Londres de la época victoriana. Londres del siglo XIX era un ambiente propicio para este tipo de historias; a finales de siglo apareció el célebre Jack el Destripador, un personaje real que nunca fue atrapado, y se escribieron historias como El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, de Robert Louis Stevenson.

Londres, en aquel entonces, no era la ciudad que hoy es. La Revolución Industrial y la gran cantidad de inmigrantes y refugiados que llegaban a ella provocaron sobrepoblación. La miseria, el alcoholismo, la drogadicción, la prostitución, las enfermedades y el crimen eran muy comunes. Era una ciudad gris y peligrosa.

Ahí que nace la leyenda urbana de Sweeney Todd, el barbero diabólico. Mucho se ha discutido sobre la existencia real del personaje. No se han encontrado registros o datos comprobables de que Sweeney haya vivido y cometido sus crímenes en el Londres. Existen en otras leyendas similares, anteriores a la del personaje inglés, en ciudades como París y Valencia.

Sin embargo, la huella que el barbero asesino de la Calle Fleet ha dejado en la cultura popular es muy amplia. Una de las primeras apariciones literarias del personaje en una publicación se dio en el número 7 del penny dreadful llamado The People’s Periodical, entre 1846 y 1847. Los penny dreadful eran publicaciones seriales de bajo costo, de consumo popular en el siglo XIX, con temas sensacionalistas la mayoría de las veces. El título de esta primera historia fue El collar de perlas (The String of Pearls).

La historia publicada a mediados del siglo XIX, ubica a Sweeney en el año 1785. En esa versión, el personaje carecía de la motivación de la venganza como origen de sus crímenes. Esta historia inspiró un largometraje en 1936, dirigido por George King e interpretado por Tod Slaughter y Stella Rho.

Posteriormente, Christopher Bond retoma al personaje para escribir la obra de teatro de Sweeney Todd, el barbero diabólico de la Calle Fleet, la cual se estrena en 1973. Es ya en esta historia que los personajes y la historia toman la forma que conocemos, que hiciera famosa Stephen Sondheim al retomar la obra de Bond y convertirla en un éxito de Broadway en 1979.

Actualmente, en el Teatro Milán, de la CDMX, se presenta una versión del muscial bajo la dirección de Miguel Septién. Ésta es una propuesta minimalista que funciona muy bien. Quecho Muñoz, Flor Benítez y Alberto Lomnitz encabezan el elenco. Los acompañan en escena Jimena Parés, Luisa Cortés, Andrés Elvira, Ervey Ortegón, José Grillet, Diego Enríquez, Eduardo Siqueiros, Melissa Cabrera y Carla Heftye.

En el año 2007, el cineasta Tim Burton (Edward Manos de Tijera, Beetlejuice, Charlie y la fábrica de chocolate) llevaría nuevamente al cine la historia del barbero asesino, interpretada por Johnny Depp y Helena Bonham Carter. La versión de Burton se inspiró en el musical de Soundheim y contó con las actuaciones también de Jamie Campbell Bower, Jayne Wisener, Sacha Baron Cohen, Alan Rickman, Ed Sanders, Timothy Spall, Laura Michelle Kelly y Harry Taylor entre otras.

Este filme fue la sexta colaboración entre Burton y Depp. Para la película se reunió una orquesta integrada por 64 músicos, la más grande hasta entonces que interpretó un score de Sondheim. Si bien Johnny Depp desde los 12 años comenzó a tocar guitarra y ha pertenecido a distintas bandas de rock, paralelo a su carrera como actor, Sweeney Todd marcó su debut cantante en un musical.

Para este proyecto cinematográfico, antes de que viera su forma final, se manejaron distintos nombres. Inicialmente la dirección estaría a cargo Sam Mendes (Belleza americana, Camino a la perdición) y Russell Crowe como protagonista.

También se había pensado en que el papel de Mrs. Lovett lo interpreta Annette Bening, Toni Collette, Meryl Streep, Emma Thompson e incluso la cantante Cyndi Lauper. No es sorprendente que se haya manejado el nombre de Emma Thompson, pues ella anteriormente ya había interpretado el papel en teatro. De hecho, el papel de Mrs. Lovett en el musical ha sido interpretado por actrices como Len Cariou, Angela Lansbury, Imelda Staunton y Patti LuPone. Como Johanna estuvo a punto de participar en la cinta Anne Hathaway.

Así es como Sweeney Todd se abrió camino desde las oscuras y lúgubres calles londinenses del siglo XIX hasta el teatro y el cine.

Para más información del montaje de Sweeney Todd que se presenta actualmente en el Teatro Milán, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Liliana Rosas.

Sergio Ochoa escribe, dirige y actúa en El cuidador o ¡Mamá las llaves del coche no van en el refri! una de las obras más emotivas y personales que podemos ver actualmente en cartelera, donde el actor nos enseña valiosas lecciones sobre la humanidad, la empatía y la resistencia frente a la adversidad, a partir de los procesos que enfrentó como cuidador de su madre, la reconocida actriz y comediante, Leonorilda Ochoa, quien falleció a causa del Alzheimer.

La obra ha tenido varias temporadas y se encuentra en su recta final en el Teatro Xola, para que te animes a verla, aquí te compartimos algunas lecciones que nos ofrece esta puesta que se presenta los martes hasta el 14 de noviembre:

1. El poder de la honestidad. Entre risas, Ochoa nos muestra el impacto del Alzheimer en la vida de las personas, tanto en el enfermo como en el cuidador. Con gran honestidad, el actor narra algunas de sus historias más personales, sin descuidar la seriedad y el respeto al abordar estos temas en escena. Además, logra encontrar el equilibrio entre la comedia y la tragedia, situaciones que imperan en nuestras propias vidas.

2. La importancia del amor. Una característica que prevalece en el montaje es el amor que Ochoa profesa a su madre en todo momento, a través de los diversos pasajes de su vida familiar. Cualquiera que haya pasado por una situación similar podrá sentirse identificado. Esta autenticidad emocional resuena profundamente en el público, recordándonos que el amor es un sentimiento fundamental que nos ayuda a enfrentar las situaciones más difíciles de la vida.

3. La fragilidad de la memoria. A medida que Leonorilda Ochoa lucha contra el avance del Alzheimer, la obra nos hace reflexionar sobre la fragilidad de la memoria humana y nos invita a atesorar los recuerdos antes de que se desvanezcan. Justo hace unos días, recordábamos a nuestros fieles difuntos y, sin duda, este montaje nos recuerda la importancia de mantener viva la historia y el legado de las personas que amamos

Estamos frente a una obra que nos invita a apreciar la complejidad de las emociones humanas y a encontrar belleza, incluso en los momentos más oscuros, no te la pierdas los martes en el Teatro Xola, ubicado en Av. Xola No. 809, Colonia Del Valle, consulta precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Se anunció el estreno del musical Un Cuento de Navidad el 8 de diciembre en el Teatro San Rafael. Adal Ramones encabeza el elenco de esta obra interpretando a Ebenezer Scrooge. En conferencia de prensa, el actor, parte del equipo creativo y el elenco del montaje informaron sobre los pormenores de esta versión musical del clásico de Charles Dickens, escrito a mediados del siglo XIX. Adal Ramones se dijo feliz de estar en el Teatro San Rafael con este musical, el cual siempre había soñado interpretar el papel. Cuento de Navidad, señaló el actor, “es un regalo al corazón, un regalo al alma, es el mejor regalo -en espectáculo- que le puedes dar a tu familia”.

En este sentido, Adal Ramones, explicó que en esta obra sucede magia y es más actual que nunca. “Nos vamos a espejear todos, porque todos tenemos algo de Scrooge”, pues de pronto nos quejamos de las cosas y de las personas, señaló. Es una obra, consideró, que nos puede hacer despertar de esa hipnosis en la que estamos de solo vivir para trabajar.  Al respecto reflexiona: “No es así la vida, la vida es compartir, la vida es estar en familia, la vida es buscar a los amigos. La vida es lo que tienes tú dado. Aunque no se algo que se toque, es dar cariño, comprensión”.

Se trata del cuarto musical en el que participará Adal Ramones. Anteriormente fue parte de Los productores, El joven Frankenstein y Shrek. Si bien el actor actúa y canta, destacó y reconoció el trabajo de todo el elenco y del ensamble. “Realmente yo descanso en los hombros de este gran ensamble, porque ellos son los que tienen la carga fuerte”, afirmó.

Sobre el escenario acompañarán al también conductor Axel Alcántara, Mauricio Hernández, Eduardo Ibarra, Caro Vélez, Oscar Piñeiro, Arturo Echeverría, Angie Vega, Diego Meléndez, María Uriarte, Michelle Godet, Odette Villarreal, Sofía Ochoa, Nat Quiroz, Bobby Mendoza, Ana Rivero, Axel Gollaz, Kike Cosío, Jacobo Flores, Bruno Uribe, Diego López, Bernardo Gómez, Sofía Rodche y Mariana Mendoza.

Óscar Carapia, director escénico y coreógrafo del montaje, destacó que es muy afortunado que  “un musical de este tamaño pueda girar”. El montaje, señaló, irá a tres ciudades diferentes además de la Ciudad de México: Puebla, Monterrey y Guadalajara.

Es una obra que habla de conceptos mucho más actuales de lo que nos imaginamos, señaló el director. El montaje original fue producida para el Madison Square Garden a principios de los años 90 de siglo pasado y fue “concebida por gente que  hoy día sigue siendo punta de lanza en los musicales”. Esta versión de Cuento de Navidad, dijo Carapia, será protagonizado por una de las figuras más queridas de la televisión, que sigue estando vigente.

Cuento de Navidad cuenta con música de Alan Menken  (Aladdin, La Bella y Bestia) y letras de Lynn Arhens (Anastasia). El libreto es de la misma Arhens y Mike Ockrent.

Por su parte, Alejandra Ballina, directora asociada del montaje, compartió que este musical los ha llevado a una reflexión sobre qué significa para los involucrados la Navidad, la familia, la caridad y la abundancia.  En este sentido, agregó, que esperan que le público también tenga una autorreflexión de qué es lo que nos hace felices y nos hace compartir.

La producción es de La Gran Audiencia, Late Producciones, Playhouse, Entertainment, El Artista Invisible, En Llamas Producciones, BH5, Vía Producciones, Escena Producciones y RM Producciones.

En Monterrey, el musical se presentará en el Auditorio Pabellón M los días 15 y 16 de diciembre. En Puebla, la puesta tendrá lugar en el Auditorio del Complejo Cultural Universitario, el sábado 2 de diciembre, mientras que en Guadalajara llegará al Teatro Galerías el 5 de diciembre.

Para saber más sobre Cuento de Navidad, boletos, horarios y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro

Si te gustó “La Obra que Sale Mal”, esta nueva propuesta también conquistará a chicos y grandes que buscan pasar un momento de puro entretenimiento familiar, a cargo de Próspero Teatro y Lemon Studios que promete ser una experiencia emocionante y divertida.

Bajo la dirección de Adam Meggido, los actores y actrices Artús Chávez, Luis Rodríguez “El Guana”, Daniel Haddad, Ari Albarrán, Majo Pérez, Daniel Ortíz, Daniel Bretón, Alondra Hidalgo, Ricardo Maza, Iván Carbajal, Jose Dammert, Alex Gesso, Juan Carlos Medellín, Miguel Tercero y Sofía Quintanilla ahora se adentran en Peter Pan, un clásico infantil que intentarán montar y tal como la premisa, todo, absolutamente todo sale mal.

Aquí te damos 3 razones para que acudas este fin de semana a ver Peter Pan Que Sale Mal en el Foro Cultural Chapultepec:

1.Deconstruyendo el original. En esta ocasión, la compañía de la Universidad Tecnológica de Tlalpan nos presenta una versión caótica y desastrosa del clásico cuento de J.M. Barrie. La obra está colmada de situaciones extremas y clownescas que llevan a los personajes al límite, dando como resultado escenas hilarantes que nos mantienen sin pestañear de principio a fin. Pero, sobre todo, nos hace reír sin parar.

2. Evolución de los personajes. Aquí podemos conocer más a fondo a los actores de la compañía, explorando sus relaciones personales, rivalidades y hasta sus temores más profundos. No cabe duda del talento que compone esta puesta en escena. Cada uno destaca por su habilidad para ejecutar la comedia física, mantener el ritmo y provocar carcajadas sin recurrir al pastelazo, lo que incita a la audiencia a participar en todo momento.

3. Creando un mundo mágico. En esta ocasión, podemos disfrutar de un escenario giratorio que nos transporta a través de los distintos pasajes de Peter Pan: desde la recámara de los niños Darling hasta el bosque encantado, la laguna de las sirenas, el barco pirata y el escondite de los niños perdidos. La escenografía, iluminación y utilería están perfectamente diseñadas para operar en el momento preciso, lo que nos brinda una muestra clara de la habilidad y tecnología con la que cuenta esta puesta en escena.

Peter Pan Que Sale Mal es una gran apuesta visual y cómica que te encantará, sobre todo, si llevas niños pequeños, se presenta de viernes a domingo en el recinto ubicado al poniente de la ciudad, ubicado en Mariano Escobedo 665, Col. Verónica Anzures, más información, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía PinPoint

Siete veces adiós es un musical totalmente creado y producido en México. Esta obra, que pensó hace varios años Alan Estrada y que desarrolló junto con Jannette Chao, Vince Miranda y Salvador Suárez, se ha vuelto todo un éxito. Tanto así que hace algunos meses surgió la versión “Él y Él”.

Bajo la producción de Playhouse Entertainment y Ola Ke Ase esta obra ha logrado ya números impresionantes y se ha colocado como una favorita del público.

Estrenada en marzo de 2022, el montaje lleva un año siete meses en cartelera y sigue convocando al público, tanto en la CDMX como en los estados de la República.

Aquí te contamos algunos datos que tal vez no conocías de este fenómeno teatral.

1. La idea la tuvo su autor, Alan Estrada, en el año 2010. Así es, la idea de esta obra surgió ya hace 13 años. La primera canción que se escribió  fue “Me mata, me salva “, mientras que la última es “¿Y si?”, con la cual se abre el segundo acto de la obra. Si bien el nombre original era Siete veces adiós, el nombre por un tiempo cambió a Algo como lo nuestro no existe, antes de iniciar los ensayos se regresó al nombre original.

2. En principio era una obra para un menor elenco. Lamore es un personaje que el público ya reconoce. Sin embargo, el personaje en la idea original no existía. El montaje se pensó en un inicio para ser interpretado por dos actores y por dos músicos.

3. Un elenco comprometido. Cinco de los integrantes del elenco original han formado parte del proyecto desde su primer taller en 2020.

4. Un éxito en taquilla. Hasta el 5 de noviembre de 2023 la obra, en su versión “Él y Ella” ha tenido un total de 436 funciones. 353 de ellas en la CDMX y 83 más en su gira nacional, la cual ha cubierto ya 21 ciudades del país. A las funciones de la gira han asistido 102,376 espectadores. Además, la versión “Él y Él” ya ha alcanzado 30 funciones.

5. Por el elenco de la obra – en todas sus versiones – han pasado un total de 29 personas. Ha habido siete Él y siete Ellas en la versión “Él y Ella”, mientas que “Él y Él” ha contado con tres Él en el papel del personaje 1 y uno solo en el personaje 2. Han sido cuatro intérpretes quienes han dado vida a Lamore y han participado 12 cantantes.

Estos son solo algunos datos de este musical muy particular, en el cual ninguno de los protagonistas canta. La calidad del y una historia bien contada son elementos fundamentales en el éxito de Siete veces adiós. Sin embargo, algo más tiene este musical que ha logrado conectar fuerte con el público, tal vez sea el tema – ¿a quién de nosotros no le han roto el corazón?- o la honestidad con el que está hecho y la cercanía con su público. Como ejemplo, va otro dato adicional, la escena que se desarrolla en una tienda de conveniencia nace de un tuit que le escribieron a Alan Estrada en 2020.

Esta aventura la iniciaron sobre el escenario Fernanda Castillo, Gustavo Egelhaaf y César Enríquez. Sin embargo, han venido después de más nombres, que aquí les compartimos:

• En la Versión “Él y Ella” han sido Ella: Ana Brenda Contreras, Ana González Bello, Paulette Hernández, Alba Messa, Sylvia Sáenz y Zuria Vega. Como Él han participado: David Chocarro, Carlos Ferro, Pierre Louis, Diego Medel, Humberto Mont y Nacho Tahhan.
• Han sido Lamore: Alejandro Calva, Héctor Berzunza y Valeria Vera, ella ha participado en ambas versiones.
• Finalmente, en la versión “Él y Él” han actuado: Martín Saracho, Cuauhtli Jiménez, Gustavo Egelhaaf y Humberto Mont. Esto dos últimos, junto con Valeria, son los tres integrantes del elenco que han participado en las dos versiones de la obra.

Así que ya lo sabes, si no has visto Siete veces adiós, corre a descubrir por qué es todo un fenómeno. Si ya la viste, puedes volver a disfrutarla con un nuevo elenco. Además, puedes aprovechar y disfrutar de la zona de Coyoacán, en la que se ubica el Teatro Ramiro Jiménez.

Para más información de la obra, horarios, descuentos y boletos, haz clic aquí para Siete veces adiós “Él y Ella” o acá para Siete veces adiós “Él y Él”.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Playhouse Entertainment.

Al final, después de los aplausos, la función ha terminado, pero la obra no. El equipo de la puesta en escena le pide al público que les acompañe unos minutos más, pues enseguida sucederá un conversatorio que involucrará a quienes hacen la obra pero también a quienes acaban de presenciarla. Para conducirlo, invitan al escenario a una mujer a quien anuncian como una especialista en teatro. Y quien acude no es una actriz, ni es dramaturga ni tampoco directora, no; quien acude es una crítica, investigadora y periodista teatral que, una vez que se sienta al centro y los presentes la rodean, propicia un charla cuyo anzuelo es pedir a los creadores teatrales que revelen los procesos que hay detrás del montaje que acaban de presenciar para, entonces, ir al objetivo central: invitar al público presente a reflexionar sobre lo que acaba de ver, a plantearse preguntas más que irse a casa con todas las respuestas.

Luz Emilia Aguilar Zinser (Ciudad de México, 1959) está sobre el escenario para invitar a los espectadores a apreciar desde otras dimensiones el teatro y, con ello, hacerlos que regresen una y otra vez. De eso va su trabajo y por eso tiene el reconocimiento de la comunidad teatral mexicana, un reconocimiento que en estos días tendrá una muestra tangible: a ésta periodista, crítica, investigadora, traductora y activista mexicana, se le entregará la Medalla Xavier Villaurrutia que concede el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura en el marco de la Muestra Nacional de Teatro de este año.

Luz Emilia Aguilar Zinser estudió la carrera de Literatura Dramática y Teatro en la UNAM y completó sus estudios en el ya extinto Núcleo de Estudios Teatrales que fundaron Julio Castillo y Héctor Mendoza.

En el primero, tuvo como compañero de banca al dramaturgo e investigador Luis Mario Moncada, quien recuerda: “Desde esa época de estudiantes, ella destacó por su curiosidad, por su rigor y por la profundidad de su mirada y esos son los dos valores que siguen destacando en ella: la capacidad y entereza para observar y la curiosidad para investigar, indagar y profundizar en los temas que observa. Eso le viene desde estudiante y lo ha ido acentuando”.

Y evoca también: “Por supuesto que tuvo en sus inicios afanes creativos como actriz y como directora, la recuerdo en colaboraciones tempranas en donde ella precisamente se acomodada de ambos lados del escenario, pero en el aspecto creativo y creo eso le dio las herramientas para entender cómo eran los procesos, pero le ganó siempre esta capacidad de observación, esta capacidad más bien de ponerse detrás de la barrera y observar y acompañar los procesos”.

La propia Luz Emilia confiesa que, si bien disfrutó la etapa de estar sobre el escenario, muy pronto tuvo claro su camino: “Tengo una enorme vocación de testigo y una enorme dificultad para enfrentar un escenario o una cámara si no tengo algo muy profundo, urgente y auténtico que decir. Cuando yo me subo a un escenario para decir lo que otros escribieron entro en una situación muy difícil, me entra pánico escénico. En cambio, cuando del fondo de mí surge una voz que me dice: esto lo tienes que decir, hay un cambio alquímico en mi presencia y en persona”.

Y recuerda el momento en que decidió bajar del escenario y simplemente mirarlo a profundidad: “Cuando estaba trabajando en una obra como actriz, la disfrutaba mucho, pero el rigor de los ensayos de horas y horas me hacía sentir que estaba perdiendo tiempo que yo quería tener para leer y para aprender, porque para mí es fundamental la lectura, el aprendizaje, la investigación y la indagación, sí en los libros y documentos, pero sobre todo en las personas: me atrae mucho hablar con las personas y saber lo que traen dentro y saber por qué son como son y por qué hacen lo que hacen”.

Con esa convicción, inició un recorrido en el cual ha sido editora y colaboradora del periódico Reforma -en donde tuvo dos columnas teatrales- y columnista en el diario Excélsior, además de publicar ensayos, reportajes, entrevistas y críticas en medios especializados como Paso de Gato, Nexos, Siempre, además de Irish Theatre Magazine y Theater Der Zite, lo cual le fue confiriendo la autoridad suficiente para integrar consejos consultivos en la Coordinación Nacional de Teatro, Teatro UNAM, la Cátedra Bergman y la revista Paso de Gato.

Ha sido curadora del encuentro México: Puerta de las Américas, jurado en diversas Muestras Estatales de Teatro y codirectora artística de la Muestra Nacional de Teatro. Actualmente es colaboradora del Teatro La Capilla en donde coordina el programa El Espectador Crítico y da clases de Historia y Teoría Teatral en el laboratorio de formación y creación LAB Capilla.

Para Boris Schoemann, director de La Capilla, es de celebrar el que un teatro independiente cuente con una figura como ella, pues enriquece la visión que se tiene de cualquier proyecto que ahí se presente: “Luz Emilia va más allá de su trabajo como crítica, formadora de críticos y crítica de la crítica; sus planteamientos trascienden la apreciación personal del trabajo y ubican a las obras que analiza en un contexto sociopolítico en relación con México y con el mundo, partiendo de un análisis del mismo momento histórico del teatro”.

Algo similar opina su colega, la igualmente estupenda periodista, crítica e investigadora teatral Alegría Martínez: “Luz Emilia ha abierto a distintos niveles la interlocución necesaria para dar continuidad a la expresión teatral desde muy diversos ámbitos. Su compromiso y capacidad para compartir su experiencia con nuevas generaciones críticas y para acompañar la mirada del público que asiste a las distintas funciones, equivale a sembrar la semilla y a cuidar su crecimiento para que quienes hacen posible el teatro y el público transiten juntos hacia una valoración de este arte, que nutra continuamente a ambas partes”.

Alumna directa de Héctor Mendoza e indirecta de directores como Ludwik Margules y Luis de Tavira, Aguilar Zinser es ahora una de las docentes más respetadas y apreciadas. Desde 2017, con la curadora y gestora Ilona Goyeneche fundó, en el marco de la Muestra Nacional de Teatro, La Muestra Crítica, un programa de formación y escritura para personas de diversos puntos del país que ejercen o están interesadas en la crítica teatral.

Al respecto de convivir con ella por varios años, Goyeneche apunta: “Siempre me sorprende que para cualquier crítica teatral que escribe o para cualquier investigación que hace, se documenta de manera muy rigurosa, investiga de forma amplia y acabada. Todo lo que de ella se publica implica un análisis muy preparado, muy investigado e informado y eso en los ámbitos de la crítica e investigación teatral, en términos generales, se ve cada vez menos”.

La periodista y gestora cultural Mayté Valencia estuvo presente en la primera edición de La Muestra Crítica: “Ella siempre ha dicho que su lugar en el teatro es de alguien que mira más que de alguien que es vista. Justamente ella me enseñó a tener una mirada aguda y profunda del hecho teatral, no solo entendido al interior de lo que sucede en un escenario y de pensar, desmenuzar y analizar todos los elementos escénicos que uno ve, eso sí, pero también verlo hacia afuera: el hecho teatral en su contexto histórico, social, el teatro como un arte del presente que plantea preguntas urgentes para la humanidad, que cuestiona o da una mirada más amplia sobre cuestiones de la condición humana”.

El periodista y crítico teatral de Coahuila, Mauro Marines, quien ha cursado talleres de crítica teatral con Aguilar Zinser, comenta: “Lo que más me ayudó a reforzar es que tanto el periodismo como la crítica y el periodismo desde su faceta crítica no buscan ser un ejercicio de destrucción. Por el contrario, cuando se realizan desde esa postura, con afán de minimizar, de hacer sentir mal, pierden buena parte de su valor. La crítica y el ejercicio periodístico vienen de la mano de un cariño y una preocupación por lo que está sucediendo alrededor y a veces se tienen que decir cosas difíciles pero no por ello deben de ser crueles. Con ella reforcé la creencia de que nuestro trabajo, nuestra labor como periodistas y críticos viene de la mano de la ternura y de un esfuerzo de que todos como comunidad sigamos creciendo”.

Ante éstos y otros testimonios que dan fe de la importancia de su labor, Luz Emilia Aguilar Zinser confiesa: “Me siento como una bisagra, un puente entre generaciones. Me siento afortunada de tener la oportunidad de transitar y transmitir momentos muy importantes, presenciar la fundación de instituciones para el beneficio del teatro, a cargo de personas como Héctor Mendoza, Luis de Tavira, Luisa Huertas, Julieta Egurrola, Rosa María Bianchi y, más cercanos a mi generación, David Olguín, Jaime Chabud, Enrique Singer. Gente que ha creado la Muestra Nacional de Teatro, que ha levantado la Coordinación Nacional de Teatro, ha dado impulso a la ENAT, al CUT, que le ha conferido dignidad a Casazul. Gente como Boris Schoemann y el trabajo que hemos hecho en el Teatro La Capilla, etc…”.

Agrega: “Soy afortunada de ser parte de un movimiento en el que se ha pasado la estafeta de una generación a otra; he visto un compromiso creciente y una multiplicación de personas dedicadas al teatro muy capaces y lúcidas para responder a una realidad que es inmensamente desafiante” y enfatiza, “estamos en el momento de reflexionar y profundizar sobre cuál debe ser nuestra respuesta como comunidad teatral frente a la realidad avasalladora que tenemos enfrente: cientos de miles de muertos, grandes hoyos en el estado de derecho, disminución de los presupuestos y del reconocimiento oficial a la importancia de las artes y la educación”.

Para Luz Emilia, la crítica teatral le dio una visión de la realidad del país y, sobre todo, un lugar en el mundo: “Recorrí el país entero buscando teatro, así, físicamente, llegando a los teatros. Me fascinó, me confrontó, me dolió y me generó muchos sentimientos descubrir el país tan desigual que teníamos y que tenemos. En términos de teatro se ha mitigado un poco esta diferencia entre el centro y el resto de la República y se ha multiplicado la lucidez y la capacidad de crear pertinencia, reflexión e inteligencia sobre la realidad por parte de los creadores teatrales y ese proceso que he atestiguado me ha parecido muy estimulante. Encontré lo que buscaba: poder escribir y al mismo tiempo tener una motivación muy poderosa para seguir aprendiendo, leyendo, escribiendo, pensando, investigando, indagando, a través de entrevistas y del contacto con los demás”.

En este sentido, destaca: “Me di cuenta que yo buscaba un lugar en el mundo, un lugar en el que no me sintiera rara ni fuera disruptiva. Nací en un mundo de complejidades y contradicciones, con muchas exigencias. En el teatro encontré que todos los que estamos ahí buscamos ampliar la geografía de las identidades reconocidas y que nos encontramos todos en esa conciencia de esa necesidad y eso para mí ha significado una creación de complicidades muy sana y alentadora, como crítica teatral con la comunidad teatral”.

Inició sus estudios en 1984, luego de haber visto montajes que la marcaron, como De la vida de las marionetas de Ingmar Bergman dirigido por Ludwik Margules y a principios de los noventa se metió de lleno en la crítica teatral.

Obras como Grande y pequeño de Botho Strauss dirigida por Luis de Tavira, De monstruos y prodigios de Claudio Valdés Kuri, Asalto al agua transparente de Lagartijas Tiradas al Sol, los ensayos escénicos de Alberto Villarreal y la dramaturgia corrosiva de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio son algunos de los muchos momentos teatrales que atesora.

“El momento que más me encanta del teatro mexicano es cuando veo emerger nuevas generaciones y me emociono cuando tienen una voz propia, fuerza y rigor. Describir a un nuevo autor, una nueva directora, nuevos actores, me encanta. Me emociona estar en la sala y ver a estos actores a los que he seguido durante tantos años con los que no tengo una amistad personal pero sí una amistad profesional, un respeto, una cercanía y un profundo cariño; verlos en escena como suspendidos en algo, me repite a su propia historia y a mi propia historia como su espectadora y me lleva a una sensación afectiva muy especial”.

Aunque es editora del libro Voces de lo efímero. La puesta en escena en el teatro de la Universidad (2006) y coautora junto con la fotógrafa Lourdes Grobet del libro Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena: Medio siglo de historia, sobre el trabajo de María Alicia Martínez Medrano, la periodista confiesa que la timidez es la responsable de que sus columnas y ensayos no estén aún reunidos en un libro.

Luis Mario Moncada lo dice más enfáticamente: “Su trabajo está ahí, pero desgraciadamente en las hemerotecas. Yo siempre le he dicho que tendría que ratificar esa trayectoria en antologías, en publicaciones de más largo aliento. Yo creo que ella tiene un gran material todavía guardado para ofrecernos, como el artesano que va juntando piezas en una labor cotidiana para de pronto explotar en una gran obra. Creo que ella está en esa etapa en donde tendrá que sacar a la luz la acumulación de tantos años de reflexión, que le darán un aparato crítico más sólido y de mayor alcance a su obra que es enorme, pero que está diseminada en publicaciones periódicas”.

Mientras tanto, ella sigue presenciando atenta e inquieta el devenir de la escena, que no es otro que el del mundo mismo.

Como ella misma lo reconoce: “Me ha tocado ver pasar la historia frente a mis ojos, en momentos tratar de incidir en ella, desde la trinchera del teatro y la crítica teatral”.

Y el teatro la ha visto pasar a ella ofreciéndole por completo su capacidad de asombro y entrega, dejando alma, corazón y vida en cada fenómeno observado, en cada texto publicado, en cada indagación emprendida, en cada batalla en contra de la censura y el relego, en cada transformación, por más mínima que sea, del arte del teatro, al cual se ha encargado de proteger y resguardar para luego hacerlo revivir y ponerlo al alcance de los más posibles.

“Ese vértice de saberes que significa el teatro le ha dado una riqueza enorme a mi paso por la vida”, dice Luz Emilia Aguilar Zinser, aunque bien podríamos decir que ese vértice de saberes que significa Luz Emilia Aguilar Zinser le ha dado una riqueza enorme al paso del teatro por nuestras vidas.

Por Enrique Saavedra, Foto: Raúl Kigra

La decimotercera Obra Seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro es ¡Violencia!. Esta obra, escrita por Valeria Loera y dirigida por Diana Sedano, es una coproducción entre la Compañía Nacional de Teatro y el Centro Cultural Helénico.

Desde una perspectiva femenina, este montaje nos lleva a reflexionar y profundizar en nuestras propias heridas. Violencia López, la protagonista de esta historia, y sus diferentes yos, nos invitan a ver desde el humor el desastre, la melancolía y la depresión.

El texto de Loera, ganador del Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2020, lanza una mirada sobre la parte vulnerable del ser humano. Con una actitud desfachatada y refrescante, nos recuerda que la risa es también una forma de sanar.

El público en ¡Violencia! se involucra con lo que sucede en el escenario. Durante cerca de hora y media las risas y expresiones de sorpresa o empatía llenan la sala del Teatro del Bosque Julio Castillo.

La dirección de Diana Sedano crea el fascinante mundo en el que habita Violencia. La joven directora, desde la empatía, canaliza el trabajo del elenco y del equipo creativo. Todos los elementos involucrados en el montaje fluyen hacia un mismo punto, son partes de una maquinaria que funciona a la perfección.

La coordinación de diseño de Kay Pérez; la escenografía de Anabel Altamirano; el diseño de iluminación de Melisa Varïsh; el diseño de vestuario, caracterización y peinados de Gabriel Ancira; el diseño sonoro y arreglos musicales de Carlos Matus; y la composición musical de Mireya González construyen el espacio ideal para que el elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro narre esta historia.

Este montaje ha construido a lo largo de tres temporadas una compañía sólida y vibrante. Actúan en él Daniel Giménez Cacho y Medín Villatoro alternando, además de Érika de la Llave, Mireya González, Dulce Mariel, Jorge León, Miguel Ángel López, Ana Karen Peraza, Cecilia Ramírez Romo, Irene Repeto y Mariana Villaseñor.

Para más información, horarios y descuentos de ¡Violencia! haz clic aquí.

Uno de los espacios más jóvenes con los que cuenta la capital es El77 Centro Cultural Autogestivo, donde se presentan proyectos de impacto social, en el que participan algunos de los integrantes de la Compañía de Teatro Penitenciario, quienes mantienen el compromiso de insertar a las personas que están cumpliendo condena en la comunidad, a través de la cultura.

Ubicado en una casona de la Colonia Juárez, este espacio nos invita a recorrer sus rincones. Aquí podrás encontrar una cafetería donde puedes degustar ya sea una bebida o algún snack mientras esperas tu función, también cuenta con un huerto en la azotea donde se cultivan algunos de los alimentos que utilizan en la cocina, salones de ensayo y por supuesto, un foro principal.

Si aún no conoces este lugar, aquí te dejamos algunas propuestas que se presentan actualmente en temporada para que te animes a visitarlo:

Hombre perro. Inspirada en “La historia del hombre que se convirtió en Perro” de Osvaldo Dragún, la actriz Jacinta Egaña Kaulen adapta y protagoniza este montaje que aborda el tema de la precarización laboral acompañada por música en vivo. Se presenta hasta el 11 e noviembre.

Los invisibles. Tomando como inspiración casos de artistas con destinos poco afortunados o inciertos, el montaje plantea las dificultades del quehacer artístico y la búsqueda de la identidad entre los jóvenes quienes van al encuentro de su lugar en el mundo. Se presenta los viernes de noviembre y diciembre.

Sobreviví al apocalipsis zombie y lo único que traje fue esta perra obra. A cargo de Mazapán producciones, llega esta obra que nos muestra un mundo acechado por monstruos que no son tan desconocidos. Ofrece funciones los días 20 y 27 de noviembre.

Entrar y salir, así sea por las ventanas. Este montaje del Colectivo Escénico El Arce muestra una mirada compleja del encierro y las vicisitudes de la impartición de justicia en nuestro país, en particular, en la capital. Se presenta todos los jueves de noviembre.

Conexiones. Un espectáculo interactivo donde tres historias detonantes son contadas por distintas personas, incluyendo dos del público y una del improvisador invitado. Éstas historias se entrelazan, demostrando cómo las acciones de uno afectan directamente las vidas de los demás.Las funciones son los miércoles de noviembre.

Si deseas conocer otras opciones que se presentan en este recinto, da clic, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía EL77CCA

El jueves pasado por la noche dio inicio la 43 edición de la Muestra Nacional de Teatro (MNT). Esta fiesta teatral se realiza entre el 9 y el 18 de noviembre en Jalisco. Con más de 30 propuestas escénicas, durante 10 días, artistas y compañías de 16 estados de la república se darán cita. Durante la muestra se realizan también actividades académicas y encuentros de reflexión.

La ceremonia de inauguración se llevó a cabo en el Teatro Degollado, en la ciudad de Guadalajara. El plato fuerte fue el reconocimiento a Luz Emilia Aguilar Zinser. A la investigadora se le entregó la Medalla Xavier Villaurrutia, la cual entrega la Coordinación Nacional de Teatro por su trayectoria y aportación a figuras destacadas en nuestro ámbito teatral.

Como parte del inicio de la muestra, se presentó el montaje Aleteo, escrita por David Gaitán y dirigida por Isabel Toledo. El montaje es una producción de la Compañía Nacional de Teatro, en el marco del proyecto Teatro de Arte Mexicano. La obra aborda el mito mexica que asociaba el rugido del jaguar con los movimientos de tierra. Es también una indagación sobre la casualidad y lo aleatorio.

Al recibir el reconocimiento, Aguilar Zinser, recordó la sorpresa que le causó el saber que recibiría la Medalla Xavier Villaurrutia: “Ha sido mi vocación destacar el trabajo de otros más que promover el reconocimiento propio”. Sin embargo, agregó, ha dejado crecer en ella la alegría de saber que su labor ha sido benéfica para el teatro. En este sentido, dijo sentir “una felicidad mayor me da que se reconozca la crítica, la investigación y la voluntad de escribir la historia del teatro, de un modo que despierte vocaciones para este oficio y dignifique su práctica”.

El teatro, agregó la crítica, nace como el paso del mito a la duda y de la certeza a la crisis. En este sentido, reflexionó: “De Edipo Rey y La Orestiada a Macbeth…. y esa interminable lista en la historia de la práctica escénica que ha planteado y confirmado la potencia de este fenómeno para ubicar al centro el dolor, la perplejidad, las identidades disruptivas, las que transgreden, las que enfrentan los rigores del destino, las marginadas y negadas”.

Para Luz Emilia Aguilar, “El teatro es un proceso colectivo para redefinir nuestra mirada al mundo y también y, sobre todo, para cuestionar al poder”.

Esta edición de la Muestra Nacional de Teatro la organiza la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, y la Secretaría de Cultura de Jalisco.

En el evento estuvieron presentes Lucina Jiménez López, directora general del INBAL; Lourdes González, secretaria de Cultura de Jalisco; Leonardo Daniel Miranda, coordinador nacional de Teatro;

Al entregar el reconocimiento a Luz Emilia Aguilar Zinser, Lucina Jiménez señaló que se trata de un reconocimiento: “A su capacidad de cuidarnos, de entendernos, de expresar un pensamiento crítico, en una mirada que ella misma ha construido a lo largo del tiempo. Luz Emilia simboliza esa capacidad donde la palabra influye y contribuye a la creación escénica del país, y a su labor de investigación con el Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena”.

La titular del INBAL señaló que la comunidad teatral es diversa y heterogénea. Por ello, dijo, confía en que a través de sus propuestas sea capaz de responderá ante temas como la migración y la violencia que enfrentamos.

En este sentido, Miranda Cano señaló que, en la edición anterior de la muestra, en Coahuila, ser realizó una cartografía y se delineó un paisaje de la teatralidad en México. Como consecuencia explicó, sin dejar de lado la calidad artística, en la muestra se ofrecen diversos ejes de representatividad y diversidad de nuestro teatro.

Por Óscar Ramírez Maldonado, con información INBAL y Secretaría de Cultura, Fotos: Cortesía INBAL.

Seguramente habrás notado que existen distintos tipos de teatros y foros en los que puedes ver una obra. De la disposición de estos recintos y sus características depende, muchas veces, la manera en la que se monta algún texto. Con esta nota iniciamos una serie de publicaciones en las que te iremos platicando un poco de cuáles son las características y cómo se diferencias los distintos tipos de teatros.

El teatro a la italiana es – junto con la caja negra – uno de los tipos de teatro que más se utilizan. Esta configuración de teatro consiste en un escenario que se separa de la sala por el arco de proscenio o embocadura. La sala está dispuesta de manera frontal al escenario, con el patio de butacas dispuesto en forma de herradura o también puede ser rectangular. Algunos de ellos, cuentan con varios anfiteatros o niveles y palcos.

Esta forma se origina de las pautas que estableció el Teatro Farnese, en Parma, Italia. Este recinto se construyó en 1618 y el esquema básico que originó se ha mantenido hasta nuestros días. Anteriormente, la disposición más común eran los corrales de comedia o el teatro isabelino (de los cuales en otros textos les hablaremos).

Como referencia visual de este tipo de teatro, podemos pensar en recintos como el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el Palacio de Bellas Artes, el Teatro de los Insurgentes, el Teatro del Bosque Julio Castillo o el Teatro Milán, entre muchos otros. Todos ellos se construyeron “a la italiana”, con más o menos variantes pero con el esquema básico similar.

Podemos, de manera esquemática, dividir los elementos de un teatro a la italiana en los siguientes:

• El proscenio, consiste en la parte del escenario más cercana al público.
• Arco de embocadura, con la cual se separa el escenario del patio de butacas.
• Escenario.
• Hombros, son los laterales del escenario.
• Chácena es la parte trasera o el fondo del escenario.
• Cuarto de trampas o foso, éstas sirven para que en el escenario aparezcan o desaparezcan personas u objetos.
• Contrafoso, debajo del escenario se encuentra esta especie de sótano, el cual sirve como almacén.
• Peine o parrilla es la estructura que se ubica en lo alto sobre el escenario en el cual se colocan, poleas y elementos técnicos y mecánicos necesarios para realizar una obra.
• Puente es la galería elevada que, suspendida sobre el escenario, sirve para instalar luces y otros equipos que se requieren.
• Balcones, puentes de amarre y clavijeros, ahí se manipulan tiros y barras.
• Las alturas o telar es el área sobre el escenario donde se montan elementos de la escenografía, telones y otros elementos.
• El telón, ya no necesariamente se utiliza en todos los montajes o en todos los recintos, pero este icónico elemento sirve para tapar o mostrar el escenario al abrirse y cerrarse.
• Las bambalinas son telas negras que, colocadas de forma horizontal en la parte superior del escenario, sirven para ocultar la los focos.
• El bambalinón es un una tela horizontal que constituye la parte superior de la embocadura del escenario.
• Las piernas o patas del escenario son telas verticales que se encuentran a los costados del escenario y sirven para ocultar a los actores y otros elementos de escenografía y utilería.
• El telón de fondo es una tela que cubre la chácena o pared de fondo del escenario.
• Fosa de orquesta es en donde se ubica la orquesta o el grupo que interpreta la música en vivo de las obras. Normalmente ese encuentra justo frente al proscenio y es un espacio hundido.
• Concha de apuntador es una cubierta en el área del proscenio, oculta a la vista del público, en la cual el apuntador si es necesario ayuda a las y los intérpretes con sus líneas.
• Los camerinos son las habitaciones exclusivas para intérpretes y artistas. Ahí se pueden preparar previo a la función o al terminar la función quitarse vestuario y maquillaje.
• En un teatro también están las cabinas técnicas y de control, en ellas realizan su trabajo iluminadores y técnicos de sonido.
• Tramoya (sistema mecánico para realizar cambios en escenografía), contrapesos, cuerdas  y  bastidores.
• Puentes de maniobras, galerías de tiro o pasos de gato son las plataformas en las que los tramoyistas realizan su trabajo.
• Patio de butacas, plateas, anfiteatros y palcos son el espacio destinado para que el público disfrute de la función.

Ahora ya conoces un poco más sobre los recintos teatrales en los que disfrutas de musicales, comedias y dramas, además de algunos conciertos. Durante las próximas semanas te hablaremos de otros tipos de teatro y las partes que los integran.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Este lunes Alexis Ayala y Cinthia Aparicio anunciaron el próximo estreno de Las mujeres son de Venus y los hombres ¡ni madres! en el Nuevo Teatro Versalles. La pareja, acompañada de César Ferrón, autor y director de la obra, y Miguel Briones, coproductor junto con la actriz, platicaron con los medio de comunicación sobre el montaje.

La coproductora e intérprete de la obra, Cinthia Aparicio compartió que se trata de una nueva aventura en su carrera. La cual, agregó, está feliz de compartir con el productor Miguel Briones y con su esposo, el actor Alexis Ayala.

Alexis Ayala señaló que está contento de con esta obra “crecer como pareja y como actores” al lado de Cinthia Aparicio. Agradeció también al productor Miguel Briones por abrir caminos con un espacio como es el Nuevo Teatro Versalles. Consideró que  tanto hombres como mujeres se verán reflejados en la obra y que se divertirán. “Es una obra para verse, es una obra para estar aquí, para reírse, para identificarse, y sí se van a llevar algún tema de sobremesa, que eso es lo más importante”, señaló.

Agregó que Las mujeres son de Venus y los hombres ¡ni madres! “tiene muchas cosas para que la gente venga y la disfrute”. Sobre todo, dijo, cuenta con “un elenco con ganas de abrirse, de contarse, de expresarse y de mostrarse. Aquí no van a haber máscaras, van a ver a Cinthia y a Alexis en algunos momentos, y en otros van a ver a personajes en distintas circunstancias”.

Sobre el tema de esta obra, reflexionó, todos los seres humanos tienen que darse la oportunidad de  vivir el amor. En este sentido, agregó: “Pero el amor no funciona si no hay trabajo interior, si no hay una escucha, si no hay un respeto, si no hacemos el ego a un lado”.

Tanto Aparicio como Ayala coincidieron en que al trabajar juntos aprenden uno del otro. Además, destacaron que el director les ha permitido, siempre respetando el texto, incluir cosas de ellos en la obra como pareja.

Sobre la obra, César Ferrón señaló que si bien hace 14 años que se estrenó la obra, en cada temporada ésta se actualiza. Al respecto, destacó que la obra se trata de una farsa y un divertimento en el que las situaciones se abordan de manera divertida y natural.

Ferrón, explicó: “Trata, principalmente, sobre las relaciones en pareja, las diferentes etapas en una relación, desde una amistad, un noviazgo, cuando finalmente se casan. Es esta situación, este mito que existe, que ha existido siempre, de que a las mujeres nadie las entiende. Jugamos mucho con ese tipo de situaciones. Situaciones divertidas, situaciones comunes. Me ha tocado en las diferentes temporadas que he montado esta obra que el público se identifica con diferentes escenas”.

Miguel Briones, coproductor de la obra, destacó que la meta que tiene junto con Cinthia Aparicio, su socia, es hacer crecer a este proyecto. En este sentido dijo: “Hacerlo nuestro, como los soñamos, y posteriormente que comience a caminar solo. Le tenemos mucha fe”.

El productor adelantó que para las últimas semanas de enero de 2024 tienen la intención de llevar la obra a otras plazas del país. Al respecto, señaló que ya se tiene pláticas con varias de ellas, seguramente, apuntó “empezará por las más cercanas, Pachuca, Puebla, Toluca, etcétera, para posteriormente irnos con más plazas”.

Para más información, horarios, boletos y descuentos de la obra, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Hace 10 años, en 2013, el reconocido actor británico Kenneth Branagh llegó a las noticias al ser víctima de la maldición de “La tragedia escocesa”. Durante el Festival Internacional de Manchester, en una representación de Macbeth, de William Shakespeare, Branagh hirió a un compañero de reparto durante una escena de combate. La cuestión no pasó a mayores y el actor fue atendido después de la función en el hospital (pues se negó a abandonar la obra, mostrando su profesionalismo). Esta noticia le recordó al mundo la maldición que sobre la célebre obra se dice que existe.

El mundo del teatro está lleno de supersticiones, como evitar vestir de color amarillo o en lugar de desear buena suerte desear mucha mierda. Pero ninguna de estas genera más temor que la de pronunciar el nombre de Macbeth dentro de un teatro. Esto ha hecho que la obra sea conocida, entre la gente de teatro, como “La tragedia escocesa”. Parte de la leyenda dice que tampoco se deben recitar más de tres estrofas de la obra.

Esta superstición tiene origen, según los estudiosos, en la época en la que el dramaturgo situó la obra. La tragedia se ubica en el siglo XVI cuando reinaba Jacobo VI en Escocia, quien estaba obsesionado por la brujería. También hay quien dice que se debe a que los hechizos que utilizó el dramaturgo fueron conjuros reales utilizados por brujas. Otra teoría dice que a las brujas de la época no les gustó verse retratadas en la obra y lanzaron una maldición.

El origen de la maldición es materia para otro texto, que seguramente pronto compartiremos en nuestro sitio. Lo que te queremos contar es que, así tan macabro como se oye todo, Pausa Dramática y Nocturno Teatro llegan con una obra que nos muestra que una maldición también puede ser cosa de risa. Se trata de Macbeth Mabel, una tragicomedia escocesa, de Emiliano Dionisi, bajo la dirección de Alonso Íñiguez.

Acá les damos tres razones por las cuales no se deben de perder este montaje.

1. Una adaptación tremendamente afortunada. El ensayista, poeta y dramaturgo Alfonso Reyes consideraba que lo que ve cada uno, incluido el autor, en un trabajo literario es distinto siempre. “De aquí que cada ente literario esté condenado a una vida eterna, siempre nueva y siempre naciente, mientras viva la humanidad”, decía el intelectual mexicano. Esta cita aplica a la perfección a Mabel. Su autor y todo el equipo que participa en ella logra tomar en sus manos una de las tragedias más oscuras, que hablan de los aspectos más sombríos del ser humano, y transformarla en una comedia divertida, luminosa y que sale de lo común.

2. Dos intérpretes, muchos personajes. Adriana Montes de Oca alternando con Angélica Bauter y Santiago Zenteno dan vida a un sinnúmero de personajes, tantos, que uno pierde la cuenta. El texto de Dionisi resuelve de manera efectiva cómo narrar las situaciones con apenas dos personas en el escenario. Los intérpretes ejecutan a la perfección cada escena y el público se mantiene riendo durante todo el montaje. Es un espectáculo en sí mismo ver a Angélica o Adriana (según sea el caso) y a Santiago recorrer, literalmente, el foro entero para dar vida a los personajes.

3. El encanto de lo simple. La ficción en esta obra nos planeta un escenario controlado y sencillo. Una actriz y un actor con los elementos indispensables, pero sobre todo seguros, para narrar esta peligrosa historia. Sin embargo, detrás de ello hay un meticuloso trabajo de todo el equipo creativo. Lograr este efecto, con elementos que funcionan como una precisa maquinaria, involucra el diseño de escenografía de Mauricio Arizona; del vestuario diseñado por Anabel Ortega; el diseño sonoro de Fernando Sisniega y Alan Muciño; el combate escénico coordinado por Ramón Cadaval; y los efectos especiales de Promedsa.

Este montaje nos deja el buen sabor de boca que deja una propuesta honesta y refrescante. La obra nace de una necesidad personal de todo el equipo que en ella participa. Nos comparten, en el programa de mano, que después de la pandemia sabían que “uno de nuestros regresos a los escenarios debía ser con una obra que sacara sonrisas después de tanta oscuridad”. El objetivo lo cumplen cabalmente con esta obra.

Así que ya lo sabes, si tienes ganas de disfrutar una comedia que transita de los diálogos ingeniosos a una trepidante comedia física, Mabel es una magnífica opción. Además, al ingresar a la sala te regalarán un lindo obsequio que seguramente, no querrás quitarte aunque ya haya finalizado la función.

Para más información de Mabel, horarios y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Sarah Kane fue una figura destacada en el panorama teatral contemporáneo, no solo en el Reino Unido, sino a nivel mundial. Su impactante y vanguardista enfoque, repleto de escenas violentas que rozan lo poético, dejó una huella imborrable en la historia del teatro.

Actualmente podemos conocer un poco de esta autora con Cleansed, a cargo de 25 producción quien fue la responsable de traer a México esta historia, traducida por Fernanda Del Monte, dirigida por Sixto Castro Santillán con las actuaciones de Rodrigo Virago, Eduardo Tanús, Norman Delgadillo, Angélica Bauter, Edgar Alonso, Penny Pacheco, Alberto San Agustín Sombras, Alejandro Arreola, Enrique Cervantes, Andrés Carmona.

Para conocer un poco más sobre este icónica figura de los años 90, te contamos algunos detalles acerca de su vida y obra:

1. Nacida en Essex en 1971, Kane demostró un apasionado interés por el teatro desde temprana edad. A lo largo de su juventud, exploró diversas facetas del hecho escénico, desde la actuación hasta la dirección, pero fue en la escritura donde encontró su vocación y dedicó sus esfuerzos hasta el final de sus días.

2. Sus obras “Blasted“, “Cleansed” y “4.48 Psychosis“, desafiaron convenciones y exploraron temáticas profundas y perturbadoras. De igual forma, reflejan sus obsesiones personales con la muerte, las drogas y la desesperación. Sin embargo, estas temáticas se universalizan a través de personajes comunes y corrientes, mostrando su convicción de crear desde lo individual para conectar con lo universal.

3. A pesar de su corta carrera, las obras de Kane se convirtieron en referentes académicos en el ámbito europeo. Teatros como el Pradilla en España dedicaron ciclos enteros a la representación de su obra, evidenciando su impacto perdurable. Lo mismo ocurrió en Alemania, donde hubo 17 producciones simultáneas de su trabajo.

4. Kane es reconocida como una de las dramaturgas más representadas en Europa y Sudamérica, sus obras han trascendido fronteras, siendo traducidas a varios idiomas, como alemán, francés, italiano, español, catalán, polaco, griego, danés y portugués, entre otros.

5. La vida de Sarah Kane estuvo marcada por una profunda depresión que la llevó a múltiples hospitalizaciones. Después de tres intentos fallidos de suicidio, se quitó la vida a los 28 años, utilizando los cordones de sus zapatos en un hospital. Este hecho quedó expresado en 4.48: Psicosis, su última obra.

6. Cleansed marcó un hito al estrenarse en el Royal Court en abril de 1998, bajo la dirección de James Macdonald. En ese momento, se destacó como la producción más costosa realizada por el recinto. Años después, en 2016, esta obra trascendió al National Theatre de Londres, consolidando otro momento significativo en el legado de la autora inglesa.

7. Este montaje está inspirado por la provocadora cita de Roland Barthes: “estar enamorado es como estar en Auschwitz” (campo de concentración nazi). Está dedicado a los pacientes y al personal  del hospital psiquiátrico donde la propia autora fue atendida en varias ocasiones.

Sin duda, es una autora que continúa generando reflexiones sobre la naturaleza del teatro, la psique humana y la búsqueda artística en medio de la oscuridad. Si deseas acercarte a la propuesta de esta autora, Cleansed se presenta los martes y miércoles hasta el 27 de diciembre en el Teatro Milán.

Por Itaí Cruz, Foto: Wikipedia

En un mundo donde reina “la normalidad”, Toto & Pez, un montaje dirigido a niños a partir de 6 años, nos invita a cuestionar la homogeneidad y celebrar la diversidad, permeado de hermosas escenas, colores y una trama que roza lo poético, como si estuviéramos dentro de un bello cuento.

Esta obra, dirigida y escrita por Luis Eduardo Yee, nos sumerge en la vida de Toto, un pájaro que elige volar a su propio ritmo, dejando de lado los convencionalismos y dejándonos entrever mensajes valiosos sobre la aceptación, la empatía y la importancia de permitir que cada ser sea libre de decidir su camino en la vida.

Si bien se presenta como una obra familiar, no cabe duda de que los adultos también podrán disfrutar de esta propuesta que contiene diversas frases que logran conectar con su niño interior.

1.El valor de la autenticidad. Toto nos enseña que la diversidad no solo es hermosa, sino esencial. Al elegir no volar como los demás, Toto abraza su singularidad y desafía las expectativas preconcebidas. La trama resalta la importancia de celebrar las diferencias y fomentar un ambiente donde cada individuo pueda ser auténtico, incluso en un mundo que insiste en la conformidad.

2.La imaginación como motor de la libertad. A través de su imaginación, Toto nos recuerda el poder transformador de los sueños y cómo la creatividad puede ser el motor que nos impulsa hacia una vida llena de posibilidades. Fomentar la capacidad de soñar y explorar la imaginación en la infancia, sin duda, resultará en adultos con libertad y creatividad en el futuro.

3. Rompiendo las expectativas. Los padres de Toto, especialmente su papá, representan la lucha entre las expectativas parentales y la individualidad de un hijo. En este punto, la obra les habla a los padres y madres sobre la importancia de comprender y aceptar a sus hijos tal como son, incluso cuando sus elecciones y caminos difieren de las expectativas establecidas.

Toto & Pez es una experiencia teatral entretenida para niños y adultos, y nos sirve como un recordatorio conmovedor sobre la importancia de volar, como las aves, a nuestro propio ritmo, la obra se presenta sábados y domingo, hasta el 10 de diciembre en el Teatro El Granero del CCB, consulta más información aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Roberto Sosa y Alma Curiel

Este fin de semana, reúne a tus amigos, familiares o pareja y elige entre una variada selección de obras que abarcan desde comedias hilarantes hasta dramas profundos,  donde podrás vivir un mundo de emociones y actuaciones excepcionales, y lo mejor de todo con nuestras exclusivas promociones en Descuentos Cartelera.

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Por Itaí Cruz

Actualmente se encuentra en temporada 2:22 una historia paranormal. Se trata, más que una obra de terror, de un thriller psicológico. El montaje, bajo sus propias reglas, tiene en común con otras obras y películas de este tipo que va construyendo una historia que sorprende a la audiencia. Como público no podemos dar nada por sentado en este montaje.

Las actuaciones de Diego Klein, Alejandra Ambrosi, Erika de la Rosa y Jorge Losa poco a poco nos van presentando a cada uno de los personajes y desarrollando sus historias. Bajo la dirección de Gabriel Mata-Cervantes es un montaje que cuida todos los elementos para ir generando una atmósfera propicia.

Como toda obra, este montaje tiene una serie de datos interesantes a su alrededor. Aquí te los contamos.

1. Huevos de pascua durante su desarrollo. Al ir avanzando la historia, sus creadores nos presentan más de 20 pistas que, si prestas atención, te pueden revelar el final. Muchas de estas pistas las descubres al finalizar la historia y entiendes que estaban ahí como un guiño. Otras de ellas, muchos espectadores las descubren hasta la segunda vez que ven este montaje.

2. Primera vez en Hispanoamérica. La obra se estrenó en el 2021 en el Westend de Londres. Su título original en inglés es 2:22 a Ghost Story. México es el primer país de habla hispana al que se le otorgaron los derechos para presentarse.

3. Inspirada en historias reales. En el texto de esta obra se retoman historias que sus escuchas le narraron al autor. Éstas se pueden oír en el podcast del autor de la obra, Danny Robins. Lo puedes buscar con el nombre de Haunted.

4. Un rápido éxito alrededor del mundo. 2:22 una historia paranormal ya se ha presentado en varios países del mudo. Además de México, la obra cuenta se ha montajdo en Londres, Los Ángeles, Suecia, Budapest y Corea. Hay un fuerte rumor de que en 2024 la obra llegará a Broadway.

5. Magia en escena. La obra en México cuenta con efectos de magia, diseñados por uno de los productores de la obra: Antonio Calvo.

Además de todo esto, la versión mexicana de la obra cuenta con efectos sonoros y música originales. El equipo creativo de la obra incluye a Félix Arroyo en la escenografía, César Perrín en el diseño de iluminación y Antonio Calvo en el diseño de audio.

Así que ya lo sabes, si eres un apasionado de la obras de terror o de misterio psicológico, 2:22 es para ti. En ella encontraras todos los elementos necesarios para estimular tu imaginación e ir descubriendo los secretos que encierra esta obra.

Para más información de 2:22 una historia paranormal, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Sergio Carrasco.

Este puente vacacional del 20 de noviembre es una oportunidad perfecta para que acudas a ver aquella obra que por trabajo, escuela o falta de tiempo, no has podido ver, durante esta lunes, las compañías teatrales nos brindan la oportunidad de comenzar la semana con un sinfín de propuestas para públicos de todas las edades.

¡Aprovecha este día de descanso y lánzate a ver cualquiera de estas obras!

Leonardo. Dirigida y escrita por Rodrigo Murray, ofrece una mirada única a la vida del genio renacentista. Con la impactante escenografía de Sebastián, reconocido escultor, y un enfoque divertido pero reflexivo, la obra invita al público a cuestionar la percepción común de las grandes personalidades de la historia y a reflexionar sobre su propia humanidad. La cita es a las 20:30 horas en el Teatro Xola.

Anastasia, el musical. Este montaje está inspirado en la película animada de Fox, nos sumerge en las frías calles de San Petersburgo, así como las hermosas calles de París, cada lugar nos hará viajar en el tiempo donde conocerás a una joven, llena de miedos e inseguridades, está en búsqueda de sus orígenes, su identidad, situación con la que cualquier persona puede identificarse. La cita es a las 17:00 horas en el Teatro Telcel.

Escape room. Aquí seguirás la historia de cuatro amigos que buscan una noche divertida en un Escape Room, pero su diversión se convierte en una pesadilla cuando la puerta se cierra y eventos inexplicables comienzan a desencadenarse, que desafiarán no sólo su amistad, también su cordura, emprendiendo una férrea lucha por salir indemnes de la habitación. La cita es a las 18:00 horas en el Nuevo Teatro Libanés.

Toc Toc. Una divertida comedia que nos relata el momento en que 6 pacientes con diferentes trastornos obsesivos compulsivos (TOC) se encuentran en la sala de una afamado psiquiatra, mientras esperan intentarán resolver sus turbaciones, que resultan en un sinfín de situaciones hilarantes. La cita es a las 18:00 horas en el Teatro Ignacio López Tarso.

Orlando y Mikael: Los Arrepentidos. Este montaje escénico recrea un documental que presenta las historias de Mikael y Orlando, ambos de sesenta años, quienes participan en un diálogo emotivo y profundo. En él, comparten sus experiencias de arrepentimiento tras someterse a una operación de reasignación de sexo con el objetivo de convertirse en mujeres. La cita es a las 20:00 horas en el Foro La Gruta.

EScortita la vida. Bajo la dirección y actuación de Minerva Valenzuela, “ladelcabaret”, esta propuesta cabaretera no solo ofrece un recorrido por las distintas etapas del trabajo sexual en la Ciudad de México, sino que también busca desactivar prejuicios y dignificar la vida de las trabajadoras sexuales,  acompañada por una cuidadosa selección de canciones representativas de diversos estilos y épocas. La cita es a las 20:00 horas en el Foro Shakespeare.

Si deseas conocer otras opciones en lunes, da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Fher Carmona y cortesía Teatros Ciudad de México

Leonora Carrington se ganó un lugar destacado en el arte y la cultura de México. La pintora surrealista dio a su obra un toque muy reconocible. Leonora incursionó también en la literatura y en el teatro. Fue una creadora potente e incansable.

A mi memoria vienen dos momentos que involucran una de sus obras, parecía que su imaginación tenía esa capacidad de desbordar a la realidad. En el año 2000 pude ver de cerca cómo su escultura el Cocodrilo, que donó a la Ciudad de México, fue colocada en una fuente en Chapultepec. Una grúa levantó la obra que parecía flotar entre los árboles del viejo bosque. Seis años después, la escultura se mudó al Paseo de la Reforma, colocada sobre un camión descubierto, la barca parecía navegar por la importante avenida en su camino a su nueva casa. Sus pequeños cocodrilos parecían fascinados por la ciudad – como turistas – mientras el gran cocodrilo parecía guiar con mano firme la canoa entre el tráfico.

Antes de llegar a México la pintora pasó por países como Italia, Francia y España, en esta última sufrió de experiencias que la marcarían de por vida. Es este episodio del que nos habla, en Leonora (Oratorio sonámbulo en las tierras de España), el dramaturgo español Alberto Conejero (La piedra oscura, Los días de la nieve). Actualmente esta obra se presenta en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario. Bajo la dirección de Juan Carrillo, actúa Carolina Politi.

Aquí te damos tres razones por las cuales debes ver Leonora.

1. Un momento que fraguó la personalidad creativa de la pintora. Conejero narra los violentos episodios que vivió Leonora Carrington en España. Desde su difícil ingreso al país, la violación grupal de la que fue víctima en Madrid y su reclusión en una institución psiquiátrica en la que sufrió de brutales tratamientos. Nos muestra una faceta de la artista antes de que encontrara en México un hogar.

2. El ejercicio de la memoria desde el presente. Alberto Conejero es un dramaturgo que indaga en la memoria para hablarnos de temas fundamentales. En México anteriormente hemos visto su obra Los días de la a nieve, dirigida por Kerim Martínez y protagonizada por Carmen Vera, el cual es un homenaje a Josefina Manresa, esposa del poeta Miguel Hernández y a quien debemos que haya rescatado su memoria y su voz. Anteriormente, bajo la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui, pudimos disfrutar de la Piedra oscura. Una conmovedora obra sobre el poeta granadino Federico García Lorca. Esta obra obtuvo en el 2017 el premio a Mejor dramaturgia en los Premios de Público Cartelera de Teatro. Ahora, en Leonora el autor rescata la memoria de la pintora surrealista y la marca profunda que su experiencia en España, pero también el paisaje de aquel país dejó en ella.

3. Leonora toma forma ante nuestros ojos. En este poema escénico, basado en las memorias que la misma Leonora dejó, se va dibujando ante nuestra mirada la artista. Carolina Politi presta su cuerpo y rostro a Carrington. Su voz es la voz de la pintora y nos conmueve. Es una experiencia escénica que nos hace sentir la presencia de nuestra querida Leonora.

Este unipersonal es ideal para quienes disfrutan de un montaje bien cuidado. Quienes gusten de la historia y de profundizar en lo más profundo de personajes como Leonora disfrutarán, sin lugar a duda esta obra. El diseño espacial y de iluminación son de Mario Eduardo de León, la música es compuesta por Erika Vega y el diseño sonoro es de Jorge Valdivia.

Para más información del montaje, horarios y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Este tipo de teatro se ha vuelto bastante común. Su versatilidad ha hecho que en muchos complejos teatrales se incluya en sus instalaciones. Ejemplo de ello son el Teatro Milán – Foro Lucerna, los teatros del Centro Cultural Universitario y el Centro Cultural Helénico. Todos ellos, además de su teatro principal, cuentan con un foro de este tipo.

Es un formato relativamente nuevo, pues se introdujo en los Estados Unidos a principios del siglo XX, por los grupos de vanguardia. Es aproximadamente en la década de los años 20 de ese siglo que Adolphe Appia, diseñador suizo, crea el concepto de un recinto escénico que pudiera ser flexible. El primer escenario de este tipo, según los registros con los que se cuenta, estuvo en la casa del actor Gilmor Brown en Pasadena, California. Este espacio distaba todavía mucho de lo que hoy conocemos como una caja negra.

El teatro de caja negra es básicamente un espacio sencillo, un recinto cuadrado o rectangular con piso plano y paredes negras. Esto permite que se configure de distintas maneras ya disposiciones del público: teatro en la ronda o arena; en escenario de empuje, también llamado escenario de plataforma o abierto, en el cual el público se extiende por tres lados; y escenario de empuje modificado, entre otros.

Una de sus ventajas es que son de fácil mantenimiento y construcción. Son ideales para montajes que tiene requerimientos técnicos básico y con escenarios limitados.

Si bien se popularizaron en los años 60 del siglo pasado como espacios de ensayo y para propuestas experimentales, muy rápido se han convertido en un espacio imprescindible en el teatro.

Un espacio de este tipo, además de las características que ya comentamos, cuenta con rejillas de tubería sobre ellos, o pasarelas y rejillas de tensión, en los cuales se dispone la iluminación y otros elementos que se usen durante el montaje. También cuentan con una cabina técnicas y de control para el manejo de la iluminación y el sonido.

Algunos ejemplos de este tipo de espacio son el Foro Lucerna, el Foro la Gruta, el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, el Teatro Santa Catarina, entre otros.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Extravíos sexuales de la clase media es parte del DramaFest 2023, que este año convoca a Canadá y al estado de Chihuahua. El festival nace hace 19 años, con el impulso de Aurora Cano, actual directora artística de la Compañía Nacional de Teatro, como un esfuerzo para procurar el intercambio en materia de teatro contemporáneo.

Como señaló hace algunas semanas al presentar la edición de este año Nicolás Alvarado, productor del DramaFest, al crearse “fue un semillero de dramaturgia mexicana, lo ha sido a lo largo de estos 19 años”. En este sentido, la nueva directora del Festiva, Raquel Araujo, ha destacado que las propuestas incluidas este año buscan proporcionar un panorama amplio de expresiones que puedan “engarzar con las poéticas de ambos países”.

La obra escrita por Hannah Moscovitch y dirigida por Valeria Fabbri es un montaje absolutamente pertinente. A partir de una anécdota que durante muchos años se ha normalizado, echa una mirada sobre un tema que se debe hablar y discutir.

La historia de un profesor universitario de 42 que mantiene una relación con una alumna de 19 años, que años después se reencuentran en los tiempos del MeToo, es nos invita a iniciar una reflexión profunda.

Aquí te decimos 3 razones por las cuales no te debes perder esta obra.

1. Los límites de lo legal y lo ético en un sistema patriarcal. Hannah Moscovitch abre la discusión sobre este tema, sobre los límites de lo legal y lo ético en el contexto de un sistema patriarcal y de privilegios. Es un reclamo agudo que a través del humor nos lanza una pregunta que estamos obligados a responder. La potencia de este texto está en la lectura que hace de un tema complejo y perturbador, nos confronta a partir de la risa y nos habla como sociedad.

2. Una dirección solvente y empática. La dirección de Valeria Fabbri aborda con solvencia plena un texto complejo. Se adueña del espacio del Teatro El Granero y de la temporalidad del texto para narrar esta historia. En 11 escenas nos cuenta una historia que nos provoca como audiencia. Es una dirección empática que entiende y desarrolla los mecanismos que dentro del texto disparan la risa, pero también la reflexión.

3. María Kemp y Fernando Villa Proal. Los intérpretes de este montaje habitan plenamente sus personajes. Les dan vida sin juzgarlos, evolucionan con ellos a lo largo de once años de sus vidas. Son capaces de, sin transiciones ostentosas, llevarlos por un periodo de tiempo relativamente amplio. Los vemos transitar sutilmente por distintas etapas de sus vidas.

La directora del montaje ha dicho sobre este texto que es “maravilloso, brillante e inteligente”. Se trata de una descripción muy acertada de lo que podemos ver sobre el escenario, en donde, además, el trabajo creativo de Javier Ángeles en la escenografía, de Xóchitl González en la iluminación, Pilar Boliver en el vestuario e imagen y Silvestre Villaruel en la música, nos entregan un trabajo redondo y que se disfruta.

Para más información de Extravíos sexuales de la clase media, horarios y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Después de 10 días, el sábado 18 de noviembre concluyó la Muestra Nacional de Teatro (MNT), evento que tiene el objetivo de reflejar una amplia variedad de perspectivas y a una comunidad teatral diversa.

“Anhelamos que este ejercicio de representatividad pueda sostenerse y nutrirse, porque entre más diversa es la oferta, más refleja el país el cual pertenecemos”, enfatizó Laura Iveth López, una de las integrantes de la Dirección Artística de esta edición número 43.

La programación permitió disfrutar de la gran diversidad del teatro mexicano: formas de teatralidad, diversidad de géneros, geografía, diálogo intergeneracional, temáticas, entre otros.

“Hoy miramos juntos el horizonte, este paisaje de las prácticas escénicas en nuestro país, de sus necesidades y del ímpetu esperanzador por remediarlas. Esperamos haber contribuido a generar espacios seguros, que la programación nos haya permitido reflexionar, dialogar y sentir. Que en la conversación hayamos sido capaces de reconocer las diferencias y disidencias que nos unen para pasar de la queja -que encontramos necesaria- a la acción participativa”, añadió López, en representación de la Dirección Artística.

Entre los eventos destacados de esta edición estuvo la entrega de la Medalla Xavier Villaurrutia a Luz Emilia Aguilar Zinser, reforzando la idea de que la crítica influye y contribuye a la creación escénica del país.

“Nos ha acompañado con su mirada crítica y nutriente en el ejercicio que ahora reconocemos como fundamental para fomentar procesos de diálogo”, se apuntó durante la clausura.

Además, se reconoció la participación de los Jóvenes a la Muestra, los 32 participantes que fueron elegidos de cada uno de los Estados del país y que fueron ‘el pulso’ de esta fiesta teatral.

“Con su agencia en el presente redirigieron nuestra mirada al futuro, nos empujan con fuerza y convicción a cambiar el rumbo, a repensar las formas y el lenguaje”, compartió Laura Iveth.

Un crisol de realidades

Durante la edición 43 de la MNT se exhibieron 31 trabajos de 16 Estados; algunos contaron historias universales, como Nana (Estado de México), que mostró la historia de una niña cuya vida se ve impactada por el Alzheimer de su abuela; mientras otras reflejaron realidades locales, como Des/Territorios (Coahuila) que invitó a reflexionar cómo nos relacionamos con el lugar donde vivimos y cómo construir otras posibilidades para habitar territorios más amables, o A lo Mejor te Encuentro (Michoacán), un monólogo sobre una mujer que intenta encontrar a su esposo desaparecido.

Para las jóvenes audiencias, destacaron montajes como Acá en la Tierra (CDMX), donde se cuenta la historia de Lolo, quien no se identifica como niño ni como niña, sino como extraterrestre y que resultó uno de los trabajos más aplaudidos tanto en la función como durante la clausura; ¿Por qué la gallina cruzó el camino? (Estado de México) en la que dos pequeñas intentan cruzar ‘al otro lado’ para encontrar a su padre.

Así como el Sueño de Amal, un proyecto creado por las productoras británicas The Walk Productions y Good Chance en colaboración con la South African Handspring Puppet Company, y cuya marioneta de 3.5 metros simboliza a una niña se ha convertido en un símbolo de los derechos humanos, especialmente de los refugiados.

Los viajes de Amal buscan llamar la atención sobre la gran cantidad de niños que huyen de la guerra, la violencia y la persecución. La presentación en la MNT tuvo lugar en el Museo Cabañas, el museo más importante del Estado de Jalisco y cuya sede es el Hospicio Cabañas. Al final del espectáculo, Daniel Miranda Cano, el Coordinador Nacional de Teatro, le entregó a la compañía una placa conmemorativa.

“Bienvenida, Amal. Abrazamos tu recorrido, abrazamos el mensaje de esperanza que significa algo para todos y abrazamos este diálogo creativo que hay con la comunidad de la Muestra Nacional de Teatro y con la comunidad de creadores y creadoras de Jalisco”, señaló Miranda.

Otro evento sin duda destacado fue la presentación de La Conjura, montaje donde participaron más de 75 personas y que fue resultado del Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena de X’ocen en Yucatán, con la intención de destacar y promover la importancia del teatro como medio para preservar y transmitir la riqueza cultural de las comunidades indígenas y campesinas de México.

La obra muestra otra perspectiva sobre las castas y la guerra de Yucatán en la que los mayas fueron castigados y expulsados de su territorio. El texto y dirección es de Delia Rendón, a partir del relato ‘La Conjura’ inspirada en
La Conjura de Xinum.

El porvenir

Finalmente, la Dirección artística de la MNT reconoció que para seguir caminando se necesitan procesos de colaboración y responsabilidad compartida entre las instituciones públicas y la comunidad artística, además de lograr las condiciones para que ‘todas, todes y todos estemos representados’.

“Existen numerosos grupos vulnerables a quienes esta fiesta también les pertenece y que hoy no están. El encuentro de reflexión e intercambio nos dejó aprendizajes y asignaturas completas. Acordamos trabajar en protocolos para atender las violencias, en razón de género, en generar espacios para sistematizar los haberes que construyen el teatro comunitario, la construcción de una cartelera nacional que interpele a nuestros públicos, así como la integración de un consejo consultivo conformado por personas que involucren a la creación del hecho escénico para incidir en la redacción de políticas públicas. Nada sobre nosotres, sin nosotres”, concluyó la Dirección Artística.

Finalmente, se anunció que la nueva sede será Baja California Sur, donde se realizará la edición número 44.

Numeralia

• 450 proyectos se evaluaron para ser considerados
• 31 obras se presentaron de 16 estados
• 10 mil asistentes hubo en la Muestra
• 90 actividades
• 400 participantes
• 200 personas trabajaron en la producción y logística
• 19 sedes
• 600 traslados

Por Mariana Mijares, Fotos: Cortesía INBAL/Raúl Kigra

El martes por la noche se llevó a cabo la alfombra roja y el estreno para prensa de El Padre. El maestro Luis de Tavira y Fernanda Castillo encabezan el elenco integrado por Pedro de Tavira, Emma Dib, Ana Sofía Gatica y Alfredo Gatica. El inicio oficial de la temporada  del montaje, dirigido por Angélica Rogel, convocó a miembros de la comunidad teatral para disfrutar de la producción de Alejandro Gou, Guillermo Wiechers y Óscar Uriel. Al finalizar la función el elenco y el equipo creativo recibió una prolongada ovación de pie por parte del público.

A la función asistió el autor de la obra, Florian Zeller. Al término de la misma, el dramaturgo y director dijo que estar contento y conmovido por poder compartir ese momento con la producción. En este sentido, dijo: “Es una bellísima producción, amé todo: el diseño de producción, la iluminación, la música, la actuación, fue realmente un momento hermoso. Esta es la obra que escribí hace más de 10 años, la he visto en muchos países y creo que, probablemente, esta es una de las más bellas producciones que he visto. En verdad quiero agradecer a Angélica por su trabajo, y a todos ustedes por su gracia, su belleza y su don, es verdaderamente un momento especial”.

Por su parte, Alejandro Gou manifestó estar feliz y orgulloso por poder estar en el teatro Fernando Soler y tener como socios a Óscar Uriel y Guillermo Wiechers. Compartió además que es un honor producir con un elenco como el de esta obra, encabezado por Luis de Tavira.

Por su parte, Guillermo Wiechers agradeció a los asistentes por estar en el teatro y “conmoverse con nosotros”. Destacó que una característica muy especial de este montaje es la presencia del maestro Luis de Tavira. En este sentido, señaló que, entre muchas lecciones, el maestro De Tavira le ha hecho entender la característica más importante de un actor. En alguna plática, recordó, le dijo que, por encima de todo, es “que sea una buena persona, en este sentido, tienen ante ustedes a seis magníficos actores”.

Finalmente, Óscar Uriel destacó el privilegio de trabajar con este equipo creativo, el elenco y con la directora Angélica Rogel. “Vernos inmersos en este universo creado por Florian Zeller, tan lúdico, tan divertido en ocasiones y doloroso mientras el mundo arde. Nos sentimos muy privilegiados de estar aquí”, puntualizó.

Coincidió con Gou y Wiechers en el privilegio de contar con Luis de Tavira como parte del elenco. “Cada función, todo esto que ven aquí, todo el talento invertido, todo el trabajo, es para construir un marco, un marco hermoso para darle al maestro Luis de Tavira”, expresó.

Para más información, horarios y descuentos de El padre, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Hoy se celebran 140 años del nacimiento del pintor y muralista José Clemente Orozco. Orozco fue una figura fundamental en las artes plásticas de la primera mitad del siglo XX en México. Sin embargo, una faceta no tan conocida del pintor, nacido en Ciudad Guzmán, Jalisco, en 1883, es la que se relaciona con el mundo de la escenografía y el diseño de vestuario. Durante la última etapa de su vida, a través de su amistad con Gloria y Nelli Campobello, Orozco trabajó para el Ballet de la Ciudad de México.

Su obra la podemos ver en los muros del Bellas Artes, el Hospicio Cabañas, el Colegio de San Ildefonso, y en muchos otros espacios públicos. Su obra de menores dimensiones la podemos disfrutar en colecciones como la del Museo de Arte Moderno o el Museo de Arte Carrillo Gil, en éste último, existe trabajo del pintor dedicados a la danza y su trabajo escenográfico. Recientemente, en el Museo Nacional de San Carlos, algunas de sus obras se presentaron en la exposición La noche nos pertenece.

Prácticamente toda la obra del pintor en el campo de la escenografía, permaneció en la colección de la escritora y coreógrafa Nellie Campobello. Ella fue fundadora en 1914 del Ballet de la Ciudad de México. Una buena parte de la producción escenográfica se perdió a raíz del secuestro y la muerte de la bailarina. En 1984 la escritora desapareció junto con valiosas obras de Diego Rivera y José Clemente Orozco. Años después se descubrió que fue secuestrada y que murió en 1986.

Algunos de los trabajos de escenografía de Orozco lograron ser recuperados y quedaron bajo la custodia del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura.

Entre las escenografías que diseñó están las de las coreografías La coronela y Umbral. Se tiene registro de que en 1949, en el Palacio de Bellas Artes se realizó la Exposición de Escenografía Mexicana Contemporánea, en la cual se incluyeron diseños tanto de escenografía y vestuario creados para el Departamento de Producción Teatral del INBA. Ahí se presentaron trabajos de José Clemente Orozco, Diego Rivera, Agustín Lazo, Juan Soriano y Carlos Mérida, entre otros artistas plásticos.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: FB MACG ACERVO | JOSÉ CLEMENTE OROZCO, “BOCETO PARA BALLET I”, 1945. TEMPLE SOBRE CARTULINA. COLECCIÓN SC/INBAL/MACG. Boceto destinado a formar parte de la escenografía de la obra de teatro “Umbral”.

Desde los orígenes del teatro, hablar sobre la maternidad ha sido una fuente de inspiración para numerosas obras teatrales, que van más allá de los clichés convencionales, ya que es un concepto intrínseco como la experiencia humana.

Estas representaciones sirven para desentrañan los diversos aspectos de la crianza materna, y espejearnos ante lo que vemos en escena, ya sea una hilarante comedia o un drama profundo, todas nos brindan una mirada colmada de emociones.

Actualmente podemos encontrar en cartelera diversas obras que nos hablan de este tema, y por ello, te hemos armado una selección para que escojas alguna de ellas y te lances al teatro.

Casa calabaza. Esta propuesta dramática nos adentra en el mundo íntimo y doloroso de Maye Moreno, cuya niñez y adolescencia estuvo marcada por la soledad y el sufrimiento. Aquí, la autora nos presenta su entorno familiar disfuncional, envuelto en una terrible tragedia que logra sacudirnos del principio al fin. Hasta el 28 de noviembre en el Foro Shakespeare.

Una buena madre. A través de la comedia, este unipersonal reflexiona sobre las complejidades y expectativas que con frecuencia recaen en la madre en el contexto de la crianza. A partir de la historia de una mujer dedicada al hogar, quien descubre por sorpresa, que su hijo lidera un grupo criminal. Se presenta de jueves a domingo, hasta el 17 de diciembre en la Sala Xavier Villaurrutia.

Mamá se fue a la luna. De forma emotiva, esta propuesta narra las vicisitudes y experiencias de una familia mexicana, pero con un ligero cambio, pues es la madre quien deja a los hijos al resguardo del padre y la abuela, hecho que marca a todos sus integrantes. Las funciones son los jueves hasta el 28 de diciembre en el Foro Lucerna.

Los huevos de mi madre.  Un melodrama musical que nos presenta la ruptura matrimonial, vista desde la visión masculina, así como el importante papel que juega la madre en la crianza de sus hijos. Se mantiene en temporada los miércoles en el Teatro Jorge Negrete.

La casa de Bernarda Alba, el musical. Un montaje clásico que pone de manifiesto temas como la opresión femenina, la búsqueda de la libertad individual, así como las repercusiones de la represión social en la vida de las mujeres durante los primeros años del siglo XX, sin embargo, algunos de ellos siguen imperando en nuestra cotidianidad. Todo se desencadena a partir de la rigidez impuesta por la matriarca después de quedar viuda. Ofrece funciones martes y miércoles en el Teatro Sogem Wilberto Cantón.

Sin duda, estas obras nos ofrecen una oportunidad única para reflexionar sobre nuestras propias experiencias, ya sea a través de risas contagiosas o lágrimas conmovedoras, estas representaciones capturan la esencia de una de las experiencias más significativas de la vida: ser madre.

Por Itaí Cruz, Fotos: Isael Almanza y FB Los huevos de mi madre

En el vasto y misterioso mundo del teatro, las supersticiones han tejido su propio telón de tradiciones y creencias a lo largo de los siglos, más allá de las luces brillantes y el aplauso del público, los actores y equipos de producción han abrazado rituales y precauciones en un intento de conjurar la mala suerte y garantizar un desempeño exitoso.

Este vínculo entre lo sobrenatural y la escena nos revela la fascinante y arraigada relación entre las supersticiones teatrales y la búsqueda eterna de la magia escénica.

Evita vestir de amarillo. Este color ha sido desterrado del escenario, y su prohibición tiene sus raíces en un trágico incidente ocurrido en febrero de 1673. Durante el estreno de “El enfermo imaginario”, el renombrado dramaturgo francés Moliére, vestía de amarillo, se sintió enfermo y falleció minutos después en su hogar. Desde ese fatídico día, el amarillo se considera un color vetado en el teatro. Incluso figuras prominentes como Oscar Wilde sufrieron las consecuencias de esta superstición, incapaces de estrenar obras como “Salomé” (1958), ya que la mayoría de los bocetos escenográficos contenían este color.

“Mucha mierda”. Esta es la expresión más famosa en el ámbito teatral. Seguramente, la has escuchado alguna vez, especialmente antes de que inicie la función. Aunque resulta un tanto convencional y malsonante para aquellos no familiarizados con el teatro, se utiliza como un deseo de buena suerte antes de entrar en escena, con la creencia de que todo saldrá de manera favorable. En caso contrario, se teme que ocurra lo opuesto.

No a los claveles. Es habitual que los actores reciban antes o al término de la función un ramo de flores, pero jamás claveles. Esta superstición proviene del siglo XIX, en esa época, las contrataciones eran por temporada y la manera de avisarles si su contrato había sido renovado era enviarle un ramo de rosas; si, por el contrario le enviaban claveles, era una sutil forma de decirles que estaban despedidos.

Prohibido decir Mac*th. El sólo pronunciar su nombre es sinónimo de mala suerte. Su mala fama surgió el mismo día de su estreno en 1606, cuando el actor que interpretaba a Lady Macbeth se enfermó y murió súbitamente. Después en 1703, cuando fue estrenada en Londres, Inglaterra fue embestida por una terrible tormenta que es considerada como la peor en su historia. Otro percance conocido, fue el que sufrió el actor Charlton Heston quien fue víctima de quemaduras en ambas piernas, mientras realizaba la representación de la obra.

Espejos en escena. Es ampliamente conocido que la rotura de espejos se asocia comúnmente con siete años de mala suerte y el ámbito teatral, no es la excepción. Los espejos son considerados elementos riesgosos debido a su potencial para generar problemas técnicos con las luces, distraer a los actores y, como consecuencia, originar una serie de malentendidos durante la representación.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cartelera de Teatro y cortesía producción

Antes de 1560 no existía en España e Hispanoamérica el concepto de un edificio destinado a las representaciones teatrales. Éstas se realizaban tanto en palacios, en los salones o patios de casas particulares,como en plazas públicas, en patios de hospitales, en algunos almacenes y posadas, e incluso en las calles.

Para la última mitad del siglo XVI y el siglo XVII surge el corral de comedias. Se trata de un modelo de teatro público de carácter permanente, instalado normalmente al descubierto en patios y corrales interiores. En ellos se representaron las obras del Siglo de Oro, con autores como Lope de Vega, Calderón de la Barca y Tirso de Molina.

Se les llama corrales por el espacio físico que ocupaban. Mientras que el término comedias, se refería a cualquier obra teatral de cualquier género, ya fuera tragedia, drama o comedia. El único corral de comedias que en España se conserva íntegro es el de Almagro, sede del Festival Internacional de Teatro Clásico.

En México uno de los recintos de este tipo que mejor se han conservado es el Teatro Gregorio de Gante en el Tecali de Herrera, en Puebla. El nombre de muchos de estos recintos en tierras americanas cambió a coliseos. El Coliseo de la Ciudad de México se construyó entre 1671 y 1673 a un costado del Hospital de los Naturales, que se ubicaba en lo que hoy es Eje Central y la Calle Victoria.

Estas estructuras para representaciones teatrales tenían una organización que respondía a la jerarquía de los grupos sociales. De acuerdo con esto se distribuía el público en su interior. Básicamente estos corrales contaban con un tablado que servía como escenario, éste y las gradas laterales a veces podían estar protegidas por un techo voladizo. Una de las primeras innovaciones que se introdujo en este tipo de recintos fue la instalación de un toldo para proteger del sol al patio, esto también lograba una luz homogénea en todo el recinto. Este tipo de recintos tiene ciertas similitudes con los teatros isabelinos (de los cuales hablaremos en nuestra siguiente entrega).

Las partes que un corral de comedias podía incluir eran:

• Tablado o escenario. Se ubicaba al fondo del patio y podía contar con una trampilla para accede al foso.
• Tertulia. Era un sencillo hemiciclo de dos niveles que separado por el patio se ubicaba justo frente al escenario. Ahí había espacios especiales para el clero, autoridades, nobles, burgueses y otros personajes notables, entre ellos los palcos, aposentos y desvanes.
• Cazuela. Se ubicaba al fondo, debajo de la curia municipal, ahí se colocaban las mujeres.
• Palcos alojeros. Se ubicaban debajo de la cazuela, en la galería baja a los costados del zaguán de entrada. En ellos se vendía aloja, una bebida preparada con agua, miel y especias.
• Patio. Aquí se ubicaban los hombres, quienes veían la obra de pie y también se le conocía como “mosqueteros”.
• Toldo. Gran parte de los corrales contaban con uno, como ya dijimos, además de proteger al público, creaba una luz uniforme, ya que las representaciones ser realizaban de día para aprovechar la luz.

Estos, con ciertas variantes, eran los elementos con los que contaba un corral de comedias. Como dato adicional, en México, la Compañía Nacional de teatro construyó en 2012 La Corrala del Mitote. Se trata de un dispositivo escénico itinerante pensado para ubicarse en plazas públicas, y que integra características inspiradas tanto en los corrales de comedia como en los teatros isabelinos.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro.

Este jueves inicia temporada La Guerra Fría, escrita por Juan Villoro y dirigida por Mariana Giménez. El Teatro Estefanía Chávez Barragán (antes Carlos Lazo), de la Facultad de Arquitectura de la UNAM será el recinto donde se presente la obra.

El texto de Villoro narra la historia de un confinamiento voluntario de una pareja mexicana que se encuentra en crisis. El Gato y Carolina, un rockero en decadencia y una actriz de performance, viajan a Berlín de los años ochenta, en donde se refugian en su bunker okupa.

En conferencia de prensa la directora del montaje, acompañada por Mariana Gajá, Bernardo Gamboa y Jacobo Lieberman, quienes integran el elenco de la obra, así como Bruno Gutiérrez (integrante del taller de estudiantes que realizó la pieza escenográfica Autoconstrucción, de Abraham Cruzvillegas) y Malena Mijares, coordinadora de Difusión Cultural de la Facultad de Arquitectura, platicaron sobre el proyecto.

Mariana Giménez explicó que la obra se estrenó en 2019 en el Museo Rufino Tamayo. “Cuatro años después tenemos una puesta en escena totalmente nueva, el teatro es hoy. Muchas cosas pasaron desde el 2019: Una pandemia, guerras, no muy buenas noticias. Sin embargo, estamos aquí tratando de reinventar nuestra realidad, esta apuesta de Juan por la pareja”.

En este sentido, consideró la directora, si bien la obra trata de una pareja y de un triángulo, habla también de un territorio dividido, Berlín Occidental en los ochenta. Es una obra, reflexionó, profundamente territorial y que habla mucho de fronteras. Al respecto, señaló: “Luego de esta crisis hay una oportunidad, finalmente hay una posibilidad, se abre una grieta. Este marco de esta creación en la destrucción, en ir al límite o más allá. Juan la platea justo como si, para crear estos espacios de libertad, de autonomía, la provocación es asomarse al vacío siempre y cuando no sucumbas ante él, esa es la posición de Juan cuando escribe esta obra”.

Giménez señaló que se trata de una obra que – si bien habla de otros temas – sí tiene un peso político. El marco geográfico e histórico, con Berlín y el muro, que se presente dentro de la UNAM, consideró, le dan un peso político que se divide en muchos ámbitos.

En este sentido, coincidió Bernardo Gamboa, quien consideró que el texto de Villoro tiene un juego entre el Berlín dividido y la pareja dividida. Es, explicó, “como si hubiera una analogía entre esta política y la pareja, no es gratuito”, pues si bien no habla todo el tiempo de eso la obra, hay “un guiño”.

En este sentido, Mariana Gajá explicó que su personaje es una actriz que “como nos suele pasar de pronto en esta profesión tan amada, pero de pronto tan inestable, no se encuentra y cae en momentos de crisis creativa, y de pareja”. Se trata dijo: “De una personaja muy border, que siempre está buscando el límite” y llevar las situaciones al extremo y al conflicto. Esto es un gran reto actoral, pues tiene que pasar por muchos estados de ánimo, pero también provoca mucha adrenalina.

En otro tema, Gajá destacó que presentarse en este recinto es muy relevante, pues en el sótano de arquitectura se dieron los inicios del performance en los años 80, “es el inicio de un movimiento y volver con esta obra que toca este tema también es muy bello”.

Por su parte, Jacobo Liberman comentó su personaje es una figura ambigua entre lo paternal y lo sexual. El destino de éste, lo hizo reflexionar como intérprete sobre cómo la gente puede llegar a tomar una decisión como el suicidio. Agregó, además, sobre la música, de la cual es autor e intérprete, para este remontaje es más oscura y más atmosférica, con más capas, lo cual la aleja un poco de la música que compuso para el la temporada anterior.

Sobre la pieza escenográfica, Mariana Giménez destacó el hecho de que haya sido construida por un taller dirigido por Abraham Cruz Villegas en territorio de la UNAM y con materiales que ya no tienen un uso dentro de las instalaciones universitarias. “Era una provocación muy especial que sea este espacio, y que hayan sido convocadas las escuelas, que los estudiantes puedan poner su mirada sobre el presente, sobre el futuro, respecto a qué significa la intimidad”.

En la elaboración de esta pieza, participaron 20 estudiantes provenientes de la Facultad de Arquitectura, de la Escuela Nacional de Arte Teatral y de la Facultad de Arte y Diseño. En ella se usaron elementos del Departamento de Bajas de la UNAM. “Conceptualmente tenía un peso enorme, porque nos preguntábamos como podemos autoconstruir, así se llama la pieza, a partir de los últimos acontecimientos y todo el remanente”, señala Giménez.

Todo el proceso y la procedencia de los materiales generó muchas preguntas sobre el mundo que se ha dejado a las nuevas generaciones, de cuáles son las nuevas ideas de vivir en pareja, de vivir en comunidad y sobre nuestras ideas de territorio, puntualiza la directora.

En este punto, Bruno Gutiérrez señaló que el taller lo integraron jóvenes de distintas escuelas. “Nosotros íbamos apropiando estas piezas que ya no se les veía una utilidad en un espacio, para darles una segunda vida en un espacio que es la pieza escénica”, dijo.

Mariana Giménez destacó que el que esta obra se presente en la UNAM es para ella muy importante, pues habla de confinamiento y territorios autónomos. En este sentido, dijo: “A mí me llegó la figura muy rápido de Alcira (Alcira Soust Scaffo), esta mujer poeta que pasa 12 días encerrada en el baño de hombres de la Torre de Humanidades cuando la ocupación militar en territorio autónomo, entonces, nos hacía todo el sentido”.

La coordinadora de Difusión Cultural de la Facultad de Arquitectura, Malena Mijares, señaló que con el estreno de La Guerra Fría se de un relanzamiento en las actividades escénicas del Teatro Estefanía Chávez Barragán, que se ha rebautizado así en honor a la fundadora de la carrera de Urbanismo en la facultad. “Tras la pandemia, tras un paro académico que tuvimos, y tras todas las cosas que, bien señala Mariana, han ocurrido en los últimos años, y que no han sido buenas, y han sacudido muchos cimientos sobre los que estábamos habituados a trabajar, de pronto esta es una oportunidad para la facultad”, destacó la funcionaria universitaria.

La Guerra Fría tendrá temporada del 30 de noviembre al 9 de diciembre y del 25 de enero al 24 de febrero de jueves a sábado. Para más información haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro

Florian Zeller ha sido calificado por la revista Time como “el dramaturgo más apasionante de nuestro tiempo“. El francés ha escrito trece obras, es además novelista, director teatral, guionista y director de cine. Como director cinematográfico, debutó en 2020 con gran éxito.

El Padre, protagonizada por Anthony Hopkins y Olivia Colman, fue la ópera prima como director en cine del autor. El filme le dio seis nominaciones en la 93 edición de los Premios de la Academia, incluyendo a Mejor Película. Finalmente, Zeller ganó el reconocimiento a Mejor Guión Adaptado y Hopkins el Óscar para Mejor Actor.

El texto originalmente fue escrito y estrenado en 2012. Florian Zeller dirigió el montaje con un elenco encabezado por Robert Hirsch e Isabelle Gélinas en el Teatro Hébertot, de París. La obra se ha montado además en Londres, Nueva York, Los Ángeles, Sídney y más de 45 países. Ha obtenido varios premios y reconocimientos en París, Londres y Nueva York.

Actualmente, con un elenco encabezado por el maestro Luis de Tavira y Fernanda Castillo, bajo la dirección de Angélica Rogel, El Padre se presenta en el Teatro Fernando Soler.

En esta obra su autor crea un universo hermoso y lúdico que se va oscureciendo, divertido en ocasiones y otras veces doloroso. Es un texto estremecedor y entrañable, que, por sí solo, es una razón para ver este montaje. Sin embargo, hay muchas mucha más razones para ver esta versión producida por Alejandro Gou, Óscar Uriel y Guillermo Wiechers.

Podríamos hablar del elenco compuesto por Fernanda del Castillo, el maestro Luis de Tavira, Pedro de Tavira, Emma Dib, Ana Sofía Gatica y Alfredo Gatica, que están extraordinarios todos. O de la música original de Hans Warner que crea la atmósfera precisa para que todo encaje. O el vestuario diseñado por Natalia Seligson que por encima pone las necesidades del elenco para su interpretación. Sin embargo, aquí les compartimos, solamente tres razones para ver El Padre.

1. El maestro Luis de Tavira. No podemos iniciar con otra razón que no sea Luis de Tavira dando vida a Andrés, el protagonista de esta historia. Un hombre que va perdiendo la memoria. Con ella se va perdiendo la memoria de las personas que ama, su capacidad de percibir la realidad y comprenderla, y, con todo ello, se va perdiendo a sí mismo. El maestro de Tavira alcanza una actuación potente, empática y conmovedora. Como él mismo señaló en algún momento al hablar de esta obra, su interpretación nos recuerda que “no hay memoria solitaria, la memoria es la memoria del otro”. Es una actuación que cada noche nos recuerda por qué los productores del montaje han dicho una y otra vez que esta obra es un homenaje para la trayectoria del director, actor y dramaturgo.

2. Sensación de memoria dislocada. La escenografía diseñada por Jorge Ballina y la iluminación de Ingrid SAC generan un espacio que refleja el espacio mental de Andrés. En un entorno poético y hermoso que se va desdibujando, le permite al público compartir con el protagonista la confusión y la angustia que atraviesa. Los recursos que se ponen en el escenario crean la sensación de memoria dislocada, de conexiones que se rompen y hacen cortocircuito. Es, como en contadas ocasiones vemos con tal cuidado y nivel de detalle, un trabajo estéticamente bello que está totalmente al servicio de la obra, y que funciona.

3. Visión clara y precisa. Cuando el diseño de arte y producción, la escenografía e iluminación, el vestuario y la música, junto con todos los elementos se ven sobre el escenario – y los que no vemos como audiencia – forman un todo sólido hay un motivo además de un talentoso equipo: la dirección. Angélica Rogel refrenda con este trabajo el gran momento por el que atraviesa. Su visión es clara, precisa, parece saber exactamente a qué destino quiere llevar cada proyecto. Conoce y utiliza los elementos necesarios para lograr que el texto escrito por Zeller alcance toda la dimensión y potencia que encierra.

Ya lo saben, esta es una de las obras más esperadas del año. Les podemos decir que no queda nada a deber y cumple con las expectativas. Se presenta de viernes a domingo en el Centro Teatral Manolo Fábregas, ubicado en la colonia San Rafael. Corran a verla.

Para más información, horarios, descuentos y boletos haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cortesía El Padre.

Este miércoles se realizó la entrega de los Premios Metropolitanos de Teatro en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Como Mejor Obra de Teatro ganó Indecente, mientras que la categoría de Mejor Obra de Teatro Musical se la llevó Sweeney Todd: El Barbero Asesino de la Calle Fleet.

Indecente obtuvo durante la jornada un total de 5 reconocimientos, incluido Mejor Dirección para Cristian Magaloni, Mejor Actriz Femenina Principal para Ana Guzmán Quintero, Mejor Ensamble en una Obra de Teatro o Musical, Mejor Diseño de Escenografía para una obra para Emilio Zurita. Con esto, el montaje cierra un gran año de premios que inició el 29 de abril pasado cuando obtuvo en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2023 el premio como Mejor Obra, Mejor Dirección, Mejor Actriz, Mejor Diseño de Arte y Mejor Dramaturgia. En octubre pasado, en los Premios ACPT, el montaje obtuvo también 5 reconocimientos, incluida Obra del Año.

Sweeney Todd obtuvo además los reconocimientos de Mejor Dirección de un Musical para Miguel Septién; Flor Benítez, Mejor Actuación Femenina Principal en un Musical; Diego Enríquez como Mejor Actuación Masculina de Reparto en un Musical; Jimena Parés, Mejor Actuación Femenina de Reparto en un Musical; Mejor Diseño Sonoro para un Musical, para Miguel Jiménez; y Mejor Diseño de Vestuario para un Musical, Giselle Sandiel.

La categoría de Mejor Actuación Masculina Principal en una Obra la ganó Alejandro Morales por Algodón de Azúcar. El equivalente de esta categoría en musical lo obtuvo Nelson Carreras por Todo el mundo habla de Jamie. Ésta última, también obtuvo Mejor Diseño de Escenografía para un musical, para Jorge Ballina y Antonio Saucedo Azpe, además de Mejor Diseño de Iluminación para un Musical para Félix Arroyo.

Desde Cero, un musical improvisado ganó como Mejor Comedia, y Karla Morales y Jerry Velázquez obtuvieron el reconocimiento de Mejor Actuación Femenina de Reparto en una Obra y Mejor Actuación Masculina de Reparto en una Obra, respectivamente.

El premio a Mejor Diseño de Iluminación para una Obra lo ganó Patricia Gutiérrez Arriaga por La reina de belleza de Leenane. Giselle Sandiel, además ganar en la categoría de musical, ganó en la categoría de Mejor Diseño de Vestuario para una Obra por Algodón de Azúcar.

Además se entregó un Premio a la Trayectoria a la maestra Margarita Sanz. La actriz agradeció a su madre pues le enseño “a crear mundos diverso y a vivir dentro de ellos”. En este sentido, agregó: “Sin no fuera por ella yo no hubiera aprendido a cambiar el color de las cosas”. Agradeció a su padre, a sus maestros que la “enseñaron a usar creativamente su mundo interno” y todas las personas “que tienen que ver con un proyecto teatral, que me han acompañado en mi vida como actriz”.

El resto de las ganadoras fueron:

• Premio al Espacio Independiente: Centro Cultural El Hormiguero.
• Mejor Obra para Público Joven: El misterioso caso de las sombra.
• Premio al Mérito GNP: Teatro de los Insurgentes.
• Premio Ciudad de México: Teatro Por Doquier.
• Mejor Espectáculo de Cabaret: Cómo deconstruirse del Patriarcado sin morir en el intento.
• Mejor Espectáculo Unipersonal: El efecto mariposa.
• Premio del Público a la Experiencia Teatral del Año: Todo el mundo habla de Jamie.
• Dramaturgia Mexicana: La negociación, de Flavio González Mello 
• Mejor adaptación de obra o musical:  Liz sí trata, Jaime Chabaud y Paola Izquierdo.
• Mejor composición original para un musical mexicano: Ricardo Díaz y Roberto Estrada, Caperucita Roja, súper cuento musical.
• Mejor composición musical original para una obra: Hans Warner, La reina de belleza de Leenane.
• Mejor Diseño de Video: Héctor Cruz, Trino en la búsqueda de su poder interior. 
• Mejor Diseño Sonoro para una Obra: Genaro Ochoa, Algodón de Azúcar.
• Mejor Coreografía y/o Movimiento para un Musical: Hugo Curcumelis, Todo el mundo habla de Jamie.
• Mejor Coreografía y/o Movimiento para una obra: Vicky Araico, Lobas.

Por Óscar Ramírez Maldonado.

Este jueves, en la Casa Fuerte del Indio Fernández, se anunció el concierto para conmemorar el 35 aniversario del musical mexicano ¡Qué plantón! El concierto se realizará el 13 de febrero en el Auditorio Nacional. Para presentar parte al elenco, los productores Kazzu Kataoka, Antonio Escobar y el Instituto de Reinserción Social de la Ciudad de México, a través de su titular Arturo Morell, presentaron un número musical y una conferencia de prensa.

Memo Méndez y Marina del Campo escribieron en 1989 este musical que habla del ambiente y de salvar al planeta. Destaca la importancia de crear una conciencia sobre nosotros mismos y de lo que aportamos al mundo.  Ambos creadores estuvieron durante la presentación del proyecto.

Memo Méndez consideró que estar con este equipo de gente tan profesional es muy emocionante. En este sentido, recordó a  Juan Canedo, quien “empujó inicialmente toda esa gran planta que sigue creciendo”.  Hoy para gran sorpresa, comentó, está floreciendo de una manera increíble. “No puedo creer que después de tantos años, a los 66, el universo me esté regalando esta nueva oportunidad con esta obra de teatro que ha sido muy significativa para México”, finalizó.

Kataoka destacó que del elenco original contarán con Héctor Mujica, Gerardo González y Laura Cortés. Se suman a este proyecto el cantante Fedro, Adrián Cué, Beto Castillo,  Sheyla, Ime Garza y Morgana Love. El productor adelantó que entre cada número musical habrán “intervenciones de las musas del teatro”, una de ellas, la primera actriz Angélica Aragón que estuvo presente en el evento. Se adelantó que muchos de los invitados se irán dando a conocer durante las próximas semanas.

Angélica Aragón dijo que integrarse “a esta compañía maravillosa, talentosísima, multitudinaria”, la hace muy feliz. Revivir un espectáculo tan vital es muy importante en este momento,  reflexionó la actriz, pues fue punta de lanza en relación al tema ecológico y el día de hoy estamos ante un desastre ecológico a nivel mundial. “Con la cantidad de energía y entusiasmo” con que se hace esta propuesta tiene que causar un impacto mayor que hace 30 años, consideró. “La responsabilidad que tienen las nuevas generaciones de arreglar el problema, de tener participación activa, proactiva en tratar de revertir el daño que le hemos hecho a este planeta, creo que se motivará mucho más con un espectáculo como éste”, dijo.

Una participación muy importante en este evento será la de miembros de la Compañía Teatral de Personas Liberadas como parte del ensamble. “El teatro se convierte en la mejor herramienta para transformar las emociones“, señaló  Arturo Morel.  Como parte de la conferencia de prensa varios integrantes de la compañía compartieron su historia de vida y la manera en la que el teatro cambió sus vidas.

El productor Antonio Escobar destacó a “tantas almas que están aquí” y que se están sumando a una voz para hacer conciencia de que nos estamos acabando al planeta.

Kazzu Kataoka, en entrevista por separado, explicó que lo que verá el público el 13 de febrero es un concierto. Si bien no tendrá diálogos, entre cada determinado número de canciones entran “las musas”, dijo. Las musas son, informó, el productor, Anna Cioccheti, Angélica Aragón, Susana Alexander e Issabela Camil, para contar lo que está pasando.

Durante el concierto, en cada número se presentará un cuadro visual diferente. Además, se contará con nuevos arreglos musicales para las canciones y próximamente se anunciará quien interpretará el tema principal.  Kazzu Kataoka adelantó que esta versión de concierto, con elenco rotativo, se presentará por toda la República. Al terminar este periodo, aproximadamente en el 2025, dijo el productor, espera presentar una temporada del montaje teatral completo en la Ciudad de México.

El concierto contará con coreografía de Javier García. Además, el bailarín y coreógrafo internacional Raúl Tamez tendrá una participación especial al montar, con los integrantes de la Compañía de Personas Liberadas, un número especial.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto:  Cartelera de Teatro.

Nos acercamos a la recta final del año, el cual viene cargado con una ecléctica colección de obras de teatro decembrinas y pastorelas que buscan capturar la entrañable esencia de la celebración más esperada del año: La Navidad.

Desde clásicos relatos que han perdurado a lo largo de generaciones hasta nuevas interpretaciones, estas obras nos transportarán a mundos llenos de espíritu navideño.

Estas son las obras que están por levantar el telón:

– Un milagro para Juana. Personajes extravagantes y situaciones cómicas se mezclan en esta antipastorela que promete hacerte pasar por un gran momento, mientras nos recuerda que la magia de la Navidad también puede ser una celebración llena de risas. La temporada arranca este viernes 1 de diciembre en el Teatro Tepeyac.

– La conversión del diablo. Bajo la dirección de Martín Acosta, actores y actrices del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro estrenan esta puesta, que forma parte del proyecto Teatro de Arte Mexicano, basada en el mito de la conquista espiritual de México. La obra comenzará su temporada 1 el diciembre en el Teatro del Bosque Julio Castillo. 

– Frosty, un muñeco de nieve. El creador Jimmy Tort dirige esta puesta dirigida al público infantil que nos cuenta la mágica historia de Frosty, el encantador muñeco de nieve que cobra vida gracias al deseo de un niño, llenando de amor y espíritu navideño a toda su familia. La obra levantará el telón este 3 de diciembre en el Nuevo Teatro Versalles.

– Un cuento de Navidad, el musical. Esta producción que nos cuenta una de las historias navideñas por excelencia, llegará en formato musical encabezada por el actor y comediante, Adal Ramones en el papel de Ebenezer Scrooge, quien estará acompañado por un gran elenco. Las funciones comenzarán el 8 de diciembre en el Teatro San Rafael.

– Diablo que canta no muerde. Como parte del Festival Navideño de La Titería, llega esta pastorela cabaretera que presenta a unos divertidos diablos rebeldes que desean ser rockeros y audicionar para el Hell and Heaven. Aquí los pequeños escucharán melodías que van desde rock, cumbia hasta guapango. La obra se escnificará el 9 y 10 de diciembre en Centro Cultural La Titería.

¡Con estas propuestas estamos listos para cerrar el año con mucho, mucho teatro!

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía CNT y PinPoint 

Conchi León ha obtenido reconocimiento con textos y puestas en escena que nos hablan de las tradiciones de su tierra, Yucatán. Es un teatro en el que convive lo poético y lo coloquial, lo testimonial, la vida de la mujer. El teatro fue en su vida, desde muy pequeña, un llamado.

“Desde muy niña tenía ese deseo, solamente que mi mamá era una mujer muy controladora y no quiso que estudiara teatro”, nos dice en entrevista.

Hoy Conchi es una reconocida actriz, directora y docente teatral, fundadora de la compañía de Teatro Sa’as Tun y ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores. No siempre fue así, inició a los 15 años tomando talleres de teatro y pantomima. La escritura teatral llegaría después, un poco como casualidad, y en un inicio enfrentó críticas y rechazo a su trabajo.

Platicamos con Conchi León sobre estos y otros temas en nuestra entrevista a la directora del mes.

A través de la dramaturgia pudo acercarse más al teatro

Desde los 7 años Conchi León deseaba estudiar Teatro. Sin embargo, su madre no se lo permitió, en lugar de ello la puso a estudiar danza. En este sentido, la directora y actriz recuerda que su madre “era algo gordofóbica” y para ella la idea de la danza es que “bajara de peso”. Sin embargo, narra, “decía que a los 18 me iba a dejar hacer lo que quisiera, pero a los 15 ya estaba harta de mí, ya me dejó, y pude entrar a un taller de teatro y de pantomima”.

Para Conchi, ingresar a estos talleres gratuitos fue su manera de iniciar en el teatro. “Yo vengo de una familia con muy pocos recursos, entonces esa era mi única posibilidad de estar, en espacios que no implicaran gastos para mi mamá”, comparte.

En un inicio el trabajo de Conchi León fueron las obra de teatro para niños, “después ya fuimos haciendo otras obras con una mirada un poco más regional, un poco más hacia lo que pasa en las comunidades”. La dramaturgia llegó como consecuencia de este público infantil, nos platica. Cuando la actriz comienza a dar clases a niñas y niños, éstos le piden que les escriba. “Yo no me consideraba escritora de teatro en ese tiempo y afortunadamente el INBA lanzó tres diplomados de dramaturgia”, recuerda. En este sentido, agrega, que fue seleccionada y pudo estudiar estos tres diplomados que se realizaron en distintos lugares.

Esta experiencia, destaca, le permitió además conocer a otros artistas como Richard Viqueira o Luis Sanitllán, y acercarse más al teatro.

Rechazo a lo regional

Ante las dificultades de hacer teatro en ese momento, Conchi comienza a escribir y dirigir sus propias obras para actuarlas. Esto le permitió, poco a poco, trabajar con otros artistas, escribir y dirigir para ellos. “Suena sencillo, pero la verdad es que al principio fue bastante complicado”, nos dice la artista yucateca.

En un principio el trabajo de Conchi León sufrió rechazo. “Los intelectuales rechazaban mi trabajo porque hablaba de Yucatán, ellos decían que eso no era intelectual, que era paisajista”, nos comparte.

En este sentido, nos confiesa, tuvo que enfrentar comentarios agresivos y sumamente gordofóbicos: “Me llegaron a decir que era Polo Polo con huipil”. Rememora que en una de sus primeras obras aparecía una hamaca, y dijeron “que lo que se veía del teatro yucateco es que las hamacas yucatecas aguantan klios, y kilos, y kilos de amor”.

Otro obstáculo que enfrentó, señala, es que había una generación muy sólida que no permitía la entrada de otras personas. Al respecto, rescata: “Fue bastante complicado, la verdad. Sin embargo, por fortuna, también había otra mirada del teatro que no tenía estos prejuicios, ni estos temores ante los artistas que estábamos emergiendo”.

Esta época complicada, nos confiesa Conchi León, la hizo cuestionarse si para tener un lugar en el teatro debía de dejar de hablar de su raíz y de Yucatán. Llegó a pensar si debía hablar de temas “intelectuales, pero por fortuna no me salen, entonces seguí hablando de Yucatán, de México, y curiosamente eso hizo que mi teatro tuviera espacio en diferentes festivales, en distintas partes del mundo”.

Hay que aprender a mirar con respeto y con generosidad lo que los otros quieren decir desde su teatro

Sobre este tema, Conchi nos dice que de pronto hay grupos y artistas emergentes que cuestionan los moldes preestablecidos y lo rompen. Ante estas nuevas propuestas es importante, señala, no caer en la vieja discusión de “si es teatro o no es teatro”, sino abrir un nuevo panorama y una nueva visión para admirar con respeto y con detalle lo que ofrecen estas nuevas generaciones.

“Yo creo que hay que aprender a mirar con respeto y con generosidad lo que los otros quieren decir desde su teatro”, reflexiona la creadora. En este sentido, agrega, debemos liberarnos de los estereotipos y de una pretensión intelectual que “realmente no sirve para mucho”. Lo que se debe hacer es “ser testigos de los sucesos teatrales”.

Un producto muy poderoso

Recientemente dos proyectos en los que participa Conchi León acaban de finalizar temporada: Comala, Comala, una adaptación libérrima de Pedro Páramo en la cual realizó la dramaturgia y es una creación colectiva; y Rosy, de la autora brasileña Cecilia Ripoll, en la cual actuó bajo la dirección de Alejandro Velis. Además, se está presentando Esta Boca es mía, de su dirección y autoría en el Teatro La Capilla.

Sobre Comala, Comala, León nos platica que es un estudio de música y teatro sobre la novela de Rulfo. “Al principio decíamos que es un musical, pero no es un musical en forma”, destaca. En esta propuesta participan siete artistas, la música es de Pablo Chemor y la protagoniza María Penella. “La verdad es que me parece que logramos un producto muy poderoso, y me atrevo a decirlo porque es una creación colectiva, no es algo que haya hecho yo solamente”.

Una comedia negra que cuestiona la justicia

Rosy, que terminó temporada, nos dice que estuvo acompañada de un “elencazo como Teté Espinoza, Anton Araiza, que hacen un trabajo espectacular, Muriel Ricard, Juan Cabello, Romani Villacaña y yo soy la protagonista”. Experiencias como esta, nos confiesa, la complacen mucho, pues cuando la invitan solo a actuar y no son sus obras “no estoy en cinco pistas”. Rosy, agrega, es una obra muy pertinente, una comedia negra que cuestiona la justicia y si está bien hacer lo correcto por los medios incorrectos.

Esta boca es mía está actualmente en cartelera. Con dirección y dramaturgia de Conchi, esta obra se habla sobre el acoso callejero. La propuesta, nos dice, surge a partir de una beca del Fonca que una actriz de su compañía obtuvo para hablar de este tema. En ella, señala, “hay testimonios de diferentes actrices a las que les preguntamos si habían sufrido acoso callejero y si querían compartir algún pasaje”.

“Increíblemente, todas las mujeres han sufrido acoso callejero. Desde las miradas, las palabras, hasta el tipo que te pide una dirección y te acercas a su auto y no tiene ropa interior o está con los genitales al aire”. La obra, nos dice su autora, está todavía un par de fines de semana los sábados en la Sala Novo. “Después va a hacer una pequeña gira por Morelos y Yucatán, es un monólogo que también habla un poco de lo regional y después se mueve a otro lugar, pero el gran tema es el acoso”, puntualiza.

¿Actuación, dirección o dramaturgia?

Actuación, dirección y dramaturgia son actividades que disfruta Conchi León. Sin embargo, la Actuación, dirección y dramaturgia tiene un lugar especial y lo disfruta mucho. “Es algo en solitario, mi ritual, en mi tiempo, en mi melodía, en mi veladora, en mi pueblo. Es algo sumamente personal para mí”, nos dice.

De la dirección, algo que le “fascina es el proceso creativo”, si bien, acota, “puede ser algo frustrante por las condiciones, los tiempos, los teatros, los desencuentros”. Mientras que la actuación es algo que le cuesta trabajo, “pero es algo que me permite crecer, no solamente como actriz, sino también como directora”.

En este sentido, nos adelanta que en enero estará en una obra bajo la dirección de José Sampedro junto a Emma Dib y Antón Araiza, “estoy aprendiendo muchísimo de la dirección de actores, que es algo que yo no sé tanto. Yo sé más de la puesta en escena, pero la dirección de actores no tanto y José está haciendo un trabajo muy exquisito”.

Hablando de proyectos para el año que está por empezar, nos comenta que si bien no hay nada seguro sobre Comala, Comala, posiblemente regrese pues ha tenido una recepción por parte del público “muy poderosa”.

Nos dice que otro de sus objetivos será mover La casa de tu alma, “una obra que estrenamos este año y estuvo en Tijuana y en Mérida, que habla sobre el duelo”. Finalmente, nos adelanta que La tía Mariela, en una versión más pequeña que ya se ha presentado en Chicago, pueda tener pronto una temporada en un teatro pequeño.

El teatro significó el espacio para estar plenamente, para aprender, para hacer conciencia de mi cuerpo, para aprender a hablar desde otro lugar

Como para todas y todos los creadores escénicos, el teatro tiene un lugar fundamental para Conchi León. “Desde adolescente significó el espacio para estar plenamente, para aprender, para hacer conciencia de mi cuerpo, para aprender a hablar desde otro lugar, desde este maravilloso prisma que es el teatro”.

Tuvo y ha tenido, explica, un significado muy poderoso: “Ir rompiendo ideas viejas, prejuicios y confiar en que lo que yo tenía que decir quería ser escuchado por alguien más y eso me ayudó a sanar muchas heridas de infancia, de adolescencia, como mujer, como creadora y también me ayudó a construir mi tribu”.

En este sentido explica que a través del teatro ha podido encontrarse con sus monstruos y mostrárselos al espectador. En este acto, reflexiona, todos podemos coincidir en que “eran monstruos muy feos, pero al final fueron aplastados por el arte y por el teatro”.

Agrega que por el teatro ha podido mover su geografía muchas veces, “moverme y saber que puedo regresar”. El ver que su obra que habla de Yucatán, y por la cual al principio “nadie daba un peso”, ha sido traducida al inglés, al alemán y al checho la hace pensar: “Somos universales, lo somos más allá de los prejuicios”.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía VIOGG.

La Guerra Fría, escrita por Juan Villoro y bajo la dirección de Mariana Giménez, inició una nueva temporada. En el 2019 este proyecto se presentó en el Museo Rufino Tamayo de la Ciudad de México, ahora, con un remontaje, se presenta en el Teatro Estefanía Chávez Barragán (antes Carlos Lazo), de la Facultad de Arquitectura de la UNAM.

Mariana Gajá, Bernardo Gambo y Jacobo Lieberman actúan en el montaje. Nos transportan hasta la década de los ochenta a un territorio ocupado, dividido: Berlín. Los intérpretes habitan a los personajes, se proyectan en el tiempo. En el aire flota la sensación de una época que se desvaneció. Una época que desapareció con una idea de libertad que nos quisieron hacer creer llegaría cuando se colapsaran los muros. Éstos cayeron y surgieron otros más, y el triunfo de un sistema no significó el cumplimiento de la promesa de “un mundo libre” y mejor.

Aquí te contamos tres razones para ver La Guerra Fría.

1. Reconstruirnos entre las ruinas y en territorios ocupados. El proyecto escenográfico en el que se desarrolla la obra nace de un taller impartido por el escultor Abraham Cruzvillegas. En él participaron 20 alumnas y alumnos de la Facultad de Arquitectura de la UNAM, de la licenciatura en Escenografía de la ENAT y de la Facultad de Arte y Diseño de la UNAM. A partir de elementos recatados y en desuso, provenientes de la Facultad de Arquitectura, de Teatro UNAM, y del Museo Universitario de Ciencias y Artes, se crea el espacio escénico que ocupan El Gato y Carolina, los personajes de esta obra. Los elementos reciclados amueblan el refugio de estos amantes mexicanos que,en el Berlín de principios de los ochenta,viven como okupas. A diferencia del primer montaje de la obra en El Tamayo, la obra escénica se llama hoy Autoconstrucción en lugar de Autodestrucción.

2. El texto de Juan Villoro se sumerge en la ya lejana década de los ochenta. Rescata la experiencia de su autor, quien entre 1981 y 1984 vivió en Berlín durante uno de los momentos más álgidos de La Guerra Fría. Villoro fue testigo cercano de este conflicto latente que duro por poco más de cuatro décadas. Con esta obra el autor rescata la experiencia de quienes en ese entorno de tensión vivían al límite. A partir de ello crea una analogía de la pérdida, los territorios ocupados y divididos, el conflicto latente con el encuentro amoroso y la pareja. Es, sin embargo, en el último momento antes del derrumbe, que el texto nos muestra una luz y una esperanza.

3. Un lugar y un tiempo que marcaron lo que hoy somos. Jacobo Lieberman crea la música original para el montaje. Un mundo auditivo que recuerda los sonidos del rock de los ochenta. Sin alejarse del rock, introduce atmósferas y capas oscuras. Esto nos refiere a esa década en que el rock se diversificó por innumerables caminos. A esto hay que sumar el diseño de iluminación de Patricia Gutiérrez, de vestuario de Mauricio Ascencio y de videopoyección de Jorge Orozco Watson y Vanessa Alcaíno Pizani, que en conjunto crean la ficción de encontrarnos – efectivamente – en otro lugar y en otro tiempo.

Ya lo sabes, La Guerra Fría es un montaje que indaga sobre la pareja y sus territorios, pero también nos espejea con procesos sociales y políticos que dieron forma a lo que el mundo es hoy. Además, es una propuesta no convencional. La obra se presenta en el escenario del teatro, pero el público no está distribuido en el parque de butacas, sino colocado al fono del escenario, viendo muy de cerca la acción. La butaquería del teatro se asoma por un espacio del telón y se funde con el espacio escénico.

Para más información de La Guerra Fría, horarios y boletos haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

El Teatro del Renacimiento inglés se da entre 1558 y 1642. Su exponente más destacado, y universalmente conocido, es William Shakespeare, además de otros famosos exponentes como Christopher Marlowe y Ben Jonson. A este periodo lo conocemos, generalmente como Teatro Isabelino. Sin embargo, estrictamente hablando el Teatro Isabelino abarca solamente una parte del teatro inglés del Renacimiento, entre 1562 y 1603. El teatro Jacobeo (1603-1625) y el Teatro Carolino (1625- 1642) serían los otros teatros durante el renacimiento inglés.

El término Teatro Isabelino es el que se ha impuesto y el que se aplica también a las estructuras teatrales que nacen en esa época. Un ejemplo de este tipo de teatros, y que una reproducción exacta hoy funciona en la ciudad de Londres, fue The Globe, el teatro de William Shakespeare.

Igual que en el mundo de habla hispana, antes del siglo XVI en el mundo anglosajón no existían edificios específicamente construidos para las representaciones teatrales. Éstas se realizaban, por lo general, en posadas y otro tipo de establecimientos.

El Red Lion fue el primer teatro permanente que se construyó en Inglaterra. Si bien no se sabe exactamente su ubicación, se tiene una idea aproximada y en años recientes se encontraron en el West End de Londres algunos restos que podrían pertenecer a este recinto. Este teatro fue un fracaso y duró poco tiempo, pero abrió camino para que casi diez años después, en 1576, se crearan los primeros teatros que lograron éxito, como The Theatre.

Si bien era muy popular, el Teatro Isabelino tenía mala fama. Por esta razón las autoridades de Londres prohibieron sus representaciones dentro de la ciudad, por ellos los teatros se levantaron al otro lado del río Támesis. Aquí quedaba  fuera de la competencia de las autoridades londinenses.

Los recintos teatrales de esa época eran simples. A través de distintas excavaciones arqueológicas se ha encontrado que, si bien había pequeñas diferencias entre cada teatro, todos seguían un esquema general parecido. Este esquema se inspiró en los circos de la época y en las posadas.

El edifico era una construcción simple de piedra o madera. Por lo genera eran de forma circular y con un amplio patio interno, rodeado por tres niveles de galerías. Si bien todo estaba encerrado entre sus paredes, el techo permanecía abierto. En el patio se colocaba parte del público para presenciar la función, mientras que otra parte se colocaba en las galerías.

El escenario estaba en uno de los extremos del patio, pero se adentraba en éste, teniendo tres frentes. La parte posterior estaba reservada para los actores y los músicos. Esto hacía que el propio público fuese parte de la representación. La parte superior que quedaba detrás del escenario se podía utilizar como balcón en algunas obras o como un sitio desde que se arengaba a una multitud.

En 1600 se agregó a estos teatros una “garganta” o “gaznate”. Éste era un pasillo fuera de la vista del público en el que los actores podían utilizar para desplazarse a los laterales del teatro para realizar cambios de ropa.

Actualmente en la ciudad de Londres y en Stratford-upon-Avon se puede disfrutar de funciones en teatros isabelinos como The Globe la capital inglesa y The Swan (construido al estilo y con el nombre del que exitió en Londres en la época de Shakespeare) y el Royal Shakespeare, ambos en el lugar de nacimiento de William Shakespeare.

En México en el 2018, en la explanada del Museo Tamayo, se realizó el ciclo Shakespeare Teatro en el Parque. Para ello se construypo una estructura metálica que asemejaba a estos teatros del periodo isabelino.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Un cuento de Navidad es una historia obligada en esta temporada. La novela corta, escrita por el escritor inglés Charles Dickens, entre octubre y diciembre de 1843, ha dejado una profunda huella. En muchos sentidos, ayudó a que la celebración de la Navidad se arraigara tal como hoy la conocemos.

Se trata de una historia que ha tocado y toca los corazones. En ella el autor supo proyectar con un gran alcance sus preocupaciones sociales.  La historia imaginada por Dickens ha servido como inspiración para un sinnúmero de adaptaciones para teatro, cine y televisión. Todos hemos oído hablar de Ebenezer Scrooge, Bob Cratchit y el pequeño Tim.

En esta temporada, en los escenarios teatrales podemos disfrutar muchas adaptaciones de esta historia. Una de ellas es Un cuento de Navidad, El Musical. El montaje se presenta en el Teatro San Rafael, con un elenco encabezado por Adal Ramones. Se trata de la versión con música de Alan Menken (Aladdin, La Sirenita) y con libreto de Mike Ockrent y Lynn Ahrens.

Aquí te contamos 3 razones por las cuales tienes que ir a ver Un cuento de Navidad, El Musical.

1. Una historia clásica. Se trata de una historia bien conocida. Sin embargo, cada vez que uno regresa a ella lo hace con emoción. Pasan los años y el encuentro de Scrooge con los fantasmas de las Navidades nos sigue diciendo algo, nos conmueve. El autor logró poner en su obra temas que apelan a nuestra humanidad. En ella Dickens nos habla de una profunda preocupación por la pobreza, la injusticia y de un auténtico anhelo por una sociedad más empática y solidaria. Temas que a 180 años de que se escribiera la obra siguen siendo pertinentes y urgentes.

2. La Navidad vive en el escenario. En el escenario sucede magia: la luz, escenografía, vestuarios, caracterizaciones y todos los elementos sobre el escenario nos transportan a Londres del siglo XIX en el día de Navidad. Nos hace partícipes de la transformación del avaro Scrooge. Es una gran producción que nos invita a disfrutar y soñar, a vivir a través del teatro esta temporada.

3. Una compañía sólida sobre el escenario. Sobre este montaje, su protagonista, Adal Ramones, ha dicho que él descansa “en los hombros de este gran ensamble”. Es cierto lo que el actor y conductor dice, tanto el elenco como el ensamble realizan un trabajo que se disfruta de principio a fin. Sin embargo, hay que reconocer que Adal Ramones sobre el escenario muestra disciplina y talento, conecta con el público y demuestra lo que ha aprendido en las tablas a lo largo de su carrera.

El equipo creativo está conformado por Félix Arroyo (Escenografía e iluminación); Samuel Costales (diseño de audio); Estela Fagoaga, Miriam Quijano, Trama & Drama y Crista Castañeda, Vikcy Ayala, Eli Urbina y Ogla Prieto (Vestuario); Mariana Gutiérrez (peinados y maquillaje); Óscar Capaía en la dirección y coreografía; Analí Sánchez Neri en la dirección musical; y Alejandra Ballina como directora asociada.

Sobre el escenario podemos disfrutar, acompañados por una orquesta en vivo, a Axel Alcántara, Mauricio Hernández, Eduardo Ibarra, Caro Vélez, Oscar Piñeiro, Arturo Echeverría, Angie Vega, Diego Meléndez, María Uriarte, Michelle Godet, Odette Villarreal, Sofía Ochoa, Nat Quiroz, Bobby Mendoza, Ana Rivero, Axel Gollaz, Kike Cosío, Jacobo Flores, Bruno Uribe, Diego López, Bernardo Gobar, Sofía Rodche, Mariana Mendoza. Como el pequeño Tim actúa Job Almanza, José María Nieto es Scrooge de niño y Romina Valenzuela como la niña.

Ya lo saben, Un cuento de Navidad, El Musical es una oportunidad para disfrutar de esta temporada con un espectáculo de calidad, el cual esperemos que se vuelva en una tradición cada año.

Más información, boletos, descuentos y horarios haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

El reloj de Andrés se ha perdido. No está en el sitio en el que lo dejó previamente. El reloj de Andrés, que le indica el paso del tiempo, no está y eso lo torna áspero e incluso agresivo con su hija Ana, porque él asegura que alguien le ha robado su reloj. Que alguien le ha robado el tiempo.

Andrés, o André como se nombra en la versión original en francés, es El Padre y en ese personaje de Florian Zeller que va y viene por su casa sin reconocer a las personas que ahí habitan, fastidiando a sus cuidadoras, confundiendo los datos de su vida y de la de sus seres queridos, en ese padre se resumen muchos padres y abuelos del mundo, que en la última etapa de su vida entran al laberinto de la demencia senil. Zeller mete a André a ese laberinto como lo puede hacer cualquier autor. Pero no cualquiera hace que lo recorramos junto con él y sintamos el vértigo de lo incierto, de la nada, de la muerte en vida.

Narrador, dramaturgo, director escénico y recientemente guionista y cineasta a partir de sus propios textos teatrales, Florian Zeller (París, 1979) inició su trayectoria autoral como novelista con Nieve artificial para luego seguir con Amantes o algo así y La fascinación del diablo, con la cual las miradas literarias se posaron sobre él.

Curiosamente, esa novela apareció en 2004, año en el que se estrenó El otro, su primera obra de teatro, con la cual de inmediato hizo su entrada triunfal a la escena parisina. Desde entonces, el nombre de Florian Zeller ha estado ligado a lo mejor de la dramaturgia francesa del Siglo XXI gracias a comedias como La verdad y su par La mentira, en las que también lleva a sus personajes hacia un laberinto: el de la infidelidad y la honestidad entre cónyuges y entre amantes. S bien están ideadas para arrancar las risas del público, lo hacen a partir de una disección profunda del comportamiento humano.

Esa cualidad de sus textos es lo que ha hecho que el medio teatral lo equipare con Yazmina Reza, la dramaturga y novelista francesa más destacada de finales del siglo XX y principios del XXI, que con obras como Arte, Un dios salvaje y Tres versiones de la vida desmenuza el desencanto de la burguesía de su país -y de muchas partes del mundo-.

La verdad fue la segunda obra de Florian Zeller escenificada en México. Estrenada en 2018 bajo la dirección de Benjamín Caan, la obra fue protagonizada por Eduardo Santamarina y Mayrín Villanueva, reconocidos por el gran público por su trabajo televisivo.

Un año antes se estrenó la obra con la que conocimos a Zeller en México y que, de hecho, es la obra con la cual empezaron a conocer al autor en diversos países: Le père estrenó en París en 2012 y de ahí saltó a Londres en 2014, bajo la traducción del prestigiado dramaturgo británico, Christopher Hampton.

El éxito llevó a The Father a Nueva York, en donde estrenó en 2016 y le mereció un Premio Tony a su protagonista, Frank Langella. El productor Daniel Gómez Casanova vio la obra en Nueva York y, sin dudarlo, compró los derechos para que la escenificara en nuestro país el actor que en ese momento era la estrella de sus producciones: Ignacio López Tarso.

Bajo la dirección de Salvador Garcini, director de cabecera del primer actor, El Padre estrenó en 2017 en el Teatro San Jerónimo, con un elenco de actrices y actores más cercanos a la televisión, como Érika Buenfil, Sergio Basáñez, Lisardo y Lucero Lander.

El impacto de ver entonces en escena al histrión de 92 años, en un personaje plenamente acorde con su edad, enfrentado a un texto contemporáneo y complejo en su estructura, surgido de la pluma de un autor joven, resultaba una experiencia francamente memorable y, al menos en ese caso, poco importaba que sus compañeros de escena estuvieran o no a su altura: López Tarso hacía y deshacía en escena como él sabía, pero desde un compromiso brutal con lo escrito por Zeller.

Aunque no la hemos visto, El Padre es una obra acompañada por La Madre, en donde el autor lleva a sus últimas consecuencias la depresión de una mujer que va quedando sola en su casa luego de que sus hijos se van de la casa y se siente desatendida por su marido.

Tras el éxito de The Father, The Mother, también traducida por Hampton se escenificó en Londres con éxito rotundo para luego aterrizar en Nueva York en una breve temporada protagonizada por la leyenda francesa Isabelle Huppert. La diva Huppert en Nueva York diciendo en inglés los difíciles textos de Zeller traducidos por Hampton: lujo total. Completa el cuadro familiar la obra El hijo, que además de ser escenificada exitosamente en Londres, es la segunda obra que el propio autor adapta al lenguaje cinematográfico.

Actualmente en Prime Video puede verse el filme estelarizado por Hugh Jackman y Laura Dern, el cual a pesar de cumplir con todas las reglas de ambigüedad y fronteras de Zeller, ni para la crítica ni para el público ha resultado una propuesta afortunada. Otras obras que han tenido adaptación cinematográfica, a cargo de otros realizadores, son Una hora de tranquilidad y El reverso del decorado.

Si tu mueres, Ella te espera y El bosque, ésta última la más reciente, estrenada en 2021, son obras que completan la producción teatral de Zeller. A pesar de que tampoco la conocemos en México, ni ha sido llevada a la gran pantalla, una de las obras más destacadas del autor es La altura de la tormenta, en la cual se retoma el tema de la demencia senil y los ires y venires entre presente y pasado, realidad y alucinación, verdad y mentira, felicidad y dolor.

Aunque nuevamente es André el protagonista, aquí hay un coro que junto a él encabeza Madeleine, su esposa y, tras ellos, sus hijas, algún amigo, alguna amiga. Al igual que las ya mencionadas, la obra fue llevada de inmediato a Londres en 2018, en donde fue dirigida por el legendario Jonathan Kent, quien reunió a dos de los actores más importantes de Inglaterra para estelarizarla: Jonathan Pryce y Eileen Atkins, quienes al estar juntos en escena lograban un concierto inquietante y armónico: perfecto. Ambos repitieron a sus personajes para la puesta en escena en Nueva York.

Antes de ver en la gran pantalla El Padre ya habíamos tenido dos puestas en escena de Florian Zeller, la verdad es que la comunidad teatral de estos lares lo conoció y, sobre todo, lo reconoció hasta que el filme protagonizado por Anthony Hopkins y Olivia Colman tuvo el éxito avasallante que coronó el sendo Premio Oscar para el actor.

Por ello, no es de sorprender que la obra más conocida del autor regrese a los escenarios teatrales, ahora sí luciendo por todos lados el nombre del dramaturgo e, incluso, siendo el invitado de honor al estreno del montaje producido por Alejandro Gou, Óscar Uriel y Guillermo Wiechers, quien además es el autor de la traducción que resuena en la voz de Luis de Tavira.

En ésta ocasión, el impacto de esta obra viene de ver en el personaje de André, o Andrés, a una de las figuras más importantes y controvertidas del teatro mexicano. El mítico director del teatro universitario, subvencionado y cultural está ahora en el escenario del Teatro Fernando Soler del Centro Cultural Manolo Fábregas para estremecer a propios y extraños en su faceta de actor, que desde hace algunos años ha ponderado.

Junto a él, un elenco diverso que incluye a Fernanda Castillo, Emma Dib, Pedro de Tavira, Ana Sofía Gatica y Alfredo Gatica, todos bajo la dirección de Angélica Rogel, quien es la encargada de guiar al Maestro Tavira y a su elenco por el laberinto de la mente de ese hombre que va y viene por su propia casa pensando que tal vez no está en su casa, que no conoce a las que dicen ser sus hijas y que se resiste a perder su reloj, quizá porque ahí está el tiempo que sabe que se le está acabando. No importa. Ahí está Florian Zeller para hacerlo renacer… y volverlo a meter al laberinto.

Por Enrique Saavedra, Foto: IG florianzellerofficiel

Este martes, en el Teatro Metropólitan, se realizó la conferencia de prensa para anunciar el espectáculo 10 años de stan up de Alex Fernández. El próximo 12 de diciembre el comediante se presentará en el recinto, ubicado en el número 90 de la calle Independencia, en en Centro de la Ciudad de México.

Alex Fernández destacó que hace 10 años se subió por primera vez a un escenario para hacer stand up, en el Woko, en la Avenida Nuevo León en la Condesa. En cuanto piso el escenario, afirmó, “me enamoré por completo de hacer reír y del stand up, y dije, aquí hay algo a lo que yo me puedo dedicar”. Estos diez años dentro de un gremio se ha ido profesionalizando poco a poco y ha ido creciendo, dijo, son una celebración importante para él.

El espectáculo, adelantó, tendrá material ya conocido y material nuevo para esa noche en específico, además de invitados y algunos números musicales. La idea, explicó, es hacer una especie de tributo al stand up en México como él lo vivió y hacer un recorrido por sus experiencias y por lo que lo ha marcado y es importante para él.

La participación de OCESA en el espectáculo, consideró, esta dando “un músculo distinto en la producción del show y se va a notar”. Anunció además que este espectáculo se presentará también en el Pabellón M de Monterrey y el Teatro Diana de Guadalajara en marzo.

En esto últimos 10 años el stand up ha cambiado mucho. En este sentido, el comediante agregó que cuando inició era algo que estaba explorando un grupo de personas. “De ese entonces para acá yo estoy muy contento con lo que se ha logrado. Hemos sido una industria que se ha profesionalizado con sus propias manos”, explicó. Recordó que, como es el caso de Adal Ramones y la televisión de paga, “ha habido gente que nos ha dado oportunidad, pero creo que hemos ido armando todo nosotros de una manera interesante“. Destacó que dentro del stand up hay una oferta “de todo y para todos”.

Fernández destacó que la comedia es una manera de decir las cosas y una herramienta en la cual lo importante es lo que se está diciendo. Al ser cuestionado sobre los límites sobre qué decir y qué no, consideró que hay dos límites importantes. El más importante, destacó, es el que él mismo se pone como artista decide llevar al escenario. El otro es el filtro hacia afuera, “creo que todo el mundo puede hacer chistes y bromas de lo que sea, es muy importante burlarnos de todo, es muy importante que también te hagas responsable de lo que estás diciendo. Creo que ese es el otro componente”, reflexionó. En este sentido, remató: “Prefiero un mundo en el que sea posible decir cosas horribles y tengamos que lidiar con ello, que un mundo en el que no podamos decir ciertas cosas”.

Compartió que en este sentido, que él es muy sensible al público y a sus reacciones. Sobre su proceso dijo: “Siempre me ha gustado entretener y divertir y poner una sonrisa. Trato de verlo primero así, qué quiero yo decir, qué quiero hacer, y naturalmente a mí no me gusta molestar ni incomodar, no me gusta decir cosas horribles, porque así soy. Creo que ese debe ser mi proceso, cómo quieres tú decir las cosas y, a partir de ahí decirlas”.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Mamá se fue a la luna nos traslada por un mundo que pone al centro, el abandono materno y sus repercusiones en una familia en el México de los años ochentas, aderezada con una pegajosa lista de canciones de la época, que nos conducen por un viaje nostálgico y conmovedor.

Esta ópera prima de Clemente Vega nos muestra un cosmos teatral impactante, donde el escenario se convierte en un sistema solar en constante movimiento, y da pie a una historia que nos invita a reflexionar y dejarse cautivar por las interpretaciones de todo su elenco.

Si bien esta obra ya tuvo una temporada previa, ahora ha aterrizado en el Foro Lucerna todos los jueves del mes y es una obra imperdible de ver, colmada de lecciones con las que todos nos podemos identificar:

1. El Peso del Abandono. La premisa inicial se centra en la ausencia de la madre y cómo la hija mayor interviene para explicar este evento a sus hermanos. En ese sentido, la obra destaca la vulnerabilidad a la que estamos expuestos durante la infancia y cómo esos vacíos, ya sea por la ausencia de la madre o del padre, pueden llegar a afectar nuestras vidas.

2. La Madurez Prematura. Ante la falta de una figura parental, a menudo, son los hijos mayores quienes se ven en la obligación de asumir un papel, ya sea de madre o de padre. Esta situación los forza a crecer con rapidez, dejando de lado los momentos de juego y diversión, enfrentando realidades que van más allá de su comprensión.

3. Sanando las heridas del pasado. A medida que conocemos el trasfondo de las decisiones parentales, la obra nos invita a empatizar con los padres, comprender las circunstancias que los llevaron a tomar ciertas decisiones y, lo más crucial, a sanar nuestras propias heridas para liberarnos de la carga emocional.

Sin duda, estas lecciones resuenan más allá de la obra en sí misma, al ofrecernos una mirada profunda sobre los conflictos familiares y cómo desde nuestras trincheras podemos enfrentarlos.

Por Itaí Cruz, Fotos: Roberto Sosa

Este martes se realizó el conversatorio Producción teatral: ¿compromiso, harakiri, apostolado o negociazo? El evento fue organizado por Mejor Teatro en colaboración con la revista Paso de Gato. Además, se presentó el número 93 de la revista, en el cual se incluyó un dosier dedicado a la trayectoria del productor Morris Gilbert.

En el panel participaron Susana Alexander, actriz, directora y productora; Julieta González, de OCESA y productora asociada de Anastasia; Mariana Garza, actriz, cantante y productora; Jimena Saltiel, directora de Once Once Producciones y fundadora del Colegio de Productores; Juan Meliá, director de Teatro UNAM; Daniel Miranda, coordinador nacional de Teatro; Jaime Chabaud, dramaturgo y director de la revista Paso de gato; Daniel Delgado, de Playhouse Entertainment; David Cuevas, Vatru Entertainment; Juan Torres, productor; y Morris Gilbert, director de MejorTeatro y productor asociado de Anastasia.

El moderador del conversatorio fue Poncho Vera. Durante esta conversación se abordaron diversos aspectos de la amplia y variada función que tiene una productora o un productor teatral.

La maestra Susana Alexander destacó que una productora o un productor teatral no solamente pone el dinero. Entre sus funciones está escoger una obra, pensando en que le interesará al público, además de tomar decisiones respecto al escenógrafo, la música, la elección de elenco, quien dirigirá el montaje, entre muchas otras cosas. El productor, dijo, “es el que tiene que poner la cara para todo, no nada más puso el dinero, puso la responsabilidad de todo lo que suceda arriba del escenario y abajo también”.

En este sentido, Morris Gilbert agregó que existe confusión sobre lo que es un productor. Esto, consideró, viene de la cultura estadounidense, en donde, por ejemplo, en los Tony cuando los productores suben a recibir un premio son “como 200”. La confusión es que más que productores se trata de inversionistas. Los inversionistas, agregó, son importantísimos, pero no realizan la labor de un productor. En México, acotó, los productores tienen que funcionar también como inversionistas.

Julieta González, al explicar las diferencias entre un productor, productor asociado y productor ejecutivo, coincidió con Morris Gilbert en que son títulos que provienen del teatro estadounidense. Generalmente el productor asociado, en una producción en Estados Unidos, es quien pone en conjunto a los otros productores que dan dinero y coordina todas estas partes que un productor hace en México. En México un productor asociado, explicó, es cuando no puedes todavía llevar el título de productor, “es como un pasito debajo en donde estás haciendo la misma chamba, pero hay alguien que tiene mucho más experiencia que tú y tiene mucho más tiempo que tú haciéndolo, y está más cercano a esa consecución del dinero, sea con una empresa, o sea porque fue a buscar a instituciones. Digamos que es como un pasito antes de llegar a ser el productor”.

Por su parte, Daniel Delgado, explicó que un productor ejecutivo tiene que ver un poco con la responsabilidad del montaje. El productor en sí, dijo, tiene que ver con la responsabilidad, tiene la responsabilidad del dinero, de pagarle a todo el mundo. Se trata de “la responsabilidad arriba del escenario, hay accidentes, puede haber cualquier cosa, sobre todo en musicales, donde pasan muchas cosas”. Finalmente, dijo, tiene que ver con ese grado de responsabilidad de estar a cargo es la diferencia en todos los aspectos. El productor ejecutivo, abundó, tiene la responsabilidad de llevar a cabo el día a día de un montaje.

Jimena Saltiel abundó que estas confusiones han hecho mucho daño, porque en realidad muchos artistas son auto gestivos y se auto producen, sin embargo, no se “ponen el sombrero de productor, no se ponen el liderazgo de productor, porque nadie les ha dicho que eso es producir”. Los productores y los productores asociados tienen la responsabilidad legal y económica de un proyecto, mientras que los productores ejecutivos “ejecutan, resuelven y son piezas clave importantísima, pero no tienen por qué cargar con responsabilidades que normalmente se les asignan”.

Mariana Garza habló sobre la importancia de aprender observando a gente como Morris y Susana Alexander. Aprender a producir en México, agregó, es muchas veces a través de prueba y error, “sin saber muchas veces cómo, pero teniendo bien claro el por qué es que he podido junto con Pablo (Perroni) abrir estos espacios”.

En este sentido, Juan Torres comentó que producir teatro es además locura, amor, vocación y pasión. Finalmente, los que estamos aquí, dijo, nos mueve el amor por esto. Como productor, explicó , está involucrado en todo lo que tiene que ver con su obra. “Yo me involucro en todo, porque me fascina el teatro, es mi pasión”, puntualizó.

Juan Meliá destacó que en la edición 93 de Paso de Gato encontrarán por que personas como Mariana Garza y Juan Torres se enamoraron del teatro por personas como Morris Gilbert. Además, habló de las responsabilidades que tienen las instancias públicas, la primera de ellas las políticas públicas. Éstas pasan, destacó, por leer cómo está la situación y actuar ante ella. Otra de sus obligaciones es la producción teatral, no solamente programar. Finalmente, dijo, las instituciones públicas tienen la obligación de analizar la situación. Sobre este punto, explicó, el teatro mexicano es un modelo de modelos, en este sentido, dijo, tanto el teatro comercial y el cultural son teatro mexicano.

Habló sobre la aportación de recursos económicos a las producciones por parte de los espacios escénicos, lo cual solamente ocurre en el 18% de los casos. Esto, reflexionó, coloca a los espacios escénicos principalmente como programadores y no como productores. Solamente el 13% de los espacios aportó recursos para el pago de creativos. Agregó que, según datos del INEGI; tan solo el 8.5% dela población asistió al teatro durante el último año. Esto plantea un reto colectivo y significa que los productores teatrales “hacen milagros”.

Daniel Miranda destacó los acercamientos como el conversatorio, en los cuales se trata de centrar el diálogo en las convergencias y lo que tienen en común todas las personas que hacen teatro. Sobre las instituciones, el coordinador nacional de Teatro agregó que se trata de un tema de derechos. Las instituciones públicas “somos objetos obligados de facilitar que las personas tengan derecho a la cultura, al teatro”, afirmó. Para ello, agregó, se utilizan diferentes elementos del aparato de las instituciones para fomentar ese derecho: estímulos a la creación, procesos de formación profesional, producción teatral, gestión de la infraestructura cultural.

Jaime Chabaud expresó que llevaba varios años pendiente esta edición de Paso de Gato dedicada al productor Morris Gilbert. El tema que abordó el dramaturgo fue la producción de teatro comunitario. Al respecto, narró su paso del teatro institucional hacia el teatro comunitario. Mulato Teatro, su compañía, es pionera en hablar sobre los temas de la afro descendencia en México. Al respecto destacó que el teatro comunitario es teatro para público real, en el cual no hay un solo teatrero en las butacas. Esto habla de que es una forma de crear públicos y acercarlos al teatro, “estamos trabajando para ese 91.5% (…) que es la población que nunca ha entrado a un teatro, y es maravilloso”.

El teatro comunitario cambia vidas, dijo. En este sentido, compartió la impresión que provoca sacar la voz a los actores comunitarios y lograr que conecten las miradas. “Descubrimos que llevan 500 años negándoles la voz a nuestros campesinos y a la gente de ese México bárbaro que todavía está ahí, ver cómo evolucionan y de pronto los escuchas a dos cuadras”, es la mejor inversión.

Chabaud, en este sentido, destacó que lo que le hace falta al teatro es “subir ese índice del 8.5% a un 15, a un 20, a un 30. Que la población, el pueblo mexicano pueda acceder a los bienes culturales, sean estos de la especie que sean”.

David Cuevas profundizó en el tema y consideró que es necesario hacer algo, toda la comunidad, para poner los ojos ahí. “Ahí es donde se gestan los cambios de vida, donde los temas que se tocan, la gente que participa hace grandes equipos que se auto gestionan, con el apoyo o sin el apoyo, y eso es muy importante”, dijo. Al respecto, compartió, ha visto como niños y mujeres abusadas, personas que carecen de muchas cosas, “el teatro les ha cambiado la vida, les ha tocado el alma”.

Sobre este tema, Morris Gilbert expresó que el acceso al teatro, en un país como el nuestro, no solamente es un derecho sino es una necesidad. La violencia y los horrores que vemos día a día, consideró, son por falta de cultura. “Lo que nos cambia es la cultura, a partir de que el nivel de cultura en las personas se eleva, baja la barbarie. El teatro es el antídoto perfecto para la barbarie”, subrayó.

Al hablar sobre el teatro como negocio, Jimena Saltiel señaló que se produce por amor al teatro. Al respecto explicó que tal vez sería un buen negocio si se logra un éxito en taquilla y después de ello se retira el productor, “pero eso no pasa nunca, reincidimos”.

La productora lo resumió de esta manera: “No conozco a un solo productor o una productora que lo haga por negocio. Que busca la estabilidad seguro, que busca vivir de hacer teatro sin duda, que busca generar condiciones que permitan a otros vivir también del teatro, sin duda, pero solo por negocio, no podemos, nos dedicaríamos a otra cosa”.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Mejor Teatro.

A medida que nos acercamos al cierre de año, es imposible no pensar en aquellas obras que están por bajar el telón, no si dejar detrás su huella en las audiencias que han sido cautivadas con sus historias, actuaciones y escenografías.

Estas producciones se preparan para despedirse de la cartelera teatral, dejando tras de sí un rastro de emociones que nos han llevado por un viaje emocional inolvidable.

Así que no lo pienses más y corre el teatro a ocupar una butaca:

Ricitos de oro no habla alemán. Esta suerte de biodrama, indaga sobre temas relacionados con el amor y la pérdida, además de la búsqueda de la identidad, tomando como inspiración el clásico cuento de Robert Southey, que nos cuenta el viaje que realizó su protagonista para encontrar un poco de felicidad. Se presenta hasta el 11 de diciembre en el sótano del Teatro del Bosque.

Orlando y Mikael: Los Arrepentidos. Esta es una propuesta contada para y por personas de la comunidad trans, sobre dos hombres que cambiaron de sexo dos veces. Un tema que va más allá del género, al centrarse en la búsqueda de cada persona por encontrar su identidad. Las funciones son Lunes y martes, hasta el 12 de diciembre en el Foro La Gruta.

Así de simple. Una comedia ligera y muy divertida que invita a pasar un momento que retrata con gran ingenio y de manera muy acertada las distintas etapas por las que pasa una pareja en su día a día, así como los pensamientos que nos pasan por la mente. Ofrece funciones los miércoles, hasta el 20 de diciembre, en el Foro Lucerna.

Smiley. Esta comedia nos habla de los miedos que enfrentamos cuando nos enamoramos, y al mismo tiempo cómo las redes sociales y los celulares han influido en la forma en que nos relacionamos con el otro. Se presenta los jueves hasta el 28 de diciembre en La Teatrería.

Lobas. La trama se centra en un equipo de fútbol femenil conformado por nueve adolescentes, que se reúnen todos los sábados para entrenar. Si bien, al principio parecería un poco superficial, poco a poco, vamos conociendo y descubriendo lo diferentes que son. Ofrece funciones de viernes a domingo, hasta el 30 de diciembre, en el Foro Lucerna.

Mabel. Inspirada ligeramente en Macbeth, la tragedia clásica de Shakespeare, el montaje aborda una de las maldiciones teatrales más famosas, donde sus intérpretes deberán recurrir a todas sus habilidades para sortear situaciones sobrenaturales totalmente imprevistas. Se presenta de viernes a domingo, hasta el 17 de diciembre, en el Foro La Gruta.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía PinPoint y Millán Foto

Regresa a por única ocasión Benda’muxe/mi hermana muxe, una propuesta que nos invita a derribar ciertos mitos y creencias sobre el tercer género, desarrollada a partir de historias reales de cinco Muxes de Santo Domingo Tehuantepec, Oaxaca, quienes encuentran en el teatro una vía de liberación y transformación.

Este montaje tuvo algunas presentaciones en la CDMX, durante el Festival Internacional de Cabaret y ahora regresa para cerrar el año con una función especial en el Teatro Bar El Vicio, y aquí te decimos por qué vale la pena.

1. Desmintiendo el mito. La dramaturgia tejida con mucho ingenio y humor a cargo de César Enríquez (quien participa como actor en Siete veces adiós) nos revela las crudas realidades de la violencia, abuso y discriminación que enfrenta la comunidad Muxe en México, desmitificando la figura glamorosa para exponer su verdad.

2. Guía acertada. La dirección conjunta de Montalvo y Enríquez destaca por su habilidad para resignificar elementos regionales, como la palma y la sandunga, dentro de un tono lúdico de cabaret, ofreciendo una experiencia teatral única.

3. Honestidad en escena. Uno de los puntos más destacables de este montaje es la honestidad abrumadora de las actrices, todas Muxes reales, quienes comparten con el público sus propias experiencias sin artificios, convierte esta obra en un evento transformador que trasciende el escenario, desafiando prejuicios y fomentando la reflexión sobre la diversidad y la tolerancia.

Si quieres pasar una noche gozosa en compañía de estas increíbles muxes, no te puedes perder su última presentación en El Vicio, en uno de los espacios exclusivos dedicados al teatro cabaret, este 10 de diciembre a las 19:30 h, más info da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Fernanda Olivares

Este año el Teatro de los Insurgentes cumplió 70 años. Durante siete décadas este recinto ha albergado a grandes producciones y ha sido parte fundamental de la historia del teatro mexicano. El mural en su fachada, precisamente se titual Historia del teatro en México. Creado en 1953 por el pintor y muralista Diego Rivera, es una obra que forma parte del paisaje urbano de la importante avenida y de la Ciudad de México.

Hoy recordamos a Diego Rivera, quien nació el 8 de diciembre de 1886 en Guanajuato. La relación de Rivera con el teatro no se limita solamente al maravilloso mural de mosaico que adorna el Teatro de los Insurgentes.

El pintor guanajuatense mantuvo toda su vida una relación cercana con el teatro. Estuvo en contacto, de manera particular, con las representaciones escénicas de carácter popular como la capa y la revista. Como parte de su obra plástica, incursionó en el diseño de vestuario y escenografía para teatro.

Desde los años 20 del siglo pasado, Rivera mantuvo lazos de amistad con Carlos M. Ortega, Pablo Prida y Manuel Castro Padilla, autores de teatro de revista. Según señala la autora Dina Comisarenco Mirkin, en su estudio “La imaginación y la historia en el mural del Teatro de los Insurgentes de Diego Rivera”, el artista asesoró y participó de forma directa en algunos decorados para estas obras y comedias populares.

La misma autora señala que una de estas obras, pudo haber sido Aires Nacionales, estrenada en 1921, probablemente en el Teatro Lírico, en la cual actuaron Lupe Rivas Cacho y Roberto “El panzón” Soto. Con ambos Rivera sostuvo una relación de amistad, Soto fue su amigo cercano e incluso personificó al pintor en algunos montajes.

Entre los trabajos escenográficos que realizó Diego Rivera están:

• El Corrido de Juan Saavedra, escrita por María Luisa Ocampo Heredia y estrenada en 1929. Armando María y Campos destaca en la crítica “Estreno de El don de la palabra de Agustín Lazo, por la Compañía Mexicana de Comedia de la Unión Mexicana de Autores”, escrita en 1950 para Novedades, que este fue el debut de Rivera como escenógrafo.
• En 1929 realizó diseño de decorados y vestuarios para obras pedagógicas desarrolladas por Amalia Castillo Ledón dentro de el Teatro del Periquillo, un proyecto de títeres de Bernardo Ortiz de Montellano.
• En 1930 hizo diseño de decorados para la Carpa Morelos. La cual ofrecía funciones en barrios populares de la Ciudad de México y era patrocinada por el entonces Departamento Central del Distrito Federal.
• Entre 1926 y 1932 Rivera trabajó con el compositor Carlos Chávez en el diseño de vestuarios y decorados para el ballet sinfónico Horse Power. La cual estrenó en 1932 en Pensilvania en el Metropolitan Opera House de Filadelfia.
• En 1937 Rivera hizo la escenografía de Rayando el sol, una obra de revista de Carlos M Ortega. La cual se presentó en el Teatro Esperanza Iris y posteriormente en el Palacio de Bellas Artes.
• En 1950 realizó su último trabajo escenográfico para El cuadrante de la soledad, escrita por José Revueltas y dirigida por Ignacio Retes. La obra se presentó en el Teatro Abreu y la escenografía diseñada por Rivera presentó una serie de problemas que iban desde que estaba mal aforada y que el piso del teatro, por sus malas condiciones, no resistía el peso de la estructura.

Diego Rivera en vida y después de muerto inspiró a muchos personajes en el teatro y, vida inspiró a diversos autores para realizar montajes sobre su vida. Sin embargo, uno de sus legados más visibles en el mundo del teatro es el mural del Teatro de los Insurgentes.

El rostro enmascarado y las manos femeninas a su alrededor son el centro alrededor del cual Rivera colocó personajes conocidos, personajes anónimos y personajes de la historia de México para hablarnos de la historia del teatro. Hoy la obra todavía observa el incesante movimiento sobre la avenida Insurgentes y da la bienvenida a los espectadores que ingresan al teatro.

El propio artista señaló que el mural lo cubrió “con escenas de obras de teatro que reflejan la historia de México desde la Colonia al presente”. Ahí están presentes Cantinflas, diablos y ángeles, Hernán Cortés, Juan Ruiz de Alarcón, Fernández de Lizardi, Morelos, Miguel Hidalgo y Juárez, mujeres danzantes, bailes regionales, Emiliano Zapata, personajes de Los de Abajo, Maximiliano y Carlota, entre otras imágenes.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Este año, la capital se viste de tradición y alegría con la llegada de las emblemáticas pastorelas, una manifestación teatral que fusiona la sátira, la comedia y la crítica social, en la que podemos ver un abanico de propuestas, desde las más clásicas hasta las más novedosas.

Como ya es tradición, la CDMX se convierte en escenario de historias épicas que narran la lucha entre el bien y el mal, todo ello aderezado con el ingenio y el humor característicos de estas representaciones.

Así que alista tu abrigo, los guantes y prepárate para disfrutar de la temporada de pastorelas que ha llegado para iluminar nuestras navidades con un toque único y divertido.

1. Alitas a la Diabla “La pastorela de los famosos”. Acompaña a estos pastores que deberán enfrentar diversas tentaciones en su viaje a Belén, donde la gula, la lujuria y la ira, lideradas por Lucifer y sus diablillos,, complican la misión. Cuenta con funciones los días 10 y 17 de diciembre en el Teatro Sogem Wilberto Cantón.

2. Pastores a las brasas. Aquí los pastorcillos, guiados por distraídos Ángeles, deberán enfrentar diversas trampas de los representantes del mal, para llegar a tiempo y adorar al Niño Jesús. Se presenta los sábados hasta el 30 de diciembre en el Sótano Foro.

3. ALVerno pastores. Comediantes y personalidades de la televisión serán los encargados de contarte esta historia bíblica, mezclada con sucesos de la política, la sociedad, los deportes y los espectáculos. Levanta el telón este 8 de diciembre en el Teatro 11 de Julio.

4. Las desventuras de Lucifer. En esta versión Lucifer, es el “amo del disfraz”, con mucha astucia intentará desviar a los pastores que son guiados por los arcángeles Gabriel y Miguel, que resultan ser un poco torpes, provocando un un sin fin de carcajadas. A partir del 10 de diciembre, además tendrá funciones especiales en el Espacio Teatral Danzite

5. Pachecas a Belén. Con más de 30 años de tradición, las hermanas Severina, Blandina y Lumina,emprenden su viaje a Belén luego de toparse con un sexy arcángel quien les anuncia la llegada del mesías, sin embargo, en el camino será tentadas por el diablo quien les dificultará llegar a su destino. La temporada comienza el 14 de diciembre en el Teatro de la República.

6. Entre pingos y respingos. Espectáculo familiar con máscaras, narra las divertidas peripecias de tres amigas pastorcitas que se preparan para darle la bienvenida a los peregrinos en Belén, no obstante, los malvados Lucifer y Mefista intentarán distraerlas con mucha sagacidad. La obra comienza el 9 de diciembre en el Foro Cultural Ana María Hernández.

Actualmente tenemos una amplia variedad de pastorelas para todos los gustos, si quieres consultar la cartelera completa da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Hoy nos toca remontarnos a le época greco latina para hablar de los teatros al aire libre en la antigua Grecia y en Roma.

En la antigua Grecia nace el teatro, o al menos es el origen del teatro que evolucionó hasta el día de hoy tal como lo conocemos. Ahí se construyeron teatros al aire libre, llamados theatron, es decir “lugar de ver”. Los griegos construían estas estructuras en laderas de las colinas. Sus tres elementos principales eran la orquesta, la skene y el espacio en el que se colocaba el público.

El espacio de representación era la orquesta, que consistía en una espacio rectangular o circular y ahí se hacían representaciones corales, ritos religiosos y actuación. El skene era un edificio ubicado detrás de la orquesta en el que los actores realizaban cambio de máscaras y vestuario. Su nombre significa “tienda” o “cabaña”. Este espacio también se utilizaba como parte de las obras y podía representar un palacio o una casa.

En un inicio esta estructura era desmontable, sin embargo, en construcciones posteriores se transformó en una estructura permanente de piedra. Servían, además, en ocasiones, como telón de fondo.

Un teatro griego podía contar también con un proskenion, que es el antecesor de los actuales proscenios.

Finalmente, el público se sentaba en bancos construidos sobre la ladera de las montañas. Estos teatros, según las excavaciones arqueológicas, tenían un aforo muy grande, llegando algunos a los 15 mil espectadores. Estos teatros no contaban con muros a su alrededor.

Dentro de los complejos teatrales de la antigua Grecia, o en su cercanía, había un templo. En Atenas, por ejemplo, había un templo dedicado a Dionisio.

Posteriormente los romanos asimilaron y copiaron la estructura y estilo de construcción de los teatros griegos. Una diferencia con sus antecesores fue que no necesariamente buscaban emplazamientos naturales para ello, sino que construían muros y terrazas para edificar sus teatros.

En la actualidad algunos de estos teatros continúan presentando espectáculos como conciertos y representaciones. Algunos ejemplos de ello son los teatros griegos de Siracusa y Taormina, ambos en Sicilia, y en Orange, Francia, el teatro romano Arausio.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Imagen: Louis-François Cassas (attrib.) (1756 – 1827): Teatro de Siracusa.

El padre, escrita por el dramaturgo francés Florian Zeller, y dirigida por Angélica Rogel, es la decimocuarta Obra Seleccionada en los Premios del Público Cartelera de Teatro.

Con un elenco encabezado por el maestro Luis de Tavira y Fernanda Castillo, se presenta en el Teatro Fernando Soler. Es una historia dura y conmovedora, con toques lúdicos. El maestro Luis de Tavira da vida a Andrés, un personaje entrañable y conmovedor.

Producida por Alejandro Gou, Óscar Uriel y Guillermo Wiechers, El padre conecta profundo con el público. Las actuaciones y el trabajo creativo alrededor hace que los espectadores vivan la confusión y la angustia que vive el personaje.

La escenografía diseñada por Jorge Ballina y la iluminación de Ingrid SAC generan un espacio que transmite la sensación de una memoria dislocada. El conjunto logrado por la directora, Angélica Rogel navega en entre lo poético y el sentimiento oscuro que se va apoderando de Andrés conforme avanza su enfermedad.

El elenco, integrado además por Pedro de Tavira, Emma Dib, Ana Sofía Gatica y Alfredo Gatica, muestra solidez sobre el escenario y nos toca. El vestuario diseñado por Natalia Seligson y la música de música original de Hans Warner responden a las necesidades del montaje y lo enriquecen.

Es una obra que muestra una visión clara y precisa de lo que se desea mostrar sobre el escenario. Logra explotar toda la potencia que encierra el texto creado por Zeller.

Para más información de El Padre, haz clic aquí.

Ya comenzó la temporada navideña y, como cada año, muchas producciones ofrecen al público funciones extras. Este maratón navideño cuenta con obras de todos los géneros y para todos los gustos. Aquí te decimos qué obras tendrán este cierre de año funciones adicionales para que no te las piedras.

Qué mejor opción para iniciar este maratón que una historia clásica de esta temporada: Un Cuento de Navidad, El Musical. El elenco de este montaje lo encabeza Adal Ramones, en el Teatro San Rafael. El montaje tendrá maratón navideño del 21 de diciembre al 1 de enero. Suspende funciones el 26 y el 31 de diciembre. Para horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

El Padre, de Florian Zeller, es una obra conmovedora y entrañable. El elenco de esta obra, encabezado por el maestro Luis de Tavira y Fernanda Castillo, está integrado por Pedro de Tavira, Emma Dib, Ana Sofía Gatica y Alfredo Gatica. Bajo la dirección de Angélica Rogel se presenta en el Teatro Fernando Soler. Además de sus funciones regulares de viernes a domingo, la obra tendrá funciones diario del 25 al 30 de diciembre a las 18 horas. El montaje es una de las Obras seleccionadas en los Premios del Público Cartelera de Teatro. Para más información, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Peter Pan que sale mal es una comedia que puede disfrutar toda la familia. Se presenta en el Foro Cultural Chapultepec. En este fin de año tendrá funciones especiales el miércoles 20 y jueves 21 de diciembre, 20:30 horas. Además de presentarse del lunes 25 al viernes 29 de diciembre, 18:30 horas, y el lunes 1 de enero, 18:30 horas. Conoce aquí toda la información del montaje, horarios regulares, boletos y descuentos.

El musical Mamma Mia! está cerrando temporada después de 10 meses de éxito en el Teatro Insurgentes. Se trata de una de las Obras Seleccionadas en los Premios del Público Cartelera de Teatro 2024. Lisset, Alejandro de la Madrid, Marisol del Olmo, Francisco Rubio, Gicela Sehedi, Armando Arrocha, Luja Duhart, Sofía Carrera encabezan el elenco de este montaje, que cuenta con Kika Edgar como actriz invitada. Para cerrar esta exitosa primera temporada presentará funciones especiales en esta época navideña. Además de las funciones normales, sus horarios especiales serán el martes 26 de diciembre, 20:00 horas, y del miércoles 27 al sábado 30 de diciembre, 17:00 y 20:30 horas. Haz clic aquí para toda la información y para obtener descuentos.

El musical Anastasia, que se presenta en el Teatro Telcel tendrá funciones especiales, además de sus funciones regulare el lunes 25 y martes 26 de diciembre, 18:00 horas, el miércoles 27 y jueves 28 de diciembre, 20:00 horas, viernes 29 y sábado 30 de diciembre, 16:30 y 20:30 horas y el lunes 1 de enero, 18:00 horas. Haz clic aquí para más información y comprar tus boletos.

El Mago tiene también funciones adicionales para que la disfrutes en esta temporada. Además de sus horarios acostumbrados, tendrá funciones especiales por temporada navideña el  miércoles 27 y jueves 28 de diciembre, 18:00 horas, viernes 29 de diciembre, 17:00 y 20:30 horas, miércoles 3 y jueves 4 de enero, 18:00 horas y viernes 5 de enero, 17:00 y 20:30 horas. El montaje se presenta en el Teatro Hidalgo y es tambíen una de las Obras Seleccionadas en los Premios del Público Cartelera. Para conocer toda la información de la obra y obtener descuentos, haz clic aquí.

Afterglow con las actuaciones de Manuel Balbi, Roberto Romano, Gary Centeno, Carlo Basabe, Mauricio Rousselon, Alfonso Soto y Ricardo Piza (Alternando Funciones), además de sus funciones regulares, tendrá funciones por temporada navideña del martes 26 al sábado 30 de diciembre, 20:30 horas. La obra se presenta en el Teatro Sogem Wilberto Cantón, para más información y descuentos haz clic aquí.

En esta temporada también puedes disfrutar Lagunilla mi barrio que se presenta en Centro Cultural Teatro 2. La obra, cuenta con un gran elenco encabezado por Laura León “Tesorito”, Ariel Miramontes “Albertano”, Maribel Guardia, Freddy y German Ortega. Tendrá su maratón navideño del martes 26, miércoles 27 y jueves 28 de diciembre, 19:00 horas, en el cual además rifarán piñatas hechas por el elenco del montaje. Aquí puedes consultar sus horarios regulares, conocer los precios de los boletos y obtener descuentos.

También el clásico de Alejandro Jodorowsky, El juego que todos jugamos, tiene funciones especiales por esta temporada. Además de sus horarios regulares la obra tiene funciones especiales del 26 al 30 de diciembre. Aquí puedes consultar horarios y obtener descuentos. No te pierdas de esta obra que, con 8 años en cartelera, ha realizado más de 3 mil funciones.

2:22 una historia paranormal, con las actuaciones de Diego Klein, Alejandra Ambrosi, Erika de la Rosa, Jorge Losa tendrá funciones especiales el lunes 25 de diciembre, 19:00 horas;  martes 26, miércoles 27 y jueves 28 de diciembre, 20:00 horas; y sábado 30 de diciembre, 18:00 y 20:45 horas. La obra se presenta en el Teatro Xola Julio Prieto, para más información, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Dos más dos, con Mauricio Islas, Sabine Moussier, Plutarco Haza, Wdeth Gabriel, Maria Aura, Rykardo Hernández y Alejandro Avila (Alternando funciones), también suma algunas funciones extra para esta temporada, del martes 26 de diciembre al sábado 30 de diciembre, 20:30 horas. La obra se presenta en el Teatro Royal Pedregal, aquí te puedes enterar de toda la información y obtener entradas con descuento.

Como quieras…¡Perro ámame! se presenta en el Teatro Renacimiento y también tendrá funciones especiales esta temporada. El elenco integrado por Daniel Gama, Erika Tahis, Karina Luna y Rykardo Hernández (Todos alternan funciones), además de las funciones regulares de la obra tendrá horarios los días martes 26, miércoles 27, jueves 28 y viernes 29 de diciembre, 18:00 y 20:30 horas. Aquí puedes consultar los horarios regulares además conocer precios de los boletos y obtener descuentos.

En el Teatro López Tarso, Centro Cultural San Ángel puedes disfrutar de la exitosa comedia Toc Toc. La obra cuenta con un gran elenco y ha divertido al público por más de 10 años en cartelera. El montaje, además de sus funciones regulares, tendrá Funciones por temporada navideña del martes 26 al sábado 30 de diciembre 18:00 y 20:00 horas. Aquí puedes obtener descuentos y conocer toda la información de la obra.

La dama de negro tendrá funciones especiales en el Teatro Ofelia los días Lunes 25 de diciembre a las 19:00 horas, martes 26 de diciembre a las 20:30 horas; miércoles 27 de diciembre a las 20:30 horas; jueves 28 de diciembre 20:30 horas; viernes 29 de diciembre 20:30 horas; Sábado 30 de diciembre a las 18 y 20:30 horas; lunes 1 de enero a las 19 horas; viernes 5 de enero 20:30 horas; sábado 6 de enero a las 18 y 20:30 horas; y domingo 7 de enero 18 horas. Más información y descuentos aquí.

Escape Room se suma a los maratones navideños. La comedia, se presenta en el Nuevo Teatro Libanés, con las actuaciones de Faisy, Alejandra Barros, Juan Martín Jauregui y Paly Duval. Durante el mes tendrá funciones regulares, pero los días martes 26, miércoles 27 y jueves 28 de diciembre, 18:00 y 20:30 horas y el viernes 29 de diciembre, 18:00 y 20:30 horas tiene horarios especiales por temporada navideña. Aquí puedes conocer más información de la obra y obtener descuentos.

El musical Mentiras sigue siendo un referente en la cartelera teatral de la Ciudad de México. Se presenta en el Teatro Aldama y suma a sus horarios regulares horarios navideños el lunes 25 y el miércoles 27 de diciembre a las 20 horas, así como el lunes 1 de enero, también a las 20 horas. Aquí puedes conocer los horarios regulares, costos de entradas y obtener descuentos.

Por su parte, MentriDrags suma una función adicional por temporada navideña el martes 26 de diciembre, 20:00 horas. Aquí puedes conocer los horarios regulares y obtener descuentos.

¿Quién le teme al lobo feroz?, se presenta en el Teatro Nuevo Libanés y tendrá funciones adicionales el jueves 21 de diciembre, 12:00 horas, viernes 22 de diciembre, 14:00 horas, jueves 28 de diciembre, 14:00 horas, y viernes 29 de diciembre, 12:00 horas. Consulta aquí toda la información, boletos y descuentos.

También en en Nuevo Teatro Libanés, Jack y los Frijoles Mágicos, un Musical Gigante suma a sus funciones horarios especiales el jueves 21 de diciembre, 14:00 horas, viernes 22 de diciembre, 12:00 horas, jueves 28 de diciembre, 12:00 horas y viernes 29 de diciembre, 14:00 horas. Aquí puedes consultar toda la información, además de adquirir boletos con descuento.

Además puedes disfrutar de pastorelas como: Tradicional Pastorela Mexicana, Diablos revolucionarios, Alitas a la Diabla “La pastorela de los famosos”, Pastores a las brasas, ALVerno pastores, Las desventuras de Lucifer, Pachecas a Belén, Entre pingos y respingos, y ¡Sácate diablo panzón! Pastorela.

Otras opciones son obras para esta temporada como Antinavideños 2023: Fenómenos Antinavideños, Las mamás presentan: Una noche en Navidad,  Frosty, un muñeco de nieve el musical, El Grinch, un cuento musical, Un reencuentro con la Navidad, Navidad en Pica-Piedra, Loca Navidad de enredos, El Grinch, Cuento de Navidad, Toma tu Navidad y Una Navidad con Santa.

Consulta todas las obras que tendrán funciones esta temporada en nuestra cartelera.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía PinPoint.

Entrevistamos a Óscar Carapia, quien está celebrando 29 años de carrera con proyectos como Un cuento de Navidad, Vedette y Leyendas. Además está próximo a finalizar su temporada Amor sin barreras, la cual dirige. Platicamos con el el director, coreógrafo y productor de estos proyectos y sobre su vida en el teatro.

Sobre Un cuento de Navidad, nos dice que hace tiempo no se ponía una versión musical. Esta versión del musical, con un elenco encabezado por Adal Ramones, fue creada por Alan Menkel, Lynn Ahrens y Mike Ockrent. Óscar Carapia considera muy afortunado presentar en género musical esta historia, pues amplía el público al que puede llegar.

El texto escrito por Dickens en 1843, destaca el maestro Carapia, es una “historia maravillosa y atemporal”, la cual “sigue resonando” y nos cuestiona qué tanto hemos evolucionado como humanidad.

En el Teatro San Rafael el público encontrará una puesta en escena para toda la familia. “El Cuento de Navidad es eso, una historia que tiene diferentes lecturas en diferentes capas”, explica su director. En este sentido, considera que tanto niños, adolescentes, jóvenes, adultos y adultos mayores entenderán distintas cosas y la verá cada uno desde su percepción. Se trata, explica, de una obra que divierte, pero que toca el corazón.

Al respecto, el director reflexiona que todos los involucrados en la producción coincidieron en que “hay algo que contar con esta historia”. Si bien prefiere no llamar mensaje o moraleja a lo que la obra transmite, “sí hay un compromiso social también al montar una obra como esta y contar esta historia”. Destaca que se trata de una obra que habla de la condición humana, la cual es la misma en todos lados. Por ello, considera, se trata de un montaje que es entrañable y compartible con nuestros seres queridos.

 “El Scrooge que Adal entrega es un Scrooge memorable, y sobre todo entrañable”

Al ver esta versión de Un cuento de Navidad, uno siente como espectador una compañía sólida y compenetrada sobre el escenario. Platicamos sobre este tema y el proceso de montaje con su director. Al respecto, señala: “Tenemos la fortuna de haber encontrado una cabeza de compañía tan afortunada como Adal Ramones que es un actor ya probado”.

Este es el tercer musical en el que han trabajado juntos Carapia y Ramones. El director señala que Adal tiene muy claro que la actuación es compromiso. En este sentido, afirma: “Estudia, es tesonero, se prepara, toma clases de baile y de canto. Está haciendo un papel, creo, que es definitivo en su carrera como actor”.

Para Óscar Carapia el Scrooge que logra el actor y conductor es memorable y entrañable, “porque el viaje emocional que tiene el personaje lo ha entendido muy bien”.

Además, resalta que soportando a Adal cuenta con un “elenco espectacular”. Este elenco, explica, cuenta con gente que tiene toda la vida y experiencia dentro del teatro musical como Arturo Echeverría, Angie Vega, Óscar Piñero o Lalo Ibarra, además de talentos jóvenes como Caro Vélez, Mau Hernández, Axel Alcántara ,Axel Gollaz, Bobby Mendoza, Ana Luz Rivero, o Enrique Cosío.

Una cofradía llena de compañerismo, amor y respeto

Para Óscar Carapia el teatro es, básicamente, “la maravilla de trabajar en equipo”. Sobre este tema, destaca el trabajo que han realizado Alejandra Ballina como su directora asociada, Analí Sánchez Neri en la dirección musical y vocal, Arantza Muñoz como asistente de dirección y coreografía, Daniela Guasque en la asistencia de dirección y en la dirección de los niños. Trabajar con este equipo, considera, ha sido una fortuna, pues las mujeres que hacen teatro en México, reflexiona, son talentosísimas y parte fundamental de la industria, pero no siempre son justamente reconocidas.

Con esta obra, afirma, se logró una cofradía llena de compañerismo, amor y respeto. “Un grupo extraordinario de productores”, el elenco, el equipo creativo, sumaron sus voluntades de querer hacer este proyecto, señala.

Sobre el grupo de productores, que incluye a Diego Cantú, Carlos Mtz. Vidaurri, Daniel Delagodo, Óscar Carnicero, Alfredo Atayde, Arturo Barga, Rosina Rojas, Rodrigo Trujillo, Alejando Pujol y Mario Cuevas, destacó que son gente muy comprometida, cada uno presenta siempre proyectos de calidad.

Crecí en una familia cuyos abuelos maternos les gustaba mucho la vida nocturna

En un “capricho” por rescatar las grandes noches de cabaret, Carapia tiene dos espectáculos en el Foro Stelaris, Fiesta Americana Reforma: Vedette y Leyendas. Al respecto, explica, es parte de la nostalgia y de haber crecido viendo fotografías de aquellos grandes cabarets. “Yo crecí en una familia cuyos abuelos maternos les gustaba mucho la vida nocturna, el teatro, el cine, los conciertos y, evidentemente, dentro de estos gustos, eran las grandes épocas del cabaret”, señala.

En aquel entonces, comparte, existían los grandes cabarets como La fuente, como el Señorial, El Casablanca, El Capri. Parte de la experiencia que vivió el maestro Carapia, fue entrar a trabajar muy joven, por invitación del maestro Jorge Neri, con Francis y conocer a Lila Deneken y Olga Breeskin, “gente que hizo el cabaret en México los últimos años cuando todavía existía”. Por ello, agrega, “siempre me quedé con el gusanito de querer trabajar y hacer este tipo de espectáculos”.

Cuando Nacho Carral y Ricky Berdichevsky se suman para realizar el proyecto, nos dice el director y coreógrafo, fue un sueño cumplido. “ Qué mejor celebración para mí de una carrera muy afrotunda, de la que me siento muy agradecido”, confesó.

Regresar al público a estas noches de cabaret

Para estos espectáculos se rescató el Salón Stelaris, hoy Foro Stelaris, el cual era uno de los grandes cabarets y salones de entretenimiento de los años setenta y ochenta. Explica Carapia: “Está absolutamente remodelado, justamente lo quisimos hacer para que la isóptica y la acústica del lugar fuera aún mejor y aventurarnos a regresar al público a estas noches de cabaret”.

“Por un lado está Vedette, que es el gran homenaje a la pluma y a la lentejuela, a la diversión, al doble sentido, porque por ahí también jugamos. Alejandra Ley es ahora la anfitriona del espectáculo, es una pachanga absoluta con ella. Leyendas, es el gran homenaje al bolero, a la canción romántica”, nos dice el también productor.

Sobre Leyendas, destaca la ventaja de contar con un elenco que proviene del teatro musical, los cuales no solo son grandes cantantes sino también grandes intérpretes. Lo resume de la siguiente manera: “Eugenio Montessoro, Regina Velarde, la enorme Aitza Terán, Pablo Monsar, Ricardo Bonilla, todos los que forman parte de Leyendas, tienen esa característica. La extracción teatral les ayuda a abrazar las canciones y las letras, hacerlas pequeñas historias y venderlas a la gente con esa pasión que estos grandes intérpretes tenían”.

“Un enorme y afortunado camino de un niño que un día quiso dedicarse a esto”

El maestro Carpia está por llegar a 30 años de trayectoria el año que entra. “Han sido circo, maroma y teatro”, dice. Resume su trayectoria de la siguiente manera: “Puedo definirlo como un enorme y afortunado camino de un niño que un día quiso dedicarse a esto”. Si bien, nos confiesa en un inicio buscó ser actor y ejecutante, después descubrió la parte creativa, del backstage y manejar un poco los hijos, “y quedé enamorado completamente de estar del otro lado del escenario”.

Esta carrera, nos dice, le ha dado la oportunidad de pisar escenarios muy importantes en México y en otros lugares, además de trabajar con personalidades como Filippa Giordano, Silvia Pinal, Verónica Castro, Guadalupe Pineda, Cristian Castro, Alejandra Guszmán, Pedro Armendáriz, Julio Alemán y Marga López. Además, agrega, ha podido conocer y trabajar con gente cien por ciento de extracción del teatro musical como Oliva Bucio, Manuel Landeta, Javier Díaz Dueñas, Enrique del Olmo, Lola Cortés, Beto Torres, María Filippini, Mauricio Salas, Gloria Toda, Ana Ceci Anzaldúa, Diego Meléndez, Natalia Moguel, o “hermanas del alma” como Lisset y Marisol del Olmo, entre muchos otros nombres.

“Yo resumo estos treinta años como un camino de mucha fortuna, un camino del que estoy muy agradecido, un camino que todavía tiene cosas por dar”, nos dice. “Hay mucha gente muy talentosa, gente joven, mediana y mayor, con la que todavía no he trabajado, y me muero de ganas [… ] de contar historias juntos y de crear espectáculos juntos”, apuntó.

“El teatro me ha dado la oportunidad de entrar a este viaje de conocerme, de amarme y de aceptarme”

Para nuestro entrevistado el teatro le ha dado todo. Le ha dado, explica, desde cuestiones materiales como una casa y sustento, hasta cosas como una familia extendida y sus mejores amigos. “Sobre todo me ha dado algo que tenemos que sentirnos afortunados quienes hacemos teatro [… ] me ha dado el poder de conocerme mejor, de hacer un viaje de autoconocimiento y entender a este ser humano tan complejo y tan maravilloso, también, que soy. El teatro me ha dado la oportunidad de eso, de entrar a este viaje de conocerme, de amarme y de aceptarme”, reflexiona.

Para celebrar sus treinta años de carrera nos dice que seguirá con la temporada de Leyendas y de Vedette. “Me parece ya una celebración”, nos dice, y agrega que lo más complejo de producir no es estrenar un espectáculo sino sostenerlo”.

Nos adelanta también que además de varios compromisos ya pactados para el año que entra, está una propuesta interesante para volver a hacer la coreografía de un musical.

Celerbrar “esto tan maravilloso que hacemos

Sin embargo, nos comparte el deseo de para la segunda mitad del año hacer un espectáculo en el cual pueda reunir a gente que quiere y admira. En este sentido, dice, algo como el concierto Al piano y al revés que organizó hace poco más de diez años. Más que para celebrarse a él mismo -que sería demasiado ego confiesa – se trata de una “celebración de esto tan maravilloso que hacemos”.

Finalmente, Óscar Carapia nos dice que tiene todavía muchas cosas por hacer después de 30 años de carrera: “La voluntad es hacer cosas, parecería que no, pero siempre hay cosas, siempre hay proyectos, metas o sueños por hacer. Tengo muchísimas ganas de hacer muchas cosas, de traer obras a México, de seguir produciendo, de hacer nuevos espectáculos, de avivar todavía más el género del cabaret y del centro nocturno. Mientras haya salud, y luego locos que quieran junto conmigo intentarlo, que bendito dios siempre los encuentro, seguiremos haciendo cosas”.

Para más información de Un cuento de Navidad, haz clic aquí. Para toda la información de Vedette y Leyendas, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía Óscar Carapia.

Este miércoles se anunció el inicio de Fenómenos Antinavideños, Las antinavideñitas y Ángeles exterminadoras en el Teatro la Capilla. En conferencia de prensa, Boris Schoemann, director artístico del recinto, explicó que la tradición de los antinavideños está cumpliendo 20 años.

La obra con la que iniciaron en México los antinavideños en 2003, señaló Schoemann, fue Ángeles exterminadoras, del dramaturgo canadiense Yvan Bienvenue. Estos cuentos urbanos, se acostumbra montarlos en Montreal “durante el frío invierno, con la nieve, contar historias de soledad, historias de personas que se encuentran varadas durante las épocas navideñas, con la idea de que no todo es fiesta y alegría en la Navidad, que hay gente sola, triste y que la pasa muy mal en estas fechas”, explicó.

Esto surge en los años noventa del siglo XX en Montreal. Muchos dramaturgos empezaron a escribir junto con Bienvenue para que cada año se tuviera una convocatoria nueva. “Todos los más famosos dramaturgos canadienses, Wajdi Mouawad escribió uno también, muchos escribieron un cuento antinavideño, un cuento urbano, como se llaman allá”, señaló Schoemann.

Si bien el director artístico del Teatro La Capilla no esperaba que se convirtieran en una tradición, en ellos vio algo importante: “Traduje estos tres textos para hacer este espectáculo aquí, porque me parecieron muy interesantes. Sobre todo cuando los leí los sentí muy mexicanos […], aunque eran personajes de allá, en situaciones de allá, nos hablaban muchísimo aquí también”.

Sobre cómo estas historias funcionan a través del humor negro, el traductor y dramaturgo señala que permiten “trabajar a partir del humor, de la ironía para hablar de nuestras propias carencias”. En esto coincide Daniel Bretón, codirector con Schoemann de Fenómenos Antinavideños y Las Antinavideñitas: “El humor nos lleva a entender algo a través de la risa. Eso permite que el mensaje llegue, nos conmueva, pero sin dolernos nada más, sino puedes relacionarlo con tus familiares, con tus amigos, o con un año nuevo que pasaste horrible, pero a través de un personaje te permite exorcizarlo y liberarlo”.

Talía Marcela, María Elena Olivares, quienes hace 20 años la interpretaron, acompañadas por Ana Karina Guevara, presentarán el 18 y 19 de diciembre Ángeles exterminadoras. Con estas dos únicas funciones se celebrarán los 20 años de que se presentó por primera vez este montaje. “Con este espectáculo arrancaremos el festejo de los cuentos Antinavideños”, expresó el director artístico de La Capilla. Las actrices actúan bajo la dirección de Boris Schoemann los cuentos “Cocalina”, “Feliz Navidad, Julia” y “Chocolate”.

Además se presentarán los ganadores de la última convocatoria de los Antinavideños y como hace cinco años, Los antinavideñitos, que en esta ocasión serán Antinavideñitas.

Schoemann explicó que cada año se hace una convocatoria abierta en la cual los dramaturgos concursan y se seleccionan 3 o 4 cuentos para escenificarlos. Se trata, agregó, de un espectáculo distinto cada año, durante estos veinte años, destaca, ha habido todo tipo de personajes. “Tuvimos muchos y muchas dramaturgas mexicanas como Mariana Hartasánchez, Jimena Eme Vázquez, Verónica Bujeiro, que escribieron textos maravillosos”, apuntó

Daniel Bretón comentó que dentro de Fenómenos Antinavideños, “tenemos tres textos que son muy divertidos […], son tres textos muy refrescantes, con un gran elenco y es muy divertido, son encantadores”.

Los cuentos antinavideños se presentarán en La Capilla entre el 20 y el 30 de diciembre (suspenden funciones el 24 de diciembre). Fenómenos Antinavideños está compuesto por “Carlitos brazos de piñata” de Pablo Cano Camacho, texto ganador de la convocatoria este año, interpretado por Fernando Villa. Además, se presentan los finalistas “Trust issues” de Nareni Gamboa, con Nohemí Espinosa y “Por obra de Cristo” de Diego Celaya, con la actuación de Emmanuel Lapín.

Sobre La antinavideñitas, Schoemann explicó que desde hace cinco años se lanza una convocatoria dirigida a adolescentes. Para ello, dijo, se da cada año un taller; este año lo impartió Jimena Eme Vázquez. En esta ocasión participaron 5 adolescentes, de las cuales terminaron todas y se presentarán con un cuento antinavideñito.

Daniel Bretón destacó, en el caso de Las antinavideñitas, que “es muy interesante ver cómo jóvenes que apenas están escribiendo, que apenas se están acercando al teatro de repente saltan a la escena y empiezan a construir su propio cuento antinavideño para el espectáculo”. Se trata, consideró, de una puerta para que los adolescentes se acerquen al teatro y realicen sus pininos en el escenario. “Hay unos textos muy fuertes y muy divertidos, muy inteligentes y creo que eso es también parte del sello de los adolescentes”, destacó Bretón.

Las Antinavideñitas se presentan en la Sala Novo del 21 al 30 de diciembre, suspenden función el día 24. De los 5 cuentos, cuatro los interpretarán sus propias autoras: “Enigmas al regalar”de Theodora Román Torres, “Mágicas confusiones” de Karla P. Rocha, “Marginada navidad” de Ana C. Jacobo y “Una navidad sin Santa” Natalia Grandio. En el caso de “Alegato Navideño” de Yollotzin Tenorio Herrera, será interpretado por Gerardo Mendoza.

Para más información de Fenómenos Antinavideños, haz clic aquí. Para conocer más sobre Ángeles exterminadoras, aquí. La información de Las Antinavideñitas la encuentras aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cartelera de Teatro.

Con la llegada del frío y la temporada navideña, es imposible no pensar en El Cascanueces que continúa cautivando los corazones de chicos y grandes, que emerge cada temporada navideña como un tesoro cultural inigualable.

Esta obra maestra de Piotr Ilich Chaikovski, estrenada por primera vez en 1892, nos transporta a un mundo mágico donde los sueños y la realidad se entrelazan en una pieza dancística clásica encantadora.

A lo largo de los años, El Cascanueces ha evolucionado con diversas interpretaciones y cada una ha aportado su propia visión y estilo único, por tal motivo, es un clásico que sigue resonando en los escenarios de todo el mundo y la cartelera capitalina no es la excepción.

Aquí te traemos todas las versiones que están disponibles para que acudas al teatro para conocer la historia de Clara y su valiente Cascanueces:

1. Teatro de la Ciudad Esperanza Iris presenta una versión clásica basada en el original de Marius Petipa, bajo la dirección de Mariana Suárez Sánchez a cargo del Ensamble de Danza Clásica del Centro Cultural Ollin Yoliztli compuesto por cerca de cien jóvenes bailarinas y bailarines en escena, del 14 al 17 de diciembre.

2. Auditorio Nacional. La Compañía Nacional de Danza presenta esta versión con la coreografía de Nina Novak, basada en la original de Lev Ivanov, con la dirección artística de Elisa Carrillo y Cuauhtémoc Nájera en donde participan las escuelas de danza y la Orquesta del Teatro de Bellas Artes, bajo la batuta de la española Júlia Cruz, del 15 al 23 de diciembre.

3. Centro Universitario Cultural (CUC). La Filarmónica de las Artes y la Compañía de Danza de las Artes presentan este tradicional cuento de hadas y ballet, del 15 de diciembre de 2023 al 7 de enero de 2024.

4. Nuevo Teatro Libanés. Por su parte, la compañía independiente de danza clásica, Ardentia Danza también se suma a este abanico de ballet con esta propuesta que combina magia y fantasía que nos harán pasar una noche inolvidable de Navidad, sólo este 19 de diciembre.

5. Teatro de la República. El Colectivo artístico Vórtex Danza nos deleita con su adaptación del ballet inmortal, con música de P. J Tchaikovsky, este 20 de diciembre.

6. Teatro Tepeyac. La compañía de danza Far Alonso Ballet Company, dirigida por el bailarín, Maestro y coreógrafo, Far Alonso, es la encargada de subir a escena la historia de dos hermanos, Clara y Fritz, del 16 de diciembre al 6 de enero del 2024.

No importa donde vivas, todos los capitalinos tenemos una versión dancística de este legendario ballet que nos invita a creer en la magia y el espíritu navideño.

Por Itaí Cruz, Fotos: Audilucem

El hijo de put* del sombrero es un texto de Stephen Adly Guirgis. La obra en el 2011 fue nominada a 6 premios Tony, incluida Mejor Obra. Se trata de una obra que sin miramientos hace una crítica a una sociedad que juzga y condena a las personas vulnerables desde una supusta superioridad moral..

En el Foro Shakespeare actualmente se presenta un montaje de esta obra bajo la dirección de Daniel Giménez Cacho. El elenco, que con gran rigor da vida estos personajes rotos está integrado por Nailea Norvind, Lucio Giménez Cacho Goded, Lakshmi Picazo, Luis Vegas y alternando papel Francisco Rubio y Rodrigo Virago

Aquí te contamos tres razones por las cuales ver esta obra.

1. Comedia ácida y punzante. El hijo de put* del sombrero es un texto poco común, políticamente incorrecto y con un humor negro muy particular. Es una historia sobre personajes rotos, incapaces de luchar contra sus impulsos y el cinismo, que nos hacen voltear a ver nuestras propias carencias. Se trata de una obra en la que los verbal, el continuo choque de ideas entre los personajes, provoca la acción.

2. Una dirección meticulosa. Daniel Giménez Cacho realiza un cuidadoso trabajo de dirección en esta obra. Giménez Cacho guía a su elenco por los matices emocionales de sus personajes. En una obra como esta,  sobre personas fracturadas, esto es fundamental. Elenco y director logran el tono emotivo necesario y mantienen la unidad sin perderse en los constantes duelos verbales y escenas con una carga violenta implícita.

3. Adaptación sólida y cuidada. El texto creado por Stephen Adly Guirgis, por su naturaleza, presenta ciertas dificultades al trasladarse a otro idioma. La traducción y adaptación de Roberto Cavazos es un trabajo bien cuidado que enriquece al montaje. Ante el reto de largos y constantes diálogos cargados de palabras violentas y argots locales, Cavazos nos entrega una versión sólida que logra un tono que nos coloca en un lugar indefinido donde el foco cae en estos personajes extraviados.

En resumen, podemos decir que estamos ante un montaje en el que cada elemento cuadra en la propuesta y cumple su función. El diseño escenográfico es de Atenea Chávez, el diseño de iluminación de Aurelio Palomino, la música original e interpretación en vivo es de Carlos Mier y el diseño de vestuario es de Anna Terrazas.

Para más información, horarios, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cortesía IQ Icunacury Acosta & Co.

Hace una semana les armamos un listado con una primera ronda de las pastorelas que arrancaron su temporada y para seguir manteniendo viva esa tradición, aquí va una segunda parte para que comiencen la semana planeando su próxima visita al teatro con estas opciones:

Pastorela Monumental. Te pasas de la Mancha. En esta propuesta los pastores estarán acompañados, ni más ni menos, que por el Quijote, el personaje más emblemático de la literatura clásica española, quien en busca de nuevas aventuras, se enfrenta a las divertidas trampas que el malvado Luzbel les ha preparado para impedir que lleguen a celebrar el nacimiento del salvador. Se presenta hasta el 1 de enero en Re-Crea Teatro, Coyoacán.

Tradicional Pastorela Mexicana. En esta clásica pastorela, podrás ver desde una una corrida de toros hasta una pelea de gallos disfrutarás de las aventuras de un pelotón de demonios que buscará tentar a los pastores, pero deberán enfrentarse al “Arcángel San Miguel” y su escudero “San Rafael”. Esta fiesta con más de 30 años de tradición se presenta hasta el 30 de diciembre en el Claustro del Instituto Cultural Helénico.

Entre huaraches, pingos y ángeles. En esta propuesta, seremos testigos de la historia de Juvencia, una pequeña niña de 10 años que vive en el campo con su abuelo que es seducida por una serpiente, que quiere perderla por el camino del mal, cuando ella se dirige a adorar al niño Jesús. Se presenta en dos foros: en la Librería Mauricio Achar de Gandhi y Garko Café Cultural.

Pastorela Tradicional de Coyoacán, diablos revolucionarios. Una pastorela con más de 20 actores en escena que rescata la puesta tradicional acompañada por ciertos elementos más actuales como la lucha libre, el mambo, donde al término de la función, se lleva a cabo una procesión que recorre los jardines de la Casa de Cultura Jesús Reyes Heroles, hasta el 25 de diciembre.

El octavo pecado. En esta versión cómica, los pastores no sólo deberán librar los engaños de Lucifer y su malvada asistente para poder llegar a Belén, sino que deberán enfrentarse a otro pecado igual de grave, “El malinchismo”. Funciones hasta el 4 de enero en el Foro Cultural Coyoacanense “Hugo Argüelles”.

Sé lo que hicieron la pastorela pasada. En esta propuesta dos irreverente monjas harán hasta lo imposible por llevar a cabo la pastorela de este año, sin embargo, deberán sortear un alucinante desfile de caracterizaciones, donde veremos ángeles, borregos, incluso un certamen de vírgenes. Se presenta el 22 de diciembre en el Foro Expresarte de la Librería Mauricio Achar de Gandhi.

Si quieres consultar la cartelera completa da clic, aquí.

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Ylia Octavia Popesku nació en Caracas, Venezuela, hija de migrantes, de padre rumano y madre andina española. En 2013 junto con María Inés Pintado hacen la adaptación de cuatro obras emblemáticas del autor ruso Fiódor Dostoyevki, “ El idiota”, “Los hermanos Karamazov”, “Diario de un loco” y “Demonios”, en la obra “Dostoyevki: El demonio y el idiota”. En 2016 escriben “Karamazov, todo está permitido” versión de la original “Los hermanos Karamazov”. En 2018 ya como actriz de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) participa en “Bajo el signo de Tespis” y “El origen del mundo”. Su más reciente trabajo con la CNT es en la obra “Ya no hay bosques de niebla”, adaptación de Tío Vania de Antón Chéjov.

En entrevista para Cartelera de Teatro:

¿Dónde estudiaste?

“Entré a estudiar en el Taller Nacional de Teatro de la Compañía “Rajatabla”, creía que mi área era el teatro. No solo estudié con ellos, fui elegida a formar parte del elenco estable de la Compañía del Maestro Carlos Giménez (él estuvo aquí en México, lo deportaron y finalmente hizo una gran labor por el teatro latinoamericano en Venezuela). Él era quien organizaba el Festival Internacional que llegaba a México. En 1987 fue la primera vez que vine a México con “La Celestina” de Carlos Giménez en el Teatro de la Ciudad. En estos festivales internacionales de Carlos Jiménez vi un espectáculo de un grupo de Letonia, era una “Gaviota” de Chejov, no daba crédito lo que veían mis ojos, no sé qué me pasó, me hipnotizaron, me enamoré de la manera de trabajar, me acerqué a ellos y me dijeron que había opciones de estudiar allá, había extranjeros que estudiaban Artes, me moví para ver cómo eran esas opciones”.

¿Cómo fue tu formación como actriz?

“Entendí que la única posibilidad de entrar a la Unión Soviética era con una beca que me diera el gobierno; y la posibilidad era a través de la Unesco, hice los trámites, me gané la beca con todo pagado, casa, alimento y escuela. La beca fue por seis años. Tú llegabas y te mandaban donde los comunistas decidían, y a mí me tocó en Kiev, Ukrania. Era obligatorio un año estudiando el idioma, es como una preparatoria en ruso (y volví hacer otra prepa más) En Kiev, Ucrania (te lo comentaba, que fue para mí doloroso tocar esos temas en la obra) ya que terminas empiezas a adicionar para ver en donde te toca estudiar, dependiendo del resultado de tus audiciones, te podían enviar a cualquier ciudad de otra república, la capital, etc. etc. Yo había pedido artes, así que podía quedar en artes plásticas o en la escuela de teatro de Stalingrado perdida en una tundra (congelada…jaja) comiendo salchichón y manzanas“.

“Afortunadamente mis audiciones fueron apropiadas y fui a avanzando, avanzando hasta llegar a Moscú. Allí intenté entrar al MXAT, la escuela de teatro iniciada por Stanislavski, que es la Escuela del Teatro de Arte de Moscú, en ese entonces la dirigía el Actor Oleg Tabakov, pedí una entrevista con él, le “imploré de rodillas” que me dejará entrar, en ese tiempo esa escuela no aceptaba extranjeros; me abrazó, lloramos juntos, me dijo: la Universidad de Cine te puede aceptar, audicioné 400 a 1 en la Universidad de Cine y después de tres rondas quedé. Hablar ruso era obligatorio, no había manera, tenías que hablar ruso. Entré al VGIK la escuela de cine en la que estudió el Maestro Andrei Tarkvoski. Entre a la maestría de actuación para hacer cine y teatro, para ellos no hay diferencia entre una cosa y la otra; el camino para entrar a un personaje es igual en cine o teatro“.

“Estudié cuatro años de maestría, un año más de posgrado en pedagogía, me alucinó tanto que yo quería aprender a transmitir esto. Me quedé más estudiando para ser maestra. Rajatabla me influenció, claro, con ellos descubrí la pasión aun cuando yo era adolescente. Se dio la oportunidad junto con un amigo Rogelio Nevares, mexicano, de Monterrey que también estudió en conmigo en la universidad de Cine la posibilidad de venir con nuestro maestro ruso Yuri Borisovich Ilyachevski a abrir una escuela aquí, la Escuela Rusa de Actuación en México. El año que viene cumplo treinta años aquí, actuando y dando clases; primero en la escuela rusa de la que fui secretaria académica, luego en la ENAT, en la UNAM, Casa Azul, el Instituto Ruso y luego talleres míos. Ahora siento que son momentos de cambio de irreverencia, de anarquismo“.

¿Cómo fue tu acercamiento con el teatro ruso?

“Fue mágico, iba al teatro y veía cómo la gente amaba el teatro, increíble, lo aman, la gente se viste con propiedad cuando va al teatro, se arreglan, siempre está lleno el teatro; llegan con flores, siempre llevan flores. Conocen bien a sus actores, desde el “sombra que pasa dos”, los admiran y los aman. Allá los actores y artistas están al nivel de los científicos. Entregan unos premios, los Narodni Actor, que es el Premio al Actor del Pueblo, cómo el Oscar; están los que han ganado ese premio, le siguen los actores de soporte, los jóvenes y los extras, pero a todos los abrazan y aman. Eso me llenaba el alma, es un respeto y admiración por el arte, el cine, la poesía, las novelas, la pintura“.

“En los libros siempre encontrabas leyendas de propaganda política; leía un parlamento de Chéjov y de pronto aparecía un párrafo que decía: ‘El gobierno de la URSS respeta y ama al pueblo etc., etc…’. Siempre había una idiosincrasia política que empapaba a la gente. El socialismo tenía control de muchas cosas, pero independientemente de esa política tan dura, había una libertad impresionante entre los artistas; un forma de ver el mundo mucho más libre que muchos que yo conozco en la aparente libertad actual. Un movimiento underground, libre de querer leer y trabajar y amar a sus autores no reconocidos por el gobierno; en fin, fue bellísimo. Es un pueblo que de verdad me enseñó mucho. Me fui muy joven de mi casa, y ellos fueron los que me instruyeron a ver el arte; mi papá, él me instruyó a leer mucho de niña, a escuchar la música clásica, -era un apasionado de la música clásica- Rajatabla me enseñó a amar al teatro con pasión y crear desde mi corazón, y en la Unión Soviética, Rusia, Moscú, estructuré mi metodología y mi técnica”.

¿Cuál fue tu mejor experiencia?

“Fue el conocerlos de manera profunda, leerlos y saber su idioma. Leer a Dostoievski, Chejov, Gogol, Pushkin, a todos ellos los conozco de atrás para adelante, creo que esa es la satisfacción más grande. Desde luego conocer a los maestros que me guiaron en ese camino, en mi investigación creativa. Su transmisión oral que viene de generaciones, desde el origen sobre la pedagogía del maestro Konstantin Stanislavski, sus palabras a través de otros maestros, evolucionando y modernizando su legado de alguna manera y que sin embargo seguía y seguirá esa esencia; esa llamita auténtica de ese momento histórico en el que se transformó el teatro y el arte del actor. Fue lo que hizo el maestro Stanislavski, le dio lugar y respeto al trabajo del actor, que siga existiendo ese respeto, creo que es lo más valioso de haber viajado allá, sin duda. Chejov hablaba de la pasión del ser humano que nos lleva a lugares terroríficos y a lugares maravillosos”.

¿Cuáles serían las similitudes –si las hay- entre el teatro ruso y el mexicano?

“Similitudes; el temperamento del mexicano y del ruso tiene la misma esencia. Aquí encuentras a gente muy talentosa y valiosa; los escritores mexicanos son verdaderamente un material vasto, inagotable y el talento es lo que caracteriza al mexicano, por ejemplo ahora que trabajamos en este proceso de Chejov, el resultado para mi es sorprendente. Diferencias; aquí las escuelas enseñan que lo importante es lo que se dice, hay una escuela heredada de España, que es la escuela de la palabra y también claro está la americana, Estados Unidos es tan melodramático. En cambio, en la metodología rusa lo importante es lo que hace y piensa el personaje, solo de ahí surge la palabra y la emoción. Allí hay una confrontación, que para mí es muy clara, la veo en el trabajo de mis colegas, para muchos es muy importante lo que están diciendo, sintiendo y no lo que está pensando y haciendo el personaje. Finalmente los seres humanos pensamos una cosa, hacemos otra, decimos otra y sentimos otra. Se sustituye el trabajo actoral por la emocionalidad en la manera de hablarla“.

“Para mí eso es diferente. Un ejemplo, en esta obra viste la escena de Elena con Astrov, lo que ellos dicen es lo que habita la palabra y la habitan de una manera virtuosa –no digo que no-, es literal lo que dicen, un poco así eran los griegos, el teatro griego conectaba lo que piensas, lo que dices y lo que sientes y el mexicano es así, por eso es tan poderoso el arte mexicano. ¡Es contundente! Lo veo y digo sí, pero cuando ves un Chéjov trabajado así se vuelve un melodrama y no una pieza; el público lo percibe como melodrama, se conecta, se ríe, pero desde el melodrama se pone una especie de distancia; lo que buscan los rusos es que el público se meta en la obra y se cuestione así mismo es ese momento, no después, sino en ese momento. Son diferentes los impulsos, quizá es algo abstracto lo que digo, pero yo sé que se puede hacer. Muchos lo hacen por intuición o porque lo deducen de su trabajo profesional continúo”.

“Veo el trabajo de Julieta Egurrola, Giménez Cacho y muchos otros que lo hacen con su intuición, colmillo y oficio; algunos actores lo hacen, no es que la escuela de aquí te enseñé hacerlo así, los ves y dices que gran actor ¿dónde estudió? Pero no fue en la escuela donde aprendió eso, ha trabajado tanto que ya tiene esos canales diferentes. Hay muchos virtuosos, los veo. Aquí no se te enseña actuar así, acá te enseñan esta herencia también maravillosa de la palabra del Siglo de Oro, de los griegos; lo que piensas es lo que sientes y dices”.

Ya no hay bosques de niebla te hizo recordar cosas muy importantes, dolorosas tal vez, que te movieron mucho. Háblame un poco de esto.

“Yo viví una Rusia en convulsión (Socialismo, Perestroika, Capitalismo) vi cosas terroríficas, vi gente muerta, vi tanques del ejército, los vi tres veces y por diferentes razones políticas cada vez. Se sentía y vivía la energía del cambio en todas partes, había armas libremente; sentías el peligro, tenías que tener tus documentos en regla sino te encerraban en una prisión (te podían enviar a Siberia) era real, no ficción. Sí viví cosas muy duras, perdí gente muy querida, mis maestros, compañeros, gente que amé, ver todo esto y recordar. Ahora ésta pandemia, ésta guerra (Ucrania vs Rusia) no doy crédito, cómo el mundo puede dar esos giros“.

“Ahora entiendo desde mi entraña (no solo por empatía de conocimiento), por ejemplo a los judíos que estuvieron encerrados en estos “manicomios de crimen” alemanes. Empiezo a entender estos discursos que tanto leía en carne propia; la locura del ser humano. Se amaban los rusos y los ucranianos, había un amor y comunicación absoluta, Rusia protegía a Ucrania… y ahora matándose”.

Viviste en un país donde hablar de Dostoievski, Chejov o Gógol, era como hablar de religión. Fuiste a los lugares donde nacieron, las casas que habitaron…sus tumbas. ¿Qué sentiste cuando estabas ahí parada?

“El estar ahí me hizo entender que también fueron seres humanos, no eran los panfletos de fotografía tridimensionales, eran seres humanos que sufrieron igual que tú y yo; tenían pasiones y también fueron gente cruel con muchos, con errores. Conocer sus vidas, muchas muy dolorosas y solitarias, me hizo entender por qué tenemos derecho todos a ser artistas si verdaderamente es lo que queremos, y es nuestra obligación hacerlo. Ellos tuvieron tantos obstáculos, de toda índole y a pesar de todo lograron lo que lograron, uno porque no”.

De estos tres autores ¿con cuál te identificas más?

“Dostoievski es mi biblia, creo, (aunque en Chéjov cada uno de sus cuentos me dicen algo de la vida; todas sus obras de teatro me hablan de quiénes somos, porque estamos aquí, porque sufrimos, a que venimos) con Dostoievski entendí que podemos ser unas bestias y así mismo los más virtuosos. Me ha hecho entender eso, que somos seres humanos, perdonémonos, somos luz y sombra. Allá Todos lo amaban, lo tenían como el gran maestro, como un guía en la oscuridad“.

“De Antón Chejov tomo con una ley y es con la que vivo: “La felicidad no existe, lo único que existe es el deseo de ser feliz”. Sabes, por un por un lado la Felicidad fue una invención de los comunistas y por el otro también lo fue de los capitalistas. Los capitalistas así te lo venden, “el ser humano tiene que ser feliz”.

“Freud te vendía el individualismo y la felicidad (por eso Freud no fue bienvenido en Rusia, ahí se buscaba eliminar al individuo, ser un “Pueblo”) Lo único que existe-decía- es el deseo de serlo, y eso implica el deseo, ser feliz te lo tienes que proponer todos los días, porque no hay felicidad”.

Por Roberto Sosa, Fotos: Cortesía Compañía Nacional de Teatro

Hemos venido escribiendo en las últimas semanas sobre distintos recintos de representación teatral. En esta ocasión vamos hasta el oriente para hablares de teatros en Japón. El teatro Kabuki y el teatro Noh o Nō son dos géneros del teatro tradicional japonés. En 2001 el teatro Noh fue declarado por la Unesco como Obra maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad, y el Kabuki en el 2005. A partir del 2008 la agencia declaró a ambos géneros como Patrimonio cultural inmaterial de la Humanidad.

En el caso del Kabuki se trata de un género de drama estilizado, que nace en el siglo XVII. En él juega un papel importante el maquillaje en los actores. Mientas que el Noh es el drama musical japonés, que se origina en el siglo XIV, y combina drama, canto, danza y orquestación.

En otra ocasión profundizaremos en las características e historia propias de cada género, pero hoy les hablaremos sobre los espacios en los que se representa cada uno.

El Kabuki cuenta con una extensión del escenario, el hanamichi -que significa “camino florido”-, se trata de una pasarela que se existen hacia el público. Sirve como entrada y salida de los actores con fines dramáticos y para representar algunas escenas importantes. Los escenarios en el teatro Kabuki cuentan con dispositivos giratorios y trampillas, que fueron una innovación del siglo XVIII. Las trampillas sirven para apariciones y desapariciones de actores.

Otra innovación en el kabuki, introducida en el siglo XIX es el Chūnori, literalmente “montar en el aire”. Consiste en hacer “volar” al actor a través de cables sujetos a su vestuario.

En este género a menudo se realizan cambios de escenografía durante las escenas con los actores en escena. Estos cambios los realizan los kuroko, quienes van totalmente vestidos de negro.

Los teatros de Kabuki tienen un telón que cubre el escenario antes de una función y en los descansos. Tradicionalmente estos telones tienen rayas verticales en color negro, rojo y verde, en ocasiones en lugar del verde s utiliza el blanco. También en el siglo XIX se introdujo, como influencia occidental, una cortina exterior llamada doncho. Ésta cuenta con ornamentos y representa la estación en la que la historia se desarrolla.

Por su parte, el Noh se representa sobre un cuadrilátero elevado, rodeado por dos lados por el público. En un lado se tiene un balcón en el que hay un coro de cantantes y en el fondo un espacio destinado a los músicos.

Estos espacios no cuentan con telón de fondo y los decorados son básicamente cuatro postes con un tejado y pueden representar cualquier construcción.

La distribución del escenario en este género proviene de un esquema básico chino. Se trata, como ya dijimos, de un cuadrilátero. Éste tiene aproximadamente 6 metros por lado. Este espacio está abierto por tres lados, el otro tiene una pintura de un pino llamada kagami-ita.

El escenario cuenta con una puerta para la entrada de los músicos y del coro. Los actores entran por una pasarela estrecha ubicada del lado izquierdo del escenario, llamada hashigakari. La pasarela es bloqueada en donde entran los actores por una cortina de colores. A lo largo de esta pasarela se colocan tres pequeños pinos, que proporcionan una sensación de lejanía y definen los espacios en los que los protagonistas pueden realizar pausas para decir diálogos antes de llegar al escenario. La cortina de colores y los lugares donde se detienen los intérpretes en la pasarela da información al público cobre el ambiente de la escena y el tipo de papel que un actor interpreta.

Los escenarios están rodeados a nivel de piso por grava blanda con pequeños pinos. También, debajo del escenario, se dispone de un sistema de jarras de cerámica para amplificar el sonido de las danzas.

Ambos géneros gozan todavía de popularidad en Japón, por lo cual si viajas allá puedes asistir presenciar alguna representación. En México en ocasiones se presentan espectáculos de ambos géneros, sobre los cuales te puedes informar en nuestro sitio.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Destacada Teatro Nacional de Noh, Tokio, redes sociales Teatro de Kabuki en Ginza Tokio, Japón.

El teatro de horror y el teatro de terror psicológico se han colocado en el gusto de un amplio sector del público. Actualmente hay varios montajes de este género en la cartelera de la Ciudad de México. Muy cerca de cumplir 30 años se mantiene en temporada La dama de negro, está también 2:22 una historia paranormal e Infierno, por mencionar solamente algunas.

Se trata de obras que exploran nuestros temores y nuestras preguntas sobre qué hay más allá de la muerte. Hablan sobre los límites y la frontera entre lo que vemos y lo que no. En muchas ocasiones parten de mitos ancestrales, otras de leyendas urbanas y creencias. Lo que tienen en común es que buscan poner en contacto a la audiencia con lo sobrenatural y despertar en ella impulsos primarios como el miedo.

Hoy les vamos a platicar tres razones por las que deben ver Infierno.

1. Una experimentada y eficaz dirección. Rafel Perrín dirige este montaje, en él echa mano de todos los recursos que como director ha ido dominando a lo largo de 29 años de La dama de negro y otro siete de Esquizofrenia, además de espectáculos como La Llorona, le han dado. La propuesta de Perrín trabaja a partir de la imaginación del público, la estimula con cambios de tono que van creando una atmósfera de terror, o si es necesario, distendiéndola. El director se ha vuelto un especialista en este género y lo ejecuta de manera eficaz.

2. Un universo en expansión. El texto de Mauricio Pichardo y la dirección de Perrín van creando un universo propio en expansión. El autor hace guiños, por ejemplo, a Esquizofrenia, también de su autoría, actuada y dirigida también por Rafael Perrín. Desde una historia del teatro dentro del teatro, nos habla de fantasmas que habitan en los teatros pero también dentro del ser humano: la escena es lugar de representación, purgatorio, infierno y lugar de sanación para los personajes.

3. Una experiencia particular. Se trata, evidentemente, de un montaje que tiene como público principal a quienes gustan del género. Sin embargo, Infierno es una obra que puede disfrutar cualquiera. Las actuaciones dentro del universo delimitado por el autor y el director son sólidas, transitan convincentemente del mundo del teatro dentro del teatro al de los personajes que están experimentando hechos que van más allá de su comprensión. Se vuelve en una experiencia diferente para la audiencia, la obra sale del escenario para desarrollarse por momentos a su alrededor. El patio de butacas –sin necesidad de ser una obra interactiva – envuelve al público dentro de la acción.

La obra cuenta con las actuaciones de Ruy Senderos, Emmanuel Okaury y Ernesto Godoy, en el protagónico alternan Alessandra Goñi y Miranda Norman. Es una producción de César Perrín (quien también diseñó la iluminación), la asistencia de dirección de Tanya del Castillo, el diseño escenográfico de Joaquín y Santiago Burgos, Karime Troncoso en el diseño de vestuario, Omar Marrón en el diseño de audio y Ana Laura García en el diseño de props.

La obra se presenta en el Teatro Enrique Lizalde, muy cerca del centro de Coyoacán. Esto hace de la obra una gran opción para tu plan de fin de semana, antes o después de tu función puedes disfrutar de los diversos bares y restaurantes que hay en la zona.

Para más información de Infierno, horarios, descuentos y boletos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: @macha.estudio.

Teatro UNAM cerró actividades en este 2023. Durante el año, según cifras de la Dirección Teatro de la máxima casa de estudios, las actividades presenciales y virtuales que se desarrollaron tuvieron una audiencia superior a las 100 mil personas.

Las actividades realizadas por la dirección incluyeron 41 puestas en escena, 11 lecturas dramatizadas, homenajes póstumos, presentaciones de libros y la proyección de un documental. Se realizaron además diversas actividades multidisciplinarias, conversatorios y mesas de reflexión. En el marco del Festival Internacional de Teatro Universitario (FITU), que este año cumplió 30 años, se realizaron 52 actividades entre presentación de obras, proyecciones, talleres, mesas redondas y clases magistrales.

Estas actividades presenciales, lograron convocar a un total de 77 mil 726 personas. Mientras que de manera virtual, 23 mil 636 espectadores participaron en las diversas actividades que se realizaron por parte de Teatro UNAM.

Hablando específicamente de las 41 puestas en escenas que la dirección de Teatro de la UNAM presentó, se atendió a un total de 68 mil 900 espectadores en 600 funciones. Las once lecturas dramatizadas alcanzaron un público de 603 personas. Toda esta actividad escénica se realizó en los tres principales recintos de la UNAM (Teatro Juan Ruiz de Alarcón, Foro Sor Juana Inés de la Cruz y Teatro Santa Catarina), 6 recintos de la institución y en 9 sedes externas.

Por su parte, el Carro de Comedias realizó un total de 81 funciones ante 23 mil 435 asistentes. Además de sus funciones en el Centro Cultural Universitario el Carro realizó una gira por distintos planteles de la UNAM y por siete estados de la República.

La actividad teatral en la UNAM no estuvo ajena la conmemoración de temas que es importante visibilizar. En este contexto, la institución realizó montajes en el marco de días como el 8 M: Día de las mujeres en la UNAM, presentando las obras La violación de una actriz de teatro y las actividades “Pic Nic a tres tiempos” y “Creación de manifiesto para un teatro contra la desigualdad”; en el Aniversario del Exilio Argentino, se presentó La compañera; en el marco del Día Mundial del Teatro se transmitió por TV UNAM Adriana en Naxos y las mesas de reflexión “Tendencias contemporáneas del teatro mexicano” y “Público pospandémico: el regreso a los teatros y las teoría de recepción”; y el 25N: Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres y las Niñas se presentaron las obras Más allá de los hombres, Todavía D.F. y Leonora, además de la campaña de 16 días de activismo digital.

Teatro UNAM estuvo también presente en los Festival El Aleph, Festival CulturaUNAM, lecturas dramatizadas del Programa Internacional de Dramaturgia: Royal Court + Anglo Arts en la UNAM; y en el DramaFest 2023. Así como en la Fiesta del Libro y la Rosa; Teatro en Plazas Públicas, Teatro en tu Barrio; en el 18° Festival de Monólogos-Teatro a Una Sola Voz; el XXXIV Coloquio internacional: Por una gestión crítica de la cultural. Además, el Carro de Comedias participó en la Feria Internacional del Libro de las Universitarias y los Universitarios, el 8° Festival de las Artes, Ciencias y Humanidades de la ENES León, la Fiesta del Libro y la Rosa de Morelia, la XXXVI edición de las Jornadas Alarconianas, en Taxco y el Festival de Teatro Nuevo León.

Una celebración importante para Teatro UNAM fue el 30 aniversario del FITU. Durante esta edición se llevaron a cabo 52 actividades presenciales y 4 actividades virtuales, atendiendo a un total de 9 mil 384 espectadores. Este año participaron en el festival 11 países.

Durante este 2023 la actividad de Teatro UNAM no se centró solamente en la presentación de montajes. También se realizó una labor de reflexión y análisis. En ella destaca la publicación del 2° estudio La vida y situación de los proyectos escénicos en México del Observatorio Teatral.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: José Jorge Carreón, La manzana de la discordia.

El Teatro Casa de la Paz de la UAM finaliza sus actividades este 2023. Durante el año en el recinto se presentaron más de 150 propuestas de todo tipo. Teatro, performance, danza, espectáculos interdisciplinarios, ópera, conciertos, cine y talleres fueron parte de sus actividades.

Bajo la dirección de Arnaud Charpentier, este espacio tiene como tarea vincular a los creadores artísticos con la comunidad universitaria y el público general.

Ente los montajes y espectáculos escénicos que se presentaron en el recinto estuvieron la residencia de la compañía Teatro Línea de Sombra, así como las presentaciones de Lázaro y Tijuana de la Compañía Lagartijas Tiradas al Sol.

Casa de la Paz, en coordinación con el Centro Cultural Helénico y la Sogem, fue la sede del Festival de Monólogos. En este encuentro se presentaron los unipersonales Dios te hará invencible con esta espada, Marea Alta, Cangrejo y yo, Variaciones sobre el Café, Ayer un cencale, Rebelión y Si muero joven, no quiero flores.

Además, este 2023 nació la Compañía Universitaria de Teatro de la UAM. El grupo realizó dos estrenos: Atracciones Lear y Oficinas eficientes. Los montajes contaron con dos elencos para realizar funciones en los recintos culturales de la UAM y en las distintas sedes de la universidad. El primer elenco obtuvo una mención honorífica en el Festival Internacional de Teatro Universitario de la UNAM.

Además, para cerrar el año, se realizó el Festival Talento UAM, del 8 al 16 de diciembre, en el cual se dio cita la comunidad de la institución en cuatro categorías, entre ellas, el teatro.

A lo largo de 2023, se realizaron también cinco talleres de formación escénica, en los que participaron 70 personas.

Para 2024, como resultado de una convocatoria dirigida a grupos teatrales, se recibieron sesenta y ocho propuestas. De éstas se seleccionaron siete que se presentarán a lo largo del siguiente año en temporadas de nueve funciones.

La programación 2024 del Teatro Casa de la Paz incluye, además de los montajes teatrales, siete temporadas cortas de danza contemporánea. Serán un total de 160 actividades las que se realizarán el año que entra en el recinto.

Respecto al programa anual de formación artística, se realizarán 10 talleres y un diplomado de dirección escénica en línea.

El Teatro Casa de la Paz este año cumplió 40 años de ser parte de la Universidad Autónoma Metropolitana, a través de la Coordinación de Difusión Cultural de la institución, a cargo de la doctora Yissel Arce Padrón. Las propuestas que alberga este teatro lo han ido consolidando como un espacio importante para la difusión cultural en la Ciudad de México.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cortesía Teatro Casa de la Paz.

Pachecas a Belén es una de las representaciones teatrales que cuenta con una rica tradición. Esta innovadora pastorela drag ha desafiado los convencionalismos propios de la época, al introducir a las irreverentes hermanas: Severina, Blandina y Lumina, tres heroínas que se embarcan en una travesía que pondrá a prueba su determinación para llegar a adorar al niño Dios.

Con una permanencia en cartelera por 38 años ininterrumpidos, esta producción se ha convertido en toda una experiencia para los amantes del cabaret, la sátira política y la improvisación que, año tras año, se deleita con las actuaciones de las “Pachecas” en el Teatro de la República.

Para conocer el éxito de esta pastorela drag, compartimos algunos datos curiosos que te invitan a ver la nueva temporada que cuenta con las actuaciones de Checho Alazcuaga “La coña”, Déborah la grande, Julls Granados, Samuel Zarazúa y David Rodvel.

1. La primera representación de este montaje tuvo lugar en la casa de Sergio Casani, siendo más de 30 los actores que han encarnado al seductor Arcángel San Gabriel.

2. La obra, inicialmente de 15 minutos, ha evolucionado hasta llegar a una función de 3 horas y 45 minutos, gracias a las risas incesantes del público.

3. Javier Yepes “Mamá Mela” (Q.E.P.D.) y Checho Alazcuaga “La coña” son los actores más veteranos de la obra. Yepes personificó a “Severina” por más de 30 años, hasta su fallecimiento en 2019, mientras que Alazcuaga lleva 24 años interpretando a “La del moño” y 2 años a “Severina”.

4. Hubo dos temporadas que se prolongaron más allá de lo convencional, comenzando en noviembre y concluyendo en junio del año siguiente.

5. Uno de los hitos notables de Pachecas a Belén fue su representación en el Polyforum Cultural Siqueiros, bajo la dirección de Javier García. Además, se prepara para hacer su debut en el Teatro Xola Julio Prieto, el próximo 23 de diciembre.

No te pierdas esta oportunidad única de disfrutar de Pachecas a Belén en su temporada 38, los jueves y viernes, así como de su semana de funciones especiales en el Teatro de la República y Teatro Xola, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Manojo de Ideas

La temporada navideña no siempre es felicidad y fiesta. A veces las presiones, las angustias o la soledad, marcan estas fechas para algunos. Sin embargo, siempre un poco de humor negro puede ayudar. Precisamente para ello están los Fenómenos Antinavideños del Teatro La Capilla.

Como cada año este espectáculo llegó a La Capilla para cerrar de manera divertida y gozosa las actividades del año. Por 10 días, junto con los Antinavideñitos, en esta ocasión Las Antinavideñitas, es espíritu navideño –o mejor dicho antinavideño – invade a este icónico teatro ubicado en el sur de la ciudad.
Aquí te doy tres razones para que vayas corriendo a ver Fenómenos Antinavideños antes de que terminen su corta temporada.

1. Toda una tradición. Los antinavideños están cumpliendo 20 años de haber llegado a México. Este tipo de historias surgen en Montreal, Canadá, a mediados de los años 90 del siglo pasado. Boris Schoemann, director artístico del Teatro la Capilla, en el 2003 decide traducir Ángeles exterminadoras, de Yvan Bienvenue, y montar las tres historias que conforman este texto. A partir de ahí, afortunadamente, los Antinavideños se han vuelto toda una tradición teatrera para estas fechas y son garantía de pasar un rato muy divertido.

2. Historias y personajes entrañables. Los temas y personajes que durante 20 años han desfilado por el escenario de La Capilla son muchos. Sin embargo, cada año llegan nuevas historias y personajes entrañables que con mucho humor negro nos hacen reír de sus desgracias y también, ¿por qué no?, de las nuestras.

3. Los intérpretes. Los espectáculos unipersonales requieren un esfuerzo particular y entrega de los intérpretes para atrapar al público. Esta magia la tienen los Antinavideños. Cada año nos regalan historias maravillosamente interpretadas. Este 20 aniversario de los Antinavideños no es la excepción, Nohemí Espinosa, Emmanuel Lapín y Fernando Villa nos regalan cada uno destacadas actuaciones.

Esta edición de los Antinavideños está integrada por tres historias que nos hablan de un joven que creció en una familia conservadora y católica en Michoacán, el cual se enamora de Cristo(fer) y es obligado a salir del closet en la cena navideña, frente a toda su familia; una chica fanática de Babe el puerquito valiente, a la que una experiencia traumática en Navidad le ha provocado serios problemas para confiar en los demás; y finalmente Carlitos, que tiene un sueño recurrente y una particular teoría sociopolítica que vincula el comportamiento del mexicano con la tradición de la piñata. Cada una de estas historias, estamos casi seguros, te hará reír y disfrutar.

Los textos, bajo la dirección de Boris Schoemann y Daniel Bretón, son escogidos entre decenas de historias que cada año responden a la convocatoria para los Antinavideños. Por obra de cristo, de Diego Celaya; Trust Issues, de Nareni Gamboa; y Carlitos brazos de piñata, de Pablo Cano Camacho, son los tres textos finalistas de este año y son un verdadero goce.

Así que ya lo sabes, sea que estés disfrutando esta temporada, o que no la estés pasando tan bien, los Fenómenos Antinavideños te darán un buen rato o te ayudarán a sobrevivir esta temporada del año. Un poquito de humor negro y ver desde las butacas el sufrimiento ajeno –con todo lo sádico que eso suena- es un gran plan para cerrar este año.

Para más información de los Fenómenos Antinavideños haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto, Cartelera de Teatro.

Para dar este último jaloncito del año, les armamos un compendio escénico con algunas de las obras impregnadas del espíritu de la temporada, desde conmovedoras comedias hasta dramáticas fábulas que exploran la esencia de la Navidad, la época más mágica del año.

Un acto de Dios. En esta irreverente comedia, Horacio Villalobos, La Manigüis y La Supermana se reúnen para brindar a la humanidad 10 nuevos mandamientos e intentarán responder a todas aquellas dudas existenciales que tenemos sobre los misterios de la fe. Le quedan pocas funciones, 22 y 29 de diciembre en el Teatro Xola Julio Prieto.

Cuentos Antinavideños. La tradición antinavideña de la Compañía Los Endebles regresa una vez más para contarnos nuevas anécdotas ocurridas en Navidad, pero caracterizadas por su inigualable humor ácido con sus dos respectivas versiones: Fenómenos antinavideños y Las Antinavideñitas, ambas propuestas se presentan hasta el 30 de diciembre en Teatro La Capilla.

Anastasia. Un musical que combina historia con elementos de ficción que nos transporta al fascinante mundo de los zares durante la época navideña. En este contexto, podemos deleitarnos con la icónica melodía “Una Vez en Diciembre”, la cual desencadena una avalancha de emociones en la joven Anastasia. La obra se mantiene en cartelera y ofrecerá funciones especiales por fin de año en el Teatro Telcel.

Desastre navideño. Compuesto por seis monólogos distintos que abordan historias con temática navideña, que expone los motivos del por qué unos aman y otros odian dicha festividad es la propuesta de la compañía Working On A Future. Se presenta hasta el 7 de enero en Foro Mitz.

Oscura navidad. Para curarse la resaca/depresión de la Navidad, Sofía de Llaca y Juan Acosta presentan cuatro historias navideñas con tintes de humor negro e irreverentes que buscan retan al espectador a contener la risa. Ofrecerá sólo 3 funciones los días 28, 29 y 30 de diciembre en el Teatro Varsovia.

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía Producción

Como cada año, este 2023, el Centro Cultural Helénico fue un centro importante de la actividad escénica de la Ciudad de México. En sus foros, el centro realizó un total de 748 funciones. Además, realizó a través de sus programas de formación, exhibición y circulación escénica actividades en la Ciudad de México y 13 estados del país.

Los espacios escénicos del centro (Teatro Helénico, Foro La Gruta, Espacio Alternativo) convocaron en este 2023 a un total de 50 mil 802 espectadores. Los estados donde se realizaron estas actividades son: Aguascalientes, Chiapas, Chihuahua, Coahuila, Colima, Durango, Jalisco, Morelos, San Luis Potosí, Sinaloa, Tamaulipas y Tlaxcala.

La institución informó que se realizaron todas actividades tomando como guía tres ejes principales. Estos ejes fueron: “la construcción de una escena libre, crítica y versátil al alcance de todas y todos; la consolidación de programas para el apoyo de nuevas propuestas en los estados; así como la creación de espacios de reflexión y de indagación de otras formas de pensar el teatro”.

Este año, en el Centro Cultural Helénico, se abrieron espacios de entrada libre, como los “Martes de títeres y objetos” y el programa “Tejiendo voces”, que realizó su primera edición.

Durante el 2023 el centro fortaleció sus relaciones interinstitucionales con el Festival Internacional Cervantino, la Dirección General de Vinculación Cultural, la Coordinación Nacional de Teatro, el Centro Nacional de las Artes, la Compañía Nacional de Teatro (CNT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, entre otros.

En colaboración con la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) y la Sogem se creó el Festival de Monólogos.

Entre los programas que realizó el Helénico este 2023 se destacaron diez de ellos. A través de la Premiación a Proyectos de Producción Escénica, se realizaron 37 funciones atendiendo a 3,058 espectadores. También se mantuvieron las Rutas Escénicas Estatales (107 funciones con un total de 10,894 asistentes) y Helénico en Los Pinos (2 mil 915 espectadores en 51 funciones).

El Aguascalientes, Durango y Tamaulipas, a través de Saberes Sobre la Escena, se realizaron talleres. Estos contaron con la participación de 448 personas entre talleristas y beneficiarios.

El Festival Kuitólil, en San Luis Potosí, llegó a su quinta edición. Éste busca llevar programación de calidad a bebés, niñas, niños y jóvenes audiencias. En esta ocasión en el marco del festival se realizaron 14 funciones y se tuvo una audiencia de mil 400 personas.

En colaboración con la Secretaría de Cultura del Estado de Jalisco, en el marco la Muestra Nacional de Teatro, el Centro Cultural Helénico publicó la obra ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia escrita por Mujeres, Incendia 2022. Se trató de la obra La bóveda del fin del mundo o la nada aumentada, de Rita Gironés. También en Jalisco, el centro se sumó a la convocatoria Habita la escena de Jalisco.

En el estado de Morelos se realizó el Programa Formación Continua en Artes Escénicas. Se trata del cuatro año consecutivo en el que se realiza. En esta edición se reunió a 83 participantes.

El Encuentro Internacional de Clown cumplió una década. Para esta ocasión especial se tuvo como países invitados a Argentina, Austria, Bélgica, Chile, España, Francia y Suiza. Además, en el festival participaron artistas nacionales. En esta ocasión, destaca el centro, se lograron alianzas -por primera vez- con el Festival Internacional Cervantino, el Centro Cultural de las Artes — de la alcaldía Iztacalco— y con el Sistema Nacional para el Desarrollo Integral de la Familia. El festival realizó este año 11 funciones, cuatro talleres y una presentación de un libro, logrando una asistencia total de 2 mil 94 personas.

En lo que respecta al Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo Trejo, en coproducción con la Compañía Nacional de Teatro se presentó la obra ganadora del 2022: La cascarita, de Janil Uc Tun. El montaje estuvo a cargo de la directora Sayuri Navarro y fue interpretada por el elenco estable de la CNT y la participación de infancias del Semillero Creativo de Teatro y Danza de Ecatepec de Morelos del Estado de México.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Luis Quiroz.

Un Cuento de Navidad de Charles Dickens es un clásico literario que ha resistido el paso del tiempo, convirtiéndose en una fuente inagotable de inspiración para diversas adaptaciones teatrales, cinematográficas y televisivas, cuya historia ha trascendido las décadas, gracias a su mensaje atemporal.

Si eres un apasionado de esta trama clásica, te complacerá saber que actualmente puedes disfrutar de diversas versiones en cartelera, desde la más fiel a la obra original hasta adaptaciones musicales que colocan en el centro el mensaje eterno de amor, redención y, sobre todo, generosidad.

Y nos es para menos,  la conmovedora narrativa de Dickens nos transporta a una fría Nochebuena, donde el avaro Ebenezer Scrooge se ve sorprendido por los fantasmas del pasado, presente y futuro. Estos espectros desempeñan un papel crucial al mostrarle la verdadera naturaleza de su suerte y recordarle el auténtico significado de la Navidad.

Por ello, aquí te compartimos algunos datos curiosos sobre este clásico decembrino, que quizá no sabías:

1. Su autor escribió el texto en solo seis semanas y le tomó otras seis semanas para ser adaptado para los escenarios de Londres, lo más curioso de esto, es que un año después de la publicación del libro, había 8 distintas representaciones en la ciudad inglesa.

2. Dickens transformó “Un Cuento de Navidad” en un espectáculo unipersonal que inicialmente duró tres horas y luego se redujo a menos de hora y media. Su adaptación fue un éxito masivo. Además creó voces distintivas para cada personaje, conmoviendo a la audiencia en lágrimas y risas. Estas actuaciones profesionales constituyeron casi la mitad de su patrimonio neto al morir en 1870, alcanzando las 45,000 libras.

3. El teatro es el responsable de dar el toque final y emotivo a la historia que tanto amamos, ya que en el original, Scrooge jamás visita la casa de su empleado Bob Cratchit y su familia en el día de Navidad.

4. La universalidad de su trama ha llevado a numerosas adaptaciones cinematográficas a lo largo de los años, con actores destacados como Patrick Stewart, Tim Curry y Michael Caine, así como intervenciones memorables de los Muppets y Mickey Mouse, y en el teatro han destacado figuras como Jim Broadbent, Jefferson Mays, y en nuestro país actualmente, Adal Ramones.

5. Dickens escribió cuatro libros más con temática navideña: “The Chimes” (1844), “The Cricket on the Hearth” (1845), “The Battle of Life” (1846) y “The Haunted Man” (1848). Así como historias, bocetos y ensayos conocidos colectivamente como “Historias de Navidad“. Estas obras se publicaron en los números navideños de sus populares revistas “Household Words” y “All the Year Round”.

Vive esta mágica historia en los escenarios en compañía de toda la familia en: Espacio Teatral Danzite, Foro Shakespare, Centro Cultural Roldán Sandoval y Teatro San Rafael.

Por Itaí Cruz, Fotos: Wikipedia, victorianweb.org

Cuando en la película Tik Tik Boom, Jon, el joven compositor protagonista del filme, está a punto de mostrar la partitura de su nuevo musical, un hombre entra dispuesto a ocupar su butaca y, al hacerlo, impone un silencio que pronto se convierte en un rumor entre los asistentes: ¡ha llegado! ¡es él! Y, sí, es imposible que el hombre que ha entrado a la sala pase desapercibido.

Se trata de la figura más importante de ese universo, el teatro musical norteamericano. Es el padre artístico de Jon, de todos aquellos que están por mostrar las partituras de sus nuevos musicales. A la sala ha entrado Stephen Sondheim dispuesto a escuchar las canciones de Jonathan Larson.

El filme, estupenda adaptación de la obra teatral autobiográfica compuesta por el propio Larson, es uno de los mejores ejemplos de lo que significa para el teatro y la música contemporáneos Stephen Joshua Sondheim, quien nació en Nueva York en 1930 y cuyo nombre estuvo asociado a lo más alto del teatro musical desde 1956, cuando se estrenó West Side Story, obra a la que él puso letras a la música de Leonard Bernstein, convirtiéndola en una de las obras referenciales del género.

Antes de ello, fue amigo y discípulo de Oscar Hammerstein II, el letrista que junto con el compositor Richard Rodgers inauguró lo que hasta hoy conocemos como un musical, con obras icónicas como Oklahoma, Carrusel, Pacífico Sur, El Rey y yo y La novicia rebelde.

Tras el éxito de West Side Story -que el mundo de habla hispana ubica mejor como Amor sin barreras– le siguió el de Gypsy, en el que nuevamente puso letra a la música de Jule Styne. Y qué letra.  Considerado por muchos como “el musical perfecto”, la obra se convirtió pronto en la obra que todas las actrices y cantantes teatrales sueñan con interpretar, gracias al complejo personaje protagónico: Mamá Rose, la madre más famosa del teatro musical cuyas canciones son mezcla de ingenio, pragmatismo, malicia e ingenuidad. Ethel Merman, Angela Lansbury, Bette Midler, Tyne Daly, Bernadette Peters, Patti Lupone e Imelda Staunton son algunas de las divas que la han interpretado y Liza Minelli y Barbra Streisand dos de las divas que siempre han perseguido al personaje. Ni Liza ni Barbra ni muchas de sus compañeras se han quedado con el antojo de cantar en sus conciertos piezas como “Some people”, “Everything coming up roses” y “Rose’s Turn”, que son ejemplos maestros de lo que es que un personaje de un musical interprete una canción.

Pero a pesar del éxito de ambos musicales, lo que Sondheim quería y logró con creces, era componer la música y la letra de sus propios musicales. Y el primero fue la divertida A funny thing happened on the way to the Forum, de 1962, que a través de la sátira retomaba las farsas de Plauto para crear una comedia musical sobre enredos y romances en tiempos de esclavitud. La obra dirigida por George Abbott y protagonizada por el legendario comediante Zero Mostel fue todo un éxito.

Curiosamente, aunque por muchos años se ha lamentado el no tener en nuestra cartelera de teatro obras de Sondheim, lo cierto es que apenas un año después de su estreno en Broadway, se escenificó en México estelarizada por el ídolo juvenil Enrique Guzmán, el comediante Oscar Ortiz de Pinedo y la baladista Leda Moreno: Amor al revés es Roma, se tituló. Incluso, fue repuesta a finales de los años noventa, bajo el título En Roma el amor es broma con Alejandro Suárez, Edgar Vivar y Amparo Arozamena, luego de que en Broadway fuera también repuesta primero con Nathan Lane y después con Whoopi Goldberg en el personaje protagónico.

Y aunque después presentó, con Lee Remick y Angela Lansbury como protagonistas, Anyone Can Whistle, que no tuvo el éxito esperado, lo que se le festeja y se le llora a Stephen Sondheim es todo lo que vino después: en 1970 unió fuerzas con el director Harold Prince y juntos, tal vez sabiéndolo, tal vez no, renovaron el concepto de teatro musical con Company, el segundo musical de Sondheim y su primera obra maestra.

Sin historia, sin argumento, pero sin ser un espectáculo de revista, la obra aborda el mundo del matrimonio desde la perspectiva de cinco parejas que celebran el cumpleaños de Bobby, Bobby-Babby, el soltero empedernido que conforme avanza la noche va confrontando las delicias y los suplicios de la vida en pareja, a través de canciones que sientan las bases de lo que será el universo teatral y musical de Stephen Sondheim desde entonces y hasta su más reciente musical, que se estrenará en 2024 en Nueva York: la complejidad y el ingenio en el juego de música y letra, la ambiguedad entre lo que se canta y lo que sucede en escena, juegos de palabras, soliloquios profundos, armonías tropezadas, rimas impensables…

Todo esto hizo que, aunque Company no resultara un éxito avasallante ni lograra el amor del gran público, sí llamara la atención de la crítica, de la comunidad teatral y de un selecto grupo de espectadores que entendieron que eso que veían en escena era algo distinto a los musicales tradicionales y que respondía a una nueva época para el teatro y para la música.

A más de 50 años de su estreno en Broadway, las diversas reposiciones que ha tenido esta obra -la más reciente incluso con un cambio de hombre a mujer en el personaje protagónico- ya sea en temporadas o en formato de concierto no hacen más que dejar clara la importancia que tuvo Company para las generaciones venideras de creadores de teatro y música y que, a partir de ese musical conceptual, su compositor se convirtió en un autor de culto.

Canciones como “You could drive a person crazy”, “Another hundred people” y “Getting married today” son canciones que saltan al pensar en Sondheim, mientras que una canción como “The ladies who lunch” se convirtió en un estándar para primeras actrices del género, como Elaine Stritch, quien la interpretó en el montaje original y no dejó de cantarla en conciertos y unipersonales y Patti Lupone, quien actualmente sigue cosechando ovaciones de pie cada que la interpreta. La canción central de la obra, “Being alive”, además de ser lucimiento para actores y actrices, ha sido un himno para la comunidad LGBTQA+.

Al igual que Company, las otras obras de Sondheim gozaron -y sufrieron- de la paradoja de no ser grandes éxitos de taquilla, pero sí de merecer sendos premios y, sobre todo, de hoy en día ser consideradas influencias importantes, objetos de variados estudios y nuevos montajes, además de estar reflejados en generaciones de compositores como Adam Guettel (Light in the Piazza), Jason Robert Brown (Parade, The last five years) y, como se puede ver en el ya mencionado filme Tick Tick Boom, Jonathan Larson (Rent) y Lin Manuel Miranda (In the Heights, Hamilton).

Sus canciones forman parte del cancionero norteamericano y han sido visitadas por figuras como Frank Sinatra y las ya mencionadas Liza Minelli y Barbra Streisand, quien ha grabado e interpretado en concierto varias de sus piezas; de hecho, su famoso The Broadway Album está inspirado plenamente en la visión teatral y musical de Sondheim. La mismísima Reina del Pop, Madonna, al ser parte del filme Dick Tracy de 1990, interpretó tres canciones compuestas por él: “Sooner or Later”, “More” y “What Can You Lose?”.

Tras Company, vinieron Follies, A little night music, Merrily we roll along, Sunday in the Park with Georges, Into the woods y Passion. Todas y cada una de esas obras merece estudios, ensayos y artículos y en cada uno siempre se podrá encontrar algo nuevo, algo distinto, tal cual sucede con la diversidad de montajes y reposiciones que han suscitado y las canciones que de ellas se han desprendido.

Tan solo un musical como Merrily We Roll Along, cuya versión original fue uno de los más contundentes fracasos -y la última colaboración- de la mancuerna Sondheim – Prince, contiene canciones que hoy en día son las primeras en las que se piensa al evocar a Sondheim: “Old Friends”, “Not A Day Goes By”.

Follies, un musical para actores de la tercera edad que no le pide nada a las mejores obras del realismo norteamericano, desprende joyas como “Broadway Baby”, “In Buddy’s Eyes”, “Could I Leave You?” y “Losing my Mind”, y el himno de las grandes mujeres del espectáculo -versionado incluso por Nacha Guevara, “I’m Still Here”.

Sunday in The Park With George, merecedora del Premio Pulitzer, es una reflexión sobre el arte mismo que se resume en una canción deliciosa: “Putting It Together”.

Into The Woods, una revisión sobre las fábulas y cuentos infantiles aterrizadas en el terreno freudiano desprende personajes entrañables, mientras Passion pone en escena un filme de Ettore Scola para hacer todo un tratado sobre la belleza y el enamoramiento frente al opuesto.

De este grupo de obras, la más “popular” es A little night music gracias a que contiene la canción más famosa de Stephen Sondheim, versionada por muchos cantantes: “Send in The Clowns”. Aunque es de belleza innegable, también es innegable que otras canciones de la partitura -compuesta completamente en tiempo de vals y cercana a la opereta-, inspirada por un filme de Ingmar Bergman -sí, un musical basado en Bergman-, está plena de piezas de hermosura y complejidad delirantes.

Por ahí andan también Saturday Night, Evening Primrose, Assassins y Road Show, obras que merecen más atención, pues contienen más de una pieza sobresaliente, como “What More Do I Need?” o “So Many People”, muy recurrentes del repertorio de las y los cantantes profundamente relacionados con la música de Stephen Sondheim: Bernadette Peters, Patti Lupone, Mandy Patinkin, Audra McDonald, Melisa Ericco, Michael Ball, por mencionar a los más representativos y constantes -sin olvidar a las legendarias y ya fallecidas Barbara Cook, Angela Lansbury y Elaine Stritch– .

En México, además de conocer a Sondheim por los varios montajes de Amor sin barreras y por la Gypsy producida y protagonizada por Silvia Pinal y por las ya mencionadas versiones de A Funny Thing Happened to the Forum lo conocemos gracias a Sweeney Todd, la que para muchos es su obra maestra, se trata del punto más alto en su colaboración con Harold Prince. Teniendo al canibalismo como tema central, ambos construyeron una obra de humor negro cuya partitura va más a fondo en la exploración de la opereta y la ópera.

La historia del barbero asesino de la Calle Fleet y, sobre todo, de su vecina, la pastelera Nellie Lovett, tuvo un éxito más notable que las obras anteriores. A ésto contribuyó, además de la exquisita partitura y la impresionante producción, la presencia protagónica de Angela Lansbury, quien junto con Len Cariu hicieron historia como la dupla estelar. Montajes -varios en distintas casas de ópera- y conciertos se han realizado hasta hoy, que en Broadway corre una exitosa reposición estelarizada por Josh Groban y Analeigh Ashford. Antes de eso, en México pudimos verla por primera vez en 2018, bajo la traducción de Mario Cassán, la dirección de Ricardo Díaz e interpretada por Lupita Sandoval y Beto Torres.

Cinco años después, sin otra obra de Sondheim de por medio, Sweeney Todd regresó, ahora traducida y dirigida por Miguel Septién, estelarizada por Flor Benítez y Quecho Muñoz. En ambas obras ha sido notable el esfuerzo por ser lo más fieles posibles, por medio de la traición natural, a la forma y al fondo propuestos puntualmente por Sondheim en cada verso, en cada rima, en cada acento, en cada ambiguedad entre lo cantado y lo escenificado. El público ha salido ganando en ambas ocasiones al poder escuchar en español canciones como “The Worst Pies in London”, “Johanna”, “Pretty Women”, “Epiphany”, “A Litle Priest”, “By the sea” y “Not While I’m Around”.

Y es que las razones por las cuáles los musicales de Stephen Sondheim no han sido producidos en México son muy diversas. Desde el hecho de que todo eso que distingue a las letras de Sondheim es intraducible en una lengua distinta a la original, hasta el hecho de que, a diferencia de los musicales y espectáculos tradicionales que se han montado una y otra vez en México, los de Sondheim no son para todos los públicos debido a la complejidad de sus temáticas y al hecho de que se alejan del concepto tradicional de coreografías exuberantes y finales felices e, incluso, debido a las dificultades que implican los elencos de varios de sus musicales, que incluyen a actrices y actores de la tercera edad, un rubro que en México no necesariamente está atendido dentro de los musicales.

Lo anterior no significa que no haya un interés por los musicales de Sondheim en nuestro país: son varios los actores, cantantes, compositores, músicos, dramaturgos y directores que desean ver o, mejor aún, hacer en México un Sondheim. Como muestra, la reciente temporada del monólogo musical Nada extraordinario que, a partir de la idea del actor Jorge Viñas fue escrito por Jimena Eme Vázquez y compuesto por Juan Manuel Torreblanca en un absoluto homenaje a Sondheim -de hecho, el tributo se coronaba al tener un segundo acto radicalmente opuesto al primero-.

En 2024 se estrenará Here we are, el último musical -basado en dos películas de Luis Buñuel– del compositor norteamericano que, a su muerte el 26 de noviembre de 2021, suscitó un lamento generalizado por parte de la comunidad teatral y musical de Estados Unidos y otra parte del mundo. Un genio cuyo teatro y cuya música seguirán presentes en las distintas reposiciones que se hacen de sus obras -en estos últimos meses ha habido tres obras suyas en Broadway: Into the woods, Merrily we roll along y Sweeney Todd y una revista de homenaje en Londres, Old Friends- y en los conciertos que se hacen para recordarlo.

Al recibir el Premio Oliver como mejor actriz en un musical por interpretar a Mamá Rose en Gypsy en Londres, Imelda Staunton remató sus agradecimientos con uno muy especial: “Stephen Sondheim es el Shakespeare del teatro musical y el cantar sus discursos cada noche es algo que te hace alguien mejor“. Y, a juzgar por lo que puede verse y disfrutarse a través de las plataformas que resguardan los audios y videos de las representaciones y conciertos dedicados a la música y a las letras de Sondheim, vaya que Imelda Staunton, como de costumbre, tiene razón.

Quizá la música y las letras de Sondheim no son para todos -deberían ser, ¿por qué no?- pero para quienes las han recibido y a ellas se han entregado, resultan una experiencia transformadora, de salvación. Como Joanne de Company, como George de Sunday in the Park with George, personajes obsesionados con los sombreros, no queda más que quitárselo ante la obra del genio y musitarle: Gracias, Steve.

Por Enrique Saavedra, Fotos: Wikipedia/Danya Polykov

César Perrín, productor de Infierno, tiene claro que para hacer teatro hay que trabajar duro y hacerlo en equipo. Detrás de Infierno, nos dice en entrevista, hay “una compañía de teatro con un equipo creativo que estamos trabajando para hacer una muy buena producción, en la que la gente no solamente salga con una casa del terror, sino que también pueda ver una muy buena obra de teatro”.

El montaje, después de más de 120 funciones, ha tenido lleno en 98 de ellas, nos explica el productor. La planificación de la obra tomó 13 meses, dice el productor. “Hicimos borradores, y dándole vueltas de cómo llevar esta obra al escenario, [… ] se cuidó muy bien y se dio un tratamiento muy lindo a cada una de las áreas para poder llegar al resultado que tenemos”.

Hacer teatro de este género, nos confiesa, “es muy divertido”. Con obras como El Exorcista -que actualmente se presenta en Colombia-, La Llorona, que tuvo temporada en Xochimilco, Esquizofrenia, y, por supuesto, La dama de negro, que está por cumplir 30 años, César Perrín cuenta ya con mucha experiencia en el teatro de terror. En este sentido, nos comparte que siempre hay experiencias divertidas que hacen que el género “sea mágico”. Esta es una de las razones por la que han apostado por él, “además de todas las sensaciones y las cosas que pasan, las energías que se mueven son muy atractivas para todo el mundo”.

Varias obras dentro de una obra

El éxito que ha tenido Infierno en taquilla, el productor lo atribuye no solamente a la experiencia de terror: “Se trata de tener un buen texto, tener ‘carnita’, una buena dirección, buenos efectos, buena producción y muy buenos actores”, reflexiona.

La obra es un texto de Mauricio Pichardo, “uno de los mejores dramaturgos de este país”, afirma Perrín. En la dirección, explica, el trabajo de Rafael Perrín acompaña y lleva a los actores para que exploten la obra al máximo. El director del montaje logra “hacer varias obras dentro de una obra y tener a todos los actores con el rol muy bien entendido”, destaca César Perrín.

En este sentido, subraya la experiencia y capacidad de su elenco: “Realmente ellos también nos ayudan a hacer el trabajo más fácil para estos cambios de personajes, matices y emociones”. Miranda Norman, Alessandra Goñi, Ruy Senderos, Emmanuel Okaury y Ernesto Godoy integran el elenco que da vida a esta historia.

Ya no sabemos que es verdad y qué es parte de la obra

Alrededor de esta obra, nos comenta su productor, suceden tantas cosas que “ya no sabemos que es verdad y qué es parte de la obra”. Al respecto, nos comparte, han sucedido cosas como en la “Dimensión desconocida”.

Normalmente, explica Perrín, en los teatros se escuchan ruidos, o se ven y sienten cosas. Sin embargo, agrega, “aquí lo que ha pasado, muy extraño, es que se han visto entre ellos (actores y técnico), hay como entes extraños, como cuando te duermes y dicen que se te sale el alma un poco. Eso es lo más fuerte que está pasando en el teatro, que se encuentran y se ven entre ellos en lugares en que no están, en momentos que no están ellos y de maneras imposibles”.

El Sótano y La ballena entre sus nuevos proyectos

Sobre el universo de obras de terror que, junto con su padre Rafael Perrín, han conformado, el productor nos adelanta que pronto vendrá una nueva obra del género para sumarse a este “multiverso Perrín”. Se trata de El Sótano, basado en la obra de Koji Suzuki, quien es autor también de El aro.

En junio de 2024, se planea traer esta obra al Teatro Wilberto Cantón. Esta coproducción con Édgar Méndez, actualmente ha tenido funciones en Guadalajara. en donde se han ajustado detalles para que sea “lo más espeluznante que podamos hacer, la gente sale mal y Protección Civil nos pide que tengamos la luz prendida”.

Sobre nuevas producciones de otros géneros, César Perrín nos adelanta también que la primera semana de febrero restrenarán El tiempo vuela. Se trata de un monólogo interpretado por Ernesto Laguardia: “Un monólogo precioso [… ] una obra que se debe contar, que se tiene que hacer, es sobre el cáncer de mama”, sostiene.

Posteriormente, en agosto, César Perrín estrenará La ballena, de Samuel D. Hunter, interpretada también por Laguardia y por Tatiana del Real. Esta obra inspiró al director de cine Darren Aronofsky para realizar el filme que dio a Brendan Fraser su primer premio Óscar como Mejor actor.

“Ningún género es fácil, todo bien hecho es difícil de hacer, pero La ballena es una obra muy fuerte. Ernesto Laguardia va a ser nuestro protagonista y va a tener que llevar una transformación de tres o cuatro horas para poder transformarse en este personaje. Va a ser un trabajo muy difícil, sin duda, para los actores”.

Hay textos y obras que tienes el compromiso de llevarlas al público

Llevar a escena un drama como La ballena es siempre un riesgo. Sin embargo, el productor nos dice que “el que arriesga no gana, miedo siempre va a haber”. En este sentido, destaca que siempre estará el miedo si la gente va a ir o no al teatro, “porque en el teatro las pérdidas económicas son mucho más fuertes que las ganancias”.

Sin embargo, César Perrín cree en el compromiso con el teatro. “Creo que hay textos y obras que tienes el compromiso de llevarlas al público”. Se trata, agrega, de ser “soldados del teatro, trabajar para el teatro y cuidar al teatro, la calidad del teatro que se tiene”, puntualiza.

Como ejemplo de este tipo de montajes nos pone a Sweeney Todd, de Ícaro Teatro y Vatru Entertainment. El montaje, destaca, cuenta con un talento sensacional sobre el escenario: “Está hecha maravillosamente, es una dirección y una producción impecable, unas voces impecables”. Son este tipo de producciones, reflexiona el productor, las que ayudan a llevar gente a las salas. En un país como el nuestro, con un bajo consumo de teatro, considera, “es nuestra obligación trabajar para llevar dramas, comedias, pero todo con una muy buena calidad”.

Lo anterior es una de las razones por las cuales César Perrin busca que sus montajes tengan un costo accesible sin sacrificar la calidad. Si bien las matemáticas para lograrlo son difíciles, “estoy a favor de que la gente consuma teatro”, subraya. Lo expone así: “ Me cuesta trabajo poner boletos muy caros, porque sí me interesa que una familia de 6 o 7 personas pueda ir a ver teatro. Entonces no solo cuidamos la calidad, sino la economía de nuestro público”.

Trabajo es para el teatro y para el público

El 2023 ha sido para el productor César Perrín un año de mucho aprendizaje. “Infierno fue una producción muy noble, fue una producción que me cuidó y me acompañó [… ], hemos tenido un éxito impresionante ”, destaca. Sin embargo, matiza, otras producciones durante el año “flaquearon” o fueron un reto enorme, como el caso de El Exorcista, en Colombia. “Es una producción gigante, fue un reto impresionante, es una producción mía junto con Robinson Díaz y Adrián Naranjo”, explica.

Un aprendizaje que este año le deja es mantener los pies en la tierra y nunca confundir tu misión y tu labor en la vida. Muchas veces, reflexiona, por querer alcanzar a una persona “no te estás dando cuenta del trancazo que viene adelante”. La mayor lección ha sido: “Saber para quién trabajo, realmente para quien trabajo es para el teatro y para el público. Mantenerse en esa línea como fiel servidor de ellos y trabajar duro, picar piedra para llevar muy buenos espectáculos a nuestros escenarios”.

Para el año que está por comenzar, el productor de Infierno señala se mantendrá todos los viernes y sábados en el Teatro Enrique Lizaldi, también continuará Esquizofrenia en el mismo recinto los miércoles y los jueves. Además de los estrenos de El tiempo vuela, El sótano y La ballena, Perrín nos adelanta que “si todo sale bien”, la producción que para finales de año tratará de traer la producción de El Exorcista que actualmente se presenta en Colombia. “Hay mucho trabajo, muchas giras, hay mucho que hacer, y esperemos que ahí tengamos a la gente confiando en nosotros”, remata.

Para más información de Infierno haz clic aquí. Toda la información de Esquizofrenia aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía de la producción.

Por primera vez, Alan Estrada, Jannette Chao y Vince Miranda subirán a cantar al escenario de Siete Veces Adiós para compartir con el público anécdotas, y cómo fue el proceso de creación y composición de cada tema.

Platicamos con Alan Estrada de estas funciones especiales, sobre la posibilidad de desarrollar una versión Ella y Ella y el futuro de la obra que suma caso 500 representaciones.

¿Qué significa para ustedes subirse a cantar al escenario el 26 y 27 de diciembre, ¿ya habían dado alguna función?

“No, es la primera vez que lo haremos, es la primera vez que nos subiremos los tres, además de que es la primera vez que vamos a cantar todas las canciones, además de un tema inédito que quedó eliminado del musical. Estoy nervioso pero obviamente queremos que sea una noche para gozar, y que esté dedicada a los fans de Siete Veces Adiós, a la gente que ha hecho que la obra dure lo que ha durado, y sobre todo, a que puedan conocer las historias detrás de cada canción, ¿cómo las escribimos?, ¿en qué estábamos pensando?, ¿cómo fue el proceso creativo? y compartirlo con la gente“.

“Será una noche muy íntima, la banda que normalmente toca en las funciones estará con nosotros, Félix Arroyo hará un diseño de iluminación especial, será algo diferente pero además creo que será muy bonito porque compartiremos cosas que no hemos compartido“.

A casi dos años de distancia de distancia, luego de casi 500 funciones y cambios de elenco que han refrescado la obra, cuando miras atrás a esa primera función ¿qué creías que iba a pasar con el proyecto?

“Yo tenía una buena corazonada, sentía que la obra conectaba y que podía irle bien, nunca pensé que taaan bien, pero me dio me dio mucho gusto ver que la gente respondió, que conectaba, que las funciones se empezaron a llenar, incluso siento que rompió muchos paradigmas. A veces siento que los teatreros, no es que estemos peleados, pero no tenemos en el radar el que un proyecto, además de tener éxito artístico, tenga un éxito comercial, y creo que un éxito comercial nos puede dar a todos la estabilidad como para mejorar la calidad de vida de toda la gente que hacemos teatro -lo cual sería importantísimo- y además poder seguir haciendo proyectos. Creo que el que a nosotros nos esté yendo bien significa que le puede ir bien a cualquiera“.

¿Cómo motivar a más gente a ir al teatro?

“No se trata de que la gente no quiera ir al teatro, la gente sí quiere ir al teatro, nada más que -yo mismo lo digo cuando voy al teatro-, hay veces que la experiencia es tan compleja, o tan aburrida, o tan alejada de mí, que no es como en el cine; porque la gente no le da tantas oportunidades al teatro como le da a otros tipos de entretenimiento. Tenemos que ponernos las pilas para ver cómo podemos conectar más con la gente, cómo podemos hacer que vayan más al teatro, cómo podemos generar nuevas audiencias y creo que Siete Veces Adiós lo hizo“.

¿Cuándo y cómo sintieron que la obra era un éxito?

“Una vez me habló a mi teléfono un alto ejecutivo de una empresa -del que no voy a decir el nombre-, desesperado porque su mejor amigo no encontraba boletos. Ahí dije: ‘wow, esto ya llegó a escalas mayores-. Pensé que así se sentía que a algo le fuera muy bien, ese momento fue increíble. Sabíamos que era imposible que duraran mucho los sold out, pero duraron prácticamente 30 semanas, muchísimo, en ese momento confirmé que había algo especial“.

Hablando de anécdotas, ¿Nos podrías compartir algún comentario de alguien del público o en redes que te hizo sentir que todo había valido la pena?

“Más que un comentario, me acuerdo que en uno de los previos la gente aplaudió muchísimo en un momento en el que yo jamás pensé que aplaudirían. Me emocioné mucho por esa reacción, porque uno como director trata de guiar no solo a los actores sino a la audiencia a navegar la historia, pero sus reacciones son de cierta forma indomables, y que en ese momento aplaudieran y se emocionaran fue muy especial. No me dejaba de sorprender cómo la gente se reía o reaccionaba en momentos en los que no pensé que sucedería“.

¿Cómo consideras que cada nuevo actor/actriz ha podido integrarse a la familia que han formado luego de casi dos años?

“Creo que tiene mucho que ver con que tenemos un equipo al que le gusta mucho lo que hace y muy generoso. Me siento muy feliz de que la gente que forma la base de este musical: los cantantes, la banda, la gente de producción que lleva con nosotros desde el día uno, se siguen subiendo al escenario para romperse el lomo y darlo todo, además de que hacen sentir bienvenido a todos“.

“Es especial subir y dar función aun cuando alguien esté cansado, o lleven casi 500 funciones, la repetición es compleja, pero al final ese refresh de elenco hace que todo se refresque un poco y se vuelva a vivir más o menos como la primera vez“.

En qué momento pensaron en desarrollar la versión Él y Él, y sobre todo ¿hay planes para una versión Ella y Ella?

“La versión de Él y Él siempre estuvo en nuestra mente -desde los talleres de hecho-, pero el desarrollo nos tomó tiempo porque fue bastante compleja de hacer. Yo no quería una historia que cayera en los clichés de lo que la gente cree que es la comunidad; no quería nada que tuviera temas de enfermedades, ni infidelidades, ni promiscuidad, cosas que si bien pueden estar presentes en la comunidad, rayarían en el cliché de lo que la gente que no pertenece a ella, nos juzga. Creo que lo logramos después de muchas horas de mesa“.

“Sí nos gustaría una versión Ella y Ella, pero también nos gusta tomarnos nuestro tiempo, esperamos que la versión Él y Él dé todo lo que tenga que dar y luego ya pensaremos en la otra“.

La representación es cada vez más importante en el cine, teatro y TV, ¿qué sienten de poder sumar a ella y a un mundo más diverso?

“Me encanta la idea y me gusta poder sumar un poquito. Honestamente me gusta que la gente se sienta identificada, que vea en nuestra obra una historia que los identifique, pero también me interesa mucho que la gente que no es de la comunidad vea nuestra obra, conozcan nuestras historias y que no se vuelvan de nicho, o para un público en particular“.

“Yo siempre me estoy quebrando la cabeza de cómo romper las fronteras, de cómo generar nuevas audiencias, cómo hacer que gente que no vaya al teatro, vaya al teatro y cómo hacer que gente que cree que una historia de amor entre dos hombres es únicamente para la gente que ama de esa manera, no lo vea así“.

¿Cómo te gustaría motivar a que más gente se aviente a escribir o producir musicales originales?

“Creo que hay mucha gente que quiere escribir. Lo que yo invitaría es más bien a productores y a gente como Morris y a Gou, que tienen los recursos, a invertir en el desarrollo de nuevas historias. Creo que lo pueden hacer y que se necesita dinero para que los creativos generen; es decir, si nosotros -y eso en particular lo hice yo-, si yo no hubiera invertido en el desarrollo de Siete Veces Adiós, no habría sucedido, porque se necesita dinero, no solamente creatividad, o una idea, se necesita dinero para que el desarrollo suceda. A lo mejor esa obra nunca ve la luz en el teatro -porque el hecho de desarrollar un proyecto con tiempo y con cuidado no te asegura que vaya a ser exitosa-, pero no desarrollarlo como debe de ser; con talleres, con su debida inversión, sí te asegura que a ser un fracaso porque cada obra necesita un proceso“.

“Luego hemos visto musicales mexicanos que llegan a escena y decimos: ‘le faltó, les faltó tiempo de cocción, les faltó tallereo’ y eso tiene que ver directamente con el apoyo económico y ese apoyo económico tiene que darse de parte de los productores. Es importante que se invierta en el desarrollo de proyectos originales mexicanos“.

Siete Veces Adiós retrata la despedida de una pareja. ¿Cómo saber cuándo decir adiós, en las relaciones, y en los proyectos laborales?

“Creo que eso lo siente cada quién, creo que tiene que haber un proceso en el que sientes que ya es el momento de despedirte, pero también tiene que haber un proceso de agotar las posibilidades; es decir, tanto en una pareja como a lo mejor en una temporada de teatro. Por ejemplo, sí está bajando el público ¿qué falta por hacer? quizá una inyección de publicidad, hacer todos los esfuerzos, y si después de todos esos esfuerzos las cosas no mejoran, pues es momento de decir adiós“.

En 2024, la obra regresará con Natalia Téllez y Vince Miranda a partir del 5 de enero. ¿Qué más podemos esperar el próximo año además de la gira? ¿Otros actores podrían integrarse? Escuchábamos a Regina Blandón diciendo que ojalá lograran cuadrar tiempos…

“A mí me encantaría que Regina lo haga, me fascinaría, le he estado rogando desde que estrenamos. Tenemos una lista de actores con quienes nos gustaría trabajar, pero también es muy agotador estar cambiando constantemente de elencos, porque los ensayos no paran nunca y eso también agota, pero sabemos también que eso refresca tanto al elenco fijo como al público, entonces sí tendremos nuevos elencos“.

“Esperemos también poder lograr la versión Ella y Ella para el 2024 y que con la ayuda de la gente haya larga vida para Siete Veces Adiós“.

Finalmente, después del éxito de La Usurpadora, ¿tienes otros proyectos en cine o en TV? ¿y cómo vas a seguir combinando la parte de los viajes?

“Quiero seguir viajando, en 2024, lo quiero retomar un poquito más en serio, y tengo por ahí un par de planes, pero pues necesito acomodarme porque luce complejo. También queremos empezar a desarrollar un nuevo musical, entonces eso nos tomará nuestro tiempo. Poco a poco, habrá mucha chamba“.

Por Mariana Mijares, Foto: Cortesía VIOGG

Está por finalizar el 2023, un año lleno de teatro y obras memorables. Como cada año, en Cartelera de Teatro queremos recordar a personalidades y miembros de la comunidad que nos dejaron este año.

Su talento y dedicación dejan una profunda huella en nuestro teatro. Una de las pérdidas más visible de este 2023 fue la del maestro Ignacio López Tarso, quien a los 98 años murió el 11 de marzo, después de haber dado 75 años de su vida al teatro, cine y televisión. También personajes como Xavier López Chabelo, Rebecca Jones, Queta Lavat, Farnesio de Bernal, Fernando Becerril, la dramaturga Luisa Josefina Hernández  y Rosita Pelayo nos dejaron en este 2023. Sin embargo, no fueron las únicas pérdidas irreparables que sufre el medio.

Dedicamos un espacio para quienes dejaron este plano físico, pero nos dejan todo su talento y su legado. Siempre serán recordados con cariño por todo lo que nos dieron.

¡Gracias por tanto, hasta siempre! Aarón Mariscales Delgadillo (diseñador de arte, escenografía, vestuario e iluminación), Adriana Laffan (actriz), Alberto Clavijo (fotógrafo), Alfredo Solares ‘El Pelón’ (director y actor), Anatoli Lokachtchouk Ivashko (artista circense), Andrés García (actor), Arturo Nava Astudillo (escenógrafo, iluminador y arquitecto teatral), Benito Castro (actor),  David Ostrosky (actor), Fernando Muñoz Castillo (dramaturgo), Gastón Tuset (actor), Irma Serrano (actriz, cantante y empresaria teatral), Javiera Valentina Núñez Álvarez (dramaturga), Joana Brito (actriz), Maricela Lara (actriz, docente, y directora teatral), Maximiliano Corrales García (coreógrafo y bailarín), Rosario Zúñiga (actriz), Rosita Pelayo (actriz), Rubén Moya (actor), Sergio DeFassio (actor), Sergio Calderón (actor), Talina Fernández (periodista y actriz), Tenzing Ortega (diseñador de escenografía e iluminación, docente),Yolanda Ciani (actriz).

En el ámbito internacional también hubo pérdidas como Alan Arkin (actor), André Braugher (actor), David McCallum (actor), Frances Sternhagen (actriz), Gina Lollobrigida (actriz), Glenda Jackson (actriz), Guillermo Heras (actor y director de teatro), Harry Belafonte (cantante y actor), Julian Sands (actor), Mark Margolis (actor), Matthew Perry (actor), Michael Blakemore (director), Michael Gambon (actor), Michael McGrath (actor), Milan Kundera (dramaturgo, novelista y ensayista), Piper Laurie (actriz), Raquel Welch (actriz), Robert Sanford Brustein (crítico teatral, productor, dramaturgo, escritor y educador), Sheldon Harnick (letrista), Suzanne Shepherd (actiz y directora), Suzanne Somers (actriz).

Va nuestro recuerdo para cada uno de ellos, y también para quienes -por no ser esta una lista exhastiva – imperdonablemente omitimos.

El Centro Nacional de las Artes (Cenart) realizó durante 2023 actividades que incluyeron teatro, danza, conciertos, talleres, clases magistrales y exposiciones. Además de festivales de diverso tipo.

En lo que al teatro se refiere, en sus recintos se presentaron diversos montajes, entre ellos Algodón de azúcar, de Gabriela Ochoa; El lugar de la sombra y la brisa, de David Gaitán; Matteo Ricci, de José Ramón Enríquez, José María de Tavira y Luis de Tavira; o El eterno verano de la guerra, de Hugo Alfredo Hinojosa, entre otros.

También se presentó Fruto en la sequía, de Itzel Lara, en el marco del festival “Primavera Teatral”. Esta obra dio inicio al ciclo “Teatro de Arte Mexicano” de la Compañía Nacional de Teatro y se presentó en el Teatro de las Artes. El festival además contó con una amplia programación académica y artística. En él se realizaron las conferencias “Creadores Escénicos”, en ellas se abordó el panorama teatral contemporáneo desde la visión de sus creadoras y creadores.

El Cenart también lanzó la convocatoria “Circuito Nacional de Artes Escénicas Títeres y Objetos”. Esta convocatoria tiene como objetivo fortalecer la descentralización del programa “Chapultepec, Naturaleza y Cultura”. A través de esta convocatoria se seleccionaron 58 proyectos de 21 estados del país, que recibieron un apoyo económico.

También se emitió la “Convocatoria para integrar la Programación Artística 2024”, en la cual se buscó impulsar la diversidad y la transparencia en el uso de los recintos de Cenart. En el marco de esta convocatoria se seleccionaron 68 espectáculos de teatro, danza, música, circo y artes interdisciplinarias. Éstos se presentarán, en el marco del 30 aniversario del Cenart, durante el 2024.

Finalmente, también el festival “Luces de Invierno”, que celebra las fiestas de fin de año, se presentaron obras de teatro, ópera para niñas y niños, danza y conciertos.

La ópera también tuvo un espacio en el 2023, a través del ciclo “La ópera es puro cuento… y el ballet también”, que presentó las obras Fígaro y el alquimista, Tu ópera libre y El camino del colibrí. Este ciclo dirigido para jóvenes audiencias tiene como objetivo acercar a niñas y niños a este género.

En el 2024 el Centro Nacional de las Artes celebra 30 años de existencia. Para celebrarlo ha programado actividades artísticas y académicas. La primera actividad para celebrar la fecha es la Carrera de las Artes, el 25 de febrero. El recorrido será de 6 kilómetros, éste recorrido estará acompañado por oferta de teatro, danza, artes circenses y cine.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Bernardo Arcos Mijailidis.

Como cada año, nuestro portal se enorgullece de haber sido el vínculo que mantuvo a nuestros lectores informados sobre las experiencias teatrales más notables del año.

En este resumen, exploraremos las noticias más relevantes aquellas que tuvieron un gran alcance de audiencia, que lograron captar la atención y la admiración de nuestra audiencia, mismas que definieron la escena teatral del 2023.

1. Estrena Alejandro Camacho LA VIRGEN LOCA en el Teatro 11 de julio
La noche del 16 de enero se realizó la función de prensa de La virgen loca, interpretada por el actor Alejandro Camacho, una historia que nos hablaba sobre la vida y la muerte, sobre la luz y la oscuridad, sobre el amor, sobre el fracaso y la alegría, sobre la esperanza y la desesperación.

2. Inicia temporada MAMMA MIA! en el Teatro de los Insurgentes
Encabezado por Lisset, Alejandro de la Madrid, Marisol del Olmo, Francisco Rubio, Gicela Sehedi, Armando Arrocha, Luja Duhart y Sofía Carrera, esta comedia musical arribó al Teatro Insurgentes el 7 de marzo, ahora se encuentra en su etapa final en la CDMX, para comenzar una gira por el interior de la República.

3. Regresa renovada y revitalizada, la comedia TOC TOC al Teatro López Tarso
A principios de marzo, esta obra conbsiderada como una de las favoritas y consentidas del público, regresó a la cartelera nacional con un elenco renovado que ha ido cambiando con el paso de los meses y que también ha contado con invitados especiales como Patricia Reyes Spíndola, Armando Hernández, Elizabetha Gruener y Yurem.

4. Anabel Ferreira y Héctor Suárez Gomís regresan al teatro con UGO, PAKO Y JOSE LUIZ
A finales de marzo, Anabel Ferreira y Héctor Suárez Gomís en compañía de Ana Layevska, Pilar Boliver, Sophie Alexander-Katz, Enrique Chi, Rubén Branco, Carla Medina, Aarón Balderi, Alfredo Veldañez, Paula Kohan, Alicia Comas y Pepé Navarrete, presentaron este montaje que fue su regreso a las tablas y se mantuvo en temporada en el Nuevo Teatro Libanés.

5. Anuncia SIETE VECES ADIÓS versión “ÉL” y “Él”, Zuria Vega y Alejandro Calva se suman al elenco de “ELLA” y “ÉL”,
Arrancamos el mes de abril con la noticia de la integración de Zuria Vega y Alejandro Calva al elenco del exitoso musical Siete Veces Adiós, y no sólo eso, sino que el musical crecía y estaba por estrenar una nueva versión con las actuaciones de Cuauhtli Jiménez, Martín Saracho y Valeria Vera.

6. Hugo Arrevillaga dirige a Sugey Ábrego y Raúl Coronado en TENGAMOS EL SEXO EN PAZ
A mediados de abril, el productor Rubén Lara, montó una nueva versión de la comedia de Darío Fo, Franca Rame y Jacopo Fo, bajo la dirección de Hugo Arrevillaga con las actuaciones de Sugey Ábrego y Raúl Coronado que llegaron para hablarnos de aquellas dudas y tabús sobre el sexo, así como el aborto y la impotencia, desde el humor.

7. Timbiriche pondrá a bailar al público con la nueva versión de VASELINA
Una tarde a mediados de abril, Alex Gou nos dio la noticia del regreso de Vaselina protagonizado por los Timbiriches, Benny Ibarra, Erik Rubín, Mariana Garza, Diego Schoening, Alix Bauer. Un montaje que llegó para revivir la infancia-adolescencia de aquellos que fueron niños en los años 80 y crecieron con la banda, gracias a la buena aceptación, el montaje se mantuvo hasta diciembre en nuestra cartelera.

8. Presenta elenco completo EL MAGO, encabezado por Lucero Mijares y María del Sol
A principios de junio, nos enteramos que Lucerito Mijares y María del Sol encabezarían El Mago (The Wiz), montaje con el que Mijares hizo su debut en el escenario y que también marcaría el regreso de María, una de las grandes voces que tiene nuestro país en el teatro musical. Un montaje con el que también se festejaron los 25 años de trayectoria del productor Juan Torres.

9. Anuncian al elenco de ANASTASIA, la nueva producción de OCESA
Sin duda una de las grandes obras esperadas por los amantes del teatro musical era Anastasia, que presentó a su elenco, con bombo y platillo, la mañana del 21 de junio en uno de los hoteles más bonitos de la capital. Desde entonces, no ha parado de enamorarnos con su historia y melodías que logran transportarnos a la Rusia de los zares.

10. Biby Gaytán y Ana Paula Capetillo encabezan el elenco de AMOR SIN BARRERAS
Cerramos este conteo con otro musical, que trajo de vuelta una de las historias de amor más queridas, y no sólo eso, también logró juntar dos generaciones en el escenario, Bibi Gaytán y Ana Paula Capetillo, en su primera Coyoacán.

Cada noticia nos acercó aquello que los creadores nos quería contar durante este ajetreado 2023, esperamos que el siguiente año nos sorprendan con nuevas historias.

Por Itaí Cruz

En el transcurso del 2023, las reseñas teatrales a cargo de nuestros colaboradores Alegría Martínez, Mariana Mijares, Roberto Sosa, Kerim Martínez y Luis Santillán se erigieron como faros de orientación para nuestros ávidos lectores, guiándolos a través de este amplio panorama que nos presentó la escena nacional.

En este compendio hacemos un repaso por las más leídas, aquellas que capturaron la atención y el interés de nuestros lectores, destacando no solo las interpretaciones y las tramas , sino también las reflexiones críticas que enriquecieron la apreciación de la escena teatral del año.

10. UN DIOS SALVAJE: Dejar de lado la civilidad y las máscaras

“La nueva propuesta mexicana, dirigida por Miguel Septién, está protagonizada por Pablo Perroni (Alan), Fernanda Borches (Ana), Tato Alexander (Verónica) y Chumel Torres (Manuel) quienes desde el inicio empiezan a marcar la personalidad de sus personajes (…) Cada interpretación sin duda resulta disfrutable, incluyendo por supuesto esta nueva versión mexicana, pues el punto deja de ser la trama para llevar el foco a las actuaciones, y cada actor le imprime su sello personal“.

9. LA GOLONDRINA: Dos posturas, un mismo dolor

“La golondrina es una obra que muestra la crueldad que existe en el mundo, sus personajes están lastimados y no entienden bien qué sigue para ellos. El hecho teatral los ayuda a enfrentarse al miedo y a recoger sus pedazos para seguir adelante. Ramón piensa que lo que realmente nos hace humanos es el amor; Amelia, en cambio, cree que todo se centra en la capacidad de sentir como propio el dolor de los demás. Amor y dolor, dos conceptos tan opuestos y tan cercanos como estos dos personajes, tan frecuentes y tan expuestos en el arte teatral”.

8. SMILEY: Una comedia de valientes

“Smiley es una obra tierna, divertida, cómica y rosa que sitúa a los espectadores en un panorama actual donde la tecnología ha hecho que las relaciones humanas y amorosas se vuelvan cada vez más complicadas y difusas. Es un texto que refuerza la idea de que el amor verdadero existe más allá de lo carnal y de lo instantáneo. Una obra que muestra a dos hombres que merecen tener una historia de amor alejada de estigmas sórdidos que envuelven a la comunidad gay; una trama donde los personajes se envalentonan para conseguir sus objetivos y creen firmemente que todos los seres humanos merecen un romance de película“.

7. VEDETTE: La gloria del buen cabaret

“Carapia construye minuciosamente cada número musical haciendo gala de su expertiz, sabe perfectamente con quiénes está trabajando, aprovecha a su elenco y exprime al máximo todos sus talentos. Como resultado se tiene un show elegante, sensual, extravagante, propositivo y sobre todo, divertido. El recorrido es muy extenso, sitúa al público en lugares clásicos de antaño de la ciudad de México como el Tívoli para llevarlo de inmediato al Moulin Rouge y así sentir que se viaja de un congal a otro sin tener que comprar un boleto de avión“.

6. EL GORILA: Una crítica a la monotonía y a la pérdida de libertad

“A pesar del sufrimiento que ha tenido, el gorila agradece haber sido aceptado como “uno más”. No obstante, nunca deja de dolerle el haber tenido que dejar a los suyos, su especie y su hogar, añora su libertad perdida. Porque aun cuando él dejó de estar confinado en una jaula, fue encerrado en otra distinta: en la de la monotonía cotidiana“.

5. ANASTASIA, EL MUSICAL: El brillo de la nueva princesa del teatro mexicano

“Si bien la mayoría de los protagonistas tienen canciones para lucir sus capacidades vocales, la protagonista del musical: Mariana Dávila, realmente eclipsa el escenario. La actriz que formara parte de Cirque Música: Querida tiene una voz dulce y melodiosa; pero, sobre todo, una magnética presencia, pues aun cuando no está hablando, o cantando, es imposible quitarle la vista de encima, pues sus miradas, gestos, o reacciones cautivan por completo“.

4. TODO EL MUNDO HABLA DE JAMIE: Un musical que rompe esquemas

“Todo el mundo habla de Jamie es una obra positiva que habla de respeto, de identidad, de amor. Un musical que anhela un mundo más justo para todos. Es un texto necesario en esta época donde, desafortunadamente, los discursos de odio en contra de la comunidad LGBTQ+ abundan. Hay belleza en la diferencia, en el arte y en esta ocasión, en el teatro“.

3. LA DAMA DE NEGRO: Una experiencia creada por el público

“Rafael Perrín realiza la traducción y dirección de la obra, también es parte del elenco. Su propuesta de dirección se sostiene a partir de estimular la imaginación del público con variantes tonales, propicia momentos de comicidad que van acercando al público a la situación para, cuando es necesario, emplear recursos que provoquen la atmosfera de terror, tiene un gran manejo del ritmo, gracias a eso logra las reacciones que han creado la fama de esta producción“.

2. AFTERGLOW: Un sensual triángulo erótico que eleva el pulso

“Como parte del equipo creativo de la obra original se destaca el trabajo de Ann James & Chelsey Morgan como coordinadoras de intimidad. Este es un rol que ha tomado fuerza en los últimos años en el cine y la televisión y cuya misión es que se garantice que los actores, creativos y equipo estén informados, educados y seguros al recrear encuentros íntimos. Quizá por ello las escenas de la obra resultan tremendamente sensuales, como también las veces que cada uno pasea desnudo“.

1. EL MAGO (THE WIZ): Versión de jazz, soul y blues, en voz de Lucero Mijares

“Coreografías, batallas y persecuciones, dan la impresión de haber sido concebidas desde la necesidad de un movimiento que abriera espacio tersamente al paso de los personajes protagónicos, de arroparlos en su andar e integrarlos en algunos pasajes cuidadosamente, de forma que resaltara mayormente su presencia y su valor vocal“.

De esta manera culminamos un año, a través de las perspicaces críticas que resonaron en nuestra comunidad y los amantes del teatro.

Por Itaí Cruz

El año 2023 dejó una huella imborrable en el panorama teatral, marcado por un catálogo escénico que logró trascender los límites de la creatividad y la narrativa, donde fuimos testigos de un abanico de propuestas, desde conmovedores dramas hasta comedias ingeniosas.

Estas producciones no solo destacaron por su brillantez técnica, sino también por su capacidad para explorar temas relevantes y provocar reflexiones duraderas, y después de una larga conciliación entre los colaboradores  y algunas voces invitadas, les presentamos las 10 obras destacadas del 2023.

El cuerpo en que nací. Una adaptación libre de la novela homónima de Guadalupe Nettel a cargo de Bárbara Perrín que contó con las actuaciones de Paulina Treviño*, Tamara Vallarta* y María Perroni Garza, bajo la dirección de Benjamín Cann, un monólogo a dos voces, donde una joven nos comparte sus recuerdos más íntimos, así como los eventos que marcaron su vida.

Inteligencia actoral Escrita y diriga por Flavio González Mello, con las actuaciones de Carlos Aragón, Roberto Beck, Dobrina Cristeva, Diana Sedano, Fernando Rebeil, Verónica de Alba y Elena del Río, que plantea la posibilidad de que un remplazoide sustituya a un actor en escena.

Del Mago al loco, una revelación del tarot Escrita y dirigida por Claudio Valdés Kuri con las actuaciones de la compañía Ciertos Habitantes,que celebró 25 años de trayectoria con este montaje que realiza un viaje por al interior del alma, a tavés del mundo del tarot.

Algodón de azúcar Escrita y dirigida por Gabrieal Ochoa, con las actuaciones de Alejandro Morales, Romina Coccio, Carolina Garibay, Miguel Romero, Francisco Mena, una obra que examina temas como el silencio, el miedo y los secretos que abundan en el seno familiar tomando con escenario una antigua y desolada feria.

La reina de belleza de Leenane De Martín McDonagh con la traducción de Ana Graham y Antonio Vega, bajo la dirección de Angélica Rogel, y las interpretaciones de Sofía Álvarez, Ana Graham, Antonio Vega y Roberto Beck, colmada de personajes complejos que pueden parecernos entrañables en un momento y al siguiente, seres despreciables.

Desde cero Bajo la dirección de Angélica Rogel, esta innovadora propuesta logró conjuntar a 17 talentosos intérpretes que cada función crearon un musical, como su nombre lo indica, desde cero.

La golondrina De Guillem Clua, con la dirección de Alonso Íñiguez y las actuaciones de la primera actriz Margarita Sanz, German Bracco, Alejandro Puente, inspirada en el ataque terrorista, que reflexiona sobre las propias identidades, la aceptación de la pérdida y la fragilidad del amor.

Mamá se fue a la luna Escrita y dirigida por Clemente Vega este melodrama ochentero cuenta con amplísimo elenco que se reúne para hablar de temas como el abandono y los problemas de una familia promedio en la Ciudad de México, acompañado por música de la época que le da un toque especial.

Anastasia, el musical Desde Broadway, Ocesa trajó a nuestro país este fastuoso musical que nos cuenta la legendaria historia de Anastasia, la hija del último zar de la Rusia Imperial, conformado por un gran elenco Mariana Dávila, Irasema Terrazas, Carlos Quezada, Javier Manente, Manuel Corta, Gloria Toba.

El Padre Escrita por Florian Zeller, con la dirección de Angélica Rogel, este drama protagonizado por Luis de Tavira, Fernanda Castillo, Pedro de Tavira, Emma Dib, Ana Sofía Gatica y Alfredo Gatica, sobre un hombre que va perdiendo la memoria.

La visión de la crítica especializada

Para cerrar, les pedimos a nuestros amigos y colaboradores una pequeña reflexión sobre lo que pasó en la escena mexicana durante este año, éstas son sus opiniones.

Alegría Martínez: “La búsqueda de un avance sustancial del ser humano, en el ámbito en que se encuentre, con pinceladas de humor, crudeza y esperanza, permeó la diversidad del teatro en 2023. Arte abierto a la diversidad, en transformación continua”.

Roberto Sosa:  “Puestas en escena que sorprenden por la forma de abordar un tema original, por los elementos que las componen, otras que subvierten al espectador y sin faltar las que cuentan con todo, producción, dirección, texto y actuaciones, redondas. En este 2023 queda claro que el teatro está de vuelta, los recintos se llenan, el
público consume teatro y esas son grandes noticias. La CDMX es y seguirá a la vanguardia del teatro en México”.

Mariana Mijares: “Este 2023 mis obras favoritas estuvieron relacionadas con destacados talentos mexicanos;
Todos estos trabajos nos reiteraron el enorme tamaño del talento en México, sobre y detrás del escenario”.

Luis Santillán: “2023 será recordado como un año de intensa actividad teatral, las creaciones escénicas han sido encabezadas por gente de teatro de diversas generaciones y ese gran abanico da muestra de lo vibrante y vital del teatro mexicano. Es muy grato que la cartelera se nutra de autores mexicanos, queda la esperanza de que 2024 sea un año donde las productoras independientes (las realmente independientes) apuesten más por la dramaturgia nacional tanto para el teatro musical como para aquel que solo desea conmover, provocar la risa y reflejar la complejidad humana”.