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Fotos Microteatro

Por Luis Santillán y Fotos Microteatro/La temporada 40 de Microteatro México desarrolla el tema Por pecado.Son 13 las propuestas que pueden verse de jueves a domingo. Se promueve que la visita a Microteatro sea pensando en armar un combo de 3 obras, siguiendo el ejercicio se plantea una opción de combo donde la constante es el buen trabajo actoral.

En la Sala 1, Jeizer Ruíz ofrece Capullito de alelí, un texto que está mucho más ligado a la narrativa breve que al drama, plantea las vicisitudes que padece un personaje femenino y la sucesión de eventos cierra con una revelación, es un texto que en lectura puede tener más aciertos. Jesús Delgado está a cargo de la dirección, se vale de una muñeca para generar un recurso que permite crear momentos de confrontación, sin embargo, en poco tiempo la acción para “aclarar” el hablante se desgasta. Propone tareas escénicas que le dan movimiento al texto, lo que no se logra es que éstas se conviertan en acción dramática.

Yuniz Martínez es la actriz que crea de manera convincente a la menor de edad que pasa por las desventuras tópicas de abuso. Lo llamativo radica en que, a pesar de trabajar con clichés clásicos, tiene frescura en las reacciones del personaje.
Uno de los aciertos está en la selección de canciones. Eso estimula mucho al público y le hace establecer puentes emotivos con el personaje.

En la Sala 5 se presenta Leche materna de Julio Geiger. Este texto tiene la estructura de pieza y, en ese tenor, la obra está bien escrita; genera dos personajes con variantes que desarrollan estados emotivos, hay una conexión sobre la dinámica que los confronta y, con la dirección del propio Geiger, los actores mantienen matices y graduación de las reacciones, aprovechan las dimensiones del espacio para desarrollar de manera orgánica la situación.

En un desayuno cotidiano, la noticia en primera plana de los desaparecidos de Ayotzinapan, confrontará a una pareja sobre cómo desapareció su hija menor de dos años.Quizá el salto de la noticia del periódico al evento traumático del personaje femenino requiere de mayor carga previa para evitar que se sienta solo como un segmento estructural. Hay elementos sobre la mesa y en el decorado que generan falsas expectativas o información que no tiene cabida en la línea anecdótica.

Ireri Solis logra que el personaje pase por distintos estados, esa transición del cotidiano a un estado desquiciado le da un amplio rango, se puede ver su capacidad actoral por las variaciones que presenta. Leonardo Albarrán logra buenos momentos en el juego de la suposición, ante cada posibilidad de lo que pudo haber pasado la graduación le ayuda a que los escenarios sean una respuesta, lo extraño está en que el personaje nunca se ve afectado y eso arruina su posible participación en lo que puedo haber pasado.

En la Sala 6 Aztikeria presenta La ciudad de los perros, texto de Jorge Maldonado y dirección de Roberto Espinosa. El texto juega con la alteración de la línea de tiempo, la estructura temporal que emplea permite una resignificación del primer bloque. Cada bloque tiene una textura distinta, el primero desarrolla el tren de pensamiento; el segundo juega con la exposición directa; el tercero –quizá el más logrado- establece un bifurcación. Espinosa se vale de un recurso muy asimilado en sus trabajos previos (la proyección de imágenes) para darle una profundidad a la cadena de acciones que llegan al público mediante una voz en off, mientras en escena una coreografía explora el horror de las acciones.

La propuesta tiene fuerza emotiva, en parte por el texto, en parte por la dirección, en parte por el trabajo actoral que corre alternado entre Estela del Rosario y Melanie Borgez. La suma de quienes colaboran para dar voz a la violencia genera gratos resultados.

Lo curioso de las obras presenciadas está en que los pecados más que en las historias contadas quedan en quique alimenta a estas historias, quien sabe qué tanto tuve que ver la selección de textos o la sincronía de miradas, pero esta temporada su eje temático se desborda hacia el público de manera más invasiva.

La temporada 40 de Microteatro se presenta desde el 25 de abril,  consulta precios y horarios aquí.

(Fuera de Cartelera)
Drama

Fotos: Roberto Sosa

Por Roberto Sosa/Es el génesis, en un árbol se origina la vida, nacen seres que crean a “Dios” a su imagen y semejanza.  Su Dios exige tributos, impuestos y los incita a engendrar, engendrar y engendrar para que produzcan. “Si van a copular, que sea sólo para procrear…” Descubren y exploran su sexualidad; surgen dudas y preguntas. La analogía entre su mundo y el nuestro, es la misma, su comportamiento es con los mismos hábitos y conductas. “Así es la vida, unos arriba y otros abajo…”.

En este universo los arquetipos son iguales: hombres machistas y misóginos establecen su dominio; el hombre es el proveedor, la mujer debe ser sumisa y obediente. Sin embargo, ¿qué sucede si las mujeres se emancipan y sus necesidades físicas y emocionales se comparan a los varones…? El Creador  que todo lo ve, tomará una decisión y su mundo quizá no sea el mismo.

Herencia Flapper tiene su origen en el legado que defiende el pensamiento feminista, aprendido de aquellas mujeres que comenzaron a romper patrones de género. El movimiento surge en los años 20 entre la Primera Guerra Mundial y la Gran Depresión en  EE.UU. Las mujeres o Cultura Flapper, fue una corriente feminista que desafió el rol tradicional de la mujer. Supuso un cambio de patrones de vida, aunque duró poco tiempo, dejó su herencia en el mundo occidental.

La obra es una creación colectiva de Laura Baneco, Elfye Bautista y la compañía El Milagrito. La puesta en escena toma la ideología y contexto de esta doctrina para la creación de un espectáculo que enlaza la dramaturgia orgánica y evocativa de los actores. La dirección de Elfye Bautista dimensiona los elementos que conforman la puesta en escena, vincula texto y multimedia sobre el  escenario. El espectáculo queda subyugado ante la cercanía actor-espectador.

Las actuaciones son de Mar Aroko, Yenizel Crespo, Manuel Cruz Vivas, Ramiro Galeana Mellín, Valeria Navarro Magallón,  Dano Ramírez, Viridiana Tovar Retana e Iván Zambrano Chacón, pertenecientes al elenco estable de la compañía El Milagrito. Su trabajo es nivelado, actúan juntos, nadie destaca más que otro, se desempeñan con rigor y profesionalismo. Trabajan en equipo, labor que refleja su buen ejercicio actoral.

Herencia Flapper nos habla de un mundo ficticio donde sus habitantes semidesnudos, no se ruborizan de sus cuerpos, su vergüenza la ocultan con máscaras, cubren sus rostros, protegen su identidad para exponer su pensamiento,  inconformidad que busca liberar el espíritu, algo que ni acá, ni allá se ha podido conseguir. Quizá en este universo paralelo, las mujeres sean el modelo de autonomía e independencia.

La obra forma parte de la residencia de El Milagrito en el teatro El Milagro, se presentarán con dos proyectos más: Los justos o la guerra recurrente (4 de septiembre) y México 68 (25 de septiembre). Escenografía e iluminación, Alita Escobedo; vestuario, Laura Martínez; video, Juan Alonso. Asesores del proyecto, David Olguín y Gabriel Pascal. Producción, Teatro El Milagro.

Las funciones son el Teatro El Milagro, hasta el 26 de julio, consulta precios y horarios, aquí.

Por Arantxa Castillo y Fotos Francisco Bravo/La clásica novela de George Orwell, 1984 que nos relata la historia de Winston Smith en una distópica sociedad oprimida y vigilada por el Gran Hermano será llevada al teatro con la nueva adaptación de Robert Icke y Duncan Macmillan dirigida por José Manuel López Velarde.

Antón Araiza, Constantino Morán, Vanessa Restrepo, Alfredo Herrero, Terence Strickman, Angie Vega, Alberto Eliseo, Evan Regueira y Julieta Luna son los actores que participan en esta coproducción de la Teatrearía Producciones y la Universidad de Guadalajara que se presentará del 19 de julio al 8 de septiembre en el Teatro Helénico.

Sobre Winston Smith, personaje principal que comienza a escribir un diario en el que relata la forma oprimida en que viven los ciudadanos en una sociedad gobernada por un régimen totalitario, Antón Araiza en conferencia de prensa, destacó la emoción por dar vida a este personaje.

“Después de finalizar otras obras, me pretendía alejar del teatro al menos en lo que resta del año, luego me llamaron de La Teatrería recuerdo que dije que no, pero pregunté ¿de qué obra se trataba? Me dijeron- es 1984 para el papel de Winston Smith y dije-¿Cuándo? En mi vida siempre que llega una obra es el momento exacto que he tenido los aprendizajes necesarios para darle vida a un personaje, esta no es la excepción es un premio poder dar vida a Winston”, dijo el actor.

José Manuel López Velarde resaltó la importancia de esta obra que aseguró toca temas muy actuales y controversiales que vale la pena reflexionar como sociedad.

“Abarca muchísimas situaciones que son pertinentes, el espionaje, hoy sabemos que nuestros movimientos, nuestros datos, están siendo utilizados con muchos fines incluidos, el gobierno y las corporaciones tienen un gran poder con nuestra información, uno de ellos manipularnos”.

El director abundó :”Algo que no vio exactamente Orwell y puede que sea más terrible es que Big Brother somos todos nosotros transmitiéndonos desde nuestra cámara del celular, pero lo que más me interesó de esta obra tiene que ver con  con algo que también está ocurriendo: estamos teniendo menos capacidad de confiar en nuestros sentidos e intelecto para decodificar la realidad. Las fakes news por ejemplo, porque a partir de las noticias y el timeline nos creemos que está lloviendo en lugar de asomarnos a la ventana”.

Consulta precios y horarios aquí.

Fotos: Teatro La Capilla/Caos, es la historia de cuatro personajes sumergidos en el mundo de las drogas, muertes, casas abandonadas, armas, pobreza, cosas robadas y mucha, pero mucha basura. La escoria de la humanidad, la decadencia y el vacío existencial son abordados en esta puesta en escena.

Adaptación de un texto del dramaturgo español Antonio Álamo, dirigida por Alejandro León con las actuaciones de Said Sandoval, Alejandro Romero, Nacho Tapia, Rogelio Nieto y Mauricio Calderón.

Charly metido en un problemón, Dogo con sus profundas reflexiones y su arte incomprendido, Axel con deudas con la mafia y enamorado de Charly; y Tony… tan drogado que se cree chango.

La estética de la obra gira en torno a los excesos y decadencia del mundo underground de los junkies. Un sillón roto y un escenario cubierto de basura, conforman el espacio escénico. La actoralidad naturalista con la que se aborda el texto, busca acercar al espectador al cotidiano y común de la vida, contrastando con las situaciones intensas y fuera de lo normal que viven estos personajes.

El proyecto pretende llevar la mirada del público a una problemática que existe en todas las sociedades, y que muchas veces pasamos de largo. Una obra que trata el tema de la drogadicción y algunos de sus orígenes en la sociedad moderna: lo económico, la improductividad y el vacío existencial.

A través de recursos multidisciplinarios, el espectáculo intenta hacer del espectador un ente activo, que vislumbre más allá del prejuicio e identifique el origen de la problemática. Con la construcción de estos personajes, la combinación de comedia y drama queremos lograr la empatía con el otro.

Caos se presenta todos los viernes a las 20 horas en Teatro La Capilla del 29 de julio al 23 de agosto, consulta precios y horarios aquí.

19:30 ¡Bienvenido al minuto a minuto de los Premios del Público Cartelera 2019! Por esta vía te mantendremos informado de lo más relevante de este magno evento.

19:30 Llega Rogelio Suárez, nominado a Mejor Actor por su papel de Molina en ‘El beso de la mujer araña’.

19:36 Hace su llegada la actriz Concepción Márquez.

19:38 Llega Roberto Soto, nominado a Mejor Actor por ‘El padre’, en el papel del padre.

19:40 Nuestro director general, Juan Fernández, hablando de nuestros premios para Canal 22.

19:42 Hace su arribo la actriz Arcelia Ramírez, nominada a Mejor Actriz.

19:43 Se une al evento el productor Juan Torres.

19:48 Arriba al evento Adrián Chávez, nominado a Mejor Dramaturgia por ‘El donador de almas’, basado en la novela de Amado Nervo.

19:49 El director Reynolds Robledo hace su llegada al evento.

19:50 Llega Ro Banda, nominado a Mejor Dirección por ‘El donador de almas’.

19:58 Ya nos acompaña Álvaro Guerrero, nominado a Mejor Actor por su papel de Antonio en ‘Testosterona’.

20:00 Se suma con nosotros Evan Regueira.

20:04 Miguel Conde, nominado a Mejor Actor por ‘El donador de almas’, como el doctor Rafael Antiga. En compañía de M’Balia.

20:07 Hace su llegada el escenógrafo Adrián Martínez Frausto.

20:15 Se suma a nuestros invitados Iker Madrid, nominado en la categoría de Mejor Dramaturgia.

20:18 Ya está con nosotros Paula Zelaya.

20:20 Hace su llegada Conchi León, nominada a Mejor Actriz por su papel de Doña Corpus en ‘El donador de almas’.

20:30 Arranca la ceremonia con Alexis de Anda.

20:37 Premio por aportación al teatro para Sabina Berman.

20:40 Se otorga el premio a Mejor Diseño de Arte para Adrián Martínez, Regina Morales y Estela Fagoaga por ‘Hello, Dolly!’

20:44 Se otorga el premio a Mejor Actor para Rogelio Suárez por su papel de Molina en ‘El beso de la mujer araña’.

20:47 Se otorga el premio a Mejor Actriz para Arcelia Ramírez por su papel como Margarita en ‘Buenas personas’.

20:51 Se entrega premio a Mejor Dramaturgia a Adrián Chávez por ‘El donador de almas’, basado en la novela de Amado Nervo.

20:54 Se entrega premio a Mejor Dirección para Ro Banda por ‘El donador de almas’.

20:57 Se entrega premio a Mejor Obra para ‘El donador de almas’.

21:00 Finaliza la Tercera Edición de los Premios del Público Cartelera. ¡Muchas gracias por acompañarnos! Los esperamos el próximo año.

(Fuera de cartelera)
Concierto

(Fuera de cartelera)
Tragedia, Drama

(Fuera de Cartelera)
Clown, Comedia

Por Arantxa Castillo y Fotos Producción/ Cynthia Híjar, Tamara de Anda, Corina del Carmen, Arely Marquina La Mala y Sara Silva se unen para hacer reír con feminismo en Standuperrras, proyecto fundado en 2017 que actualmente se presenta todos los jueves en El 77 Centro Cultural Autogestivo.

Irreverentes y dispuestas a romper los estereotipos de género, estas chicas ponen sobre la mesa temas como el racismo, la misoginia, la sexualidad y el aborto desde su mirada personal. A cerca de cómo arrancó este proyecto que participa desde 2017 en el Festival Internacional de Cabaret, Corina del Carmen nos platicó en entrevista.

“Somos 5 chicas, todas somos feministas , ya hacíamos stand up cada quien por su lado, de pronto nos juntábamos, pero fue hasta que Cynthia comenzó a organizar shows de puras feministas, que se fue dando, porque nos dimos cuenta que en el mainstream del stand up, la gente que es conocida son en su mayoría hombres, pero muchos de ellos refuerzan estereotipos de género, de clase y raza. Chistes misóginos, de pobres y de chavas locas que les está bajando abundan”, comentó Corina, comunicóloga de formación, quien se preparó como standupera con Gloria Rodríguez.

Abundó: “Somos una Colectiva de mujeres comediantas que tenemos una propuesta para hacer un espacio diferente en la comedia para que podamos levantar nuestras voces y hacer incidencia política, hacer humor también es incidencia, hay temas que tocamos como el aborto y las marchas”.

Corina explicó que a través del humor logran que el público pueda sumarse al diálogo feminista de una forma fácil y entretenida, mientras comparten sus propias experiencias personales.

“Sí tocamos muchos temas que generan resistencias del tipo -ya viene esta feminista regañona a decirme qué tengo que hacer- pero si lo dices dentro de una comedia de rutina con chistes, la gente puede asimilarlo y reflexionar sobre estos temas, mientras se divierten”, concluyó.

Consulta precios y horarios aquí.

Por Arantxa Castillo/ El ciclo de dramaturgia y dirección femenina emergente Urgen Musas celebrará su cuarta edición con propuestas creativas de diversas dramaturgas con el objetivo de empoderar la voz de las mujeres en el teatro.

Entre las mujeres que participarán en este evento, destaca el trabajo de dramaturgas jóvenes como Claudia Espinosa Díaz con Mujer de Polvo;Ana Isabel Escalera Fernández con Migraine/Migraña;Viviana González Taborga con Yawarmanta; María Hernández Rescala presentando Cuando el silencio es lo único que queda;Dorte Katrin Jansen con Amor para consumo inmediato; Laura del Carmen Jiménez Abud con Cotton Candy;Itzia Pintado Patiño con Cassandra o la obligación de la locura y Camila Villegas como dramaturga residente.

“Los textos hablan sobre la soledad, el vacío, la infelicidad, las ganas de superarse o entender el propio infierno son temáticas muy actuales sobre cómo nos sentimos alejadas de nosotras o el cómo el entorno influye en que actuemos de cierta manera”, comentó para Cartelera de Teatro, Isabel Balboa, directora del evento.

Balboa reconoce la importancia de estos ciclos y destaca el crecimiento “orgánico” que Urgen Musas ha tenido pese a su carácter independiente.

“Cuando llegué a esta ciudad me di cuenta que había poca participación femenina, que sí había, siempre ha estado, pero no en la misma proporción, creo que su participación tiene que ser equitativa y ojo no se trata solo de igualar un número, sino de ofrecer la misma calidad o superior, la cosa siempre es darle al público lo mejor que se pueda en cuanto a entretenimiento, reflexión o consciencia”, comentó la también organizadora del encuentro.

Abundó en que la voz femenina es vital en el teatro, pues reconoce que las mujeres tocan los temas desde su experiencia. “He leído textos de muchas dramaturgas que escriben de algunos temas con cierta sensibilidad al abordarlos”.

El encuentro tendrá lugar el próximo 14 y 15 de diciembre en la Sala Víctor Hugo Rascón Banda de la Sogem Sociedad General de Escritores de México, sede oficial de Urgen Musas. En el que a partir de las 11 am. Habrá lecturas dramatizadas de fragmentos de los textos seleccionados, estantes y mesas redondas.

La cantante mexicana Julieta Venegas, quien ha logrado sobresalir entre las mujeres de la industria de la música en México, lanza su nuevo álbum “La enamorada”, disco basado en la obra de teatro homónima de Santiago Loza, en la que actúa desde agosto en el Teatro Picadero de Buenos Aires.

Con este álbum Julieta Venegas regresa al estudio a grabar desde el 2015 con su disco “Algo sucede”. Este nuevo disco está compuesto con nueve canciones como: “Alma radiante”, “Aire en movimiento”, “Mis Muertos”, “Podría ser”, “Gente Decente”, Temas que compuso junto al autor de la obra Santiago Loza.

Por el momento no hay fechas para futuras presentaciones,pero el álbum está disponible en todas las plataformas de streaming.

El monólogo dirigido por Guillermo Cacae está inspirada en una mujer frágil e intensa que nos propone un viaje a través de confesiones y relatos pequeños entre lo musical, lo poético y lo estético.

Con información de Efe.

Por Arantxa Castillo y Fotos Cortesía producción/ La actriz venezolana Rebeca Alemán protagoniza la puesta en escena La peor de todas, propuesta teatral basada en la vida y obra de Sor Juana Inés de la Cruz, que llega a México como parte del programa de intercambio internacional del Chicago Latino Theater Alliance (CLATA).

Respecto a esta obra que se presentará el 4 y 5 de diciembre en el Auditorio Divino Narciso del Claustro de Sor Juana, Rebeca Alemán nos compartió vía telefónica el entusiasmo que le da el poder encarnar a una de las mujeres más importantes de la literatura hispanoamericana del Siglo de Oro.

“Estoy muy agradecida, he trabajado mucho, porque yo decido qué personaje voy a interpretar por muchísimas razones, en el caso de Sor Juana estaba muy cercana a su obra y a ella. Desde hace muchos años quise hacer este personaje, cuando conocí a Iraida Tapias le comenté esto y ella me dijo que tenía la misma inquietud de hacer un texto de Sor Juana, así nació La peor de todas”.

La actriz aseguró que es tanta la cercanía que siente hacia la escritora novohispana que la llama de cariño “Juana Inés”. Mujer que afirma no ha dejado de sorprenderle desde que inició el montaje.

“Es una mujer que por todo lo que dijo, hizo, propuso, es sumamente enriquecedora para cualquier actriz. Ella es tan profunda que no sabes cuántas veces me sorprendí descubrir algo nuevo de ella, como darme cuenta que a pesar de ser una mujer decidida con mucho carácter, tenía una profunda timidez que abordamos con mucho respeto en la obra”.

La puesta en escena La peor de todas, escrita por Iraida Tapias y producida por la compañía Water People Theater, inauguró la primera edición de Destinos en el marco del Festival Internacional de Teatro Latino 2017 que produce anualmente Chicago Latino Theater Alliance (CLATA),colocándose como una de las obras más destacadas y vistas del Festival.

“Finalmente Sor Juana es mexicana, es un regalo que nos da México, pero también es latinoamericana, es nuestra cultura y este festival es una plataforma bien importante para el teatro que estamos haciendo los latinos en esa ciudad y nos permite recorrer espacios bien importantes, además la misión de Water People Theatre es que creemos en el arte como fuerza transformadora, el teatro es sagrado y lo hacemos con mucho respeto”, concluyó Rebeca.

Ramón Camín, Sándor Menéndez e Ilse Zacharías integran el resto del elenco.

Consulta precios y horarios aquí.

(Fuera de Cartelera)
Improvisación

Café K-OZ Foro Cultural
Drama

Café K-OZ Foro Cultural
Drama

Teatro Milán, Foro Lucerna
Monólogo

Fotos: Facebook English National Ballet/ En 2014, el coreógrafo Akram Khan creó Dust , como parte de Lest We Forget, el programa de ballets que conmemora la Primera Guerra Mundial. Hoy el English National Ballet pone a tu disposición la transmisión de este ballet como parte de su Wednesday Watch Party, en el que cada semana compartira una pieza diferente en su canal de Youtube.

Inspirado en la guerra desde las trincheras y en la fortaleza femenina en situaciones extremas.  Akram se interesó particularmente el rol ocuparon las mujeres durante la guerra,  dejaron de ser amas de casa para convertirse en cabezas de familia. Fabricaron bombas que quizás alcanzarían a seres queridos de otras mujeres.

El gran cambio social, la fortaleza de las mujeres para asumir un nuevo rol mientras sus hijos y esposos iban a la guerra inspiró los movimientos de esta danza.

Akram Khan’s Dust estará disponible para ver de forma gratuita a partir del miércoles 29 de abril de 2020 a la 1 pm en Facebook y Youtube.

(Fuera de Cartelera)
Experimental

Las Reinas Chulas continúan ofreciendo sus Cabarezoom con los cuales buscan hacerte llegar todas las risas mientras tú sigues en casa. Esta vez la compañía presenta el espectáculo Bendiciones para la Nueva Normalidad en el que se integran dos invitados: Noralih Gago y Juan Pablo Geretto, referentes del teatro cabaret en Argentina.

Ellos acompañarán el espectáculo asistiendo a esta misa virtual donde Santa Rita, personaje interpretado por Ana Francis Mor, dará la bendición a sus fieles, a la que asistirá también la Diosa Aztepayatl (Cecilia Sotres), Marcelino (Nora Huerta) y Doña Angustias (Marisol Gasé).

El sábado 6 de junio, a las 21:00 horas, a través de Cabarezoom, tendrás la oportunidad de no dejar el agua bendita a medio usar y terminarla antes de que el semáforo esté en verde con Las Reinas Chulas conocerás los Nuevos Mandamientos para la nueva normalidad.

Compra tu boleto en Boletópolis y entérate de las medidas a seguir para integrarte al trajín diario de la vida, una vez que los semáforos establecidos para todos estén en verde.

Con información de Factor 4 Comunicación

Considerada como una de los clásicos del teatro del absurdo, El rey ha muerto, será reinterpretada por más de 50 artistas escénicos en un nuevo proyecto de Los Contadores Auditores.

La obra está disponible de manera gratuita a través de Escenix, la plataforma chilena de streaming que reúne obras de teatro nacionales e internacionales.

Escrita en 1962 por el dramaturgo Eugène Ionesco, El rey se muere aborda la historia de un hombre que debe enfrentarse a lo inevitable. Con dos esposas y una vida de excesos a cuestas, el rey Berenguer se ríe y es incrédulo ante su muerte que se acerca.

El proyecto permitió que cada uno de los artistas participantes interpretaran la obra de Ionesco desde sus propias disciplinas, así cada una de las piezas de El rey se muere muestra lecturas dramatizadas, actuaciones grabadas, procesos de diseños de vestuario, música, y más.

Tal como si se tratara de una temporada teatral, la obra estará disponible inicialmente durante un mes en la plataforma de streaming Escenix.

Con información de latercera.com

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• El teatro a tu alcance y sin salir de casa

Fotos: YouTube/Basado en la obra romántica rusa Swan Lake, del cual toma la música de Tchaikovsky, El lago de los cisnes de Matthew Bourne, es mejor conocida por tener las partes tradicionalmente femeninas de los cisnes bailadas por hombres.

Se representó por primera vez en el teatro Sadler’s Wells de Londres en 1995, y desde entonces se ha presentado en el Reino Unido, Los Ángeles, Europa, Rusia, Australia, Corea del Sur, Japón, Israel y Singapur. Además es considerado como el ballet de más larga duración en West End y Broadway.

En esta producción la talentosa Yulia Makhalina baila el papel desafiante de Odette / Odile, mientras que Igor Zelensky baila la parte del Príncipe Siegfried.

Asimismo, incluye el final feliz familiar, en el acto final donde Siegfried lucha y finalmente derrota al malvado mago von Rothbart y al amanecer se reúne con Odette.

¡Disfrútala gratis aquí!

Con información de meetmeattheopera.com

(Fuera de Cartelera)
Contemporáneo

Fotos: Rigel García/ Domo Arigato, Mr. Roboto es la versión adaptada de Mr. Arigato, Mrs. Gozaimasu, pieza escénica estrenada en 2019, creada con el apoyo del Programa Jóvenes Creadores del FONCA 2018-2019 y ganadora del Primer Lugar del Premio Homoescénico al Movimiento Original (CDMX, 2019).

La propuesta nos muestra a dos japoneses que se encuentran en un espacio que es ninguna parte y que podría ser cualquiera. Colocados en el vacío, evocan el ejercicio contemplativo de la repetición. Sus cuerpos convergen en un diálogo absurdo, su movimiento es robótico y preciso. Ambos, en sincronía exacta, construyen un paisaje oscuro que silba como autotune y karaoke oriental.

Guillermo y su equipo creativo toman esta pausa como una oportunidad para reflexionar sobre la función y relevancia de su propuesta artística y el arte escénico en la sociedad. La danza contemporánea es reflejo y crónica de los tiempos en los que vivimos y es por eso que consideran inevitable su mutación.

Domo Arigato, Mr. Roboto es un primer intento de adaptación con el que podrán continuar explorando y expresándose y al mismo tiempo que propician el consumo de arte escénico desde una perspectiva digital.

Un escenario oscuro, referentes de la cultura japonesa millennial, la precisión en lenguaje corporal, synths de la música pop de los ochenta y el cine de Nicholas Winding Refn, son los elementos que se conjugan en este film y con los que se busca crear una experiencia estética significativa en el espectador.

Domo Arigato, Mr Roboto se presentará en streaming por única ocasión el próximo 24 de septiembre de 2020 a las 20:00 horas en la Sala Virtual de Boletopolis en donde también podrás encontrar tus accesos.

(Fuera de Cartelera)
Comedia

(Fuera de cartelera) 
Drama

Fotos: Nitzarindani Vega/ En el 250 aniversario del natalicio de Ludwig van Beethoven, Rising Art A.C. y La infinita compañía presentan Novena Sinfonía, danza contemporánea, una propuesta coreográfica sobre una de las más reconocidas melodías escritas en la historia.

Ante un mundo que está viviendo crisis en todos los niveles, el talentoso bailarín y coreógrafo mexicano, Raúl Tamez se dejó inspirar por el poder sanador de esta joya de la música clásica mundial para crear una coreografía monumental que busca ser es un acto de resistencia poético.

Considerada como una de las sinfónicas más prominentes de toda la historia, la lectura dancística es abordada desde el cuerpo en un impulso emotivo de resistencia.

Novena Sinfonía, danza contemporánea que será interpretada por 20 de los mejores bailarines de México, cuenta con la dirección Raúl Tamez, el diseño de iluminación y escenografía de Aurelio Palomino y la producción ejecutiva recae en Rodrigo González.

El emblemático recinto de la calle de Donceles será el escenario que reciba esta majestuosa propuesta el próximo sábado 28 y domingo 29 de noviembre, consulta precios y horarios, aquí.

Con información de la Secretaría de Cultura capitalina y Gaby Jiménez

(Fuera de Cartelera)
Experimental

(Fuera de cartelera)
Drama

(Fuera de cartelera)
Teatro de objetos

(Fuera de cartelera)
Contemporáneo

La popular comedia cinematográfica Perfectos desconocidos (Perfetti sconosciuti) de Paolo Genovese con más de 8 versiones alrededor del mundo, regresa a la escena mexicana, bajo la versión de David Serrano y Daniel Guzmán con más de 15 actores que alternan personajes en el Nuevo Teatro Libanés, a partir de este 1º de octubre.

Actrices como Claudia Ramírez, Stephanie Salas y Dalilah Polanco alternan el papel de Eva; Fabiana Perzábal y Fernanda Borches interpretan a Marina; María Chacón y Fátima Favela personifican a Violeta.

Por su parte, Moisés Arizmendi y Marco Zunino alternan el personaje de Alberto; Álex de la Madrid y Ulises de la Torre comparten a Antonio; a Santi lo harán Lambda García y Cristian Ramos; siendo Luis Orozco y Fernando Memije los actores que alternan a Pepe.

Cabe señalar que durante el transcurso de la temporada, Ludwika Paleta y Alejandro Nones entrarán a escena en los papeles de Marina y Antonio.

La historia tiene lugar durante una cena informal con amigos que comparten una unión de tiempo atrás, en la misma noche en que ocurrirá un eclipse poco convencional, donde adentrados en la velada las parejas deciden colocar sus celulares al centro de la mesa y leer cualquier mensaje, así como contestar y escuchar cualquier llamada entrante.

Bajo esta premisa se pone a prueba la lealtad, la amistad y las relaciones de pareja, exponiendo el arma de dos filos que pueden representar los dispositivos móviles y todo lo que se encuentra ahí dentro para la honestidad con las personas que tenemos al frente e incluso para uno mismo, mediante un análisis actual de las interacciones sociales y virtuales en la modernidad cotidiana.

Para el actor Marco Zunino, el poder regresar a los escenarios tras la difícil situación conocida por todos, representa una valiosa oportunidad para volver a conectar con lo que más le gusta hacer, en este caso, su pasión al contar historias en una obra de teatro.

“No siempre te llegan proyectos donde uno puede decidir cosas que le importan, que conoce y que disfruta, Perfectos desconocidos representa la oportunidad de volver a reír en escena y brindar al público mexicano la energía y las carcajadas que merece tras tantos meses de incertidumbre”, puntualizó el intérprete.

El actor asegura sentirse muy cómodo con Alberto, personaje que le tocó interpretar y afirma conocerlo y entenderlo. Al paso de los días, lo encuentra fresco y real, con todas las inseguridades, miedos y ambiciones que un hombre que se acerca a la mediana edad podría expresar, a través de nuevos descubrimientos en el significado de su vida.

En ese sentido, el histrión señala: “En los proyectos recientes en los que he trabajado los protagonistas son los celulares, estas nuevas tecnologías que nos rigen diariamente con sus partes positivas, pero con muchas aristas negativas también, antes hacíamos menos tonterías solo las imaginamos. Por el contrario, ahora cumplimos nuestros deseos al instante gracias a la inmediatez de estos dispositivos”.

El actor afirma que nadie nos enseñó a lidiar con los riesgos de estas nuevas tecnologías y enfatiza sobre el peligro de creer en algún momento que el celular es una extensión de uno mismo, debido a que se está conectando con muchas cosas que no vemos claramente, “dejamos sueltos muchos de nuestros secretos y perversiones personales sin ser conscientes de ello”, enfatizó.

Por otro lado, Marco asegura estar muy contento en su estancia en México con proyectos que ha disfrutado demasiado y que el público ha recibido con los brazos abiertos como la segunda temporada de Control Z, transmitida actualmente, así como su aparición en la nueva serie de Eugenio Derbez “Acapulco”, donde interpreta a un divertido personaje a lo largo de un episodio.

Perfectos desconocidos es coproducida por Ocesa y Mejor Teatro, con funciones de viernes a domingo a partir del 1º de octubre en el Nuevo Teatro Libanés, ubicado en Barranca del Muerto y 2 de abril, consulta horarios y precios, aquí.

Por Ulises Sánchez, Fotos: Cortesía PuRE&B

Una de las fiestas más importantes para nosotros como mexicanos en el mes de noviembre, sin duda, es el Día de Muertos, fecha en la que recordamos a todos aquellos que se nos adelantaron en el camino y que en esta noche tan especial su espíritu se hace presente.

Para celebrar la vida,la muerte y por supuesto el teatro, aquí te damos algunas recomendaciones que puedes encontrar en cartelera.

Serenata a mis muertos. Este espectáculo musical, con tintes cabareteros, muestra a un singular personaje que se hace presente y cuenta a un grupo de amigos que se ha reunido con motivo del día de muertos tres historias. En ellas se habla sobre la importancia de mantener viva la tradición. Se presenta los viernes y sábados en el renovado Teatro La República.

La Llorona. Muchas son las leyendas que giran en torno a esta mujer que llora por la muerte de sus hijos y recorre las calles de la ciudad. En esta ocasión, los hermanos Perrín nos invitan a recorrer los canales de Cuemanco para narrar una nueva versión de esta clásica leyenda impregnada de baile, música, canto. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Embarcadero Cuemanco.

Don Juan Tenorio y el precio es la vida. La compañía Ágora Compañía Teatral se apodera de la obra clásica de José Zorrilla para presentarnos una propuesta innovadora, interactiva y dinámica que muestra personajes más humanos y menos idealizados y románticos. Además, durante la escenificación, el público podrá conocer datos valiosos del escenario donde se representa y si así lo desea poder degustar una copa de vino y tapas. Las funciones son de viernes a domingo en la Capilla Gótica del Helénico.

Calaveritas mexicanas. Este espectáculo musical se basa en los dibujos y grabados de José Guadalupe Posada, y se adentra en 10 historias tradicionales mexicanas donde las creaciones de Posada son unidas por cuadros de bailes folklóricos, poesía, cantos y un vistoso vestuario encabezado por La Catrina. Ofrecerá sólo dos funciones, este 30 y 31 de octubre en el Teatro Tepeyac.

Los cuentos de la catrina. Protagonizada por Mario Iván Martínez, Alicia Paola, Hamlet Ramírez, María Perroni Garza, Bastian Delbouis, Jimena Parés, Eduardo Siqueiros participan en esta divertida comedia familiar inspirada en nuestras tradiciones del Día de Muertos. Ofrece sólo un función vía streaming este sábado 30 de octubre a través de Boletia.

Otras opciones: La Catrina (ballet), Calaveritas mexicanas, Don Juan Tenorio (Fénix Novohispano), Don Juan Tenorio (Hernán Producciones), Leyendas de México, Macario

Por Itaí Cruz, Fotos: Cortesía

El Colegio de Productores de Teatro hizo un llamado a las autoridades para que aclaren lo sucedió con la convocatoria de los Estímulos Fiscales (Efiartes). El organismo colegiado que reúne a los productores teatrales realizó un análisis de los resultados de Efiartes 2021 y llegó a la conclusión de que, de los 200 millones disponibles para entregar, solamente se distribuyeron 78.6 millones de pesos beneficiando a 52 proyectos.

Se trata, señaló el Colegio, de los peores resultados en la historia de los estímulos. “Estos resultados, así como la tendencia descendente de los últimos tres años (2019 – 2021), son sumamente alarmantes para los miembros de la comunidad artística. El llamado es a dialogar sobre la operación del programa Efiartes, y las múltiples preocupaciones generales enlistadas en torno a las políticas públicas en materia de arte y cultura, en particular de las artes escénicas”, señaló la agrupación en un comunicado de prensa.

En este sentido, los miembros del Colegio de Productores de Teatro realizaron una serie de peticiones.

En primer lugar, señalaron que las modificaciones realizada en el 2021, que eliminaron el periodo extraordinario, no han sido efectivas. Al respecto, concluyen que “podría emularse la convocatoria de Eficine, en la cual se cuenta con dos periodos para la recepción de nuevos proyectos”.

También señalaron que es necesario terminar con las sospechas sobre los procesos de evaluación. Según señalaron, se durante los 10 últimos años se han ejercido criterios discrecionales en el proceso de evaluación y selección de proyectos, los cuales “dependen de la convicción ideológica de la administración en turno”. Al respecto acusaron que “no existe una metodología clara para los evaluadores, no existe un procedimiento medianamente académico y científico que permita objetivamente evaluar los proyectos presentados”.

Otra de las exigencias es que se transparente el proceso. Al respecto pidieron:

• Hacer de conocimiento público qué proyectos pasaron a evaluación de jurados insaculados y qué proyectos se detuvieron por omisiones y/o errores de corte administrativo.

• Hacer de conocimiento público la calificación obtenida de todos los proyectos evaluados, seleccionados y no seleccionados.

• Hacer de conocimiento público el número de jurados que evalúan en cada emisión, el número de grupos en que fueron divididos y el número de proyectos y los títulos que cada grupo tuvo a bien evaluar.

• Hacer de conocimiento público el nombre de los jurados que evalúan cada emisión (esta petición se ha hecho en reiteradas ocasiones ante el IFAI, y se ha negado sistemáticamente, a pesar que la publicación de dicha información está establecida en las propias reglas del Efiartes).

Finalmente, criticaron el desempeño del Comité Interinstitucional. Señalaron que los niveles de exigencia entre los proyectos a evaluar y los que se auto impone el comité son dispares. Por ello exigieron que el Comité se “imponga, por escrito y en normatividad pública, plazos lógicos y concretos para la entrega de evaluaciones de proyectos rechazados, plazos lógicos y concretos para la publicación de resultados y plazos lógicos y concretos de respuesta a solicitudes de cambio y/o modificación de proyectos”.

Cabe destacar que todas estas peticiones las hizo llegar el Colegio de Productores de Teatro el pasado 14 de enero a la secretaria de Cultura, Alejandra Frausto, a través de una carta. En el documento, los productores anexaron el estudio y evaluación sobre el pasado periodo de evaluación y selección.

Sabemos que la comedia es uno de los géneros más socorridos por los espectadores, al llegar el fin de semana todos buscamos opciones para alejarnos del estrés cotidiano, pasar un buen rato y por qué no, reír a pierna suelta.

Así que sin más, aquí les traemos 5 propuestas que están actualmente en cartelera:

1.Busco al hombre de mi vida, marido ya tuve. Esta comedia es ideal para ir en compañía de tus mejores amigas, sin importar cuál sea tu situación actual. Narra la historia de 3 amigas intentan rehacer su vida después de atravesar una separación amorosa, todo expuesto desde el punto de vista femenino y lleno de mucho humor. Se presenta sábados y domingos en el Teatro Xola Julio Prieto.

2.El pecado mejor cometido. Todos tenemos un familiar o un amigo practicante de alguna religión que siempre nos invita a acudir a una de sus reuniones, con el fin de convertirnos y seguir su camino. Y esta mordaz comedia, nos muestra aquello que ocurre cuando estas amistades ponen en marcha un plan para llevar a cabo su cometido, sin embargo, invitados inesperados los harán ver su suerte. Ofrece funciones los viernes en el Foro Shakespeare.

3. Q.E.P.D Hasta que la muerte nos una. Si deseas pasar un rato en familia, esta obra es una opción. En ella vemos a una familia tradicional mexicana, donde los hijos se han distanciado, como ocurre en cualquier familia, que deben reunirse y decir qué harán con el cuerpo de su madre, que acaba de fallecer, esta decisión, que puede parecer simple, termina por desatar una lucha de poderes entre los hermanos, logrando provocar momentos de tensión, risa y hasta enojo. ¿Te suena familiar? Sin duda, pues todas las familias por más que lo oculten tienen sus disfuncionalidades lo que las hace únicas. Con funciones los jueves y sábados en el Teatro Tepeyac.

4. Triple concierto. Si eres de las personas que te encantan los concursos y ver cómo los aspirantes logran llevarse el premio, no te puedes perder este montaje. La obra muestra una lucha feroz entre los participantes de un concurso de piano, donde podemos ser testigos de sus sueños, miedos, frustraciones de los aspirantes, y cómo éstos deben lidiar con sus familias, sus mentores, los jueces, acompañado por música de Mozart, Queen hasta típicos cánticos religiosos como La Guadalupana, que logran hacer reír a más de uno. Se presenta de jueves a domingo en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón.

5. Así de simple. Una comedia ligera y muy divertida que invita a pasar un momento en pareja, que pueden disfrutar por igual, parejas jóvenes en sus 20, 30 y hasta 60, pues retratan con gran ingenio y de manera muy acertada las distintas etapas por las que pasa una pareja en su día a día, así como los pensamientos que nos pasan por la mente, que aquí son personificados por actores en escena, como si se tratara de aquel ángel y diablo que todos llevamos dentro. Ofrece funciones los miércoles en el Teatro Milán.

Si deseas conocer otras opciones que nos ofrece la cartelera, sólo da clic aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Carlos Alvar y Cortesía CMV 

Por Mariana Mijares/ ¿Un bebé? Una pregunta de solo dos palabras pero que engloba un cambio radical: de pareja, de dinámica y de vida. Esa es justo la premisa de Pulmones, obra de Duncan Macmillan que regresa con una nueva producción al Foro Lucerna de la CDMX.

La obra tiene solo dos personajes: ‘M’ (de mujer), papel que alternan Adriana Montes de Oca y Regina Blandón, y ‘H’, de hombre, interpretado por Xavier García (en el texto original ambos se abrevian también solo como W -woman- y M -man-). Esta pareja, dos jóvenes de alrededor de 30 años, tiene personalidades diferentes y a veces contrastantes: M es impulsiva y muy analítica, mientras H es más mesurado y conciliador; ¿deberían estar juntos? se preguntarán continuamente ellos, y probablemente, también los espectadores.

Sin duda el mayor peso del montaje recae en el personaje femenino, pues una de las decisiones del director: Alonso Íñiguez, es hacer de la protagonista a una mujer muy gritona y por momentos neurótica en monólogos sobre el planeta, la maternidad o sobre la mirada casi asesina de su pareja cuando tienen sexo; esto contrasta continuamente con H, quien constantemente se ve minimizado.

La diferencia de tonos es muy notoria en este trabajo, pues aunque por supuesto el texto incluye que los personajes se confronten en múltiples discusiones, el verdadero trasfondo no radica en lo que dicen, sino en lo que callan; en lo que piensan, en lo que dudan, en sus similitudes, y diferencias.

El propio planeta es otro gran personaje de este montaje que debutó en 2011 en el Studio Theatre de Washington, y que representaran Claire Foy y Matt Smith en Londres en 2019, pues una de las principales razones por las que M y H dudan en tener un bebé es por la huella de carbono que su hijo o hija tendrá en el planeta; ella hace el cálculo: “podría volar a Nueva York de ida y de vuelta, cada día, por 7 años y aun no dejaría una huella de carbono tan grande como si tuviera un hijo; un hijo equivale a 10 mil toneladas de CO2. Ese es el peso de la Torre Eiffel, ¡estaría dando a luz a la Torre Eiffel!”, apunta M en un diálogo.

La escenografía de Aurelio Palomino también se relaciona con el medio ambiente e incluye un dispositivo colocado sobre el techo y del que cuelgan unas plantas y una mesa rectangular (sobre la que hay pasto sembrado) y con la que los actores interactúan sentados, parados o acostados; esto da la sensación de estar dentro de un invernadero en donde lo que se siembre puede, o no, dar frutos.

También hay dos relojes a los lados que van avanzando rápido mientras trascurre la obra (en algunas funciones se explica que se trata de un contador de la cantidad de bebés que están naciendo mientras transcurre el montaje).

Parte de la iluminación (también de Palomino) proviene de cuatro torretas verticales que por momentos emiten luz muy intensa (y que puede molestar al público) y con la que los actores interactúan para acercar o alejar, aunque sin que se entienda del todo por qué.

La iluminación también se relaciona con el texto de Macmillan, que transcurre de manera cronológica, aunque con varios saltos de tiempo: en un instante H o M pueden estar en un espacio, pero con solo un movimiento, o cambio de luz, están ya en otro lugar y otro momento. Entre el inicio y el final transcurrirán no solo días, sino varias décadas en la vida de H y M; sin embargo, esto no se marca con el vestuario, ambos visten lo mismo toda la puesta: unos pants y una sudadera grises; lo que neutraliza el género, y la época.

¿Realmente necesita más humanos este planeta?, ¿estamos lo suficiente preparados como para tener hijos? ¿Somos buenas personas?, Las preguntas de la obra reflejan extraordinariamente lo que las parejas podrían, -o deberían- cuestionarse; pero a la par, nos permite acompañar el arco de vida de una pareja. Brutalmente honesta, y cada vez más actual, Pulmones es una buena invitación para reflexionar, y respirar diferente…

Pulmones se presenta hasta el 11 de septiembre con funciones de jueves a domingo en el Foro Lucerna, consulta precios y horarios, aquí.

La reconocida directora de orquesta Alondra de la Parra y Gabriela Muñoz, mejor conocida como “Chula the clown”, se presentarán con el espectáculo The Silence of Sound, el próximo 6 de septiembre en el Palacio de Bellas Artes.

Si bien la propuesta se estrenó en el Festival Paax en el Caribe, el público mexicano ahora podrá apreciar esta súper producción que no sólo llegará a la Ciudad de México, sino que realizará una gira por distintas ciudades como Guadalajara, San Luis Potosí y Monterrey.

Sobre cómo se originó este espectáculo, Gabriela Muñoz comparte: “(la colaboración) surgió a partir de que Alondra, hace muchos años, fue a verme al Teatro Milán en la Ciudad de México, donde yo me estaba presentando con Limbo. Al terminar el show me esperó, platicamos y me dijo, oye tengo una idea, quiero hacer un espectáculo, algo que introduzca secciones de la orquesta”

Agrega: “Ella es de las que donde pone el ojo, sabe perfecto lo que quiere, a la semana me buscó y nos sentamos a platicar. Siempre me ha inspirado mucho su acercamiento a la dirección de orquesta, como llena de vitalidad el escenario, a los músicos y a la música. Poco a poco fuimos moldeando la historia que al final, nos damos cuenta que la historia misma nos está moldeando a las dos”.

The Silence of sound es un espectáculo que no tiene género, ya que fusiona diversos elementos como el clown, la música clásica, el video y el mapping, que de acuerdo a sus creadores, busca apelar a la emoción y a los sentimientos.

En este sentido, Muñoz indica: “Las dos tratamos de apelar a la emoción y al sentimiento. De alguna manera, nuestros universos se fusionan así, que, al final es una viaje o una invitación a sentir, más que tener que interpretar las escenas y las cosas, y que se vuelva algo muy intelectual, es un viaje sensorial, de emociones, de la vida, de abrir a través de la música y el arte virtual, la posibilidad de imaginar”.

Añade: “Eso es lo que es precioso, que la música sí va de la mano con el lenguaje del payaso que propone un universo onírico, lúdico, de imagen, de traducción de la palabra a la imagen”.

Esta será la primera vez que la reconocida clown mexicana comparta escenario con más de 70 personas en escena, a quien hemos visto en obras como Limbo, Perhaps, Perhaps. Sin embargo, confiesa que resultó una nueva experiencia que le dejó un gran sabor de boca.

“Yo siempre he disfrutado trabajar mucho sola, debo reconocerlo, pero ahora ya me gustó que haya 70 personas más conmigo. Al inicio fue extraño entender en dónde acomodarme, la música, el ecosistema de una orquesta, saber cómo entrar y al final, siento que yo soy parte de ese ecosistema, somos todos contando esta historia”.

Añade: “No soy únicamente yo, es el video, es Alondra, es la música, son todos los músicos, los instrumentos, la iluminación, es un todo que estamos juntos que estamos contando nuestra historia”.

La propuesta cuenta con una amplio equipo creativo internacional formado en su mayoría por talentosas mujeres, si bien la creadoras nunca buscaron que el equipo incluyera a tantas mujeres.

Al respecto, Muñoz señala: “Alondra y yo lo hemos platicado, en ningún momento dijimos, tiene que ser un grupo de puras colaboradoras, simplemente se dio así y nos da mucha alegría”.

Agrega: “Dentro de estos 6 años y desde el momento en que se plantó la semilla a la fecha, fue uno de los temas que más tomó tiempo, encontrar el equipo ideal para nosotros. Tuvimos muchos colaboradores, acercamientos a gente increíble y al final realmente terminas uniendo las piezas necesarias para crear al equipo perfecto”.

De acuerdo con la creadora, el arte visual que conforma la puesta es un elemento importantísimo dentro la obra, y que gracias al ingenio y capacidad del Estudio 9 ojos, a cargo de los artistas catalanes, Mariona Omedes y Carlos Mora, podremos ver un gran resultado en escena.

“El arte multimedia y videos son hecho por unos artistas que son lo máximo, Mariona Omedes y Carlos Mora, no únicamente son unos artistazos, sino que entendieron perfecto lo que queríamos comunicar, entendieron perfecto la manera de Alondra de narrar de una manera musical con la imagen”.

Añade: “Eso era importantísimo, porque eso pudo haber sido o una catástrofe o algo sensacional. Por fortuna fue algo sensacional, de que todo fluyera de esa manera, en donde ellos pudieron entender cómo mover el video, cómo acompañarme sin comerme, cómo estar con la música sin necesariamente ser coreografiado, sino que también se sintiera como un elemento más vivo”.

The Silence of sound cuenta la historia del desdoblamiento de un director de orquesta y todo lo que le sucede durante una función, con la intervención de un payaso como el narrador, pero no lo hace con su voz, sino con sus gestos, quienes nos llevarán a través de un mundo onírico que nos invita a viajar por bellas imágenes multimedia, acompañado por música en vivo a cargo de la Orquesta Sinfónica de Minería, quienes interpretarán clásicas melodías de Debussy, Stravinsky, Bartók, Prokofiev, entre otros.

No te pierdas esta increíble producción a cargo de dos exponentes del arte de nuestro país, este 6 de septiembre en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, consulta horarios y precios, aquí.

Por Itaí Cruz, Fotos: Óscar Turco, David Ruano

El Centro Cultural Helénico y la Secretaría de Cultura de Tlaxcala anuncian la programación de la convocatoria: Rutas Escénicas Estatales (apartado IV. Tlaxcalteatro, circuito de teatro en comunidades), a llevarse a cabo del 1 al 30 de septiembre de 2022.

La actual edición llevará un amplio abanico de obras a foros ubicados en Apizaco, San Bartolomé Cuahuixmatlac, San Pablo Apetatitlán, Xaloztoc, San Jerónimo Zacualpan, San Francisco Tetlanohcan, San Andrés Ahuashuatepec, así como a los Centros de Reinserción Social femeniles y varoniles del estado.

“A lo largo de las ediciones pasadas se han realizado 177 funciones, con la asistencia de 8,812 espectadoras y espectadores. Para continuar con esta loable labor, la convocatoria de este año seleccionó a ocho compañías artísticas del estado, quienes darán tres funciones cada una, resultando un total de 24 presentaciones gratuitas. Asimismo, las agrupaciones recibirán un pago de $27,500.00 pesos por su participación”, señaló Antonio Zúñiga Chaparro, director del Centro Cultural Helénico.

Las propuestas fueron revisadas y elegidas por un jurado especializado en artes escénicas, el cual estuvo conformado por: Gabriela Betancourt Aragón, Guadalupe Mora Reyna y José Alberto Guerrero Sol.

Estas obras son las seleccionadas:

Leona. Memorias de una guerrera (del 2 al 11 de septiembre). Homenaje escénico que narra la vida y obra de Leona Vicario, desde la temprana muerte de sus padres en su adolescencia, su relación con Los Guadalupes —que fue un grupo subversivo comandado por José María Morelos y Pavón—, su matrimonio con Andrés Quintana Roo, hasta la feroz persecución de la que fue objeto por parte del Virrey Ruíz de Apodaca. Esta obra, más que una reseña histórica y didáctica, es una oportunidad lúdica para ahondar en la personalidad de una de las mujeres liberales más destacadas de México.

Aeternam Expectamus (del 5 al 22 de septiembre). Didi y Gogo comparten su realidad como dos adictas que han decidido no seguir los lineamientos sociales: no quieren ser madres ni esposas, ni siquiera triunfadoras, sino expectantes. Esta puesta aborda un momento decisivo entre seguir esperando en la nada o aventarse al vacío en pro de una nueva realidad.

El círculo de Tiza (del 8 al 28 de septiembre). La puesta en escena cuenta las vicisitudes que atraviesa Cuca al encontrar a un niño abandonado en medio del caos. Posteriormente surge un potente cuestionamiento: ¿De quién es el pequeño, de la mujer que lo protegió o de aquella que lo engendró?

Zänä y Hyadi. Los viajeros de piel yuhmú (del 9 al 20 de septiembre). Dos hermanos relatan sus aventuras en la Volcana madre, La Matlacueye, donde se encuentran con una entidad inesperada que les brinda su sabiduría y les explica la importancia de conservar y compartir sus raíces yuhmú.

Las mil y una noches (del 22 al 29 de septiembre). Sarihar, el sultán de Musdahir, conoce a una nueva mujer todos los días, pero a la mañana siguiente la manda al calabozo. Rápidamente, el próspero pueblo de Musdahir se vuelve melancólico y solitario hasta que un día llega Sherezada, una valiente joven dispuesta a convertirse en sultana sin morir en el intento. Para cumplir su objetivo Sherezada se deja absorber por relatos que hacen reflexionar al sultán durante mil y una noches.

Papá está en la Atlántida (del 23 al 29 de septiembre). Tras un largo viaje que emprende su padre, dos niños huérfanos de madre son encargados con la abuela. Cuando la anciana muere, ellos se preguntan: ¿Dónde está papá? ¿Cuándo regresará? ¿Está muy lejos la Atlántida?

El club de los fantasmas (del 25 al 30 de septiembre). Esta pieza es una adaptación para actores y títeres del cuento El fantasma de Canterville, de Oscar Wilde. En este espectáculo cómico y trágico el público verá a los viejos miembros de la élite del más allá y al nuevo integrante de El club de los fantasmas, Simón de Canterville.

La cuarta edición del programa Tlaxcalteatro, circuito de teatro en comunidades 2022, confirma que las vinculaciones comunitarias son fundamentales para establecer tejidos de profesionalización con las y los artistas de los estados.

La información completa se puede consultar en los sitios: contigoenladistancia.gob.mx y helenico.gob.mx.

Con información y fotos del Helénico

¿Qué pasa cuando un comediante no sabe de qué hablar? ¿Hay un psicólogo capaz de darle una terapia enserio? ¿Qué le duele y conmueve a un actor que se dedica a hacer reír? ¿Qué tienen en común Palillo, Resortes y Cantinflas con Margarito Pérez y los standuperos de hoy? Son algunas de las cuestiones que aborda el espectáculo cómico Entre broma y broma Ausencio se asoma, que ofrecerá dos funciones este 23 y 30 de septiembre en el Teatro Bar El Vicio.

El espectáculo es presentado por Ausencio Cruz, uno de los humoristas con más amplia trayectoria en México, presenta el espectáculo, en el que vuelca toda su experiencia y talento para hacer reír y reflexionar al público sobre los comediantes hoy en día.

El creador de inolvidables personajes como el No hay, Doña Zoila y Valente Campillo, realiza en escena una profunda y divertida reflexión sobre el quehacer de los comediantes y el papel que desempeñan en la sociedad actual, dominada por el chiste fácil y lo políticamente correcto.

El hilo conductor de este show es el proceso creativo de un humorista, reviviendo en algún momento a los padres del teatro de carpa en México como: Palillo, Resortes y Cantinflas; y la guitarra de Víctor Guerrero armonizará cada monólogo.

La cita es este viernes a las 21:00 horas en el recinto ubicado en Madrid 13, Col. Del Carmen, Coyoacán, los boletos están disponibles en taquilla y boletópolis.

Con información de Factor4comunicacion, Foto: Captura de pantalla

El Centro Nacional de las Artes presenta Las longitudes del suelo, a cargo de la compañía Kaydara Danza, bajo la dirección de Tania Whaley, con funciones el 5 y 6 de noviembre en el Teatro Raúl Flores Canelo.

Es una obra que aborda, desde tres perspectivas, las sensaciones que experimenta la mujer a lo largo de su vida, relacionadas al abandono, la soledad, el control y la sumisión.

En ese sentido, la directora refiere: “Se trata de una propuesta que es como la seda, mezcla de suavidad y violencia. Seres sin rostro que se ven inmersos en entornos de los cuales no pueden escapar, reflejo de sí mismos y de la sociedad”.

Agrega: “Elementos que propician tres líneas de investigación: la individual, que es sobre el movimiento sumamente lento; un dueto, que a partir del comportamiento de los polos magnéticos se repelen y se atraen; para finalizar con una tercia, que interacciona con un elemento que restringe el movimiento independiente de cada uno de los ejecutantes”.

Sobre la compañía

Desde su fundación, en 2008, Kaydara Danza se ha presentado en diversos escenarios, como el Teatro Raúl Flores Canelo y la Galería Espacio Alternativo del Cenart, el Auditorio Nacional, en el marco de los premios “Lunas del Auditorio 2009”; el espacio Asterisco de Banfield, Provincia de Buenos Aires; y Espacio Sísmico, en C.A.B.A. Argentina. Ha colaborado con agrupaciones artísticas como el Ensamble Signos, colectivo sin faltar una coma; la Compañía Paralela y el Proyecto Signos. En 2020 estrenó tres videodanzas: 12 eslabones, Mi ventana tu reflejo y 110º.

Las funciones se llevan a cabo el sábado 5 de noviembre a las 19:00 horas y el domingo 6 denoviembre a las 18:00 h, en el Teatro Raúl Flores Canelo. Los boletos tienen un costo de $150 pesos y están disponibles en taquilla y ticketmaster.

Con información y fotos cortesía del Cenart

La compañía teatral Yei Paki sube a escena Cada soñador se duerme con sus zapatos de baile, propuesta ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia “Emilio Carballido” 2021, que otorga la Universidad Autónoma de Nuevo Léon.

Escrita por Carlos Alfonso Nava y dirigida por Luis Francisco Arroyo, la obra comenzó su temporada el pasado 23 de noviembre y culminará el próximo 14 de diciembre en el Teatro La Capilla.

Narra la historia de Cahit, un dramaturgo y ex profesor en crisis, con problemas de percepción de la realidad y suicida, que tiene una voz interior que siempre se está cuestionando sobre sus pasos por la vida. En el momento menos pensado y a partir de una llamada, obtiene lo que siempre había deseado en la vida. Sin embargo, en el camino se vincula con un entrañable amigo gay, una exalumna que lo busca para pedirle consejo y una estrecha relación consigo mismo para tratar de sobrevivir.

Se trata de una propuesta que aborda con humor los misterios de la creación artística, la amistad, la depresión, la ansiedad, el suicidio y, sobre todo, las opciones vitales que tomamos en la vida, donde al final todo sucede en el momento justo.

Cuenta con las actuaciones de Javier Olivan, Julio Escartín, Lilia Marín y Rafa Valverde, con la asistencia de dirección de Fernanda Legorreta.

La cita es este miércoles 7 y 14 de diciembre en el recinto ubicado en Calle Madrid #13, Col. Del Carmen Coyoacán, consulta horarios y precios, aquí.

Fotos: Cortesía Producción

¿Quién es Gazapo? Esta pregunta la responde Francisco Suárez en el unipersonal escrito e interpretado por él: La historia de Gazapo. Ahora la cuestión es que tal vez no te suene tanto el nombre de Francisco Suárez. Imagina a un Mago y un conejo blanco medio impertinente. Exactamente, Francisco Suárez es el Mago Frank, que para esta obra deja en el camerino su personaje de mago y a su famoso conejo. Es Francisco Suárez interpretándose a sí mismo, quien nos cuenta La historia de Gazapo.

En este monólogo Francisco Suárez nos habla de Gazapo, un singular poeta de quien el protagonista aprende importantes lecciones sobre el amor y el matrimonio. Este aprendizaje, lo comparte Suárez con la audiencia, con un poco de comedia y en algunos pasajes, un toque de drama y de suspenso.

Aquí te damos tres razones por las cuales debes ver este monólogo que se presenta los lunes en el Teatro Wilberto Cantón:

1. Más allá del conejo. Como ya dijimos, en esta ocasión no verás al Mago Frank sobre el escenario, mucho menos al Conejo Blás. Para muchos de nosotros, de distintas generaciones, el Mago Frank es una figura que nos resulta familiar. La historia de Gazapo es la oportunidad de ver en otra faceta a su creador. Francisco Suárez dice que no se considera a sí mismo un actor ni un escritor, pero en esta historia da lo mejor de sí sobre las tablas y conecta, como él sabe hacerlo, con el público.

2. La longevidad del montaje. Esta historia lleva más de 18 años presentándose. Alcanzar una cifra así no es nada fácil en el teatro, menos en el teatro mexicano. Pueden haber muchas razones que expliquen este fenómeno, pero posiblemente la más importante sea que se trata de un monólogo honesto, que habla de frente al espectador y que tiene una calidez particular.

3. Poesía en escena. En La historia de Gazapo Francisco Suárez decidió usar poemas compuestos en verso suelto (es decir que un verso es excluido de rima de los demás versos que sí riman y sin una métrica definida). Si bien este punto puede ser relativo, pues cuando se habla de poesía no se puede hablar con la verdad absoluta, y lo que a algunos gusta a otros no, es interesante encontrar en la cartelera una propuesta que rescata la musicalidad del verso rimado. Además, el texto de Gazapo es un texto que con los años ha ido evolucionando, adaptándose a los tiempos, siempre de la mano de las experiencias que su autor ha vivido.

Así que ya lo sabes, si lo tuyo son las obras que hablan del amor, que no te va a dar sermones ni moralejas, pero sí algunos consejos sobre este tema, y que usen el ritmo de la rima para hilvanar una historia, La historia de Gazapo es una buena opción, para más información, boletos y descuentos, haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro

Si quieres disfrutar de un monólogo entrañable y conmovedor, Los días de la nieve es la opción perfecta, se trata de una obra que desde el pasado nos habla hoy de temas muy vigentes todavía

Josefina Manresa, esposa del poeta español Miguel Hernández, personaje central de este monólogo escrito por el dramaturgo español Alberto Conejero, protagonizado por la actriz Carmen Vera, bajo la dirección de Kerim Martínez, acompañada por el músico Roger Vargas.

Aquí te cuento tres razones por la cuales no te puede perder este montaje que se presenta en Café K-OZ Foro Cultural

1. Carmen Vera. Dicen que el personaje escoge al actor, y Josefina Manresa no se equivocó al escoger a Carmen Vera. La estupenda actriz da voz y cuerpo a la melancolía y a la entereza, a la memoria de Josefina que se abre paso al final de sus días. Sentada frente a una vieja máquina de coser, a solas con un vestido color del mar, la actriz conmueve y vuelve entrañable para el espectador a una mujer a la que la historia le ha negado el lugar que le corresponde.

2. Un homenaje a Josefina Manresa. Más que hablar del extraordinario poeta Miguel Hernández, esta obra es un homenaje a Manresa. El autor del texto ha dicho que al escribirlo descubrió “la sencilla fuerza de una superviviente de las peores tristezas, que aprendió a amar en las palabras y por las palabras”. Josefina es más que la “pastora de los besos” del poeta y de su legado, es una mujer que a fuerza de voluntad y de memoria se impuso al franquismo. Sobrevivió 12 años al dictador y vio la transición española. Esta sobreviviente, con su voz, no solamente rescató la memoria del poeta, rescató y le dio voz a muchos otros, a muchos que la perdieron, a muchos que hoy todavía la necesitan.

3. Alberto Conejero. El autor de este texto es uno de los exponentes más reconocidos de la nueva generación de dramaturgos españoles. Ganador en 2019 del Premio Nacional de Literatura Dramática en Madrid por la obra La geometría del trigo. En 2016 obtuvo el reconocimiento a Mejor Autor en los premios Max por La piedra oscura, misma obra que en México recibió en 2017 el Premio del Público Cartelera de Teatro a Mejor Dramaturgia. Las obras de Conejero tienen un eco de épocas pasadas que nos confrontan con el presente y nos hacen cuestionar el futuro.

Con esta propuesta el Café K-OZ Foro Cultural ha retoma sus actividades escénicas y te espera para que vivas esta historia que merece ser contada, todos los sábados hasta el 1 de abril, consulta horarios, precios y descuentos, aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado Foto: Cortesía de Kozproducciones

Jamie Campbell, el joven que inspiró el musical Todo el mundo habla de Jamie, está consciente de que aunque su historia empezó a escribirse hace 28 años -cuando nació-, ahora públicos de diferentes partes del mundo han podido conocer su vida, y sobre todo, identificarse con él. Aquí nuestra entrevista para saber más de quién es la inspiración del musical que actualmente se presenta en el Teatro Manolo Fábregas.

EL INICIO DE UN DOCUMENTAL QUE SE HIZO VIRAL

Este viaje empezó con el documental Jamie: Drag Queen at 16, dirigido por Jenny Popplewell. La iniciativa de hacer esta película en realidad vino del propio Jamie, quien quería que se documentara el proceso en el que él intentaría asistir a su Prom (baile escolar).

“Yo tenía la idea de ir al Prom usando un vestido. Mi mamá y yo hablábamos de eso, y aunque ella me apoyaba, yo no me sentía seguro de hacerlo, entonces se nos ocurrió que sería menos probable recibir una golpiza si teníamos a un crew de filmación con nosotros”, recuerda Jamie entre risas.

El joven mandó entonces un pitch a diferentes compañías de producción y hubo interés de Firecracker Films y posteriormente de la BBC, quien actualmente transmite esta cinta en su sito.

PARALELISMOS ESCOLARES

Dentro del musical, una de las principales antagonistas de Jamie es Miss Hedge, quien continuamente busca limitarlo y hasta le aconseja que trabaje como operador de montecargas. Además tiene otro detractor: Dean, un joven que lo molesta e insulta continuamente. En la vida real, Jamie recuerda haber tenido más opositores.

“Tuve varias maestras crueles. Lo que sucede con las adaptaciones es que tienen que condensarse varias cosas, pero en mi caso no solo fue una mala maestra o solo un bully, tuve varios. El musical está inspirado en mi vida, pero también se tomaron algunas ‘licencias artísticas”, confiesa el joven originario de Bishop Auckland, un pequeño pueblo ubicado en el condado de Durham, Inglaterra.

Al igual que el protagonista del musical que también se llevó al cine, en la vida real Jamie tiene varios amigos, pero no mantiene comunicación con su padre.

“No hablo con mi papá desde años, pero afortunadamente tengo amor de otros lugares; no puedes esperar que todos en el mundo te quieran”, considera.

En los momentos difíciles, y como una constante a lo largo de su vida, él se ha mantenido fuerte gracias al apoyo incondicional de su madre.

“Sin ella no sé cómo hubiera salido adelante. Por eso me pone triste escuchar de gente que no cuenta con un apoyo así, porque todos necesitamos soporte; pero algo que le digo mucho a los jóvenes es que si no tienen ese tipo de apoyo en casa, afuera hay mucha gente dispuesta a ayudarlos. Hay gente horrible en el mundo, sí, pero también gente muy amable”, reflexiona.

LA EMPATÍA ES UNIVERSAL

Inicialmente, Jamie pensaba que la historia de su vida se llevaría al escenario solo como una producción comunitaria local, pero luego el show inspirado en su vida estrenó en Sheffield, en 2017, se volvió tan exitoso, que después se llevó a países como Corea del Sur, Japón, Estados Unidos, Italia y Australia.

“Cuando lo vi esa primera vez lloramos muchísimo, y realmente nos sorprendimos porque no sabíamos qué esperar, fue como experimentar una montaña rusa de emociones”, admite.

Ahora, este musical ha cruzado el océano Atlántico para llegar hasta México; donde, por primera vez en español, se espera que siga encontrando una audiencia.

“Gente de todo el mundo ha conectado con la historia, ha dejado de ser solo mía para ser de muchos. Eso nos demuestra que el amor, la aceptación y el ser quien eres trasciende culturas, y fronteras. Ha sido una aventura increíble que ha superado mis expectativas”, reconoce el joven seguirá haciendo presentaciones Drag y quien está por terminar de escribir un libro.

Finalmente, Jamie recomienda a las audiencias mexicanas darle oportunidad a esta obra que nos recuerda la importancia de ser tú mismo, y de perseguir los sueños.

“Personalmente creo que es el mejor show del planeta, tiene todo: buena música, vestuarios increíbles, corazón y una gran historia, la producción es muy buena en México, y también el elenco. Sobre lo que te deja, hay que seguir luchando por lo que queremos y no tener miedo de intentar cosas nuevas, porque nunca sabes lo que va a pasar, ¡podrías terminar con un musical sobre tu vida al otro lado del mundo” concluye.

Por Mariana Mijares, Foto: 33 Productores/Manojo de Ideas

Hace unos días te contamos sobre las obras que estrenarán temporada en la capital, ahora te traemos 5 increíbles reestrenos que puedes disfrutar durante el mes: comedia, humor negro, farsa y hasta el teatro documental, hay para todos los gustos.

¡No lo pienses más y lánzate a las salas!

LUN. Escrita por Valeria Fabbri esta comedia que navega en el mundo del sinsentido, nos cuenta la poderosa y conmovedora historia de Lun, una niña de 4 años, que se pregunta todo el día acerca de la existencia humana, de la vida real y del origen de las palabras. Ofrece funciones de viernes a domingo en el Teatro María Tereza Montoya.

Lavar, peinar y enterrar. Esta divertida comedia de humor negro dirigida por Pila Boliver, nos cuenta una tremenda historia de esas que lamentablemente ocurre todos los días en nuestro país, el secuestro. Aquí serás testigo de las vicisitudes que tendrán que afrontar una estilista y su ayudante que se vuelven presas de un atípico secuestro, aquí descubriremos a algunos cadáveres que nos pondrán la piel de gallina. Las funciones son los sábados y domingos en el Foro La Gruta.

Niñas y niños. Este monólogo, elegido en los Premios del Público 2023, escrito por Dennis Kelly, nos desafía al compartir una historia que puede que no deseemos oír. En esta cautivadora narrativa, una mujer nos habla sin tapujos sobre las diversas experiencias que ha atravesado en su vida, desde los momentos emocionantes de enamoramiento, hasta los obstáculos que ha enfrentado en su camino, su desarrollo profesional y su relación de pareja. Se presenta todos los viernes de junio en El77 Centro Cultural Autogestivo.

Junio en el ‘93. Esta conmovedora puesta está inspirada en las memorias del reconocido actor Alejandro Reyes, así como sus experiencias de disidencia sexual. En la trama conocemos a Junio y su amiga trans, Venus, mientras explora las distintas facetas que definen la identidad de Junio como hombre cisgay. Se trata de una historia que va más allá de los encuentros furtivos y el sexo casual, para contarnos temas profundos y complejos. Se presenta de jueves a domingo en el Foro de las Artes del Cenart.

Pulmones Este montaje pone sobre la mesa un tema que debería ocuparnos cada vez más, la procreación, en un mundo que se ha vuelto cada vez más desfavorable y donde los recursos comienzan a ser más escasos. Este es el punto de partida de esta historia, donde una pareja joven se debate entre el deseo de convertirse en padres y su afán por ser más concientes sobre el cambio climático. La obra regresa a partir del 22 de junio al Foro Lucerna con funciones todos los jueves.

Si no tuviste oportunidad de ver alguna de ellas en otras temporadas, ahora es tu momento.

Por Itaí Cruz, Fotos: Luis Quiroz, FB Búhos Teatro

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• Los estrenos que llegan en junio a la CDMX

La compañía AB producciones sube a escena su más reciente propuesta, El velorio de mi madre, que se presenta los sábados y domingos en El Círculo Teatral, hasta el 2 de julio.

Escrita y protagonizada por Alan Blasco, dirigida por Salomón Mondragón, con música de JC Taylor, la puesta aborda la historia de una actriz y cantante trans que estando al borde del suicidio se entera de la muerte de su madre.

A diferencia de sus obras anteriores, en esta pieza, Blasco, considera: “Es un acto de amor bonito donde es un humor muy blanco con unas pinceladillas de humor negro, pero es un humor muy blanco, es un apapacho al alma”.

Agrega: “La importancia de esta obra en estos tiempos es recordarnos que la vida es corta (…) y lo único que dejamos cuando nos vamos son nuestros actos, es nuestro amor, es nuestra verdadera herencia, esa es la verdadera inmortalidad, dejar un legado por medio de nuestras acciones y por medio de lo que dimos y lo que dijimos”.

En la historia, Doña “Tere”, madre de la afamada y prolifera actriz y cantante transexual “BABILONIA LA GRANDE” ha muerto. Noticia que recibe durante un intento de suicidio por sobredosis para olvidar su patética separación y dolorosa caída artística, enterándose, asimismo, que la última petición de su madre fue ser sepultada en su pueblo “Tlahuaca”, pueblo cafetero en el estado de Veracruz, donde aún se le recuerda como hombre. A su llegada se ve invadida por fans, familiares, funcionarios públicos, ataques de pánico de su hermana, presión por la prensa y figuras del espectáculo, todos arribando en esta acalorada localidad llena de sabor.

Con este montaje, la producción busca que el público viva una experiencia inmersiva, con música de guitarra, donde el espectador pueda sentirse en un ambiente íntimo y disfrutar del café o de un buen trago.

La obra se presenta hasta el 2 de julio en el recinto ubicado en Veracruz 107, Condesa, consulta horarios y precios, aquí.

Con información y fotos cortesía SANAHE

(Fuera de cartelera)
Monólogo Comedia, Drama, Cabaret

En conferencia de prensa se anunciaron las compañías que participarán en el en la edición número 20 del Festival Internacional de Cabaret (Ficab). En el Salón Tenampa, en el corazón de la Ciudad de México, Luz Elena Aranda, directora del Ficab; Cecilia Sotres y Nora Huerta, consejo fundador del festival e integrantes de las Reinas Chulas; y Argel Gómez Concheiro, director general de Grandes Festivales Comunitarios de la Secretaría de Cultura de la CDMX, dieron los detalles de la fiesta cabaretera.

Luz Elena Aranda recordó que hace 20 años Las Reinas Chulas decidieron hacer una pequeña muestra con tres obras de teatro de cabaret. Estas obras dirigidas por ellas y actuadas por sus alumnas y alumnojs  de sus talleres de cabaret, explico, “fue la semilla de lo que hoy conocemos como el Festival Internacional de Cabaret”.

La misión del festival, explica su directora, es transformar conciencias a través del arte y la risa, “para promover una ciudadanía más crítica y reflexiva, y así contribuir a la construcción de una sociedad más justa, placentera y feliz”.

Este año el slogan del festival es “Te escucha, lo dice, te ves”,  el cual habla, señaló Aranda, de la relación directa que existe entre el cabaret y la gente. “Al final el cabaret es eso, el cabaret es un género teatral que responde directamente a la gente, a lo que la gente piensa, a lo que la gente siente, a lo que nos duele y nos preocupa”, señaló. Dice cosas desde el escenario con otras palabras y con otros lenguajes para hacer que la gente se vea reflejada, puntualizó.

En esta edición del festival se dejó de ser solamente un festival en la Ciudad de México, destacó la organización. Si bien desde hace un par de años se venían realizando esfuerzos para descentralizar el festival, en esta ocasión finalmente se contará con tres sedes: Ciudad de México, Tijuana y Oaxaca.

En cada sede habrán diversas actividades, las cuales “no solo vienen de la Ciudad de México, sino actividades que se hacen también en estos lugares”. En las sedes participarán cabareteros y cabareteras de Tijuana y Oaxaca.

36 compañías participan en esta edición del festival. Además, se realizarán seis actividades de aprendizaje abiertas al público en general y de entrada libre, llamadas Festi Académico. Éstas últimas, explica Cecilia Sotres, buscan combatir el estereotipo de que el cabaret se hace a la carrera y es un “género menor”. Por el contrario, subrayó, se trata de un teatro muy profundo, crítico y subversivo.

Para hacer cabaret, agregó la directora y actriz, se necesita dominar cuestiones técnicas relativas al canto, el baile y la actuación, además de una observación incisiva de la realidad. En este sentido, considera que profundizar en los temas requiere un quehacer y un oficio que se puede compartir. “Esta parte académica es para mí, y para el festival ,fundamental”, advierte.

Por su parte, Nora Huerta adelantó que “será una fiesta muy hermosa”. A lo largo de 20 años, dijo, todas, todos, todes los artistas que han pasado por acá han dejado un “cacho de su corazón”. Informó que el festival arrancará con una doble función. Una de ellas Stand-Rap en el Foro A Poco No y la otra en el Teatro de la Ciudad donde presentará Nora y las pecadoras.

Finalmente, Argel Gómez afirmó que el festival no tiene por qué agradecer a las autoridades el apoyo. “Para nosotros es un honor que el Festival Internacional de Cabaret esté en la Ciudad de México“, destacó. Al respecto, subrayó que son pocos los festivales en nuestro país que logran durar tantos años y dejar tanta huella. El festival, afirmó, “es una escala, una parada fundamental en la vida cultural de la Ciudad de México”.

El festival contará con sedes con boleto pagado y sedes gratuitas y se realizará entre el 2 y el 26 de agosto. Entre las sedes con boleto pagado estarán el Teatro Bar el Vicio y el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ambos en la CDMX. Además, en este tipo de sedes están el Foro A Poco No (CDMX), el Centro Cultural Tijuana (Baja California) y la Antigua Bodega de Papel (Tijuana, Baja California).

Entre las sedes gratuitas están la Red de FAROS de la CDMX y el Centro Cultural de España en México (CDMX). En Baja California participará el Centro Cultural Tijuana. Mientras que en Oaxaca se suman la Estación Morelos y La Locomotora Faro Escénico.

El Festival es una iniciativa de Las Reinas Chulas Cabaret y Derechos Humanos, en coproducción con la Secretaría de Cultura de la CDMX, con apoyo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México.

Para más información de la programación, sedes y actividades haz clic aquí,  o en el sitio oficial del festival.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cartelera de Teatro.

Seguro has pasado miles de veces por Reforma y si nunca has visitado el Centro Cultural del Bosque, sigue leyendo, porque aquí te contamos un poco sobre su historia, así como las propuestas que están en temporada.

Su origen se remonta a una iniciativa del entonces presidente Miguel Alemán Valdés que mandó construir un complejo exclusivo para la exhibición ecuestre. Fue inaugurado el 21 de julio de 1962 como Unidad Artística y Cultural del Bosque y desde entonces, el complejo se ha caracterizado por presentar espectáculos de teatro y danza, y al mismo tiempo, ha servido como foro de experimentación artística, discusión y reflexión entre las diversas manifestaciones escénicas, que van desde lo convencional hasta lo más vanguardista.

El CCB cuenta con una ubicación ideal, por un lado está a unos pasos del Bosque de Chapultepec y también está muy cerca del Auditorio Nacional, además cuenta con una librería, una cafetería y un estacionamiento gratuito en el que sólo se necesita el boleto para ingresar.

Aquí te dejamos una selección de obras que puedes disfrutar en temporada:

Radio Piporro y los nietos de don Eulalio. Escrita, dirigida e interpretada por Víctor Hernández, acompañado por Roberto Cazares en la interpretación, el montaje se entreteje entre la ficción, un falso documental, datos históricos de Nuevo León y autobiografía de los actores. Ofrece funciones de jueves a domingo hasta el 23 de julio en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky.

Manuscrito 512. Escrito y dirigido por José Luis Cruz, es un proyecto teatral con tintes dramáticos que narra la historia de un pergamino mágico que hechiza a quienes lo leen o tocan. Con funciones de jueves a domingo en la Sala Xavier Villaurrutia.

Un obús en el corazón. El texto autobiográfico de Wajdi Mouawad nos describe un capítulo de intensa violencia que el autor presenció mientras vivía en Líbano durante la guerra civil. Se presenta hasta el 22 de septiembre en el Teatro El Galeón.

Xólotl. La propuesta de Zona de títeres cuenta con marionetas, canto, música electroacústica, performance y video, presenta la historia de Nezahualcóyotl quien tiene apenas 15 años y atestigua el asesinato de su padre, el rey Ixtlilxóchitl. Ofrece funciones de jueves a domingo hasta el Teatro El Granero.

Un Par. Teatro Al Vacío, suben a escena para contar una historia a través del juego, sin palabras, con imágenes y acciones sobre las relaciones de poder y autoridad. Ofrece funciones sábado y domingo, hasta el 20 de agosto en la Sala Xavier Villaurrutia.

¿A cuál te vas a lanzar?

Por Itaí Cruz, Fotos: Sandra Hordóñez y Gabriel Silva

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• 5 propuestas en temporada en TEATROS CIUDAD DE MÉXICO

Este jueves inició la segunda temporada de Indecente en el Teatro Helénico.  La obra, escrita por Paula Vogel y dirigida por Cristian Magaloni, se presentará por 5 únicas semanas.

Como madrina de la temporada estuvo la actriz Fernanda Castillo. Uno regresa al teatro, dijo, porque el teatro “hace esto que hicieron en el escenario. El teatro te revoluciona, el teatro nos habla a todos con un lenguaje diferente, pero sobre todo porque el teatro nos conecta“.

La actriz agradeció al elenco su entrega genuina, intima y hermosa en esta obra. “Ya veo porque todo el mundo sale tan emocionado y tan conmovido, tan conectado con el teatro después de ver esta obra”, señaló.

La productora Ana Kupfer agradeció a toda la producción, al equipo creativo y al elenco. Dedicó además esta temporada a Eloy Hernández, con quien inició este proyecto y quien falleció en el 2021.

El elenco de la obra está integrado por Alberto Lomnitz, Elizabeth Guindi, Ana Guzmán Quintero, Majo Pérez, Roberto Beck, Jorge Lan y Federico Di Lorenzo. Esta semana estará alternando en Fernando Kanek. Los músicos en escena son Leo Soqui, Cecilia Becerra y Rodrigo Garibay, con ello alternan Silvestre Villaruel, Carliz Benítez y Francisco Verden.

Indecente fue la gran ganadora de los premios de Público Cartelera de Teatro 2023. No solamente obtuvo el reconocimiento como Mejor Obra, sino también los premios a Mejor Dirección, Mejor Actriz para Majo Pérez, Mejor Dramaturgia y Mejor Diseño de Arte.

Para más información del montaje, boletos, horarios y descuentos haz clic aquí.

Por  Óscar Ramírez Maldonado, Foto: Cortesía PinPoint.

Adrián Cué escribe, dirige y actúa el montaje ¿¡¿Por qué no nos casamos?!?. En él nos habla sobre el amor y sobre el matrimonio.

Su autor considera que la obra es una oportunidad para que la gente, a través de la risa, se identifique. Para el actor y cantante se trata, además, de una forma en la que el público puede reflexionar sobre sus relaciones, su vida, el matrimonio – si es que lo tiene -, o decidir si desean casarse o entablar una relación de pareja.

Acá te contamos algunos datos sobre este montaje que tiene casi ya 10 años en cartelera.

A lo largo del tiempo ha estado en cinco espacios distintos en distintas zonas de la ciudad. La obra arrancó funciones en el Foro Cultural Coyoacanense, posteriormente pasó al Teatro Rodolfo Usigli, al extinto Teatro NH, al Teatro de la República y finalmente al Foro Sylvia Pasquel, donde actualmente se presenta.

En esta década de solamente ha detenido sus funciones por la pandemia. Esta actividad constante ha llevado a que la obra acumule más de 1,500 representaciones ya.

Nueve intérpretes la han realizado. La obra ha contado con la participación de distintas actrices y actores. Entre las actrices que han participado en ¿¡¿Por qué no nos casamos?!? están Adriana Vargas, Ana Pamela, Nancy Gamma, Odette Dupeyrón y Gaby Fernández. Los actores, además de Adrián Cué, son Adrián Rubio, Rodrigo Cuevas y ahora se incorpora al montaje Ignacio Riva Palacios.

Cambios a través del tiempo. A lo largo de su historia esta obra ha realizado cambios en su texto y en su escenografía con el objetivo de actualizarse. Las mejoras en su escenografía han sido cuatro hasta llegar a la que actualmente tiene.

Lista para atravesar fronteras. La obra después de mantenerse tanto tiempo en la cartelera de esta ciudad, estrena el 22 de septiembre un montaje en Guatemala. Además se están preparando versiones para presentarse en Colombia y en España.

Estos son algunos datos de Por qué no nos casamos. Para más información, horarios, boletos y descuentos haz clic aquí.

Por Óscar Ramírez Maldonado, Fotos: Cortesía de la producción.

(Fuera de cartelera)
Infantil

El origen del teatro sacro o teatro religioso se confunde con el origen mismo del teatro. Se sabe que el teatro occidental, que surge en Grecia, estuvo relacionado originalmente con rituales, ceremonias y festividades. Estamos en Semana Santa y es un momento ideal para hablar sobre este tipo de teatro.

Los temas que aborda este tipo de teatro son religiosos y espirituales. Entre ellos están la vida de santos, pasajes de la Biblia y otros tipos de narraciones religiosas. La idea central es comunicar las enseñanzas religiosas y promover la fe. Entre los ejemplos que podemos ver de estos montajes están los Misterios de York o los Autos Sacramentales del Siglo de Oro español. También hay ejemplos contemporáneos de Teatro Sacro, como producciones teatrales basadas en la vida de Jesucristo o en otras figuras religiosas.

Con el avance del cristianismo, y posteriormente, la iglesia católica, se origina lo que se conoce como drama litúrgico. Esto según los expertos, se da en las iglesias de Europa a finales del siglo IX. Surge a partir de composiciones dramáticas cortas que podían ser cantadas o recitadas en latín. Tuvo un fuerte desarrollo durante toda la Edad Media en España y Francia. Este tipo de dramas, con su desarrollo, evolucionaron en distintos subgéneros como los misterios, los milagros y los autos sacramentales.

El drama litúrgico, antecedente del teatro o drama sacro, se cree que – como ya mencionamos – se originó a partir de textos breves. Estos se conocen como tropos y son textos en forma de diálogo. Los ejemplos más antiguos se han localizado en el siglo IX en Suiza, específicamente en la Abadía de San Galo. Cuando estos textos comenzaron a ser acompañados de una breve representación es cuando nace el concepto de drama litúrgico.

Cuando estos diálogos evolucionaron se dio el drama sacro a través de los milagros, los juegos y los misterios. Estos se caracterizan porque se incrementa el número de participantes, se integran actores laicos, las representaciones dejan las iglesias, se dejan de representar en latín, se amplían las temáticas.

Un ejemplo de milagro es Misterios de la Pasión de Arnoul Greban (1450) y de misterio El Misterio de Elche, que fue creado en la segunda mitad del siglo XV y aún se representa en la actualidad.

Finalmente, en este tipo de teatro se encuentran los Autos sacramentales, que tienen una estructura alegórica y, por lo general, constan de un acto. El tema, generalmente relativo a la comunión, aunque se podían abordar otros temas. Grandes exponentes de este género fueron Pedro Calderón de la Barca y Lope de Vega.

En 1765 fueron prohibidos; posteriormente, en el siglo XX, algunos exponentes de la Generación del 27 española, entre ellos Rafael Alberti y Miguel Hernández, rescataron la forma del Auto Sacramental pero desacralizado.

Si bien no gozan con la popularidad que tuvieron en su momento, actualmente algunas compañías, y grupos reviven montajes de este corte.

El teatro religioso medieval también estuvo influenciado por tradiciones populares y ceremonias paganas, que evolucionaron hacia representaciones más elaboradas. En España, por ejemplo, festividades como la “fiesta del obispillo” mostraban elementos dramáticos arraigados en la cultura popular.

En resumen, el teatro religioso ha sido una parte significativa de la historia teatral occidental, transmitiendo valores espirituales y adaptándose a las cambiantes dinámicas sociales y religiosas a lo largo de los siglos.

Por Óscar Ramírez Maldonado.

Para celebrar el Día de la Niña y del Niño,  La Titería y Marionetas de la Esquina presentan una función especial de la obra, Aprender y olvidar, una enternecedora puesta que te hará reír, reflexionar, el 28 de abril en el recinto de Coyoacán.

En esta ocasión, el Abuelo Pepe será interpretado por el primer actor Arturo Ríos, quien se suma a la pléyade de talentos que han encarnado este personaje, inspirado en el primer actor de este montaje, don Lucio Espíndola.

“Cuando mi padre dejó de actuar porque su memoria empezó a fallar, lo acepté como un hecho sin retorno. No imaginé que varios años después podríamos encontrar la manera de que Lucio volviera a los escenarios”, comparte Amaranta Leyva, autora de esta conmovedora pieza.

Ana Ofelia Murguía, Angelina Peláez, Gastón Melo, Julieta Egurrola, Luisa Huertas, Martha Verduzco y Óscar Narváez, actrices y actores de número de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) jugaron a ser el Abuelo Pepe, en abril pasado, en el contexto del homenaje en honor a don Lucio Espíndola realizado por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y Marionetas de la esquina.

Dirigida por Lourdes Pérez Gay, México, y Kim Selody, Canadá, cuenta con un elenco excepcional encabezado por Amaranta Leyva, Yenizel Crespo Alarcón, Humberto Camacho y Emiliano Leyva. La escenografía e iluminación son de Gabriel Pascal.

La obra es recomendada para niños mayores de 4 años y abuelos de todas las edades, estará en única función el domingo 28 de abril a las 13 horas, en el Centro Cultural La Titería, Casa de las Marionetas, ubicado en Vicente Guerrero núm. 7, colonia del Carmen, Coyoacán.

Con información y fotos cortesía de La Titería

Por Alegría Martínez/ Al interior de un edificio se ha cometido un asesinato. Las pesquisas de un investigador privado tienen lugar en espacios comunes y en departamentos habitados por inquilinos con filias sexuales, que sin proponérselo, muestran lo que hacían la noche del crimen.

Sin sangre, pistola, cadáver tendido al suelo, utensilios, ni muros, El insólito caso del Sr. Morton, escrita y dirigida por Martín Zapata, juega con la imaginación de un público que sigue fielmente los pasos sigilosos y raudos de personajes caricaturescos por pasillos y escaleras de aire.

Zapata, ocupado en el amor, la magia y las pasiones ocultas, en buena parte de sus textos, – también autor de Ik dietrick fon (1986), Camino a Fort Collins (2014), y El convivio del difunto (2017), por mencionar solo tres de sus obras- hace reír al espectador desde los primeros parlamentos en voz del detective Otto Morgan, rociados de crítica y humor negro, que denotan el conocimiento y gusto del dramaturgo por la novela policiaca.

Las pistas que cada sospechoso otorga al agente privado, mantienen atento y con una sonrisa a un público, que además de su deseo por descubrir al homicida, se inmiscuye en la intimidad de los distintos personajes, entre éstos, una niña exhibicionista, un voyerista, una prostituta y una ninfómana.

El extraño caso del Sr. Morton, escrita en 2003 a partir del trabajo que Martín Zapata realizó con actrices y actores en Xalapa, a quienes agradece su aportación en el programa de mano, es un texto sólido que utiliza los elementos del género policiaco con conocimiento de causa, al que agrega un humor desbordante, un arduo entrenamiento actoral vinculado a la pantomima, un diseño de vestuario que remite al cine y las novelas de la época, una efectiva resolución espacial basada en iluminación y un estimulante diseño sonoro.

La obra alude, sin embargo, a una sociedad hundida en prejuicios, carencias afectivas, soledad y vacío, integrada por personas que buscan la manera de sentirse vivas a través de peculiares comportamientos sexuales y relaciones encubiertas.

Si bien el dramaturgo acepta honestamente que El extraño caso del Sr. Morton es “ un monstruo irreverente y políticamente incorrecto” – texto que incluye parlamentos como el expresado, un tanto en broma por un personaje masculino, respecto a que “las mujeres lo soportan todo”, así como el hecho de que los diversos hábitos sexuales y algunas narraciones de fantasías cliché, forman parte de la vida de personajes femeninos en su mayoría- convendría sopesar un tratamiento dramatúrgico enfocado a la equidad de género, posterior a su reestreno en 2024.

Los personajes masculinos de El insólito caso del Sr. Morgan, se integran armónicamente al espacio oscuro del escenario, que marca con luz blanca los escalones del edificio y perfila los distintos departamentos, donde sus habitantes manipulan objetos, al tiempo que utilizan y esquivan mobiliario invisible con una precisión, que agrega características aún más cómicas a cada escena.

El trabajo de dirección de actores inserta con buenos resultados al elenco en un thriller que hace cómplice al público, que en su imaginación completa el edificio, el interior de las habitaciones y hasta el café con dona que saborea a gran velocidad el detective.

El elenco, integrado por Rodrigo Vázquez/Adrián Vázquez, Arturo Barba, Rodrigo Hernández, Austin Morgan, Sofía Sylwin/Andrea Méndez, Hamlet Ramírez/Antoni Trejo Sánchez, Lariza Juárez, Fátima Favela, Carlos Patrick Casanova, Alex Guerrero, Juan Pablo de Santiago, María Antonieta Hidalgo, Paulina R, Menéndez, Karen Furlong y Vanesa Restrepo, está a la altura del reto que implica una comedia de esta naturaleza.

Cabe mencionar el desempeño de Rodrigo Vázquez, que despliega aún más su registro actoral como el humano y errático detective Morton, después de haber representado a un suicida en la compleja pieza de Cormac McCarthy, titulada El último tren; así como la construcción del expresivo y caprichoso cuadrúpedo a cargo de Hamlet Ramírez, y del escurridizo y enjundioso payaso construido por Rodrigo Hernández.

Ataviados ellos en su mayoría, con elegante traje sastre, chaleco y sombrero, y ellas con ropa sensual, falda a cuadros y olanes, medias blanca, falda ceñida, o vestido del diario, indumentaria que alude a la moda de películas policiacas y cómics, la dirección de Zapata involucra al público entre signos, engaños y el extraordinario poder de una prenda mágica, en una experiencia divertida, que agradece de pie con aplausos.

El montaje es una producción de Los Tristes Tigres, que cuenta con producción general de Adrián Vázquez, producción ejecutiva de Mónica Aline Vega y Carlos Patrick Casanova. Asistente de producción, Valery Solano, asistente de dirección Adrián Vázquez, diseño de iluminación Eduardo Mier, asistente de iluminación Aura Lobato, diseño de vestuario Giselle Sandiel, realización de vestuario de Ray Sánchez, y Rafael Villegas. Sastrería, Enrique Jiménez. Diseño de maquillaje y peinados Nash Mora y diseño sonoro Joaquín López Chas.

La obra se presenta de jueves a domingo, hasta el 12 de mayo, en el Teatro del Bosque Julio Castillo, consulta horarios y precios, aquí.

La Coordinación Nacional de Teatro presenta Un barquito en la pared, de Itzel Villalobos que ofrecerá temporada del 25 de abril al 19 de mayo, en el Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque.

Bajo la dirección de Faviola Llamas e interpretaciones a cargo de Fabiola Villalpando, Patricia Loranca, Paty Vaca, Mario González-Solís y Adriana Alonso, el montaje reflexiona sobre la situación de las mujeres en México, acompañado por los diseños de iluminación y multimedia están a cargo de Karla Sánchez “Kiwi”.

En entrevista, la directora escénica explica: “Este texto es una reinterpretación de La mulata de Córdoba, es una realidad no romantizada de esta leyenda, la de un afrofeminicidio. Si bien es un tema fuerte, es importante empezar a desmitificar las leyendas, darles una lectura con perspectiva de género y acercarlas a las personas para crear sociedades más justas y críticas respecto al entorno que estamos viviendo”.

Agrega: “Con esta obra pretendo generar una reflexión sobre la situación de las mujeres en México, poniendo especial énfasis en las afromexicanas. También refleja el ‘síndrome del espectador’, el cual postula que las personas tendemos a ver injusticias sin hacer nada, pero cuando alguna persona logra actuar y hay resultados, las demás se unen para frenar las injusticias”.

Cuenta la historia de Petra y a su madre siendo testigos de una injusticia. Ellas observan cómo se llevan a Soledad, su vecina, acusada de un crimen que no cometió. La angustia de Petra se incrementa al pasar las horas. Mientras tanto, en la prisión, Soledad va hilando cuento tras cuento, buscando un modo de postergar su inminente condena.

La obra se presentará de jueves a domingo en el Teatro El Granero Xavier Rojas del CCB, ubicado atrás del Auditorio, consulta horarios y precios, aquí.

Con información de la Coordinación Nacional de Teatro, Fotos: INBAL